Claude Lorrain. Paysages célèbres

Claude Lorrain (1600-1682)- Peintre français, maître du paysage classique. Mais ses peintures allaient au-delà de l'académisme, elles étaient animées par la lumière, travaillées à tel point que chaque feuille et chaque brin d'herbe sur les toiles devenaient aussi réels que la verdure du monde réel.

La créativité de Lorrain fascine, apaise et plonge dans une atmosphère particulière, où le présent rencontre le passé, et la notion de temps disparaît progressivement. Cela doit se produire parce que les intrigues des peintures sont souvent littéraires, elles ne sont pas liées à l'histoire, aux dates et sont dépourvues de détails secs. Des parcelles historiques, bien sûr, ont également été prises comme base, mais elles se sont perdues dans la beauté du paysage.

Claude Lorrain est né dans une famille paysanne, et il a eu un long chemin pour se perfectionner. L'artiste a eu la chance de travailler sur des œuvres très différentes : certaines d'entre elles ont vraiment aidé à développer le talent, tandis que d'autres s'apparentaient plus à un travail de routine. Lorrain fut graveur, étudia l'architecture et la perspective, décora la voûte de l'église, travailla à des « fresques paysagères », s'essaya avec succès comme graveur ( eau-forte - un type de gravure sur métal - env. éd.).

Mais surtout, il a étudié l'art et les secrets de la peinture de paysage. Souvent les « protagonistes » des œuvres de Lorrain étaient des ports de mer, baignés par les rayons du soleil. "L'arrivée de Cléopâtre à Tarse" (1642) - une image, apparemment, raconte l'arrivée de la reine Cléopâtre dans la ville de Tarse. Mais le spectateur qui voit la toile est en droit de douter que dans cette œuvre l'intrigue historique soit plus importante que le paysage.

Le soleil sur la photo ressemble à de l'or, le ciel se plaît dans une variété de nuances et l'architecture semble ciselée, majestueuse et grandiose. Quant aux personnes, elles, comme l'intérieur sur les toiles d'autres artistes, ne font que compléter la composition. Le bal est dominé par un paysage rempli d'air et de lumière.

Travail incroyablement délicat - "Matin" (1666). Cela touche les profondeurs de l'âme, comme cela se produit lorsque vous observez la nature vivante et réalisez à quel point elle est belle et parfaite. Dans ce cas, vous ressentez ces sentiments en regardant la toile. Et ce n'est pas seulement l'admiration pour la nature - c'est l'admiration pour le monde dans la projection de Lorrain et le talent de l'artiste.

Il n'est pas surprenant que le peintre ait eu de nombreux admirateurs de son vivant. Parmi ses clients se trouvaient même le roi d'Espagne Philippe IV et le pape Urbain VIII.

Avec des ajouts mineurs, Lorrain a suivi ce type de paysage toute sa vie, mais il l'a enrichi d'observations si directes et originales, grâce auxquelles, au fil des siècles, de nouvelles solutions sont apparues dans le genre du paysage idyllique - principalement dans la construction d'un espace holistique et lumineux. Claude Lorrain a introduit la pratique de peindre un paysage d'après nature avec un stylo et des aquarelles. Claude a capturé avec sensibilité l'étendue de la campagne romaine, étudiant soigneusement les motifs naturels - les arbres couverts de lierre, les chemins sur lesquels tombent la lumière ou l'ombre. Il a compris un nouveau langage d'expression des émotions, dont il a trouvé les « mots » dans l'environnement naturel.

A cette époque, seul Rembrandt empruntait un chemin similaire, qui dans les mêmes années réalisait des croquis de paysages, errant dans les environs d'Amsterdam. Cependant, Claude s'est donné pour tâche de redonner vie à l'ancien schéma d'une autre manière assez originale. Il sortait de la ville le matin et le soir et, observant les transitions tonales du milieu au plus éloigné de la nature, il créait une palette de couleurs en mélangeant les couleurs sur la palette. Puis il retourne à l'atelier pour utiliser la peinture trouvée aux endroits appropriés sur le chevalet. Utiliser la couleur tonale et l'harmoniser avec la nature étaient deux techniques complètement nouvelles à l'époque. Ils ont permis à Claude de résoudre son problème avec une ouverture sans précédent, parfois naïve. Le paysage idyllique de Claude est le seul genre que les peintres des pays anglophones adoptent, se l'appropriant. C'est cette impulsion, jointe à l'observation directe de la nature, qui leur a permis d'apporter une grande contribution à l'art du paysage et a contribué au renouveau de ce genre au XIXe siècle.

Tableau de Claude Lorrain " Paysage avec un sacrifice à Apollon ".
Ce paysage majestueux et spatial est l'un des plus beaux exemples de la peinture de paysage du classicisme. Il est soigneusement composé, les puissantes lignes verticales et horizontales s'équilibrent et l'alternance de lumière et d'ombre aide le regard du spectateur à se déplacer le long de la composition. Claude Lorrain a su transmettre la grandeur solennelle de la campagne romaine. La palette de couleurs, construite sur une savante combinaison de nuances de vert, de bleu et de marron, crée une impression de transparence dans l'atmosphère. Des figures de personnes semblent presque aléatoires dans ce décor majestueux, elles représentent une intrigue de la mythologie classique dans laquelle le père de Psyché, sacrifiant Apollon, lui demande de trouver un mari pour sa fille. Claude Lorrain était français mais a passé toute sa vie à Rome. Ses compositions pastorales et sa vision poétique ont été une source d'inspiration constante pour les peintres paysagistes anglais des XVIIIe et XIXe siècles. Après avoir vu le paysage reproduit ici, Turner a noté qu'il « surpasse le pouvoir d'imitation en peinture ». Claude Lorrain décède le 23 novembre 1682 à Rome.

Autoportrait de Liber Veritatis Gravure de I. von Sandrart

L'art de voir la nature est aussi difficile que la capacité de lire les hiéroglyphes égyptiens.
Francis Bacon

Vous avez probablement admiré plus d'une fois l'éclairage des paysages de Claude Lorrain, qui semble plus beau et parfait que la lumière de la nature. Maintenant, c'est la lumière de Rome !
Pavel Mouratov

Les romantiques voyaient la sincérité des sentiments de Claude Lorrain dans la vision de la nature, la « musicalité » particulière des combinaisons de couleurs, la subtilité de transmettre diverses impressions de la nature. Eugène Delacroix, cependant, était plus fasciné par le talent de Nicolas Poussin. Il croyait que le célèbre contemporain de Claude était capable de pénétrer plus profondément dans le monde intime de l'âme humaine avec ses œuvres, l'éveillant à l'empathie pour la beauté particulière des paysages italiens. Mais le plus grand paysagiste anglais John Constable était plus proche de Claude Lorrain. Dans six conférences sur la peinture de paysage, données par lui en 1836 à la Royal Institution de Worcester, il accorda une grande attention à « Claude », comme l'appelaient les Anglais.

Le jugement de Paris. 1645

Constable a écrit sur l'assiduité d'un artiste étranger qui est venu à Rome et a minutieusement étudié le soir à l'Académie, et pendant la journée "travaillé dans les champs", c'est-à-dire peint dans la Campanie romaine. Constable croyait que Claude atteignait également la maîtrise de la représentation des personnages, puisque les personnages qu'il écrivait lui-même étaient « exécutés sans erreurs », contrairement à ceux que d'autres maîtres représentaient dans ses paysages. Constable a toujours défendu son point de vue selon lequel « la peinture ne tolère pas la co-création ». Il a qualifié Claude Lorrain d'artiste « dont les peintures pendant deux siècles ont apporté aux gens une joie inépuisable » et « qui a atteint la perfection dans ses paysages, la perfection dont dispose l'homme ». Parlant des paysages comme « le fruit de la peinture historique », Constable a trouvé dans les œuvres de Claude « la capacité de combiner l'éclat des couleurs avec l'harmonie, la chaleur avec la fraîcheur, l'obscurité avec la lumière ». C'est Constable qui a noté dans ses paysages "presque toujours un soleil brillant", une diversité tonale, un contraste ou une harmonie de lumière et d'ombre, qui résultent de modifications des reflets lumineux, des changements de couleur sous l'influence de ces reflets et réfractions. Estimant qu'« une peinture est une expérience scientifique », et étant un maître du XIXe siècle, Constable tenta de comprendre en détail la méthode de Claude : « Pour la lumière du soleil, il n'a qu'un jaune et un blanc de plomb, pour les ombres profondes - que de la terre d'ombre et de la suie. La transparence est la perfection du travail de Claude ; transparence, quelle que soit la couleur, car de quelle couleur est-ce. " Constable a également écrit au sens figuré que chaque fois propose ses propres tâches à l'artiste. Il est impossible de l'inverser, et l'imitation de la manière des paysages individuels par Claude Lorrain semble anachronique dans l'ère nouvelle. « Je pourrais mettre un costume Claude Lorrain et sortir dans la rue ; et beaucoup de ceux qui connaissent Claude Lorrain superficiellement s'inclineraient devant moi en ôtant leur chapeau, mais finalement je rencontrerais un homme qui le connaissait ; il m'aurait exposé, et j'aurais été un mépris, bien mérité...".
Constable fut le premier des maîtres du XIXe siècle à ressentir la recherche de Claude du « langage de la lumière » (paroles de Charles Daubigny. - EF). C'est ce désir de transmettre les nuances les plus subtiles de l'éclairage, qui jouent un rôle si important dans la représentation de la vie vibrante et vibrante de la nature, qui a attiré les maîtres du XIXe siècle vers l'héritage de Claude Lorrain. Joseph Melord Turner et les impressionnistes français ont apprécié son travail. Théodore Rousseau a copié les tableaux de l'artiste au Louvre. Ses vues sur la campagne romaine attiraient Camille Corot et Charles Daubigny admirait l'habileté de Claude à transmettre l'éclairage du coucher du soleil.
Des opinions bien différentes ont également été exprimées sur le talent de Claude Lorrain. Par exemple, Eugène Fromentin, auteur du livre Les Maîtres anciens (1876), esthéticien classique qui défendit le rôle décisif des maîtres hollandais du XVIIe siècle dans l'évolution du paysage européen, écrit qu'il y avait peu d'originalité dans les œuvres des Français. maître, bien qu'il sache « peindre la lumière ». Fromentin décrivait Claude Lorrain de la manière suivante : « un artiste essentiellement simple d'esprit, bien que les gens solennels se tournent vers lui, l'admirent, mais ils n'apprennent pas de lui, et surtout, ils ne s'arrêtent pas à lui et , bien sûr, ils ne lui reviennent pas ». John Ruskin était également strict dans son évaluation de Claude Lorrain, affirmant qu'il était un peintre aux capacités médiocres et qu'il n'était « bon qu'à faire une chose, mais mieux que toutes les autres ». Le critique et historien de l'art anglais avait également en tête la capacité de « représenter le soleil dans le ciel ». Il s'indigne de l'« artificialité » des paysages de Claude. Peut-être Ruskin ne connaissait-il pas très bien la Campanie romaine et n'a-t-il pas ressenti à quel point l'artiste ressentait «l'âme» de ce «pays» légendaire, qui a commencé hors des portes de Rome.
Pour les goûts pointilleux des spectateurs des XX-XXI siècles, Claude Lorrain est toujours un classique, un maître inégalé de la représentation de la beauté et de la grandeur de l'univers, personnifiant, comme aux deux siècles précédents, le rêve d'un âge d'or. En effet, avec la main légère d'Ovide, qui a divisé la vie de l'humanité en quatre étapes, l'âge d'or a toujours rêvé plus au passé qu'à l'avenir. Tout ce que les célébrités ont dit de Claude Lorrain permet d'imaginer l'envergure de cet artiste. Son art n'a laissé personne indifférent, a incité la réflexion. Mais, enfin, il convient de se tourner vers la biographie du « brillant Claude », les étapes de la créativité, les œuvres marquantes, la méthode de son travail.

