Le réalisme (du latin « realis » - réel, matériel) est une tendance dans l'art, il est né à la fin du 18e siècle, a atteint son apogée au 19e, continue de se développer au début du 20e siècle et existe toujours. Son objectif est une reproduction réelle et objective d'objets et d'objets du monde environnant, tout en conservant leurs caractéristiques et caractéristiques typiques. Au cours du développement historique de tout l'art dans son ensemble, le réalisme a acquis des formes et des méthodes spécifiques, à la suite desquelles trois de ses étapes se distinguent: l'illumination (le siècle des Lumières, la fin du XVIIIe siècle), la critique ( XIXe siècle) et le réalisme socialiste (début du XXe siècle).

Le terme "réalisme" a été utilisé pour la première fois par le critique littéraire français Jules Jeanfleury, qui dans son livre "Réalisme" (1857) a interprété ce concept comme un art créé pour résister à des courants tels que le romantisme et l'académisme. Il a agi comme une forme de réponse à l'idéalisation, caractéristique du romantisme et des principes classiques de l'académisme. Ayant une forte orientation sociale, on l'appelait critique. Cette direction reflétait des problèmes sociaux aigus dans le monde de l'art, donnait une évaluation de divers phénomènes dans la vie de la société de cette époque. Ses principes directeurs étaient de montrer objectivement les aspects essentiels de la vie, qui contenaient en même temps la hauteur et la vérité des idéaux de l'auteur, de reproduire des situations caractéristiques et des personnages typiques, tout en conservant la plénitude de leur individualité artistique.

(Boris Kustodiev "Portrait de D.F. Bogoslovsky")

Le réalisme du début du XXe siècle visait à trouver de nouveaux liens entre une personne et la réalité qui l'entoure, de nouvelles voies et méthodes créatives, des moyens originaux d'expression artistique. Souvent, il n'a pas été exprimé dans sa forme pure, il se caractérise par un lien étroit avec des tendances de l'art du XXe siècle telles que le symbolisme, le mysticisme religieux, le modernisme.

Réalisme en peinture

L'apparition de ce courant dans la peinture française est avant tout associée au nom de l'artiste Gustave Courbier. Après que plusieurs peintures, en particulier celles d'une grande importance pour l'auteur, aient été rejetées comme expositions à l'Exposition universelle de Paris, en 1855, il a ouvert son propre « Pavillon du réalisme ». La déclaration proposée par l'artiste proclame les principes d'une nouvelle direction de la peinture, dont le but est de créer un art vivant qui véhicule les mœurs, les coutumes, les idées et l'apparence de ses contemporains. Le "réalisme" de Courbier a immédiatement provoqué une vive réaction de la société et de la critique, qui ont affirmé que lui, "se cachant derrière le réalisme, calomnie la nature", l'appelait un artisan de la peinture, le parodiait au théâtre et le calomniait de toutes les manières possibles.

(Gustave Courbier "Autoportrait au chien noir")

L'art réaliste est basé sur sa propre vision particulière de la réalité environnante, qui critique et analyse de nombreux aspects de la société. D'où le nom de réalisme du XIXe siècle "critique", car il critiquait avant tout le caractère inhumain du système d'exploitation cruel, montrait la pauvreté et la souffrance flagrantes du petit peuple offensé, l'injustice et la permissivité du pouvoir. . Critiquant les fondements de la société bourgeoise existante, les artistes réalistes étaient de nobles humanistes qui croyaient au Bien, à la Justice suprême, à l'Égalité universelle et au Bonheur pour tous sans exception. Plus tard (1870), le réalisme se scinde en deux branches : le naturalisme et l'impressionnisme.

(Julien Dupré "Retour des champs")

Les thèmes principaux des artistes qui ont peint leurs toiles dans le style du réalisme étaient des scènes de genre de la vie urbaine et rurale des gens ordinaires (paysans, ouvriers), des scènes d'événements et d'incidents de rue, des portraits d'habitués dans les cafés de rue, les restaurants et les discothèques. Pour les artistes réalistes, il était important de transmettre les moments de la vie dans sa dynamique, de souligner les caractéristiques individuelles des personnages agissants de la manière la plus plausible possible, de montrer de manière réaliste leurs sentiments, émotions et expériences. La principale caractéristique des peintures représentant des corps humains est leur sensualité, leur émotivité et leur naturalisme.

Le réalisme en tant que direction de la peinture s'est développé dans de nombreux pays du monde tels que la France (école de Barbizon), l'Italie (était connue sous le nom de vérisme), la Grande-Bretagne (école figurative), les États-Unis (Edward Hopper's Garbage Can School, Thomas Eakins Art School), Australie (Heidelberg School, Tom Roberts, Frederick McCubbin), en Russie, il était connu sous le nom de mouvement des Wanderers.

(Julien Dupré "Le Berger")

Les peintures françaises, écrites dans l'esprit du réalisme, appartenaient souvent au genre du paysage, dans lequel les auteurs tentaient de transmettre la nature environnante, la beauté de la province française, les paysages ruraux, qui, à leur avis, démontraient la "vraie" France dans toute sa splendeur de la meilleure façon possible. Les peintures des artistes réalistes français ne représentaient pas des types idéalisés, il y avait de vraies personnes, des situations ordinaires sans fioritures, il n'y avait pas d'esthétique habituelle et l'imposition de vérités universelles.

(Honoré Daumier "Voiture de troisième classe")

Les représentants les plus éminents du réalisme français en peinture étaient les artistes Gustave Courbier ("Atelier d'artiste", "Concasseurs de pierres", "La tricoteuse"), Honoré Daumier ("Voiture de troisième classe", "Dans la rue", "Blanchisseuse") , François Millet (" Semeur ", " Cueilleurs ", " Angélus ", " La mort et le bûcheron ").

(François Millet "Les Rassembleurs")

En Russie, le développement du réalisme dans les arts visuels est étroitement lié à l'éveil de la conscience publique et au développement des idées démocratiques. Les citoyens progressistes de la société ont dénoncé le système étatique existant, ont montré une profonde sympathie pour le sort tragique du simple peuple russe.

(Alexey Savrasov "Les Rooks sont arrivés")

Le groupe des Wanderers, formé à la fin du XIXe siècle, comprenait de grands maîtres russes du pinceau tels que les peintres paysagistes Ivan Shishkin («Morning in a Pine Forest», «Rye», «Pine Forest») et Alexei Savrasov (« Les tours sont arrivées », « Vue rurale », « Arc-en-ciel »), les maîtres du genre et des peintures historiques Vasily Perov (« Troïka », « Chasseurs au repos », « Procession religieuse rurale à Pâques ») et Ivan Kramskoy (« Inconnu » , «Deuil inconsolable», «Le Christ dans le désert»), le peintre exceptionnel Ilya Repine («Les transporteurs de péniches sur la Volga», «Ils n'ont pas attendu», «La procession dans la province de Koursk»), le maître de la représentation événements historiques à grande échelle Vasily Surikov («Matin de l'exécution de Streltsy», «Boyar Morozova», «Suvorov traversant les Alpes») et bien d'autres (Vasnetsov, Polenov, Levitan),

(Valentin Serov "Fille aux pêches")

Au début du XXe siècle, les traditions du réalisme étaient fermement ancrées dans les beaux-arts de cette époque; des artistes tels que Valentin Serov («Fille aux pêches», «Peter I»), Konstantin Korovin («En hiver», « À la table du thé", "Boris Godunov . Couronnement"), Sergei Ivanov ("Famille", "Arrivée du gouverneur", "Mort d'un colon").

Le réalisme dans l'art du XIXe siècle

Le réalisme critique, qui apparaît en France et atteint son apogée dans de nombreux pays européens au milieu du XIXe siècle, s'oppose aux traditions des mouvements artistiques qui l'ont précédé, comme le romantisme et l'académisme. Sa tâche principale était la réflexion objective et véridique de la "vérité de la vie" à l'aide de moyens artistiques spécifiques.

L'émergence de nouvelles technologies, le développement de la médecine, de la science, de diverses branches de la production industrielle, la croissance des villes, la pression d'exploitation accrue sur les paysans et les ouvriers, tout cela ne pouvait qu'affecter la sphère culturelle de cette époque, ce qui a conduit plus tard à le développement d'un nouveau mouvement dans l'art - le réalisme, conçu pour refléter la vie de la nouvelle société sans fioritures ni distorsions.

(Daniel Defoe)

L'écrivain et publiciste anglais Daniel Defoe est considéré comme le fondateur du réalisme européen en littérature. Dans ses œuvres "Journal de l'année de la peste", "Roxanne", "Les joies et les peines de Mole Flenders", "La vie et les aventures étonnantes de Robinson Crusoe", il affiche diverses contradictions sociales de cette époque, elles sont basées sur la déclaration sur le bon départ de chacun, qui peut changer sous la pression des circonstances extérieures.

Le fondateur du réalisme littéraire et du roman psychologique en France est l'écrivain Frédéric Stendhal. Ses célèbres romans "Rouge et Noir", "Rouge et Blanc" ont montré aux lecteurs que la description des scènes ordinaires de la vie et des expériences et émotions humaines quotidiennes peut être faite avec la plus grande habileté et l'élever au rang d'art. Parmi les écrivains réalistes exceptionnels du XIXe siècle figurent également le français Gustave Flaubert ("Madame Bovary"), Guy de Maupassant ("Cher ami", "Fort comme la mort"), Honoré de Balzac (série de romans "La Comédie humaine" ), l'Anglais Charles Dickens ("Oliver Twist", "David Copperfield"), les Américains William Faulkner et Mark Twain.

Les origines du réalisme russe étaient des maîtres de la plume aussi remarquables que le dramaturge Alexandre Griboïedov, le poète et écrivain Alexandre Pouchkine, le fabuliste Ivan Krylov, leurs successeurs Mikhail Lermontov, Nikolai Gogol, Anton Tchekhov, Léon Tolstoï, Fiodor Dostoïevski.

La peinture de la période du réalisme du XIXe siècle se caractérise par une représentation objective de la vie réelle. Des artistes français dirigés par Théodore Rousseau peignent des paysages ruraux et des scènes de la vie de rue, prouvant que la nature ordinaire sans embellissement peut aussi être un matériau unique pour créer des chefs-d'œuvre des beaux-arts.

L'un des artistes réalistes les plus scandaleux de cette époque, provoquant une tempête de critiques et de condamnations, est Gustave Courbier. Ses natures mortes, peintures de paysages ("Cerf au Trou d'eau"), scènes de genre ("Funérailles à Ornan", "Concasseurs de pierres").

(Pavel Fedotov "Matchmaking du Major")

Le fondateur du réalisme russe est l'artiste Pavel Fedotov, ses célèbres peintures "Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", dans ses œuvres, il expose les mœurs vicieuses de la société et exprime sa sympathie pour les pauvres et les opprimés. Les adeptes de ses traditions peuvent être appelés le mouvement des artistes itinérants, fondé en 1870 par quatorze des meilleurs diplômés de l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg avec d'autres peintres. Leur toute première exposition, inaugurée en 1871, fut un énorme succès auprès du public, elle montrait un reflet de la vie réelle du simple peuple russe, qui se trouve dans des conditions terribles de pauvreté et d'oppression. Ce sont les peintures célèbres de Repin, Surikov, Perov, Levitan, Kramskoy, Vasnetsov, Polenov, Ge, Vasiliev, Kuindzhi et d'autres artistes réalistes russes exceptionnels.

