Bases de la composition : La puissance des lignes. Règles de composition Exemples de photos avec une bonne composition

Composition traduit du latin signifie littéralement composer, relier, joindre des parties.

La composition est le moment organisateur le plus important d'une forme artistique, donnant une œuvre d'unité et d'intégrité, subordonnant ses éléments les uns aux autres et à l'ensemble. Elle réunit des aspects particuliers de la construction d'une forme artistique (formation réelle ou illusoire de l'espace et du volume, symétrie et asymétrie, échelle, rythme et proportions, nuance et contraste, perspective, groupement, jeu de couleurs, etc.).

La composition est le moyen le plus important de construire un tout. Par composition, nous entendons la construction délibérée du tout, où l'agencement et l'interconnexion des parties sont déterminés par le sens, le contenu, le but et l'harmonie du tout.

Une œuvre finie est également appelée composition, par exemple une peinture - une image, un morceau de musique, une performance de ballet à partir de nombres interconnectés par une seule idée, la composition d'alliages métalliques, de parfums, etc.

La composition est absente du fouillis chaotique des objets. Il est également absent là où le contenu est uniforme, univoque, élémentaire. Et, au contraire, la composition est nécessaire à toute structure intégrale, assez complexe, que ce soit une œuvre d'art, une œuvre scientifique, un message d'information ou un organisme créé par la nature.

La composition offre une disposition logique et belle des parties qui composent l'ensemble, donnant clarté et harmonie à la forme et rendant le contenu intelligible.

Sans comprendre la construction compositionnelle comme moyen d'organiser la matière, il est impossible non plus de porter un jugement sur les œuvres d'art, encore moins de les créer.

La tâche de la construction compositionnelle d'une œuvre est de distribuer le matériau de l'œuvre future d'une telle manière et dans une telle séquence, dans une telle interconnexion des parties de l'œuvre, afin de révéler au mieux le sens et le but de l'œuvre. travailler et créer une forme d'art expressive et harmonieuse.

Il y a deux manières de vision artistique lors de l'organisation d'une composition :

Prêter attention à un objet séparé comme dominant de toute la composition et percevoir le reste uniquement par rapport à lui. Dans ce cas, l'environnement est vu par la vision dite périphérique et se déforme, obéissant au centre d'attention et travaillant pour lui.

La vision dans son ensemble, sans mettre en évidence un sujet séparé, alors que les moindres détails obéissent à l'ensemble, perdent leur indépendance. Dans une telle composition, il n'y a ni principal ni secondaire - c'est un seul ensemble.

Construction.

Règles fondamentales

Il ne peut y avoir de composition s'il n'y a pas de commande. L'ordre définit la place de chaque chose et apporte clarté, simplicité et puissance d'impact.

Commencez par rechercher une couleur de fond, qui doit être calme et mettre l'accent sur l'expressivité des objets. N'oubliez pas l'éclairage léger, correct et expressif des objets.

Rien ne devrait être superflu des articles. Attention à la panachure. Il est conseillé de ne pas avoir plus de quatre couleurs primaires dans une composition. Commencez la mise en page en dessinant un rectangle qui définit le format du futur dessin, par exemple, un mur avec des objets adjacents. Dessinez un premier croquis des objets au crayon. Déterminer l'échelle des objets à représenter. Déterminez le rapport de couleur final dans la composition.

La composition dans les arts visuels est un sujet volumineux, complexe et important d'une part, mais d'autre part, il ne doit pas être perçu comme quelque chose d'extrêmement nécessaire, obligatoire pour l'exécution. Le concept de composition aide à former un sens de la beauté, de l'harmonie et de l'esthétique. Mais rien ne garantit que vous aurez le travail parfait si vous suivez les règles de composition. Cependant, si vous avez une compréhension de la composition, vous aborderez votre travail avec plus de compétence, organiserez plus harmonieusement les objets dans la feuille, transmettrez vos idées et vos idées au spectateur avec une plus grande expressivité.
Ainsi, la composition vient du mot latin compositio - « composition ; dresser; contraignant; réconciliation » et cela veut tout dire. Je dirai simplement, c'est à quel point vous avez bien, ou peut-être pas très bien, organisé les objets que vous décrivez sur la feuille.
On a beaucoup écrit sur la composition, et l'un peut contredire l'autre. J'ai mis en évidence des dispositions de base que vous devriez connaître et correspondre à un niveau scolaire aussi fondamental. J'ai sélectionné pour vous des exemples non pas d'images abstraites constructives, mais d'œuvres de notre patrimoine culturel.

Centre de composition

Dans une composition réussie, il y a toujours un centre de composition dans lequel se trouve l'objet d'accent principal. Tous les autres objets sont situés autour et sont d'importance secondaire par rapport au centre de composition.
Le centre de composition est l'endroit dans votre composition où l'attention du spectateur est attirée en premier lieu. C'est l'endroit le plus important, le plus important. Tout le reste, tous les autres éléments de la composition doivent être subordonnés au centre de composition et à l'objet accent qui s'y trouve.
Un élément d'accent peut se démarquer :
- Tailles.
Par exemple, une grande cruche entourée de divers objets, d'ailleurs, notez à quel point la draperie est lumineuse au premier plan, mais tout de même, tout d'abord, nous faisons attention à la cruche, car c'est le plus grand des objets.

Former.
Par exemple, dans ce paysage, la maison est un objet d'accent, non pas parce qu'elle est pratiquement au centre, mais parce qu'elle se détache parmi les arbres avec des lignes droites et géométriquement correctes.


Les alignements d'arbres convergents en perspective et les alignements d'arbres en arrière-plan, au ras de la maison, nous aident également à attirer immédiatement l'attention sur celle-ci. C'est-à-dire que nous avons des guides pour cela.

Que Sisley me pardonne, je me suis autorisé à faire du photoshop de son chef-d'œuvre et j'ai nettoyé cette maison. Et que s'est-il passé, qu'est devenu l'accent, qu'en pensez-vous ?


Petit peuple ! Oui, nous avons immédiatement prêté plus d'attention aux chiffres des personnes.
- Les visages et les personnages humains sont les objets les plus attrayants pour l'œil humain.
Voici le même exemple avec Vladimirka, Levitan. Une figurine d'homme sur une route déserte attire notre attention.


Il semblerait que toutes les lignes nous mènent à l'horizon ! Mais nous remarquons une personne plus rapidement que ce qui se profile à l'horizon.


Ces chemins nous aident également, à l'intersection desquels se trouve une personne.


Et voici un exemple avec le visage de Gustave Klimpt "Le Baiser".


Une composition très décorative, beaucoup de petits détails lumineux, beaucoup d'or. Apparemment! Il est très facile de se perdre dans cette décoration. Mais nous jetons immédiatement un coup d'œil sur le visage de la fille, il est le plus attirant pour nous, aucun or ne nous fait pendre au travail comme son visage. Compositionment, tout ici nous maintient autour de ce visage, notre regard ne peut sortir de ce cocon qui enveloppait le visage. Et c'est l'une des raisons pour lesquelles "The Kiss" a un tel attrait.
S'il y a plusieurs personnes dans la composition, alors au centre ce sera, alors le visage qui nous regarde ou plus que le reste est tourné vers nous.


- Et la dernière chose qui peut être distinguée par un objet d'accent est la couleur (ou le ton dans les graphiques) et le contraste.
Par exemple, un paysage avec un rocher.