Claude Jellet (1600-1682) est né près de Lunéville en Champagne dans le domaine du Duc de Lorraine. D'où l'origine de son surnom - Claude Lorrain. De lui-même, il dit : « Claude Gelle, surnommé Le Lorrain. Des informations assez rares sur sa biographie ont été conservées dans les œuvres d'auteurs faisant autorité du 17ème siècle - le déjà mentionné I. von Zandrart, ainsi que F. Baldinucci, G. Ballione, J.P. Bellory, Félibiena. Ce dernier était plus attiré par un autre "pic" de l'art français au 17ème siècle - Poussin. Au XVIIe siècle, Claude Lorrain est cité par L. Pascoli, comte d'Argenville, L. Lanzi. Au 19e siècle, l'Anglais J. Smith a compilé un catalogue assez complet des tableaux de l'artiste, le classant parmi les maîtres européens les plus célèbres.
"Claude Jellet, surnommé Le Lorrain" - c'est ainsi que Claude Lorrain a signé dans trois lettres survivantes (archives Fürstenberg, Poorglitz). Ils sont adressés au comte Friedrich von Waldenstein et ont été écrits sur l'exécution de deux toiles pour le client. Outre ces lettres, selon les deux chercheurs étrangers contemporains les plus célèbres de l'œuvre de Claude Lorrain, M. Roethlisberger et M. Kitson, les informations les plus fiables sur l'artiste se trouvent dans les œuvres de I. von Zandrart et F. Baldinucci.
L'album de dessins Liber Veritatis (1636-1650, British Museum, Londres) est une source importante pour restituer les faits de sa biographie et déterminer les étapes de la créativité. Il contient 195 dessins de Claude Lorrain tirés de ses peintures. L'artiste les a créées afin d'éviter les contrefaçons (ce qui est aussi la preuve de sa popularité) et de fixer ses œuvres en mémoire. Les feuilles sont datées et signées, et les noms des commanditaires des tableaux y sont indiqués. Le portrait de Claude Lorrain pour cette série a été exécuté d'après les dessins de I. von Zandrart. Il existe également un portrait de l'artiste réalisé par Joshua Boydell (d'après un dessin de Lorrain lui-même) pour la publication Liber Veritatis (1777, Londres). L'histoire de l'introduction des dessins au British Museum est assez intéressante, longue et déroutante. L'album a été hérité par la fille de l'artiste Agnese, après sa mort, il est allé à son neveu. Puis il a émigré de France en Flandre et s'est à nouveau retrouvé dans la patrie de Claude Lorrain, où il a été acquis par Desayer d'Argenville, un célèbre collectionneur et amateur d'art, auprès d'un Marchand. Il proposa au roi d'acheter les dessins, mais il refusa ; dans les années 1770, ils ont été achetés par le deuxième duc de Devonshire, et en 1837, ils ont été exposés dans sa galerie. Ce n'est que plus tard que le British Museum est devenu propriétaire de ce trésor national.
Claude Jellet était apparemment le troisième ou quatrième enfant de la famille. Son premier mentor dans l'enseignement du métier est considéré comme son frère aîné, un sculpteur sur bois. Vers 1613, Claude arrive à Rome, où il commence à travailler sous la direction du peintre Agostino Tassi (1565-1644), dont l'atelier réalise des commandes pour la peinture de palais. Selon Filippo Baldinucci, il a visité Naples (années inconnues), où il a travaillé avec le peintre Goffredo Wals. 1625 ou 1627 date du départ de Claude Lorrain pour Nancy, capitale du duché de Lorraine, où il séjourna environ un an et demi, collaborant avec Claude Darouet à l'exécution des fresques de l'église des Carmes. En 1627, l'artiste quitte Nancy et revient à Rome le 18 octobre.

Enlèvement d'Europe. 1655

Selon Baldinucci et Zandrart, les premières peintures de Claude Lorrain à Rome étaient les peintures murales de deux palais, exécutées par lui vers 1627 - le Palazzo Muti Papazzuri (aujourd'hui le Palazzo Balestra Crescenzi) sur la Piazza Santi Apostoli et le Palazzo Crescenzi sur la Piazza. Les fresques des deux n'ont pas survécu et ne sont connues que par des descriptions. L'artiste a reçu une commande pour la peinture du premier palais grâce à son ami Claude Mellen, qui en a réalisé les fresques au plafond. Pour la famille Muti, comme en témoigne Baldinucci, Claude Lorrain a peint des cassone (coffres de mariage) destinés à une autre maison (non conservée) de ces clients, située sur la Plaza de España près de l'église de Santa Trinita dei Monti. Joachim von Sandrart mentionne qu'au Palazzo Crescenzi, l'artiste a peint sept « paysages de ruines » (trois en ovales, quatre en quadrifolios), les décorant d'une frise représentant un putti. Des frises similaires ont déjà été réalisées par Agostino Tassi et ses élèves dans les peintures du palais du Quirinal et du palais Doria Pamphilia à Rome. La manière de Tassi, qui fut un disciple du peintre paysagiste flamand Paul Brill (1554-1626) et travailla dès la fin du XVIIe siècle à Rome, eut une influence considérable sur Claude Lorrain. Malheureusement, c'est tout ce que l'on sait de ses premières œuvres à Rome. Il s'installe Via Margutta près de la Plaza de España et de l'église de Santa Trinita dei Monti, située parmi les jardins de la Villa Médicis. Ce quartier était habité par des artistes étrangers venus dans la Ville éternelle dans le premier tiers du XVIIe siècle.
Rome, inspirée par la gloire des chefs-d'œuvre antiques, et la nature de l'Italie imprégnée de la lumière du soleil du sud ont enchanté Claude Lorrain. Comme beaucoup de ses compatriotes, il rejoint le courant dominant des maîtres de « l'école romaine », composée d'artistes des pays du nord et du sud arrivés ici dans le premier tiers du XVIIe siècle. Ils ont été attirés par la vie artistique bouillonnante de la Ville Éternelle, le grand héritage artistique de nombreuses époques - l'antiquité, le Moyen Âge, la Renaissance, la naissance des idéaux du Nouvel Âge. Les artisans des pays du Nord fuyaient le fléau des guerres de religion qui régnaient dans leur patrie. Pour les Français, rester en Italie était une acquisition de la liberté de création. Dans les années 1620-1630, ils ne sont pas attirés par Paris, qui n'est pas encore le centre de la culture européenne, ce qu'elle sera sous le Roi Soleil Louis XIV (1638-1715). Mais sous le père de ce roi (Louis XIII), qui dirigeait le pays depuis 1610, une voie était déjà clairement tracée pour renforcer le pouvoir du monarque, pour subordonner inconditionnellement toute politique artistique à la glorification de l'absolutisme. L'Ordre des Jésuites, qui canonisa les noms de saint Ignace de Loyola et de son disciple saint François Xavier, acquit un pouvoir particulier. L'ordre a construit deux belles églises - Sant Andrea al Quirinale et Il Jezu (église de la Mère du Christ), a patronné les activités missionnaires des jésuites. Le style baroque, dans l'esthétique duquel il y avait un désir d'émerveiller l'imagination du spectateur avec des formes et des images inhabituelles, a parfaitement répondu aux tâches de la Contre-Réforme. À propos des maîtres talentueux de la savante Bologne - les frères Carracci, Domenichino, Guercino, Guido Reni étaient les créateurs les plus célèbres de ces peintures murales baroques. Ils y combinaient habilement leurs impressions sur les œuvres des maîtres de la Renaissance (Raphaël, Corrège,
Michel-Ange), passion pour les classiques antiques. Les peintures qu'ils ont exécutées avec leurs couleurs vives, leur maniérisme et leur éclat ressemblaient à une représentation théâtrale qui s'élève au-dessus du spectateur, comme dans le ciel.
Les entreprises de construction des Jésuites ont servi à exalter le pouvoir des pontifes de la Ville éternelle. Et les papes eux-mêmes - Paul V Borghese (1605-1621), Urbain VIII Barberini (1622-1654), Alexandre VII Chigi (1655-1667), Innocent IX Odescalchi (1676-1689), qui ont successivement dirigé le trône, patronné des artistes et architectes, étaient mécènes et collectionneurs. Les maîtres romains rêvaient de gagner la faveur particulière des papes et des représentants des familles nobles, qui cherchaient à consolider leur importance par la construction de palais et de villas. Le cardinal Francesco Barberini est devenu le saint patron de Nicolas Poussin, et le cardinal Pietro Aldobrandini était connu comme un admirateur de la douce grâce des images du bolonais Guido Reni.

