Qui est le chorégraphe ? Chorégraphes célèbres du monde. Pierre Lacotte est un célèbre danseur et chorégraphe français. Le chorégraphe russe est originaire de France.

En France le mercredi. Pendant des siècles, la danse faisait partie des jeux folkloriques et des célébrations religieuses. Du 14ème siècle il était inclus dans les montagnes. représentations théâtrales et intermèdes de palais, parfois sous forme de scènes d'insertion. Au XVe siècle Des "Momerias" avec danses étaient exécutées lors de tournois et de festivals. Prof. danser le mercredi. des siècles se sont développés sur une base folklorique dans l'art des jongleurs. Une autre source de ce phénomène était la danse de salon (bassdans) lors des festivités du palais. Sur la base de diverses animations festives, la forme du spectacle finalisée a été formée. 16e siècle nom "ballet". Organisateurs de festivités du palais, italiens. maîtres de danse qui maîtrisaient la culture établie en Italie au XVIe siècle. danse école, étaient metteurs en scène de spectacles. Le "Ballet des ambassadeurs polonais" (1573) et le "Ballet comique de la reine" (1581), mis en scène par Baltazarini di Belgioioso (Balthazar de Beaujoyeux), sont devenus les premiers exemples à part entière d'un nouveau genre - une représentation avec un développer une action comprenant des mots, de la musique et de la danse. Tout au long du XVIIe siècle. Le développement du « ballet de cour » a pris plusieurs années. étapes. En 1600-10, il s'agissait de « ballets masqués » (« Mascarade de la Foire de Saint-Germain », 1606), en 1610-1620 - des « ballets mélodramatiques » avec chant, basés sur la mythologie. histoires et productions littérature (« Le Ballet des Argonautes », 1614 ; « La Folie de Roland », 1618), dura alors jusqu'à la fin. 17ème siècle "ballets en sorties" ("Ballet Royal de la Nuit", 1653). Leurs interprètes étaient des courtisans (en 1651-70 - le roi Louis XIV) et le prof. les danseurs sont des "baladens". Dans les années 1660-70. Molière avec comp. J. B. Lully et le ballet. P. Beauchamp crée le genre de la « comédie-ballet » (« Le Bourgeois dans la noblesse », 1670), où la danse est dramatisée et imprégnée des temps modernes. contenu. En 1661, Beauchamp dirigea la Royal Academy of Dance (existait jusqu'en 1780), conçue pour réglementer les formes et la terminologie de la danse classique, qui commença à se développer vers un système de danse classique. Le musée a été fondé en 1669 et ouvert en 1671. théâtre - l'Académie Royale de Musique, dirigée par Lully en 1672. Dans ses opéras (« tragédies lyriques »), qui remplacent progressivement le ballet de cour, la danse occupe une place subordonnée. Mais à l'intérieur du spectacle, il y avait un processus de professionnalisation de la danse, peaufinant ses formes dans l'art de Beauchamp, du danseur G. L. Pekur et du prof. danseurs (La Fontaine et autres), apparus pour la première fois en 1681 dans le ballet "Le Triomphe de l'Amour" de Lully. K con. 17ème siècle les réalisations de la chorégraphie se reflètent dans la théorie œuvres de K. F. Ménétrier (« Sur les ballets anciens et modernes selon les lois du théâtre », 1682) et de R. Feuillet (« Chorégraphie et art d'enregistrer la danse », 1700). Au tournant des XVIIe-XVIIIe siècles. Les danseurs N. Blondie et J. Balon ainsi que le danseur M. T. de Subligny se font connaître.

Musique théâtre 2ème étage 17-18 siècles était classique, mais dans le ballet, en raison de son lent développement, les traits baroques ont été conservés pendant longtemps. Les performances restaient luxuriantes et encombrantes, manquant d'unité stylistique.

Au début du XVIIIe siècle. Il y avait des signes de stagnation dans le contenu idéologique et figuratif du ballet avec un nouvel enrichissement de la technique de danse. La tendance générale du développement du théâtre de ballet au XVIIIe siècle. - le désir d'autodétermination, la création d'un spectacle complet dont le contenu s'exprimerait à travers la pantomime et la danse. Cependant, les formes anciennes furent préservées au cours du XVIIIe siècle, notamment sur la scène de l'Académie Royale de Musique, suscitant les critiques des pédagogues (D. Diderot et autres). Au début. 18ème siècle c'étaient des pastorales galantes, des années 30. - opéras et ballets comp. J. F. Rameau (« L'Inde galante », 1735), où la danse apparaît encore sous forme de sorties vaguement liées à l'intrigue. Dans ces représentations, des interprètes virtuoses sont devenus célèbres : le danseur M. Camargo, le danseur L. Dupre, le frère et la sœur Lani. Tentatives de transmettre le drame à travers la danse. le contenu a été esquissé dans l'art du danseur F. Prévost (pantomime sur l'intrigue d'un épisode des « Horaces » de P. Corneille sur la musique de J. J. Mouret, 1714 ; « Personnages de la Danse » sur la musique de J. F. Rebel , 1715) et surtout M. Salle qui, en collaboration avec la Royal Academy of Music également à Londres, y montra des « actions dramatiques » dans l'Antiquité. thèmes ("Pygmalion", 1734).

Sous l'influence des idées des Lumières, chez les figures les plus progressistes du théâtre de ballet, le divertissement cède la place à « l'imitation de la nature », qui présuppose le naturel des personnages et la vérité des sentiments. Ces expériences eurent cependant du mal à pénétrer sur la scène de la Royal Academy of Music. Les activités du grand réformateur du théâtre de ballet J. J. Novera se déroulent en dehors de ce théâtre et en partie hors de France (Stuttgart, Vienne, Londres). Les principes de la réforme du théâtre de ballet ont été énoncés par Nover sous forme théorique. ouvrage "Lettres sur la danse et les ballets" (1ère éd., 1760). Les ballets qu'il créait sous l'influence des idées des Lumières n'étaient pas un spectacle divertissant, mais du théâtre sérieux. performances, souvent basées sur des tragédies classiques. Ils étaient intègres, les actions et les expériences des personnages étaient exprimées au moyen de la chorégraphie (principalement la pantomime), sans la participation des mots. A la Royal Academy of Music, en 1776-78, furent mis en scène «Médée et Jason» et «Appeles et Campaspe» de Rodolphe, «Horace» de Granier et «Knick-knacks» de Mozart. En 2ème mi-temps. 18ème siècle nombre de chorégraphes ont mené leurs expériences au théâtre parisien de la Comédie italienne et dans les théâtres de Lyon et de Bordeaux. Disciple de Nover, J. Dauberval travaille à Bordeaux, créateur d'un nouveau type de comédie-ballet ("Vaine Précaution", 1789). En con. 18ème siècle Les danseurs M. Guimard, M. Allard, A. Heinel, Théodore, et les danseurs G. Vestris, M. et P. Gardel, Dauberval sont devenus célèbres.

Depuis les années 80 18ème siècle jusque dans les années 20 19ème siècle La troupe de l'Académie de Musique (qui changea plusieurs fois de nom en 1789-1814) était dirigée par P. Gardel. Le répertoire comprenait ses ballets (« Télémaque » et « Psyché » de Miller, 1790 ; « Dancemania » de Megul, 1800 ; « Paul et Virginie » de Kreutzer, 1806) et des ballets de L. Milon (« Nina » sur la musique de Persuy d'après Daleyrak, 1813 ; "Carnaval vénitien" sur la musique de Persuy d'après Kreutzer, 1816). Dans les années 20 Il y eut des ballets de J. Ohmer : « Vaine Précaution » d'Hérold d'après Dauberval (1828), « La Sonnambula » d'Hérold (1827), « Manon Lescaut » d'Halévy (1830). Des artistes des années 1780-1810. O. Vestris était particulièrement célèbre dans les années 10-20. - les danseurs M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, danseur L. Duport. Au cours de ces années, la technique de danse a radicalement changé : non pas des mouvements de rotation et de saut fluides, gracieux, mais virtuoses, les mouvements sur les demi-doigts sont devenus prédominants. Quand dans les années 30. Le théâtre de ballet a été influencé par les idées du romantisme, ces techniques ont acquis un nouveau contenu. Dans les représentations de F. Taglioni, mises en scène pour sa fille M. Taglioni ("La Sylphide", 1832 ; "Vierge du Danube", 1836), ch. Les personnages étaient fantastiques. créatures mourant au contact de la réalité. Un nouveau style de danse y a été développé, basé sur des mouvements aériens et la technique de la danse sur pointes, créant une sensation d'apesanteur. Dans les années 30-50. le ballet en France atteint son plus haut niveau. L'un des plus importants. prod. Cette mise en scène a été mise en scène par J. Coralli et J. Perrault « Giselle » (1841). Répertoire de l'Académie de Musique des années 40-50. consistait en romantique ballets Coralli ("Tarantule" de C. Gide, 1839 ; "Peri", 1843) et J. Mazilier ("Paquita", 1846 ; "Corsaire", 1856). Parallèlement, Perrault interprète ses meilleurs ballets hors de France (principalement à Londres, mais interprétés par des artistes français) - « Esmeralda » (1844), « Catarina, la fille du voleur » (1846), etc. l'art des poètes romantiques de l'époque révolutionnaire. des ascenseurs qui ont influencé le public héroïque. pathos, force des passions. L'action intense a abouti à un point culminant. moments de danse développée, une attention particulière a été accordée à la danse caractéristique. F. Elsler y eut un grand succès. D'autres romantiques célèbres se sont également produits en France. danseurs - C. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Pratique et théorie du romantisme. le ballet se reflète dans les œuvres de F. A. J. Castille-Blaz et de T. Gautier, qui est également l'auteur de plusieurs scénarios.

