Arts populaires et décoratifs - dans le cadre de la culture artistique

Il existe de nombreux types de traitement artistique des matériaux. Cependant, tous ne peuvent pas faire partie intégrante du contenu des cours dans les écoles d'enseignement général, en tant que moyen pédagogique. Ils doivent répondre à certaines exigences pédagogiques. Les types d'arts décoratifs et appliqués utilisés dans le travail éducatif devraient être accessibles aux écoliers en termes de caractéristiques artistiques et technologiques, en termes d'efforts et de temps. Outre l'accessibilité et la faisabilité, ces cours doivent disposer d'une marge potentielle de complexité pour que chaque tâche soit réalisée selon le principe didactique de l'apprentissage. À un niveau de difficulté qui permet de révéler plus pleinement les capacités spirituelles et physiques des écoliers. De tels types d'arts décoratifs et appliqués se généralisent, dans le processus de maîtrise du programme, des liens interdisciplinaires sont établis, ainsi que des liens entre l'application pratique et le développement ultérieur des connaissances et des compétences acquises par les écoliers. Parce que c'est une chose d'étudier théoriquement un cours dans une matière et une autre de mettre en pratique les connaissances acquises. L'expérience montre que les connaissances consolidées dans les activités pratiques sont absorbées depuis longtemps et fermement.

Chaque enfant est naturellement doté de sentiments dont le développement et l'éducation déterminent sa capacité à percevoir esthétiquement la réalité.

Les arts populaires et décoratifs font partie intégrante de la culture artistique. Les œuvres d'art appliqué reflètent les traditions artistiques de la nation, la vision du monde, la vision du monde et l'expérience artistique du peuple et préservent la mémoire historique.

Au sens large, l'art populaire désigne la poésie, la musique, le théâtre, la danse, l'architecture, les beaux-arts et les arts décoratifs créés par le peuple sur la base de l'expérience créative collective, des traditions nationales et existant parmi le peuple.

Un autre domaine des arts décoratifs et appliqués est associé à la décoration de la personne elle-même - la création d'un costume artistiquement exécuté qui constitue un ensemble avec une coiffe, des chaussures et des bijoux. Mais depuis peu, le costume est de plus en plus considéré À conception de vêtements.

Les œuvres d'art populaire ont une valeur spirituelle et matérielle et se distinguent par leur beauté et leur utilité. Les maîtres des arts et métiers populaires créent leurs œuvres à partir d’une variété de matériaux. Les plus courants sont la céramique artistique, le tissage, la dentelle, la broderie et la peinture. Ainsi que la sculpture sur bois ou sur pierre, le forgeage, le moulage, la gravure, la ciselure, etc. Nous pouvons utiliser des plats peints, des serviettes en dentelle, des planches de bois sculptées, des serviettes brodées et de nombreuses autres œuvres d'art populaire dans la vie quotidienne.

Une grande importance dans l'art populaire est accordée à l'ornement qui décore un objet ou qui en constitue l'élément structurel. Les motifs de l'ornement ont d'anciennes racines mythologiques.

L'art populaire vit depuis des siècles. Les compétences techniques et les images trouvées sont transmises de génération en génération, préservées dans la mémoire des artistes populaires. Pour cette raison, la tradition établie au fil des siècles sélectionne uniquement les meilleures réalisations créatives.

Les arts décoratifs et appliqués sont un domaine de l'art décoratif : la création de produits artistiques qui ont une utilité pratique dans la vie quotidienne et se distinguent par une imagerie décorative (vaisselle, meubles, tissus, vêtements, bijoux, jouets, etc.). Tous les objets entourant une personne doivent être non seulement confortables et pratiques, mais aussi beaux. L'usage et la beauté sont toujours à proximité lorsque les artistes se mettent au travail et créent des objets ménagers qui sont des œuvres d'art à partir de matériaux variés.

Un autre domaine des arts décoratifs et appliqués est associé à la parure de la personne elle-même - la création d'un costume artistiquement exécuté qui constitue un ensemble avec une coiffe, des chaussures et des bijoux. Mais depuis peu, le costume est de plus en plus considéré À conception de vêtements.

Cependant, les produits décoratifs ne démontrent pas seulement le goût esthétique et l'imagination de l'artiste. Comme les œuvres d’autres types d’art, elles reflètent les intérêts matériels et spirituels des personnes. Et même si aujourd’hui les produits des arts appliqués sont créés par l’industrie de l’art, ils conservent dans une large mesure des caractéristiques nationales. Tout cela nous permet de dire que dans l'art décoratif d'une certaine époque historique, les traits de l'unité stylistique s'expriment clairement, par exemple la période du gothique, de l'Art nouveau, du classicisme, etc.

Comment déterminer si un produit donné est une œuvre d’art décoratif ? Parfois, ils argumentent ainsi : si un vase a une belle forme, mais qu'il n'est décoré de rien, alors ce n'est pas une œuvre d'art décoratif, mais si vous y mettez une sorte de motif, il se transformera immédiatement en une œuvre . C'est faux. Parfois, les ornements décorant un vase en font un artisanat insipide et le transforment en kitsch. À l’inverse, un récipient en argile pure ou en bois peut être si frappant par sa perfection que sa valeur artistique devient évidente.

Quelles sont les similitudes et les différences entre les œuvres des arts et métiers populaires et professionnels ?

Parfois, sur la base de la méthode de fabrication d'une chose, de la part du travail manuel dans ce processus et de la circulation massive des œuvres d'art appliqué, ils tentent de classer les œuvres d'art appliqué comme art populaire. C'est extrêmement difficile à faire, car les produits d'art populaire sont parfois créés dans des usines et les œuvres décoratives d'artistes professionnels sont parfois créées en un seul exemplaire.

La chose la plus importante, probablement, pour déterminer quel type d'art classer telle ou telle chose, est de déterminer dans le cadre de quelle tradition artistique elle a été créée, si les caractéristiques du type d'image d'un artisanat particulier et la technologie de traitement du matériau sont observés.

Les créations des artisans populaires et des artistes appliqués sont unies par la réflexion des formes, l'opportunité des proportions et l'unité stylistique de tous les éléments. L'expressivité de la ligne, de la silhouette, du rythme, de la couleur, des proportions, de la forme, de l'espace dans chaque type d'art décoratif dépend en grande partie des matériaux utilisés et de la technologie de leur traitement.

Un artisan populaire ou un artiste des arts décoratifs et appliqués s'efforce dans son travail de montrer de la meilleure façon possible les qualités esthétiques des matériaux. La décoration dans les arts populaires et décoratifs est le principal moyen d'exprimer la beauté, en même temps qu'elle est une caractéristique qualitative des œuvres d'autres types d'art.

Il faut tenir compte du fait que dans chaque type d'art l'image artistique a sa propre structure, déterminée, d'une part, par les particularités de l'expression du contenu spirituel, d'autre part, par la technologie, la nature du matériel dans lequel ce contenu est incorporé. L'image artistique dans les arts populaires et décoratifs présente des caractéristiques communes et distinctives.

L'image décorative n'exprime pas l'individu, mais le général – « spécifique », « générique » (feuille, fleur, arbre, oiseau, cheval, etc.). Une image décorative nécessite une pensée artistique et imaginative, une attitude mythopoétique envers la réalité.

Par conséquent, dans l'art populaire, il est d'usage de mettre en évidence des types d'images de produits d'idées artistiques traditionnelles, qui reflètent les idées mythologiques et esthétiques du peuple. Par exemple, l'image d'un oiseau, d'un cheval, de l'arbre de vie, d'une femme, des signes et symboles : la terre, l'eau, le soleil peuvent être vus dans divers matériaux artistiques. Broderie, tissage, dentelle ; peintures sur bois et métal; sculptures sur bois; céramiques, etc. La stabilité et la traditionalité de ces images, leur caractère archétypal déterminent en grande partie la haute valeur artistique et esthétique des œuvres d'art populaire.

En même temps, l'universalité des types d'images dans l'art des différents peuples du monde montre leur unité. Associé au point commun des approches du processus de cognition esthétique des phénomènes naturels et sociaux.

Les images des arts décoratifs professionnels reflètent également les idées d’un peuple particulier sur la beauté. Ils sont aussi souvent créés à partir de motifs naturels ou géométriques, mais ici une grande liberté est laissée dans l'interprétation des images. Les sujets historiques ou les thèmes de la vie moderne sont activement utilisés dans les œuvres d’art appliqué.

Lors de l'analyse des mérites artistiques d'une œuvre particulière d'art décoratif populaire ou professionnel, il est nécessaire de prêter attention à sa solution figurative, en tenant compte des caractéristiques du matériau, de l'expressivité de la forme et des proportions, de la palette de couleurs, de la connexion des l'ornement avec la forme du produit, les mérites plastiques, picturaux ou graphiques de la chose. Dans le même temps, il est important de noter comment les répétitions rythmiques, les caractéristiques compositionnelles de la construction de l'ornement et la chose dans son ensemble influencent sa solution figurative.

Les arts et métiers populaires et professionnels sont interprétés comme des arts qui répondent aux besoins de l'homme et satisfont en même temps ses besoins esthétiques, donnant vie à la beauté.

L'art populaire est avant tout un vaste monde d'expérience spirituelle du peuple, ses idées artistiques font partie intégrante de la culture. L'art populaire est basé sur l'activité créatrice du peuple, reflétant sa conscience de soi et sa mémoire historique. La communication avec l’art populaire, avec ses idéaux moraux et esthétiques développés au fil des siècles, joue un rôle éducatif important.

Les fondements théoriques de l'art populaire, son essence et sa signification en tant que système artistique dans son ensemble ont été étayés par d'éminents scientifiques nationaux : , etc. Dans leurs travaux, les principales lois du développement de l'art populaire ont été définies comme « le principe collectif » et « nationalité".

L’art de l’ornement est un phénomène complexe et significatif qui nécessite une étude approfondie, une compréhension théorique et une maîtrise pratique.

Ornement- Il s'agit d'un motif construit sur une alternance rythmique et un agencement organisé des éléments.

Le terme « ornement » est lié au mot « décoration ». Selon la nature des motifs, on distingue les types d'ornements suivants : géométriques, floraux, zoomorphes, anthropomorphes et combinés.

Géométrique l'ornement peut être constitué de points, de lignes, de cercles, de losanges, d'étoiles, de croix, de spirales, etc. Des motifs complexes tels que les méandres, que l'on retrouve dans l'art de la Grèce antique, peuvent également être classés comme motifs géométriques. Les motifs géométriques des pays de l’Est étaient particulièrement diversifiés. 3

Légume l'ornement est composé de feuilles stylisées, de fleurs, de fruits, de branches, etc. Dans les ornements végétaux de la Grèce antique, on utilisait souvent des images d'acanthe, de lotus, de papyrus, de palmier, etc.. Et parmi les peuples orientaux, un motif végétal populaire était l'ornement « islimi » - un liseron en spirale. Les compositions de ces ornements sont très diverses.

Zoomorphe l'ornement représente des figures stylisées ou des parties de figures d'animaux réels et fantastiques. Les images décoratives d’oiseaux et de poissons appartiennent également à ce type d’ornement.

Anthropomorphe L'ornement utilise comme motifs des figures stylisées masculines et féminines ou des parties du visage et du corps humain. Cela inclut diverses créatures fantastiques telles que la jeune fille aux oiseaux, le cavalier, etc.