Paysage avec Jacob, Laban et ses filles. 1654 Assemblée nationale Chesworth Howes, Londres

Lors de l'arrivée (ou plutôt du retour) de Claude Lorrain à Rome en 1627, le nom du peintre lombard Caravage n'a pas été oublié ici. Des artistes de nombreux pays sont devenus de fidèles adeptes de ses innovations : techniques spéciales pour transmettre l'illumination, révélant l'énergie spirituelle intérieure des images, puissante plasticité des figures et des objets représentés, intérêt pour les gens ordinaires. Parmi les maîtres français, il y aura beaucoup de ses disciples. L'influence du Caravage s'est également manifestée dans le développement de la peinture de tous les jours, la nature morte, c'est-à-dire des genres considérés comme « faibles » par rapport à la peinture d'histoire (peintures sur des sujets religieux, historiques et mythologiques). Le paysage gagne de plus en plus en indépendance dans la hiérarchie des genres, mais ne peut rivaliser avec la peinture d'histoire.
Mais la « magie de Rome » et de Campagna même, personnifiant « l'éternité » de Rome, inextricablement liée à son image, a inspiré les artistes à travailler dans le paysage. Son paysage a fait naître l'admiration pour l'histoire de la Ville éternelle, fasciné l'imaginaire avec des souvenirs historiques animés. Des vues idéales de la campagne romaine ont été véhiculées dans leurs dessins et peintures par des artistes italiens néerlandais et flamands travaillant en Italie. Les toiles avec des effectifs bibliques et mythologiques dans un paysage dans une mystérieuse veilleuse ont été créées par l'Allemand Adam Elsheimer. Les traditions de la peinture de paysage du nord et de l'Italie se sont transmises par des maîtres qui, à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, ont travaillé conjointement sur les peintures de villas et de palais. Parmi eux se trouvaient les maîtres talentueux de la peinture de paysage - Paul et Mathias Bril, les Italiens Antonio Tempesta et le professeur de Claude Lorrain Agostino Tassi. Le pape Paul V Borghèse appréciait la peinture de paysage et invita des maîtres italiens et nordiques à peindre les chambres du Palais du Nouveau Vatican, où ils représentaient des figures de saints, des ermites et des bâtiments architecturaux dans des paysages. Sous l'influence des maîtres du nord de la première décennie du XVIIe siècle, la peinture de paysage de l'italien Annibale Carracci, l'un des peintres les plus talentueux de la famille Carracci de Bologne, est née.
Le mot "bucolica" provient du genre de la poésie ancienne, louant le monde idéalisé du berger, la vie rurale dans sa simplicité. Les origines de bucolica se trouvent dans le chant du berger folklorique, d'où sa douce mélodie. Les paysages de Claude Lorrain, qui mettent en scène les personnages de l'Ancien Testament ou de la mythologie, les héros de l'Énéide de Virgile ou des Métamorphoses d'Ovide, rappellent aussi un certain rêve onirique. Et il est difficile de dire si les sentiments de ces personnages littéraires trouvent un écho dans le motif du paysage, ou si eux-mêmes, par leur présence dans les peintures, rappellent l'histoire "éternelle" du paysage romain, se présentant en unité poétique avec lui. . Ils vivent dans un univers créé par l'imagination de l'artiste, dans lequel se devine immédiatement le vrai paysage de l'Italie. Les ports de Claude Lorrain rappellent le bord de mer de la Campanie, l'ancienne Ostie antique, le bord de mer près de Castel Fusano, où il aimait capturer les moments d'éclairage méridional, changeant rapidement ou, selon les mots de Virgile, « l'obscurité rapide de la nuit." Dans les scènes de "débarquement" ou de "navigation" souvent représentées par l'artiste, des épisodes de l'Énéide racontent l'arrivée du prince troyen Énée et de ses amis soit sur l'île de Délos, soit en Sicile, soit à Carthage, pour les rivages de l'Afrique. Et partout, il reproduit les navires décrits par le poète romain, "mutuellement joyeux", c'est-à-dire avec des rames des deux côtés. Dans les édifices architecturaux qui jouent un rôle important dans ses paysages, les arcs de triomphe romains, le Panthéon, le temple de la Sibylle à Tivoli, la villa des Médicis, près de laquelle il a vécu, sont facilement reconnaissables. Un certain Elysée, où vivent ses personnages, évoque immédiatement l'image de la campagne romaine avec ses vallées, ses collines, ses montagnes au loin, parmi lesquelles coule pittoresquement le Tibre, les chemins forestiers dévalés aux carrefours, les villas éparses, les ruines d'aqueducs , vieux ponts, ruines d'immeubles couvertes de lierre, les silhouettes d'arbres puissants s'assombrissent. Et tout cet endroit enchanté est enveloppé d'une brume brumeuse spéciale qui adoucit la forme. A cause des montagnes sabines ou albanaises, le Soleil se lève, cette « lampe de Phoebe », comme l'appelle Virgile dans l'Énéide. Et sur le fond de la surface illimitée de la mer, absorbant sa lumière, apparaissent des images de chevaux de Troie errant le long de son rivage, voyageant sous les auspices des dieux. Cette mer veut involontairement l'appeler sublimement « pontus », comme l'appelait le poète romain. Diverses images de l'Énéide, reproduites dans les tableaux de Claude Lorrain, ne constituent pas l'intrigue de ses toiles, ce ne sont que des figures sur le fond du paysage, qui sont en quelque sorte un « second plan », mais lui donnent un son poétique. Dans les œuvres de l'artiste, tout est compositionnel aussi réfléchi que l'alternance de syllabes longues et courtes dans chacun des six pieds d'un poème. Pour Claude Lorrain, c'est "l'écriture sonore" en couleurs, comme pour Virgile - en mots. C'est la même capacité suprême à transmettre l'image de la nature, son humeur émotionnelle.

Paysage avec le Temple de la Sibylle à Tivoli. 1644

En Italie, Claude Lorrain n'est pas devenu l'auteur de doctrines artistiques, comme Nicolas Poussin, épris d'esthétique antique, qui a créé un traité sur les modes (« strict dorien », « triste lydien », « joyeux ionien », comme l'appelait Aristote eux - EF), c'est-à-dire des modes musicaux d'un certain son émotionnel, qu'il a incarné dans la peinture.
Il n'était pas enclin à une telle théorisation rationnelle, mais les paysages créés par Claude Lorrain contiennent également une certaine « musicalité » dans la transmission du sentiment de l'artiste à partir du motif paysager. Ils sont construits sur le principe du paysage classique : avec des plans clairement alternés, un premier sombre et un deuxième et un troisième plus clair. Les arbres et l'architecture créent les coulisses, comme s'ils offraient une « scène » aux personnages du premier plan. Mais les personnages ne sont pas le "répertoire" de ses peintures, représentés sur le fond d'un espace paysager profond, ils sont plutôt son diapason, ainsi que le choix d'un motif naturel, et tous ensemble donnent lieu à une certaine ambiance unifiée . Le style de peinture de l'artiste, basé sur la recherche des plus subtils rapports et dégradés de tons (valers), véhiculant des effets de lumière, sert également à révéler cette perception subtile de la nature.
Comme dans l'œuvre d'autres grands maîtres du XVIIe siècle, le dessin occupe une place importante dans le processus de l'œuvre de Claude Lorrain. Ce type de graphisme était encore associé à la peinture et les dessins avaient rarement une signification indépendante. Les dessins de l'artiste sont variés. Il y en a environ 1200. La plupart sont des esquisses (compositions graphiques préparatoires) pour des peintures, dans lesquelles l'intrigue a été développée, la construction de l'espace, l'image des poses, des plis de vêtements; dans une moindre mesure - des croquis d'après nature, dans lesquels il a essayé de capturer le motif de paysage qu'il aimait, l'effet de lumière et d'ombre; ainsi que des dessins de l'album Liber Veritatis. Claude Lorrain n'était cependant pas seulement un dessinateur de talent : à partir des années 1630, il travailla à la gravure, créant de véritables chefs-d'œuvre de la technique de l'eau-forte. Par conséquent, dans l'arsenal de son héritage graphique, il y a aussi des dessins pour les gravures.
Le dessin était pour l'artiste une « école » et un matériau auxiliaire pour une peinture. Marcel Roethlisberger a appelé ses compositions-études préparatoires "petites peintures", exécutées de manière rapide et sommaire, mais avec une logique bien pensée dans la composition, anticipant l'avenir de la toile. Les dessins de Claude Lorrain, exécutés sur nature, sont également doués d'un charme tout particulier. Joachim von Sandrart rapporte cependant que l'artiste ne les a pas beaucoup utilisés dans ses peintures, mais Filippo Baldinucci mentionne que ces croquis étaient le matériau le plus précieux pour lui dans son travail. Ces croquis, captivants par leur fraîcheur de perception de la nature italienne, ont été réalisés lors de voyages en Campanie. Les dessins étaient réalisés sur papier blanc, bleu ou légèrement teinté (teinte) à la plume, au pinceau, au bistre, à la pierre noire, parfois l'artiste utilisait du badigeon, de la gouache grise ou rose pour représenter l'éclat d'une couleur ensoleillée. Derrière tout le classicisme strict des deux esquisses préparatoires - Vue du lac aux environs de Rome et Vue de la rade : en débarquant sur la rive d'Enée (vers 1640), on sent l'immédiateté de voir la nature, la capacité de transmettre le vrai souffle de la vie de la nature de la campagne romaine. La tonalité des spots est subordonnée de manière flexible à la transmission des reflets de la lumière sur le feuillage des arbres, à la surface de l'eau du lac, captée depuis le mont Monte Mario, l'atmosphère aérienne par une chaude journée ensoleillée près du réservoir.
Claude Lorrain a vécu à Rome, comme mentionné précédemment, d'abord sur la Via Margutta, et à partir des années 1650 sur la Via Paolina (Babuino), près de l'église de Sant'Anastasio, mais invariablement dans le même quartier près de la Plaza de España. Selon les biographes de l'artiste, il n'avait pas d'assistants, bien que dans les années 1630-1640, il peignait six à sept tableaux par an. Seul le nom d'un certain Angeluccio, qui l'a peut-être aidé, est mentionné, ainsi qu'un domestique - Giovanini Domenico Desideri, qui jusqu'en 1658 a servi l'artiste dans la maison. En 1653, Claude Lorrain eut une fille, Agnese, qui vécut avec son père jusqu'à sa vieillesse, et ses neveux, Jean et Joseph Jellet, l'aidèrent également. En 1633, Claude Lorrain devient membre de l'Académie romaine Saint-Luc, et en 1643, déjà très célèbre, - membre de la congrégation « Virtuose du Panthéon ». Il a toujours eu de nombreux clients, parmi lesquels les biographes citent les cardinaux Massimi et Bentivoglio, les princes de Chigi, Altieri, Colonna, Pallavicini, le pape Urbain VIII lui-même, qui aimait les peintures à motifs pastoraux, le cardinal Médicis, qui était un amiral de la flotte toscane. et apprécié les vues sur les ports avec l'image des villas Médicis. Les œuvres de l'artiste ont été achetées par la noblesse anglaise, son travail a été surveillé par l'envoyé français de Louis XIV à Rome et l'agent des arts en Italie - Louis d'Anglois, qui a acquis ses œuvres. L'archevêque de Montpellier achète également des œuvres de Lorrain.
Le prince Lorenzo Onofrio Colonna, maréchal du royaume des Deux-Siciles, était l'un des plus ardents admirateurs du talent de Claude Lorrain.

