Qu’est-ce que le « théâtre de l’absurde » ? Quelles performances peuvent être illogiques et quels réalisateurs peuvent transformer l’absurdité en révélation ? Notre revue comprend des performances exemplaires du genre le plus original. Ceux qu’il faut regarder en premier.

Les adeptes de l'absurde dans l'art en général, à la suite des fondateurs du genre (Ionesco, Beckett), affirment l'absurdité de l'existence humaine et perçoivent le monde comme une décharge (« un tas d'actions, de mots et de destins » — Wikipédia). Il n'y a souvent aucune relation de cause à effet dans leurs créations et les héros ne peuvent pas se comprendre. Bien que le « théâtre de l’absurde » dans son sens direct et précis soit rare, l’esthétique absurde devient sensiblement plus populaire. Cela s’étend déjà non seulement aux classiques de l’absurde, mais aussi aux classiques en général. Le maître reconnu ici, bien sûr, est Yuri Pogrebnichko, dont les performances respectivement « Hier est venu soudainement… » et « L'avant-dernier concert d'Alice au pays des merveilles », d'après Milne et Carroll, sont depuis longtemps devenues cultes. Mais aujourd'hui, Butusov « coupe » Shakespeare, Krymov transforme Tchekhov en un film d'horreur moderne, et au Centre Gogol et au Théâtre de la jeunesse de Moscou, ils sont imprégnés d'amour pour Kharms et Vvedensky. Ce qu’ils réalisent tous à la fin mérite grandement l’attention du public. Le kitsch, que pourrait bien être tout flirt avec le genre absurde, est ici absent. Au lieu de cela - le goût, le style et la profondeur philosophique.

« »
Satyricon

Excessif, excentrique, maître de scène choquant. Yuri Butusov a transformé l'Othello de Shakespeare en quelque chose d'inimaginable. En une sorte de messe théâtrale qui réunit les incompatibles : Shakespeare retourné (en trois traductions à la fois : Soroka, Leitin et Pasternak), Pouchkine, Tchekhov et Akhmatova. Le mix énergétique est si puissant que tous les spectateurs ne peuvent pas le supporter.
Une découverte phénoménale est la peinture noire qu'Othello-Denis Sukhanov, à la peau blanche, applique sur son visage et ses mains. C’est comme si l’enfer démontrait ses droits ; avec une telle « marque », il ne sera plus possible de vivre comme avant.
Il y a aussi des foules de femmes avec du mascara qui coule, des seins qui sortent de manière invitante de décolletés profonds, avec un désir fou dans les yeux. Hommes-lâches maladroits et serviteurs invisibles silencieux... Un extrait de « Ruslan et Lyudmila », danse au piano et même « nudité ».
Butusov fait des énigmes, mais ne fait même pas allusion aux réponses. Seule l'artiste Alexandra Shishkin maîtrisait le chiffre fou de la pensée du réalisateur. Il y a des montagnes de déchets sur scène. Des cartons, des cintres, des manteaux froissés d'un millésime inconnu, des fleurs artificielles, des lits, une tête de mort et même un bateau sur des cordes en bois... Tant de choses éblouissent les yeux, la signification de chacune d'elles sur scène est floue. Mais le chaos de ce monde est perceptible et « breveté ». Ce n’est que dans une décharge que l’amour se transforme si vite en haine et la spéculation en phrase.

photo d'Ekaterina Tsvetkova

« »
Près

L'absurdité au théâtre. Source : Absurdité au théâtre.

Le spectacle, qui combine la pièce de Volodine « Ne vous séparez pas de vos proches » avec les scènes principales du roman de Dostoïevski, est à la fois une déclaration philosophique sur l'éternel et la plus satire de notre vie quotidienne sans valeur et absurde, du passé terrible et de la avenir inconnu.
Nous avons devant nous une série de couples mariés dont le « bateau de l’amour s’est écrasé dans la vie quotidienne ». « Boire, battre », « avoir une femme », « tromper », « pas d'intérêts communs »... leurs explications au tribunal sont familières à l'audition et n'évoquent pas d'émotions. Mais Pogrebnichko est à cela que sert Pogrebnichko : transformer les drames quotidiens en absurdité frénétique et éternelle. Ainsi, l'angoisse mentale en présence d'un juge (interprété impeccablement par Olga Beshulya) se transforme en un spectacle homérique et drôle intitulé « Le divorce dans un pays soviétique ». Des scènes du roman de Dostoïevski se faufilent dans ce spectacle comme « par hasard » (heureusement, il n'est pas nécessaire de changer de vêtements : les crinolines du XIXe siècle et les doudounes de l'époque soviétique se mariaient toujours parfaitement dans ce théâtre). Porfiry Petrovich met Raskolnikov en lumière, Raskolnikov explique à Sonechka Marmeladova, etc. Puis soudain, les abîmes métaphysiques sont remplacés par la « vie quotidienne » soviétique, puis complètement par une interprétation chorale de tubes du passé : « Les marguerites se sont cachées, les renoncules tombé. » Toute cette « bouillie » semble inexplicablement hystérique, mais sans pathétique. De plus, il parle de la chose la plus importante : de la douleur éternelle chez les gens et dans leurs relations. À quel point il est effrayant que personne ne sache comment ou veuille soulager cette douleur.

photo de Victor Pouchkine

« »
École d'art dramatique

L'absurdité au théâtre. Source : Absurdité au théâtre.