(Constantin Meunier "Industrie")

Au XIXe siècle, l'architecture, l'architecture et les arts appliqués connexes étaient dans un état de profonde crise et de déclin, ce qui prédéterminait des conditions défavorables au développement de la sculpture et de la peinture monumentales. Le système capitaliste dominant était hostile aux formes d'art directement liées à la vie sociale de la collectivité (bâtiments publics, ensembles à large portée civile), le réalisme en tant que tendance artistique a pu se développer pleinement dans les arts visuels et partiellement en sculpture. Sculpteurs réalistes éminents du XIXe siècle : Constantine Meunier (« Le chargeur », « L'industrie », « L'homme au pudding », « Le marteleur ») et Auguste Rodin (« Le Penseur », « La Marche », « Les Citoyens de Calais ») .

Le réalisme dans l'art du XXe siècle

Dans la période post-révolutionnaire et lors de la création et de l'épanouissement de l'URSS, le réalisme socialiste est devenu la tendance dominante de l'art russe (1932 - l'apparition de ce terme, son auteur était l'écrivain soviétique I. Gronsky), qui était une réflexion esthétique du concept socialiste de la société soviétique.

(K. Yuon "Nouvelle planète")

Les grands principes du réalisme social, visant à une image véridique et réaliste du monde environnant dans son développement révolutionnaire, étaient les principes suivants :

• Nationalités. Utilisez des tours de parole courants, des proverbes, afin que la littérature soit compréhensible pour le peuple;
• Idéologique. Désigner les actes héroïques, les nouvelles idées et les voies nécessaires au bonheur des gens ordinaires ;
• Spécificité. Représenter la réalité environnante dans le processus de développement historique, correspondant à sa compréhension matérialiste.

En littérature, les principaux représentants du réalisme social étaient les écrivains Maxim Gorky ("Mère", "Foma Gordeev", "La vie de Klim Samgin", "Au fond", "Chant du pétrel"), Mikhail Sholokhov (" Virgin Soil Upturned", le roman épique "Quiet Don"), Nikolai Ostrovsky (le roman "How the Steel Was Tempered"), Alexander Serafimovich (l'histoire "Iron Stream"), le poète Alexander Tvardovsky (le poème "Vasily Terkin" ), Alexander Fadeev (les romans "Rout", "Young Guard") et d'autres

(M. L. Zvyagin "Travailler")

Toujours en URSS, les œuvres d'auteurs étrangers tels que l'écrivain pacifiste Henri Barbusse (le roman "Fire"), le poète et prosateur Louis Aragon, le dramaturge allemand Bertolt Brecht, l'écrivain allemand et communiste Anna Zegers (le roman " La Septième Croix") étaient considérés parmi les écrivains réalistes socialistes. , le poète et homme politique chilien Pablo Neruda, l'écrivain brésilien Jorge Amado ("Captains of the Sand", "Donna Flor et ses deux maris").

Représentants éminents de la direction du réalisme socialiste dans la peinture soviétique: Alexander Deineka ("Défense de Sébastopol", "Mère", "Futurs pilotes", "Athlète"), V. Favorsky, Kukryniksy, A. Gerasimov ("Lénine sur le podium ", "Après la pluie" , "Portrait d'une ballerine O. V. Lepeshinskaya"), A. Plastov ("Bain des chevaux", "Dîner des conducteurs de tracteurs", "Troupeau de la ferme collective"), A. Laktionov ("Lettre du front "), P. Konchalovsky ("Lilas"), K. Yuon ("Komsomolskaya Pravda", "Peuple", "Nouvelle Planète"), P. Vasilyev (portraits et timbres représentant Lénine et Staline), V. Svarog ("Héros -pilotes au Kremlin avant le vol", "Premier mai - Pionniers"), N. Baskakov ("Lénine et Staline à Smolny") F. Reshetnikov ("Encore diable", "Arrivé en vacances"), K. Maksimov et autres.

(Monument de Vera Mukhina "Ouvrière et femme de ferme collective")

Les éminents sculpteurs-monumentalistes soviétiques de l'ère du réalisme socialiste étaient Vera Mukhina (le monument "Ouvrier et fille de la ferme collective"), Nikolai Tomsky (bas-relief de 56 personnages "Défense, Travail, Repos" sur la Maison des Soviets sur Moskovsky Prospekt à Leningrad), Evgeny Vuchetich (monument "Warrior-Liberator" à Berlin, la sculpture "The Motherland Calls!" à Volgograd), par Sergei Konenkov. En règle générale, des matériaux particulièrement durables, tels que le granit, l'acier ou le bronze, ont été sélectionnés pour les sculptures monumentales à grande échelle, et ils ont été installés dans des espaces ouverts pour commémorer des événements historiques particulièrement importants ou des actes héroïques épiques.

La place la plus importante dans le développement du réalisme ouest-européen appartient à l'art français. Et ce n'est pas un hasard. Dès la fin du XVIIIe siècle, la France jouait un rôle de premier plan dans la vie socio-politique de l'Europe, et la lutte des classes entre la noblesse, la bourgeoisie et le prolétariat y prenait des formes classiques claires. Se cachant derrière les robes royales et impériales ou affirmant son pouvoir au grand jour, la bourgeoisie triomphe. « L'industrie et le commerce ont pris des proportions immenses », écrivait K. Marx à propos de la France dans les années 1950 et 1960, « la spéculation boursière célébrait ses orgies cosmopolites ; la pauvreté des masses se détachait vivement à côté de l'éclat impudent du luxe dissolu acquis par la fraude et le crime.
Le mouvement démocratique et prolétarien du milieu du XIXe siècle prend une large ampleur en France. La révolution de 1830 est suivie de la révolution de 1848 ; dans l'arène politique, le prolétariat, à la tête des larges masses populaires, s'affirme de plus en plus résolument. En juin 1848, il se soulève ouvertement contre la bourgeoisie, et en 1871, proclamant la Commune de Paris, il fait la première tentative héroïque de l'histoire pour prendre en main le pouvoir politique.
L'aggravation des contradictions sociales, les batailles de classes grandioses, les nouveaux problèmes sociaux, les enjeux de la réorganisation démocratique de la société ne pouvaient qu'exciter les esprits progressistes, les obligeant à analyser les phénomènes de la réalité, à chercher de nouvelles voies dans l'art. En France, qui donne l'image la plus claire de la formation et du développement des grands courants du XIXe siècle, la montée du réalisme s'observe plus tôt que dans d'autres pays, le courant réaliste est le plus étroitement associé à la vie socio-politique, il met en avant les plus grands représentants de l'art du XIXe siècle.
La Révolution de juillet 1830 marque une étape importante dans le développement de l'art français. Sous son influence, les illusions romantiques sont éradiquées, l'intérêt pour les sujets sociaux augmente et un programme théorique indépendant de réalisme est en cours d'élaboration. Les principales exigences de l'art nouveau sont formulées par Laviron et Galbaccio au Salon de 1833. Elles ont été développées plus avant dans les travaux des grands théoriciens-défenseurs du réalisme : Thoré-Burget, Chanfleurie, Duranty, Castagnari et d'autres. Tous ces critiques - représentants de la génération de 1848 - mettent en avant la question du rôle pédagogique de l'art. L'art, disaient-ils, devrait contribuer au développement de la société sur la voie du progrès, devrait être un "professeur de vie", et pour cela, il doit être pertinent, socialement saturé, compréhensible pour le peuple. L'art doit aider les gens à comprendre le monde qui les entoure, à comprendre ses contradictions. Il pourra le faire en rejetant toute idéalisation, embellissement de la vie. La véracité de l'image est mise en avant comme l'une des conditions nécessaires à la créativité - l'artiste écrit ce qu'il sait, ce qu'il voit devant lui. L'appel au rejet des modèles généralement admis et à l'affirmation de la vérité de la vie dans l'art a aidé des artistes de premier plan à maîtriser de nouvelles voies et moyens d'expression artistique, ouvert de larges perspectives pour les quêtes créatives. Parallèlement, certains critiques du milieu du XIXe siècle réduisaient parfois la notion de réalisme à l'authenticité extérieure de l'image, au caractère illusoire de la transmission du monde visible, ce qui, bien sûr, désorientait les artistes.
Philippe Jeanron. Parmi les précurseurs des grands peintres réalistes, quelques maîtres moins significatifs méritent d'être mentionnés. N'ayant pas les dons de leurs partisans, ils ont préparé le terrain pour eux. Parmi eux figure Philippe Jeanron (1809-1877). Il a participé aux révolutions de 1830 et 1848, et a souvent pris la parole dans la presse pour défendre des principes réalistes. Déjà dans les premiers travaux "Enfants à la barricade" (1831, Musée de Caen), Jeanron s'est tourné vers la représentation directe des événements révolutionnaires. Dans des travaux ultérieurs, il livre une analyse sociale de la réalité, opposant les représentants des différentes classes de la société moderne : la noblesse, la bourgeoisie et le prolétariat. Lorsqu'il représente des travailleurs, l'artiste met l'accent sur leur pauvreté et leur souffrance, sans éviter une certaine sentimentalité. Genron est aussi connu comme portraitiste. Il a laissé des portraits expressifs des personnalités dirigeantes de son temps - des représentants de l'intelligentsia républicaine.

Le réalisme en France et en Angleterre (littérature et art au XIXe siècle)

Au milieu du siècle, le réalisme devient la tendance dominante de la culture européenne.

Le réalisme est né en France et en Angleterre dans les conditions des relations capitalistes établies. Les contradictions sociales et les lacunes du système capitaliste ont déterminé l'attitude vivement critique des écrivains réalistes à son égard. Ils ont dénoncé l'escroquerie, l'inégalité flagrante, l'égoïsme, l'hypocrisie. Dans sa focalisation idéologique, il devient réalisme critique. En même temps, l'œuvre des grands écrivains réalistes est imprégnée des idées d'humanisme et de justice sociale.

Littérature française. Le modèle de la poésie réaliste en France au XIXe siècle fut le poète Pierre Jean de Béranger (1780-1857), il parla pendant la période de la monarchie napoléonienne et en 1813 dans la chanson « Le roi Yveto » condamna les aventures militaires de Napoléon et sa fiscalité. politique. Sous la Restauration, il devient un véritable poète-combattant. Ses chants fervents durant cette période ridiculisent les philistins riches et prospères. La chanson politique de Béranger est saturée de démocratie, marquée par le cachet d'un humour national vif.

Un brillant représentant du réalisme critique fut Stendhal(appartenant à Henri Bayle, 1783-1842). L'admiration de l'écrivain a été causée par des personnes au caractère actif et fort. Il a vu de tels héros parmi les figures de la Renaissance ("Chroniques italiennes"), dans Shakespeare, parmi ses contemporains.

Un des plus grands romans Stendhal- "Rouge et Noir" (1830). Le héros du roman est Julien Sorel, admirateur passionné de l'époque napoléonienne, homme à l'âme élevée et sensible, s'efforçant de conquérir le milieu social inerte. Cependant, il ne réussit pas, car les classes dirigeantes ne l'ont pas accepté - un plébéien de naissance. Dans le roman Le Monastère de Parme, l'écrivain condamne l'ère réactionnaire, qui a prédéterminé la tragédie des gens intelligents, talentueux et profondément sensibles.

L'apogée, le point culminant du développement du réalisme de l'Europe occidentale est l'œuvre d'Honoré de Balzac(1799 -1850). Tel que conçu par Balzac, son œuvre principale - l'épopée "La Comédie humaine" était censée se composer de 143 livres, reflétant tous les aspects de la vie de la société française. Balzac a donné toute sa force à cette œuvre titanesque, il a créé 90 romans et nouvelles.