Paysage avec des figures dansantes. 1648

Peut-être, non sans son patronage, l'artiste a-t-il reçu une commande à la fin des années 1630 pour écrire sept peintures représentant des scènes de l'Ancien Testament et des paysages avec des figures de saints ou d'ermites pour le palais du roi Philippe IV d'Espagne Buen Retiro. Baldinucci mentionne cependant comme intermédiaire le nom de Giovanni Battista Crescenzi, un collectionneur italien qui a quitté l'Italie pour Madrid et y a succédé à la cour en tant que majordome de la famille royale. C'est lui qui s'occupa de la décoration des intérieurs du palais et du jardin du Buen Retiro, érigés en 1631-1637. Cette première série importante de peintures de Claude Lorrain comprenait des peintures : Paysage avec la Madeleine pénitente (1637), Paysage marin avec l'Ermite (1637), Paysage avec la prière de saint Antoine (1637), Trouver Moïse (1639), Enterrement de St. Séraphine (1639-1640) , Paysage avec le départ de sainte Paule d'Ostie (1639), Paysage avec Tobie et l'Ange (1639), aujourd'hui conservé au Musée du Prado.
Les figures d'ermites et de saints sont inscrites dans un paysage représentant la faune et ressemblent aux œuvres de Paul Bril et Agostino Tassi, qui n'ont pas cherché à en exprimer la grandeur. Dans une plus large mesure, les intrigues peuvent être considérées comme développées dans les toiles : La découverte de Moïse, L'enterrement de Sainte Séraphine, Paysage avec Tobie et l'Ange, Paysage avec le départ de Sainte Paule d'Ostie. Toutes les peintures ont un format vertical, ce qui permet de représenter l'espace paysager comme s'il s'ouvrait à l'observation, principalement dans les profondeurs, où il y a une source de lumière versant près de l'horizon. L'histoire de la femme chrétienne Seraphina de Syrie, qui a converti la Sabine romaine, avec qui elle était esclave, et a été exécutée pour cela (la scène de l'enterrement du saint dans un sarcophage en pierre est montrée au premier plan), fait écho à l'histoire de l'Ancien Testament sur le salut de la mort de l'enfant Moïse, trouvé dans la corbeille du Nil par la fille du pharaon égyptien, qui a ordonné l'extermination de tous les bébés mâles des Juifs. Les signes de la vie moderne sont organiquement combinés par l'artiste avec des éléments qui personnifient les intrigues légendaires des peintures. Mais le contour du Colisée vu dans la brume du tableau L'enterrement de sainte Séraphine est plus cohérent avec le récit de l'histoire du martyre accepté par les chrétiens pour la foi que le déversement du Tibre et de l'aqueduc romain, contre lequel la scène se déroule , représenté dans la toile sur l'histoire biblique de la découverte de Moïse. Un certain nombre de biographes affirment que Claude Lorrain n'aimait pas peindre lui-même des figures humaines dans des scènes bibliques et mythologiques, le confiant à d'autres maîtres (des noms différents sont appelés en même temps). Mais les figures et le paysage apparaissent toujours dans une relation figurative profonde, même dans les toiles de cette première série de peintures. Dans le tableau Paysage avec Tobias et l'Ange, le paysage, comme toujours, a un grand rôle à jouer. L'artiste a présenté l'apparence de l'archange Raphaël Tobias non pas comme le dit le texte de l'Ancien Testament (c'est-à-dire à l'image d'un voyageur), mais sous la forme d'un archange avec des ailes. Leur rencontre a lieu sur les rives du fleuve, dont le courant est dirigé vers le lointain, comme pour symboliser le long voyage que Tobie et l'archange qui le patronne au nom de la guérison de l'aîné Tobie, le père de Tobie, de cécité.
Les caprices architecturaux joueront toujours un rôle important dans les paysages de Claude Lorrain. Dans le tableau Le départ de Sainte-Paule d'Ostie, les bâtiments forment des coulisses, contre lesquelles se déroule la scène de l'embarquement du bateau de l'aristocrate romain Paola, partant du port d'Ostie. Un navire l'attend au loin, ses contours se fondant dans la brume de la lumière du matin. Il l'emmènera à Bethléem auprès de Saint-Jérôme, qui convertit Paola au christianisme. Les scènes de "navigation" et de "débarquement" ont permis à l'artiste de créer ses propres ports fantastiques, dans lesquels il reliait les monuments de l'architecture italienne qu'il aimait de différentes époques. Sur la toile Port avec la Villa Médicis au coucher du soleil (1637), il représente la Villa Médicis. Dans les scènes du poème d'Ovide, la villa a toujours personnifié les bâtiments de la mystérieuse Carthage, d'où Enée a navigué du royaume de la reine Didon, abandonné là par la volonté des dieux. Dans le tableau Port avec la Villa Médicis au coucher du soleil, réalisé pour un cardinal de cette noble famille toscane, Claude Lorrain peint un navire debout dans le port sous le pavillon de l'Ordre de Saint-Étienne, fondé par la famille Médicis en 1562 pour combattre hérétiques en Méditerranée. Par la suite, l'artiste introduira souvent dans les peintures et la silhouette exquise du temple de la Sibylle à Tivoli, dominant la nature sauvage de Campanie comme figé autour de lui dans la tranquillité solennelle (Paysage avec le temple de la Sibylle à Tivoli, 1630-1635). Et de manière assez inattendue, dans le « cadrage » des coulisses du port, dans le tableau Vue du port avec le Capitole (1636), apparaît le Palais des Conservateurs, partie intégrante du Capitole romain, donnant au port un aspect particulièrement majestueux .
Dans les œuvres des années 1630, Paysage aux bergers (1630), Paysage à la rivière (1630), Vue de Campo Vacchino (1636), l'influence des artistes nordiques est encore forte. De petites figures humaines rappellent le travail des maîtres du bambocchata, et les motifs de ruines antiques bizarres sur lesquelles sont construites les habitations modernes et les images d'animaux paissant dans les vallées sont des paysages d'Italiens hollandais et flamands. Claude Lorrain a su poétiser davantage de telles histoires. Le petit ruisseau d'eau représenté sur la toile Paysage avec une rivière semble ressembler au ruisseau Alamone, entouré de chênes et de collines, transportant ses eaux dans la nuit froide de Campagna, qui est décrit de manière si figurative dans les Métamorphoses d'Ovide. Mais, comme les maîtres du Nord, l'artiste aimait représenter les bergers et les animaux au pâturage sur des toiles, des dessins et des gravures comme une caractéristique intégrale du paysage de la campagne romaine. Les véritables chefs-d'œuvre de son graphisme sont les eaux-fortes Herd at a Watering Hole (1635) et Bootes (1636) de la collection de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg. Au total, une quarantaine de feuilles réalisées selon cette technique lui sont attribuées. Dans ses eaux-fortes, Claude Lorrain réalise les plus fins dégradés de tons argentés, véhiculant avec eux une atmosphère aérienne à différents moments de la journée, la lumière du soleil levant ou couchant sur le feuillage des plantes, l'éclat du soleil sur les peaux humides d'animaux. Pour augmenter la densité du ton, il a utilisé des traits de différentes configurations (point, long ou court, croix), et des gravures répétées (dans lesquelles les parties finies étaient vernies) ont créé des transitions plus intenses de taches de lumière et d'ombre. Les eaux-fortes de Claude sont toujours exécutées avec un art graphique particulier.