Avec le déclin du romantisme (années 70-90 du XIXe siècle), le ballet a perdu contact avec les idées de la modernité. Productions de A. Saint-Léon au Conservatoire de Musique dans les années 60. attiré par la richesse de la danse et l'abondance des performances scéniques. effets ("Nemea" de Minkus, etc.). Le meilleur ballet de Saint-Léon est Coppélia (1870). En 1875, la troupe de théâtre commença à travailler dans un nouveau bâtiment construit par un architecte. S. Garnier, et le nom du ballet de l'Opéra de Paris s'est imposé derrière elle. Mais l'art du ballet dans les années 80-90. 19ème siècle dégradé. À l'Opéra de Paris, le ballet devient un appendice du spectacle d'opéra. Un appel aux ballets des compositeurs L. Delibes (Sylvia, mise en scène Meranta, 1876), E. Lalo (Namuna, mise en scène L. Petipa, 1882), A. Messager (Deux Colombes, mise en scène Meranta, 1886) n'a pas été fait. changer de position. Performances de Merant dans les années 70-80, I. Hansen dans les années 90. et au début 20ième siècle (« Maladette » de Vidal, 1893 ; « Bacchus » de Duvernoy, 1905) n'obtinrent pas de succès, malgré la participation du remarquable danseur K. Zambelli. La renaissance du ballet en France s'est produite sous l'influence des Russes et a été associée aux saisons russes, que S. P. Diaghilev a organisées à Paris à partir de 1908 (la première représentation du ballet en 1909), ainsi qu'aux activités du Ballet russe Diaghilev. Troupe de ballet qui s'est produite en France en 1911-29. De nombreux artistes et chorégraphes qui ont travaillé ici ont ensuite été associés aux Français. théâtre de ballet : M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. D’autres Russes ont également eu une influence. troupes et artistes : la troupe de I. L. Rubinstein (1909-11 et dans les années 20), pour laquelle C. Debussy a écrit ("Le Martyre de Saint-Sébastien", ballet. Rubinstein, 1911) et M. Ravel ("Boléro", ballet. Nijinska, 1928); N.V. Trukhanov, pour qui I.N. Khlyustin, qui a également travaillé à l'Opéra de Paris, a mis en scène. Russie. les troupes se tournent vers la musique française. comp. (Ravel, Debussy, Ducbé, dans les années 20 - compositeurs des Six), des décors français ont été créés pour leurs interprétations. artistes (P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, J. Rouault, etc.). Après la 1ère Guerre mondiale, pl. russe. des artistes ont ouvert des écoles de ballet à Paris, qui ont formé plus d'une génération de Français. artistes. Le directeur de l'Opéra de Paris (1910-44) J. Roucher, cherchant à élever le niveau du ballet, invita au théâtre des artistes de premier plan (L. S. Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breuer, M. Detom), Russe. artistes, chorégraphes. Une certaine reprise des activités du ballet de l'Opéra a commencé dans les années 10-20. Un certain nombre de performances postent. L. Stats ("Abeilles" sur la musique de Stravinsky, 1917 ; "Sidalis et Satyr" de Piernet, 1923), Fokine ("Daphnis et Chloé", 1921), O. A. Spesivtseva ont été invités. Après 1929, sur la base de l’entreprise de Diaghilev, un certain nombre d’entreprises russo-françaises furent créées. groupes de ballet : "Balle Russe de Monte Carlo" et autres. En 1930-59 (séjour 1944-47), la troupe de l'Opéra était dirigée par S. Lifar, qui mettait en scène St. 50 représentations. Ses activités étaient d'une grande importance pour les Français. ballet, qui a retrouvé son prestige d'antan. Le répertoire de l'Opéra a été entièrement renouvelé. De grands compositeurs, artistes et scénaristes ont participé à la création de ballets. Lifar utilise pour ses mises en scène des sujets anciens, bibliques et légendaires, les interprétant parfois symboliquement : « Icare » aux rythmes de Sifer (1935, repris en 1962 avec des décors de P. Picasso), « Jeanne de Tsarisse » d'Egka (1942) , « Phèdre » d'Orika (1950, scénario et décor de J. Cocteau), « Visions » de Sauguet (1947), « Mariage fantastique » de Delannoy (1955). De ses contemporains plus âgés, les chorégraphes de l'entreprise de Diaghilev, Lifar a adopté les traditions de la dramaturgie du ballet de Fokine et les traditions de la chorégraphie du XIXe siècle, où le principal moyen d'expression était le classique. danse. Danse Il modernise le langage et construit les images sur des principes rationnels plutôt qu’émotionnels (« néoclassicisme » de Lifar). Plus d'une génération de Français a été élevée grâce à ses performances. artistes : danseurs S. Schwartz, L. Darsonval, I. Chauvire, M. Lafon, K. Vossar, L. Deide, C. Bessi ; danseurs M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Cependant, la rhétorique abstraite caractérise les ballets de Lifar, la perte du lien avec les temps modernes. la réalité, particulièrement visible après la Seconde Guerre mondiale (1939-45), provoqua à cette époque un mécontentement. De jeunes artistes, à la recherche de nouvelles voies et rapprochant l'art de la modernité, ont commencé à travailler en dehors de l'Opéra, dont Lifar limitait le répertoire à ses propres productions. R. Petit crée les troupes du Ballet des Champs-Élysées (1945-51) et du Ballet de Paris (1948-67, avec interruptions), où il met en scène les ballets « Comédiens errants » de Soget (1945), « Jeune homme et la mort »en musique. J. S. Bach (1946), "Carmen" en musique. Bizet (1949), "Le Loup" de Dutilleux (1953). Plus tard (dans les années 60-70), parmi ses meilleures œuvres figurent « Notre Dame de Paris » (1965, Opéra de Paris) et « Illuminez les étoiles ! à la musique nationale (1972, "Ballet de Marseille"). Petit travaille dans le genre dramatique. ballet (J. Anouilh en a écrit plusieurs scénarios), tantôt tourné vers la tragédie, tantôt, surtout au début, vers la comédie burlesque, mais toujours construit sur des personnages vivants et mêlant danse. formes avec le vocabulaire quotidien. Dans les meilleurs ballets, il aborde les conflits qui reflètent les véritables contradictions de la vie et les résout de manière humaniste. plan (rejet de la fatalité du mal, force morale, foi en l'homme). Aux côtés de Petit lui-même, les danseurs N. se sont produits dans ses troupes. Vyrubova, R. Jeanmer, E. Pagava, N. Philippart, C. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, les danseurs J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. Dans les années 50 D'autres troupes naissent, où des recherches sont menées dans le domaine de l'actualisation des thèmes et de la danse. langue : Ballet de France et autres troupes de J. Charre, "Balle de l'Aigual" sous la direction de M. Béjart. Béjart, malgré le fait que depuis 1960 il devient chef de la troupe bruxelloise du Ballet du XXe siècle, est l'un des principaux chorégraphes français. Il voit dans l'art chorégraphique un moyen d'exprimer son attitude face aux problèmes de la vie, tantôt directement, tantôt sous un aspect philosophique ou mystique. Le chorégraphe montre un intérêt particulier pour la philosophie orientale, le théâtre oriental formes et danses (ballet « Bakti » sur musique indienne, 1968. Il crée de nouvelles formes de spectacle chorégraphique : une sorte de « théâtre total » avec une prédominance de chorégraphie (« Les Quatre Fils d'Emon » sur musique combinée, 1961), des ballets avec texte verbal (« Baudelaire » sur musique et poésie combinées, 1968 ; « Notre Faust » « sur musique combinée, 1975), performances monumentales dans les arènes sportives et les cirques (« La Neuvième Symphonie » sur la musique de L. Beethoven, 1964). Il met en scène ses propres éditions de ballets célèbres : "Le Sacre du Printemps", 1959 ; "Boléro", 1961 ; "L'Oiseau de feu", 1970. Un sens aigu de la modernité rapproche les ballets de Béjart d'un public jusqu'alors étranger à cet art, notamment les jeunes. personnes.