Souvent, dans les motifs, il existe des combinaisons de motifs variés : géométriques et végétaux, anthropomorphes et zoomorphes. Un tel ornement peut être appelé combiné.

L’ornement est la partie la plus importante des arts populaires et décoratifs. Il est utilisé pour décorer des bâtiments, des vêtements, des articles ménagers, des armes et est largement utilisé dans les livres et les graphiques appliqués, les affiches, etc. L'ornement peut être dessiné avec du matériel graphique et peint, brodé ou tissé à partir de fil, sculpté sur bois ou gaufré. sur métal, etc. Un ornement peut devenir un objet s'il est tissé sous forme de dentelle (serviettes, col, nappe, etc.), de natte, ou forgé à partir de métal. L'ornement peut être multicolore ou uni, réalisé à la surface de l'objet de manière convexe, en relief ou, au contraire, approfondi.

Les caractéristiques stylistiques générales de l'art ornemental sont déterminées par les caractéristiques et les traditions de la culture visuelle de chaque nation, présentent une certaine stabilité sur une longue période historique et ont un caractère national prononcé. On peut donc dire que l'ornement est le style de l'époque, signe fiable que l'œuvre appartient à une certaine époque et à un certain pays (gothique, baroque, Art nouveau, etc.).

Pendant de nombreux siècles, les gens ont cru au pouvoir protecteur de l’ornement, estimant qu’il protégeait des ennuis et apportait bonheur et prospérité. Peu à peu, la fonction de l'amulette a été perdue, mais le but principal de l'ornement est resté : rendre l'objet plus élégant, plus attrayant et artistiquement expressif.

Les propriétés d'un ornement dépendent de la fonction de la forme, de la structure et du matériau de la chose qu'il apprivoise. L’ornement permet de mettre en valeur les caractéristiques plastiques et conceptuelles d’un objet, d’améliorer son design figuratif et de mieux révéler la beauté naturelle du matériau. Tout cela est possible à condition de combiner harmonieusement l’ornement et la forme de l’objet.

En fonction de la nature des schémas de composition, on distingue les types d'ornements suivants : ruban (frise, bordure, bordure), présentant sept types de symétrie différents, maillé et fermé (en cercle, carré, rectangle, triangle, etc. ).

Le rythme est très important en ornementation. Le rythme dans un ornement est l'alternance d'éléments de motif dans une certaine séquence. La construction rythmique dans une composition ornementale peut être réalisée grâce à diverses techniques ; la répétition en rapport d'un motif crée un rythme varié. Les éléments répétés d’un ornement sont appelés répétitions. Il existe différents types de compositions de rapports.

Un thème spécial est l’ornement et la symétrie. La symétrie dans l’art est le modèle précis d’agencement d’objets ou de parties d’un tout artistique.

Un ornement créé dans un cercle en le divisant en parties égales par diamètre est appelé rosace ou rosace. La symétrie contribue à créer un certain rythme dans l'ornement. Les compositions ornementales non seulement symétriques, mais aussi asymétriques sont très diverses.

La stylisation est une généralisation décorative et une mise en valeur des traits caractéristiques d'objets à l'aide d'un certain nombre de techniques conventionnelles.

Les ornements folkloriques sont généralement créés sur la base de la stylisation de formes naturelles. L'exemple de l'ornement est bien visible. Comment les formes des plantes, des animaux et même des figures humaines peuvent être transformées en éléments géométriques.

En sélectionnant l'essentiel, le maître transforme l'objet, subordonnant sa forme et sa couleur à la structure rythmique de l'ornement. Le travail d'un artiste populaire est basé sur une perception émotionnelle et associative, sa solution figurative peut différer considérablement de la nature.

Une fleur, une feuille, une branche peuvent être traitées presque comme des formes géométriques ou les contours naturels et lisses peuvent être préservés. A partir d'images réelles, l'artiste crée de nouveaux ornements basés sur l'imagination créatrice.

Dans l'art décoratif, en train de généraliser une forme, l'artiste, tout en conservant son expressivité plastique, met en valeur l'essentiel et le typique, abandonnant les détails secondaires. Toutes les nuances observées sous forme réelle sont réduites à plusieurs couleurs. Un rejet complet de la vraie couleur est également possible.

Le style général de l'ornement, sa composition linéaire et colorée sont basés sur une refonte créative de la nature.

Les ornements font partie inextricable des arts appliqués. Il témoigne clairement du niveau de culture matérielle et spirituelle du peuple ; la profondeur de ses pensées, de son imagination créatrice et de ses compétences artistiques y sont concentrées.

En broderie, les artisanes combinaient des motifs floraux et géométriques. Rectangle, carré, losange, triangle, trapèze - ce sont les formes géométriques les plus simples que l'on retrouve souvent dans les appliques en tissu. Les vêtements de fête sont richement décorés d'ornements dont les principaux motifs sont le tilleul et les chevrons. L'artisane décore ses produits de rayures ornementées et de plaques à la mode.

De plus, dans les œuvres d'art appliqué de Yakut, outre les ornements, diverses intrigues avec des significations héraldiques sont représentées : cavalier - licorne, lion, cheval, arbre sacré du folklore - Aal Luuk mas, etc.

Le langage de l’ornement était utilisé pour créer des images artistiques compréhensibles par le grand public. Au fil du temps, le contenu de nombreux ornements a été oublié et la recherche moderne nécessitera un travail minutieux pour résoudre le mystère du contenu d'au moins une partie d'entre eux. Certains ornements sont devenus traditionnels sans aucune explication. Les motifs géométriques des vêtements yakoutes se retrouvent dans les décorations des bordures des coiffes, des vêtements d'épaule et des chaussures. Par la suite, les contours des ornements deviennent plus complexes. Des motifs curvilignes apparaissent - vagues, arcs arqués, figures courbes.

Les détails des ornements dans leurs contours ressemblent à des yeux, des cornes, des têtes et des figures d'animaux. Souvent, les ornements comprennent des images stylisées de motifs d'animaux individuels, reflétés dans les formes et les noms : « tanalai oyuu » (motif du ciel), « buer oyuu » (motif des reins), « surekh oyuu » (motif du cœur).

Le motif ornemental des vêtements folkloriques de Yakut constitue toute une couche de la culture spirituelle et matérielle du peuple Sakha, qui nécessite une étude minutieuse : clarification de son identité ethnique, de ses caractéristiques plastiques de composition, coloristiques, constructives et de connexion. L'imagerie artistique de l'ornement est étroitement liée aux rituels populaires, aux coutumes ethnographiques, à la mythologie et à l'épopée.

Toute la vie des Yakoutes était étroitement liée à la nature environnante : ils en tiraient tout, nourriture, vêtements et outils. Selon leurs conceptions, la chose la plus importante dans notre Univers était la Nature. Par conséquent, les vêtements du peuple Sakha, en tant que partie de la culture matérielle, étaient indissociables de leurs croyances, rituels, nature et divinités.

Les motifs et les tissus étaient brodés selon un dessin préliminaire avec des fils, des perles et des perles et décorés de plaques métalliques, de plaques et d'appliques de mosaïques en tissu multicolores.

Les artisanes savaient comment coordonner le dessin de l'ornement avec la taille et la forme des produits et la technique d'exécution, et le motif de la broderie yakoute lui-même est le résultat de la créativité de nombreuses générations. Les artisanes ont apporté beaucoup d'imagination créatrice personnelle dans leur travail, mais même en créant de nouveaux modèles, elles ne se sont pas écartées des traditions et n'ont pas violé le style artistique établi.

Dans l'histoire (culture) de toute nation, les motifs ont une signification mystique et servent à leur propriétaire d'amulettes et même de sorte de « passeport ». Ainsi, dans la Russie antique, en examinant attentivement le col brodé d'une chemise, ils déterminaient à quelle tribu appartenait son propriétaire. Autrefois, en Yakoutie, en jetant simplement un petit coup d'œil aux vêtements et aux bijoux d'une femme, on pouvait connaître avec précision son âge, sa situation financière et même le nombre d'enfants, ainsi que les vaches, les chevaux et les cerfs. Aujourd'hui encore, une artisane yakoute, après avoir examiné le motif, sera en mesure de dire dans quel ulus habite le maître qui l'a réalisé.

Les motifs sur les vêtements étaient disposés en stricte conformité avec l'emplacement des... chakras. Par exemple, une ligne à motifs le long de la colonne vertébrale (n'importe quel yogi vous dira que c'est le long de la colonne vertébrale que monte l'énergie du kundami) masque non seulement la couture des vêtements, mais remplit également une fonction protectrice, protégeant le noyau vital de influences extérieures négatives. Il peut être présent aussi bien sur les vêtements pour hommes que sur les vêtements pour femmes.

Mais les ourlets brodés et les motifs sur les hanches sont typiques des vêtements pour femmes. Ils représentent rarement le nid de la déesse Aiyyyt (la patronne des femmes, de l'accouchement et de la maternité), qui protège l'utérus du mauvais œil non pas sur le nid, mais sur un cœur aux bords ouverts. Souvent, un schéma fermé est répété trois fois afin de protéger les trois âmes d'une personne - salgyn kut, buor kut, c'est-à-dire kut (âme aérienne, terrestre et maternelle). Sur les décorations de tête bastyn ou les casquettes d'été, le symbole solaire (décor symbolisant le cercle solaire) est généralement situé au milieu de la partie supérieure du front à la place du troisième œil. Deux autres cercles des deux côtés des tempes couvrent également les chakras.

Un motif continu le long de l'ourlet des vêtements, qui éloigne les mauvais esprits du monde inférieur, était considéré comme obligatoire pour les vêtements pour hommes et pour femmes. Souvent, ce motif noir et blanc est tangalat, signifiant le chemin de la vie et un obstacle sur le chemin du mal. Pour comprendre à quoi cela ressemble, il suffit de regarder un poste frontière ordinaire.

Désignations de couleurs pour les Yakoutes.

L'ensemble du mode de vie et de l'activité économique des Yakoutes était étroitement lié à Mère Nature. Par conséquent, les couleurs de leurs vêtements reflètent la palette naturelle - les couleurs de la terre, du ciel, des plantes, du soleil et de la neige, des couleurs toujours harmonieuses et agréables à l'œil avec fraîcheur et beauté. L'éveil de la nature, l'arrivée de l'été, la floraison printanière et le flétrissement automnal des plantes, le lever et le coucher du soleil - tout cela se reflétait dans les motifs brodés par nos ancêtres, où le blanc, le noir, le bleu - le bleu, le vert et les couleurs rouges prédominaient.

Depuis l'Antiquité, la couleur rouge est associée à la religion - c'est la couleur du sang, la couleur de la force, de la vie, du lien avec la mère, c'est pourquoi l'amulette de la croyance de la mère - l'âme (c'est-à-dire - kut) la protégeait ; Couleur verte (herbe verte); bleu (ciel bleu); bleu (étendues bleues, bleu) – la couleur de la nature.

Nos ancêtres dans leurs chants et olonkho chantaient de manière très colorée toutes ces couleurs et leurs nuances, par exemple, la couleur verte personnifiait le lien avec la vie de la faune, et le symbole bleu de Salgyn Kut (âme de l'air), elle représentait l'espace bleu sans fond avec un souffle bleu (kuoh tyyn). Et c'était un signe de développement, d'épanouissement de la vie.

Jaune, blanc, couleurs du soleil, de la neige, elles sont associées à l'environnement et sont symbole de vie, de bonheur, de tout ce qui est lumineux et bon.

Noir, gris foncé, marron - la couleur de la terre, personnifiée Buor kut (âme de la terre), Mère - la terre.