Dans cette épopée, les romans sont liés par une idée commune et de nombreux personnages. Il comprend des romans tels que "The Unknown Masterpiece", "Shagreen Skin", "Eugenia Grande", "Father Goriot", "Caesar Biroto", "Lost Illusions", "Cousin Betta" et bien d'autres. L'épopée est un tableau réaliste, d'une ampleur grandiose, reflétant les mœurs et les contradictions de la vie sociale de la France. Balzac dote ses héros d'intelligence, de talent, d'un fort caractère. Ses œuvres sont profondément dramatiques, elles dépeignent la puissance du « principe monétaire », qui décompose les liens patriarcaux anciens et les liens familiaux, attisant la flamme des passions égoïstes.

Le maître du roman était Prosper Mérimée(1803-1870), un écrivain réaliste hors pair. Ses nouvelles sont concises, strictes, élégantes. Ils ont des caractères forts et vifs, des natures entières capables de sentiments forts - Carmen (qui a servi de base à l'opéra du même nom de Bizet), Colomba, Falcombe. Même dans ces nouvelles où l'écrivain dépeint des héros romantiques et des situations romantiques, l'action n'est pas traduite dans un plan romantique, mais une motivation réaliste est donnée.

A écrit Mérimée et joue. L'une des œuvres marquantes de l'écrivain est la chronique théâtrale "Jacquerie", reflétant le mouvement paysan du XIVe siècle. Il a écrit le seul grand roman, Chronique du temps de Charles IX, qui raconte la lutte entre catholiques et protestants et les événements de la Nuit de Barthélemy. L'auteur démystifie l'intolérance fanatique.

En lien avec le changement de position politique de la bourgeoisie après la révolution de 1848 et son refus de coopérer avec la classe ouvrière, un nouveau type de réalisme critique émerge dans la littérature française - les écrivains refusent de créer des images puissantes, et les le concept du typique est réduit au plus courant, à l'ordinaire. En général, l'art est encore plus proche de la vie.

Le plus grand représentant de la nouvelle étape du réalisme était Gustave Flaubert(1821-1880). L'attitude de l'écrivain envers les couches sociales de la population était contradictoire : il a haï la bourgeoisie toute sa vie, il a traité les masses avec mépris et considéré l'activité politique comme dénuée de sens. Dès lors, Flaubert appelle l'artiste à « aller dans la tour d'ivoire », au service de la beauté. Malgré l'incohérence d'une telle position, Flaubert a donné un remarquable portrait critique de la vulgarité bourgeoise, sans rester à l'écart de la lutte sociale. Une des oeuvres remarquables Flaubert- Le roman "Madame Bovary". Au centre du roman se trouve l'image d'une femme issue d'un milieu bourgeois. Elevée par la littérature romanesque, elle périt dans un choc avec la réalité petite-bourgeoise. Le roman "Éducation des sens" dépeint les mœurs de la province et de Paris, l'insignifiance morale des bourgeois. Ce roman développait le thème d'un jeune homme, lent, inerte, incapable d'une activité vigoureuse. Les intrigues historiques sont basées sur les romans "Salambo", "La légende de saint Julien le Miséricordieux" et "Hérodias", dans lesquels la situation d'époques lointaines est restituée avec une objectivité scientifique. L'écrivain a atteint une précision scrupuleuse dans la reproduction de détails réalistes, la profondeur de l'analyse psychologique, révélée à travers un monologue intérieur.

Angleterre:

Littérature d'Angleterre. L'écrivain écossais Walter Scott (1771-1832) se rapproche des romantiques par son intérêt pour le Moyen Âge. Au début de sa carrière, il collectionne le folklore écossais et écrit des poèmes romantiques. La renommée mondiale lui a apporté une prose réaliste.

Walter Skol est le créateur du genre du roman historique, qui combine des tendances romantiques et réalistes. La mort du clan tribal écossais est affichée par l'écrivain dans les romans Waverley, Rob Roy. Les romans "Ivanhoé", "Quentin Dorward" brossent un tableau de l'Angleterre et de la France médiévales. Les romans The Puritans et The Legend of Monrose traitent de la lutte des classes qui s'est déroulée en Angleterre aux XVIIe et XVIIIe siècles.

L'œuvre de W. Scott se caractérise par une composition spéciale de romans, prédéterminée par la promotion de la description de la vie, de la vie et des coutumes du peuple lui-même, et non des rois, généraux, nobles. En même temps, dépeignant la vie privée, l'écrivain reproduit une image d'événements historiques.

L'un des grands artistes de la littérature mondiale - Charles Diable(1812-- 1870), il est le fondateur et le chef de file du réalisme critique de la littérature anglaise, satiriste et humoriste hors pair. Dans ses premiers travaux, The Pickwick Papers, l'Angleterre encore patriarcale est représentée. Se moquant de la belle âme, de la crédulité, de la naïveté de son héros, Dickens sympathise avec lui, soulignant son désintéressement, son honnêteté, sa foi en la bonté.

Déjà dans le prochain roman, Les Aventures d'Oliver Twist, une ville capitaliste avec ses bidonvilles et la vie des pauvres est dépeinte. L'écrivain, croyant au triomphe de la justice, oblige son héros à surmonter tous les obstacles et à atteindre le bonheur personnel.

Cependant, fonctionne Diable plein de drame profond. L'écrivain a donné toute une galerie de porteurs du mal social, qui sont les représentants de la classe bourgeoise. Ce sont l'usurier Ralph Nickleby, le cruel professeur Okvirs, l'hypocrite Pecksniff, le misanthrope Scrooge, le capitaliste Bounderby. La plus grande réalisation de Dickens est l'image de M. Dombey (le roman "Dombey and Son") - un homme dont tous les sentiments sont morts, et sa complaisance, sa stupidité, son égoïsme, son insensibilité sont générés par l'appartenance au monde des propriétaires.

Des qualités de Dickens telles qu'un optimisme indestructible, un humour brillant et très national, une vision sobre et réaliste de la vie - tout cela fait de lui le plus grand écrivain folklorique d'Angleterre après Shakespeare.

Un contemporain de Dickens - William Thackeray(1811-1863) dans le meilleur roman "Vanity Fair" expose de manière vivante et figurative les vices de la société bourgeoise. Dans cette société, chacun joue le rôle qui lui est assigné. Thackeray ne voit pas de personnages positifs, il n'a que deux catégories de personnages - trompeurs ou trompés. Mais l'écrivain s'efforce d'atteindre la vérité psychologique, évite le grotesque et l'exagération caractéristiques de Dickens. Thackeray traite l'élite bourgeoise-noble avec mépris, mais il est indifférent à la vie des classes inférieures. C'est un pessimiste, un sceptique.

A la fin du XIXème siècle. Le courant réaliste dans la littérature anglaise était principalement représenté par le travail de trois écrivains de renommée mondiale : John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).

Ainsi, D. Galsworthy dans la trilogie "The Forsyte Saga" et "Modern Comedy" a donné une image épique des mœurs de l'Angleterre bourgeoise à la fin du 19e et au début du 20e siècle. révélant le rôle destructeur de la possessivité dans la vie publique et privée. Ils ont écrit des drames. Il était engagé dans le journalisme, où il défendait les principes du réalisme. Mais dans la trilogie End of the Chapter, des tendances conservatrices ont émergé.

D. B. Shaw est l'un des fondateurs et des premiers membres de la "Fabian Society" socialiste, créateur de discussions dramatiques, au centre desquelles se trouve le choc des idéologies hostiles, une solution sans compromis aux problèmes sociaux et éthiques ("Widower's House", "Mlle Warren's Profession", "Applecart"). La méthode créative de Shaw se caractérise par le paradoxe comme moyen de renverser le dogmatisme et les préjugés ("Androclès et le Lion", "Pygmalion"), les représentations traditionnelles (pièces historiques "César et Cléopâtre", "Sainte Jeanne").

G. D. Wells est un classique de la littérature de science-fiction. Dans les romans "The Time Machine", "The Invisible Man", "The War of the Worlds", l'écrivain s'est appuyé sur les derniers concepts scientifiques. L'auteur relie les problèmes auxquels les gens sont confrontés en relation avec le progrès scientifique et technologique avec les prévisions sociales et morales pour le développement de la société : « L'histoire de l'humanité devient de plus en plus une compétition entre l'éducation et la catastrophe.

Art musical. En Italie et au XIXème siècle. dans les conditions de la réaction politique, l'opéra s'est avéré être le genre d'art théâtral le plus populaire et le plus démocratique. Le summum du réalisme dans l'art de l'opéra musical du XIXe siècle. - l'œuvre du grand compositeur italien Giusete Verdi (1813-1901), étroitement associé au mouvement de libération italien ("Nabucco", "Lombards dans la première croisade"). Dans des œuvres lyriques telles que "Ernani", "Macbeth", "La bataille de Legnano", une protestation s'exprime contre toute violence et oppression. Les représentations des opéras de Verdi, imprégnés des idées de la lutte pour la libération et l'unification de l'Italie, s'accompagnaient de manifestations patriotiques orageuses.

Chefs-d'œuvre du réalisme lyrique - les opéras de Verdi "Aida", "Othello" et "Falstaff". Ce sont des drames musicaux avec un développement continu de l'action. Les scènes sont construites librement, avec une transition souple du récitatif au monologue, du solo à l'ensemble. Une place importante est donnée à l'orchestre. Verdi a une fusion complète de la musique avec l'action dramatique. La démocratie, la profonde humanité de l'œuvre de Verdi lui ont valu une grande popularité. Ses opéras sont constamment au répertoire des maisons d'opéra du monde entier.

Les opéras italiens ont donné vie à de nouveaux principes de performance vocale et scénique: l'expressivité dramatique du chant, les talents d'acteur du chanteur, la précision historique des décors et des costumes. Des chanteurs remarquables, des représentants du bel canto de renommée mondiale étaient les chanteurs A. Patti, J. Pasta, I. Colbran et autres, les chanteurs M. Battistini, F. Galdi et autres.

Dans la même période, une nouvelle direction est apparue dans l'opéra - la bonne (nt. verismo, de vero - vrai, véridique). Ses représentants sont les compositeurs R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), Um. Giordanno (1867 -1948), G.Puccini (1858-1924). Au cœur des œuvres de ces maîtres se trouvent des intrigues dépendantes de la vie ; un véritable reflet du monde spirituel des gens ordinaires; musique émotionnellement expressive, l'absence d'une haute idée sociale. Il y avait aussi un certain style d'interprétation - expression exagérée, angoisse sentimentale, drame aigu. Les meilleures œuvres de cette direction sont Honneur rural de Mascagni, Pagliacci de Leoncavallo. Grâce à la profondeur psychologique, l'œuvre de G. Puccini, qui a écrit "La Bohème", "Tosca", "Cio-Cio-San", dépasse les limites du vérisme.

En France, s'est développé l'opéra lyrique qui se distingue du grand opéra par des thèmes plus intimistes et des intrigues empruntées à la littérature classique. Ce sont les opéras "Manon" et "Werther" de J. Massenet, "Faust" et "Roméo et Juliette" de C. Gounod, "Hamlet" de A. Thomas... Des opéras lyriques ont été créés sur des sujets orientaux exotiques. Il s'agit de « Lakmé » de L. Delibes, « Les Chercheurs de perles » et « Jamile » de J. Bizet, « Samson et Dalila » de C. Saint-Saëns. Dans les opéras lyriques, les expériences humaines sont véritablement et subtilement incarnées. La représentation de la vie quotidienne est caractérisée par la poésie. Le langage musical de ces opéras est démocratique, proche du folklore urbain.