Dans les années 70 L'Opéra de Paris subit une réorganisation. Deux tendances se dessinent ici : d'une part, inclure dans le répertoire des ballets éprouvés d'éminents chorégraphes (Balanchine, Robbins, Petit, Béjart, Alicia Alonso, Grigorovitch) et restaurer les ballets canoniques. les éditions de ballets anciens ("La Sylphide" et "Coppelia" édités par P. Lakota) offrent en revanche l'occasion d'expérimenter avec les jeunes Français. chorégraphes (F. Blaska, N. Shmuki) et étrangers, incl. représentants de la danse moderne (G. Tetley, J. Butler, M. Cunningham). Le Groupe Opera a été créé en 1974. recherches à portée de main. L'Américain K. Carlson. S'éloignant de l'académisme habituel, l'Opéra de Paris suit la tendance générale des Français. ballet, où l'intérêt pour le théâtre le plus récent a augmenté. formes. Dans les années 60-70. Beaucoup de gens travaillaient en France. troupes de ballet : « Gran Ballet du Mark de Cuevas » (1947-62), axé sur le répertoire traditionnel, attirant des interprètes célèbres (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov) ; Ballet Contemporain de Paris (ballet de F. et D. Dupuis, depuis 1955), Théâtre de Danse Français de J. Lazzini (1969-71), Ballet de Félix Blaschi (depuis 1969, depuis 1972 à Grenoble), National. musique de ballet jeunesse de France (ballet Lacôte, de 1963 à la fin des années 60), troupe de ballet sous la direction de. J. Russillo (depuis 1972), Théâtre du Silence (depuis 1972). De nombreuses troupes travaillent en province : Ballet Théâtre Moderne (ballet. F. Adre, depuis 1968 à Amiens, depuis 1971 à Angers), Ballet de Marseille (ballet. Petit, depuis 1972), Ballet du Rhin (depuis 1972 à Strasbourg, ballet P. van Dijk depuis 1974), aux opéras de Lyon (ballet de V. Biagi), de Bordeaux (ballet de Skuratov). Solistes phares des années 60-70 : J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfou, R. Briand, D. Ganiot, J. Gizerix, M. Denard, A. Labis, K. Mot, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Thesmar, N. Thibon, J. P. Franchetti.

Ecole de l'Opéra de Paris. en 1713 (depuis 1972 son directeur est K. Bessi). A Paris depuis les années 20. 20ième siècle De nombreuses personnes travaillaient. écoles privées : M. F. Kshesinskaya, O. I. Preobrazhenskaya, L. N. Egorova, A. E. Volinin, H. Lander, B. Knyazev, M. Gube et autres. Le Centre de danse classique a été ouvert à Cannes en 1962 (fondé par R. Hightower). Des festivals de danse annuels ont lieu à Paris depuis 1963 ; la danse occupe une grande place au festival d'Avignon, etc.

Parmi les revues de ballet : "Archives internationales de la danse" (1932-36), "Tribune de la danse" (1933-39), "Art et danse" (depuis 1958), "Toute la danse et la musique" (depuis 1952 ), "Danse et rythmes" (depuis 1954), "Les saisons de la danse" (depuis 1968).

Les chercheurs et critiques les plus célèbres (XXe siècle) : A. Prunier, P. Tyugal, F. Reina, P. Michaud, L. Vaia, M. F. Christou, I. Lidova, Y. Sazonova, A. Livio, Zh. K. Dieni, A.F. Ersen. Lifar a écrit plus de 25 livres.

Ballet. Encyclopédie, SE, 1981

ballet français BALLET FRANÇAIS. En France aux Âges comparés, la danse faisait partie de la danse populaire. jeux et église festivités Du 14ème siècle il était inclus dans les montagnes. représentations théâtrales et intermèdes de palais, parfois sous forme de scènes d'insertion. Au XVe siècle Des "Momerias" avec danses étaient exécutées lors de tournois et de festivals. Prof. la danse aux siècles comparés s'est développée sur une base folklorique dans l'art des jongleurs. Une autre source de ce phénomène était la danse de salon (bassdans) lors des festivités du palais. Sur la base de diverses animations festives, la forme du spectacle finalisée a été formée. 16e siècle nom "ballet". Organisateurs de festivités du palais, italiens. maîtres de danse qui maîtrisaient la culture établie en Italie au XVIe siècle. danse école, étaient metteurs en scène de spectacles. Le «Ballet des ambassadeurs polonais» (1573) et le «Ballet comique de la reine» (1581), mis en scène par Baltazarini di Belgioioso (Balthazar de Beaujoyeux), sont devenus les premiers exemples à part entière d'un nouveau genre de spectacle avec un développement séquentiel action qui comprenait des mots, de la musique et de la danse.

Tout au long du XVIIe siècle. Le développement du « ballet de cour » a pris plusieurs années. étapes. En 160010 il s'agissait de « ballets masqués » (« Mascarade de la Foire Saint-Germain », 1606), en 16101620 des « ballets mélodramatiques » avec chant, basés sur la mythologie. histoires et productions littérature (« Le Ballet des Argonautes », 1614 ; « La Folie de Roland », 1618), dura alors jusqu'à la fin. 17ème siècle "ballets en sorties" ("Ballet Royal de la Nuit", 1653). Leurs interprètes étaient des courtisans (en 165170 le roi Louis XIV) et le prof. danseurs "baladens". Dans les années 1660-70. Molière avec comp. J. B. Lully et le ballet. P. Beauchamp crée le genre de la « comédie-ballet » (« Le Bourgeois dans la noblesse », 1670), où la danse est dramatisée et imprégnée des temps modernes. contenu. En 1661, Beauchamp dirigea la Royal Academy of Dance (qui existait jusqu'en 1780), conçue pour réglementer les formes et la terminologie de la danse classique, qui commença à se développer vers un système classique. danse. Le musée a été fondé en 1669 et ouvert en 1671. t-r Royal Academy of Music, dirigée par Lully en 1672. Dans ses opéras (« tragédies lyriques »), qui remplacent progressivement le ballet de cour, la danse occupe une place subordonnée. Mais à l'intérieur du spectacle, il y avait un processus de professionnalisation de la danse, peaufinant ses formes dans l'art de Beauchamp, du danseur G. L. Pekur et du prof. danseurs (et autres.>.), qui apparurent pour la première fois en 1681 dans le ballet "Le Triomphe de l'Amour" de Lully. K con. 17ème siècle les réalisations de la chorégraphie se reflètent dans la théorie œuvres de K. F. Ménétrier (« Sur les ballets anciens et modernes selon les lois du théâtre », 1682) et de R. Feuillet (« Chorégraphie et art d'enregistrer la danse », 1700). Au tournant des XVIIe-XVIIIe siècles. Les danseurs N. Blondie et J. Balon ainsi que le danseur M. T. de Subligny se font connaître.

Musique t-r 2ème étage. 17-18 siècles était classique, mais dans le ballet, en raison de son lent développement, les traits baroques ont été conservés pendant longtemps. Les performances restaient luxuriantes et encombrantes, manquant d'unité stylistique.