Notre regard n'hésite pas une seconde sur la photo - il est immédiatement rivé à un rocher sombre sur fond de ciel jaune ! Une combinaison très lumineuse et contrastée fait de ce lieu le centre de la composition.
Et voici le cheval.


Son visage très éclairé sur le fond de la porte noire attire instantanément le regard, bien que son dos ne soit pas moins éclairé, mais il n'y a pas un tel contraste.

Et voici la photo de Pierre Ier.


Il y a ici de nombreux moyens qui renforcent l'impression que Peter n'est pas seulement une figure centrale, mais qu'il est immense, majestueux.
Premièrement, la taille - elle est plus grande que les autres. Deuxièmement, le fort contraste de sa silhouette contre le ciel. Troisièmement, toutes les lignes visuelles de l'image sont dirigées vers lui.
Oiseaux - situés le long de la ligne en direction de Petra.


Les nuages ​​sont en direction de Petra.


Bateau - dirigé vers Peter.


Même les frottis incompréhensibles dans le coin inférieur droit sont également dirigés vers lui. De tous les coins, nous sommes dirigés vers Peter.


De plus, la ligne d'horizon basse renforce encore l'impression de sa taille, de sa signification.
Il peut également y avoir plusieurs éléments dans le centre de composition. Mais ils devraient ressembler à un seul groupe complet et non éparpillés seuls au même endroit sur la feuille. Le même exemple avec une nature morte.




Les Hollandais aimaient représenter beaucoup de tout dans les natures mortes, les plats, les fruits et même le gibier. Voici un exemple assez modeste.
Cependant, il peut y avoir plusieurs centres de composition. Mieux - pas plus de trois.
Et tout de même, l'un d'eux par rapport aux autres sera dominant. Il sera plus grand, plus lumineux, plus significatif, plus expressif.
Et encore une nature morte, deux objets blancs brillants entourés d'une sorte de noirceur.


L'un domine l'autre. Mais notre regard attrape à la fois l'un et l'autre.
Et comment aimez-vous un tel tas est petit !?


"Le Matin de l'exécution des Strelets" de Surikov. Honnêtement, il y a beaucoup de choses dans cette image dont vous pouvez parler. Mais vous devez être d'accord - le centre est cet archer.


Tout d'abord, le regard tombe sur lui. Il est contrasté et s'élève au-dessus de la masse. Mais il n'est pas le seul ici. Le deuxième personnage est le jeune Peter.


Nous ne le remarquons pas tout de suite, mais dès que nous le voyons, il n'acquiert pas moins d'importance, bien qu'en arrière-plan, quoique pas aussi clair que le Sagittaire. C'est le deuxième pôle compositionnel, car l'auteur a pris toutes les mesures pour le faire ressortir. Il s'élève également au-dessus de la masse et contraste avec le fond du mur, juste sur le côté. Parmi les nombreux personnages, il n'y en a que deux. Les autres se fondent tous en une masse commune.
Le centre de composition peut n'avoir aucun sujet du tout. Peut être un espace vide. Par exemple, dans un paysage, le ciel est souvent un tel endroit.


Dans de telles compositions, tous les objets sont généralement situés de manière assez uniforme, ont une certaine uniformité et se fondent dans la masse par rapport à l'emplacement vide dans lequel se trouve le centre de la composition.

Donc : pour que votre dessin soit au moins intéressant, pensez toujours à quel centre de composition vous aurez, ce qui s'y trouvera et comment vous le mettrez en valeur.

Comment positionner harmonieusement le point focal dans la feuille

Il existe plusieurs techniques de composition qui peuvent être utilisées pour construire une composition.

Il n'y a pas de règles strictement réglementées, mais seulement des recommandations générales, les plus célèbres - comment créer une composition efficace et efficace dans un cadre photo. Le manuel a été écrit par le photographe irlandais Barry O "Carroll et illustré de ses peintures.

1. RÈGLE DU TROISIÈME
C'est très simple : vous divisez le cadre en 9 rectangles égaux, 3 horizontalement et 3 verticalement, comme le montre la photo. De nombreux fabricants de caméras ont inclus la possibilité d'afficher cette grille en vue en direct. Consultez le manuel de votre appareil photo pour activer cette fonction.
L'idée est de placer un élément important du cadre le long d'une ou plusieurs lignes, ou à l'intersection des lignes. Notre tendance naturelle est de placer le sujet principal au centre. Le décentrer en utilisant la règle des tiers créera une composition plus attrayante.

Sur cette photo de la place de la Vieille-Ville à Prague, le photographe a positionné l'horizon le long du tiers supérieur du cadre. La plupart des bâtiments se trouvent dans le tiers médian et la place elle-même occupe le tiers inférieur du cadre. Les flèches de l'église sont situées près de la ligne horizontale à droite du centre de la charpente.

2. SYMÉTRIE
Au début on vous conseillait de ne pas placer votre sujet principal au centre du cadre, mais maintenant disons exactement le contraire ! Parfois, lorsque vous placez un sujet au centre du cadre, cela a du sens et a fière allure. Les scènes symétriques sont idéales pour une composition centrée. Ils s'intègrent parfaitement dans le carré.
Cette photographie d'un pont dans la ville de Dublin était parfaite pour une composition centrée.

Vous pouvez utiliser la symétrie, vous pouvez utiliser l'asymétrie. C'est de toute façon un outil de composition très puissant. Il est important de se rappeler une chose - il doit y avoir un zeste dans votre prise de vue, quelque chose qui attirera l'attention du spectateur.

Les images réfléchissantes sont un excellent moyen d'utiliser la symétrie dans votre composition. Sur cette photo, nous avons utilisé à la fois la règle des tiers et la symétrie. L'arbre est situé à droite du centre, et le reflet dans l'eau assure la symétrie. Vous pouvez et devez combiner plusieurs principes de composition en une seule photo !

3. ROSFOCUS ET PROFONDEUR DE CHAMP
La défocalisation est l'utilisation de la profondeur de champ lorsque l'objet sémantique principal du tracé photo est net et que le reste des objets est flou. C'est un excellent moyen d'ajouter une impression de profondeur au cadre. Les photos sont en 2D par nature, et cette technique permet d'obtenir un effet 3D.
Sur cette photo d'une cascade aux Pays-Bas, les rochers de la rivière sont très clairs et l'arrière-plan est légèrement flou. L'ajout de netteté au premier plan fonctionne particulièrement bien avec les objectifs grand angle.



Cette séquence a également été tournée à Dublin. Le premier plan est très net et l'arrière-plan est flou. Et un autre conseil - partez tôt à la chasse aux photos, au moins à 5 heures du matin - et vous serez récompensé par de belles vues.

4. CADRE
L'image dans l'image (ou "image par image" ou cadrage) est un autre moyen efficace de représenter la profondeur dans une composition. Faites attention aux éléments tels que les fenêtres, les arches ou les branches en surplomb. Le "cadre" n'a pas besoin d'entourer tout le cadre pour le rendre efficace.
Dans les photographies prises sur la Piazza San Marco à Venise, le photographe a utilisé l'arc comme cadre pour la cathédrale au fond de la place. L'utilisation de l'arc comme décoration était inhérente à la peinture de la Renaissance comme moyen de représenter la profondeur et la perspective.