Le spectacle est basé sur une seule phrase des « Trois Sœurs » (« Balzac s'est marié à Berdichev »), le reste est une brillante horreur de Dmitri Krymov, un maître des énigmes scéniques et des métaphores visuelles. Sa fantaisie n'obéit à aucune loi théâtrale ni même à une simple logique. Tchekhov n'est pour lui qu'une raison pour sa propre expérience.
Krymov et son équipe ont transformé les sœurs de Tchekhov en clowns laids, comme les sorcières d'une histoire d'horreur de science-fiction. Masha a « fait pousser » des bosses sur ses jambes et le nez d'Anna Akhmatova est apparu de quelque part. Les oreilles d'Irina sont devenues gigantesques et Olga s'est transformée en un chignon gris et dodu. Effrayant, misérable. Comme tout le monde. Jugez par vous-même : Vershinin est sans main. Salé - avec trois. Andrey en robe de femme et avec un ventre de femme enceinte, Chebutykin à l'image d'un médecin maniaque incompétent. Les héros ne réalisent clairement pas leur propre infériorité - ils mangent joyeusement une pastèque sur scène (oh, quelle scène cela s'est avéré !), hypnotisent des tasses de thé, se moquent les uns des autres, brûlent une ville de papier dans un bassin de cuivre. Il n’y a aucune trace de dialogue dans la pièce, ni l’atmosphère visqueuse de « ne rien faire ». Quelque chose se passe tout le temps sur scène, parfois hilarant, parfois extrêmement triste et parfois tragique. Le réalisateur prive délibérément le spectateur d'un point d'appui - que tout ce qui se passe sur scène soit drôle ou effrayant n'est finalement pas évident. Aucune scène d’une nouvelle représentation ne peut être prédite. Peut-être que vous ne comprendrez rien tout de suite. Mais il est impossible de ne pas en saisir le sens, l’idée. Nous sommes tous de drôles de petits monstres qui vivent comme s’ils étaient immortels et que le chagrin n’existe pas. Mais tôt ou tard, la mort et le chagrin surviennent. Et je suis désolé pour tout le monde.

photo de Mikhaïl Guterman

Depuis les années 50 du XXe siècle, des pièces avec une intrigue dénuée de sens sont de plus en plus mises en scène sur diverses scènes de théâtre, présentant au spectateur une combinaison apparemment de choses incompatibles. La dite théâtre de l'absurde (ou drame de l'absurde ) —le théâtre du paradoxe, « tragédie de la parole », théâtre expérimental qui requiert l’improvisation non seulement de la part de l’acteur, mais aussi de la part du spectateur. Le théâtre de l’absurde remet en cause les traditions culturelles et, dans une certaine mesure, l’ordre politique et social.

Ses origines comprenaient trois auteurs français et un irlandais — Eugène Ionesco, Jean Genet, Arthur Adamov et Samuel Beckett.

Voulant donner un nom à des pièces aussi inhabituelles, le critique anglais Martin Esslin a introduit en 1961 le concept "Théâtre de l'absurde" . Mais, par exemple, Eugène Ionesco jugeait le terme « théâtre de l'absurde » peu approprié, il en proposa un autre  "Théâtre du ridicule" . Et l'idée de ce genre de jeu lui est venue alors qu'il étudiait l'anglais à l'aide d'un manuel d'auto-apprentissage. E. Ionesco a été surpris de découvrir que dans les mots ordinaires se cache un abîme d'absurdité, à cause duquel des phrases parfois intelligentes et pompeuses perdent complètement leur sens. Le dramaturge a expliqué ainsi le but d'une telle pièce : « Nous avons voulu porter sur scène et montrer au public l'existence même existentielle de l'homme dans sa plénitude, son intégrité, dans sa profonde tragédie, son destin, c'est-à-dire la conscience de l’absurdité du monde.

En effet, les événements de toute pièce de théâtre de l'absurde sont loin de la réalité et ne cherchent pas à s'en rapprocher. L'incroyable et l'inimaginable peuvent se manifester à la fois dans les personnages et dans les objets et phénomènes environnants. Le lieu et l’heure de l’action dans de telles œuvres dramatiques sont généralement assez difficiles à déterminer. Il n'y a de logique ni dans les actions des personnages ni dans leurs propos.

Soulignons les traits communs caractéristiques des œuvres du théâtre de l'absurde : Matériel du site

• des éléments fantastiques cohabitent avec la réalité ;
• les genres dramatiques « purs » sont remplacés par des genres dits mixtes, mêlant différents genres : tragi-comédie, tragifarce, mélodrame comique, etc. ;
• des éléments de différents types d'art sont utilisés (pantomime, chorale, comédie musicale, etc.) ;
• Contrairement au dynamisme naturel de la scène, on observe souvent de la statique. Selon les mots d'E. Ionesco, « une agonie dans laquelle il n'y a pas d'action réelle » ;
• Le discours des personnages est sujet à des changements, qui souvent ne s'entendent ni ne se voient tout simplement, et prononcent des monologues « parallèles » dans le vide.

La fin des années 60 du XXe siècle est marquée par la reconnaissance internationale du théâtre de l'absurde. L'un de ses fondateurs, Samuel Beckett, a reçu le prix Nobel de littérature en 1969. Répondre à la question " Y a-t-il un avenir pour le théâtre de l’absurde ?", Eugène Ionesco a soutenu que cette direction vivra éternellement, car « l'absurde a tellement rempli la réalité, celle-là même qu'on appelle « réalité réaliste », que les réalités et les réalismes nous semblent aussi vrais qu'absurdes, et l'absurde semble être la réalité : regardons autour de vous."

L'influence du théâtre de l'absurde sur le développement de l'art moderne est difficile à surestimer : il a introduit de nouveaux thèmes dans la littérature mondiale, a doté la dramaturgie de nouvelles techniques et moyens et a contribué à l'émancipation du théâtre moderne dans son ensemble.

Vous n'avez pas trouvé ce que vous cherchiez ? Utilisez la recherche

Sur cette page, vous trouverez du matériel sur les sujets suivants :

• drame à l'absurde dans la littérature profane
• Dram définition courte
• Résumé dramatique absurde
• théâtre de la définition absurde
• définir le drame de l'absurde

Billet numéro 24.

Caractéristiques du théâtre de l'absurde : origines, représentants, caractéristiques de la structure dramatique (S. Beckett, E. Ionesco).

Théâtre de l'Absurde- une direction du théâtre et du théâtre d'Europe occidentale née au milieu du 20e siècle. Dans les pièces absurdes, le monde est présenté comme un ensemble dénué de sens, dénué de logique, de faits, d'actions, de mots et de destins. Les principes de l'absurdisme ont été pleinement incarnés dans les drames « Le chanteur chauve » (1950) du dramaturge Eugène Ionesco et « En attendant Godot » de Samuel Beckett.

On pense que le théâtre de l’absurde trouve ses racines dans la philosophie du dadaïsme, la poésie des mots inexistants et l’art d’avant-garde des années 1910 et 20. Malgré d’intenses critiques, le genre a gagné en popularité après la Seconde Guerre mondiale, qui a mis en lumière l’incertitude considérable de la vie humaine. Le terme introduit a également été critiqué et des tentatives ont été faites pour le redéfinir comme « anti-théâtre » et « nouveau théâtre ». Le mouvement du « théâtre de l'absurde » (ou « nouveau théâtre ») est apparemment né à Paris comme un phénomène d'avant-garde associé aux petits théâtres du Quartier latin et a acquis après un certain temps une reconnaissance mondiale.