Lors de l'étude de la littérature spéciale, il a été confirmé que le peuple Sakha vénérait tout ce qui nous entoure et y attachait une grande importance, ce qui était véhiculé par des motifs, des signes et des symboles.

Nous, Yakoutiens modernes, commençons à comprendre que notre culture est l'une des plus anciennes, qui combine avant tout l'amour de notre nature natale, des animaux, de la foi et du culte des divinités. Aussi le culte d’une femme, ancêtre d’un clan, d’une tribu, continuatrice de la vie des gens.

De nos jours, les anciens symboles et signes disparaissent, se transformant en simples éléments d’un motif, répété de manière stéréotypée de génération en génération par inertie. Par conséquent, de nombreux chercheurs de la culture populaire et artisans restaurent les styles oubliés des anciens vêtements Sakha.

2.1. L'applique est l'un des types d'art décoratif et appliqué pour réaliser des travaux ornementaux.

L'applique appartient aux arts et à l'artisanat et est un type de broderie utilisé pour décorer des vêtements, des articles ménagers et pour créer des panneaux décoratifs.

Qu’est-ce que les arts décoratifs et appliqués ? C'est ainsi que ce concept est défini dans un petit dictionnaire de l'esthétique (éd. - M., 1964. - pp. 73-74) : art décoratif et appliqué - « un type d'art (proche des beaux-arts), les œuvres de qui sont des objets possédant certaines propriétés artistiques et esthétiques, mais ayant en même temps une utilité pratique directe dans la vie quotidienne, le travail ou spécialement destinés à la décoration... »

De par son origine, l’art décoratif et appliqué est l’une des formes d’art les plus anciennes.

Depuis longtemps, les gens s’efforcent de rendre leur maison, leurs vêtements et leurs articles ménagers non seulement confortables, durables, mais aussi beaux. La principale source d'inspiration des gens était le monde naturel étonnant qui les entourait. Les peuples du Nord représentaient des cerfs, des morses et des épicéas dans leurs dessins (Fig. 2). Dans les steppes infinies du Kazakhstan, le principal motif de composition des motifs était les diverses cornes de béliers ramifiées.

La richesse des formes et les couleurs vives des fleurs des champs d'Ukraine ont été transformées par les maîtres en éléments décoratifs de l'ornement.

Le peuple azerbaïdjanais a investi tout son art dans des motifs floraux et géométriques complexes entrelacés.

Les motifs de la dentelle de Vologda, les tissages complexes des décorations ornementales des minarets de Samarkand, les illustrations de livres arméniens anciens et la broderie biélorusse évoquent le ravissement.

Les styles nationaux de modèles ont été améliorés au fil de nombreuses générations, devenant laconiques et faciles à imiter.

Pendant les cours à l'école, les enfants se familiarisent avec les produits de l'artisanat populaire bien connu pour le traitement de divers matériaux : Palekh, Mstera, Fedoskina (peinture miniature sur papier mâché) ; Khokhloma, Gorodets (peinture sur bois) ; Kubachi (gravure sur métal) ; Vologda, Yelets (tissage de dentelle) ; Gjel (peinture artistique sur céramique) ; Azerbaïdjan (tapis) ; Ouzbékistan (ornements architecturaux sur plâtre) ; Ukraine (incrustations Hutsul avec différentes essences de bois), etc.

L'enseignant doit apprendre aux enfants à comprendre et à être fiers du travail des artisans populaires de toutes les nationalités de notre pays. Et cela, à son tour, contribue au développement du goût artistique, à la compréhension des caractéristiques de la construction du motif, en tenant compte du but du produit, de sa forme et du matériau utilisé.

L'arrêté du ministère de l'Éducation de l'URSS du 1er janvier 2001 « Sur les mesures visant au développement ultérieur de l'artisanat artistique populaire » permet, dans la mesure du possible, d'organiser l'étude des techniques techniques de fabrication de produits artistiques dans les cours de travail. Les résultats montrent que les arts et l'artisanat à l'école ont connu un nouveau développement ces dernières années. Aujourd'hui, les écoles utilisent de plus en plus de motifs ornementaux pour décorer les objets de travail. Les étudiants aiment étudier dans des clubs le gaufrage et la gravure, la broderie et le tricot, la sculpture sur bois et sur os, la marqueterie et la peinture. La formation préprofessionnelle des étudiants aux métiers populaires est dispensée dans des usines d'enseignement et de production. Le rôle de l’école primaire est donc important, car elle pose les bases de l’activité visuelle chez les enfants en âge d’aller à l’école primaire. Pendant les cours, les écoliers étudient non seulement l'art des peuples de l'URSS, mais apprennent également les techniques du travail artistique. Dans les activités extrascolaires, des activités intéressantes et captivantes se poursuivent pour les enfants.

La technique d'application offre d'excellentes opportunités d'enseignement et d'éducation. Au cours de l'activité artistique et professionnelle, l'enfant maîtrise un certain nombre de compétences graphiques (utiliser un crayon, une règle, une équerre, un compas), apprend à analyser les phénomènes et les objets du monde environnant, à utiliser des ciseaux, à appliquer correctement la colle avec un pinceau, coller soigneusement les pièces, etc.) Il développe son imagination, son attention volontaire, sa mémoire visuelle, son œil, son sens de la forme, du rythme, la perception des concepts spatiaux, la couleur et sa transformation ; un amour de la beauté, de la précision et de l'exactitude est favorisé ; la patience, la persévérance et le désir d'achever le travail commencé se forment. Les étudiants peuvent ensuite transférer l'art de fabriquer des appliqués en papier au travail sur du tissu, du bois, du cuir, du métal, etc.

Les fondateurs de l'art, écrit-il, étaient des potiers, des forgerons et des orfèvres, des tisserands et des tisserands, des maçons, des charpentiers, des sculpteurs sur bois et sur os, des armuriers, des peintres, des tailleurs, des couturières et en général - des artisans, des gens dont les choses étaient artistiquement faites, ravissant vos yeux. remplir les musées » (A Brief Dictionary of Aesthetics/Ed., M., 1964.- P. 74).

Les œuvres d'art décoratif et appliqué diffèrent par le type de produits créés (meubles, dentelles, bijoux, jouets, etc.), par le matériau à partir duquel le produit est créé (métal, bois, verre, porcelaine, bronze, céramique, etc. ). ), selon la technique de transformation des matériaux (sculpture artistique, peinture, gaufrage, moulage artistique, etc.). Les arts décoratifs et appliqués vivent autour de nous dans les tapis, les tissus, les vêtements, la vaisselle en céramique, la conception de livres, les billets de banque et dans la décoration des structures architecturales. Les affiches, les journaux muraux et les affiches à texte ornemental sont décorés de motifs ornementaux. Les enfants commencent très tôt à percevoir leur environnement, mais pour qu'ils apprécient ce qu'ils voient, distinguent ce qui est vraiment beau du hétéroclite et du vulgaire, cela doit être enseigné, et le plus tôt sera le mieux. Le travail visant à développer le goût artistique de l’enfant commence dans la famille et dans les établissements préscolaires.

Lorsque vous travaillez avec des enfants d'âge scolaire, à l'aide d'applications, vous pouvez organiser un processus d'apprentissage amusant et éducatif.

L'éducation sensorielle donne aux enfants la possibilité de comparer des figures en réalisant des applications. En composant et en construisant divers objets et éléments de la flore et de la faune à partir de rectangles, carrés, triangles, cercles, les enfants se familiarisent avec les bases de l'activité créative.

Sur la base des candidatures complétées, des conversations sont organisées qui favorisent le développement de la parole orale.

Le travail d'application dans les classes moyennes est inclus dans le programme de formation professionnelle. Dans les classes élémentaires, les travaux d'appliqués sont généralement réalisés sur des feuilles de papier, et dans les classes intermédiaires, ils sont principalement utilisés pour décorer des produits ayant une signification socialement utile. Les appliques sont utilisées pour décorer des signets, des boîtes, des dossiers, des modèles de voitures et d'autres objets ; elles sont utilisées dans la réparation de livres, de tableaux, dans la production d'aides visuelles et dans les travaux de conception. Les œuvres d'appliques décorent la vie quotidienne. Et cela ne diminue en rien l'importance de l'application, mais souligne une fois de plus son caractère appliqué.

Les activités extrascolaires continuent de nourrir l'intérêt profond et durable des enfants pour le travail artistique. Les cours dans les clubs de design technique et artistique élargissent les intérêts cognitifs individuels des écoliers. Les enfants utilisent dans leur travail les connaissances et les compétences acquises dans les cours de mathématiques, d'histoire naturelle et de beaux-arts. Dans des classes en cercle, utilisant divers matériaux artificiels et naturels, ils réalisent des travaux d'appliqués plus complexes et intéressants ; ils disposent de plus d'autonomie dans le choix des sujets ou des motifs de décoration. Non limités par un temps de cours rigide, les enfants font preuve de plus de créativité et d'imagination. Les dirigeants des clubs doivent identifier délibérément les inclinations des enfants et, en tenant compte des exigences pédagogiques, leur proposer des sujets de travail en fonction de leurs intérêts et de leurs capacités.

Dans les groupes à journée prolongée, dans les cours en clubs, l'enfant a la possibilité de travailler simultanément avec du papier de couleur, du carton, du tissu, de la pâte à modeler et, par modelage, de créer divers bricolages (voir : Travaux périscolaires sur le travail / Comp. - M., 1981).

Des cours intéressants sont organisés sur la fabrication d'équipements pour salles de jeux, la décoration de théâtres de marionnettes, les costumes de carnaval, divers travaux de conception, des concours pour le meilleur exemple de carton d'invitation, des emblèmes pour les noms d'un astérisque, d'un cercle et d'une équipe. Les œuvres réalisées avec des appliqués sont publiées pour une visualisation et une discussion générales. À partir d'échantillons d'appliqués, les lycéens peuvent découper certaines œuvres dans du contreplaqué ou les réaliser d'une autre manière.

Les clubs d'art appliqué fonctionnent avec succès dans les internats, les ateliers d'art, les camps pour enfants et ils sont faciles à organiser dans les établissements d'enseignement pour enfants. Les organisateurs et les dirigeants de ces cercles peuvent être des enseignants, des parents et des lycéens.

Un enseignant ou un animateur de cercle doit non seulement enseigner aux jeunes écoliers certaines techniques de travail, sa tâche principale est de développer leur capacité à être créatif, d'éveiller l'intérêt pour le travail et d'inculquer des compétences dans une culture de travail et d'entraide amicale.

Les produits dont la mise en œuvre est prévue dans leur conception, leur technologie et leur conception artistique doivent être à la portée des collégiens. Le travail doit non seulement être visuellement attrayant, mais, surtout, il doit être réalisé avec une grande qualité par chaque étudiant. Il est très important de former chez un enfant un sentiment constant d'intérêt pour le processus de travail quotidien, afin qu'il fasse tout travail avec plaisir, de manière créative, se réjouisse du succès et essaie constamment de corriger les défauts, atteignant la précision et la beauté en tout.

Dans le même temps, la planification de tâches simplifiées entraîne une diminution de l'intérêt des enfants pour le travail. Par conséquent, peu importe la difficulté pour le leader, il doit sélectionner les tâches des étudiants individuellement. différencié, afin que chaque enfant puisse appliquer toutes ses connaissances et compétences lors de l'exécution de tel ou tel travail.