L'opéra Carmen de G. Bizet est reconnu comme le summum du réalisme dans l'opéra français. L'œuvre de Bizet se caractérise par la netteté des formes, la clarté de la présentation. Les héros de l'opéra sont des gens simples aux caractères forts et contradictoires. Cet opéra incarne la saveur musicale nationale espagnole. Il contient un cours tendu d'événements dramatiques, une variété de scènes folkloriques. C'est l'un des opéras les plus populaires au monde. PI. Tchaïkovski l'a reconnu comme "un chef-d'œuvre au sens plein du terme".

Milieu du 19ème siècle devient l'époque de la naissance d'un nouveau genre musical - l'opérette - un opéra léger, comprenant à la fois la danse et le dialogue (dérivé de l'opéra comique). Le berceau de l'opérette est la France, et les fondateurs sont les compositeurs F. Herve et J. Offenbach.

Dans A in avec t r et au début du XIXème siècle. avec Vienne, Salzbourg, Seizenstadt, Esterhaz et d'autres sont devenus des centres musicaux.L'Opéra de la Cour de Vienne a été ouvert en 1869, ce théâtre est devenu le principal théâtre musical du pays. Son répertoire était dominé par les opéras français et italiens. Dans le dernier tiers du XIXème siècle. a reçu le développement de venet "opérette". Ses fondateurs : F. Zuppe (1819-1895), qui a écrit "La Belle Galatée", "Boccace" et l'une de ses meilleures opérettes - "Donna Juanita" ; I. Strauss (fils) (1825 -1849) - ses meilleures créations "The Gypsy Baron", "The Bat", etc. Un compositeur majeur de ce genre - K. Mialeker (1842-1899) - auteur des opérettes "The Etudiant mendiant", "Gasparon", "Pauvre Jonathan.

Les œuvres de ces compositeurs utilisent largement les mélodies folkloriques, les rythmes de danse et les opérettes se distinguent par leur mélodie.

Les valses viennoises («Le Danube bleu», «Contes des bois de Vienne», etc.) ont également apporté une renommée mondiale à I. Strauss, grâce à quoi il a reçu le nom de «roi des valses».

Malgré le fait que pour le travail des compositeurs anglais du XIXe siècle. en général, l'absence d'un caractère national prononcé est caractéristique; la culture de l'opéra en Angleterre s'est développée de manière intensive. Le Covent Garden Theatre était le plus grand d'Angleterre, il accueillait des représentations de l'opéra royal italien. En 1856, le Royal English Opera est formé. A la fin du XIXème siècle. vient une période qui est entrée dans l'histoire sous le nom de Renaissance musicale anglaise, - l'intérêt des compositeurs pour les thèmes nationaux s'accroît.

De l'art. Dans ce genre d'art, le principal signe de réalisme est la compréhension du caractère social d'une personne. Cependant, en peinture, le réalisme est plus étroitement associé aux moyens picturaux qu'en littérature, qui créent l'illusion d'authenticité visuelle.

Le courant réaliste de la peinture française conforte sa position au milieu du XIXe siècle. après la révolution de 1848. Dans l'histoire de l'art français, la lutte entre deux camps, deux cultures artistiques fondamentalement opposées, n'a jamais été aussi vive qu'à cette époque. Les meilleurs traits du peuple français et de son art avancé ont été incarnés par des artistes tels que Millet, Courbet, Manet, Carpa. Ils n'étaient pas autorisés à des expositions, ils étaient persécutés dans les journaux et les magazines. Ils ont été opposés par une masse de marchands d'art, favoris de Napoléon III et de toute la bourgeoisie réactionnaire du Second Empire.

J. F. Mimet (1814-1875) dans ses peintures épiques monumentales et pleines de vie a montré la paysannerie française, son travail, sa force morale (« Les Rassembleurs », « Angélus »).

Millet et Courbet sont devenus les précurseurs de l'impressionnisme. Les oeuvres d'Edouard Manet (1832-1883) sont consacrées à Paris. Il est l'un des brillants coloristes de l'art mondial. Dans ses peintures, avec une vigilance et une fraîcheur étonnantes, une véritable caractérisation de toutes sortes d'habitants de Paris ("Petit déjeuner à l'atelier", "Lecture", "Dans le bateau", "Dana") est véhiculée, qui transmet à nos jours l'apparition de la France d'alors. Bien que Manet ait tenté dans ses premières peintures de repenser les images et les intrigues des maîtres anciens dans l'esprit de la modernité («Petit déjeuner sur l'herbe», «Olympia»), il a ensuite commencé à créer des peintures sur des thèmes quotidiens, historiques et révolutionnaires. La page la plus forte de l'histoire du réalisme critique français - son dernier tableau "Le Bar des Folies Bergère" - traite de la solitude de l'existence humaine. Anticipant l'impressionnisme, il se tourna vers la peinture légère en plein air ("Argenteuil") (plein air (français plein air, lit. - plein air) - en peinture, la reproduction des changements de l'environnement aérien dus à la lumière du soleil et à l'état de l'atmosphère ).

L'apogée de la peinture anglaise tombe au XIXe siècle. pour le premier tiers du siècle. Il est associé au développement d'une brillante peinture de paysage.

L'un des artistes les plus originaux de son temps est William Termu (1775-1851). Il a beaucoup voyagé en Europe et ses paysages ont pris une tournure romantique ("Naufrage"). Audacieuses dans les recherches coloristiques et légères, avec une échelle d'objets déformée, ses peintures sont en quelque sorte les précurseurs de l'impressionnisme ("Pluie, vapeur et vitesse"). Il s'est également fait connaître comme peintre d'histoire en réalisant des paysages aux scènes mythologiques ou historiques ("Jardin des Hespérides", "Dido construisant Carthage", etc.)

Créativité F. Goya. Après la mort de Velázquez en 1660, pendant cent ans, l'art espagnol connut un profond déclin. Et seulement à la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle. L'Espagne arriérée a présenté de manière inattendue un artiste brillant qui est devenu non seulement l'un des plus grands peintres et graphistes d'Espagne, mais a également eu une profonde influence sur tout l'art européen des XIXe et XXe siècles - Francisco Goya (1746 - 1828). Il a créé un grand nombre de belles fresques, peintures, gravures, lithographies, dessins. (La gravure (de l'acide nitrique français) est un type de gravure où un dessin est rayé avec une aiguille de gravure dans une couche de vernis résistant à l'acide recouvrant une plaque de métal. Les endroits rayés sont gravés à l'acide, et l'image en profondeur qui en résulte est rempli de peinture et glissé sur du papier.)

Théâtre. Dans une Allemagne politiquement fragmentée, la vie théâtrale se concentrait également dans les petites villes, dans lesquelles les théâtres de cour jouaient le répertoire classique.

L'abolition en 1869 des monopoles des théâtres de cour entraîne l'émergence de nombreux théâtres commerciaux et une baisse du niveau artistique du répertoire. La lutte pour la création de spectacles en tant qu'œuvre scénique unique a été lancée par le théâtre de Meiningen, qui est devenu en 1871 le théâtre de la ville. Les plus grands acteurs en Allemagne au milieu et à la fin du XIXe siècle. étaient B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

Dans les pièces de G. Ibsen, G. Hauptmann, les grands tragédiens I. Kaina et A. Zorma ont brillé.

Au tournant du siècle, Berlin devient le centre théâtral de l'Allemagne. En 1883, le Théâtre allemand a été ouvert, en 1889 - le Théâtre libre, qui a promu la dramaturgie d'Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoï.

Au début du XIXème siècle. La vie théâtrale d'A. in s t r et a été marquée par un grand épanouissement créatif des théâtres de banlieue, qui a été associé aux activités du dramaturge F. Raimund et de l'acteur I. N. Motley. Cependant, après la révolution de 1848, ces théâtres perdent leur caractère démocratique, et les pièces récréatives prédominent dans leur répertoire.

Dans la seconde moitié du XIXème siècle. La première place dans la vie théâtrale de l'Autriche était occupée par le théâtre Burg. Son leader G. Laube a approuvé les classiques sur scène. En 70-8Q-e. le théâtre était dirigé par F. Dilgenshtedt, qui a mis en scène une série de tragédies shakespeariennes, des pièces d'Ibsen, Gogol, Tourgueniev, L. Tolstoï.

Ballet. Le berceau du ballet européen moderne est Et a l et I. Le ballet italien était basé sur les traditions de la pantomime et de la danse anciennes et sur la riche culture de la danse folklorique. Au tournant des XVIII-XIX siècles. dans le développement du ballet italien, une nouvelle étape a commencé, coïncidant avec la période de la lutte de libération du peuple italien. Les performances ont été créées sur la base du principe du ballet efficace, saturé de drame, de dynamique et d'expression. Ces ballets ont été mis en scène par G. John et S. Vshit, et des danseurs de pantomime y ont joué.

Le théâtre La Scala était considéré comme le plus grand centre d'art du ballet en Europe ; en 1813, une école de ballet a été créée au théâtre.

Dans la seconde moitié du XIXème siècle. en Italie, ainsi que dans d'autres pays d'Europe occidentale, il y a eu un déclin de l'art du ballet. À cette époque, un style de performance virtuose est en train de s'établir. L'attention est concentrée sur le dépassement des difficultés techniques et l'expressivité dramatique est reléguée au second plan. Dans les années 80 du XIXème siècle. des spectacles principalement enchanteurs ont été mis en scène, qui étaient encombrants et, en règle générale, dépourvus de contenu idéologique.

Charles Baudelaire- Poète français. L'activité poétique de B. coïncide avec l'épanouissement des courants romantiques et parnassiens dans la littérature française. Après la tempête de la Révolution française et l'épopée des guerres napoléoniennes, un ordre bourgeois s'est établi en France, qui ne répondait pas seulement aux aspirations des larges masses populaires, mais aussi aux aspirations des couches moyennes, ces petites bourgeoisie, qui a produit le plus grand nombre d'artistes en général et d'écrivains et de poètes en particulier.

Il convient également de noter qu'à l'époque de 1848, lorsqu'une forte convulsion révolutionnaire secoue le monde bourgeois, Baudelaire, pour ainsi dire, se réveille. A cette époque appartiennent ses œuvres - "Twilight", "Dawn" et "Rag-Pickers' Feast". Des notes démocratiques et légèrement révolutionnaires ont commencé à apparaître dans la poésie de B., mais elles se sont rapidement éteintes dans une déception encore plus sombre.

Son œuvre principale est "Fleurs du mal" (Les fleurs du mal, 1857 ; il existe des traductions russes de Yakubovich-Melshin et Ellis ; de nombreux autres poètes l'ont traduit : Sologub, Vyacheslav Ivanov et d'autres). "Flowers of Evil" est la quintessence de ces ambiances dont nous parlions plus haut. Contemporain des Parnassiens, qui exigeait un filigrane inhabituel de forme poétique, une fermeté de structure, une économie de mots, un rythme et un choix d'images stricts et une correspondance profonde avec eux dans les expressions, B. non seulement obéit à toutes ces conditions, mais s'avéra être l'un des plus grands maîtres d'une telle forme classique à sa manière. B. appartient à la race des poètes-sculpteurs. Il sculpte ou forge ses poèmes. Ses œuvres sont solides, chaque mot tient définitivement sa place. L'artisanat ici est viril.

Le réalisme en tant que tendance indépendante s'est imposé dans les années 40 du XIXe siècle, passant plus tard sous la forme d'un réalisme critique (le point culminant du réalisme est la dénonciation des vices de la société). Le développement du réalisme s'est accompagné du développement du mode de production capitaliste et, par conséquent, de la croissance des contradictions sociales, ce qui s'est reflété dans l'art de cette époque.

