Conférence : L'image artistique dans l'art. L'image artistique comme forme de pensée dans l'art

Image artistique

Image artistique- une catégorie universelle de créativité artistique, une forme d'interprétation et d'exploration du monde à partir de la position d'un certain idéal esthétique en créant des objets esthétiquement affectants. Tout phénomène recréé de manière créative dans une œuvre d’art est également appelé image artistique. Une image artistique est une image tirée de l'art créée par l'auteur d'une œuvre d'art afin de révéler le plus pleinement possible le phénomène de réalité décrit. L'image artistique est créée par l'auteur pour le développement le plus complet monde de l'art travaux. Tout d'abord, à travers l'image artistique, le lecteur révèle l'image du monde, les mouvements de l'intrigue et les caractéristiques du psychologisme dans l'œuvre.

L'image artistique est dialectique : elle unit la contemplation vivante, son interprétation subjective et son évaluation par l'auteur (ainsi que l'interprète, l'auditeur, le lecteur, le spectateur).

Une image artistique est créée à partir de l'un des médias : image, son, environnement linguistique ou une combinaison de plusieurs. Il fait partie intégrante du substrat matériel de l’art. Par exemple, le sens structure interne, la clarté de l'image musicale est largement déterminée par la matière naturelle de la musique : les qualités acoustiques du son musical. En littérature et en poésie, une image artistique se crée à partir d'un environnement linguistique spécifique ; dans l'art théâtral, les trois moyens sont utilisés.

Dans le même temps, le sens d'une image artistique ne se révèle que dans une certaine situation de communication, et le résultat final d'une telle communication dépend de la personnalité, des objectifs et même de l'humeur momentanée de la personne qui la rencontre, ainsi que des spécificités culture à laquelle il appartient. Par conséquent, souvent après un ou deux siècles depuis la création d'une œuvre d'art, celle-ci est perçue complètement différemment de la façon dont ses contemporains et même l'auteur lui-même l'ont perçue.

Dans la Poétique d'Aristote, l'image-trope apparaît comme un reflet inexact, exagéré, diminué ou altéré, réfracté de la nature originelle. Dans l’esthétique du romantisme, la ressemblance et la ressemblance cèdent la place au principe créateur, subjectif et transformateur. En ce sens, incomparable, différent de quiconque, ce qui signifie beau. C'est la même compréhension de l'image dans l'esthétique d'avant-garde, qui préfère l'hyperbole, le décalage (terme de B. Livshits). Dans l’esthétique du surréalisme, « la réalité multipliée par sept est la vérité ». Dans la poésie moderne est apparu le concept de « méta-métaphore » (terme de K. Kedrov), une image de la réalité transcendantale au-delà du seuil des vitesses de la lumière, où la science se tait et où l'art commence à parler. La métamétaphore est étroitement liée à la « perspective inversée » de Pavel Florensky et au « module universel » de l'artiste Pavel Chelishchev. Il s'agit de repousser les limites de l'audition et de la vision humaines bien au-delà des barrières physiques et physiologiques.

voir également

Liens

• Tamartchenko N. D. Poétique théorique : concepts et définitions
• Nikolaev A. I. L'image artistique comme modèle transformé du monde

Littérature : Romanova S.I. L'image artistique dans l'espace des relations sémiotiques. // Bulletin de l'Université d'État de Moscou. Série 7. Philosophie. 2008. N° 6. P.28-38. (www.sromaart.ru)

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Voyez ce qu'est « Image artistique » dans d'autres dictionnaires :

IMAGE ARTISTIQUE, forme pensée artistique. L'image comprend : matériel de réalité, recyclé imagination créatrice l’artiste, son attitude envers ce qui est représenté, la richesse de la personnalité du créateur. Hegel (voir HEGEL Georg Wilhelm Friedrich)… … Dictionnaire encyclopédique

Catégorie générale des arts. la créativité, un moyen et une forme de maîtrise de la vie à travers l'art. Une image est souvent comprise comme un élément ou une partie d’une œuvre qui a une sorte de valeur personnelle. existence et sens (par exemple, en littérature, l'image d'un personnage, ... ... Encyclopédie philosophique

Une forme de réflexion (reproduction) de la réalité objective dans l'art du point de vue d'un certain idéal esthétique. L'incarnation d'une image artistique dans différentes œuvres l'art est réalisé à l'aide de différents moyens et matériaux... ... Encyclopédie des études culturelles

image artistique- une méthode et une forme de maîtrise de la réalité dans l'art, caractérisée par l'unité indissociable des moments sensoriels et sémantiques. Il s'agit d'une image spécifique et en même temps généralisée de la vie (ou d'un fragment d'une telle image), créée à l'aide de créativité... ... Dictionnaire-thésaurus terminologique de la critique littéraire

Dans les beaux-arts, une forme de reproduction, de compréhension et d'expérience des phénomènes de la vie en créant des objets affectant esthétiquement (peintures, sculptures, etc.). L’art, comme la science, comprend le monde qui nous entoure. Cependant, contrairement à... Encyclopédie des arts

image artistique- ▲ image (être) dans, une œuvre d'art héros image littéraire. tapez (# positif). chiffre. personnages. ▼ type littéraire, personnage de conte de fées … Dictionnaire idéographique de la langue russe