En pratique, le théâtre de l’absurde nie les personnages, les situations et toutes autres techniques théâtrales réalistes. Le temps et le lieu sont incertains et changeants, même les liens causals les plus simples sont détruits. Intrigues inutiles, dialogues répétitifs et bavardages sans but, incohérence dramatique des actions - tout est subordonné à un seul objectif : créer une ambiance fabuleuse, et peut-être terrible.

Le développement du drame absurde a été influencé par une théâtralité surréaliste : utilisation de costumes et de masques fantaisistes, de rimes dénuées de sens, d'appels provocateurs au public, etc. L'intrigue de la pièce et le comportement des personnages sont incompréhensibles, analogues et parfois destinés à choquer le public. Reflétant l'absurdité de la compréhension mutuelle, de la communication, du dialogue, la pièce souligne de toutes les manières possibles le manque de sens du langage qui, sous la forme d'une sorte de jeu sans règles, devient le principal vecteur du chaos.

Pour les absurdes, la qualité dominante de l’existence n’était pas la compression, mais la décomposition. La deuxième différence significative par rapport au drame précédent concerne la personne. L’homme dans le monde absurde est la personnification de la passivité et de l’impuissance. Il ne peut se rendre compte de rien, sauf de son impuissance. Il est privé de la liberté de choix. Les absurdes ont développé leur propre concept de drame - l'antidrame. Le drame de l'absurde n'est pas une discussion sur l'absurde, mais une démonstration de l'absurde.

Eugène Ionesco- le fondateur de l'absurde dans le théâtre français.

Les situations, personnages et dialogues de ses pièces suivent les images et associations de rêves plutôt que la réalité quotidienne. Le langage, à l'aide de paradoxes amusants, de clichés, de dictons et autres jeux verbaux, se libère des significations et associations habituelles. Le surréalisme des pièces de Ionesco trouve son origine dans le clown du cirque, les films de Charles Chaplin, B. Keaton, les Marx Brothers, la farce antique et médiévale. Une technique typique est une pile d'objets qui menacent d'engloutir les acteurs ; les choses prennent vie et les gens se transforment en objets inanimés. Dans les pièces absurdes, il n'y a pas de catharsis, E. Ionesco rejette toute idéologie, mais les pièces naissent d'une profonde préoccupation pour le sort de la langue et de ses locuteurs.

Première de "Le chanteur chauve" a eu lieu à Paris. Le succès de "The Bald Singer" fut scandaleux, personne n'y comprit rien, mais regarder des productions de pièces absurdes devint peu à peu de bon ton.

Dans l'anti-play (c'est la désignation du genre), il n'y a aucune trace d'un chanteur chauve. Mais il y a un couple d'Anglais, les Smith, et leur voisin nommé Martin, ainsi que la bonne Mary et le capitaine des pompiers, qui sont passés un instant par hasard pour voir les Smith. Il a peur d'être en retard pour un incendie qui se déclarera dans tant d'heures et dans tant de minutes. Il y a aussi des horloges qui sonnent à sa guise, ce qui signifie apparemment que le temps n'est pas perdu, qu'il n'existe tout simplement pas, que chacun est dans sa propre dimension temporelle et dit des bêtises en conséquence.

Le dramaturge dispose de plusieurs techniques pour intensifier l'absurde. Il y a une confusion dans le déroulement des événements, et un empilement des mêmes noms et prénoms, et des époux ne se reconnaissant pas, et des roques d'hôtes-invités, d'invités-hôtes, d'innombrables répétitions de la même épithète, un flux d'oxymores, une construction de phrases évidemment simplifiée, comme dans un manuel d'anglais pour débutants. Bref, les dialogues sont vraiment drôles.

Les situations, personnages et dialogues de ses pièces suivent les images et associations de rêves plutôt que la réalité quotidienne. Le langage, à l'aide de paradoxes amusants, de clichés, de dictons et autres jeux verbaux, se libère des significations et associations habituelles. Le surréalisme des pièces de Ionesco trouve son origine dans le clown du cirque, les films de Charles Chaplin, B. Keaton, les Marx Brothers, la farce antique et médiévale. Une technique typique est une pile d'objets qui menacent d'engloutir les acteurs ; les choses prennent vie et les gens se transforment en objets inanimés.

Interrogé sur le sens de sa dramaturgie, Ionesco a répondu qu'il voulait « expliquer toute l'absurdité de l'existence, la séparation de l'homme de ses racines transcendantales », pour montrer que « lorsqu'on parle, les gens ne savent plus ce qu'ils voulaient dire, et qu'ils parlent de telle sorte que rien ne dit que le langage, au lieu de les rapprocher, ne fait que les diviser encore plus », révèle « le caractère insolite et étrange de notre existence » et « parodie le théâtre, c'est-à-dire le monde ».

Le but de sa dramaturgie est de créer un théâtre féroce et débridé, il propose un retour aux origines théâtrales, notamment aux anciens spectacles de marionnettes qui utilisent des images caricaturales et invraisemblables qui soulignent la brutalité de la réalité elle-même. Ionesco a proclamé un profond désaccord avec le théâtre existant : de tous les dramaturges, il n'a reconnu que Shakespeare. Le théâtre moderne, à son avis, n'est pas capable d'exprimer l'état existentiel d'une personne. Le théâtre doit s'éloigner le plus possible du réalisme, qui ne fait qu'obscurcir l'essence de la vie humaine.

BECKETT.

Beckett était la secrétaire de Joyce et a appris à écrire auprès de lui. « En attendant Godot » est l’un des textes fondamentaux de l’absurde. L'entropie est représentée dans un état d'attente, et cette attente est un processus dont nous ne connaissons pas le début et la fin, c'est-à-dire cela n'a aucun sens. L’état d’attente est l’état dominant dans lequel existent les héros, sans se demander s’ils doivent attendre Godot. Ils sont dans un état passif.

Les héros (Vodia et Estragon) ne sont pas tout à fait sûrs d'attendre Godot à l'endroit même où ils doivent être. Lorsque le lendemain de la nuit ils arrivent au même endroit près de l'arbre desséché, Estragon doute que ce soit le même endroit. L'ensemble des objets est le même, seul l'arbre a fleuri du jour au lendemain. Les chaussures d'Estragon, qu'il a laissées hier sur la route, sont au même endroit, mais il prétend qu'elles sont plus grandes et d'une couleur différente.