Au début du XVIIIe siècle. Il y avait des signes de stagnation dans le contenu idéologique et figuratif du ballet avec un nouvel enrichissement de la technique de danse. La tendance générale du développement du ballet au XVIIIe siècle. le désir d'autodétermination, la création d'un spectacle complet dont le contenu s'exprimerait à travers la pantomime et la danse. Cependant, les formes anciennes furent préservées au cours du XVIIIe siècle, notamment sur la scène de l'Académie Royale de Musique, suscitant les critiques des Lumières (D. Diderot et autres). Au début. 18ème siècle c'étaient des pastorales galantes, des années 30. opéras et ballets comp. J. F. Rameau (« L'Inde galante », 1735), où la danse apparaît encore sous forme de sorties vaguement liées à l'intrigue. Dans ces représentations, des interprètes virtuoses sont devenus célèbres : le danseur M. Camargo, le danseur L. Dupre, le frère et la sœur Lani. Tentatives de transmettre le drame à travers la danse. le contenu a été esquissé dans l'œuvre du danseur F. Prévost (pantomime sur l'intrigue d'un épisode des « Horaces » de P. Corneille sur la musique de J. J. Mouret, 1714 ; « Personnages de la Danse » sur la musique de J. F. Rebel, 1715) et surtout M. Salle, travaillant avec la Royal Academy of Music également à Londres, y montèrent des « actions dramatiques » dans l'Antiquité. thèmes ("Pygmalion", 1734).

Sous l'influence des idées des Lumières, chez les figures les plus progressistes du ballet, le divertissement cède la place à « l'imitation de la nature », qui présuppose le naturel des personnages et la vérité des sentiments. Ces expériences eurent cependant du mal à pénétrer sur la scène de la Royal Academy of Music. Les activités du grand réformateur de l'école de ballet J. J. Novera se déroulent en dehors de cette école et en partie hors de France (Stuttgart, Vienne, Londres). Les principes de la réforme du ballet ont été énoncés par Nover sous forme théorique. ouvrage "Lettres sur la danse et les ballets" (1ère éd., 1760). Les ballets qu'il créait sous l'influence des idées des Lumières n'étaient pas un spectacle divertissant, mais du théâtre sérieux. performances, souvent basées sur des tragédies classiques. Ils étaient intègres, les actions et les expériences des personnages étaient exprimées au moyen de la chorégraphie (principalement la pantomime), sans la participation des mots. A la Royal Academy of Music, en 177678, furent mis en scène «Médée et Jason» et «Appeles et Campaspe» de Rodolphe, «Horace» de Granier et «Knick-knacks» de Mozart. En 2ème mi-temps. 18ème siècle nombre de chorégraphes ont mené leurs expériences au théâtre parisien de la Comédie italienne et dans les théâtres de Lyon et de Bordeaux. Disciple de Novera, J. Dauberval, travaille à Bordeaux, créateur d'un nouveau type de comédie-ballet (« Une vaine précaution », 1789). En con. 18ème siècle Les danseurs M. Guimard, M. Allard, A. Heinel, Théodore, et les danseurs G. Vestris, M. et P. Gardel, Dauberval sont devenus célèbres.

Depuis les années 80 18ème siècle jusque dans les années 20 19ème siècle La troupe de l'Académie de Musique (qui changea plusieurs fois de nom en 1789-1814) était dirigée par P. Gardel. Le répertoire comprenait ses ballets (« Télémaque » et « Psyché » de Miller, 1790 ; « Dancemania » de Megul, 1800 ; « Paul et Virginie » de Kreutzer, 1806) et des ballets de L. Milon (« Nina » sur la musique de Persuy d'après Daleyrak, 1813 ; "Carnaval vénitien" sur la musique de Persuy d'après Kreutzer, 1816). Dans les années 20 Il y eut des ballets de J. Ohmer : « Vaine Précaution » d'Hérold d'après Dauberval (1828), « La Sonnambula » d'Hérold (1827), « Manon Lescaut » d'Halévy (1830). Des artistes des années 1780 et 1810. O. Vestris était particulièrement célèbre dans les années 10-20. danseurs M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, danseur L. Duport. Au cours de ces années, la technique de danse a radicalement changé : non pas des mouvements de rotation et de saut fluides, gracieux, mais virtuoses, les mouvements sur les demi-doigts sont devenus prédominants. Quand dans les années 30. le ballet étant influencé par les idées du romantisme, ces techniques acquièrent un nouveau contenu. Dans les représentations de F. Taglioni, mises en scène pour sa fille M. Taglioni ("La Sylphide", 1832 ; "Vierge du Danube", 1836), ch. Les personnages étaient fantastiques. créatures mourant au contact de la réalité. Un nouveau style de danse y a été développé, basé sur des mouvements aériens et la technique de la danse sur pointes, créant une sensation d'apesanteur. Dans les années 30-50. le ballet en France atteint son plus haut niveau. L'un des plus importants. prod. Cette mise en scène a été mise en scène par J. Coralli et J. Perrault « Giselle » (1841). Répertoire de l'Académie de Musique des années 40 et 50. consistait en romantique ballets Coralli ("Tarantule" de C. Gide, 1839 ; "Peri", 1843) et J. Mazilier ("Paquita", 1846 ; "Corsaire", 1856). Parallèlement, Perrault interprète ses meilleurs ballets hors de France (principalement à Londres, mais interprétés par des artistes français) « Esmeralda » (1844), « Catarina, la fille du voleur » (1846), etc. l'art des poètes romantiques de l'époque révolutionnaire. ascenseurs, qui ont influencé héroïquement le public. pathos, force des passions. L'action intense a abouti à un point culminant. moments de danse développée, une attention particulière a été accordée à la danse caractéristique. F. Elsler y eut un grand succès. D'autres se sont également produits en France. célèbre romantique danseurs C. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Pratique et théorie du romantisme. le ballet se reflète dans les œuvres de F. A. J. Castille-Blaza et de T. Gautier, qui est également l'auteur de plusieurs scénarios.