Un autre exemple de cadrage. Notez que même si le "cadre" n'entoure pas tout le cadre dans ce cas, il ajoute toujours une impression de profondeur.
L'utilisation de cadre dans le cadre est une excellente occasion d'être créatif avec vos compositions.

5. LIGNES
Les lignes fonctionnent mieux comme guides : le regard accroche et suit la ligne, de gauche à droite et de bas en haut. Ainsi, vous « menez » les yeux du spectateur à travers le cadre, en vous concentrant sur les points dont vous avez besoin.

Les lignes de guidage n'ont pas besoin d'être droites, comme le montre l'illustration ci-dessus. En fait, les lignes courbes peuvent être un élément de composition très attrayant. Dans ce cas, la route conduit l'œil du spectateur du bord inférieur vers l'arbre. Le photographe a également utilisé la règle des tiers lors de la création de la photo.

6. DIAGONALES ET TRIANGLES
On dit souvent que les triangles et les diagonales ajoutent une "tension dynamique" au cadre. C'est l'une des techniques de composition les plus efficaces - la composition en diagonale. Son essence est très simple : nous plaçons les principaux objets du cadre sur la diagonale du cadre. Par exemple, du coin supérieur gauche du cadre au coin inférieur droit. L'avantage de cette technique est qu'une telle composition guide en permanence le regard du spectateur à travers toute la photographie.


7. MOTIFS ET TEXTURE
Qu'est-ce qu'un modèle ? En photographie, ce sont des objets répétitifs qui peuvent être utilisés pour composer une prise de vue. Regardez de près et vous verrez qu'il y a beaucoup de modèles autour de nous - en particulier dans le paysage urbain. Pensez à cette technique la prochaine fois que vous vous promènerez avec votre appareil photo.

La texture elle-même n'a pas d'importance. La lumière joue un rôle, qui tombe sur la texture et, grâce aux ombres, crée du volume. Si vous travaillez avec de la lumière naturelle, essayez de changer la position de l'appareil photo - recherchez des angles intéressants, puis la texture du cadre peut rendre votre photo originale et mémorable.

Sur cette photo, nous avons beaucoup aimé la texture de la pierre. Vous remarquerez peut-être également que l'arc crée un cadre autour de la personne et du café de l'autre côté de l'arc.

8. RÈGLE DES OBJETS IMPAIRS
En règle générale, une image est plus attrayante visuellement s'il y a un nombre impair d'objets dans le cadre. Selon cette théorie, un nombre pair d'éléments dans une scène est gênant, car le spectateur ne sait pas sur lequel se concentrer. Un nombre impair d'éléments est perçu comme plus naturel et plus agréable pour les yeux. Pour être honnête, il existe de nombreux cas où ce n'est pas le cas, mais cela s'applique certainement dans certaines situations. Et si vous avez quatre enfants ? Comment décider lequel d'entre eux quitter le cadre ? Sérieusement, bien sûr, cette règle doit être violée !

La photo montre un exemple d'utilisation de la règle des objets étranges. Il y a trois arches, et l'auteur de la photo est convaincu que deux arches "ne fonctionneraient pas" aussi bien. De plus, il y a trois personnes dans le cadre. Cette composition utilise également la règle du « cadrage ».

Sur cette photo de deux gondoliers vénitiens, la règle étrange est complètement ignorée. C'est vrai, votre attention peut se déplacer entre les gondoliers. Cependant, ce n'est qu'une question de conversation, cela attire le regard, et le nombre d'objets n'a pas d'importance dans ce cas.

9. REMPLISSAGE DU CADRE
Remplir le cadre avec votre sujet, en laissant peu ou pas d'espace autour, peut être très efficace dans certaines situations. Cette technique vous aide à vous concentrer pleinement sur le sujet principal, le centre de la composition, sans aucune distraction. Cela permet également au spectateur d'explorer les détails, ce qui serait impossible si vous photographiiez à distance. Dans de nombreux cas, cela peut aider à créer une composition originale et intéressante.
Sur cette photo du chat préféré du photographe, vous remarquerez qu'il a complètement rempli le cadre de "visage", et a recadré les bords de la tête et de la crinière. Cela permet au spectateur de vraiment se concentrer sur des détails comme les yeux ou la texture de la fourrure. Vous pouvez également remarquer que l'auteur a utilisé la règle des tiers dans cette composition.

La cathédrale Notre-Dame de Paris dans cette image occupe tout le cadre, laissant très peu d'espace sur les bords. Cela a permis de mettre en évidence les détails architecturaux de la façade du bâtiment.

10. PLUS D'AIR ou LAISSEZ DE L'ESPACE LIBRE DANS LE CADRE
En laissant beaucoup d'espace (ou d'air) vide autour de votre sujet, vous obtiendrez des images très attrayantes avec un sens de la simplicité et du minimalisme. Comme pour remplir le cadre, cela aide le spectateur à rester concentré sur le sujet principal sans être distrait.
Une photo d'une statue géante du dieu Shiva à Maurice est un bon exemple de l'utilisation de l'espace. La statue est évidemment le centre de la composition, mais il reste encore beaucoup d'espace, rempli uniquement du ciel. Cela se concentre sur la statue elle-même, donnant au sujet principal un « espace de respiration », pour ainsi dire. La composition crée également un sentiment de simplicité. Il n'y a là rien de superflu. La statue est entourée par le ciel, c'est tout. Le photographe a également utilisé la règle des tiers en plaçant la statue à droite du centre du cadre.

11. SIMPLICITÉ ET MINIMALISME
La simplicité elle-même peut être un puissant outil de composition. On dit souvent que "moins c'est plus". La simplicité signifie souvent prendre des photos avec des arrière-plans simples qui ne détournent pas l'attention du sujet principal. Vous pouvez également créer une composition simple en zoomant sur une partie de votre sujet et en vous concentrant sur un détail spécifique.
Sur cette photo, les gouttes de rosée sur les feuilles du jardin sont agrandies. C'est si simple et beau. Un bon objectif macro peut être un outil très utile pour prendre de telles photographies.

Ici aussi, tout est très minimaliste : un arbre à l'aube, un fond simple et laconique pour se concentrer sur l'arbre. Cette photo utilise la règle du "plus d'air" pour créer un sentiment de simplicité et de minimalisme, ainsi que la règle des tiers et les lignes directrices dans la composition.

12. "ISOLER" L'OBJET
L'utilisation d'une faible profondeur de champ pour isoler (« isoler ») votre sujet est un moyen efficace de simplifier la composition. Le flou de l'arrière-plan peut détourner l'attention de votre sujet principal. C'est une technique particulièrement utile pour prendre des portraits. Vous pouvez en savoir plus sur l'utilisation des différents paramètres dans les didacticiels d'ouverture, de vitesse d'obturation et d'ISO.
Sur cette photo, le fond flou accentue le portrait du chat. Cette méthode est un excellent moyen de simplifier la composition.
Le choix du point de prise de vue affecte directement la perception émotionnelle de l'image. Pour un portrait, le meilleur point est au niveau des yeux. Gardez votre appareil photo au niveau de votre sujet, sinon vous risquez de déformer les proportions. Lorsque vous photographiez des enfants ou des animaux, mettez-vous au niveau des yeux.