Paysage avec des figures dansantes

Le tableau Campo Vacchino (1636) a été peint pour le collectionneur Philippe de Bethune, ambassadeur de France à Rome. Cela indique que les aristocrates français déjà dans les années 1630 s'intéressaient à tout ce qui a été créé par leur compatriote en Italie. Les petits personnages au premier plan, représentés parmi les ruines du "Forum des taureaux" (Campo Vacchino), sont peints à la manière des maîtres du bambocchata. En 1639, Claude Lorrain est commandé pour les deux premières toiles de la collection de Louis XIV lui-même - le Port au coucher du soleil et la Fête du village (Paysage avec des paysans dansants, tous deux - 1639, Louvre, Paris). Si la vue sur le port est traditionnelle pour ses scènes de "navigation" et de "débarquement sur le rivage" des années 1630, alors la scène des villageois dansants apparaît pour la première fois chez l'artiste. Ils s'amusent avec en toile de fond le large panorama de la Campagna, l'aqueduc romain est visible au loin, et ils sont eux-mêmes associés aux faunes et aux nymphes vivant parmi les forêts de chênes du Latium, que Virgile a décrites dans l'Énéide. Claude Lorrain se référera à plusieurs reprises à la représentation de scènes de paysans s'amusant ou dansant dans une ronde avec des faunes et des nymphes dans les années 1640 (Paysage avec des paysans dansants, 1640, collection du duc de Bedford, Woburn ; Paysage avec un satyre dansant et Figures, 1641, Museum of Art, Toledo, Ohio ; Landscape with Dancing Figures, 1648, Doria Pamphilj Gallery, Rome). Toutes ces peintures ont été peintes pour divers clients nobles d'Italie et d'Angleterre et, apparemment, correspondaient aux goûts de l'époque. Nicolas Poussin a également écrit dans les années 1630 des « bacchanales », imitant la palette de Titien. Cependant, les « bacchanales » de Poussin, exécutées avec une légèreté coloristique inspirée à la manière des maîtres de l'école vénitienne, n'en portent pas moins une grande organisation réfléchie de la composition, qui fait penser aux œuvres des Bolonais. Les scènes de Claude Lorrain sont moins classiques. L'élément débridé de la nature libre, ce bonheur sans nuage en son sein, qu'ils sont appelés à véhiculer, est incarné par un artiste qui est plus proche non de l'artificialité du bolognais, mais du plus grand naturel et de l'immédiateté de la vision du nature des maîtres du nord. Dans ses images, il n'y a aucune sensualité des héros des « bacchanales » de Poussin. Dans leur amusement, ils ressemblent aux personnages des maîtres du bambocchata. Les paysans ou figures mythologiques de Claude Lorrain sont une sorte de fusion de ses observations naturelles et de ses réminiscences littéraires associées à l'image de la Campagne romaine elle-même, sujets des Métamorphoses, transformés par la fantaisie de l'artiste.
Deux tableaux peints pour le pape Urbain VIII, Paysage avec vue sur Castel Gandolfo (1639) et Paysage avec le port de Santa Marinella (1639), se trouvent maintenant dans différentes collections de musées. Les deux ont une forme octogonale, à laquelle la structure de la composition est organiquement subordonnée. Dans les deux toiles, les personnages au premier plan offrent une vue sur la distance sans fin de la périphérie de Rome - Castel Gandolfo et Santa Marinella (située près de Civitavecchia). C'est peut-être Claude Lorrain qui fut le premier peintre qui, dès le XVIIe siècle, prévoya la recherche des peintres paysagistes romantiques du XIXe siècle qui seraient attirés par le motif du « saut » pour le regard du spectateur lorsqu'il le traduirait de les chiffres du premier plan à l'espace non divisé de la vue représentée. La configuration de la toile, pour ainsi dire, "coupe" les scènes, ce qui renforce également l'impression de la profondeur du paysage de la Campagna.
Dans les années 1640 et 1650, Claude Lorrain était déjà un peintre célèbre à Rome. Il a continué à travailler intensément, se tournant vers ses thèmes préférés, créant souvent des versions de la même intrigue, mais trouvant toujours une sorte de nouvelle solution de composition. Ainsi, le thème de la « voile » est développé dans les peintures des années 1640 : Paysage avec le départ de sainte Ursule (1641), le départ de Cléopâtre pour Tarsie (1643), le départ de la reine de Saba (1648). Dans tous les trois, il modifie les structures architecturales des coulisses, les mâts de frégates attendant les héroïnes en voyage, les nuances de l'éclairage des scènes et le nombre de personnages sur le rivage. Ces intrigues ont attiré l'artiste non pas à cause du récit ou de l'occasion de montrer le luxe, par exemple, de la cour du roi Salomon, à laquelle la reine de Saba est arrivée, ou la splendeur et la fête de l'humeur de la reine égyptienne Cléopâtre, qui se rendit à Tarsie chez son bien-aimé, le commandant romain Marc Antoine. L'artiste ne se soucie pas trop des détails historiques : par exemple, la reine de Saba est présentée comme arrivant à Salomon avec une caravane de chameaux ; tous les attributs caractéristiques de sainte Ursule n'ont pas été pris en compte (à l'exception de la bannière avec une croix rouge sur fond blanc). Mais il est attiré par l'opportunité de présenter des scènes sur fond de paysage marin avec des portiques majestueux de bâtiments, des mâts de navires, un grand nombre de personnages - des pêcheurs chargeant des bateaux, des groupes pittoresques de satellites d'héroïnes à voile. La toile Paysage avec le départ de sainte Ursule a été écrite pour Fausto Poli, qui a servi dans la famille aristocratique romaine Barberini et sous le pape Urbain VIII, qui a été ordonné cardinal. Le Pape a commandé une paire de tableaux Paysage avec Saint-Georges (1643) pour cette toile, également conservée dans le palais de ce célèbre collectionneur. Légende médiévale sur Ursula, la fille du roi chrétien de Bretagne, qui accepta d'épouser Conon (fils du roi païen d'Angleterre) à condition qu'il soit baptisé à Rome, et qui pour cela fit un voyage d'Angleterre à Rome, où elle fut reçue par le pape Cyriaque et où elle fut baptisée Konon, était très populaire au XVe siècle. Au XVIIe siècle, cette histoire de l'ère paléochrétienne n'attire plus les peintres. L'histoire d'Ursula est dramatique, puisqu'elle, avec dix compagnons, lors d'un voyage à Cologne, est tuée d'une flèche d'arc par le chef des barbares, le Hun Attila, qui rêvait d'en faire sa femme, mais fut refusé par un jeune chrétien. Pour Claude Lorrain, cette légende était associée à Rome, et il présentait une scène sur fond de port bizarre, à l'image de laquelle, comme toujours, il réalisait une exceptionnelle harmonie de composition, une unité vivante de paysage et de figures, combinées fiction et un haut degré de concrétude. Claude Lorrain fait également preuve d'une vive imagination poétique dans la toile Paysage avec saint Georges, présentant un jeune guerrier dans un paysage, comme pour ressusciter le thème d'un exploit chevaleresque, la victoire sur les infidèles, qui attira les Maîtres de la Renaissance. Dans les deux tableaux, il y a des notes d'un rappel de la Terre Sainte, de la libération des infidèles associés aux personnalités de Sainte Ursule et Saint Georges. Peut-être était-ce une sorte d'hommage aux idées de la Contre-Réforme, ou peut-être juste une réminiscence des cycles picturaux monumentaux vus par Vittore Carpaccio, capturés par cet artiste au début du XVIe siècle sur les murs des confréries philanthropiques ( scuola) de Venise.
Pour les clients français, Claude Lorrain peint à nouveau dans les années 1640 des tableaux représentant le Temple de la Sibylle à Tivoli, variant légèrement la composition des toiles, mais, comme toujours, cette magnifique construction d'architectes antiques donne une poésie particulière à ses paysages (Vue imaginaire de Tivoli , 1642 ; Paysage avec un temple Sibylles à Tivoli, 1644), évoquant des souvenirs de l'éternité de la Campanie avec son feuillage de soie bruissant de pins, de lauriers, d'eucalyptus, de chênes, d'oliviers.
Le thème de Rome et de la campagne est également associé à l'intrigue du grand tableau des femmes troyennes mettant le feu aux navires (1643). Des épouses troyennes, épuisées par les sept années d'errance de leurs maris qui ont fui Troie pillée par les Grecs, à l'instigation de Junon, tentent d'incendier les navires afin d'empêcher Énée de poursuivre sa route. Selon Virgile, le prince troyen s'est marié avec la tribu italienne des Latins et a fondé la Ville éternelle. Une fois de plus, le thème de la « voile » reçoit une interprétation poétique de Claude Lorrain. L'unité de l'eau, le ciel à travers lequel passent les nuages ​​poussés par Éole, l'atmosphère humide de l'air près de la côte maritime, sont rendus par l'artiste avec une magnifique habileté picturale. Je me souviens des vers du troisième chant de l'Énéide :
Le chemin de l'Italie est là, le trajet est le plus court le long des vagues.
Le soleil se couche pendant ce temps
les montagnes sombres sont ombragées...