La catégorie générale de la créativité artistique : la forme de reproduction, d'interprétation et de maîtrise de la vie inhérente à l'art (Voir Art) en créant des objets affectant esthétiquement. Une image est souvent comprise comme un élément ou une partie... ... Grande Encyclopédie Soviétique

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1. Énoncé de la question. 2. O. en tant que phénomène d'idéologie de classe. 3. Individualisation de la réalité en O.. 4. Typification de la réalité en O. 5. Fiction en O. 6. O. et l'imagerie ; système O. 7. Contenu O. 8. Social... ... Encyclopédie littéraire

En philosophie, résultat du reflet d’un objet dans l’esprit humain. Sur les sentiments. Aux étapes de la cognition, les images sont des sensations, des perceptions et des idées, au niveau de la pensée, des concepts, des jugements et des inférences. O. est objectif dans sa source... ... Encyclopédie philosophique

Livres

• Image artistique en scénographie. Guide d'étude, Sannikova Lyudmila Ivanovna. Le livre est un manuel destiné aux étudiants qui étudient l'art de la mise en scène et de la mise en scène de représentations théâtrales et est destiné à aider les jeunes metteurs en scène à travailler avec…

une forme de réflexion (reproduction) de la réalité objective dans l'art du point de vue d'un certain idéal esthétique. L'incarnation d'une image artistique dans différentes œuvres d'art s'effectue à l'aide de différents moyens et matériaux (mot, rythme, dessin, couleur, plastique, expressions faciales, montage cinématographique, etc.). A l'aide d'une image artistique, l'art remplit sa fonction spécifique : procurer à une personne un plaisir esthétique et encourager l'artiste à créer selon les lois de la beauté.

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IMAGE ARTISTIQUE

un moyen et une manière de refléter la réalité dans l'art, une forme d'existence d'une œuvre d'art. Dans sa structure, une image artistique est une formation complexe et incarne des principes opposés : objectif (la réalité réfléchie) et subjectif (la compréhension et l'attitude de l'artiste à son égard), individuel (chaque image est unique) et typique (reflète la répétition, naturel), réalité et fiction. Comprendre la réalité en images est particularité la créativité de l’artiste, permettant de la distinguer de l’activité intellectuelle. Dans chaque forme d'art, l'image a son propre système d'expression artistique. Ces différences se manifestent par le fait que le langage de l'image soit conserve une similitude visible avec la réalité réfléchie, soit n'a pas une telle similitude, c'est-à-dire peut être « bien » ou « non bien ».

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IMAGE ARTISTIQUE

dans les arts visuels, une forme de reproduction, de compréhension et d'expérience des phénomènes de la vie en créant des objets esthétiquement affectants (peintures, sculptures, etc.). L’art, comme la science, comprend le monde qui nous entoure. Cependant, contrairement au scientifique qui s'efforce de découvrir et d'explorer les lois objectives de la nature et de la société, indépendamment de sa volonté, l'artiste, reproduisant des formes et des phénomènes, monde visible, exprime tout d'abord son attitude, ses expériences et état d'esprit. Une image artistique est une fusion complexe de compétences professionnelles et d'inspiration créative, de l'imagination du maître, de ses pensées et de ses sentiments. Le spectateur ressent dans une œuvre d'art un sentiment de joie ou de solitude, de désespoir ou de colère. La représentation de la nature dans un paysage est toujours humanisée et porte l’empreinte de la personnalité du peintre.

Dans une œuvre d’art, contrairement à une œuvre scientifique, quelque chose reste toujours irrésolu. Chaque époque et chaque personne voit quelque chose qui lui est propre dans l'image créée par l'artiste. Le processus de perception d’une œuvre devient un processus de co-création.

La source de création d'images artistiques pour de nombreux maîtres est un appel direct au monde environnant (paysage, nature morte, peinture domestique). D'autres artistes recréent des événements du passé ( peinture d'histoire). Une étude approfondie du matériel historique est complétée par une perspicacité créative dans les peintures de N. N. Ge et V. I. Surikov, qui nous emmènent dans d'autres époques. L'art est capable de recréer à travers une image artistique même ce qui n'existe pas dans l'espace visible, de transmettre au spectateur les rêves, les fantasmes, les aspirations du maître, d'incarner dans des images visibles un conte de fées (V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel) et la plus haute réalité Monde divin(Vieilles icônes russes, croquis bibliques de A. A. Ivanov).

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IMAGE ARTISTIQUE

généralisé réflexion artistique réalité, revêtue de la forme d'un phénomène individuel spécifique. Tout phénomène créé de manière créative par un artiste, un peintre ou un écrivain est également appelé image artistique. La source de l'image sont les objets et les phénomènes du monde environnant, les images sont donc secondaires par rapport à eux. Mais l’image n’est pas une copie mécanique de l’original. L'imagination créatrice et la fantaisie de l'artiste jouent un rôle énorme dans la création d'images, qui transforment la réalité et permettent d'identifier et de montrer ses caractéristiques essentielles. Par conséquent, l'image représente l'unité inextricable des principes objectifs et subjectifs, des aspects sensoriels et sémantiques de la créativité artistique. Une image est objective dans la mesure où elle reflète correctement la réalité. Mais une image peut refléter une ou plusieurs faces d’un objet réel, mais pas la totalité. L’original est donc toujours plus riche que l’image. En reproduisant certaines qualités réelles de l'original (et sans les désigner ou les remplacer comme signe), l'image peut le faire avec divers degrés de convention - depuis le caractère descriptif réaliste jusqu'à la métaphore et le symbolisme. L'importance du principe subjectif dans une image artistique provoque également une ambiguïté dans sa perception, qui devient également un processus créatif. Ainsi, différents spectateurs peuvent voir quelque chose qui leur est propre dans l’image. Il existe des différences particulièrement grandes dans la perception des images artistiques entre les personnes de différentes époques, pays et cultures.