13. CHANGER DE POINT
L'angle est la base de tout. La caméra (respectivement, et le point de prise de vue) doit être déplacé non seulement horizontalement, mais aussi verticalement. L'un des points de prise de vue les plus courants est de le placer au niveau des yeux d'une personne : c'est à partir de cette hauteur que l'on considère généralement l'objet observé, et donc la forme de l'objet, ses volumes, son schéma de perspective et son rapport avec l'arrière-plan. sont familiers à l'œil ici.

Nous appelons ces points de levé une hauteur normale. En même temps, l'image n'est presque pas déformée. Cet angle est idéal lorsqu'il est important de transmettre le sujet dans ses proportions naturelles. La plupart des photographies du monde sont prises d'un point de vue "normal", c'est une règle générale. Mais l'angle "normal" ne peut pas toujours transmettre votre idée créative. Souvent, l'utilisation de points de prise de vue hauts et bas aide à réaliser une idée créative.

La perspective de l'image peut changer si vous sélectionnez un autre point de prise de vue. Lors de la prise de vue à partir d'un point bas, la comparaison habituelle des objets au premier plan et des plans éloignés en hauteur change. Par exemple, une personne plus petite peut paraître plus grande et plus mince. Dans les scènes sportives, le point de chute bas accentue la hauteur de saut et ajoute du dynamisme à la prise de vue. Les points de prise de vue élevés contribuent à l'affichage expressif d'un vaste espace et à révéler l'emplacement des personnages et des objets dans cet espace. Les points de prise de vue hauts ou bas proches du sujet donnent une image en perspective spéciale du cadre, une perspective inhabituelle - un raccourci.

14. RECHERCHEZ UNE COMBINAISON DE COULEURS
L'utilisation de la couleur comme outil de composition est souvent négligée. La théorie des couleurs est bien connue des graphistes, des créateurs de mode et des architectes d'intérieur. Certaines combinaisons de couleurs se complètent et peuvent gravement blesser visuellement l'œil. L'arrangement mutuel des couleurs et des nuances est réalisé sur la base des lois de la coloristique (théorie des couleurs), et avec leur aide, il est très pratique de sélectionner des combinaisons harmonieuses. Regardez la roue des couleurs. Vous pouvez voir que les couleurs sont situées dans les segments du cercle. Les couleurs opposées sont dites complémentaires. Le photographe doit rechercher des clichés où ces combinaisons de couleurs créent des compositions attrayantes et vibrantes.

Les couleurs complémentaires sont des couleurs contrastées situées aux extrémités opposées de la roue chromatique, l'une en face de l'autre. Il est très bon d'utiliser des combinaisons contrastées pour mettre en évidence les détails, mais il n'est pas recommandé d'utiliser un tel schéma pour le texte ou lors de la création d'une garde-robe.



15. DIRECTION ET ESPACE
Sur cette photo, le bateau est sur le côté gauche du cadre et se déplace de gauche à droite. Notez qu'il faut laisser plus d'espace à l'avant pour déplacer le bateau vers l'avant (vers la droite) que derrière lui. Nous pouvons imaginer mentalement comment le bateau se déplace dans cet espace, comment il flotte le long du fleuve. Si le bateau était directement sur le côté droit du cadre, cela nous « retirerait » de la photo ! La règle est formulée quelque chose comme ceci : vous devez laisser de la place au mouvement imaginaire.

Cette règle peut également être utilisée pour photographier des personnes. La règle de direction et d'espace suppose que le sujet doit regarder dans l'objectif ou que son regard doit tomber sur quelque chose dans le cadre. Regardez le musicien sur la photo ci-dessus. La photo a été prise du côté gauche. S'il regardait de l'autre côté, quelque chose hors du cadre, cela aurait l'air étrange.

16. DE GAUCHE À DROITE
Notre cerveau est habitué à lire de gauche à droite, nous évaluons donc une image de la même manière. Par conséquent, il est préférable de placer le centre sémantique sur le côté droit du cadre. Ainsi, le regard et le sujet de la photographie semblent se rapprocher l'un de l'autre. Lorsque vous construisez une composition, gardez toujours ce point à l'esprit.

17. ÉQUILIBRE
L'équilibre ou l'équilibre est très important. L'astuce de l'équilibre de la composition est qu'il n'y a pas une seule recommandation correcte qui vous dira tout une fois pour toutes. Vous devrez être guidé non seulement par les règles, mais aussi par un sens inné de l'équilibre.

La première référence compositionnelle était la « règle des tiers ». Cela, bien sûr, signifie que nous plaçons souvent le sujet principal de la photo loin du centre du cadre, le long de l'une des lignes verticales de la grille. Mais parfois, cela peut entraîner un déséquilibre si vous laissez une sorte de "vide" dans le reste du cadre.
Pour pallier à cela, vous pouvez prendre une photo où le sujet d'importance secondaire ou de moindre importance (ou de taille) sera de l'autre côté du cadre. Cela équilibrera la composition sans trop détourner l'attention du sujet principal.

Regardez la photo d'un lampadaire sur le pont Alexandre III à Paris. Le lampadaire lui-même remplit le côté gauche du cadre. Et la Tour Eiffel à une distance décente équilibre cela de l'autre côté.

Cette photo a été prise à Venise. C'est pareil ici. Un lampadaire décoratif domine un côté du cadre. Et le clocher de l'église (au loin) assure l'équilibre de l'autre côté.

18. CONTRADICTION
Le contraste est un outil très puissant dans la composition photographique. L'opposition signifie l'inclusion de deux éléments ou plus dans le cadre qui se contrastent ou se complètent. Les deux approches peuvent très bien fonctionner et jouer un rôle important en photographie - elles aident à raconter une histoire.
Regardez cette photo prise à Paris. Au bas du cadre, il y a un désordre complet - les images s'accrochent au hasard. Surplombant tout cela, se dresse la majestueuse cathédrale Notre-Dame. Ce joyau architectural est la quintessence de l'ordre et de la structure par opposition à l'art de rue échevelé mais mignon. Ils semblent être en conflit, mais fonctionnent toujours bien dans le cadre ensemble. Ils montrent un Paris si différent, racontent une histoire sur deux éléments différents de la ville.

La vieille Citroën 2CV a fière allure dans le contexte d'un café typiquement français. Les deux éléments se complètent parfaitement.

19. TRIANGLE
C'est similaire à la règle des tiers, mais au lieu d'une grille de rectangles, nous divisons le cadre avec des lignes diagonales allant d'un coin à l'autre. Ensuite, nous ajoutons deux autres lignes provenant d'autres coins. Les deux lignes plus petites rencontrent la ligne plus grande à angle droit, comme illustré ci-dessous. Cela divise le cadre en une série de triangles. Comme vous pouvez le voir, cette technique permet d'introduire la « tension dynamique » que nous avons apprise dans la règle # 6. Comme pour la règle des tiers, nous utilisons des lignes (des triangles dans ce cas) pour aider à positionner les différents éléments dans le cadre. Sur la photo ci-dessous, les diagonales illustrent la règle des triangles.

(Au fait, voici un excellent matériel sur les "triangles dans la construction de compositions photographiques" http://journal.foto.ua/likbez/theory/postroenie-kompozicii-treugolniki.html).