Lors du choix de certains produits à fabriquer en classe, il est nécessaire de déterminer avec précision dans quels éléments spécifiques de connaissances et de compétences les enfants progresseront ; ce qu'ils apprendront à faire de nouveau ; ce qu'ils mettent simplement en pratique, comment ils utilisent les idées et les compétences existantes pour créer un nouveau produit.(67)

Art folklorique

artistique, art populaire, folklore, activité créatrice artistique des travailleurs ; poésie, musique, théâtre, danse, architecture, beaux-arts et arts décoratifs créés par le peuple et existant parmi les masses. Dans la créativité artistique collective, les gens reflètent leurs activités professionnelles, leur vie sociale et quotidienne, leur connaissance de la vie et de la nature, leurs cultes et leurs croyances. N. t., développé au cours de la pratique du travail social, incarne les points de vue, les idéaux et les aspirations du peuple, sa fantaisie poétique, le monde le plus riche de pensées, de sentiments, d'expériences, de protestation contre l'exploitation et l'oppression, de rêves de justice et de bonheur. . Ayant absorbé l'expérience séculaire des masses, N. t. se distingue par la profondeur de la maîtrise artistique de la réalité, la véracité des images et le pouvoir de généralisation créatrice.

Les images, thèmes, motifs et formes d’art littéraire les plus riches naissent de l’unité dialectique complexe de la créativité individuelle (bien que généralement anonyme) et de la conscience artistique collective. Depuis des siècles, le collectif populaire sélectionne, améliore et enrichit les solutions trouvées par les maîtres individuels. La continuité et la stabilité des traditions artistiques (au sein desquelles, à leur tour, se manifeste la créativité personnelle) se conjuguent avec la variabilité et la mise en œuvre diversifiée de ces traditions dans les œuvres individuelles.

La collectivité de la littérature scientifique, qui constitue sa base constante et sa tradition éternelle, se manifeste tout au long du processus de formation des œuvres ou de leurs types. Ce processus, comprenant l'improvisation, sa consolidation par la tradition, son amélioration ultérieure, son enrichissement et parfois son renouvellement, s'avère extrêmement étendu dans le temps. Il est caractéristique de tous les types d'œuvres littéraires que les créateurs d'une œuvre en soient simultanément les interprètes, et l'interprétation, à son tour, peut être la création de variantes qui enrichissent la tradition ; Le contact étroit des artistes interprètes ou exécutants avec des personnes qui perçoivent l'art et qui peuvent elles-mêmes participer au processus créatif est également important. Les principales caractéristiques de la musique folklorique comprennent l'indivisibilité longtemps préservée et l'unité hautement artistique de ses types : poésie, musique, danse, théâtre et art décoratif fusionnés dans des actions rituelles populaires ; chez le peuple, l'architecture, la sculpture, la peinture, la céramique et la broderie formaient un tout indissociable ; la poésie populaire est étroitement liée à la musique et à sa rythmicité, sa musicalité et la nature de l'interprétation de la plupart des œuvres, tandis que les genres musicaux sont généralement associés à la poésie, aux mouvements ouvriers et aux danses. Les travaux et les compétences de la littérature scientifique se transmettent directement de génération en génération.

N.t. était la base historique de toute la culture artistique mondiale. Ses principes originaux, les formes, les types et en partie les images les plus traditionnels sont nés dans les temps anciens dans les conditions d'une société pré-classique, lorsque tout art était la création et la propriété du peuple (voir Art primitif). Avec le développement social de l’humanité, la formation d’une société de classes et la division du travail, un art « élevé » et « scientifique » professionnalisé émerge progressivement. N. t. constitue également une couche particulière de la culture artistique mondiale. Il identifie des couches de contenus sociaux différents associés à la différenciation de classe de la société, mais au début de la période capitaliste, l’art non-fictionnel était universellement défini comme l’art collectif traditionnel des masses laborieuses du village, puis de la ville. Un lien organique avec les principes fondamentaux de la vision du monde du peuple, une intégrité poétique de l’attitude envers le monde et un perfectionnement constant déterminent le haut niveau artistique de l’art populaire. En outre, la technologie scientifique a développé des formes particulières de spécialisation, de continuité des compétences et de formation.

La science technologique de peuples différents, souvent très éloignés les uns des autres, présente de nombreuses caractéristiques et motifs communs, nés dans des conditions similaires ou hérités d'une source commune. Dans le même temps, la littérature nationale a absorbé pendant des siècles les particularités de la vie nationale et de la culture de chaque peuple. Elle a conservé sa base de travail vitale, est restée un réservoir de culture nationale, un représentant de la conscience nationale. Cela a déterminé la force et la fécondité de l'influence de la critique littéraire sur tout l'art mondial, comme en témoignent les œuvres de F. Rabelais et W. Shakespeare, A. S. Pouchkine et N. A. Nekrasov, P. Bruegel et F. Goya, M. I. Glinka et M. P. Moussorgski. . À son tour, N. t. a beaucoup adopté le « grand » art, qui a trouvé une expression diversifiée - des frontons classiques des huttes paysannes aux chansons folkloriques basées sur les paroles de grands poètes. N. T. a conservé de précieux témoignages des sentiments révolutionnaires du peuple, de sa lutte pour son bonheur.

Dans des conditions capitalistes, tombées dans la sphère des relations socio-économiques bourgeoises, la science et la technologie se développent de manière extrêmement inégale. Beaucoup de ses branches se dégradent, disparaissent complètement ou risquent d'être remplacées ; d’autres perdent leurs qualités en s’industrialisant ou en s’adaptant aux demandes du marché. Dans le 19ème siècle La croissance de la conscience nationale, les mouvements démocratiques et de libération nationale et le développement du romantisme ont suscité un intérêt pour la littérature scientifique à la fin des XIXe et XXe siècles. L'influence du folklore sur la culture mondiale augmente, certaines branches perdues du folklore sont restaurées et des musées et des sociétés pour sa protection sont organisés. Dans le même temps, le mécénat public et privé des arts subordonne souvent le tourisme aux objectifs commerciaux et aux intérêts de « l’industrie touristique », pour lesquels il cultive ses caractéristiques les plus archaïques et ses vestiges religieux et patriarcaux.

Dans une société socialiste, les conditions ont été créées pour la préservation et le développement de la technologie scientifique ; héritant et établissant des traditions populaires nationales, il est imprégné des idées du socialisme, du pathétique du reflet d'une réalité nouvelle et transformée ; N. t. bénéficie du soutien systématique de l'État et des organismes publics, et ses maîtres reçoivent des prix et des titres honorifiques. Un réseau d'institutions de recherche a été créé - instituts et musées qui étudient l'expérience de la technologie scientifique et contribuent à son développement. De nombreux genres folkloriques traditionnels sont en voie de disparition (par exemple, le folklore rituel, les sortilèges, le drame populaire), mais d'autres trouvent une nouvelle place dans la vie. De nouvelles formes de culture artistique de masse naissent également. Les spectacles artistiques amateurs (chœurs, groupes chorégraphiques, théâtres folkloriques, etc.), qui ont une nature différente de celle de N. t., mais utilisent en partie son patrimoine, se développent intensément. Les grands exemples d'art artistique créés au cours de plusieurs siècles conservent l'importance d'un héritage culturel toujours vivant, un trésor de l'expérience artistique des masses.

La poésie populaire est la créativité artistique verbale de masse d'un peuple particulier ; la totalité de ses types et formes, désignés dans la science moderne par ce terme, porte d'autres noms - littérature populaire, littérature orale, poésie populaire, folklore. La créativité artistique verbale est née du processus de formation de la parole humaine. Dans une société préclassique, elle est étroitement liée à d'autres types d'activités humaines, reflétant les débuts de ses connaissances et de ses idées religieuses et mythologiques. Au cours du processus de différenciation sociale de la société, divers types et formes de créativité verbale orale sont apparus, exprimant les intérêts de différents groupes et couches sociales. Le rôle le plus important dans son développement a été joué par la créativité des masses laborieuses. Avec l’avènement de l’écriture, est née une littérature historiquement associée à la littérature orale.

La collectivité de la littérature orale (c'est-à-dire non seulement l'expression des pensées et des sentiments d'un groupe, mais surtout le processus de création et de diffusion collective) détermine la variabilité, c'est-à-dire la variabilité des textes dans le processus de leur existence. Dans le même temps, les changements pourraient être très différents - depuis des variations stylistiques mineures jusqu'à une refonte importante du plan. Dans la mémorisation, ainsi que dans la variation des textes, un rôle important est joué par des formules stéréotypées particulières - les soi-disant lieux communs associés à certaines situations d'intrigue, passant de texte en texte (par exemple, dans les épopées - la formule pour seller un cheval, etc.).

Dans le processus d'existence, les genres de fiction littéraire verbale connaissent des périodes (« âges ») « productives » et « non productives » de leur histoire (émergence, diffusion, entrée dans le répertoire de masse, vieillissement, extinction), et cela est finalement associé aux changements sociaux et culturels quotidiens de la société. La stabilité de l'existence des textes folkloriques dans la vie populaire s'explique non seulement par leur valeur artistique, mais aussi par la lenteur des changements dans le mode de vie, la vision du monde et les goûts de leurs principaux créateurs et gardiens - les paysans. Les textes d'œuvres folkloriques de divers genres sont modifiables (bien qu'à des degrés divers). Cependant, en général, le traditionalisme a une force infiniment plus grande dans la fiction littéraire que dans la créativité littéraire professionnelle.

La collectivité de la littérature verbale ne signifie pas son impersonnalité : des maîtres talentueux ont activement influencé non seulement la création, mais aussi la diffusion, l'amélioration ou l'adaptation des textes aux besoins du collectif. Dans les conditions de division du travail, des professions uniques d'artistes de production sont apparues. N. t. (Rhapsodes et Aeds grecs anciens, Skomorokhs russes, kobzars ukrainiens (voir Kobzar), Akyns kazakhs et kirghizes, etc.). Dans certains pays du Moyen-Orient et d'Asie centrale, ainsi que dans le Caucase, des formes transitionnelles de littérature verbale se sont développées : les œuvres créées par certains individus étaient diffusées oralement, mais le texte changeait relativement peu ; le nom de l'auteur était généralement connu et était souvent introduits dans le texte (par exemple Toktogul Satylganov au Kirghizistan, Sayat-Nova en Arménie).

La richesse des genres, des thèmes, des images et de la poétique de la musique folklorique verbale est due à la variété de ses fonctions sociales et quotidiennes, ainsi qu'aux méthodes d'exécution (solo, chœur, chœur et soliste), à ​​la combinaison du texte avec mélodie, intonation et mouvements (chant, chant et danse, narration, mise en scène, dialogue, etc.). Au cours de l'histoire, certains genres ont subi des changements importants, ont disparu et de nouveaux sont apparus. Dans la période ancienne, la plupart des peuples avaient des traditions tribales, des chants de travail et rituels et des conspirations. Plus tard, des contes magiques et quotidiens, des contes sur les animaux et des formes pré-étatiques (archaïques) d'épopée sont apparus. Au cours de la formation de l'État, une épopée héroïque classique a émergé, puis des chansons historiques (Voir Chanson) et des ballades (Voir Ballade) sont apparues. Même plus tard, le chant lyrique non rituel, la romance, la Chastushka et d'autres petits genres lyriques et, enfin, le folklore ouvrier (chants révolutionnaires, histoires orales, etc.) se sont formés.