Le réalisme dans l'art du XIXe siècle. s'unit au romantisme

Déception face aux résultats des révolutions

Attitude négative envers la réalité bourgeoise

Appel au monde spirituel de l'homme

La lutte pour l'affirmation de soi de la personnalité

Le sujet de la nationalité est proche

Cependant, contrairement aux romantiques, qui fuient la réalité, considérant les situations d'urgence, les personnalités extraordinaires, les situations héroïques, la vie orageuse des passions, le réalisme pénètre profondément dans la réalité, dans la vie sociale.

Nouvelles approches des artistes réalistes du XIXe siècle. à refléter ce qui se passe réellement « ici et maintenant ». Les artistes étaient convaincus de la possibilité de connaître le monde objectivement existant au moyen de l'art. Ils ont tourné les scènes de la vie bourgeoise, illuminé la vie des paysans, la vie ouvrière des classes populaires urbaines.

L'un des premiers réalistes de la peinture française fut Gustave Courbet, qui aborde le thème du travail ("Concasseurs de pierres"), peint des toiles sociales basées sur des motifs réels ("Funérailles à Ornan"). Le « prosaïsme » de Courbet est un défi ouvert à la critique officielle.

François Millet- un genre paysan, sans nuances mélodramatiques et ethnographiques, mais par la transmission de postures, de gestes, de mouvements corporels, a révélé la nature du processus de travail, la force et la dextérité des paysans (« Paysannes aux broussailles », « Cueilleuses ») - des toiles monumentales épiques, pleines de vitalité et de vérité.

Honoré Daumier est un artiste de réalisme critique qui, comme O. Balzac, a créé la "Comédie Humaine" de l'époque en milliers de lithographies, dessins et peintures - caricatures du Roi Louis Philippe dans les revues satiriques "Caricature" et "Sharivari" ( «Down the Curtain» ), son genre principal est une satire de la morale: le monde philistin des escrocs, des imbéciles, des provinciaux de la capitale («Juges de justice»). « Laundress » n'est pas un portrait, mais une image collective de toutes les blanchisseuses parisiennes ; un portrait dans lequel l'auteur exprime tout son amour pour le peuple. Une série d'illustrations pour Don Quichotte, où, à l'image du protagoniste, l'artiste a tenté de refléter sa propre position dans la société, le thème de la souffrance humaine. L'acuité sociale de ses histoires est un contrepoids à la censure interdite.

Paysage national français :

Jean Baptiste Camille Corot- spiritualité poétique de la nature ; motif préféré - "après la pluie", c'est-à-dire état changeant de la nature; la tonalité argentée de sa peinture est "la brume grise de Koro".

école de barbizon- l'objectif principal: l'image de l'originalité du paysage national, le transfert des états changeants de la nature, le rejet des canons de composition. Théodore Russo- "Paysage avec un pont" - un paysage de la nature, une attention particulière à la forme, tous les arbres sont individuels, la modélisation pittoresque les rend volumineux et presque sculpturaux, leur monumentalité est soulignée par un horizon bas.

Jules Dupré- "Paysage d'automne" - l'effet du soleil couchant accentue le contraste des couleurs du paysage d'automne après la pluie, les arbres dominant la composition sont particulièrement solennels.

Charles Daubigny- des paysages fluviaux ("Rive de l'Oise"), la volonté de capter les moindres changements d'état de la nature, une subtile transmission picturale de la lumière enveloppant les objets.

De la fin du XVIIIe siècle. La France a joué un rôle majeur dans la vie socio-politique de l'Europe occidentale. 19ème siècle a été marquée par un large mouvement démocratique qui a embrassé presque tous les secteurs de la société française. La révolution de 1830 a été suivie de la révolution de 1848. En 1871, les personnes qui ont proclamé la Commune de Paris ont fait la première tentative dans l'histoire de la France et de toute l'Europe occidentale pour s'emparer du pouvoir politique dans l'État.

La situation critique dans le pays ne pouvait qu'affecter l'attitude de la population. À cette époque, l'intelligentsia française avancée cherche à trouver de nouvelles voies dans l'art et de nouvelles formes d'expression artistique. C'est pourquoi des tendances réalistes ont été découvertes dans la peinture française bien plus tôt que dans les autres pays d'Europe occidentale.

La révolution de 1830 fait entrer dans la vie de la France les libertés démocratiques dont les graphistes ne manquent pas de tirer parti. Des caricatures politiques pointues contre les cercles dirigeants, ainsi que les vices régnant dans la société, remplissent les pages des magazines Sharivari et Caricature. Les illustrations pour les périodiques ont été réalisées dans la technique de la lithographie. Des artistes tels que A. Monnier, N. Charlet, J. I. Granville, ainsi que le remarquable graphiste français O. Daumier, ont travaillé dans le genre de la caricature.

Un rôle important dans l'art de la France entre les révolutions de 1830 et 1848 a été joué par la tendance réaliste de la peinture de paysage - la soi-disant. école de barbizon. Ce terme vient du nom du petit village pittoresque de Barbizon près de Paris, où dans les années 1830 et 1840. de nombreux artistes français sont venus étudier la nature. Insatisfaits des traditions de l'art académique, dépourvus de concret vivant et d'identité nationale, ils se précipitent à Barbizon, où, examinant attentivement tous les changements qui s'opèrent dans la nature, ils peignent des tableaux représentant de modestes coins de la nature française.

Bien que les œuvres des maîtres de l'école de Barbizon se distinguent par leur véracité et leur objectivité, elles ressentent toujours l'humeur de l'auteur, ses émotions et ses sentiments. La nature dans les paysages des Barbizons ne semble pas majestueuse et lointaine, elle est proche et compréhensible pour l'homme.

Souvent, les artistes ont peint le même endroit (forêt, rivière, étang) à différents moments de la journée et dans des conditions météorologiques différentes. Les études faites en plein air ont été traitées dans l'atelier, créant une image qui était intégrale en termes de composition. Très souvent, dans le travail de peinture fini, la fraîcheur des couleurs caractéristique des études a disparu, de sorte que les toiles de nombreux Barbizons se distinguaient par une couleur sombre.

Le plus grand représentant de l'école de Barbizon est Théodore Rousseau qui, déjà paysagiste bien connu, s'éloigne de la peinture académique et vient à Barbizon. Protestant contre la déforestation barbare, Rousseau dote la nature de qualités humaines. Il a lui-même parlé d'entendre les voix des arbres et de les comprendre. Excellent connaisseur de la forêt, l'artiste rend très fidèlement la structure, l'espèce, l'échelle de chaque arbre (« Forêt de Fontainebleau », 1848-1850 ; « Chênes d'Agremont », 1852). Dans le même temps, les œuvres de Rousseau montrent que l'artiste, dont le style s'est formé sous l'influence de l'art académique et de la peinture des maîtres anciens, ne pouvait, malgré ses efforts, résoudre le problème de la transmission de la lumière et de l'air. . Par conséquent, la lumière et la couleur de ses paysages sont le plus souvent conditionnelles.

L'art de Rousseau a eu une grande influence sur les jeunes artistes français. Des représentants de l'Académie, impliqués dans la sélection des peintures dans les Salons, ont tenté d'empêcher l'œuvre de Rousseau à l'exposition.

Les maîtres bien connus de l'école de Barbizon étaient Jules Dupré, dont les paysages contiennent des caractéristiques de l'art romantique ("Le Grand Chêne", 1844-1855 ; "Paysage aux vaches", 1850), et Narcisse Diaz, qui a habité la forêt de Fontainebleau avec figures nues de nymphes et de déesses antiques ("Vénus avec Cupidon", 1851).

Le représentant de la jeune génération de Barbizons était Charles Daubigny, qui a commencé sa carrière par des illustrations, mais dans les années 1840. dédié au paysage. Ses paysages lyriques, dédiés aux coins sans prétention de la nature, sont remplis de soleil et d'air. Très souvent, Daubigny a peint d'après nature non seulement des esquisses, mais aussi des peintures finies. Il a construit un bateau-atelier, sur lequel il a navigué le long de la rivière, s'arrêtant aux endroits les plus attrayants.

Le plus grand artiste français du XIXe siècle était proche des Barbizons. K. Koro.

La révolution de 1848 a entraîné un essor extraordinaire de la vie sociale de la France, de sa culture et de son art. A cette époque, deux représentants majeurs de la peinture réaliste travaillaient dans le pays - J.-F. Millet et G. Courbet.

Le réalisme français est principalement associé aux noms de Stendhal et de Balzac, et c'est historiquement vrai. Cependant, il ne faut pas oublier qu'ils ont eu des prédécesseurs talentueux, dans les œuvres desquels les principes réalistes de l'écriture ont été très clairement identifiés. Il s'agit du poète Pierre-Jean Béranger, qui s'est fait connaître par ses chansons, et du prosateur Paul-Louis Courier, célèbre pamphlétaire, qui a rendu à la langue française, selon Stendhal, « l'ancienne simplicité ». Les chansons de Béranger et les pamphlets de Courier ont contribué au développement d'une poétique réaliste. Le même but est poursuivi par les essais quotidiens, moralistes et « physiologiques », qui sont l'école de masse du réalisme français.

Dans la première moitié du XIXe siècle, de grands écrivains sont apparus sur la scène littéraire de la France, qui lui ont valu une renommée mondiale : Frédéric Stendhal (pseudonyme d'Henri-Marie Beyle ; 1783-1842), Honoré de Balzac (vrai nom - Balsa ; 1799 -1850) et Prosper Mérimée (1803 -1870).

Stendhal (les romans "Armane", "Rouge et Noir", "Monastère de Parme", "Lucien Levin", "Lamiel", le conte "Mémoires d'un égoïste", la nouvelle "Vanina Vanini", les livres "La Vie de Haydn, Mozart et Metastasio", "Histoire de la peinture en Italie", "Rome, Naples et Florence", "De l'amour", "La vie de Rossini", "Racine et Shakespeare" et d'autres œuvres) a été le créateur de la roman psychologique réaliste. Ce fut son principal mérite, par lequel le mouvement littéraire mondial ne passa pas.

Stendhal était un démocrate qui cherchait les causes des phénomènes dans la réalité environnante. Il avait un intérêt exceptionnel pour l'esprit humain et ses liens avec les sens. Stendhal pensait qu'à la base de toutes les actions humaines se trouve un désir personnel, égoïste, qui doit cependant être subordonné à un sens moral. Il attachait une grande importance à la volonté et la considérait comme l'une des principales forces de la personnalité.

Dans les œuvres d'art, Stendhal, contrairement à d'autres réalistes, en particulier Balzac, met davantage l'accent sur le monde intérieur d'une personne que sur la société et sur l'environnement extérieur du héros. Une personne ne l'attire pas tant en tant que produit social, mais en tant que vie de sa conscience. Mais encore, Stendhal ne renonce pas au déterminisme socio-historique. Ainsi, entourant Pietro, le héros du roman Vanina Vanini, d'une auréole romantique, Stendhal motive sa passion par la nationalité (italienne), le rôle particulier de la religion dans son esprit (après la défaite, lui, patriote, se sent puni et recourt à la religion), sentiment social, lui ordonnant de préférer l'amour d'une femme à l'amour de sa patrie. Ébauchant les principes de la créativité, Stendhal se sert de son expérience et dessine les personnages qu'il dépeint parmi des personnes qui lui sont familières : « Je prends une des personnes que j'ai connues, et je me dis : cette personne a pris certaines habitudes, va chaque matin pour chasser le bonheur, et puis je lui donne un peu plus d'intelligence." Stendhal croyait qu'une personne (et à bien des égards la société) est gouvernée par les passions. Le plus important d'entre eux est l'amour, qui est devenu le centre de son intérêt artistique.