"En attendant Godot."

Identification au Christ, rédempteur des péchés humains, à Dieu le Père. "Il n'y a rien de plus réel que rien." C'est un symbole de Rien. Pour les existentialistes, rien n’est accompagné d’un signe plus. Les personnages centraux sont Vladimir et Estragon, des clochards. Ils en ont assez d’attendre et ne peuvent s’empêcher d’attendre. Un garçon apparaît et rapporte que l'apparition de Godot a encore été retardée. Lucky et Potso sont des militants, réalistes, pragmatiques, personnifiant la vanité de la vie. Vl. et E. sont obligés de manger au pâturage, ils n'ont pas de maison, ils passent la nuit en plein air. Laki et Potso sont entourés d'objets de civilisation. Mais tous les personnages ne trouvent que des maladies en train d'exister.

Vladimir et Estragon se distinguent par leur conscience émasculée, ils manquent d'éducation, et Potso et Lucky pensent même sur commande. Vladimir et Estragon sont amis, mais ils se demandent s'il ne vaudrait pas mieux qu'ils vivent séparément. Potso et Lucky ont aussi besoin l'un de l'autre. Différents types de développement humain et humain.

Aucune des options n’est justifiée. Souvent les personnages, s’ils cherchent autre chose, se trouvent de l’autre côté de la frontière. Vladimir et Estragon adorent regarder leurs propres affaires. Ils espèrent y trouver quelque chose, mais ne trouvent rien. Ils n'essaient pas de créer quelque chose eux-mêmes. Voir dans le Néant non seulement une expression de faiblesse, mais aussi une expression de force.

Beckett – le déclin de la nature humaine. Ionesco - le déclin de l'esprit humain.

Contexte historique de l'origine du drame de l'absurde. Le concept de « Théâtre de l'Absurde »

L'origine du genre absurde en Grande-Bretagne s'est produite principalement dans la seconde moitié du XXe siècle et s'inscrivait dans un certain contexte socioculturel et historique.

Malgré les effets dévastateurs de la Seconde Guerre mondiale, la seconde moitié du XXe siècle est devenue une période de prospérité pacifique. La Grande-Bretagne est confrontée à la mondialisation et aux besoins d’une société postindustrielle. Dans ce paragraphe, nous examinerons le contexte historique et social de l'émergence de ce genre. jouer un rôle d'arrêt linguistique absurde

Concernant les changements dans la vie sociale et quotidienne des personnes, nous pouvons souligner les préalables suivants :

• 1) « Société de consommation ». La reconstruction d’après-guerre a permis à l’économie de se redresser complètement. C'est le début symbolique de l'ère de la « société de consommation ». Des sociétés où des salaires élevés et beaucoup de temps libre offraient un niveau de vie que le pays n’avait jamais connu auparavant.
• 2) Éducation. L’un des facteurs importants de prospérité était l’augmentation incroyable du niveau d’éducation de l’ensemble de la population. L'accès à l'enseignement supérieur a assuré un plus grand nombre d'étudiants et, par conséquent, une augmentation du nombre de spécialistes diplômés de l'enseignement supérieur.
• 3) Culture des jeunes . Le conservatisme inhérent à la première moitié du XXe siècle a cédé la place à la tolérance à l'égard des différences sociales, religieuses et ethniques. L'émergence de la culture de la jeunesse s'est produite dans le contexte du déni des principes moraux stricts par les jeunes eux-mêmes, de l'émergence de la liberté de pensée et d'action. Les gens voulaient justement une telle société, composée d’individus libres ayant des opinions indépendantes, choisissant un mode de vie éloigné de celui auquel les masses étaient habituées.
• 4) Flux d'immigration . L’environnement d’après-guerre a provoqué l’immigration de centaines de milliers d’Irlandais, d’Indiens et de Pakistanais, qui ont joué un rôle particulier dans la reconstruction, même si cela s’est heurté à des niveaux d’hostilité sans précédent de la part des Britanniques. Il a fallu créer des lois spéciales, parmi lesquelles la loi sur les relations raciales (1976), qui a apporté une aide considérable dans la résolution des conflits ethniques. Bien que certains préjugés raciaux existent encore aujourd'hui, la seconde moitié du XXe siècle a été marquée par de grands progrès vers le respect et la tolérance envers les membres des différents groupes ethniques. (Brodey, Malgaretti, 2003 : 251-253)

Sur le plan économique, la pression sociale et le chômage régnaient partout. Même si la prospérité s’est répandue dans toute l’Europe, un grand nombre de travailleurs et leurs familles ont été confrontés à une crise due aux pertes d’emplois. La fermeture des mines, des usines automobiles et métallurgiques a entraîné du chômage et des troubles sociaux dans les années 70 et 80 du XXe siècle.

Par exemple, en 1984, a eu lieu la plus grande grève des mineurs de l’histoire britannique. Margaret Thatcher s'est heurtée à une résistance farouche de la part des travailleurs lorsqu'elle a tenté de fermer les mines de charbon. Cependant, ce n’était qu’un début. Les années Thatcher ont été marquées par de nombreux incidents similaires (grèves des cheminots, des représentants des services publics, etc.)

Bien entendu, tous les facteurs ci-dessus ne pouvaient qu’influencer l’aspect culturel de la vie humaine. De nouvelles formes d'expression de la réalité étaient nécessaires, de nouvelles façons de communiquer aux gens la philosophie et la complexité de la vie. La réponse à ce besoin a été l’émergence de nombreux genres culturels et littéraires modernes, dont le théâtre de l’absurde.

En littérature, depuis 1960, la Grande-Bretagne est balayée par une vague de publication d'ouvrages nouveaux. Beaucoup d'entre eux ont été écrits uniquement dans un souci de quantité, beaucoup ont survécu jusqu'à nos jours comme exemples de littérature de qualité. Cependant, la littérature moderne est assez difficile à classer car, malgré toutes les différences entre les genres et les œuvres, elles sont toutes conçues pour montrer le kaléidoscope de l'existence moderne. L'art postmoderne s'est répandu dans de nombreux domaines de la vie humaine, cependant, une chose est claire : la littérature britannique a ouvert de nouveaux horizons aux lecteurs de la vie moderne, l'exprimant parfois sous des formes qui ne sont pas entièrement familières au lecteur. (Brodey, Malgaretti 2003)

Tandis que la prose et la poésie s’éloignent des nouveaux canons du XXe siècle, le théâtre les étudie et les utilise. L’art théâtral traditionnel décrivait les aspirations et les désirs de la classe supérieure de la société britannique, excluant toute forme d’expérimentation, tant avec le langage qu’avec le processus de production. Cependant, dans le même temps, l'Europe était complètement absorbée par le rejet de la tradition au profit de la nouveauté et de la conceptualité, mettant en scène les pièces d'Eugène Ionesco.