Malgré la coloration nationale vive des œuvres littéraires de différents peuples, de nombreux motifs, images et même intrigues y sont similaires. Par exemple, environ les deux tiers des intrigues des contes de fées des peuples européens ont des parallèles avec les contes de fées d'autres peuples, ce qui est dû soit au développement d'une source, soit à l'interaction culturelle, soit à l'émergence de phénomènes similaires basés sur modèles généraux de développement social.

Jusqu’à la fin de l’ère féodale et à l’époque du capitalisme, la littérature verbale s’est développée de manière relativement indépendante de la littérature écrite. Plus tard, les œuvres littéraires pénètrent plus activement qu'auparavant dans l'environnement populaire (par exemple, « Le Prisonnier » et « Le châle noir » de A. S. Pouchkine, « Les colporteurs » de N. A. Nekrasov ; voir également à ce sujet dans l'article Poésie russe libre, littérature populaire) . En revanche, le travail des conteurs populaires acquiert certaines caractéristiques de la littérature (individualisation des personnages, psychologisme, etc.). Dans une société socialiste, l’accessibilité à l’éducation offre une chance égale de découvrir les talents et la professionnalisation créative des personnes les plus douées. Diverses formes de culture verbale et artistique de masse (la créativité des auteurs-compositeurs, des chansons, la composition d'intermèdes et de sketchs satiriques, etc.) se développent en contact étroit avec l'art socialiste professionnel ; Parmi elles, les formes traditionnelles de musique folklorique verbale continuent de jouer un certain rôle. Des siècles d'existence ont assuré la valeur artistique durable et l'existence à long terme de tels chants, contes de fées, légendes, etc., qui reflètent le plus clairement les caractéristiques du composition spirituelle du peuple, ses idéaux, ses espoirs et ses goûts artistiques, la vie quotidienne Cela détermine également la profonde influence de la théorie littéraire verbale sur le développement de la littérature. M. Gorki a dit : « … Le début de l'art des mots est dans le folklore » (« De la littérature », 1961, p. 452). Pour l'enregistrement du folklore, son étude et les principes méthodologiques d'étude, voir Folklore.

Musique folklorique (folklore musical) - créativité collective vocale (principalement chant), instrumentale et vocale-instrumentale du peuple ; existe, en règle générale, sous forme non écrite et se transmet à travers les traditions du spectacle. Propriété du peuple tout entier, le théâtre musical existe principalement grâce au spectacle vivant de pépites talentueuses. Ce sont parmi différents peuples Kobzar, guslar (voir Gusli), bouffon (voir Bouffons), Ashug, Akyn, kuishi (voir Kuy), Bakhshi, gusan (voir Gusans), Hafiz, olonkhosut (voir Olonkho), aed (voir Aeds) , Jongleur, Ménestrel, Shpilman, etc. Les origines de la musique folklorique, comme d'autres arts, remontent au passé préhistorique. Les traditions musicales des diverses formations sociales sont extrêmement stables et tenaces. A chaque époque historique, coexistent des œuvres plus ou moins anciennes et transformées, ainsi que celles nouvellement créées sur leur base. Ensemble, ils forment ce qu'on appelle le folklore musical traditionnel. Sa base est la musique paysanne, qui conserve longtemps les caractéristiques d'une relative indépendance et se distingue généralement de la musique associée aux traditions écrites plus jeunes. Les principaux types de folklore musical sont les chansons (voir Chanson), les contes épiques (par exemple, les épopées russes, Yakut olonkho), les mélodies de danse, les chœurs de danse (par exemple, les chansons russes (voir Chastushka)), les pièces instrumentales et les airs (signaux) . , dansant). Chaque morceau de folklore musical est représenté par tout un système de variantes stylistiquement et sémantiquement liées qui caractérisent les changements dans la musique folklorique au cours de son exécution.

La richesse des genres de la musique folklorique résulte de la diversité de ses fonctions vitales. La musique accompagnait toute la vie professionnelle et familiale du paysan : jours fériés du cercle agricole annuel (chants de Noël (Voir Carol), Vesnyanka, Maslenitsa, chants de Kupala), travaux des champs (tonte, chants de récolte), naissance, mariage (berceuses et mariage chants), la mort (lamentations funéraires). Chez les peuples pasteurs, les chants étaient associés à l'apprivoisement d'un cheval, à la conduite du bétail, etc. Plus tard, les genres lyriques ont reçu le plus grand développement dans le folklore de tous les peuples, où des mélodies simples et courtes de travail, des chants rituels, de danse et épiques ou des airs instrumentaux sont remplacés par des improvisations musicales détaillées et parfois complexes - vocales (par exemple, une chanson russe persistante , Doina roumain et moldave) et instrumentaux (par exemple, des pièces de programme de violonistes de Transcarpatie, de cavaliers bulgares, de joueurs de dombra kazakhs, de joueurs de komuz kirghizes, de joueurs de dutar turkmènes, d'ensembles et orchestres instrumentaux ouzbeks, tadjiks, indonésiens, japonais et autres).

Dans divers genres de musique folklorique, divers types de Melos se sont développés - du récitatif (carélien, runes, épopées russes, épopée slave du sud) aux riches ornements (chants lyriques des cultures musicales du Proche et du Moyen-Orient), à la polyphonie (voir Polyphonie) (polyrythmique une combinaison de campagnols dans des ensembles de peuples africains, d'accords choraux allemands, de polyphonie subvocale géorgienne quarto-seconde et moyen-russe, Sutartins canoniques lituaniens), rythmique (voir Rythmiques) (en particulier, formules rythmiques qui généralisaient le rythme des mouvements de travail et de danse typiques ), des systèmes d'échelles chantournées (des modes primitifs étroits et volumineux à la « structure mélodique libre » diatonique développée. Les formes des strophes, des distiques (paires, symétriques, asymétriques, etc.) et des œuvres dans leur ensemble sont également variées. La musique musicale existe sous formes à voix unique (solo), antiphonale (voir Antiphon), d'ensemble, chorale et orchestrale. Les types de polyphonie chorale et instrumentale sont variés - de l'hétérophonie (voir Hétérophonie) et du bourdon (un fond de basse au son continu) aux formations polyphoniques et d'accords complexes. Chaque culture musicale folklorique nationale, y compris un système de dialectes folkloriques musicaux, forme un tout musical et stylistique et s'unit en même temps à d'autres cultures en communautés folkloriques et ethnographiques plus larges (par exemple, en Europe - Scandinave, Baltique, Carpates, Balkans, Méditerranée et etc.).

L'enregistrement de la musique folklorique (au XXe siècle à l'aide d'équipements d'enregistrement sonore) est réalisé par une discipline scientifique particulière - l'ethnographie musicale, et son étude - l'ethnomusicologie (folkloristique musicale).

Sur la base de la musique folklorique, presque toutes les écoles professionnelles nationales sont nées, chacune contenant des exemples de diverses utilisations du patrimoine populaire - des arrangements les plus simples de mélodies folkloriques à la créativité individuelle, mettant librement en œuvre la pensée musicale folklorique, les lois spécifiques à une musique folklorique particulière. tradition. Dans la pratique musicale moderne, la musique est une force fertilisante tant pour l’art professionnel que pour diverses formes d’art amateur.

En Russie, les drames « Le tsar Maximilien et son fils rebelle Adolf », « Bateau » (variantes - « Bateau », « Bande de voleurs », « Stepan Razin », « Corbeau noir ») étaient les plus répandus chez le paysan, le soldat, et environnement d'usine ; Les drames « Le roi Hérode » et « Comment le Français a pris Moscou » ont également été joués. De par leur type, ils appartiennent aux drames de lutte contre les tyrans, héroïques ou dits de voleurs connus dans de nombreux pays. « Le tsar Maximilien » a une source littéraire - le drame scolaire « La Couronne de Démétrius » (1704), basé sur « La Vie de saint Démétrius » ; « Le Bateau » (fin du XVIIIe siècle) est une dramatisation de la chanson folklorique « Down the Mother Volga ». La formation finale de ces pièces est associée à l'inclusion dans leur texte de fragments d'œuvres de poètes de la fin du XVIIIe - première moitié du XIXe siècle. - G. R. Derzhavin, K. N. Batyushkov, A. S. Pouchkine, M. Yu. Lermontov, motifs et images de romans imprimés populaires. En Russie, il y avait aussi des pièces satiriques « Le Barin », « Le Barin nu », « Petrouchka ».

Le trait le plus caractéristique du théâtre populaire (ainsi que de l'art populaire en général) est la conventionnalité ouverte des costumes et des accessoires, des mouvements et des gestes ; Lors des représentations, les acteurs communiquaient directement avec le public, qui pouvait donner des indications, intervenir dans l'action, la diriger et parfois y participer (chanter avec le chœur des interprètes, incarner des personnages mineurs dans des scènes de foule). Le théâtre populaire, en règle générale, n'avait ni scène ni décorations. L'intérêt principal n'est pas axé sur la profondeur de la révélation des caractères des personnages, mais sur le caractère tragique ou comique des situations et des situations. Les monologues de sortie des personnages, l'interprétation par les personnages de chansons (folkloriques ou spécialement composées pour la représentation) et les airs d'opéras sont d'une grande importance. Il existe deux types de personnages dans le drame populaire : le dramatique (héroïque ou romantique) et le comique. Les premiers se distinguent par un style très solennel de discours, de monologues et de dialogues, les seconds par des techniques comiques, parodiques et des jeux de mots. Le caractère traditionnel de la représentation dans le théâtre populaire a ensuite déterminé l'émergence d'un type particulier de représentations théâtrales qui ont reçu une forme stable. Dans de nombreux pays, ces représentations sont appelées théâtre traditionnel. Les spectacles de pantomime de danse folklorique sont répandus dans les pays asiatiques depuis l'Antiquité. Sur leur base, s'est formé le théâtre traditionnel des peuples d'Asie : les théâtres wayang topeng en Indonésie, les théâtres kolam sur l'île. Sri Lanka (Ceylan), Kathakali en Inde, etc.

L'originalité des techniques artistiques et scéniques du théâtre populaire a attiré des personnalités professionnelles du théâtre et a été utilisée par elles (W. Shakespeare, Molière, C. Goldoni, A. N. Ostrovsky, E. De Philippe, etc.).

La danse folklorique est l'un des types de danse folklorique les plus anciens. Elle faisait partie des spectacles folkloriques lors des festivals et des foires. L'apparition de danses en rond et autres danses rituelles est associée à des rituels folkloriques (danse du feu de Ceylan, danse aux flambeaux norvégiennes, danses en rond slaves associées aux rituels de curling d'un bouleau, de tissage de couronnes et d'allumage de feux). S'éloignant progressivement des actions rituelles, les danses en rond se sont remplies de nouveaux contenus qui exprimaient de nouvelles caractéristiques de la vie quotidienne. Les peuples pratiquant la chasse et l'élevage reflétaient leurs observations du monde animal dans leur danse. Le caractère et les habitudes des animaux, des oiseaux et des animaux domestiques étaient véhiculés de manière figurative et expressive: la danse du bison des Indiens d'Amérique du Nord, le pencak (tigre) indonésien, la danse de l'ours yakoute, la danse de l'aigle du Pamir, la danse chinoise, la danse indienne du paon, la danse finlandaise du taureau, la grue russe, le jars, les combats de coqs norvégiens, etc. Des danses sur le thème du travail rural sont apparues : danse lettone des faucheurs, danse hutsul des bûcherons, danse estonienne des cordonniers , lyanka biélorusse, poame moldave (raisins), ver à soie ouzbek, babeurre (coton). Avec l'avènement de l'artisanat et du travail en usine, de nouvelles danses folkloriques sont apparues : la danse du tonnelier ukrainien, la danse des souffleurs de verre allemands, la danse carélienne « Comment le tissu est tissé », etc. Les danses folkloriques reflètent souvent l'esprit militaire, la bravoure, l'héroïsme, les scènes de bataille sont reproduites (danses « à la pyrrhique » des Grecs anciens, combinant l'art de la danse avec les techniques d'escrime, le khorumi géorgien, le berikaoba, la danse du sabre écossaise, les danses cosaques, etc.). Le thème de l'amour occupe une grande place dans la musique folklorique de danse ; au départ, ces danses étaient ouvertement érotiques ; plus tard, des danses sont apparues qui exprimaient la noblesse des sentiments, une attitude respectueuse envers une femme (Georgian Kartuli, Russian Baynovskaya Quadrille, Polish Masur).