Stendhal identifie quatre passions amoureuses (« On Love ») : « passion-amour », « passion-ambition », « passion-attraction », « passion physique ». Une attention primordiale est portée aux deux premières, dont la « passion-amour » est vraie et éternelle, et la « passion-ambition » est hypocrite et née au XIXe siècle.

Le psychologisme de Stendhal repose sur l'opposition « passion-amour » et « passion-ambition », d'une part, et sur l'opposition passions-raison, d'autre part. Le héros de Stendhal, comme plus tard le Pechorin de Lermontov, s'aperçoit que deux personnes semblent exister en lui en une seule personne : l'une vit et agit, l'autre le regarde. De l'expérience de la contemplation, l'écrivain tire une conclusion importante : « L'âme n'a que des états, elle n'a pas de propriétés stables. La manière la plus profonde de révéler le monde intérieur, la vie de l'âme est le monologue intérieur, caractéristique de tous les personnages principaux de l'écrivain - Julien Sorel, Lucien Levin, Fabrizio del Dongo, etc.

Dans la vie spirituelle de Stendhal, le mouvement de la pensée est intéressant, puisque les passions sont imprégnées d'un principe rationnel. L'écrivain s'arrête devant l'étude des états mentaux, ne faisant que les désigner. Cependant, les actions des personnages sont toujours représentées par lui en conjonction avec leurs réactions, ce qui donne une idée de l'individualité infinie de l'expérience rationnelle et sensuelle des personnes.

L'art de la France, pays hautement politisé, a invariablement répondu à des événements touchant les fondements profonds de l'ordre mondial. Par conséquent, le pays, au XIXème siècle. a survécu à la chute de l'empire, à la restauration des Bourbons, à deux révolutions, a participé à de nombreuses guerres, n'a plus eu besoin d'une présentation artistique du pouvoir. Les gens voulaient voir, et les maîtres voulaient créer des toiles habitées par des contemporains agissant dans des circonstances réelles. L'œuvre du grand artiste Honoré Daumier (1808 - 1879) reflète l'époque du XIXe siècle, pleine de bouleversements sociaux. Bien connu, devenu une sorte de chronique de la vie et des coutumes de l'époque, était le graphisme de Daumier, le maître de la caricature politique, dénonçant la monarchie, l'injustice sociale, le militarisme. Le talent pittoresque de Daumier se révèle dans les années 1840. L'artiste lui-même n'a pas cherché à exposer ses toiles. Seules quelques personnes proches ont vu ses toiles - Delacroix et Baudelaire, Corot et Daubigny, Balzac et Michelet. Ce sont eux qui ont été les premiers à apprécier hautement le talent pictural de Daumier, souvent qualifié de "sculptural". Soucieux de perfectionner ses créations, l'artiste sculpte souvent des figurines en argile, mettant en valeur les traits caractéristiques ou exagérant les proportions naturelles. Puis il a pris un pinceau et, en utilisant cette "nature", a créé des images pittoresques. Dans la peinture de Daumier, on distingue généralement les lignes grotesques-satiriques, lyriques, héroïques, épiques.

Le manuel offre une couverture concise des questions liées au développement de la littérature française et anglaise dans cette direction esthétique. En plus de la présentation de matériel historique et littéraire, le manuel contient des fragments d'œuvres d'art, qui font l'objet d'une analyse analytique détaillée.

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L'extrait suivant du livre Histoire de la littérature étrangère du XIXe siècle : Réalisme (O. N. Turysheva, 2014) fourni par notre partenaire de livre - la société LitRes.

RÉALISME FRANÇAIS

Rappelons d'abord les principaux événements de l'histoire de France, qui font l'objet de réflexion dans la littérature du réalisme ou auxquels son développement même est lié.

1804–1814 - la période du règne de Napoléon (Premier Empire).

1814–1830 - la période de la Restauration (restauration sur le trône de la dynastie des Bourbons, renversée par la Grande Révolution française).

1830 - la chute du régime de la Restauration à la suite de la Révolution de Juillet et l'établissement de la Monarchie de Juillet.

1848 - la chute de la monarchie de juillet à la suite de la révolution de février et la création de la deuxième république.

1851 - l'établissement du Second Empire à la suite d'un coup d'État et l'arrivée au pouvoir de Napoléon III.

1870 - défaite dans la guerre avec la Prusse, élimination de Napoléon III du pouvoir et proclamation de la Troisième République.

1871 - Commune de Paris.

La formation du réalisme français tombe sur les années 30-40. A cette époque, le réalisme ne s'oppose pas encore au romantisme, mais interagit fructueusement avec lui: selon les mots d'A.V. Karelsky, il "est sorti du romantisme, comme de son enfance ou de sa jeunesse". La relation entre le réalisme français primitif et le romantisme est claire dans les travaux précoces et matures de Frédéric Stendhal et Honoré de Balzac, qui, soit dit en passant, ne se disaient pas réalistes. Le terme «réalisme» en relation avec le phénomène considéré dans la littérature est apparu beaucoup plus tard - à la fin des années 50. Par conséquent, il a été transféré rétrospectivement à l'œuvre de Stendhal et de Balzac. Ces auteurs ont commencé à être considérés comme les fondateurs de l'esthétique réaliste, bien qu'ils n'aient pas du tout rompu avec le romantisme: ils ont utilisé des techniques romantiques pour créer des images de héros et ont développé un thème universel de la littérature romantique - le thème de la protestation de l'individu contre la société. Stendhal se qualifie généralement de romantique, bien que l'interprétation du romantisme qu'il propose soit très spécifique et anticipe évidemment l'émergence d'un nouveau courant, appelé plus tard réaliste, dans la littérature française. Ainsi, dans le traité Racine et Shakespeare, il définit le romantisme comme un art qui doit satisfaire les besoins du public pour une compréhension de la vie moderne elle-même.

Des polémiques ouvertes avec le romantisme et le rejet de la poétique romantique surgissent plus tard - dans le cadre de la période suivante du développement de la littérature réaliste. Cette période, dont le cadre chronologique est des années 50-60, est séparée du réalisme primitif par la Révolution de février 1848, la soi-disant «protestation démocratique», qui visait à limiter le pouvoir de l'aristocratie et fut vaincue. La défaite de la révolution, l'établissement du Second Empire et l'avènement de l'ère du conservatisme et de la réaction après 1850 ont provoqué de graves changements dans la vision du monde des écrivains et poètes français, discréditant finalement la vision romantique du monde. Nous envisagerons la réflexion de ce changement de vision du monde en littérature sur l'exemple de l'œuvre de Gustave Flaubert et de Charles Baudelaire.

Réalisme français des années 1830 à 1840

Frédérik Stendhal (1783-1842)

.

Stendhal est né dans la ville provinciale de Grenoble. Ayant quitté sa ville natale à l'âge de 16 ans dans le vain espoir de faire une carrière métropolitaine, à 17 ans il entre au service de l'armée napoléonienne et, en tant qu'auditeur et intendant, participe à toutes les compagnies européennes de Napoléon, à partir avec ses campagnes d'Italie et se terminant par la guerre contre la Russie en 1812 . Il a été témoin de la bataille de Borodino et a personnellement vécu toutes les horreurs de la retraite de Napoléon de Russie, qu'il a décrite en détail dans ses journaux, cependant, assez ironiquement. Ainsi, il a comparé sa participation à la campagne de Russie avec une gorgée de limonade. Les biographes de Stendhal expliquent une telle ironie en décrivant des événements profondément tragiques comme une réaction défensive d'une conscience choquée, essayant de faire face à une expérience traumatique dans l'ironie et la bravade.

La période "napoléonienne" s'est terminée par "l'émigration" de sept ans de Stendhal en Italie. Une connaissance approfondie de l'art italien et l'admiration pour le caractère national italien ont déterminé le thème le plus important et le plus transversal de l'œuvre ultérieure de Stendhal : l'opposition des Italiens en tant que porteurs d'une nature intégrale et passionnée aux Français, dont la vanité de la nature nationale, selon à Stendhal, détruit la capacité au désintéressement et à la passion. Cette idée est développée en détail dans le traité De l'amour (1821), où Stendhal oppose l'amour-passion (type italien de l'amour) à l'amour-vanité (type français du sentiment).

Après l'instauration de la monarchie de juillet, Stendhal est consul de France en Italie, alternant fonctions diplomatiques et activités littéraires. Outre la critique d'art, le journalisme autobiographique, biographique et de voyage, Stendhal possède des ouvrages romanesques (le recueil « Chroniques italiennes » (1829)) et des romans dont les plus célèbres sont « Rouge et Noir » (1830), « Rouge et Blanc " (pas terminé. ), "Couvent de Parme" (1839).

L'esthétique de Stendhal s'est formée sous l'influence de l'expérience résultant de sa participation à la campagne de Russie de Napoléon. La principale œuvre esthétique de Stendhal est le traité "Racine et Shakespeare" (1825). La défaite de Napoléon y est interprétée comme un tournant dans l'histoire de la littérature : selon Stendhal, une nation qui a survécu à la chute de l'empereur a besoin d'une nouvelle littérature. Il doit s'agir d'une littérature visant à une description véridique et objective de la vie moderne et à la compréhension des lois profondes de son développement tragique.

Les réflexions de Stendhal sur la manière d'atteindre ce but (le but d'une image objective de la modernité) sont déjà contenues dans ses premiers journaux (1803-1804). Ici, Stendhal a formulé la doctrine de la réalisation de soi personnelle dans la littérature. Son nom - "Beylisme" - il a formé de son propre nom Henri Beyle ("Stendal" - l'un des nombreux pseudonymes de l'écrivain). Dans le cadre du beylisme, la créativité littéraire est considérée comme une forme de connaissance scientifique sur une personne, c'est-à-dire comme une manière d'étudier le contenu objectif de la vie de l'âme humaine. Du point de vue de Stendhal, de telles connaissances peuvent être fournies par les sciences positives, et d'abord par les mathématiques. "Appliquer les mathématiques au cœur humain" - c'est ainsi que l'écrivain formule l'essentiel de sa méthode. Les mathématiques dans cette expression signifient une approche strictement logique, rationnelle et analytique de l'étude de la psyché humaine. Selon Stendhal, en suivant cette voie, il est possible d'identifier les facteurs objectifs sous l'influence desquels se forme la vie intérieure d'une personne. Réfléchissant sur ces facteurs, Stendhal insiste surtout sur le rôle du climat, des circonstances historiques, des lois sociales et des traditions culturelles. L'exemple le plus frappant de l'application de la méthode « mathématique » au domaine des sentiments est le traité « De l'amour » (1821), où Stendhal analyse l'amour du point de vue des lois universelles de son développement. L'une des idées centrales de ce traité relie les particularités de l'expérience d'un sentiment amoureux à l'appartenance à une culture nationale. Un homme amoureux est considéré par Stendhal comme porteur d'un caractère national, qui détermine presque entièrement son comportement amoureux.

Ainsi, l'analyse de la psychologie humaine à travers l'étude des déterminants externes de son comportement à partir des acquis et des méthodes de la science est, selon Stendhal, une condition nécessaire à la mise en œuvre du projet de la littérature comme forme de connaissance objective de la essence de la vraie vie. C'est précisément de cette littérature dont ont besoin les contemporains qui ont survécu à la révolution et à la défaite de Napoléon. Ces événements de l'histoire de France, selon Stendhal, ont annulé à la fois la pertinence du classicisme (après tout, il n'est pas caractéristique de plausibilité dans la représentation des conflits) et la pertinence de l'écriture romantique (elle idéalise la vie). Stendhal, cependant, se dit aussi romantique, mais il donne à ce nom de soi un sens différent de celui qui était attribué au romantisme dans les années 1820 et 1830. Pour lui, le romantisme est un art qui peut dire quelque chose de significatif sur la vie moderne, ses problèmes et ses contradictions.