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Image artistique

Image artistique - tout phénomène recréé de manière créative par l'auteur dans une œuvre d'art. C’est le résultat de la compréhension par l’artiste d’un phénomène ou d’un processus. En même temps, l'image artistique non seulement reflète, mais surtout généralise la réalité, révèle l'éternel chez l'individu, le passager. La spécificité d'une image artistique est déterminée non seulement par le fait qu'elle comprend la réalité, mais aussi par le fait qu'elle crée un nouveau monde fictif. L'artiste s'efforce de sélectionner de tels phénomènes et de les représenter de manière à exprimer son idée de la vie, sa compréhension de ses tendances et de ses modèles.

Ainsi, « une image artistique est une image à la fois spécifique et généralisée de la vie humaine, créée à l'aide de la fiction et ayant une signification esthétique » (L. I. Timofeev).

Une image est souvent comprise comme un élément ou une partie d'un tout artistique, généralement un fragment qui semble avoir une vie et un contenu indépendants (par exemple, un personnage littéraire, images symboliques, comme une « voile » de M. Yu. Lermontov).

Une image artistique devient artistique non pas parce qu’elle est copiée de la vie et ressemble à un objet ou un phénomène réel, mais parce que, avec l’aide de l’imagination de l’auteur, elle transforme la réalité. Une image artistique ne copie pas seulement la réalité, mais s'efforce plutôt de transmettre le plus important et l'essentiel. Ainsi, l’un des héros du roman « L’Adolescent » de Dostoïevski a déclaré que les photographies peuvent très rarement donner une idée correcte d’une personne, car ce n’est pas toujours le cas. visage humain exprime les principaux traits de caractère. Ainsi, par exemple, Napoléon, photographié à un certain moment, peut paraître stupide. L'artiste doit trouver l'élément principal et caractéristique du visage. Dans le roman Anna Karénine de L. N. Tolstoï, l'amateur Vronsky et l'artiste Mikhaïlov ont peint un portrait d'Anna. Il semble que Vronsky connaisse mieux Anna, la comprenne de plus en plus profondément. Mais le portrait de Mikhaïlov se distinguait non seulement par sa similitude, mais aussi par cette beauté particulière que seul Mikhaïlov pouvait découvrir et que Vronsky n'avait pas remarqué. « Il fallait la connaître et l'aimer, comme j'ai aimé, pour trouver cette plus douce expression de son âme », pensait Vronsky, bien que de ce portrait il ne reconnaisse que « cette plus douce expression de son âme ».

À différents stades du développement humain, l’image artistique prend différentes formes.

Ceci arrive pour deux raisons:

le sujet de l'image lui-même change - la personne,

Les formes de son reflet dans l'art changent également.

Il existe des spécificités dans la réflexion du monde (et donc dans la création d'images artistiques) par les artistes réalistes, sentimentaux, romantiques, modernistes, etc. Au fur et à mesure que l'art se développe, le rapport entre réalité et fiction, réalité et idéal, général et individuel , changements rationnels et émotionnels, etc.

Dans les images de la littérature classique, par exemple, la lutte entre le sentiment et le devoir apparaît au premier plan, et cadeaux font invariablement un choix en faveur de ces derniers, sacrifiant le bonheur personnel au nom des intérêts de l'État. Les artistes romantiques, au contraire, exaltent le héros rebelle, le solitaire qui a rejeté la société ou en a été rejeté. Les réalistes s'efforçaient d'acquérir une connaissance rationnelle du monde, identifiant les relations de cause à effet entre les objets et les phénomènes. Et les modernistes ont déclaré qu'il n'est possible de connaître le monde et l'homme que par des moyens irrationnels (intuition, perspicacité, inspiration, etc.). Au centre des œuvres réalistes se trouve l'homme et sa relation avec le monde extérieur, tandis que les romantiques, puis les modernistes, s'intéressent avant tout à monde intérieur leurs héros.

Bien que les créateurs d'images artistiques soient des artistes (poètes, écrivains, peintres, sculpteurs, architectes, etc.), en un sens, leurs co-créateurs sont ceux qui perçoivent ces images, c'est-à-dire les lecteurs, les spectateurs, les auditeurs, etc. , le lecteur idéal perçoit non seulement passivement une image artistique, mais la remplit également de ses propres pensées, sensations et émotions. Personnes différentes et différentes époques en révèlent différentes facettes. En ce sens, l’image artistique est inépuisable, comme la vie elle-même.

Moyens artistiques de créer des images

Caractéristiques de la parole du héros :

- dialogue– une conversation entre deux personnes, parfois plus ;

- monologue- discours d'une personne ;

- monologue interne- les déclarations d'une personne, prenant la forme d'un discours interne.