Avec le déclin du romantisme (années 70-90 du XIXe siècle), le ballet perd contact avec les idées de modernité. Productions de A. Saint-Léon au Conservatoire de Musique dans les années 60. attiré par la richesse de la danse et l'abondance des performances scéniques. effets (« Nemea » de Min-kus et autres.>.). Le meilleur ballet de Saint-Léon "Coppelia" (1870). En 1875, la troupe de théâtre commença à travailler dans un nouveau bâtiment construit par un architecte. S. Garnier, et le nom du ballet de l'Opéra de Paris s'est imposé derrière elle. Mais l'art du ballet dans les années 80-90. 19ème siècle dégradé. À l'Opéra de Paris, le ballet devient un appendice du spectacle d'opéra. Un appel aux ballets des compositeurs L. Delibes (Sylvia, mise en scène Meranta, 1876), E. Lalo (Namuna, mise en scène L. Petipa, 1882), A. Messager (Deux Colombes, mise en scène Meranta, 1886) n'a pas été fait. changer de position. Représentations de Merant dans les années 70 et 80, de I. Hansen dans les années 90. et au début 20ième siècle (« Maladette » de Vidal, 1893 ; « Bacchus » de Duvernoy, 1905) n'obtinrent pas de succès, malgré la participation du remarquable danseur K. Zambelli. La renaissance du ballet en France s'est produite sous l'influence des Russes et a été associée aux saisons russes, que S. P. Diaghilev a organisées à Paris à partir de 1908 (la première représentation du ballet en 1909), ainsi qu'aux activités du Ballet russe Diaghilev. Troupe de ballet qui s'est produite en France en 191129. De nombreux artistes et chorégraphes qui ont travaillé ici ont ensuite été associés aux Français. professeurs de ballet : M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nijinska, J. Balanchine, S. Lifar. D’autres ont également eu un impact. russe. troupes et artistes : la troupe de I. L. Rubinstein (1909-11 et dans les années 20), pour laquelle C. Debussy ("Le Martyre de Saint-Sébastien", ballet. Rubinstein, 1911) et M. Ravel ( "Boléro", ballet par Nijinska, 1928); N.V. Trukhanov, pour lequel il a été mis en scène par I.N. Khlyustin, qui a également travaillé à l'Opéra de Paris. Russie. les troupes se tournent vers la musique française. comp. (Ravel, Debussy, Dukas, dans les années 20, compositeurs des « Six »), un décor français a été créé pour leurs performances. artistes (P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, J. Rouault et autres.). Après la 1ère Guerre mondiale, pl. russe. des artistes ont ouvert des écoles de ballet à Paris, qui ont formé plus d'une génération de Français. artistes. Le directeur de l'Opéra de Paris (191044) J. Roucher, cherchant à élever le niveau du ballet, invita au théâtre des artistes de premier plan (L. S. Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breuer, M. Detom), russe. artistes, chorégraphes. Un certain renouveau des activités du ballet de l'Opéra s'amorce dans les années 10-20. Un certain nombre de performances postent. L. Stats ("Abeilles" sur la musique de Stravinsky, 1917 ; "Sidalis et Satyr" de Piernet, 1923), Fokine ("Daphnis et Chloé", 1921), O. A. Spesivtseva ont été invités. Après 1929, sur la base de l’entreprise de Diaghilev, un certain nombre d’entreprises russo-françaises furent créées. compagnies de ballet : "Balle Russe de Monte Carlo" et autres. En 193059 (pause 194447), la troupe de l'Opéra était dirigée par S. Lifar, qui mettait en scène St. 50 représentations. Ses activités étaient d'une grande importance pour les Français. ballet, qui a retrouvé son prestige d'antan. Le répertoire de l'Opéra a été entièrement renouvelé. De grands compositeurs, artistes et scénaristes ont participé à la création de ballets. Lifar utilise pour ses mises en scène des sujets anciens, bibliques et légendaires, les interprétant parfois symboliquement : « Icare » aux rythmes de Sifer (1935, repris en 1962 avec des décors de P. Picasso), « Jeanne de Tsarisse » d'Egka (1942) , « Phèdre » d'Orika (1950, scénario et décor de J. Cocteau), « Visions » de Sauguet (1947), « Mariage fantastique » de Delannoy (1955). De ses contemporains plus âgés, les chorégraphes de l'entreprise de Diaghilev, Lifar a adopté les traditions de la dramaturgie du ballet de Fokine et les traditions de la chorégraphie du XIXe siècle, où le principal moyen d'expression était le classique. danse. Danse Il modernise le langage et construit les images sur des principes rationnels plutôt qu’émotionnels (« néoclassicisme » de Lifar). Plus d'une génération de Français a été élevée grâce à ses performances. artistes : danseurs S. Schwartz, L. Darsonval, I. Chauvire, M. Lafon, K. Vossar, L. Deide, C. Bessi ; danseurs M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Cependant, la rhétorique abstraite caractérise les ballets de Lifar, la perte du lien avec les temps modernes. la réalité, particulièrement visible après la Seconde Guerre mondiale de 1939-45, provoqua à cette époque un mécontentement. De jeunes artistes, à la recherche de nouvelles voies et rapprochant l'art de la modernité, ont commencé à travailler en dehors de l'Opéra, dont Lifar limitait le répertoire à ses propres productions. R. Petit crée les troupes du Ballet des Champs-Élysées (1945-51) et du Ballet de Paris (194867, avec interruptions), où il met en scène les ballets « Comédiens errants » de Soget (1945), « Le Jeune homme et la mort » pour musique. J. S. Bach (1946), "Carmen" en musique. Bizet (1949), "Le Loup" de Dutilleux (1953). Plus tard (dans les années 60 et 70), parmi ses meilleures œuvres figurent « Notre Dame de Paris » (1965, Opéra de Paris) et « Illuminez les étoiles ! à la musique nationale (1972, "Ballet de Marseille"). Petit travaille dans le genre dramatique. ballet (J. Anouilh en a écrit plusieurs scénarios), tantôt tourné vers la tragédie, tantôt, surtout au début, vers la comédie burlesque, mais toujours construit sur des personnages vivants et mêlant danse. formes avec le vocabulaire quotidien. Dans les meilleurs ballets, il aborde les conflits qui reflètent les véritables contradictions de la vie et les résout de manière humaniste. plan (rejet de la fatalité du mal, force morale, foi en l'homme). Aux côtés de Petit lui-même, les danseurs N. se sont produits dans ses troupes. Vyrubova, R. Jeanmer, E. Pagava, N. Philippart, C. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, les danseurs J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. Dans les années 50 d’autres surgirent. troupes où des recherches ont été menées dans le domaine de l'actualisation des thèmes et de la danse. langue : Ballet de France et autres. troupe de J. Charre, "Balle de l'Aigual" sous la direction de M. Béjart. Béjart, bien qu'il soit devenu depuis 1960 à la tête de la troupe bruxelloise du Ballet du XXe siècle, est l'un des principaux Chorégraphes français. Il considère la chorégraphie dans l'art comme un moyen d'exprimer une attitude face aux problèmes de la vie, parfois directement, parfois sous un aspect philosophique ou mystique. Le chorégraphe montre un intérêt particulier pour la philosophie orientale, les formes théâtrales orientales et la danse (ballet "Bakti" à la musique indienne, 1968). Il crée de nouvelles formes de spectacle chorégraphique : type de « théâtre total » avec une prédominance de chorégraphie (« Les Quatre Fils d'Emon » sur musique combinée, 1961), ballets à texte verbal (« Baudelaire » à la musique et à la poésie combinées, 1968 ; "Notre Faust" à la musique combinée, 1975), des performances monumentales dans les arènes sportives et les cirques ("La Neuvième Symphonie" sur la musique de L. Beethoven, 1964). Il a mis en scène ses propres éditions de ballets célèbres : "Le Sacre du Printemps", 1959 ; "Boléro", 1961 ; "Chaleur"-oiseau", 1970. Un sens aigu de la modernité rapproche les ballets de Béjart d'un public jusqu'alors étranger à cet art, notamment les jeunes.

Dans les années 70 L'Opéra de Paris subit une réorganisation. Deux tendances se dessinent ici : d'une part, inclure dans le répertoire des ballets éprouvés d'éminents chorégraphes (Balanchine, Robbins, Petit, Béjart, Alicia Alonso, Grigorovitch) et restaurer les ballets canoniques. les éditions de ballets anciens ("La Sylphide" et "Coppelia" édités par P. Lakota) offrent en revanche l'occasion d'expérimenter avec les jeunes Français. chorégraphes (F. Blaska, N. Shmuki) et étrangers, incl. représentants de la danse moderne (G. Tetley, J. Butler, M. Cunningham). Le Groupe Opera a été créé en 1974. recherches à portée de main. L'Américain K. Carlson. S'éloignant de l'académisme habituel, l'Opéra de Paris suit la tendance générale des Français. ballet, où l'intérêt pour le théâtre le plus récent a augmenté. formes.

Dans les années 60-70. Beaucoup de gens travaillaient en France. troupes de ballet : « Gran Ballet du Mark de Cuevas » (194762), axées sur le répertoire traditionnel, attirant des interprètes célèbres (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov) ; Ballet Contemporain de Paris (ballet de F. et D. Dupuis, depuis 1955), Théâtre de Danse Français de J. Lazzini (196971), Ballet de Félix Blaschi (depuis 1969, depuis 1972 à Grenoble), National. musique de ballet jeunesse de France (ballet Lacôte, de 1963 à la fin des années 60), troupe de ballet sous la direction de. J. Russillo (depuis 1972), Théâtre du Silence (depuis 1972). De nombreuses troupes travaillent en province : Ballet Théâtre Moderne (ballet. F. Adre, depuis 1968 à Amiens, depuis 1971 à Angers), Ballet de Marseille (ballet. Petit, depuis 1972), Ballet du Rhin (depuis 1972 à Strasbourg, ballet P. van Dijk depuis 1974), aux opéras de Lyon (ballet de V. Biagi), de Bordeaux (ballet de Skuratov). Solistes phares des années 60-70 : J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfou, R. Briand, D. Ganiot, J. Gizerix, M. Denard, A. Labis, C. Mot, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Thesmar, N. Thibon, J. P. Franchetti.

Ecole de l'Opéra de Paris. en 1713 (depuis 1972 son directeur est K. Bessi). A Paris depuis les années 20. 20ième siècle De nombreuses personnes travaillaient. écoles privées : M. F. Kshesinskaya, O. I. Preobrazhenskaya, L. N. Egorova, A. E. Volinin, X. Lander, B. Knyazev, M. Gube et autres. Le Centre d'études classiques a été ouvert à Cannes en 1962. danse (fondée par R. Hightower). Des festivals de danse annuels ont lieu à Paris depuis 1963 ; la danse occupe une grande place au festival d'Avignon et autres.

Parmi les revues de ballet : "Archives internationales de la danse" (193236), "Tribune de la danse" (193339), "Art et danse" (depuis 1958), "Toute la danse et la musique" (depuis 1952), " Danse et rythmes" (depuis 1954), "Les saisons de la danse" (depuis 1968).

Les chercheurs et critiques les plus célèbres (XXe siècle) : A. Prunier, P. Tyugal, F. Reina, P. Michaud, L. Vaia, M. F. Christou, I. Lidova, Y. Sazonova, A. Livio, Zh. K. Dieni, A.F. Ersen. Lifar a écrit plus de 25 livres.