20. SECTION D'OR
Le nombre d'or était connu même dans la Grèce antique, ses propriétés ont été étudiées par Euclide et Léonard de Vinci. La description la plus simple du nombre d'or par rapport à la photographie est la suivante : le meilleur point pour l'emplacement du sujet est environ 1/3 de la bordure horizontale ou verticale du cadre. L'emplacement des objets importants dans ces points visuels semble naturel et attire l'attention du spectateur.

C'est l'un des concepts de base de la composition, une méthode de division d'un segment dans le rapport a / c = b / a. Numériquement, cela s'exprime par un rapport de 5 à 8, ou plus précisément 8/13 ou 13/21. Si la relation entre les côtés du rectangle est exactement celle-là, alors un tel rectangle est appelé "doré". Une version plus simple du nombre d'or est la règle des tiers. Rappel : selon la règle des tiers, le rectangle n'est pas divisé dans les proportions du nombre d'or, mais ses côtés sont divisés en trois parties égales. Selon la règle des tiers, une composition harmonieuse est créée en plaçant les principaux éléments de l'intrigue aux points d'intersection des lignes divisant le cadre en 9 rectangles. Dans la plupart des paysages pittoresques de la Renaissance, la ligne d'horizon divise le plan du tableau selon le principe du nombre d'or.

En termes simples, le nombre d'or correspond à deux quantités dans le nombre d'or, leur rapport est le même que le rapport de leur somme à la plus grande des deux quantités.

Au lieu de la grille habituelle (règle des tiers), le cadre est divisé en une série de carrés, comme le montre la photo. Vous pouvez ensuite utiliser les carrés pour dessiner mentalement une spirale qui ressemble à la coquille d'un escargot. C'est la spirale de Fibonacci. Les carrés aident à positionner les éléments dans le cadre, et la spirale nous donne une idée de ce à quoi le cadre devrait ressembler en termes de dynamique. C'est comme une ligne directrice invisible.

L'auteur de ce texte admet qu'il n'a jamais appliqué consciemment le nombre d'or, mais seulement intuitivement. Lorsqu'il regarda ses photographies, il remarqua qu'il l'avait involontairement utilisé à plusieurs reprises.

Nous espérons que vous avez trouvé ce texte utile et qu'il vous aidera à passer au niveau supérieur de la photographie. Les règles peuvent être mémorisées et leur utilisation peut être amenée à l'automaticité. Mais n'oubliez pas la règle principale d'un bon photographe - ne suivez aucune règle !

Comprendre la composition est une chose sur laquelle chaque photographe devrait prendre son temps. Sans avoir à investir dans du matériel coûteux, comprendre les éléments d'une bonne composition améliorera sans aucun doute votre travail photographique. Le développement de la vision photographique est naturel pour certains, mais d'autres doivent prendre le temps et les efforts nécessaires pour perfectionner leurs compétences et leurs capacités visuelles. Voici une sélection de trucs et astuces pour vous aider à évaluer et à composer votre travail.

Si vous avez le temps, trouvez une raison de vous concentrer et de pratiquer ces compétences, et essayez de les garder à l'esprit la prochaine fois que vous prendrez une photo, cela peut vous aider à ressentir la différence entre prendre une bonne photo et une bonne photo.

Étape 1 - n'essayez pas d'être parfait

Il est important de comprendre qu'il n'y a pas de composition "parfaite". Comme il s'agit d'une forme d'art subjective, vous n'arriverez jamais au point où vous obtiendrez le cliché parfait, mais il est tout à fait possible d'avoir des clichés avec une mauvaise et bonne composition. Il existe de nombreux éléments de composition photo, que je vais détailler dans cet article. Chacune des sections n'est qu'une simple directive pour vous aider à obtenir des images plus fortes et plus attrayantes.

Étape 2 - simplicité

L'une des principales choses à faire attention est la position des éléments dans le cadre les uns par rapport aux autres. Sur cette base, vous devrez décider ce qu'il faut inclure dans le cadre et ce qu'il faut en retirer. Il est souvent tentant de remplir le cadre avec autant d'objets intéressants que possible, mais lorsqu'il s'agit de composition, il est préférable d'être sélectif sur ce que vous incluez dans le cadre et d'être attentif à vos choix. Certaines des photographies les plus lumineuses ont des compositions très simples mais efficaces, le regard suit l'image sans interférence, et le spectateur est impliqué dans une prise de vue claire et efficace.

Étape 3 - la règle des tiers

L'une des règles de composition les plus simples est la règle des tiers, qui est devenue un outil très courant pour les photographes amateurs et professionnels. La méthode consiste à diviser le cadre en tiers, verticalement et horizontalement (ce sont donc en fait des neuvièmes), et à utiliser ces lignes pour diviser efficacement votre image et séparer les zones de l'image. Les points d'intersection des lignes sont considérés comme des zones clés pour les principaux objets du cadre.

Cette règle, bien que très simple, fonctionne très bien lorsqu'elle est appliquée correctement. Par exemple, dans la photographie de paysage, l'horizon peut traverser le cadre le long de la ligne horizontale inférieure et le haut de la crête peut traverser la ligne horizontale supérieure. De même avec les portraits, les yeux peuvent être positionnés aux points où la ligne horizontale supérieure coupe les deux lignes verticales.

Étape 4 - composition du paysage

Il est extrêmement important d'utiliser efficacement la composition lorsque vous travaillez avec des paysages. Le drame d'un grand plan de paysage est basé sur la composition et la structure. Demandez-vous sur quoi portera votre tir. A propos de l'eau, des montagnes au loin, de l'horizon, du coucher de soleil ou des rochers au premier plan ? Quels éléments souhaitez-vous mettre en valeur dans le cadre ? En utilisant la règle des tiers, essayez de vous assurer qu'il y a différents niveaux dans le cadre, assurez-vous d'avoir un sujet intéressant au premier plan pour ajouter une impression de profondeur et d'échelle à l'image, et que le point focal principal dans le cadre est priorisant clairement.

Étape 5 - lignes

Les lignes dans une image sont l'un des moyens les plus efficaces d'éclaircir votre cadre. Les lignes horizontales et verticales créent une image clairement structurée, tandis que les lignes courbes sont plus détendues. Considérez où chaque ligne du cadre commence et où elle mène. Il est très efficace d'avoir une ligne dans le cadre menant l'œil, par exemple, du coin inférieur à travers l'image jusqu'au coin opposé. Les chemins, les rivières, les voies ferrées et les routes peuvent servir à cette fin s'ils sont utilisés correctement.

Lorsque vous travaillez avec des lignes horizontales et verticales dans le cadre, assurez-vous que l'image est claire et que les lignes sont droites. Croyez-le ou non, combien de photographies que j'ai vues ont été gâchées par une ligne légèrement inclinée, comme l'horizon. Bien sûr, il est possible de post-traiter le cadre pour corriger ces erreurs, mais il est préférable de bien s'entraîner et de l'aligner correctement dès la prise de vue.

Étape 6 - Formes

Une fois que vous avez compris le rôle que jouent les lignes dans la composition d'une image, vous pouvez apprécier l'influence des formes. Essayez de vous éloigner de ce que vous regardez en regardant un sujet précis à travers le viseur et faites référence à la forme de chaque élément dans le cadre. Il est important de comprendre comment les formulaires interagissent les uns avec les autres. Les formes fortes comme les triangles et les carrés sont beaucoup plus faciles à encadrer que les formes plus douces et arrondies, mais en évaluant la façon dont chaque élément est formé, vous pouvez avoir un impact très puissant en présentant les formes et leurs interactions comme thème principal de la prise de vue.