Sous-texte – attitude inexprimée directement, mais devinable de l'auteur envers le sens représenté, implicite et caché.

Portraits – représentation de l'apparence du héros comme moyen de le caractériser.

Détail -détail expressif dans l'œuvre, porteur d'une charge sémantique et émotionnelle importante.

Symbole - une image exprimant la signification d'un phénomène sous une forme objective .

Intérieur –design d'intérieur, cadre de vie des gens.

la méthode et la forme de maîtrise de la réalité dans l'art, catégorie universelle de l'art. la créativité. Entre autres esthétiques catégories catégorie X. o. – d’origine relativement tardive. Dans l'Antiquité et le Moyen Âge. l'esthétique, qui ne distinguait pas l'artistique dans une sphère particulière (le monde entier, l'espace - une œuvre artistique du plus haut niveau), l'art était caractérisé avant tout. canon - un ensemble de technologies des recommandations qui assurent l’imitation (mimesis) des arts. le début de l'existence elle-même. À anthropocentrique. L'esthétique de la Renaissance remonte (mais a ensuite été fixée dans la terminologie - dans le classicisme) à la catégorie de style associée à l'idée du côté actif de l'art, le droit de l'artiste de façonner l'œuvre en fonction de sa créativité. . l'initiative et les lois immanentes d'un type particulier d'art ou de genre. Quand, à la suite de la désesthétisation de l’être, se révèle la désesthétisation du pratique. activité, une réaction naturelle à l'utilitarisme a donné une spécificité. compréhension des arts. forme une organisation selon le principe de l'interne but, et non usage externe (beau, selon Kant). Enfin, en lien avec le processus de « théorisation », le procès prendra fin. le séparant des arts mourants. l'artisanat, poussant l'architecture et la sculpture à la périphérie du système artistique et poussant au centre les arts plus « spirituels » dans la peinture, la littérature, la musique (« formes romantiques », selon Hegel), le besoin s'est fait sentir de comparer les arts. créativité avec la sphère de la pensée scientifique et conceptuelle pour comprendre les spécificités des deux. Catégorie X.o. a pris forme dans l'esthétique de Hegel précisément comme réponse à cette question : l'image «... met devant notre regard, au lieu d'une essence abstraite, sa réalité concrète...» (Soch., vol. 14, M., 1958, p.194). Dans sa doctrine des formes (symboliques, classiques, romantiques) et des types d'art, Hegel a esquissé divers principes pour la construction de l'art. Comment Divers types la relation « entre image et idée » dans leur historique. et logique séquences. La définition de l’art, remontant à l’esthétique hégélienne, comme « penser en images » a ensuite été vulgarisée en un intellectualisme unilatéral. et positiviste-psychologique. concepts de X. o. fin 19 – début 20e siècles Chez Hegel, qui interprétait toute l'évolution de l'être comme un processus de connaissance de soi, de pensée de soi, d'abdos. esprit, justement lors de la compréhension des spécificités de l'art, l'accent n'était pas mis sur la « pensée », mais sur « l'image ». Dans la compréhension vulgarisée de X. o. se résume à une représentation visuelle idée générale , à une connaissance particulière. une technique basée sur la démonstration, montrant (au lieu de preuves scientifiques) : une image-exemple mène des particularités d'un cercle aux particularités d'un autre cercle (à ses « applications »), en contournant la généralisation abstraite. De ce point de vue, l'art. l'idée (ou plutôt la multiplicité des idées) vit séparément de l'image - dans la tête de l'artiste et dans la tête du consommateur, qui trouve l'une des utilisations possibles de l'image. Hegel voyait la connaissance. côté X.o. dans sa capacité à être porteur d'un art spécifique. idées, positivistes - dans le pouvoir explicatif de sa représentation. A la fois esthétique. le plaisir était caractérisé comme un type de satisfaction intellectuelle et la sphère entière ne peut être représentée. la réclamation a été automatiquement exclue de l’examen, ce qui a remis en question l’universalité de la catégorie « X. o ». (par exemple, Ovsyaniko-Kulikovsky a divisé l'art en « figuratif » et « émotionnel », c'est-à-dire sans ? figuratif). Pour protester contre l'intellectualisme au début. 20ième siècle des théories laides de l'art sont apparues (B. Christiansen, Wölfflin, formalistes russes, en partie L. Vygotsky). Si le positivisme est déjà intellectualiste. le sens, en sortant l'idée, le sens entre parenthèses X. o. - en psychologie domaine des « applications » et des interprétations, a identifié le contenu de l’image avec sa thématique. remplissage (malgré la doctrine prometteuse de la forme interne, développée par Potebnya dans la lignée des idées de V. Humboldt), alors les formalistes et les « émotifs » ont en fait fait un pas de plus dans la même direction : ils ont identifié le contenu avec le « matériel » , et a dissous le concept d'image dans la forme conceptuelle (ou design, technique). Pour répondre à la question dans quel but le matériau est traité par la forme, il a fallu - sous une forme cachée ou manifeste - attribuer à l'œuvre d'art une finalité extérieure, par rapport à sa structure intégrale : l'art a commencé à être considéré dans certains dans certains cas, comme individu hédoniste, dans d’autres, comme « technique sociale des sentiments ». Compétent. l'utilitarisme a été remplacé par un utilitarisme éducatif et « émotionnel ». Moderne l'esthétique (soviétique et en partie étrangère) revient au concept figuratif de l'art. créativité, en l'étendant au non-représenté. revendication et ainsi surmonter l'original. intuition de la « visibilité », de la « vision » dans les lettres. au sens de ces mots, il était inclus dans le concept de « X. o ». sous l'influence de l'Antiquité. l'esthétique avec son expérience plastique. réclamation (grec ????? - image, image, statue). sémantique russe le mot « image » indique avec succès a) l’existence imaginaire de l’art. fait, b) son existence objective, le fait qu’il existe comme une certaine formation intégrale, c) sa signification (une « image » de quoi ? , c'est à dire. l'image présuppose son propre prototype sémantique). X.o. comme un fait d’existence imaginaire. Chaque œuvre d'art a son propre matériel et physique. la base, qui est cependant directement porteur de non-arts. sens, mais seulement une image de ce sens. Potebnya avec son psychologisme caractéristique dans la compréhension de X. o. vient du fait que X. o. il y a un processus (énergie), le croisement de l'imagination créatrice et co-créative (perception). L'image existe dans l'âme du créateur et dans l'âme de celui qui la perçoit, et est une œuvre d'art objectivement existante. un objet n'est qu'un moyen matériel d'exciter la fantaisie. En revanche, le formalisme objectiviste considère les arts. une œuvre en tant que chose fabriquée, qui a une existence indépendante des intentions du créateur et des impressions du percepteur. Ayant étudié de manière objective et analytique. à travers les sens matériels. des éléments qui composent cette chose et de leurs relations, on peut épuiser sa conception et expliquer comment elle est fabriquée. La difficulté, cependant, est que les arts. une œuvre en tant qu'image est à la fois une donnée et un processus, elle demeure et dure à la fois, elle est à la fois un fait objectif et un lien procédural intersubjectif entre le créateur et le percepteur. Allemand classique l'esthétique considérait l'art comme une certaine sphère intermédiaire entre le sensuel et le spirituel. « Contrairement à l'existence directe des objets de la nature, le sensuel dans une œuvre d'art est élevé par la contemplation en pure visibilité, et l'œuvre d'art se situe à mi-chemin entre la sensualité directe et la pensée appartenant au domaine de l'idéal » ( Hegel W. F., Esthétique, tome 1, M., 1968, p. 44). Le matériau même de X. o. déjà dans une certaine mesure dématérialisé, idéal (voir Idéal), et matériau naturel joue ici le rôle de matière pour matière. Par exemple, couleur blanche la statue de marbre n'agit pas seule, mais comme le signe d'une certaine qualité figurative ; nous devrions voir dans la statue non pas un homme « blanc », mais l’image d’un homme dans sa physicalité abstraite. L’image est à la fois incarnée dans la matière et, pour ainsi dire, sous-incarnée, car elle est indifférente aux propriétés de sa base matérielle en tant que telle et ne les utilise que comme signes qui lui sont propres. nature. Par conséquent, l'existence de l'image, fixée dans sa base matérielle, est toujours réalisée dans la perception, qui lui est adressée : jusqu'à ce qu'une personne soit vue dans la statue, elle reste un morceau de pierre, jusqu'à ce qu'une mélodie ou une harmonie se fasse entendre dans une combinaison de sons, il ne se rend pas compte de sa qualité figurative. L'image s'impose à la conscience comme un objet donné en dehors d'elle et en même temps donné librement, de manière non violente, car il faut une certaine initiative du sujet pour qu'un objet donné devienne précisément une image. (Plus le matériau de l'image est idéalisé, moins sa base physique est unique et plus facile à copier - le matériau du matériau. La typographie et l'enregistrement sonore s'acquittent de cette tâche pour la littérature et la musique presque sans perte ; copier des œuvres de peinture et de sculpture déjà se heurte à de sérieuses difficultés, et une structure architecturale ne se prête guère à la copie, car l'image est ici si étroitement fusionnée avec sa base matérielle que l'environnement très naturel de cette dernière devient une qualité figurative unique.) Cet appel de X. o. à la conscience percevante est une condition importante de son histoire. la vie, son potentiel infini. Dans X.o. Il y a toujours une zone de non-dit, et la compréhension-interprétation est donc précédée de la compréhension-reproduction, une certaine imitation libre de l'interne. les expressions faciales de l’artiste, créativement volontaires, la suivant le long des « sillons » du schéma figuratif (à cela, dans le sens le plus Plan général , la doctrine de l'interne forme comme « algorithme » de l’image, développé par l’école humboldtienne-potibienne). Par conséquent, l'image se révèle dans chaque compréhension-reproduction, mais en même temps elle reste elle-même, car toutes les interprétations réalisées et de nombreuses interprétations non réalisées sont contenues comme un travail créatif prévu. un acte de possibilité, dans la structure même de X. o. X.o. comme l'intégrité individuelle. Similitude des arts. les œuvres pour un organisme vivant ont été décrites par Aristote, selon lequel la poésie devrait «... produire son plaisir caractéristique, comme un être vivant unique et intégral» («Sur l'art de la poésie», M., 1957, p. 118). . Il est à noter que l'esthétique. le plaisir (« plaisir ») est considéré ici comme une conséquence de la nature organique des arts. travaux. L'idée de X.o. en tant qu'ensemble organique, il a joué un rôle de premier plan dans l'esthétique ultérieure. concepts (notamment dans le romantisme allemand, chez Schelling, en Russie - chez A. Grigoriev). Avec cette approche, l'opportunité de X. o. agit comme son intégrité : chaque détail vit grâce à sa connexion avec l'ensemble. Cependant, toute autre structure intégrale (par exemple une machine) détermine la fonction de chacune de ses parties, les conduisant ainsi à une unité cohérente. Hegel, comme s’il anticipait la critique du fonctionnalisme primitif ultérieur, voit la différence. Les caractéristiques de l'intégrité vivante, de la beauté animée sont que l'unité n'apparaît pas ici comme un opportunisme abstrait : « ... les membres d'un organisme vivant reçoivent... l'apparence du hasard, c'est-à-dire qu'avec un membre, il n'est pas non plus donné la certitude de l'autre » (« Esthétique », vol. 1, M., 1968, p. 135). Comme ça, les arts. le travail est organique et individuel, c'est-à-dire toutes ses parties sont des individus, combinant la dépendance à l'égard du tout avec l'autosuffisance, car le tout ne soumet pas simplement les parties, mais confère à chacune d'elles une modification de sa complétude. La main sur le portrait, le fragment de la statue