Lit. : Khudekov S., Histoire des danses, partie 13, Saint-PétersbourgP., 191315 ; Levinson A., Maîtres de Ballet, Saint-Pétersbourg, 1914 ; Sollertinsky I., Vie et œuvre théâtrale de Jean Georges Noverre, dans le livre ; Noverre J. J., Lettres sur la danse, [trad. du français], L., 1927 ; Mokulsky S., Histoire du théâtre d'Europe occidentale, partie 1, M., 1936 ; Classiques de la chorégraphie. [Sb.], L.M., 1937 ; Slonimsky Yu., Maîtres de ballet, M.L., 1937 ; par lui, Dramaturgie du théâtre de ballet du XIXe siècle, M., 1977 ; Iofyev M., Ballet « Grand Opera » à Moscou, dans son livre : Profiles of Art, M., 1965 ; Chistyakova V., Roland Petit, Léningrad, 1977 ; Krasovskaya V., Théâtre de ballet d'Europe occidentale. Essais sur l'histoire. Des origines au milieu du XVIIIe siècle, L., 1979 ; Prunleres H., Le ballet de cour en France avant Benserade et Lully, R., 1914 ; Levinson A., La vie de Noverre, dans l'ouvrage : Noverre J. G., Lettres sur la danse et sur les ballets, R., ; par lui, Marie Taglioni (18041884), R., 1929 ; Beaumont S. W., Trois danseuses françaises du XVIIIe siècle : Camargo, Sallé, Guimard, L., 1935 ; Lifar S., Giselle, apothéose du ballet romantique, R., ; Michaut R., Le ballet contemporain, R., 1950 ; Lidova I., Dix-sept visages de la danse française, R., 1953 ; Kochno V., Le ballet. , R., 1954 ; Reyna F., Des origines du ballet, R., 1955 ; Arout G., La danse contemporaine, R., 1955 ; Ouest I., Le ballet du Second empire, 12, L., 19531955 ; de lui, Le ballet romantique à Paris, L., 1966 ; de lui, Le ballet de l'Opéra de Paris, R., 1976 ; Lobet M., Le ballet français d'aujourd'hui de Lifar à Béjart, Brux., 1958 ; Tugal R., Jean-Georges Noverre. Der große Reformator des Balletts, V., 1959 ; Laurent J., Sazonova J., Serge Lifar, rénovateur du ballet français (1929-1960), R., 1960 ; Christout M. F., Le ballet de cour de Louis XIV, R., 1967 ; idem , Maurice Béjart, R., 1972.

E. Ya. Surits.

Scène du ballet "Triomphe de l'Amour"

Scène du ballet La Sylphide. Balletm. F. Taglioni

"Phèdre." Opéra de Paris. Balletm. S. Lifar

"La jeunesse et la mort" Ballet des Champs Elysées. Balletm. R.Petit

"Oiseau de feu". Opéra de Paris. Balletm. M. Béjar

Ballet. Encyclopédie. - M. : Grande Encyclopédie Soviétique. Rédacteur en chef Yu.N. Grigorovitch. 1981 .

Voyez ce qu'est « ballet français » dans d'autres dictionnaires :

BALLET DU MONDE- Grande Bretagne. Avant la tournée de la troupe de Diaghilev et Anna Pavlova à Londres dans les années 1910-1920, le ballet était présenté en Angleterre principalement par les performances de ballerines célèbres sur les scènes des music-halls, par exemple la Danoise Adeline Genet (1878-1970). )... Encyclopédie de Collier

BALLET AVANT 1900- L'origine du ballet comme spectacle de cour. À la fin du Moyen Âge, les princes italiens accordaient une grande attention aux magnifiques festivités du palais. La danse y occupait une place importante, ce qui a fait naître le besoin de maîtres de danse professionnels.... ... Encyclopédie de Collier

Ballet- Depuis le milieu des années 30. XVIIIe siècle À Saint-Pétersbourg, les représentations de ballets de cour sont devenues régulières. En 1738, la première école de ballet russe fut ouverte à Saint-Pétersbourg (depuis 1779, l'École de théâtre), qui comprenait des cours de ballet (aujourd'hui l'École chorégraphique) ; ... Saint-Pétersbourg (encyclopédie)

Ballet "Giselle"- Giselle (nom complet Giselle, ou Wilis, français Giselle, ou les Wilis) est un ballet pantomime en deux actes sur la musique d'Adolphe Charles Adam. Livret de Théophile Gautier, Vernoy de Saint-Georges et Jean Coralli. Le ballet Giselle a été créé sur la base de l'ancien... ... Encyclopédie des journalistes

Le ballet "L'Oiseau de feu" d'Igor Stravinsky- Le ballet L'Oiseau de Feu est l'une des premières œuvres d'Igor Stravinsky et le premier ballet sur un thème russe réalisé par l'éminent organisateur des saisons russes à Paris, Sergueï Diaghilev. L'idée de créer une œuvre scénique sur un tel thème est née... ... Encyclopédie des journalistes

Pierre Lacotte est danseur et chorégraphe, expert reconnu en chorégraphie ancienne. On l'appelle archéologue de ballet, antiquaire chorégraphique. Il est un restaurateur reconnu de chefs-d'œuvre oubliés des siècles passés.

Pierre Lacotte est né le 4 avril 1932. Il a étudié à l'école de ballet de l'Opéra de Paris et a suivi des cours auprès des grandes ballerines russes - Matilda Kshesinskaya, Olga Preobrazhenskaya, Lyubov Egorova. Il s'entendait particulièrement bien avec son premier professeur Egorova - elle avait une excellente mémoire, elle se souvenait dans les moindres détails des ballets de Marius Petipa et racontait au garçon tous les rôles, principaux et mineurs.

Visite du "Salon Vert" - Pierre Lacotte,

À l'âge de 19 ans, Pierre Lacotte devient le premier danseur du grand théâtre de France. Il a dansé avec des stars comme Yvette Chauvire, Lisette Darsonval, Christian Vossard. A 22 ans, il s'intéresse à la danse moderne, se lance dans la chorégraphie à son compte, abandonne sa carrière de danseur classique et quitte l'Opéra de Paris en 1955. En 1957, il danse au Metropolitan Opera de New York.

Dans la seconde moitié des années cinquante et au début des années soixante, Lacotte dirigea la troupe du Ballet de la Tour Eiffel, qui se produisit au Théâtre des Champs-Élysées, et monta pour elle les représentations « La Nuit le Magicien », « Le Garçon parisien » pour la musique de Charles Aznavour et d'autres. En 1963-1968, il est directeur artistique du Ballet national de la troupe de la Jeunesse musicale française, pour lequel il met en scène « Symphonie simple » sur la musique de Britten, « Hamlet » sur la musique de Walton, « Passions futures » sur la musique de Britten. musique de Lutoslawski. C'est là que la brillante danseuse Ghislaine Thesmar, qui deviendra plus tard l'épouse de Lacotte, fait ses débuts.

"La Sylphide" est le symbole absolu du ballet romantique. C'est dans La Sylphide que la ballerine Maria Taglioni a pour la première fois enfilé des pointes (« non pas pour l'effet, mais pour des raisons figuratives »). L'héroïne de Taglioni apparaissait véritablement comme un être surnaturel, non pas une femme, mais un esprit, défiant les lois de la gravité, lorsque la danseuse « glissait » sur la scène, presque sans toucher le sol, et se figeait un instant dans une arabesque volante, comme si elle est soutenue par une force miraculeuse au bout de son pied cambré. C'est cette Sylphide, mise en scène pour Marie par son père Filippo Taglioni, qui fut soigneusement reprise quinze cents ans plus tard par le chorégraphe français Pierre Lacotte.

En 1971, Lacotte reconstitue de manière inattendue le ballet La Sylphide, mis en scène en 1832 par Philippe Taglioni pour sa légendaire fille. Le spectacle, réalisé pour la télévision, fait sensation, est transféré sur la scène de l'Opéra de Paris en 1972, donne naissance à la mode des ballets d'époque et devient le premier d'une longue série de reprises de Lacotte. La reconstruction n'était pas à cent pour cent - Lacotte ne pouvait pas « s'abaisser » à la technique imparfaite des danseurs de cette époque et mettre toutes les ballerines sur des pointes, bien que dans La Sylphide de 1832, seule Maria Taglioni se tenait sur la pointe des pieds, et c'était joué dans la chorégraphie.