Chaque nation a développé ses propres traditions de danse, son langage plastique, sa coordination particulière des mouvements, ses méthodes de relation entre le mouvement et la musique ; Pour certains, la construction d'une phrase dansée est synchrone avec la phrase musicale, pour d'autres (parmi les Bulgares) elle n'est pas synchrone. Les danses des peuples d'Europe occidentale sont basées sur le mouvement des jambes (les bras et le corps semblent les accompagner), tandis que dans les danses des peuples d'Asie centrale et d'autres pays de l'Est, l'attention principale est portée au mouvement des les bras et le corps. Dans la danse folklorique, le principe rythmique domine toujours, qui est souligné par le danseur (tassement, applaudissements, sonneries, cloches). De nombreuses danses sont exécutées avec l'accompagnement d'instruments folkloriques que les danseurs tiennent souvent dans leurs mains (castagnettes, tambourin, tambour, doira, accordéon, balalaïka). Certaines danses sont exécutées avec des accessoires ménagers (écharpe, chapeau, plat, bol, bol). Le costume a une grande influence sur la nature du spectacle : par exemple, les danseurs russes et géorgiens sont aidés à bouger en douceur grâce à une longue robe qui couvre leurs pieds ; Un mouvement caractéristique de la danse masculine russe et hongroise consiste à taper sur le dessus des bottes rigides.

L'épanouissement et la popularité de la danse folklorique en URSS ont contribué à l'émergence d'une nouvelle forme scénique : les ensembles de danse folklorique. En 1937, l'Ensemble de danse folklorique de l'URSS a été créé, qui a établi la danse folklorique sur scène dans la chorégraphie professionnelle. Des éléments de danse folklorique sont également utilisés dans le ballet classique. Des ensembles professionnels de danse folklorique et des ensembles de chant et de danse ont été créés dans toutes les républiques de l'Union soviétique. Les groupes de danse folklorique professionnels et amateurs sont courants dans les pays du monde entier (voir Danse).

L'architecture populaire, les beaux-arts et les arts décoratifs comprennent les outils, les bâtiments (voir Architecture en bois, Habitat), les ustensiles et l'ameublement de la maison (voir Bois dans l'art, Fer, Céramique, Vernis artistiques, Meubles, Cuivre, Récipients d'art, Verre), les vêtements et les tissus. (voir Broderie, Kilim, Tapis, Dentelle, Tissu imprimé, Vêtements, Tissus d'art), jouets (Voir Jouet), Lubok, etc. Parmi les procédés artistiques et techniques les plus importants courants dans la science et la technologie figurent la poterie, le tissage, la sculpture artistique, la peinture décorative, le forgeage, le moulage artistique, la gravure, le gaufrage, etc. L'architecture populaire et les arts décoratifs appartiennent à la production matérielle et sont de nature directement créative ; d'où l'unité en eux des fonctions esthétiques et utilitaires, de la pensée imaginative et de l'ingéniosité technique.

En créant et en concevant un environnement basé sur les objets et en donnant une expression esthétique aux processus de travail, à la vie quotidienne, au calendrier et aux rituels familiaux, N. t. fait partie intégrante de la structure en évolution lente de la vie des gens depuis des temps immémoriaux. Dans certaines caractéristiques du N. t., des normes de travail et de vie, des cultes et des croyances peuvent être retracés, remontant au néolithique et à l'âge du bronze. L'élément le plus courant de la conception artistique est l'ornement, né dans l'Antiquité, qui contribue à réaliser l'unité organique de la composition et est profondément lié à la technique d'exécution, au sentiment du sujet, à la forme plastique et à la beauté naturelle. du matériel. Des motifs ornementaux individuels, dont la plupart avaient à l'origine une signification mythologique (« arbre du monde », « grande déesse » avec ses prochains, symboles solaires), capturaient les caractéristiques de la conscience primitive, les moyens mythologiques et magiques de communiquer avec la nature. Ces racines anciennes apparaissent, par exemple, dans les jouets populaires, dans lesquels on retrouve les caractéristiques de l'art plastique culte primitif. Les œuvres de N. t. se caractérisent souvent par un lien spécifique avec l'une ou l'autre coutume, qui persiste même lorsque le souvenir du caractère culte ou de la conditionnalité mythologique de cette coutume se perd. Cela explique également la fragilité et l'éphémère de nombreux objets du N. t. (dessins sur sable, œufs peints), destinés à une reproduction périodique dans le cadre d'un rituel régulièrement répété.

Contrairement au « grand » art de l’élite sociale, N. t. ne connaît pas de changements contrastés dans les styles artistiques. Au cours de son évolution, de nouveaux motifs individuels apparaissent, mais le degré de stylisation et la nature de la compréhension des motifs anciens changent davantage ; les images autrefois associées aux idées indigènes sur le monde ont progressivement acquis une signification étroitement utilitaire (par exemple, dans diverses amulettes et signes magiques qui décoraient des objets du quotidien) ou ont commencé à jouer un rôle purement décoratif, tandis que la forme de l'objet n'a souvent subi que changements structurels et fonctionnels mineurs. L'idée d'une chose dans l'art scientifique n'est généralement pas fixée dans un modèle ou un dessin préparatoire, mais vit dans l'esprit et la main du maître ; en même temps, les résultats de son ingéniosité individuelle, conduisant au développement des méthodes de travail les plus rationnelles, doivent être acceptés par le collectif populaire. De ce fait, la tradition fixée par des siècles de sélection subit des changements spécifiques constants, mais seulement partiels. Les objets les plus anciens (par exemple les louches en bois en forme de canard) peuvent être extrêmement proches du vivant ; Les interprétations ultérieures de ces formes dans la littérature scientifique, tout en préservant la typologie et la base figurative originales, les combinent avec des techniques séculaires de généralisation, de stylisation décorative et d'utilisation rationnelle des moyens techniques et des matériaux.

À mesure que la société se différencie en classes, les conditions préalables se présentent pour l'émergence d'une production artistique, répondant aux besoins des couches inférieures de la société et limitée dans un premier temps au travail artistique domestique pour soi et à l'artisanat villageois. La présence d'une branche folklorique particulière est déjà révélée dans l'art ancien (par exemple, dans les objets votifs (Voir Objets votifs) du cercle italo-étrusque, rappelant la sculpture néolithique). Les monuments initiaux de l'architecture de palais et même de l'architecture religieuse sont clairement liés aux exemples antiques les plus simples d'architecture populaire en bois et en pierre (Megaron égéen, halle allemande), aux habitations portables des nomades, etc., mais ensuite aux voies de la construction urbaine et immobilière et populaire architecture servant à la vie essentiellement paysanne (maison d'habitation, aire de battage, grange, hangar, écurie, etc.).

Dans l'Europe médiévale, la culture de l'Église féodale s'opposait au désir de préserver la tradition culturelle du système clanique, l'isolement économique et politique et le culte des dieux locaux ; une expression de ceci est devenue le courant populaire de l'art médiéval, généralement saturé d'images du style animalier (voir Style animalier). La vision populaire du monde, exprimée avec une pureté particulière dans les bijoux-amulettes païens, apparaît également dans des monuments qui sont des exemples de l'influence de la culture populaire sur la cour et l'église (tels sont les reliefs de l'école de Vladimir-Suzdal (voir École de Vladimir-Suzdal) , plasticité grotesque des églises romanes et gothiques, ornementation des manuscrits). Cependant, le sous-développement des relations marchandise-argent, la faible différenciation des formes de vie, ainsi que l'anonymat fondamental de l'art médiéval et la proximité de ses maîtres avec le peuple n'ont pas contribué à l'isolement complet de l'art. est entrée dans les premiers stades du développement capitaliste, en particulier dans la Russie médiévale, telle que la situation a persisté jusqu'à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle. Dans les pays de l'Est, qui ont conservé pendant longtemps le mode de vie médiéval (jusqu'aux XIXe et XXe siècles), tous les arts décoratifs et appliqués sont profondément imprégnés de savoir-faire artisanal populaire, et les arts et métiers très développés ne sont pas fondamentalement différent des métiers des couches privilégiées ; dans les beaux-arts de plusieurs pays, il existe un fort courant folklorique (estampes populaires chinoises, japonaises, indiennes). Enfin, dans les pays qui ont connu la colonisation, la base de la technologie nationale était généralement l'ancienne culture indigène, même si elle absorbait de nombreuses caractéristiques des cultures introduites.

Avec la décomposition de la féodalité et du système des corporations, un artisanat d'art populaire travaillant pour le marché a émergé ; Grâce à cela, N.T., tout en conservant un lien étroit avec la vie populaire, maîtrise de nouveaux types de produits, de nouvelles formes et de nouveaux thèmes. D'autre part, l'identification de l'individualité artistique et le culte de l'art ancien, établis à la Renaissance, conduisent à ce que l'art littéraire émerge de plus en plus clairement comme quelque chose de local, isolé, lié à l'antiquité indigène. Culture artistique populaire - œuvres d'art religieux (peinture votive, icônes peintes sur verre, sculpture peinte), se développant rapidement à partir des XVIe-XVIIe siècles. (surtout dans les pays de culte catholique), la conception des fêtes, les estampes populaires, avec leur archaïsme naïf des formes, ont déjà un système figuratif complètement différent de celui des œuvres d'art exquises, parfois innovantes et inhabituelles ; Un écart similaire apparaît dans le style des articles ménagers. Cet écart est moins visible là où les éléments folkloriques pénètrent profondément dans la culture des couches privilégiées et de l'Église. En Russie, cela se manifestait par exemple dans l’architecture du palais du village. Kolomenskoïe (XVIIe siècle), avec son abondance de formes d'architecture populaire en bois, et dans les pays d'Amérique latine - dans le décor des églises baroques, qui absorbaient les caractéristiques de l'art des civilisations précolombiennes. Aux XVIIe-XVIIIe siècles. dans le NT, le principe idéographique s'affaiblit sensiblement. Dans les motifs végétaux, qui remplacent désormais partout les motifs symboliques et géométriques, la structure décorative devient plus libre et plus diversifiée. De plus en plus d'observations nouvelles et de sujets quotidiens pénètrent dans le folklore, et il y a un désir croissant d'une compréhension féerique et folklorique de la vie des couches supérieures de la société, d'emprunter les formes des styles dominants et de simuler la texture des vêtements coûteux. et des matériaux à forte intensité de main d'œuvre. Cependant, les nouveaux motifs et formes (Renaissance, baroque, Empire), pénétrant dans le style littéraire, ne conservent qu'une ressemblance très lointaine avec le modèle, se simplifiant et se figeant dans un schéma décoratif rythmiquement clair. En général, pour le XVIIe et le début du XIXe siècle. C'est l'époque de l'apogée du N. t., qui a donné une extraordinaire variété de ses types et de ses formes. Cela a été facilité par l'équipement de l'art populaire avec des matériaux et des outils auparavant inaccessibles, l'émergence de nouvelles capacités techniques, l'élargissement des horizons des artistes populaires et le développement de la poésie et de la satire populaires.