produisent un art indépendant. impression précisément due à cette présence du tout en eux. Ceci est particulièrement clair dans le cas de lit. des personnages qui ont la capacité de vivre en dehors de leur art. contexte. Les "formalistes" ont souligné à juste titre que le lit. le héros agit comme un signe d'unité de l'intrigue. Cependant, cela ne l'empêche pas de conserver son indépendance individuelle par rapport à l'intrigue et aux autres éléments de l'œuvre. Sur l'inadmissibilité de diviser les œuvres d'art en œuvres techniquement auxiliaires et indépendantes. ces moments ont parlé à beaucoup. Critiques russes formalisme (P. Medvedev, M. Grigoriev). Dans les arts. l'œuvre a une trame constructive : modulations, symétries, répétitions, contrastes, réalisés différemment à chaque niveau. Mais ce cadre est pour ainsi dire dissous et dépassé dans la communication dialogiquement libre et ambiguë des parties du X. o. : à la lumière de l'ensemble, elles deviennent elles-mêmes sources de luminosité, se lançant des réflexes, le dont le jeu inépuisable donne lieu à l'interne. la vie de l'unité figurative, son animation et son infinité réelle. Dans X.o. il n'y a rien d'accidentel (c'est-à-dire d'étranger à son intégrité), mais il n'y a rien non plus d'uniquement nécessaire ; l'antithèse de la liberté et de la nécessité est ici « supprimée » dans l'harmonie inhérente à X. o. même lorsqu'il reproduit le tragique, le cruel, le terrible, l'absurde. Et puisque l’image est finalement fixée dans les « morts », inorganique. matériel - il y a une renaissance visible de la matière inanimée (l'exception est le théâtre, qui traite du « matériel » vivant et s'efforce tout le temps, pour ainsi dire, de dépasser le cadre de l'art et de devenir une « action » vitale). L'effet de « transformer » l'inanimé en animé, le mécanique en organique - Ch. source d'esthétique le plaisir délivré par l'art et la condition préalable à son humanité. Certains penseurs pensaient que l'essence de la créativité réside dans la destruction, la conquête de la matière par la forme (F. Schiller), dans la violence de l'artiste sur la matière (Ortega y Gaset). L. Vygotsky dans l'esprit des influents des années 1920. Le constructivisme compare une œuvre d'art à un dépliant. appareil plus lourd que l'air (voir « Psychologie de l'art », M., 1968, p. 288) : l'artiste traduit ce qui bouge par ce qui est au repos, ce qui est aérien par ce qui est pesant, ce qui est visible par ce qui est audible, ou ce qui est beau par ce qui est terrible, ce qui est haut par ce qui est bas, etc. Pendant ce temps, la « violence » de l’artiste sur sa matière consiste à libérer cette matière des connexions et couplages mécaniques externes. La liberté de l'artiste est cohérente avec la nature du matériau, de sorte que la nature du matériau devient libre et la liberté de l'artiste est involontaire. Comme cela a été noté à plusieurs reprises, en parfaite œuvres poétiques le vers révèle dans l'alternance des voyelles un tel intérieur immuable. contrainte, le bord le rend similaire aux phénomènes naturels. ceux. en phonétique du langage général. Dans le matériau, le poète libère une telle opportunité, l'obligeant à le suivre. Selon Aristote, le domaine de la revendication n’est pas le domaine du factuel ni le domaine du naturel, mais le domaine du possible. L'art appréhende le monde dans sa perspective sémantique, le recréant à travers le prisme des arts qui lui sont inhérents. opportunités. Cela donne de la spécificité. arts réalité. Temps et espace dans l'art, contrairement à l'empirique. le temps et l’espace ne représentent pas des coupures dans un temps ou un espace homogène. continuum. Arts le temps ralentit ou s'accélère selon son contenu, chaque instant de l'œuvre a une signification particulière selon sa corrélation avec le « début », le « milieu » et la « fin », de sorte qu'il est évalué à la fois rétrospectivement et prospectivement. Ainsi les arts. le temps est vécu non seulement comme fluide, mais aussi comme spatialement fermé, visible dans sa complétude. Arts l'espace (en science spatiale) est également formé, regroupé (condensé dans certaines parties, clairsemé dans d'autres) par son remplissage et donc coordonné en lui-même. Le cadre du tableau, le socle de la statue ne créent pas, mais soulignent seulement l'autonomie de l'architecte artistique. l'espace, étant un auxiliaire moyens de perception. Arts l'espace semble chargé de dynamiques temporelles : sa pulsation ne peut être révélée qu'en passant de vue généraleà une réflexion progressive en plusieurs phases pour revenir ensuite à une couverture holistique. Dans les arts. phénomène, les caractéristiques de l'être réel (temps et espace, repos et mouvement, objet et événement) forment une synthèse si mutuellement justifiée qu'elles n'ont besoin d'aucune motivation ou ajout de l'extérieur. Arts idée (c'est-à-dire X. o.). L'analogie entre X. o. et un organisme vivant a sa propre limite : X. o. car l'intégrité organique est avant tout quelque chose de significatif, formé par son sens. L'art, étant créateur d'images, agit nécessairement comme créateur de sens, comme nom et renommage constant de tout ce qu'une personne trouve autour et en elle-même. Dans l'art, l'artiste a toujours affaire à une existence expressive et intelligible et est en dialogue avec elle ; "Pour qu'une nature morte soit créée, le peintre et la pomme doivent se heurter et se corriger." Mais pour cela, il faut que la pomme devienne une pomme « parlante » pour le peintre : de nombreux fils doivent en sortir, la tissant dans le monde entier . Toute œuvre d'art est allégorique, puisqu'elle parle du monde dans son ensemble ; il n'« enquête » pas sur s.