Les pièces d'E. Ionesco étaient qualifiées d'absurdes car l'intrigue et les dialogues étaient très difficiles à comprendre, révélant leur illogisme. Les absurdes ont reçu une totale liberté d'utiliser le langage, de jouer avec lui, d'impliquer le spectateur dans la performance elle-même. Il n'y avait pas de distractions inutiles sous forme de décorations, le public était complètement absorbé par ce qui se passait sur scène. Même la cohérence des dialogues était perçue comme un facteur empêchant de comprendre le sens et l'idée de la pièce.

Le genre absurde est apparu au milieu du XXe siècle en Europe occidentale comme l'un des domaines du théâtre. Le monde dans les pièces de ce genre est présenté comme un amas de faits, de mots, d'actions, de pensées, dénués de tout sens.

Le terme « théâtre de l'absurde » a été utilisé pour la première fois par le célèbre critique de théâtre Martin Esslin, qui a vu dans certaines œuvres l'incarnation de l'idée de l'absurdité de la vie en tant que telle.

Cette direction artistique a été vivement critiquée, mais a néanmoins acquis une popularité sans précédent après la Seconde Guerre mondiale, qui n'a fait que souligner l'incertitude et l'instabilité de la vie humaine. De plus, le terme lui-même a été critiqué. Il y a même eu des tentatives pour le redéfinir comme anti-théâtre.

En pratique, le théâtre de l'absurde questionne le réalisme de l'existence, des personnes, des situations, des pensées et de toutes les techniques théâtrales classiques habituelles. Les relations de cause à effet les plus simples sont détruites, les catégories de temps et d’espace sont floues. Tout le caractère illogique, absurde et sans but de l'action vise à créer une atmosphère irréaliste, peut-être même effrayante.

La France est devenue le berceau de l'absurdisme, même si ses fondateurs étaient l'Irlandais Samuel Beckett et le Roumain Eugène Ionesco, qui ont créé en français, c'est-à-dire langue non maternelle. Et même si Ionesco était bilingue (son enfance s'est passée à Paris), c'est le sentiment d'une langue « non maternelle » qui lui a donné l'occasion d'envisager les phénomènes linguistiques du point de vue de l'absurde, en s'appuyant sur la structure lexicale comme la structure principale de l'architectonique des pièces de théâtre. Il en va sans doute de même pour S. Beckett. Un inconvénient connu – travailler dans une langue non maternelle – s’est transformé en un avantage. Le langage dans les pièces absurdes fait obstacle à la communication : les gens se parlent et ne s'entendent pas.

Malgré la relative jeunesse de cette tendance, elle a réussi à devenir très populaire grâce à la logique de l'illogisme. Et l’absurdisme repose sur des idées philosophiques sérieuses et des racines culturelles.

Tout d'abord, il convient de mentionner la théorie relativiste de la connaissance du monde - une vision du monde qui nie la possibilité même de connaître la réalité objective.

En outre, la formation de l'absurdisme a été fortement influencée par l'existentialisme - une direction philosophique subjective-idéaliste construite sur l'irrationalisme, une vision du monde tragique, l'illogisme du monde environnant et l'incapacité de l'homme à le contrôler.

Au début des années 1960, l’absurdisme dépasse les frontières françaises et commence à se répandre rapidement dans le monde entier. Cependant, nulle part ailleurs l’absurdisme n’est apparu sous sa forme pure. La plupart des dramaturges que l'on peut classer dans ce mouvement ne sont pas aussi radicaux dans les techniques de l'absurdisme. Ils conservent une vision du monde tragique et les enjeux principaux, reflétant l'absurdité et le caractère contradictoire des situations, refusent souvent de détruire l'intrigue et l'intrigue, les expériences lexicales, et leurs héros sont spécifiques et individuels, les situations sont définies et des motivations sociales apparaissent très souvent. . Leur incarnation s'inscrit dans un reflet réaliste de la réalité, ce qui ne peut être le cas des pièces de S. Beckett et E. Ionesco.

Cependant, ce qui est important, c'est que dans les années 1960, la technique absurde a connu un développement inattendu dans une nouvelle direction de l'art visuel - la performance (nom original - événement), dont les œuvres sont des actions de l'artiste se produisant en temps réel. Le spectacle ne repose pas du tout sur les catégories sémantiques et idéologiques de l'absurdisme, mais utilise ses techniques formelles : l'absence d'intrigue, l'utilisation d'un cycle d'« images fluides », la division de la structure - lexicale, essentielle, idéologique , existentiel.

Les dramaturges absurdes utilisaient souvent non seulement l'absurdité, mais la réalité dans ses manifestations, réduite à l'absurdité. La méthode de réduction à l’absurde est une méthode où ce que l’on veut nier est d’abord pris pour vérité. Nous prenons une proposition fausse et la rendons vraie avec toute notre existence conformément à la méthode de réduction à l’absurde. Le paradoxe ne surgit que du fait de l’utilisation de preuves indirectes. Nous prenons une proposition fausse (incomplète) et la rendons vraie selon la méthode de réduction à l’absurde.