Paysage avec Psyché et palais de Cupidon

Le tableau a été peint pour le cardinal Girolamo Farnèse, nonce du pape Urbain VIII. Les chercheurs de l'œuvre de l'artiste ont tendance à supposer que Claude Lorrain a fait ici un certain parallèle entre les difficultés de la carrière de service du cardinal et du « pieux Énée » (comme l'appelle le héros Virgile), qui a subi des coups du sort en raison des intentions opposées. des dieux.
Dans Paysage avec Mulet et Procrida (1645), Claude Lorrain se tourne à nouveau vers une intrigue littéraire, qui donne une certaine humeur à son paysage. Le tableau faisait partie d'une série de cinq œuvres créées pour le prince Camillo Pamphilj, propriétaire du palais sur le Corso à Rome et d'une villa en France. Cette intrigue des Métamorphoses d'Ovide a souvent été choisie par les maîtres baroques, mais ils ont été attirés par son aspect dramatique - le moment de la mort de son bien-aimé Kefal Procrida, Kefal affligé, Aurore survolant triomphalement, perturbant le bonheur serein de deux amoureux cœurs. « Quoi de plus beau que la façon dont Claude a raconté cette histoire passionnante », écrira plus tard John Constable, ravi de la solution lyrique du paysage à l'intrigue. Cependant, Claude Lorrain a également présenté un moment assez tragique où Procrida a quitté son refuge (sur l'île de Crète elle s'est cachée dans les buissons, doutant de la loyauté de son mari à cause d'une fausse diffamation sur lui) et Mullet, entendant un bruissement, a lancé un lance sur elle, tuant sa bien-aimée. L'artiste a fait de cette scène une allégorie enchanteresse par sa poésie : Procrida est représentée sous un arbre enlacé de lierre, symbolisant l'amour qui ne meurt pas même avec la mort. Le daim au sommet de la colline dans les rayons du soleil levant semble expliquer la raison de l'erreur fatale de Kefal. Tout aussi lyriquement subtil, fait écho au paysage de Campagna et à l'intrigue de la toile Paysage avec Apollon gardant les troupeaux d'Admet et Mercure volant ses vaches, appartenant à une série de peintures pour le prince Pamphilj.
Claude Lorrain se tournera également vers les intrigues des Métamorphoses d'Ovide dans les peintures réalisées au milieu des années 1640 - Paysage avec le châtiment de Marsyas (1645) et le Jugement de Paris (1645). Dans la toile sur l'intrigue du mythe sur la force de Marcia de la suite de Bacchus, qui a défié le dieu Apollon lui-même de rivaliser en jouant des instruments de musique, les maîtres baroques ont généralement accentué la cruauté de la scène. Apollo a puni Marsyas, qui était fier de son habileté à jouer de la flûte, et est entré en compétition avec lui, jouant de la lyre (cithare). Il a vaincu Silène, et les muses qui ont jugé leur différend ont laissé à Dieu le choix du châtiment. Marsyas a été attaché à un pin et écorché vif. La scène représentée dans le paysage ne peut pas être qualifiée de bucolique, la coloration du paysage est assez sombre, faisant écho à ce qui se passe. Cette toile anticipe déjà en partie les œuvres multifigurées de l'artiste des années 1650-1670, son intérêt pour les thèmes au contenu « héroïque ». Les grandes figures des trois déesses - Vénus, Junon et Minerve, ainsi que Paris, qui choisit la plus belle d'entre elles, semblent assez statiques sur la toile du Jugement de Paris, anticipant certaines caractéristiques du travail ultérieur de l'artiste. Les chercheurs pensent que la pose de la figure de Paris a été empruntée par Claude Lorrain à une gravure de Mark Antonio Raimondi ou à la toile de Domenichino Landscape with John the Baptist (Fitzwilliam Museum, Cambridge).
resté fidèle au paysage bucolique. Paris et la nymphe des fontaines et ruisseaux d'Enon, qu'il laissa à Hélène, la femme du roi de Troie, sont représentées à l'ombre des arbres.
L'histoire du prince troyen Paris est reprise par l'artiste dans le tableau Paysage avec Paris et Enona (1648). Il a été peint par paire sur une toile sur une intrigue de l'Iliade d'Homère.Ulysse rend Chryseis à son père (1644). Les deux tableaux ont été commandés par l'ambassadeur de France à Rome, le duc Roger de Plessis de Linkourt. Il était un collectionneur renommé et avait dans sa collection les œuvres de Poussin, les maîtres du nord de l'Italie. C'est peut-être lui qui commanda les deux tableaux pour le cardinal de Richelieu. Claude Lorrain dans la toile Paysage avec Paris et Hénone aux couronnes duveteuses. Comme dans le tableau Paysage avec Mulet et Procrida, les figures des deux amants sont présentées sur fond de paysage de la campagne romaine, dont la douce lumière fait écho à l'intrigue lyrique.
La grande toile Paysage au Parnasse (1652), commandée par le cardinal Camillo Astalli pour le pape Innocent X, appartient à ces œuvres de Claude Lorrain, dans lesquelles, à partir de la fin des années 1640, de nouveaux traits ont commencé à apparaître, particulièrement clairement manifestés dans 1660-1670. ans. L'image s'est avérée froide et impassible. Le paysage ne le considère que comme un arrière-plan pour les figures, et non comme l'expression de sentiments les plus intimes.
Parmi les principaux mécènes de l'artiste, Filippo Baldinucci nomme également le cardinal Fabio Chigi, élu pape Alexandre VII en 1655.

Paysage avec l'arrivée d'Énée dans le Latium. 1675

L'intrigue des Métamorphoses d'Ovide sur l'enlèvement d'Europe, la fille du roi phénicien Agénor, par Zeus, qui s'est transformé en taureau blanc, a souvent attiré les artistes avec sa poésie. Fabio Chigi était un connaisseur de littérature et de peinture, attirait les meilleurs maîtres au travail, la galerie du palais du Quirinal a été peinte par le célèbre Pietro da Cortona sur sa commande. La toile de Claude Lorrain ne se décide pas comme une pastorale. Il a acquis un son proche de la narration d'Ovide. Mais le paysage n'est pas surchargé de figures, la nature et les personnages mythologiques sont dans une relation figurative profonde. La lumière qui jaillit de l'horizon unit doucement le premier plan et les plans lointains, fusionnant les silhouettes légères des figures de l'Europe et de ses amis, la surface calme de la mer et la distance transparente du ciel.
D'une manière différente, "héroïque", le tableau La bataille sur le pont est décidé, qui dépeint la bataille entre les empereurs Constantin et Maxence. Les maîtres baroques représentaient souvent des scènes de batailles, et les classiques aimaient peindre des scènes de campagnes militaires, comme Charles Lebrun, qui représentait les batailles d'Alexandre le Grand, ou ses disciples, qui glorifiaient les campagnes militaires de Louis XIV. A propos des derniers Denis Diderot au XVIIIe siècle dira qu'ils ont "presque complètement détruit l'art". Le célèbre critique français aimait quand les peintres représentaient un grand champ de bataille, exigeait d'eux une riche imagination. Peut-être n'aurait-il pas aimé la scène de la bataille sur le pont dans la peinture de Claude : pour toute sa majesté, en tant qu'événement historique, la bataille ne signifie rien dans le grand paysage panoramique de Campagna et ressemble à un "détail" du second plan dans la composition globale de la toile. La bataille ne perturbe pas le cours paisible de la vie. Les paysans représentés au premier plan font paître tranquillement leurs moutons, et les deux plans (paysage et bataille au loin) regardent dans la peinture comme modernité et histoire, qui sont toujours présentes dans la vision de l'artiste.
Depuis le milieu des années 1650, Claude Lorrain s'est souvent intéressé aux sujets de l'Ancien Testament. Parfois, les personnages de ses paysages ressemblent à du personnel, bien que l'artiste essaie de se tourner vers des thèmes à contenu dramatique, comme, par exemple, dans les toiles jumelées Adoration du veau d'or (1653, Kunsthalle, Karlsruhe) et Paysage avec Jacob, Laban et ses filles (1654), peint pour le collectionneur romain le cardinal Carlo Cardelli.
Mais les meilleures œuvres de Claude Lorrain des années 1650 sont pleines d'une haute spiritualité, d'une profonde perception émotionnelle de la beauté de la nature. Tel est le tableau Paysage avec Galatée et Acis (1657) de la collection de la Pinacothèque de Dresde. Habituellement, les maîtres des XVI-XVII siècles aimaient à dépeindre certaines scènes de ce beau mythe : le triomphe de la nymphe de la mer Galatée, se précipitant dans une coquille entourée de tritons ; l'évasion du cyclope Polyphème des amants - Galatée et le jeune homme Acis, le fils de la divinité de la forêt Pan; Pan assis sur un rocher, amoureux de Galatée et jouant une chanson d'amour à la flûte ; Polyphème, prêt à lancer un rocher sur Acis depuis la falaise, ce qui l'a tué. Les maîtres baroques des XVIIe et XVIIIe siècles ont écrit une musique basée sur ces sujets, pleine de pathétique et de drame. Claude Lorrain a présenté la scène de la rencontre de deux amants, cachés dans une grotte d'un terrible monstre sicilien. A gauche se trouve la scène de l'arrivée sur l'île de Galatée, en sortant d'un bateau. L'amour de Galatée et d'Acis est symbolisé par Cupidon jouant avec deux colombes blanches.
Le soleil qui se lève de l'horizon avec sa lumière donne naissance à un chemin ensoleillé qui longe la mer à deux amoureux. Rien dans cette scène idyllique n'anticipe la mort dramatique d'Acis. La scène est représentée dans un espace extraordinaire, depuis ce sanctuaire tranquille de l'île de Sicile, surplombant la mer sans fond. Le paysage donne lieu à un sentiment de grandeur de la nature, faisant écho aux sentiments élevés d'Acis et de Galatée.
La période de 1660 à 1670 est assez difficile dans la vie de l'artiste. Il atteint les sommets de l'habileté, ne cesse de créer de véritables chefs-d'œuvre, mais sa palette devient plus sombre et plus monotone, les paysages sont plus froids. Une place croissante dans ses tableaux commence à prendre l'élaboration d'une esquisse d'intrigue, nécessitant une augmentation du nombre de personnages. Les biographes contemporains appelleront le style tardif de Claude Lorrain « grand style ». Le talent profondément vénéré de l'artiste français, John Constable, le décrit comme "froid", "noir ou vert". Parlant beaucoup et avec admiration de Claude Lorrain dans ses conférences, il affirmait néanmoins : « ... il semble que l'artiste essaie de compenser par la grandeur du thème et de l'interprétation la perte de cette haute habileté qui sa vie, quand il a abandonné son observation inlassable de la nature, l'a quitté". Dans les années 1660-1670, Claude Lorrain était très malade et pouvait réaliser non pas six ou sept, mais seulement deux ou trois tableaux par an, ses neveux Jean et Joseph Jelle l'aidaient beaucoup.