Étape 7 - contraste

Quand il s'agit de votre sujet principal, considérez-le dans son contexte et par rapport à son environnement. Comment les couleurs, les formes, les textures et les nuances du point focal principal correspondent-elles à l'espace environnant ? S'il existe un lien fort entre les deux, vous pouvez jouer autour de cela et faire ressortir l'image avec la composition, en combinant le sujet avec son environnement. Si le sujet et l'environnement sont très différents, essayez d'utiliser des techniques de composition pour accentuer ces différences.

Étape 8 - façonner le cadre

Un cadrage efficace est la base d'une composition forte. Le désir naturel est de placer le point focal principal exactement au centre, mais cela semble souvent étrange et à l'écart. Essayez de le positionner plus près d'un côté ou d'un coin pour voir si vous pouvez créer un contexte et des relations. Il convient toutefois de noter que les portraits sont souvent plus éclatants lorsque le sujet est centré. Cela vaut donc la peine d'expérimenter, ne prenez pas une seule décision de cadrage et ne vous arrêtez pas là, explorez toutes vos possibilités.

Étape 9 - espace négatif

Il est important de prendre en compte l'espace négatif dans l'image. Lorsque vous travaillez avec de petits objets, la tendance est d'essayer de placer tout le point focal dans le cadre. En fait, la composition d'un sujet macro est beaucoup plus lumineuse si vous remplissez le cadre avec les sujets proches l'un de l'autre, ou utilisez l'espace négatif qui l'entoure pour permettre au sujet de respirer et de s'intégrer harmonieusement dans l'environnement.

Essayez d'expérimenter avec quelque chose d'aussi simple qu'un coquillage, ou voyez comment vous pouvez changer la composition si vous ne vous contentez pas de photographier de la manière habituelle, mais essayez de vous rapprocher ou, au contraire, de vous éloigner.

Étape 10 - coin

Lorsque vous travaillez avec votre sujet, tenez compte de l'angle sous lequel vous photographiez. Le plus souvent, le moyen le plus simple consiste à photographier le sujet sous l'angle sous lequel vous le voyez, mais pendant que vous travaillez sur le cadre, explorez différents angles et approches. Vous pouvez trouver une façon plus intéressante d'exprimer le thème principal de la prise de vue.

Étape 11 - couches

Tout comme lorsque vous travaillez avec des calques dans des photos de paysage, assurez-vous d'inclure des éléments de profondeur dans vos images. Mettre un sujet intéressant au premier plan est le moyen le plus simple de le faire, mais même l'utilisation d'un objet en zigzag ajoutera une sensation de profondeur et conduira votre regard plus profondément dans l'image.

Étape 12 - symétrie et motifs

L'exploitation efficace de la symétrie et des motifs peut aider à créer une prise de vue vraiment puissante, en particulier lorsque vous travaillez avec des objets tels que l'architecture. Passez du temps à explorer le sujet et à reconnaître les motifs et les motifs (en prêtant attention aux formes et aux lignes). Trouvez le milieu et positionnez la caméra exactement perpendiculairement au sujet. Évitez les détails gênants qui brisent la symétrie ou le motif et essayez de maximiser l'effet souhaité.

Étape 13 - recadrage

À l'ère du post-traitement, si vous rentrez soudainement à la maison et constatez que vous n'avez pas composé votre plan comme vous le souhaitez, rien n'est perdu. Presque tous les utilitaires de traitement d'images disposent désormais d'un outil de recadrage avec lequel vous pouvez recadrer les parties excédentaires d'une photo. Vous pouvez le faire avec le rapport hauteur/largeur verrouillé (la plupart des photos d'aujourd'hui sont de 3: 2), ou vous pouvez librement recadrer le cadre à la forme que vous voulez, par exemple, un carré, ou créer un cadre de paysage panoramique en coupant le bas et niveaux supérieurs.

Étape 14 - Pratiquez, pratiquez, pratiquez

Nous avons donc exploré un certain nombre de principes de composition qui peuvent vraiment vous aider dans votre cheminement vers la création d'images plus fortes et plus attrayantes. Dès que vous en avez l'occasion, entraînez-vous à utiliser ces suggestions. Quoi que vous photographiez - paysages, portraits, macro - il y a toujours de la place pour des expériences pour améliorer votre composition, la possibilité de rendre votre prise de vue, au moins un peu, mais plus lumineuse.

N'oubliez pas qu'il n'y a pas de solutions rapides et faciles pour de superbes photos. Les techniques ci-dessus peuvent vous aider, mais les franchir n'est pas non plus interdit. Lorsque vous décidez que vous avez trouvé comment mettre efficacement ces principes en pratique, n'hésitez pas à enfreindre les règles et à photographier vos sujets de la manière créative qui vous convient le mieux.

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Dans ce tutoriel, vous apprendrez : Les bases de la composition. Disposition sémantique et décorative du cadre. Techniques de composition : perspective, règle des tiers, nombre d'or, diagonales. Les objets principaux et secondaires de la composition. Les principales erreurs des photographes novices.

Qu'est-ce que la composition ? Composition (du lat. Compositio) signifie composer, combiner, combiner différentes parties en un seul tout conformément à n'importe quelle idée. Cela fait référence à la construction réfléchie de l'image, trouvant le rapport de ses parties individuelles (composants), qui forment finalement un seul tout - une image complète et complète.

Pourquoi la bonne composition est-elle importante ? Afin de mieux transmettre l'idée en photographie, des moyens expressifs particuliers sont utilisés : éclairage, tonalité, couleur, point et moment de prise de vue, plan, raccourci, ainsi que contrastes picturaux et divers. Le reflet du vivant, de la vraie vie ne suffira pas sans le respect de certaines règles. Comment, par exemple, rendre le mouvement ou la fugacité d'un instant ? Cela nécessite une connaissance des lois de la composition, sinon vos photos se transformeront en clics aléatoires et n'intéresseront pas les autres.

Le sens général d'une composition bien formée du cadre est que l'on considère facilement et naturellement la photographie. En même temps, nous obtenons un plaisir esthétique, voyons le lien logique entre les objets dans le cadre, admirons les détails de l'image. Cela arrive, et inversement, on est surpris ou choqué, on ne comprend pas tout, mais dans ce cas, la composition correcte - ou volontairement incorrecte - traduit l'intention créatrice de l'auteur à travers la photographie.

Centre de l'histoire et équilibre

Toute bonne photographie doit avoir un objet principal, parfois on l'appelle centre sémantique ou plot... C'est pour cela que l'auteur a grimpé dans les montagnes, a vaincu les déserts, ou s'est simplement distrait pendant un moment de s'amuser avec des amis afin de sortir l'appareil photo et d'appuyer sur le bouton. Ce centre peut être "Je suis sur le barbecue", et peut-être un sommet enneigé, un arbre solitaire, un visage humain, ou simplement une courbe gracieuse de lignes dans une nature morte abstraite.

Dans la photographie domestique simple, le centre du sujet et le centre géométrique coïncident souvent, c'est-à-dire que le sujet principal est en plein centre de l'image. Les albums de famille regorgent de telles cartes, et seuls les parents les plus proches sont intéressés à les feuilleter, et encore plus à regarder des photographies. Si un photographe veut faire quelque chose de plus qu'une photo de "moi sur fond de pyramides", alors vous devez être préparé au fait que vous devrez consacrer plus de temps et d'efforts.