Ainsi, en utilisant la méthode consistant à conduire à une contradiction, l'auteur met en œuvre la formule « ce qu'il fallait prouver ». Bien que le lecteur lui-même soit capable d'arriver à cette conclusion, nous ne pouvons encore parler ici d'aucune forme interne logique de l'œuvre. Il n’y a que le point de vue du personnage, le « faux », et le point de vue de l’auteur, le « vrai », ils s’opposent directement. L'auteur oblige le héros à suivre sa logique jusqu'au bout. L'impasse logique vers laquelle l'écrivain conduit son héros par la méthode de la réduction à l'absurde fait évidemment partie de l'intention de l'auteur. Par conséquent, nous considérons les histoires absurdes comme une sorte d’expériences de pensée. (http://ru.wikipedia.org/wiki/)

Mais dans d’autres cas, l’auteur ne se limite pas à une solution aussi simple et formelle au problème. Le héros continue d'insister tout seul, il est obsédé par son idée, il n'a pas l'impression d'avoir franchi les limites du bon sens. Tout cela donne à l'intrigue de l'œuvre un caractère absurde. Élargir une idée vers l'absurde est un processus qui ne dépend pas toujours de la volonté de l'auteur et de ses intentions. Désormais, l'auteur doit se placer derrière son héros, dont le point de vue quitte une position statique et gagne en dynamique. Le monde artistique tout entier, toute la structure de l’œuvre est bouleversé : le centre de l’œuvre devient l’idée elle-même, le « faux », qui enlève en quelque sorte le droit de vote à l’auteur et construit la réalité de manière indépendante. Une idée organise le monde artistique non pas selon les lois du sens commun, comme le ferait, par exemple, l'auteur, mais selon ses propres lois absurdes. Le point de vue de l'auteur est flou. En tout cas, elle n’a pas de prédominance visible dans ce fragment particulier du texte, mais autant l’auteur n’était initialement pas d’accord avec cette idée « impeccable », autant il la craint désormais et n’y croit pas. Et bien sûr, le héros de l’œuvre rencontre l’auteur là où son insensibilité atteint ses limites. Le héros a peur soit des conséquences de ses théories, soit de la théorie elle-même, qui peut parfois mener très loin et entrer en conflit non seulement avec l'éthique, mais aussi avec le bon sens lui-même.

La pièce absurde la plus populaire de S. Beckett, En attendant Godot, est l'un des premiers exemples du Théâtre de l'Absurde cité par les critiques. Écrite et jouée pour la première fois en France en 1954, la pièce a eu un impact extraordinaire sur les amateurs de théâtre en raison de ses règles nouvelles et étranges. Composé de décors désolés (à l'exception d'un arbre pratiquement sans feuilles, de clochards ressemblant à des clowns et d'un langage hautement symbolique), Godot encourage le public à remettre en question toutes les anciennes règles et à essayer de trouver un sens à un monde qui ne peut être connu. Le cœur de la pièce est le thème de « l'endurance » et de « passer la journée » pour que demain vous ayez la force de continuer. En termes de structure, Godot est essentiellement une pièce cyclique en deux actes. Cela commence avec deux vagabonds solitaires sur une route de campagne attendant l'arrivée d'un certain homme appelé Godot, et se termine avec la situation originale. De nombreux critiques ont conclu que le deuxième acte n’était qu’une répétition du premier. En d’autres termes, Vladimir et Estragon peuvent rester éternellement « à attendre Godot ». Nous ne saurons jamais s’ils ont trouvé une issue à cette situation. En tant que public, nous ne pouvons que les regarder répéter les mêmes actions, les écouter répéter les mêmes mots et accepter le fait que Godot puisse ou non venir. Tout comme eux, nous sommes coincés dans un monde où nos actions déterminent l’existence. Nous cherchons peut-être des réponses ou un sens à la vie, mais nous ne les trouverons probablement pas. Ainsi, cette pièce est structurée de manière à nous faire croire que Godot ne viendra peut-être jamais et que nous devons accepter l'incertitude qui imprègne notre quotidien. Les deux personnages principaux, Vladimir et Estragon, passent leurs journées à revivre le passé, à chercher le sens de leur existence, et envisagent même le suicide comme une forme de salut. Cependant, en tant que personnages, ce sont des archétypes absurdes qui restent isolés du public. Ils manquent essentiellement de personnalité et leurs manières vaudevilliennes, surtout lorsqu'il s'agit d'envisager le suicide, ont tendance à faire rire le public plutôt qu'à percevoir ce qui se passe comme tragique. (http://ru.wikipedia.org/wiki/)

Pour un autre représentant de ce genre, E. Ionesco, l'absurde est un outil, une façon de penser, l'opportunité la plus importante de briser le réseau d'indifférence qui enveloppe étroitement la conscience de l'homme moderne. L’absurde est un regard d’un point de vue complètement inattendu et un regard rafraîchissant. Cela peut choquer et surprendre, mais c’est précisément ce qui peut briser l’aveuglement et la surdité spirituelles, car cela va à l’encontre de l’habituel.

Les situations, personnages et dialogues de ses pièces suivent les images et associations de rêves plutôt que la réalité quotidienne. Le langage, à l'aide de paradoxes amusants, de clichés, de dictons et autres jeux verbaux, se libère des significations et associations habituelles. Les pièces de E. Ionesco sont issues du théâtre de rue, de la commedia dell'arte et du clown du cirque. Une technique typique est une pile d'objets qui menacent d'engloutir les acteurs ; les choses prennent vie et les gens se transforment en objets inanimés. "Le Cirque d'Ionesco" est un terme s'appliquait assez souvent à sa première dramaturgie. Entre-temps, il ne reconnaissait qu'un lien indirect de son art avec le surréalisme, plus volontiers avec Dada.

Obtenant un impact maximum, Eugène Ionesco « attaque » la logique habituelle de la pensée, conduisant le spectateur dans un état d'extase par le manque de développement attendu. Ici, comme s'il suivait les préceptes du théâtre de rue, il exige non seulement l'improvisation des acteurs, mais oblige également le spectateur à rechercher confusément l'évolution de ce qui se passe sur scène et en dehors. Des problèmes qui étaient autrefois perçus comme de simples expériences non figuratives commencent à acquérir une certaine pertinence.

En outre, cette description de la nature et de l'essence des pièces de théâtre du genre absurde s'applique pleinement aux œuvres de Tom Stoppard et Daniil Kharms.

Ce nouveau phénomène dans l’art théâtral s’est fait connaître au début des années 1950. joue « The Bald Singer » (1950) et « Waiting for Godot » (1952). Les œuvres étranges d'Eugène Ionesco et de Samuel Beckett ont suscité de vifs débats parmi les critiques et le public. Les « absurdes » étaient accusés d'un pessimisme extrême et de la destruction de tous les canons du théâtre. Mais déjà à la fin des années 1960. Beckett a reçu le prix Nobel pour sa pièce « En attendant Godot » et « La soif de faim » de Ionesco a été jouée à la Comédie Française. Pourquoi l’attitude de la société face au théâtre de l’absurde a-t-elle changé ?