L'intrigue du ballet est basée sur la nouvelle fantastique « Trilby » (1822) de l'écrivain français Charles Nodier. La première du ballet sur la musique du compositeur français Jean Schneizhoffer a eu lieu en 1832 au Grand Opéra de Paris.
Compositeur : J. Schneitzhoffer. Chorégraphe : Pierre Lacotte
Scénographie et costumes : Pierre Lacotte. Opéra Mariinsky. Musique - Cesare Pugni. Chorégraphie - Pierre Lacotte
Acteurs : Ondine - Evgenia Obraztsova, Matteo - Leonid Sarafanov, Janina - Yana Serebryakova, Dame de la Mer - Ekaterina Kondaurova, Deux Ondines - Nadezhda Gonchar et Tatyana Tkachenko.

Le maestro français a travaillé pendant plusieurs années sur le ballet Ondine, un cas rare dans le monde occidental. Cela a commencé avec le fait qu'il est venu à Saint-Pétersbourg à l'invitation de la direction du Théâtre Mariinsky pour négocier ce que Lacotte pourrait mettre en scène dans ce théâtre. Le chorégraphe Nikita Dolgushin a retrouvé la partition ancienne d'Ondine, la version pétersbourgeoise du ballet mis en scène par Jules Perrault en 1851. Lacotte a compris : c'est le destin. Il prend Ondine, commence à réunir les versions de Saint-Pétersbourg et de Londres, à partir de trois scénarios, Perrault en crée un, et le résultat est un ballet loin d'être parfait, mais qui donne une idée de la chorégraphie de celui-là. temps.

En 2001, Lacotte restaure Coppelia d'Arthur Saint-Léon, créé en 1870, pour la compagnie de l'Opéra de Paris. Il jouait lui-même le rôle du vieil excentrique Coppelius.

En 1980, avec l'ensemble du Ballet classique de Moscou, le chorégraphe français met en scène pour Ekaterina Maximova la pièce « Natalie ou la laitière suisse », un autre ballet complètement oublié de Filippo Taglioni.

Mais Lacotte n'est pas un chorégraphe en tournée sans sa propre troupe. En 1985, il devient directeur du Ballet de Monte-Carlo. En 1991, Pierre Lacotte dirige le Ballet d'État de Nancy et de Lorraine. Avec son arrivée, le ballet de la ville de Nancy devient la deuxième troupe classique de France (après l'Opéra de Paris).

Il a acquis les archives de Maria Taglioni et va publier un livre sur cette ballerine légendaire. C'est plein de nouvelles idées...

belcanto.ru ›lacotte.html

Un chorégraphe est un directeur de numéros de danse lors de concerts, de spectacles de ballet, de scènes chorégraphiques lors de spectacles musicaux et dramatiques et le chef d'un ensemble de danse ou d'une troupe de danseurs. C'est lui qui imagine et fait vivre les images des personnages, leurs mouvements, leur plasticité, choisit le matériau musical, et détermine également à quoi doivent ressembler l'éclairage, le maquillage, les costumes et les décors.

Chorégraphe

La force de l'impact émotionnel d'un numéro de danse, d'une scène chorégraphique de théâtre musical et dramatique ou d'un spectacle de ballet dans son ensemble dépend de la beauté et de la précision des mouvements et des interactions des danseurs et des danseurs masculins, de l'expressivité et de l'originalité de leur mouvements, sur la façon dont leurs danses sont combinées avec du matériel musical, de l'éclairage de scène, des costumes et du maquillage - tout cela ensemble crée une image unique de l'ensemble de l'action. Et le chorégraphe est précisément celui qui en est le créateur. Il doit connaître toutes les règles et subtilités de l'art du ballet, son histoire, afin de créer des danses intéressantes à regarder pour les spectateurs et à exécuter par les danseurs. Le réalisateur doit avoir des connaissances, de l'expérience et des capacités d'organisation, avoir une imagination riche, de la fantaisie, être original dans ses idées, avoir du talent, être musical, comprendre la musique, avoir le sens du rythme, être capable d'exprimer des émotions à l'aide de la plasticité - ce sont les éléments qui composent le chorégraphe artistique. Si le réalisateur a tout cela dans son arsenal, alors sa production sera un succès auprès du public et des critiques.

Le mot « chorégraphe » traduit en russe signifie « maître de danse ». Ce métier est difficile, et il demande beaucoup de travail et d’efforts, tant physiques que moraux. Le metteur en scène doit montrer à tous les interprètes leurs rôles, expliquer quelles émotions ils doivent exprimer par la plasticité et les expressions faciales. La difficulté d'un tel travail est aussi que le scénario de la danse ne peut être écrit sur papier : le chorégraphe doit le garder en tête et le montrer aux artistes pour qu'ils apprennent leur rôle. Les danseurs se familiarisent avec le rôle directement lors des répétitions, tandis que les acteurs du théâtre dramatique et musical ont la possibilité de recevoir à l'avance des textes et des partitions. Le chorégraphe doit révéler à l'interprète le contenu de son rôle, en lui montrant ce qu'il faut danser et comment. Et plus le réalisateur démontre son idée à l'artiste de manière expressive, plus son idée sera comprise et assimilée rapidement et facilement.

La tâche du chorégraphe est également de structurer la danse ou l’ensemble du spectacle de manière à maintenir et accroître l’intérêt du public. Les mouvements de danse eux-mêmes ne sont que des exercices mécaniques, un ensemble de poses qui ne diront rien au spectateur, ils démontreront seulement la flexibilité du corps de l'interprète, et ils ne parleront que si le metteur en scène les remplit de pensées et de sentiments et aide le l'artiste y a mis aussi son âme. Le succès du spectacle et la durée de sa « vie » sur scène en dépendront largement. Le tout premier interprète de toutes les danses est le chorégraphe lui-même, car il doit d'abord démontrer ses rôles aux interprètes.

Chorégraphes d'hier et d'aujourd'hui

Chorégraphes célèbres de Russie et du monde des XIXe et XXe siècles :

• Marius Petipa, qui a apporté une contribution immense et inestimable au ballet russe ;
• José Mendez - a été metteur en scène dans de nombreux théâtres célèbres à travers le monde, notamment le Théâtre Bolchoï de Moscou ;
• Filippo Taglioni;
• Jules Joseph Perrault est l'un des plus brillants représentants du « ballet romantique » ;
• Gaetano Gioia - représentant du choréodrame italien ;
• George Balanchine - a jeté les bases du ballet américain, ainsi que du néoclassicisme du ballet moderne, estimait que l'intrigue devait être exprimée exclusivement à travers les corps des danseurs et que les décors et les costumes luxuriants étaient superflus ;
• Mikhaïl Baryshnikov - a apporté une grande contribution à l'art mondial du ballet ;
• Maurice Béjart est l'un des chorégraphes les plus brillants du XXe siècle ;
• Maris Liépa ;
• Pierre Lacotte - a participé à la restauration de chorégraphies anciennes ;
• Igor Moiseev est le créateur du premier ensemble professionnel russe de genre folklorique ;
• Vaslav Nijinsky était un innovateur dans l'art de la chorégraphie ;
• Rudolf Noureev ;

Chorégraphes modernes du monde :

• Jérôme Bel - représentant de l'école de ballet moderne ;
• Angelin Preljocaj est un brillant représentant du nouveau

Chorégraphes russes du 21e siècle :

• Boris Eifman - créateur de son propre théâtre ;
• Alla Sigalova ;
• Lyudmila Semenyaka ;
• Maya Plissetskaïa ;
• Gedeminas Taranda;
• Evgeny Panfilov est le créateur de sa propre troupe de ballet et un passionné du genre de danse libre.

Tous ces chorégraphes russes sont très connus non seulement dans notre pays, mais aussi à l'étranger.

Marius Petipa

Chorégraphe français et russe qui a laissé un immense héritage. En 1847, il entre au service comme chorégraphe au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg et au Théâtre Bolchoï de Moscou, à l'invitation de l'empereur russe. En 1894, il devint sujet de l'Empire russe. Il a été le metteur en scène d'un grand nombre de ballets, tels que « Giselle », « Esmeralda », « Le Corsaire », « La Fille du Pharaon », « Don Quichotte », « La Bayadère », « Le Songe d'une nuit d'été », « La Fille de les Neiges », « Robert le Diable » « et bien d'autres encore. etc.