-l. un aspect de la réalité, et représente spécifiquement en son nom dans son universalité. En cela, elle se rapproche de la philosophie qui, contrairement à la science, n'est pas de nature sectorielle. Mais contrairement à la philosophie, l’art n’est pas de nature systémique ; en particulier et spécifique. dans la matière, il donne un Univers personnifié, qui est en même temps l’Univers personnel de l’artiste. On ne peut pas dire que l'artiste représente le monde et, « en plus », exprime son attitude à son égard. Dans un tel cas, l’un gênerait l’autre ; on s'intéresserait soit à la fidélité de l'image (conception naturaliste de l'art), soit au sens du « geste » individuel (approche psychologique) ou idéologique (approche sociologique vulgaire) de l'auteur. C’est plutôt l’inverse : l’artiste (dans les sons, les mouvements, les formes d’objets) donne l’expression. être, sur lequel sa personnalité était inscrite et représentée. Comment l'expression s'exprimera. étant X. o. il y a allégorie et connaissance par allégorie. Mais comme image de « l’écriture » personnelle de l’artiste X. o. il y a une tautologie, une correspondance complète et unique possible avec l'expérience unique du monde qui a donné naissance à cette image. En tant qu'Univers personnifié, l'image a de nombreuses significations, car elle est le foyer vivant de nombreuses positions, à la fois l'une et l'autre, et la troisième à la fois. En tant qu'Univers personnel, l'image a une signification évaluative strictement définie. X.o. – l’identité de l’allégorie et de la tautologie, de l’ambiguïté et de la certitude, de la connaissance et de l’évaluation. Le sens de l'image, les arts. Une idée n’est pas une proposition abstraite, mais elle est devenue concrète, incarnée dans des sentiments organisés. matériel. Sur le chemin du concept à l’incarnation de l’art. une idée ne passe jamais par le stade de l'abstraction : en tant que projet, elle est un point concret de dialogue. la rencontre de l'artiste avec l'existence, c'est-à-dire prototype (parfois une empreinte visible de cette image initiale est conservée dans l'œuvre finie, par exemple, le prototype de la « cerisaie » laissé dans le titre de la pièce de Tchekhov ; parfois le prototype-plan est dissous dans la création achevée et n'est que perceptible indirectement). Dans les arts. Dans un plan, la pensée perd son abstraction et la réalité perd son indifférence silencieuse envers les gens. "opinion" à son sujet. Dès le début, ce grain de l'image n'est pas seulement subjectif, mais subjectif-objectif et vital-structural, et a donc la capacité de se développer spontanément, de s'auto-clarifier (comme en témoignent les nombreuses confessions des hommes d'art). Le prototype en tant que « forme formatrice » attire dans son orbite toutes les nouvelles couches de matériau et les façonne à travers le style qu’il définit. Le contrôle conscient et volontaire de l'auteur consiste à protéger ce processus des moments aléatoires et opportunistes. L'auteur, pour ainsi dire, compare l'œuvre qu'il crée avec une certaine norme et supprime l'inutile, comble les vides et élimine les lacunes. On ressent généralement avec acuité la présence d'une telle « norme » « par contradiction » lorsque l'on affirme qu'en tel ou tel endroit ou dans tel ou tel détail l'artiste n'est pas resté fidèle à son projet. Mais en même temps, grâce à la créativité, quelque chose de vraiment nouveau surgit, quelque chose qui ne s'est jamais produit auparavant, et donc. Il n’existe essentiellement aucune « norme » pour l’œuvre créée. Contrairement à l’opinion de Platon, parfois populaire parmi les artistes eux-mêmes (« C’est en vain, artiste, tu t’imagines être le créateur de tes propres créations… » - A.K. Tolstoï), l’auteur ne révèle pas simplement l’art dans l’image. idée, mais la crée. Le prototype-plan n’est pas une réalité formalisée qui construit des coques matérielles sur elle-même, mais plutôt un canal d’imagination, un « cristal magique » à travers lequel la distance de la création future est « vaguement » perceptible. Uniquement à la fin des arts. Dans le travail, l'incertitude du projet se transforme en une certitude polysémantique du sens. Ainsi, au stade de la conception artistique. l'idée apparaît comme une certaine impulsion concrète née de la « collision » de l'artiste avec le monde, au stade de l'incarnation - comme principe régulateur, au stade de l'achèvement - comme « expression faciale » sémantique du microcosme créé par l'artiste, son visage vivant, qui est en même temps le visage de l'artiste lui-même. Différents degrés de pouvoir régulateur des arts. des idées en combinaison avec différents matériaux donnent différents types de X. o. Une idée particulièrement énergique peut, pour ainsi dire, subjuguer son propre art. réalisation, de la « familiariser » à tel point que les formes objectives en seront à peine esquissées, comme cela est inhérent à certaines variétés de symbolisme. Un sens trop abstrait ou indéfini ne peut entrer en contact que conditionnellement avec des formes objectives, sans les transformer, comme c'est le cas dans la littérature naturaliste. allégories, ou les reliant mécaniquement, comme c'est typique de la magie allégorique. la science-fiction mythologies anciennes. Le sens est typique. l'image est spécifique, mais limitée par la spécificité ; un trait caractéristique d'un objet ou d'une personne devient ici un principe régulateur pour la construction d'une image qui contient pleinement son sens et l'épuise (le sens de l'image d'Oblomov est « l'oblomovisme »). En même temps, un trait caractéristique peut subjuguer et « signifier » tous les autres à tel point que le type se transforme en un type fantastique. grotesque. En général, les divers types de X. o. dépendent des arts. conscience de soi de l'époque et sont modifiés en interne. lois de chaque revendication. Lit. : Schiller F., Articles sur l'esthétique, trans. 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L'art occupe la place la plus importante dans la théorie de l'esthétique. Elle étudie son rôle dans la vie, ses schémas de développement et ses caractéristiques. L'esthétique considère l'art comme une forme d'exploration esthétique du monde. L'art est un moyen de refléter la vie et la pensée sous forme d'images artistiques. La source des images artistiques est la réalité. L'artiste, reflétant le monde, pense de manière figurative et émotionnelle et, influençant les sentiments et l'esprit des gens avec ses œuvres, il s'efforce d'évoquer en elles des émotions et des pensées similaires.