Il faut dire que dans la seconde moitié du XXe siècle. Les représentants du théâtre de l’absurde n’étaient pas seuls à avoir une vision tragiquement pessimiste du monde. Dans les œuvres philosophiques de Sartre, dans les expériences littéraires de Faulkner, Kafka, Camus, l'idée s'exprime avec une intense expression que l'homme moderne, qui a perdu la foi en Dieu, dans la toute-puissance de la science ou dans le progrès, a « perdu » sens de la vie et vit en prévision de la mort. Comme le dit Faulkner, « la vie n’est pas un mouvement, mais une répétition monotone des mêmes mouvements ». Une telle « découverte » fait ressentir aux gens un sentiment de confusion et d’aliénation, et réalise « l’absurdité » de leur existence.

Ainsi, les idées des représentants du nouveau mouvement théâtral étaient pleinement conformes à « l’esprit du temps ». Au début, les critiques et les téléspectateurs étaient « confus » par la combinaison délibérée d’une tragédie évidente avec une ironie tout aussi franche, qui imprégnait les drames de Beckett, Ionesco, Gennet, Pinter et Arrabal. De plus, il semblait que les pièces des « absurdes » étaient impossibles à mettre en scène sur scène : il leur manquait les images « à part entière » habituelles, il n'y avait pas d'intrigue intelligible, pas de conflit intelligible, et les mots étaient disposés en chaînes presque dénuées de sens. de phrases. Ces œuvres n'étaient pas du tout adaptées au théâtre réaliste. Mais lorsque des metteurs en scène expérimentaux les ont adoptés, il s'est avéré que la dramaturgie de l'absurde offre de riches opportunités pour des solutions scéniques originales. Les conventions théâtrales ont révélé une multiplicité de couches sémantiques dans les pièces des « absurdes », des plus tragiques aux plus vivifiantes, car dans la vie, le désespoir et l'espoir sont toujours proches.

Et onesco

Eugène Ionesco

Dramaturge français d'origine roumaine, l'un des fondateurs du mouvement esthétique de l'absurde, classique reconnu de l'avant-garde théâtrale du XXe siècle. Membre de l'Académie française.

Ionesco lui-même (né en 1912) a souligné à plusieurs reprises qu'il exprime une vision du monde extrêmement tragique. Ses pièces « prédisent » la transformation d'une communauté entière de personnes en rhinocéros (« Rhinocéros » - 1960), parlent de tueurs errant parmi nous (« Le tueur désintéressé » - 1957) et mettent en scène des extraterrestres dangereux venus d'anti-mondes (« Aérien » Piéton »- 1963).

Le dramaturge cherche à exposer le danger de la conscience conformiste, qui dépersonnalise complètement une personne. Pour atteindre son objectif artistique, Ionesco détruit de manière décisive la logique apparemment harmonieuse de notre pensée, en la parodiant. Dans la comédie « The Bald Singer », il reproduit la vision du monde « automatisée », « clichée » de ses héros, crée une performance fantasmagorique, exposant l'absurdité des phrases triviales et des jugements banals.

Le célèbre réalisateur Peter Brook fut l’un des premiers à apprécier les possibilités scéniques du drame absurde.

Dans « Victimes du devoir » (1953), nous parlons de personnes qui se considèrent obligées de répondre à toutes les exigences de l'État et d'être certainement des citoyens loyaux. La pièce est basée sur la technique de transformation d'images, de changement de masques de personnages. Cette technique de transformation externe d’une personne, qui ne change cependant pas son essence, mais révèle seulement son vide intérieur, est l’une des préférées d’Ionesco. Il l'utilise également dans l'une de ses pièces les plus célèbres, « Chairs » (1952). L'héroïne de la pièce, Sémiramis, apparaît soit comme l'épouse du vieil homme, soit comme sa mère, tandis qu'en même temps le vieil homme lui-même est soit un homme, soit un soldat, soit « le maréchal de cette maison », soit un orphelin. . Les personnages représentés par Ionesco sont victimes des objectifs utilitaires de la vie ; ils ne peuvent sortir du cercle étroit de la routine, ils sont aveugles de naissance, estropiés par les clichés. Le manque d’aspirations spirituelles en fait des prisonniers qui ne veulent pas être libérés.

Beckett

Samuel Beckett (1906-1989)

"Nous devons peut-être à Beckett les œuvres dramatiques les plus impressionnantes et les plus originales de notre époque." Peter Brook

Écrivain, poète et dramaturge irlandais. Représentant du modernisme en littérature. L'un des fondateurs du théâtre de l'absurde. Il a acquis une renommée mondiale en tant qu'auteur de la pièce En attendant Godot, l'une des œuvres dramatiques mondiales les plus importantes du XXe siècle. Lauréat du prix Nobel de littérature 1969. Possédant un passeport irlandais, il a vécu la majeure partie de sa vie à Paris, écrivant en anglais et en français.

Beckett, contrairement à Ionesco, s’intéresse à un autre éventail de questions. Le thème principal de son œuvre est la solitude. Les héros de Beckett ont besoin de communication, d'âmes sœurs, mais en raison de leur propre structure (ou de la structure du monde ?) ils sont privés de ces choses nécessaires. Toute leur vie, ils scrutent leur monde intérieur, essayant de le corréler avec la réalité environnante, mais leurs conclusions sont inconsolables et leur existence est sans espoir.

C’est ainsi qu’apparaissent devant nous Vladimir et Estragon, personnages de la tragi-comédie « En attendant Godot ». Ce n'est pas un hasard s'ils se sont retrouvés sur une route déserte dont le seul signe était un arbre séché. C’est un symbole de l’aliénation des héros par rapport à la vie. Ils essaient de se souvenir du passé, mais les souvenirs sont vagues et confus, ils essaient de comprendre ce qui les a conduits à une solitude totale, mais ils n'y parviennent pas. Le dialogue et les actions qui l'accompagnent sont structurés comme un clown triste. Vladimir et Estragon sont entourés d'un espace sans fin, d'un monde immense, mais il semble fermé aux héros.

Beckett utilise également le symbole de l'isolement dans des pièces telles que « The Game » (1954), « Happy Days » (1961), « Krapp's Last Tape » (1957), révélant ainsi l'incompatibilité de ses personnages avec l'environnement. "Personne ne vient, rien ne se passe" - cette phrase de "En attendant Godot" devient le leitmotiv de la dramaturgie de Beckett, qui raconte l'histoire d'un homme qui a perdu ses repères de vie et s'est presque transformé en fantôme. Les personnages du dramaturge eux-mêmes ne sont pas entièrement sûrs d'exister encore. Il convient de noter l’ordre que Vladimir et Estragon donnent au garçon envoyé par Godot : « Dis-lui que tu nous as vu. »

Contrairement à Ionesco ou Beckett, Mrozek préfère une manière presque réaliste de construire l'action dramatique.