Dans le 19ème siècle la production artisanale, en plein développement, est de plus en plus entraînée dans le système de l'économie capitaliste ; Dans la plupart des pays, l'artisanat commercial est finalement séparé de l'artisanat domestique conservateur. En Russie, après 1861, les arts et l'artisanat populaires acquièrent le caractère d'ateliers privés travaillant pour le marché panrusse. La spécialisation étroite des métiers, la division croissante du travail et la standardisation des motifs donnent naissance à des motifs et des formes extrêmement fusionnés avec des techniques virtuoses d'exécution technique (atteignant parfois presque la vitesse d'une machine) ; dans le même temps, le savoir-faire artisanal et mécaniquement impeccable éclipse de plus en plus la créativité. En imitant des exemples de production urbaine de masse, souvent aléatoires et anti-artistiques, les maîtres détruisent l'unité des principes techniques et esthétiques typiques du folklore. Les compositions auparavant strictement organisées et riches en associations sémantiques deviennent plus libres, mais moins logiques. En peinture, les peintures à la détrempe sont remplacées par des peintures à l'huile, puis par des peintures à l'aniline ; l'icône folklorique et l'estampe populaire sont remplacées par l'oléographie ; en plastique, la forme tridimensionnelle de l'objet perd son caractère architectural. L'image et l'ornement, auparavant fusionnés avec la chose, deviennent désormais comme une image collée sur la surface. Certaines industries, incapables de résister à la concurrence des produits d’usine bon marché, déclinent ou disparaissent, mais d’autres émergent et se développent, principalement en utilisant des techniques, des styles et même des exemples d’art professionnel sur chevalet et de l’industrie de l’art commercial. Dans un certain nombre de pays qui possédaient auparavant le patrimoine culturel le plus riche (Angleterre, Danemark, Pays-Bas), il disparaît presque complètement, mais se développe intensément dans des zones industriellement arriérées qui ont conservé de puissantes couches de culture médiévale (provinces du nord de la Russie, Bretagne en France, Tyrol en Autriche, Slovaquie, pays des Balkans, Espagne, Sicile en Italie).

Depuis le milieu du XIXe siècle, suite à la reconnaissance de la valeur du folklore verbal, l’intérêt pour l’art décoratif populaire s’est manifesté dans un certain nombre de pays. Depuis lors, l'esthétique de l'art national (à la fois national et exotique), ses couleurs et son rythme ont influencé de plus en plus l'architecture professionnelle et les arts visuels et décoratifs. La collecte des collections d'art commence, les organismes publics et les cercles philanthropiques font revivre un certain nombre d'artisanat disparus et en organisent de nouveaux. Cette activité prend une ampleur particulière au tournant des XIXe et XXe siècles. avec la diffusion du style « moderne » et des mouvements nationaux-romantiques associés. Cependant, en imposant des solutions de type chevalet aux artisans populaires, les artistes et les théoriciens du « modernisme » ont souvent fait preuve d'un manque de compréhension des spécificités de la peinture artistique. Des erreurs similaires ont été commises plus tard (y compris dans la pratique soviétique des années 1930-1950) ; dans un certain nombre de pays capitalistes, au contraire, des tentatives ont été faites pour rapprocher la sculpture et l'ornementation populaires de l'art abstrait.

Les œuvres d'art populaire moderne sont principalement de la nature d'objets de décoration et de souvenirs, indiquant au sens figuré le caractère unique de la culture populaire d'une région particulière ; Grâce à leur aspect clairement artisanal, ils confèrent des caractéristiques de tradition nationale et d'humanité immédiate à un environnement créé en grande partie par des moyens industriels standardisés. Les arts et l'artisanat populaires jouent un rôle important dans les économies des pays en développement. Dans de nombreux pays (principalement en URSS et dans d'autres États socialistes), des fonds sont recherchés pour protéger l'artisanat populaire et son originalité artistique, les activités des artisans populaires sont encouragées par le biais de concours et d'expositions, les écoles et collèges professionnels forment des artistes et des interprètes. Avec la participation d'instituts de recherche et de musées, les traditions sont soigneusement étudiées et des échantillons d'art sont collectés, notamment afin de mettre en valeur des produits et des techniques décoratives en phase avec le mode de vie moderne. N. t. a une influence intacte sur l'industrie de l'art, aidant à trouver les formes et les décors les plus expressifs des objets du quotidien ; Certaines caractéristiques de l'art populaire se retrouvent dans les œuvres d'artistes amateurs ainsi que d'artistes professionnels qui utilisent l'expérience de l'art populaire. En URSS, un certain nombre d'artisanats populaires disparus ont été relancés, beaucoup ont reçu un nouveau développement et une nouvelle orientation associés à la vie soviétique (par exemple, d'anciens centres de peinture d'icônes sont devenus des centres de miniatures en laque de renommée mondiale). Dans les divers types et genres de la littérature soviétique, la préservation minutieuse des traditions populaires se combine avec une diversité d’intérêts et une perception active de la réalité soviétique.

Pour plus d'informations sur les arts littéraires de divers peuples, consultez les sections Littérature, Architecture et Beaux-Arts, Musique, Ballet, Théâtre dramatique et Cirque dans les articles sur les différents pays et les républiques de l'URSS.

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Dans un sens large art populaire (folklore) - ce sont la poésie (légendes, contes de fées, épopées), la musique (chansons, airs, pièces de théâtre), le théâtre (drame, théâtre de marionnettes, pièces satiriques) créés par le peuple sur la base de l'expérience créatrice collective, des traditions nationales, de la danse, de l'architecture, beaux-arts et décoratifs - arts appliqués. Les œuvres d'art populaire ont une valeur spirituelle et matérielle et se distinguent par leur beauté et leur utilité. Les maîtres des arts et métiers populaires créent leurs œuvres à partir d’une variété de matériaux. Les plus courants sont : la céramique artistique, le tissage de dentelles, la broderie, la peinture, la sculpture sur bois ou sur pierre, la gravure, la ciselure, etc. On peut utiliser de la vaisselle peinte, des serviettes en dentelle, des planches de bois sculptées, des serviettes brodées dans la vie de tous les jours.

17. Types d'art populaire. Il y a deux directions : artisanat d'art urbain Et arts et métiers populaires. A titre d'exemple d'artisanat artistique traditionnel, on peut citer : la peinture sur bois Khokhloma, Gorodets, Dvina du Nord) et sur porcelaine (Gjel), les jouets en argile (Dymka, Kargopol, Filimonovo), les poupées gigognes (Sergiev Posad, Polkhov - Maidan), plateaux (Zhostovo), miniatures en laque (Fedoskino, Palekh, Kholuy), foulards (Pavlovsky Posad), jouets en bois sculpté (Sergiev Posad, Bogorodskoye), bijoux (Kubachi).

18. Décoratif. La décoration dans les arts populaires et décoratifs est le principal moyen d'expression de la beauté, et en même temps elle est une caractéristique des œuvres d'autres types d'art. L'image décorative n'exprime pas l'individu, mais le général - « l'espèce » (feuille, fleur, arbre, oiseau, cheval, etc.). Une image décorative nécessite une pensée artistique et imaginative. Par conséquent, dans l'art populaire, il est d'usage de mettre en évidence des types d'images de produits de l'artisanat artistique traditionnel, qui reflètent les idées mythologiques et esthétiques du peuple. Par exemple, l'image d'un oiseau, d'un cheval, de l'arbre de vie, d'une femme, des signes-symboles de la terre, de l'eau, du soleil peuvent être vus dans divers matériaux artistiques : broderie, tissage, dentelle, peinture sur bois et métal, sculpture sur bois, céramique, etc. La durabilité et le caractère traditionnel de ces images et leur nature archétypale déterminent en grande partie la haute valeur artistique et esthétique des œuvres d'art populaire. Dans le même temps, l'universalité des types d'images dans l'art des différents peuples du monde montre leur unité, associée à la communauté des approches du processus de cognition esthétique des phénomènes naturels et sociaux. Les images des arts décoratifs professionnels reflètent également les idées d’un peuple particulier sur la beauté. Ils sont aussi souvent créés à partir de motifs naturels ou géométriques, mais ici une grande liberté est laissée dans l'interprétation des images. Les sujets historiques ou les thèmes de la vie moderne sont activement utilisés dans les œuvres d’art appliqué.

19. Traditions artistiques populaires. Les auteurs d'études modernes dans le domaine de l'histoire de l'art considèrent les traditions comme un phénomène dialectique associé non seulement au passé, mais aussi au présent et au futur. Selon S.B. Rozhdestvenskaya, la tradition est un trésor de tout ce qui est esthétiquement parfait qui a été transmis de génération en génération, un complexe de moyens visuels à la fois stables et changeants. La formation et le développement des traditions artistiques populaires d'une région particulière ont eu lieu sous l'influence de facteurs naturels, géographiques, culturels et socio-économiques. M. Nekrasova considère l'art populaire comme un système créatif, culturel et historique qui s'affirme à travers la continuité des traditions et des fonctions comme un type particulier de créativité artistique dans les activités collectives du peuple. Et chaque nation porte sa propre culture de traditions poétiques, figuratives et artisanales. Ils ont mis des siècles à se développer et ont été peaufinés par de nombreuses générations de personnes. Avec les traditions de l'art populaire, non seulement le savoir-faire est transmis, mais aussi les images, les motifs appréciés du peuple, les principes et techniques artistiques. Les traditions constituent les principales couches de la culture artistique populaire - écoles et en même temps déterminent la vitalité particulière de l'art populaire. Il est impossible de sous-estimer le pouvoir de la tradition pour le développement de l’art populaire. M.A. Nekrasova justifie à juste titre la richesse artistique des images, des formes, des moyens et des techniques sur cette base même. Elle croit que seulement particulièrement particulier dans les systèmes nationaux, dans les systèmes régionaux, dans les systèmes d'écoles d'art populaire, la vie de l'art populaire en tant que centre culturel peut être déterminée ; seule une tradition vivante permet son développement. Loi de la tradition il s'avère que la principale force du développement.

20. Caractère national. Dans l'art populaire le tempérament national et le caractère national sont exprimés. Ils déterminent en grande partie la variété des formes d'art populaire. L'intégrité de l'art populaire en tant que structure artistique est la clé de sa compréhension. Tradition dans ce cas - méthode créative. Le traditionnel apparaît dans l'art populaire sous la forme d'un système pour lequel les aspects suivants sont importants : le lien entre l'homme et la nature, l'expression du national, les écoles d'art populaire (nationales, régionales, régionales, école des métiers individuels). Dans l'art populaire, les compétences artistiques, la dextérité technique, les méthodes de travail et les motivations sont transmises de maître à élève. Le système artistique se développe collectivement. Après les avoir maîtrisés, les élèves ont la possibilité de varier leurs motifs picturaux préférés. Et ce n'est que sur la base de l'expérience acquise qu'ils passent à l'improvisation basée sur la peinture et à la composition de leurs propres compositions. Si chacun passe sans faute par l'étape de répétition et de variation, alors seuls les étudiants les plus talentueux capables de devenir de véritables maîtres dans leur métier se mettent au travail au niveau de l'improvisation.