Paysage avec le Parnasse. Fragment

Deux paysages peints dans les années 1660 - Matin (1666) et Midi (1651 ou 1661) de la collection de l'Ermitage d'État à Saint-Pétersbourg peuvent être attribués à ses meilleures œuvres créées à la fin de la période de créativité. Le magnifique savoir-faire coloristique de l'artiste se révèle dans ces toiles, qui traduisent les couleurs bleu argenté légèrement froides de la nature de Campagna à l'aube et leurs tons plus chauds et plus juteux - pendant ses heures de repos clair à midi. De grands arbres et des ruines antiques sont plongés dans les ombres sombres nées de la lumière du matin, puis dans la brume transparente et légère de la lumière du jour. Contrairement à Nicolas Poussin, qui dans son œuvre ultérieure était également attiré par l'image des différents moments de la journée, Claude Lorrain n'essaie pas de corréler chaque étape de la vie de la nature avec la scène biblique, de comparer visuellement l'existence de la nature et de l'homme. . Mais il cherche aussi à comprendre les lois de sa vie changeante, qui est personnifiée pour lui par la nature de Campagna. Et seul le regard d'un artiste tel que Claude Lorrain est capable de ressentir si profondément dans ce paysage, comme s'il ne se prêtait pas aux conquêtes de la civilisation, une compréhension historique particulière du temps. Dans ces toiles, la nature personnifie le moment du présent et la durée de l'éternité, vit sa propre vie intérieure, évoquant une réponse émotionnelle dans l'âme de ceux qui veulent comprendre les lois de son existence.
Dans des tableaux d'après des scènes des Métamorphoses d'Ovide, Claude Lorrain choisit des scènes rares, incarnant en elles, comme dans les scènes de l'Énéide, les souhaits des clients. Ainsi, sur la toile Paysage avec Psyché et palais de Cupidon (1664), écrite pour le prince Lorenzo Onofrio Colonna, maréchal du royaume des Deux-Siciles, il dépeint une intrigue inhabituelle du beau conte de fées de Lucius Apulée et des Métamorphoses d'Ovide. Le palais de Cupidon a l'air majestueux, dans lequel le messager de Vénus n'a visité Psyché que la nuit. Ce palais a disparu lorsqu'un Cupidon en colère a surpris Psyché avec curiosité et désir de le voir dormir la nuit, selon le contenu des deux sources littéraires. Sur la toile de Claude Lorrain, le palais ressemble au Palazzo Doria-Pamphilj sur Corso avec sa puissante colonnade, mais dans la brume fondante, il ressemble toujours à une sorte de mirage. Une allégorie glorifiant le clan du client était le tableau Paysage avec le père de Psyché faisant don au temple d'Apollon (1663), également basé sur un sujet des Métamorphoses. Il a été commandé par le prince Gasparo Palizzi degli Albertoni, qui a épousé Laura Altieri, descendante du clan du pape Clément X Altieri. Le pontife conféra à Gasparo le titre de prince et le poste de gardien du Castel Sant'Angelo, et nomma son père maréchal de sa flotte. La famille Albertoni remercie en quelque sorte la famille Altieri et son principal mécène. Claude Lorrain fait également référence à l'allégorie de la glorification de la famille du pape Clément X Altieri dans le tableau Paysage avec l'arrivée d'Énée dans le Latium (1675). Le chant VIII de l'Énéide parle de l'arrivée du prince troyen dans la ville de Pallenteum sur l'Aventin. L'artiste a présenté la scène de l'arrivée d'Énée avec des amis sur un bateau "à plusieurs rames" sur les rives du pays des Latins, où le héros se mariera avec eux et deviendra le fondateur de Rome, dont les dirigeants spirituels sont maintenant des papes dotés d'un pouvoir divin, comme les empereurs de la Rome antique, qu'Ovide glorifiait dans son poème immortel. Et la toile Paysage avec la nymphe Egérie pleurant Nu mu (1669) sur une parcelle de Métamorphoses était une allégorie glorifiant la famille du prince Colonna, qui possédait des terres près du lac Nemi dans les montagnes albanaises de la région du Latium. La nymphe de la source d'Égérie était vénérée en tant qu'amante et conseillère dans les affaires d'État du deuxième roi de la Rome antique, Numa Pompilius, une Sabine de naissance. La nymphe est représentée pleurant sa bien-aimée dans le bosquet sacré de Diane sur les rives du lac Nemi.
Des images sur une intrigue de l'Énéide - Paysage avec Énée à Délos (1672) et Vue de Carthage avec Didon, Énée et leur suite (1676) - avec un grand nombre de personnages semblent éloquents. La toile Paysage avec Énée à Délos représente la scène de l'arrivée du prince troyen de Thrace dans l'île, où le roi Apius l'accueille. La toile a été écrite pour un collectionneur français, et comment une "rareté romaine" ressemble à un temple ressemblant au Panthéon dessus. Les vers de l'Énéide continuent d'exciter encore et encore l'imagination de l'artiste vieillissant :
je m'y précipite; épuisé
île de quai sécurisé
Paisible accepte; en descendant, nous honorons la ville d'Apollon.

Paysage avec le départ de Sainte Ursule. 1641

Les toiles - Paysage avec Apollon et Sibylle de Kumskaya (1665) sur une intrigue de l'Énéide et Paysage avec Persée et un récit sur l'origine du corail sur une intrigue des Métamorphoses permettent d'affirmer que dans les dernières années de sa vie Claude Lorrain a conservé la capacité de poétiser le monde naturel. Les deux paysages sont pleins d'humeur lyrique. L'un d'eux montre les figures d'Énée et de la Sibylle de Kumskaya, dans l'autre des nymphes, des amours et de Persée, occupés à ramasser des coraux au bord de la mer. Enée, qui rendit visite à la prophétesse au sanctuaire de Qumah, la pria pour qu'il soit autorisé à revoir le visage de son père. Les maîtres du XVIIe siècle, dans lesquels ce complot est devenu particulièrement populaire, ont représenté la Sibylle de Kumskaya sous la forme d'une vieille femme décrépite, car Apollo l'a dotée de longévité, mais ne lui a pas accordé la jeunesse éternelle du fait qu'elle n'a pas répondre à son amour. Claude Lorrain a présenté Sibyl comme une jeune fille. Sa silhouette élancée fait écho aux colonnes d'un temple antique, rappelant le Temple de la Sibylle à Tivoli. Enée et Sibylle sont illuminées par des reflets vacillants de la lumière du soleil couchant, formant, comme dans le tableau Paysage avec Galatée et Acis, un chemin ensoleillé qui traverse l'eau. La légende de l'origine du corail est tout aussi poétiquement véhiculée. Le corail rouge méditerranéen était considéré comme un talisman et était utilisé pour fabriquer des bijoux. Selon le mythe, il a été formé à partir d'algues pétrifiées au moment où Persée a coupé la tête de Méduse, sauvant Andromède d'elle. Amours, nymphes, Persée, le cheval blanc ailé du prince personnifient un mythe associé aux ressources naturelles de l'Italie. Ses paysages avec le bord de mer et les pins clairs poussant sur un rocher bizarre en forme d'arche ont fait naître dans l'imaginaire de l'artiste le désir de donner une incarnation aussi figurative de ce mythe.
Les toiles de Claude Lorrain Paysage avec Moïse et le buisson ardent (1664), Paysage avec Ezéchiel pleurant les ruines de Tyr (1667), Paysage avec Abraham, Agar et Ismaël (1668), Paysage avec "Noli te Tangere" (1681) peint sur des sujets de l'Ancienne Alliance et de l'Evangile. Le terme « héroïque », qui est parfois appliqué aux paysages ultérieurs de l'artiste, peut difficilement être considéré comme correct. En effet, pour Claude Lorrain, l'intrigue (contrairement aux œuvres de Poussin) n'était qu'un diapason pour transmettre d'abord l'ambiance, même dans les peintures des années 1660-1670. Dans ses œuvres, il n'y a pas de correspondance réfléchie (comme dans celle de Poussin) dans le transfert de l'élévation épique des images de l'homme et de la nature, personnifiant ses actions. Dans les paysages de Claude Lorrain, même avec une base de l'intrigue plus développée et une construction plus classiciste-stricte de la composition, le paysage ne ressemble pas à un cadrage rationnel des scènes. Son Moïse sur la toile Paysage avec Moïse et le buisson ardent n'est pas l'incarnation de la volonté et de la raison (comme celui de Poussin). C'est juste un personnage qui s'inspire du paysage de la campagne romaine, plein du sentiment d'éternité biblique. L'artiste a présenté Moïse comme un jeune berger faisant paître les troupeaux de son beau-père près du mont Horeb et avec surprise se précipita vers le buisson ardent, d'où le Seigneur l'appela, lui prédisant une mission héroïque pour sauver les fils d'Israël de l'égyptien Pharaon. La toile a été écrite pour l'envoyé de France à Rome Louis d'Anglois de Burlemont, ainsi qu'une paire pour lui - Paysage avec Ezéchiel pleurant les ruines de Tyr. Le client, devenu évêque de la ville de Bordeaux en 1680, les chérissait beaucoup.
Et plus encore, le paysage avec une scène de l'Ancien Testament n'est pas héroïque - Paysage avec Abraham, Agar et Ismaël, où les figures du patriarche juif Abraham, la concubine d'Agar et leur fils Ismaël, que l'aîné envoie au du désert de Bethsabée à cause de la colère de sa femme Sarah, sont représentés presque dans une interprétation de genre.
Claude Lorrain suit très scrupuleusement le texte de l'Evangile de Jean et dans le tableau Paysage avec "Noli te tangere". Cette œuvre ultérieure est peut-être la preuve la plus évidente de son talent exceptionnel de peintre paysagiste. De petites figures de Marie-Madeleine, de Jésus-Christ ressuscité, de ses deux disciples, debout près de la haie, un ange vêtu de blanc assis devant un tombeau ouvert, sont véhiculés dans une profonde unité imaginative avec le paysage. L'imagination de Claude Lorrain a transformé la vue de Campagna en Jérusalem, visible au loin derrière les murs de la forteresse, et le mont Calvaire, dominant à droite derrière le tombeau. Ces "visions" bibliques rappellent beaucoup le village de Campanie situé légèrement dans les plaines et la colline, qui est visible de derrière le tombeau, semblable aux sépultures des martyrs chrétiens, qui se trouvent souvent devant les portes de la Ville éternelle, surtout le long de la voie Appienne. De minces arbres aux couronnes légères semblent servir de rideau théâtral derrière lequel les « visions » bibliques de l'artiste apparaissent dans la Campanie romaine.
Dans l'un des tableaux les plus récents - Port maritime au lever du soleil, Claude Lorrain ne cesse d'admirer la lumière matinale du soleil levant, transformant lentement les contours austères d'une frégate près de la côte et d'un arc de triomphe romain qui illumine uniformément la surface de la mer . Revenant au thème qu'il aimait tant - la représentation du port - il se plaît à observer toutes les métamorphoses de la lumière du soleil. L'esprit de la poésie de Virgile, disciple des philosophes épicuriens, était proche de Claude Lorrain, qui aimait infiniment et avec enthousiasme la nature de l'Italie, qui devint sa seconde patrie. Par conséquent, les lignes de l'Énéide sont si en accord avec l'œuvre de ce peintre exceptionnel :
Heureux celui qui pourrait comprendre tous les secrets de la nature.