Avant d'appuyer sur le déclencheur de l'appareil photo, déterminez le centre sémantique et retrouvez-le dans l'espace environnant, mettez en évidence dans votre esprit ce qui est l'essentiel, le plus intéressant pour vous. Ce n'est peut-être pas facile au début et vous devrez travailler avec votre tête (enfin, tourner dans différentes directions, regarder autour de vous), mais ensuite, au fur et à mesure que vous gagnerez en expérience, votre regard trouvera par lui-même des intrigues intéressantes.

Allons plus loin. Il existe une règle empirique très ancienne et simple selon laquelle vous pouvez presque toujours réussir. On l'appelle parfois règle des tiers... Il permet d'équilibrer harmonieusement l'image en lui donnant dynamique et naturel visuel. Quelle est sa signification ? L'espace du cadre est divisé mentalement par deux lignes horizontales et deux lignes verticales en parties égales. A partir de trois bandes horizontales et de trois bandes verticales, on obtient une sorte de grille avec des points d'intersection de lignes.

Il est recommandé de placer les éléments les plus importants du cadre le long de ces lignes ou aux points de leur intersection. Le fait est qu'une telle asymétrie de l'image est perçue plus naturellement et permet dans de nombreux cas d'utiliser efficacement l'espace négatif autour du sujet principal.

La règle des tiers est largement utilisée dans une grande variété de types d'images. Par exemple, dans les paysages, la ligne d'horizon est souvent placée le long de la ligne supérieure ou inférieure des tiers, et à côté d'une des lignes verticales, est montré un objet sur lequel on veut attirer l'attention (arbre, bâtiment, etc.).

Lors de la création de portraits, le visage peut être retiré du centre pour éviter toute ressemblance inutile avec une « photo d'identité ». Pour attirer l'attention sur les yeux, il convient de choisir une telle composition de sorte qu'un œil soit situé à l'une des intersections supérieures des lignes conditionnelles.

Pendant de nombreux siècles, pour construire des compositions harmonieuses, les artistes utilisent également le concept "Section dorée"... Concept proche de la règle des tiers. Il s'est avéré que certains points dans une composition d'image attirent automatiquement l'attention du spectateur. Il n'y a que quatre de ces points, et ils sont situés à une distance de 3/8 et 5/8 des bords correspondants du plan. Après avoir tracé la grille, nous avons obtenu les points de données à l'intersection des lignes.

$ IMAGE8-left $ Une personne focalise toujours son attention sur ces points, quel que soit le rapport hauteur/largeur ou l'image.

Il y a aussi des lignes mineures qui devrait « conduire » le regard vers le centre de l'intrigue... Les lignes secondaires peuvent signifier non seulement des lignes spécifiques, mais aussi une série d'objets ou de détails situés les uns après les autres. C'est ce que c'est règle diagonale... Selon la règle de la diagonale, les éléments d'image importants doivent être placés le long des lignes diagonales. Une composition en diagonale avec une direction allant du coin inférieur gauche au coin supérieur droit est plus calme que celle construite sur la diagonale opposée, plus dynamique.

Les éléments linéaires tels que les routes, les voies navigables, le rivage et les clôtures diagonales ont tendance à rendre le paysage plus dynamique que les éléments horizontaux.

Balance photo - à quoi ça sert ?]

La composition peut être équilibrée ou déséquilibrée. Qu'est-ce que ça veut dire? Imaginez porter un sac lourd dans une main. Votre corps sera dans une composition déséquilibrée. Prendre le même sac lourd dans votre autre main équilibrera votre composition corporelle. Le fait est que toute composition déséquilibrée semble aléatoire, mais une composition équilibrée est harmonieuse et il semble qu'aucun changement ne soit possible. Tout est important dans l'équilibre, même le sens de déplacement des objets ou leur poids visuel.

Le moyen le plus simple d'équilibrer votre composition est de centrer votre sujet. Cependant, comme nous venons de le voir ci-dessus, ce n'est pas la meilleure solution. Si vous déplacez l'objet sur le côté, l'équilibre est perturbé. Une partie de l'image devient, pour ainsi dire, plus lourde et l'emporte visuellement sur l'autre. Le cadre semble vouloir tourner dans le sens des aiguilles d'une montre.

Pour corriger une composition déséquilibrée, vous devez introduire un objet dans la partie vide de la photo. A noter qu'en photographie, le poids est remplacé par le volume (profondeur de champ), la couleur, ou des associations avec des objets lourds ou légers. Les couleurs dans lesquelles les objets sont peints affectent également leur "poids" pictural de différentes manières : le rouge et ses nuances sont plus lourds que le bleu, les couleurs vives sont plus lourdes que les sombres.

Vous pouvez également équilibrer, en termes de composition, la silhouette du modèle à travers une variété de mouvements. Si, par exemple, un modèle fait un geste de la main dans une direction, il peut être équilibré du point de vue de la composition avec un geste de la jambe ou en tournant la tête de l'autre côté. C'est-à-dire qu'un geste d'un côté de n'importe quelle partie du corps est équilibré par un geste de l'autre côté du bras, de la jambe, de la tête ou de la flexion du corps.

Vous pouvez utiliser l'une des techniques de composition les plus étonnantes - le mouvement évolutif qui équilibre la prise de vue. Cet effet psychologique suggère la présence espace libre dans le sens du mouvement ou du regard... Il suffit de laisser un espace libre dans le cadre où se développe le mouvement, la composition est aussitôt alignée.

De plus, le mouvement en développement peut être remplacé par la direction du regard. Cependant, les vues sont également différentes et nécessitent un espace libre différent dans l'image. Un regard calme, bon enfant ou à moitié endormi demande un peu d'espace libre. Mais la furieuse, fatale, alléchante — bien plus encore. Le regard autodirigé ne nécessite aucun espace du tout.

N'oubliez pas la psychologie du spectateur : par exemple, des visages humains avec des états émotionnels prononcés, comme un aimant, attirent notre attention.

CONSEILS... Se déplacer de gauche à droite nous semble plus rapide que de droite à gauche, et un objet placé à droite pèse plus qu'un à gauche. L'objet en haut du cadre « pèse » plus que le même objet en bas du cadre. Un petit élément solitaire au bord du cadre, situé en dehors des lignes principales, "pese" sur le plan de la composition plus qu'un gros objet, qui est au centre ou situé sur un axe passant par le centre de la composition. On peut dire que la règle du « levier » est en vigueur : plus on s'éloigne du centre d'équilibre, plus le « poids » de l'élément dans la composition est important.

Un élément important est le fond ... Notre regard est sélectif, et souvent le photographe inexpérimenté ne voit que son sujet principal, mais ne remarque pas les nombreux détails gênants à l'arrière-plan ou près du centre du sujet. Effacez le cadre des détails inutiles ! Regardez autour de vous et choisissez un arrière-plan approprié. Peut-être que ces passants aléatoires vont maintenant s'éloigner du bord du cadre. Les branches d'arbres qui « poussent » chez les personnes derrière leur tête et interfèrent avec la perception de l'objet peuvent être supprimées en les déplaçant légèrement sur le côté, etc.