Roland Petit

Certains chorégraphes célèbres sont considérés comme des classiques du ballet du XXe siècle. Parmi eux, l’une des figures les plus marquantes est Roland Petit. En 1945, il crée sa propre troupe de ballet à Paris, baptisée Ballet des Champs-Élysées. Un an plus tard, il met en scène la célèbre pièce « Le jeune homme et la mort » sur la musique d'I.S. Bach, devenu l'un des classiques de l'art mondial. En 1948, Roland Petit fonde une nouvelle compagnie de ballet appelée le Ballet de Paris. Dans les années 50, il fut directeur de danse pour plusieurs films. En 1965, il met en scène à Paris le légendaire ballet « Notre Dame de Paris », dans lequel il joue lui-même le rôle du bossu Quasimodo ; en 2003, il met en scène cette production en Russie - au Théâtre Bolchoï, où Nikolai Tsiskaridze a dansé le rôle du vilain sonneur de cloches.

Gedeminas Taranda

Gedeminas Taranda est un autre chorégraphe de renommée mondiale. Après avoir obtenu son diplôme de l'école chorégraphique de Voronej, il est soliste au Théâtre Bolchoï de Moscou. En 1994, il fonde son propre « Ballet impérial russe », qui lui confère une renommée mondiale. Depuis 2012, il est dirigeant et co-fondateur de la Fondation pour la promotion de l'éducation créative, président du festival de ballet de Grand Pas. Gedeminas Taranda porte le titre d'artiste émérite de Russie.

Boris Eifman

Un chorégraphe brillant, moderne et original est B. Eifman. Il est le fondateur de son propre théâtre de ballet. Il possède divers titres et récompenses dans le domaine de l'art. Ses premières productions en 1960 furent : « Towards Life » sur la musique du compositeur D.B. Kabalevsky, ainsi que « Icare » sur la musique de V. Arzumanov et A. Chernov. Il est devenu célèbre comme chorégraphe avec le ballet « Firebird » sur la musique du compositeur et dirige son propre théâtre depuis 1977. Les productions de Boris Eifman sont toujours originales, elles sont innovantes, elles combinent une chorégraphie rock académique, inutile et moderne. Chaque année, la troupe part en tournée en Amérique. Le répertoire du théâtre comprend des ballets pour enfants et des ballets rock.

Les ballets français et russe se sont enrichis à plusieurs reprises. Ainsi, le chorégraphe français Roland Petit se considérait comme « l’héritier » des traditions du ballet russe de S. Diaghilev.

Roland Petit est né en 1924. Son père était propriétaire d'un restaurant - son fils a même eu la chance d'y travailler, et plus tard, en souvenir de cela, il a mis en scène un numéro chorégraphique avec un plateau, mais sa mère était directement liée à l'art du ballet : elle a fondé la compagnie Repetto, qui produit des vêtements et des chaussures pour le ballet. À l'âge de 9 ans, le garçon déclare qu'il quittera la maison s'il n'est pas autorisé à étudier le ballet. Après avoir réussi l'examen de l'École de l'Opéra de Paris, il y étudie avec S. Lifar et G. Rico, un an plus tard il commence à se produire en mimance dans des spectacles d'opéra.

Après avoir terminé ses études en 1940, Roland Petit devient danseur du corps de ballet de l'Opéra de Paris, un an plus tard il est choisi comme partenaire par M. Bourg, puis il donne des soirées de ballet avec J. Charra. Lors de ces soirées, de petits numéros sont interprétés dans la chorégraphie de J. Charra, mais ici R. Petit présente sa première œuvre - « Springboard Jump ». En 1943, il interprète le rôle solo du ballet « Love the Sorceress », mais il est plus attiré par le travail de chorégraphe.

Après avoir quitté le théâtre en 1940, R. Petit, 20 ans, grâce au soutien financier de son père, monte le ballet « Les Comédiens » au Théâtre des Champs-Élysées. Le succès dépasse toutes les attentes - ce qui permet de créer sa propre troupe, baptisée « Ballet des Champs-Elysées ». Il n'a existé que sept ans (les divergences avec l'administration du théâtre ont joué un rôle fatal), mais de nombreuses représentations ont été organisées : « Le Jeune homme et la mort » sur la musique et d'autres œuvres de R. Petit lui-même, des productions d'autres chorégraphes de l'époque, extraits de ballets classiques - "La Sylphide", "La Belle au bois dormant", " ".

Lorsque le Ballet des Champs-Élysées cesse d'exister, R. Petit crée le Ballet de Paris. La nouvelle troupe comprenait Margot Fonteyn - c'est elle qui interpréta l'un des rôles centraux du ballet sur la musique de J. France « Girl in the Night » (l'autre rôle principal fut dansé par R. Petit lui-même), et en 1948 il a dansé dans le ballet « Carmen » sur une musique de J. Bizet à Londres.

Le talent de Roland Petit était apprécié non seulement parmi les amateurs de ballet, mais aussi à Hollywood. En 1952, dans le film musical « Hans Christian Andersen », il joue le rôle du prince du conte de fées « La Petite Sirène », et en 1955, en tant que chorégraphe, il participe à la création des films « La Pantoufle de Cristal ». " basé sur le conte de fées " Cendrillon " et - avec le danseur F. Astaire - " Daddy Long Legs "

Mais Roland Petit est déjà suffisamment expérimenté pour créer un ballet en plusieurs actes. Et il a créé une telle production en 1959, en prenant comme base le drame "Cyrano de Bergerac" d'E. Rostand. Un an plus tard, ce ballet a été filmé avec trois autres productions du chorégraphe - "Carmen", "The Diamond Eater" et "Deuil pendant 24 heures" - tous ces ballets ont été inclus dans le film de Terence Young "One, Two, Three". , Quatre ou Collants noirs ». Dans trois d'entre eux, le chorégraphe lui-même a interprété les rôles principaux - Cyrano de Bergerac, José et le marié.

En 1965, Roland Petit met en scène le ballet « Notre Dame de Paris » à l'Opéra de Paris sur la musique de M. Jarre. De tous les personnages, le chorégraphe en a laissé quatre principaux, chacun incarnant une certaine image collective : Esmeralda – la pureté, Claude Frollo – la méchanceté, Phoebus – le vide spirituel dans une belle « coquille », Quasimodo – l'âme d'un ange dans une corps laid (ce rôle a été joué par R. Petit). A côté de ces héros, il y a une foule sans visage dans le ballet, qui peut sauver et tuer avec la même facilité... L'œuvre suivante était le ballet « Paradise Lost », mis en scène à Londres, révélant le thème de la lutte entre les pensées poétiques dans le l'âme humaine et la nature sensuelle et rude. Certains critiques y voyaient une « abstraction sculpturale du sexe ». La scène finale, dans laquelle une femme pleure sa pureté perdue, semblait très inattendue : elle ressemblait à une pietà inversée... Margot Fonteyn et Rudolf Noureev ont dansé dans ce spectacle.

Ayant dirigé le Ballet de Marseille en 1972, Roland Petit a pris comme base pour la représentation du ballet... les poèmes de V. V. Maïakovski. Dans ce ballet intitulé « Illuminez les étoiles », il joue lui-même le rôle principal, pour lequel il s'est rasé la tête. L'année prochaine, il collabore avec Maya Plisetskaya - elle danse dans son ballet « Sick Rose ». En 1978, il met en scène le ballet «La Dame de pique» pour Mikhaïl Baryshnikov et, en même temps, un ballet sur Charlie Chaplin. Le chorégraphe connaissait personnellement ce grand acteur et, après sa mort, il reçut le consentement du fils de l'acteur pour créer une telle production.

Après 26 ans à la tête du Ballet de Marseille, R. Petit quitte la troupe suite à un conflit avec l'administration et interdit même la représentation de ses ballets. Au début du XXIe siècle, il collabore avec le Théâtre Bolchoï de Moscou : « Passacaglia » sur la musique de A. Webern, « La Dame de pique » sur la musique de P. I. Tchaïkovski, sa « Cathédrale Notre-Dame » est mise en scène à Russie. Le programme « Roland Petit Tells », présenté au Théâtre Bolchoï sur la Nouvelle Scène en 2004, a suscité un grand intérêt auprès du public : Nikolai Tsiskaridze, Lucia Lakkara et Ilze Liepa ont interprété des fragments de ses ballets, et le chorégraphe lui-même a raconté sa vie.

Le chorégraphe est décédé en 2011. Roland Petit a mis en scène environ 150 ballets – il a même affirmé qu'il était « plus prolifique que Pablo Picasso ». Pour son travail, le chorégraphe a reçu à plusieurs reprises des prix d'État. Chez lui en 1974, il a reçu l'Ordre de la Légion d'honneur et pour le ballet «La Dame de pique», il a reçu le Prix d'État de la Fédération de Russie.

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