La déclaration d'une telle compréhension de la littérature, qui polémique avec le refus romantique de dépeindre la prose de la vie, est également réalisée par Stendhal dans le roman Rouge et Noir.

L'intrigue du roman consiste à décrire cinq années de la vie de Julien Sorel, un jeune homme de basse origine sociale, obsédé par la vanité de prendre une place digne dans la société. Son but n'est pas seulement le bien-être social, mais l'accomplissement du « devoir héroïque » qui s'impose à lui-même. Julien Sorel associe ce devoir à une haute réalisation de soi, dont il trouve un exemple dans la figure de Napoléon - "un lieutenant inconnu et pauvre", qui "est devenu le maître du monde". Le désir d'égaler son idole et de "gagner" la société sont les principaux motifs du comportement du héros. Ayant débuté sa carrière comme précepteur des enfants du maire de la ville de province de Verrières, il accède au poste de secrétaire auprès de l'aristocrate parisien marquis de La Mole, devient le fiancé de sa fille Mathilde, mais meurt guillotiné, ayant été reconnu coupable de tentative de meurtre sur sa première amante, la mère de ses élèves de Verrières Madame de Rénal, qui l'a involontairement exposé aux yeux de M. de La Mole comme un séducteur égoïste de sa fille. L'histoire de cette histoire certes exceptionnelle mais privée est accompagnée du sous-titre "Chronique du 19ème siècle". Un tel sous-titre donne à la tragédie de Julien Sorel une énorme sonorité typique : il ne s'agit pas du destin d'un individu, mais de l'essence même de la place d'une personne dans la société française sous la Restauration. Julien Sorel choisit l'hypocrisie comme moyen de réaliser ses prétentions ambitieuses. Le héros ne propose aucune autre voie d'affirmation de soi dans la société, ce qui rend les droits de l'homme directement dépendants de son origine sociale. Cependant, ses "tactiques" choisies entrent en conflit avec sa moralité naturelle et sa grande sensibilité. Se sentant dégoûté des moyens choisis pour atteindre l'objectif, le héros les pratique néanmoins, comptant sur le fait que le rôle joué par lui assurera sa socialisation réussie. Le conflit interne vécu par le héros peut être décrit comme une confrontation dans son esprit entre deux modèles - Napoléon et Tartuffe : Julien Sorel considère Napoléon comme un modèle pour la mise en œuvre du "devoir héroïque", mais il appelle Tartuffe son "professeur", dont il reproduit la tactique.

Cependant, ce conflit dans l'esprit du héros trouve toujours sa résolution progressive. Cela se produit dans les épisodes décrivant son crime et l'emprisonnement et le procès qui ont suivi. La représentation du crime lui-même dans le roman est inhabituelle : elle n'est accompagnée d'aucun commentaire explicatif de la part de l'auteur, de sorte que les motifs de l'attentat de Julien Sorel contre Madame de Rénal semblent incompréhensibles. Les chercheurs de l'œuvre de Stendhal proposent un certain nombre de versions. Selon l'un d'eux, le coup de feu sur Madame de Rénal est la réaction impulsive du héros à l'exposition, dont il ne peut qu'admettre la justice, et en même temps une expression impulsive de déception dans "l'âme angélique" de Madame de Rénal. . Dans un état de désespoir maléfique, le héros, disent-ils, commet pour la première fois un acte qui n'est pas contrôlé par l'esprit, et pour la première fois agit conformément à sa nature passionnée, «italienne», dont les manifestations jusqu'à maintenant, il a supprimé pour des raisons d'objectifs de carrière.

Dans le cadre d'une autre version, le crime du héros est interprété comme un choix conscient, une tentative consciente en situation d'exposition catastrophique de remplir encore le devoir de haute réalisation de soi qui s'impose à soi-même. Conformément à cette interprétation, le héros choisit consciemment l'autodestruction « héroïque » : en réponse à l'offre favorable du marquis de La Mole, prêt à payer à Julien la promesse de quitter Mathilde, le héros abat Madame de Rénal. Cet acte apparemment insensé, selon le plan du héros, devrait démystifier tous les soupçons selon lesquels il était motivé par un intérêt personnel de base. « J'ai été insulté de la manière la plus cruelle. J'ai tué », dira-t-il plus tard, insistant sur la haute teneur de son comportement.

Les réflexions carcérales du héros indiquent qu'il vit une réévaluation des valeurs. Seul avec lui-même, Sorel admet que la direction de sa vie était erronée, qu'il a supprimé le seul vrai sentiment (le sentiment pour Madame de Rénal) au nom de faux objectifs - les objectifs d'une socialisation réussie, entendue comme "devoir héroïque". Le résultat de «l'illumination spirituelle» du héros (l'expression d'A. V. Karelsky) est le rejet de la vie en société, puisque, selon Julien Sorel, elle voue inévitablement une personne à l'hypocrisie et à la déformation volontaire de sa personnalité. Le héros n'accepte pas la possibilité du salut (il est tout à fait réalisable au prix du repentir) et au lieu d'un monologue coupable, il prononce un discours accusateur contre la société moderne, signant ainsi consciemment une condamnation à mort pour lui-même. Ainsi, l'effondrement de l'idée de "devoir héroïque" s'est transformé, d'une part, en la restauration du vrai "moi" du héros, le rejet du masque et du faux but, et d'autre part, la totale déception de la vie publique et un retrait conscient de celle-ci sous le signe d'une protestation inconditionnellement héroïque.

Une caractéristique distinctive du style de Stendhal dans le roman "Rouge et Noir" est une analyse psychologique approfondie. Son sujet n'est pas seulement la psychologie et la conscience d'une personne en conflit avec le monde social et avec elle-même, mais sa conscience de soi, c'est-à-dire la compréhension par le héros lui-même de l'essence des processus qui se produisent dans son âme. Stendhal lui-même a appelé son style "égoïque" en raison de l'accent mis sur l'image de la vie intérieure du héros réfléchissant. Ce style trouve son expression dans la reproduction de la lutte de deux principes opposés dans l'esprit de Julien Sorel : le sublime (la noblesse naturelle de la nature du héros) et le vil (la tactique hypocrite). Ce n'est pas pour rien que le titre du roman contient l'opposition de deux couleurs (rouge et noir), peut-être symbolise-t-il la contradiction interne que vit le héros, ainsi que son conflit avec le monde.

Les principaux moyens de reproduire la psychologie du héros sont le commentaire de l'auteur et le monologue intérieur du héros. A titre d'illustration, citons un fragment de l'avant-dernier chapitre du roman décrivant les expériences de Julien Sorel à la veille de son exécution.

« Un soir, Julien a sérieusement pensé à se suicider. Son âme était tourmentée par le profond abattement où l'avait plongé le départ de madame de Rênal. Plus rien ne l'occupait, ni dans la vie réelle ni dans son imagination.<…>Quelque chose d'exalté et d'instable apparaissait dans son caractère, comme celui d'un jeune étudiant allemand. Il a perdu insensiblement ... une fierté courageuse.

La suite du fragment forme le monologue intérieur du héros :

« J'aimais la vérité... Et où est-elle ?.. Partout une hypocrisie, ou du moins du charlatanisme, même chez les plus vertueux, même chez les plus grands ! Et ses lèvres se tordirent en une grimace de dégoût. Non, une personne ne peut pas faire confiance à une personne.<…>Où est la vérité ? En religion, est-ce...<…>Oh, si seulement la vraie religion existait dans le monde !<…>Mais pourquoi suis-je quand même hypocrite, maudissant l'hypocrisie ? Après tout, ce n'est pas la mort, ce n'est pas la prison, ce n'est pas l'humidité, mais le fait que Mme de Rênal n'est pas avec moi, c'est ça qui me déprime.<…>

- La voici, l'influence des contemporains ! dit-il à voix haute en riant amèrement. « Je parle seul, à moi-même, à deux pas de la mort, et pourtant je suis un hypocrite… Ah, le XIXe siècle !<…>Et il riait comme Méphistophélès. « Quelle folie de parler de ces grandes questions !

1. Je ne cesse pas d'être hypocrite, comme s'il y avait quelqu'un ici qui m'écoute.

2. J'oublie de vivre et d'aimer alors qu'il me reste si peu de jours à vivre..."

L'analytisme approfondi de ce fragment est évident : il propose à la fois l'analyse de l'auteur sur l'état psychologique du héros, et l'analyse que le héros lui-même effectue par rapport à ses raisonnements et à ses expériences. La numérotation des thèses entreprises par le héros souligne surtout le caractère analytique de ses réflexions.

Honoré de Balzac (1799-1850)

Faits de base de la biographie et de la créativité .

Balzac est issu de la famille d'un fonctionnaire, dont les ancêtres étaient des paysans nommés Balssa. Son père a remplacé le nom de famille par la variante aristocratique "Balzac", et l'écrivain lui-même y a ajouté le préfixe noble "de". Selon A. V. Karelsky, le jeune Balzac appartient au type psychologique que Stendhal dépeint à l'image de Julien Sorel. Obsédé par une soif de gloire et de réussite, Balzac, malgré sa formation juridique, choisit la littérature comme terrain d'affirmation de soi, qu'il considère d'abord comme une bonne source de revenus. Dans les années 1920, sous divers pseudonymes, il publie les uns après les autres des romans dans l'esprit gothique, poursuivant comme objectif principal des cachets élevés. Par la suite, il qualifiera les années 1920 de période de « cochonneries littéraires » (dans une lettre à sa sœur).

On pense que la véritable créativité de Balzac commence dans les années 30. Depuis le début des années 1930, Balzac développe une idée originale - l'idée de réunir toutes les oeuvres en un seul cycle - dans le but de la représentation la plus large et la plus multiforme de la vie de la société française contemporaine. Au début des années 40, le nom du cycle a été formé - "The Human Comedy". Ce nom implique une allusion à plusieurs valeurs à la Divine Comédie de Dante.

La mise en œuvre d'une idée aussi grandiose a nécessité un travail immense, presque sacrificiel : les chercheurs ont calculé que Balzac écrivait jusqu'à 60 pages de texte par jour, s'adonnant systématiquement à un travail, de son propre aveu, de 18 à 20 heures par jour.

Du point de vue de la composition, La Comédie humaine (comme la Divine Comédie de Dante) se compose de trois parties :

- "Etudes sur la morale" (71 ouvrages dont les plus célèbres sont la nouvelle "Gobsek", les romans "Eugen Grandet", "Père Goriot", "Illusions perdues");

– «Études philosophiques» (22 ouvrages, dont le roman «Shagreen Skin», l'histoire «Unknown Masterpiece»);

- « Études analytiques » (deux ouvrages dont le plus célèbre est « La physiologie du mariage »).

L'esthétique de Balzac s'est formée sous l'influence de la pensée scientifique de son temps, et en premier lieu des sciences naturelles. Dans la Préface de La Comédie humaine (1842), Balzac fait référence au concept de Geoffroy de Saint-Hilaire, prédécesseur de Darwin, professeur de zoologie qui a mis en avant l'idée de l'unité de tout le monde organique. Conformément à cette idée, la nature vivante, avec toute sa diversité, est un système unique, qui repose sur le développement progressif des organismes des formes inférieures aux formes supérieures. Balzac utilise cette idée pour expliquer la vie sociale. Pour lui, « la société est comme la Nature » (comme il l'écrit dans la Préface de La Comédie humaine), et donc c'est un organisme intégral qui se développe selon des lois objectives et une certaine logique causale.