Les artistes les plus célèbres qui ont travaillé dans le genre paysage sont Leonardo Da Vinci, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Raphael Santi, Vincent Willem Van Gogh et d'autres. L'un des représentants les plus brillants des peintres paysagistes classiques est le peintre français Claude Lorrain.

Genre paysage

Le paysage est un genre des beaux-arts qui reflète la beauté de la nature et du monde environnant sous sa forme originale ou modifiée, transformée par l'homme. La perspective, la composition, la manière de représenter la lumière et même l'air jouent un rôle particulier dans les toiles - tous ces aspects ensemble créent l'ambiance générale de l'image et permettent de ressentir les émotions que le peintre voulait transmettre au spectateur.

Biographie. premières années

Claude Lorrain (de son vrai nom - Jelle) est né à peu près la date de naissance exacte est inconnue. Son lieu de naissance est le duché de Lorraine dans le nord-est de la France, qui est maintenant considéré comme faisant partie de la région Grand Est.

Dans les années 1600, le classicisme était le premier mouvement artistique en France. La caractéristique principale du classicisme est un retour aux images de l'antiquité : construction équilibrée, souvent claire et formes claires des objets.

Très jeune, Claude Lorrain perd ses deux parents et, ayant acquis les bases du dessin de son frère, à l'âge de 13 ans, s'installe en Italie avec ses proches.

Éducation et vie future

En Italie, Lorrain obtient un travail de domestique dans la maison de l'artiste Agostino Tassi. Le service chez Tassi a apporté de nombreux avantages à Claude Lorrain : il a enseigné au futur artiste de nombreuses techniques des beaux-arts. Puis Lorrain a adopté l'expérience de Gottfried Wels.

L'artiste a vécu presque toute sa vie en Italie, quelques années seulement (1625-1627) que Claude Lorrain a passées à Nancy (la ville où il a décoré les voûtes des églises et peint les fonds des tableaux d'autres artistes sur commande.

Jusqu'à l'âge de 42 ans, Lorrain peint des fresques et grave. Dans la seconde moitié de sa vie, l'artiste se concentre sur les paysages de chevalet, cessant d'accepter des commandes de gravures et de fresques.

Les paysages de Claude Lorrain ont été achetés par de nombreuses personnalités célèbres de l'époque - rois, princes, ambassadeurs et même le Pape.

Le peintre est mort à 82 ans à Rome.

Peinture "Matin"

Le tableau "Matin" de Claude Lorrain a été peint en et est actuellement une exposition de l'Ermitage de Moscou. Dans ce document, l'artiste réalise sa vision pour l'un des sujets bibliques - la rencontre de Jacob et Rachel.

La peinture représente Jacob s'occupant d'un troupeau de moutons et des filles de Laban. Puisqu'il s'agit d'un paysage, la plus grande partie de la place est occupée par la réalité environnante - de grands arbres au centre de l'image, un temple de style antique et le ciel sur près des deux tiers de la toile. Seule une petite partie du bas est attribuée aux trois figures humaines. Elles n'ont pas été écrites par Lorrain lui-même, mais par son collègue Philip Lauri.

La peinture est réalisée dans des couleurs claires et calmes - un paysage classique typique. La lumière joue un rôle particulier. Vous pouvez deviner que l'action se déroule le matin sans même en connaître le nom. Le soleil lui-même n'est pas visible, il est caché derrière les arbres, mais ses rayons se frayent un chemin à travers les nuages.

Le matin n'a pas été choisi par hasard. Il symbolise les sentiments qui naissent entre Jacob et Rachel. Tout cela fait de "Morning" l'œuvre la plus subtile et lyrique de Claude Lorrain.

"Enlèvement d'Europe"

Claude Lorrain a peint le tableau "L'Enlèvement d'Europe" en 1655. Il illustre un complot de la mythologie grecque antique, qui raconte l'Europe (la fille du roi Agénor), qui a été kidnappée par le dieu tonitruant Zeus, qui s'est transformé en taureau blanc.

Ce mythe était très populaire à la Renaissance. Elle a été véhiculée à leur manière par de nombreux artistes de l'époque : certains se sont donné pour objectif de restituer le plus fidèlement possible la scène de l'enlèvement - dynamique et passionnante, tandis que d'autres ont été attirés par l'environnement.

Claude Lorrain appartenait à la deuxième catégorie. Comme dans le tableau "Matin", les personnes sur cette toile se voient attribuer un rôle insignifiant. La base est l'image de la nature et de son unité avec l'homme.

Lors de la construction d'une composition, l'artiste utilise des lignes pour retenir le regard du spectateur et le diriger vers les parties souhaitées de l'image : vers les montagnes, la côte de la baie et les navires. Les couleurs principales sont le vert foncé et le bleu clair, se fondant harmonieusement les unes dans les autres. Le premier plan et l'arrière-plan sont inséparables, réunis en un seul espace illimité rempli d'air et de lumière.

La toile est imprégnée de paroles profondes et évoque chez le spectateur une triste rêverie sur des choses belles et nobles.

"Paysage avec la pénitente Marie-Madeleine"

Date de création du tableau "Paysage avec la pénitente Marie-Madeleine" - 1637.

Marie-Madeleine est l'une des disciples de Jésus dans le Nouveau Testament, la première à voir le Christ ressuscité et son ascension au ciel. Dans l'orthodoxie, Marie-Madeleine est appelée porteuse de myrrhe et dans le catholicisme - une prostituée repentante, car avant de rencontrer Jésus-Christ, elle menait une vie prodigue, mais grâce à lui, elle s'est repentie et a suivi ses enseignements.

La toile de Claude Lorrain illustre ce point. Il représente Marie elle-même, agenouillée devant la crucifixion et se tournant vers Dieu avec sa confession.

La peinture utilise les techniques typiques du paysage classique - couleurs douces et délicates caractéristiques de Claude Lorrain, arbres en guise de rideaux, donnant à la toile une symétrie, une transition en douceur du premier plan à l'arrière-plan.

La figure de Marie-Madeleine n'est pas centrée, elle est légèrement décalée. Sa silhouette s'illumine d'une lueur terne, faisant ressortir l'héroïne sur le fond sombre des arbres et créant une sorte d'effet théâtral. La nature se révèle harmonieuse et parfaite. L'image semble expressive et émouvante. Il est actuellement conservé au musée du Prado à Madrid, en Espagne.

Claude Lorrain est né le 28 mai 1600 dans la ville de Chamagne, en France. Depuis l'enfance, le garçon rêvait de devenir chef pâtissier. L'éducation à l'école lui a été donnée avec difficulté. Et, après un certain temps de désapprentissage, il arrête ses études pour maîtriser l'art de la confiserie.

En 1613, il finit à Rome. Ne connaissant pas l'italien, il engagea un domestique dans la maison du paysagiste Agostino Tassi, qui devint son premier professeur. Grâce à lui, Claude a appris quelques techniques et compétences.

De 1617 à 1621, Lorrain vécut à Naples et étudia avec un autre artiste, l'Allemand Gottfried Waltz. Quatre ans plus tard, l'artiste retourne dans son pays natal, où il commence à peindre des décors architecturaux dans des œuvres de commande de Claude Deruet, peintre de la cour du duc de Lorraine.

En 1639, le roi Philippe IV d'Espagne commanda au Lorrain sept œuvres, dont deux paysages avec des ermites. Parmi les autres clients figuraient le pape Urbain VIII, le cardinal Bentivoglio.

Cinq ans plus tard, Claude Lorrain lance Liber veritatis, sorte de catalogue, où il dessine chacune de ses toiles et note le nom du propriétaire. Ce livre manuscrit comprend 195 œuvres de l'artiste. Le livre est conservé au British Museum de Londres.

Claude Lorrain a peint le tableau "L'Enlèvement d'Europe" en 1655. Il illustre un complot de la mythologie grecque antique, qui raconte l'Europe, la fille du roi Agénor, qui a été kidnappée par le dieu tonitruant Zeus, qui s'est transformé en taureau blanc. Ce mythe était très populaire.

Elle a été véhiculée à leur manière par de nombreux artistes de l'époque : certains se sont donné pour objectif de restituer le plus fidèlement possible la scène de l'enlèvement : dynamique et passionnante, tandis que d'autres ont été attirés par l'environnement. Claude Lorrain appartenait à la deuxième catégorie. Comme dans le tableau "Matin", les personnes sur cette toile se voient attribuer un rôle insignifiant. La base est l'image de la nature et de son unité avec l'homme.

La dernière œuvre de Lorrain, "Paysage avec Oskaniya Shooting Deer", située au Musée d'Oxford, achevée l'année de la mort de l'artiste, est considérée comme un véritable chef-d'œuvre.

Son talent était admiré par les papes et les cardinaux, les aristocrates et les diplomates, les rois et les marchands les plus riches. Dans les tableaux de Lorrain, les motifs de l'intrigue biblique, mythologique ou pastorale sont complètement subordonnés à l'image d'une nature belle et majestueuse. Pour lui, la nature était le modèle d'un univers sublime et parfait, dans lequel règnent la paix et la nette proportionnalité.

uvres de Claude Lorrain

"Port de la Mer" (vers 1636), Louvre
"Paysage avec Apollon et Marsyas" (vers 1639), Musée Pouchkine
Départ de St. Ursula " (1646), Londres, National Gallery
"Paysage avec Acis et Galatée" (1657), Dresde
"Paysage avec la pénitente Marie-Madeleine"
"Enlèvement d'Europe"
« Midi » (Repos pendant la fuite en Égypte) (1661), Ermitage
"Soir" (Tobias et l'Ange) (1663), Ermitage
Matin (Filles de Jacob et Laban) (1666), Ermitage
"Nuit" (La Lutte de Jacob avec l'Ange) (1672), Hermitage
"Vue de la côte de Délos avec Énée" (1672), Londres, National Gallery
"Ascanius chassant le cerf de Silvina" (1682), Oxford, Ashmolean Museum
Paysage avec danses satyres et nymphes (1646), Tokyo, National Museum of Western Art
"Paysage avec Acis et Galatée" de la Galerie de photos de Dresde - l'une des peintures préférées de F. M. Dostoïevski ; sa description est contenue, en particulier, dans le roman "Demons".