La spécificité de l'art est qu'il a un impact sur une personne en raison de ses mérites esthétiques, dus à l'influence du système d'images artistiques. L'image artistique est associée non seulement à l'imagerie de la pensée sensorielle-concrète, mais aussi à des concepts abstraits ; elle contient la profondeur et l'originalité d'un art significatif.

Dans l'essence d'une image artistique, certains niveaux peuvent être distingués. Le niveau abstrait de la pensée artistique est idéal lorsque la prise de conscience se produit idée artistique et la création d'une image est une opération intellectuelle. Le niveau suivant est mental, lorsque le rôle des mécanismes inconscients de la créativité artistique est important. Il s'agit du niveau de sentiments et d'émotions artistiques, grâce auquel les images de l'œuvre sont vécues dans le processus de perception. Une image artistique est associée à une attitude esthétique à son égard, à des sentiments, à des appréciations, à des besoins. Enfin, le troisième niveau d'existence d'une image artistique est matériel, c'est-à-dire dans quelle « coque » matérielle l'image est présentée : en couleur, en son, en mots, dans leurs combinaisons.

Lorsqu'on étudie une image artistique, il faut prendre en compte tous ces niveaux : idéal, mental, matériel.

Dans l'art, l'exactitude de la représentation de la nature ne crée pas en soi une œuvre, elle n'apparaît que lorsque l'image devient une image artistique, dans laquelle un objet ou un phénomène particulier est illuminé par la pensée et le sentiment du créateur.

L'image artistique est le résultat d'une certaine orientation créatrice de l'auteur et est associée à la nature de son talent. L'art est basé sur l'image de la réalité sensorielle perçue, mais le degré de généralisation artistique de celui-ci varie. Afin de bien comprendre la nature de l'image artistique, il convient également de prendre en compte ces les points les plus importants, comme l’individualité de la vision de l’artiste et son idéal esthétique.

Ces deux points sont interconnectés et en même temps relativement indépendants. L'idéal esthétique sert de guide à l'auteur, il oriente sa vision, il est déterminé par le caractère unique d'une époque historique particulière. Et en même temps, chaque créateur voit le monde à sa manière, et l'individualité vision artistique l'auteur enrichit la vision esthétique dans son ensemble, élargit l'éventail de la perception du monde. L’individualité de la vision de l’artiste peut être à peine perceptible ou, au contraire, clairement exprimée, mais elle est en tout cas requise dans une œuvre d’art talentueuse.