En fait, choisir un arrière-plan est l'une des tâches principales d'un photographe, et si vous n'avez eu aucun problème à choisir un sujet au début, alors l'arrière-plan peut être n'importe quoi. Regardez autour de vous, peut-être que ces buissons à l'arrière ne sont pas aussi beaux que vous le pensez, les fleurs aux couleurs vives sont très belles, mais détournent l'attention, et le tapis sur le canapé où sont assis les invités est trop coloré (au fait, une erreur traditionnelle de photographes amateurs, comme la poubelle au fond du plan).

L'appareil photo, contrairement à l'œil, capture tout de manière impartiale et, par conséquent, au lieu d'un événement ou d'un fait important pour vous, une certaine vinaigrette de détails secondaires, insignifiants et surtout distrayants peut apparaître dans l'image. Les sujets de fond ne doivent pas détourner le regard du principal, et si votre sujet principal est sombre, alors il est conseillé de choisir un fond plus clair, et inversement : un objet clair ressort bien sur un fond sombre. Dans ce cas, il ne faut pas oublier les réglages d'exposition.

La perspective. Une photographie dans laquelle vous pouvez sentir la profondeur de l'espace attire immédiatement l'attention. De telles images sont plus belles, elles sont plus intéressantes à regarder. L'alternance de plans de premier plan, de moyenne et de longue portée donne à la photo un aspect naturel.

Pour la photographie touristique, essayez de choisir un arrière-plan qui n'est pas trop coloré ou lumineux, faites attention à la façon dont l'arrière-plan est éclairé. Si votre sujet est à l'ombre, l'arrière-plan ne doit pas être les murs de bâtiments ou de monuments architecturaux fortement éclairés par le soleil. Il est préférable que l'arrière-plan soit légèrement plus sombre que le sujet principal.

Essayez de répartir mentalement les plans de votre composition, notez qu'en plus du premier plan, l'objectif verra des objets qui se trouvent derrière le centre de votre sujet et encore plus loin à l'horizon. Faites attention aux lignes qui se croisent et aux objets d'arrière-plan. Très souvent, la manipulation délibérée de l'arrière-plan est utilisée par les photographes comme une technique expressive distincte.

Rythme... Un autre moyen d'expression important est le rythme, c'est-à-dire l'image dans l'image du même type de détails, de figures ou de silhouettes. Toute notre vie est une alternance de jours et de nuits, de saisons, donc le rythme aide à comprendre le non-aléatoire du choix, et la diminution progressive des chiffres identiques ou similaires - du grand au premier plan au petit au loin - souligne à nouveau la perspective. Un grand nombre d'objets : maisons, silhouettes, arbres, de formes similaires voire identiques peuvent former une ligne imaginaire, qui conduira également le regard au centre de l'intrigue et lui donnera plus de sens.

Erreurs de composition des photographes en herbe

Tout le monde acquiert une expérience inestimable pour surmonter les difficultés et les revers. Tout le monde fait des erreurs. C'est ce qui nous apprend à ne pas marcher sur le même râteau à l'avenir. Mais, bien sûr, personne ne veut devenir grand, donc la chose la plus correcte est d'apprendre des erreurs des autres et d'utiliser l'expérience des professionnels.

Envisager erreurs de composition typiques, ce qui a été admis par tous ceux qui ont déjà tenu un appareil photo dans leurs mains. Ces erreurs se retrouvent aussi bien chez les photographes novices que chez ceux qui ont des connaissances et de l'expérience.

Parties recadrées de personnes ou de points de repère... Pour bien cadrer une prise de vue, il vous suffit de vous adapter à votre appareil photo et de veiller à ce que tout le sujet soit dans le cadre.

Violation des proportions du corps humain. Un angle incorrect peut déformer les proportions naturelles du corps. Lors de la prise de vue d'en haut, la personne semblera avoir une grosse tête et des jambes courtes. Lors de la prise de vue par le bas, tout sera à l'opposé. Si obtenir ce cliché n'est pas votre objectif, gardez un œil sur l'angle et les proportions.

Remplir l'horizon. Beaucoup de gens font l'erreur de garder l'appareil photo légèrement incliné pendant la prise de vue. La ligne d'horizon sur les images doit être parallèle aux bords inférieur et supérieur de l'image. De nombreuses caméras peuvent afficher une grille sur l'écran pour aider à aligner le cadre.

Il y a un corps étranger dans le cadre. Cette erreur se produit souvent en raison du fait que le cadre n'est pas aligné. Avant de prendre des photos, vous devez réfléchir à ce qui doit être exactement dans l'image, évaluer l'espace environnant.

Composition déséquilibrée. Un photographe inexpérimenté ignore l'existence des règles du nombre d'or, des tiers, des lignes directrices, etc., et pourquoi vous devez les connaître - encore plus. Le positionnement au centre du cadre est peut-être l'erreur la plus connue et la plus courante. Il n'y a rien de mal à placer un objet au centre, mais un tel cadre est tout simplement ennuyeux, il n'y a pas de dynamique, d'intrigue ou de mouvement dedans. Bien sûr, une telle composition est parfois justifiée.

Des détails inaperçus en arrière-plan. Le portrait, dans lequel la flèche d'une grue à tour sort de l'oreille du modèle, et un drapeau flotte au sommet de la tête, ont bien le droit d'exister, de plus, ils sont originaux. Mais dans de nombreux cas, ce n'est pas l'originalité que vous attendez de la photo. Parfois après la prise de vue on se demande comment on n'a pas remarqué dans le viseur que ce post (poubelle, mégot de pomme, bouteille, mégot de cigarette...) gâche beaucoup le cadre. Mais il est trop tard et tout ne peut pas être réglé avec l'éditeur.

Composition vide. Il y a trop d'espace vide dans le cadre qui ne contient aucune information utile. Le regard du spectateur se précipite dans ce vide, ne sachant où s'arrêter. Un tel cliché rappelle la célèbre photo du meilleur au monde Carlson - "Un coq rouge très solitaire".

Composition surchargée. Il y a beaucoup d'objets dans le cadre - des déchets photographiques, pourquoi ils sont nécessaires n'est pas clair, mais la variété est parfois impressionnante. Le sujet réel est perdu par rapport à leur arrière-plan, il est presque impossible de garder votre attention dessus.

Les photographes commettent beaucoup plus d'erreurs, mais pour commencer à apprendre la bonne technique de photographie, vous devez vous rappeler les règles de base et toujours faire attention aux petites choses.

Résumé de la leçon : la composition aide le photographe à construire correctement le cadre, conformément à l'intention, à travers des images visuelles pour transmettre son idée au spectateur et raconter quelque chose sur le monde qui l'entoure en langage photographique. Nous nous sommes familiarisés avec les règles de base de la construction du cadre et les erreurs typiques des photographes novices.

Tâche pratique.

1. Dans presque toutes les caméras du viseur (sur l'écran), il existe une grille indiquant les lignes de la règle des tiers et vous permettant d'évaluer au préalable l'exactitude de la composition, mais le plus souvent, elle est désactivée par erreur par les débutants. Activez l'affichage de la grille. Suivez les instructions de votre appareil photo.

2. Revoyez vos photos prises, par exemple, lors de vos dernières vacances. Évaluez l'exactitude de leur composition, trouvez les erreurs. Recadrez ces plans dans l'éditeur, si l'espace le permet, afin d'améliorer la composition.