21 . Composition comment une relation significative entre les parties d'une œuvre d'art dans les arts populaires et décoratifs peut être construite selon divers schémas. Classiquement, on distingue les éléments actifs suivants d'une composition décorative : couleur, ornement, intrigue (thème), solution plastique planaire ou volumétrique. Pour comprendre les modèles de composition, il est nécessaire de percevoir l'image d'un objet artistique ou d'une composition spatio-volumétrique dans son ensemble.

22. Couleur- l'un des moyens d'expression des arts populaires et décoratifs - est considéré comme l'élément le plus important d'une image décorative. Il n’est pas associé à des caractéristiques spécifiques de l’objet ou du phénomène représenté. Chaque centre d'art populaire crée ses propres solutions coloristiques pour les objets artistiques, associées à la technologie traditionnelle de traitement des matériaux, de préservation des archétypes et d'autres conditions de créativité collective. Atteindre l'expressivité dans le travail décoratif est associé à des contrastes de tons et de couleurs. Dans les travaux décoratifs, les artistes veillent également à la relation harmonieuse des couleurs, et les couleurs réelles des objets peuvent être remplacées par des couleurs symboliques. L'unité coloristique de tous les éléments des ornements est obtenue à l'aide de contrastes ou de nuances de couleurs. Lors du choix des relations de couleurs dans les travaux de décoration, la taille des parties du motif, leur disposition rythmique, la fonction de l'objet et le matériau à partir duquel il est fabriqué sont pris en compte.

23. Sujet. Dans la sculpture décorative ou sur des récipients en céramique, le thème et le sujet peuvent être exprimés de diverses manières. Par exemple, dans les céramiques de Gjel, une scène de goûter est représentée sur des plats ou sculptée dans du petit plastique. Et le récipient se transforme facilement en animal ou en oiseau. Une composition décorative thématique a ses propres motifs, son propre langage artistique. Comme toute œuvre d’art, elle raconte des personnes, des choses ou des événements. Mais en même temps, l'histoire picturale est subordonnée à des fins décoratives, en règle générale, elle sert à décorer l'objet. Par conséquent, la composition décorative est également liée à l’ornement. Ses options sont innombrables en fonction de tâches spécifiques, et les possibilités artistiques peuvent être élargies en utilisant une variété de matériaux et de techniques, en modifiant le but et l'échelle de l'image. Le thème d’une composition décorative peut être exprimé d’une manière qui le distingue fondamentalement de la composition d’un tableau. Les relations spatiales de la nature réelle peuvent être complètement absentes. L'image d'un paysage peut se déployer non pas en profondeur, mais vers le haut ; dans ce cas, les plans lointains sont placés au-dessus des plans proches.

Nadejda Obydennova
Introduction aux arts et métiers populaires russes dans la créativité artistique des enfants

Sujet: « Introduction aux arts et métiers populaires russes dans la créativité artistique des enfants».

"La vue la plus haute art,

Le plus talentueux, le plus brillant

Est art folklorique, c'est,

Qu'est-ce qui est sauvegardé, quoi personnes porté à travers les siècles. »

M. I. Kalinine

Actuellement, divers changements sociaux se produisent dans la vie, qui ont littéralement fait irruption dans la vie de chacun de nous. Et parmi eux, il y a ceux qui affectent négativement le monde de l’enfant. Jeux folkloriques, amusants, les jouets sont remplacés par les écrans de télévision et les jeux informatiques.

Élever un citoyen et un patriote qui connaît et aime sa patrie est une tâche particulièrement pertinente aujourd’hui et ne peut être résolue avec succès sans une connaissance approfondie de la richesse spirituelle de sa patrie. personnes, développement culture populaire.

Il est impossible d'imaginer la culture russe sans art folklorique, qui révèle les origines primordiales de la vie spirituelle les Russes, démontre clairement ses valeurs morales et esthétiques, artistique goûts et fait partie de son histoire. Art folklorique préserve et transmet aux nouvelles générations les traditions nationales et développées par les gens formes d'attitude esthétique envers le monde.

l'artisanat est l'un des facteurs du développement harmonieux de la personnalité. Vivre la beauté art folklorique l'enfant éprouve des émotions positives, sur la base desquelles des émotions plus profondes surgissent sentiments: joie, admiration, ravissement. L'imagerie, la pensée et l'imagination se forment.

Tout cela provoque enfants le désir de transmettre la beauté perçue, de capturer ces objets arts décoratifs populaires ce qu'ils ont aimé, leur activité créatrice s'éveille et se développe, des sentiments esthétiques se forment et goût artistique, évaluation esthétique des objets russe. U enfants diverses capacités se forment - comment artistique, tellement intelligent. Contact avec l'art populaire enrichit l'enfant, favorise la fierté de soi personnes, maintient un intérêt pour son histoire et sa culture.

Dans mon travail, j'utilise le programme "Joie la créativité» O. A. Solomennikova, dont le but est: "développement capacités artistiques et créatives des enfants à travers le folk et

l'artisanat».

Pour atteindre cet objectif, les principales tâches sont mises en œuvre éducation artistique:

Développer un intérêt pour diverses espèces art, formation des premières idées sur art, la capacité de le percevoir ;

Formation artistiquement- idées et pensées figuratives, attitude émotionnelle-sensuelle envers art, éducation au goût esthétique ;

Développement créatif capacités en dessin, modelage, appliqué;

Développement de la motricité fine des mains enfants;

Développement des capacités de perception sensorielle, sens de la couleur, du rythme, de la composition ;

Communion les enfants aux meilleurs exemples d'art.

Après avoir étudié les objectifs d'apprentissage enfants avec art populaire, j'ai élaboré un plan à long terme pour initier les enfants à l'artisanat populaire, qui indique des objectifs d'apprentissage spécifiques, des sujets pour les cours de dessin, de modelage, d'appliqué et de travaux connexes avec les enfants.

Afin de résoudre les tâches définies, j'ai commencé par organiser le développement

environnement. Matériel pratique et méthodologique sélectionné

manuels, qui incluent des éléments authentiques

artisanat populaire - Khokhloma, Gjel, jouets Dymkovo,

Zhostovo, poupées gigognes, jouet Filimonovskaya, produits Gorodets ; illustrations, albums pour chaque type art folklorique. De nombreux supports pédagogiques ont été créés par eux-mêmes mains: jeux éducatifs- "D'où vient cet oiseau?", "Nommez les éléments du motif",

tableaux avec des éléments peintures folkloriques, dossier avec des silhouettes en papier.

Dans les groupes, un environnement de développement de matières pour des activités visuelles a été créé, où se trouve du matériel accessible pour la créativité, la présence de différents types - peintures, gouaches, crayons de couleur, cire, huile, pinceaux, cotons-tiges, tampons, etc. Conformément au sujet des cours, les centres ont été réapprovisionnés créativité artistique en groupe avec des objets, des manuels l'artisanat.

L'ensemble du processus éducatif est divisé en deux scène:

1. Étape – Préparatoire

Tâches:

- Faire découvrir aux enfants des exemples d'artisanat populaire;

Développer la capacité de voir, de comprendre et d’apprécier la beauté de l’artisanat artisanat artistique;

Percevoir le contenu du motif, les caractéristiques de ses moyens visuels et expressifs ;

Former un sentiment de rythme, de symétrie, d'harmonie.

2. Étape – Pratique

Tâches:

Transférez indépendamment vos impressions et vos idées sur populaire plastique de différents types activité artistique: modélisation et dessin ;

Construire indépendamment une composition de motifs sur différents produits, en tenant compte de leur forme ;

Composer indépendamment des compositions de motifs, utiliser des combinaisons de couleurs basées sur la connaissance des caractéristiques des peintures ;

Utiliser des techniques traditionnelles et non traditionnelles pour effectuer le travail.

Après avoir soigneusement étudié les matériaux concernant l'histoire du développement de divers métiers, elle a clarifié les méthodes et techniques utilisées en peinture. Les méthodes suivantes sont utilisées - examen, visualisation, verbale, motivationnelle, pratique, techniques - créer une situation de jeu, montrer des manières de représenter de nouveaux éléments, nommer les éléments du motif, relier l'examen du produit de l'artisan avec le élaboration ultérieure de modèles, "geste de la main".

Pour le developpement capacités créatives des enfants J'ai utilisé une technique de dessin non conventionnelle - peinture au doigt, impression avec un bouchon, un capuchon et la méthode du piquage. Cette technique est utilisée dans la peinture de Dymkovo, Khokhloma et Gjel.

Faire découvrir aux enfants les produits folkloriques J'ai essayé d'enseigner les métiers enfants voir les propriétés esthétiques des objets, la variété et la beauté des formes, la combinaison des couleurs et des nuances, car en regardant, en regardant attentivement et en réfléchissant, les enfants apprennent à comprendre, ressentir, aimer.

Dans un but d'éducation émotionnelle, l'examen des objets était accompagné de mots artistiques(contes de fées, légendes, poèmes, comptines, blagues, musique folklorique, Chansons russes. De brèves caractéristiques figuratives aident les enfants à se souvenir de tel ou tel personnage et à adopter une attitude amicale à son égard.

J'ai choisi les formes de cours de direction différent: un voyage à travers l'Antiquité villes russes, célèbre dans le monde entier pour son l'artisanat, transformation en maîtres - artistes, excursions vers un conte de fées. J'ai essayé de donner des cours de manière ludique, tout le monde invente titres: «Écharpe pour Mashenka», "Serviette pour un lapin", "Cuillère pour Zhiharka" et d'autres. Les enfants se voient confier une tâche de jeu visuel intéressante et motivée ; la leçon comprend un ensemble de jeux Actions: peindre une tasse ou un plat, offrir un foulard, habiller une poupée gigogne. Utilisation de matériel visuel mot artistique, musique - tout cela m'aide à aider les enfants à entrer dans un monde insolite art, attacher à culture artistique. Cela rend l’activité vivante et intéressante. Par conséquent, les enfants s'avèrent brillants, des œuvres colorées.

Consolider les connaissances sur populaire dans les domaines, nous organisons des cours intégrés qui aident à résoudre des problèmes de divers Régions: musique, lecture fiction, cognition, communication et autres. Dans de telles classes, la relation entre les éducateurs, le directeur musical et les enseignants de l'enseignement complémentaire est clairement visible.

Travaux finaux sur familiarisation avec tout type de gens la peinture se reflète dans les œuvres collectives enfants, qui servent à décorer les salles de groupe ou les vestiaires.

Des expositions communes sont organisées créativité des enfants et de leurs parents sur l'artisanat populaire"Motifs indigènes".

Parallèlement, un travail est mené avec les enseignants, qui comprend des conversations et des consultations sur le développement de créatif capacités et l'utilisation de techniques de dessin non traditionnelles, montrant des cours ouverts sur dessin décoratif.

Le travail effectué se reflète dans le comportement de la vie enfants: ils sont devenus plus indépendants, plus travailleurs, et respectent le travail de leurs aînés.

Les connaissances se sont approfondies les enfants à propos du matériel, à partir duquel les maîtres créent des œuvres art, vocabulaire élargi. Et surtout les enfants compris: la richesse de l'original l'art est dans son peuple, dont les mains talentueuses se multiplient, se développent et sauvent de l'oubli ancienne culture russe de la Russie.