Au centre de l'intérêt de Balzac se trouve l'étape contemporaine, c'est-à-dire bourgeoise, de l'évolution du monde social. Le plan de Balzac vise la recherche d'une loi objective qui détermine l'essence de la vie bourgeoise.

L'ensemble d'idées décrit a déterminé les principes esthétiques de base de l'œuvre de Balzac. Listons-les.

1. La recherche d'une représentation universelle et inclusive de la société française. Il est présenté de manière expressive, par exemple, dans la structure de composition de la première partie de la "Comédie humaine" - "Etudes sur la morale". Ce cycle de romans comprend six sections selon l'aspect de la vie sociale qu'ils explorent : "Scènes de la vie privée", "Scènes de la vie de province", "Scènes de la vie parisienne", "Scènes de la vie militaire", "Scènes de la vie politique". vie », « Scènes de la vie du village. Dans une lettre à Evelyn Hanska, Balzac écrivait que les "Études sur la morale" dépeindraient "tous les phénomènes sociaux, de sorte que [rien]<…>ne sera pas oublié."

2. Installation sur l'image de la société comme un système unique, semblable à un organisme naturel. Elle trouve son expression, par exemple, dans une caractéristique de La Comédie humaine telle que l'existence de liens de diverses natures entre des personnages situés à divers niveaux de l'échelle sociale. Ainsi, dans le monde de Balzac, un aristocrate se révèle porteur de la même philosophie morale qu'un forçat. Mais cette attitude est surtout démontrée par le principe des personnages « à travers » : dans la « Comédie humaine », un certain nombre de personnages passent d'œuvre en œuvre. Par exemple, Eugène Rastignac (il apparaît dans presque toutes les "Scènes", comme l'a expliqué Balzac lui-même), ou le forçat Vautrin. De tels personnages ne font que matérialiser l'idée balzacienne selon laquelle la vie sociale n'est pas une collection d'événements disparates, mais une unité organique, au sein de laquelle tout est lié à tout.

3. Installation sur l'étude de la vie de la société dans une perspective historique. Reprochant à la science historique contemporaine le peu d'intérêt qu'elle porte à l'histoire des mœurs, Balzac souligne dans la Préface le caractère historiographique de la Comédie humaine. La modernité est pour lui le résultat d'un développement historique naturel. Il estime nécessaire de chercher ses origines dans les événements de la Grande Révolution française de 1789. Ce n'est pas pour rien qu'il se dit historien de la vie bourgeoise moderne et appelle La Comédie humaine « un livre sur la France au XIXe siècle ».

Fin du segment d'introduction.

Dans les profondeurs de l'art romantique du début du XIXe siècle, le réalisme a commencé à prendre forme, associé à des sentiments publics progressistes. Ce terme a été inventé pour la première fois au milieu du XIXe siècle. Le critique littéraire français J. Chanfleury désigne un art qui oppose romantisme et symbolisme « Mais le réalisme est une catégorie plus profonde que les styles artistiques individuels dans l'art. Le réalisme au sens large du terme vise une réflexion complète de la vie réelle. C'est une sorte de noyau esthétique de la culture artistique, qui se faisait déjà sentir à la Renaissance - "réalisme de la Renaissance", et au siècle des Lumières - "réalisme des Lumières". Mais depuis les années 1930

19ème siècle art réaliste, s'efforçant d'obtenir une représentation fidèle de ce qui l'entoure, dénonce sans le vouloir la réalité bourgeoise. Avec le temps, ce courant, appelé réalisme critique, a coïncidé avec la montée du mouvement ouvrier dans divers pays européens.

Initialement, le réalisme a été identifié avec le naturalisme, et la transition vers celui-ci, disons, en Allemagne et en Autriche, a été Biedermeier- une direction stylistique, qui se caractérise par la poétisation du monde des choses, le confort d'un intérieur de maison, une attention particulière aux scènes quotidiennes familiales. Biedermeier a assez rapidement dégénéré en naturalisme sucré philistin, où les petits détails quotidiens, mais écrits «exactement comme dans la vie», ont pris la première place.

En France, le réalisme était associé au pragmatisme, à la prédominance des vues matérialistes et au rôle dominant de la science. Parmi les plus grands représentants du réalisme en littérature figurent O. Balzac, G. Flaubert et en peinture - O. Daumier et G. Courbet.

Soutenez deBalzac(1799-1850) déjà dans l'une de ses premières œuvres Shagreen Skin, mêlant imagerie romantique et symbolisme à une analyse sobre, dépeint avec réalisme l'atmosphère de Paris après la révolution de 1830. Selon les lois de son art, Balzac, dans une série de romans et d'histoires qui ont constitué l'épopée "La Comédie humaine", a montré une partie sociale de la société dans laquelle vivent et interagissent des représentants de toutes les classes, états, professions, types psychologiques. , devenus des noms communs, comme par exemple Gobsek et Rastignac . L'épopée, composée de 90 romans et histoires et liés par une idée et des personnages communs, comprenait trois sections : études de morale, études philosophiques et études analytiques. Des études de mœurs montraient des scènes de la vie provinciale, parisienne, rurale, privée, politique et militaire. Ainsi, Balzac a brillamment montré les lois de développement de la réalité dans une spirale allant des faits à la généralisation philosophique. Pour reprendre les mots de l'auteur lui-même, il a cherché à dépeindre une société qui "contient la base de son mouvement". L'épopée de Balzac est un tableau réaliste de la société française, d'une portée grandiose, reflétant ses contradictions, l'envers des rapports et des mœurs bourgeois. En même temps, Balzac a maintes fois soutenu qu'il ne peint pas des portraits de certains individus, mais des images généralisées : ses personnages littéraires n'étaient pas des modèles servilement copiés, mais étaient une sorte d'échantillon du genre, combinant les traits les plus caractéristiques de cette ou cette image. La généralisation est l'un des principaux préceptes de l'esthétique de Balzac.

Esthétique Gustave Flaubert(1821-1880) trouve son expression dans la conception qu'il se fait du rôle particulier et de l'élitisme de la littérature, qu'il assimile à la science.L'apparition du roman Madame Bovary marque une nouvelle ère dans la littérature. Par une simple histoire d'adultère, Flaubert est notre façon de montrer les racines profondes de la vulgarité environnante, l'insignifiance morale des bourgeois de province, l'atmosphère suffocante du Second Empire qui s'est développée après le coup d'État de Louis Bonaparte en juillet 1848. Le roman , ce chef-d'œuvre de la littérature française, n'est pas sans raison appelée l'encyclopédie de la province française du XIXe siècle. L'écrivain, en sélectionnant des détails caractéristiques, restitue l'image historique de toute la société à partir de signes insignifiants du temps. La petite ville d'Yonville, dans laquelle se déroule l'action du roman, représente la France entière en miniature : elle a sa noblesse, son clergé, sa bourgeoisie, ses ouvriers et paysans, ses mendiants et ses pompiers qui ont pris la place des militaires. Ces peuples, vivant côte à côte, sont essentiellement divisés, indifférents les uns aux autres et parfois hostiles. La hiérarchie sociale est ici indestructible, forte

pousse les faibles: les propriétaires déchargent leur colère sur les domestiques - sur des animaux innocents. L'égoïsme et l'insensibilité, comme une infection, se sont répandus dans tout le district, des humeurs de désespoir et de mélancolie pénètrent dans tous les pores de la vie. L'artiste Flaubert était préoccupé par la couleur et la structure sonore du roman, qui servait en quelque sorte d'accompagnement à la triste histoire d'Emma Bovary. « Pour moi, écrivait Flaubert, une seule chose importait : rendre la couleur grise, la couleur de la moisissure dans laquelle végètent les cloportes. Avec son drame provincial, Flaubert porte un coup au goût petit-bourgeois, au pseudo-romantisme. Pas étonnant que "Madame Bovary" ait été comparée au "Don Quichotte" de Cervantès, qui a mis fin à l'engouement pour le roman chevaleresque. Flaubert a prouvé les énormes possibilités de l'art réaliste et a eu une influence décisive sur le développement du réalisme dans la littérature mondiale.

La révolution de 1830 a ouvert une nouvelle étape dans l'histoire de la culture artistique de la France, en particulier, elle a contribué au développement de la caricature comme puissant moyen de critique. Dans la littérature, la poésie, dans les arts visuels - les graphiques ont répondu le plus vivement aux événements révolutionnaires. Le maître reconnu du graphisme satirique était Honoré Daumier(1808-1879). Brillant dessinateur, maître du trait, il crée des images expressives d'un trait, d'une tache, d'une silhouette et fait de la caricature politique un véritable art.

Maîtrisant magistralement la technique du modelage de la lumière et de l'ombre, Daumier a utilisé des techniques graphiques dans ses peintures et a toujours mis l'accent sur le contour. D'un trait noir-brun calme et fluide, il dessine les contours des personnages, des profils, des coiffes, ce qui caractérise sa démarche picturale.

Les œuvres pittoresques de Daumier sont désignées par des cycles dont le premier était révolutionnaire. Il est tout à fait raisonnable de dire que la révolution de 1830 a créé Daumier le graphiste, la révolution de 1848 a créé Daumier le peintre. Daumier était un républicain convaincu, et les sympathies de l'artiste allaient du côté du prolétariat et de l'intelligentsia démocratique. L'œuvre la plus importante du cycle révolutionnaire est le "Soulèvement", où, après avoir représenté seulement quelques personnages, en les plaçant en diagonale, Daumier a réalisé l'impression et le mouvement d'une grande foule de personnes, et l'inspiration des masses, et l'étendue de l'action au-delà de la toile. L'accent a été mis par lui uniquement sur la figure d'un jeune homme en chemise légère. Il est subordonné au mouvement général et le dirige en même temps, se tournant vers ceux qui marchent derrière lui et indiquant le chemin vers le but avec sa main levée. A côté de lui se trouve un intellectuel, sur le visage pâle duquel l'émerveillement se fige, mais lui, emporté par l'élan général, se confond avec la foule.

Le cycle "Don Quichotte" peut être qualifié de cycle traversant dans l'œuvre de Daumier. Son interprétation des images de Don Quichotte et de Sancho Panza n'a pas d'analogue dans l'art français. Contrairement aux banals illustrateurs de Cervantès, Daumier ne s'intéressait qu'au côté psychologique de l'image, et le leitmotiv de toutes ses 27 variations est le Don Quichotte hagard, incroyablement grand et droit, traversant un sombre paysage vallonné sur son monstrueusement osseux. , semblable à la chimère gothique Rossinante ; et derrière lui, sur un âne, le lâche Sancho Panza, toujours à la traîne. L'image de Sancho, pour ainsi dire, dit : assez d'idéaux, assez de lutte, il est temps d'arrêter enfin. Mais Don Quichotte va invariablement de l'avant, fidèle à son rêve, il n'est pas arrêté par les obstacles, il n'est pas attiré par les bienfaits de la vie, il est tout en mouvement, en recherche.

Si dans "Don Quichotte" Daumier reflétait la contradiction tragique entre les deux côtés de l'âme humaine, alors dans la série "Juges et Avocats", un contraste terrifiant s'est créé entre l'apparence, l'apparence extérieure d'une personne et son essence. Dans ces séries vraiment brillantes, Daumier s'est élevé au social et