Une caractéristique importante de la méthode artistique de Beckett est la combinaison de la poésie et de la banalité. Le dramaturge soit élève le spectateur aux sommets de la lutte de l'esprit humain, soit le plonge dans les abysses de la base, et parfois grossièrement physiologique.

Les pièces de Beckett sont toujours mystérieuses : elles nécessitent des interprétations scéniques sophistiquées, c'est pourquoi le dramaturge a incarné personnellement certaines de ses œuvres sur scène. Ainsi, la mini-tragédie «Le bruit des pas» a été mise en scène par l'auteur à Berlin-Ouest. Une place particulière dans l’œuvre de Beckett est occupée par la miniature « Dénouement » (1982), écrite spécialement pour le célèbre acteur J.-L. Barro. Dans ce document, l'assistant du metteur en scène prépare un interprète pour un rôle dans l'une des pièces de Beckett. Il ne dira toujours pas un mot.

femme

À son épouse : « Je n’ai jamais reproduit la vie, mais la vie elle-même m’a involontairement fait naître ou a mis en lumière, si elles existaient déjà dans mon âme, des images que j’ai ensuite tenté de transmettre à travers des personnages ou des événements. »

Jean Genet (1910-1986). Écrivain, poète et dramaturge français dont l'œuvre est controversée. Les personnages principaux de ses œuvres étaient des voleurs, des meurtriers, des prostituées, des proxénètes, des contrebandiers et d'autres habitants du bas social.

Le plus extravagant des représentants du théâtre de l'absurde est Jean Genet. À l'âge de dix ans, il a été reconnu coupable de vol et s'est retrouvé dans une colonie pénitentiaire où, selon ses propres mots, il a rejoint avec enthousiasme le monde du vice et du crime. Plus tard, il servit dans la Légion étrangère et erra dans les ports d'Europe. En 1942, il entre en prison, où il écrit le livre « Notre-Dame des Fleurs » ; en 1948, il fut condamné à l'exil à vie dans une colonie. Cependant, de nombreuses personnalités culturelles ont défendu l'écrivain, déjà connu à l'époque, et il a été gracié.

La tâche principale de Genet était de défier la société bourgeoise, ce qu'il réussit pleinement à réaliser avec des pièces talentueuses mais scandaleusement choquantes, parmi lesquelles « Les Bonnes » (1947), « Le Balcon » (1956), « Les Nègres » (1958) et « Paravents ». . » (1961).

J.-P. Sartre a soutenu les « absurdes », a écrit des critiques de leurs pièces et possède un livre sur la vie et l'œuvre de Genet.

« Les Bonnes » est l’une des œuvres dramatiques les plus célèbres de Genet. Il raconte comment les sœurs Solange et Claire, sauvées par leur maîtresse, décident de prendre possession de ses biens en empoisonnant la maîtresse. À cette fin, ils calomnient son ami, assurant qu'il aille en prison. Mais Monsieur est libéré de manière inattendue et les sœurs perfides sont exposées. Bien que l'intrigue « suggère » un développement mélodramatique de l'action, « The Maids » est construit dans une tonalité grotesque complètement différente. En l'absence de Madame, les sœurs la représentent à tour de rôle, se transformant tellement en leur maîtresse qu'elles s'oublient elles-mêmes, s'affranchissant temporairement du rôle peu enviable qu'elles jouent dans la réalité. Il s’agit d’une pièce sur la vie dans laquelle le rêve et la réalité se heurtent de manière laide. Dans le drame de Genet, en règle générale, apparaissent des événements complètement fictifs et incroyables dans lesquels le monde réel qui nous est familier est bizarrement modifié et déformé, ce qui permet à l'auteur d'exprimer son attitude à son égard.

A rrabal et Pinter

Fernando Arrabal

Scénariste, dramaturge, réalisateur, acteur, romancier et poète espagnol. Vit en France depuis 1955.

Le dramaturge espagnol Fernando Arrabal (né en 1932) était fasciné par Calderon et Brecht dans sa jeunesse et a été fortement influencé par ces auteurs. Sa première pièce, « Pique-nique », a été créée en 1959 à Paris. Les héros de la pièce, Sapo et Sepo, sont les soldats de deux armées en guerre. Sapo fait prisonnier Sepo. Il s’avère que les soldats ont beaucoup en commun.

Tous deux ne veulent tuer personne, tous deux ignorent les affaires militaires et la participation aux batailles ne les a pas séparés des habitudes d'une vie paisible : l'un tricote un pull entre les échanges de tirs et l'autre confectionne des fleurs en chiffon. En fin de compte, les héros arrivent à la conclusion que tous les autres soldats ne veulent pas non plus se battre, et qu'ils doivent le dire à haute voix et rentrer chez eux. Inspirés, ils dansent sur une musique joyeuse, mais à ce moment-là, une rafale de mitrailleuse les abat, les privant de la possibilité de réaliser leur plan. L'absurdité de la situation de la pièce est renforcée par le fait qu'elle implique également les parents de Sapo, arrivés soudainement au front pour rendre visite à leur fils.

L'œuvre d'Arrabal se caractérise par le contraste entre l'enfantillage délibéré de ses héros et la cruauté des circonstances dans lesquelles ils doivent exister. Certaines des œuvres les plus célèbres du dramaturge incluent « Les deux bourreaux » (1956), « Première communion » (1966), « Le Jardin des plaisirs » (1969, « L'Inquisition » (1982).

Harold Pinter

Dramaturge, poète, metteur en scène, acteur et personnalité publique anglais. L'un des dramaturges britanniques les plus influents de son époque. Lauréat du prix Nobel de littérature 2005.

La méthode artistique d'Harold Pinter (1930 – 2008), auteur des pièces « The Birthday Party » (1957), « The Dumb Waiter » (1957), « The Watchman » (1960), « Landscape » (1969), est proche de l'expressionnisme. Ses sombres tragi-comédies sont peuplées de personnages mystérieux dont les conversations parodient les formes ordinaires de communication humaine. L'intrigue et la construction des pièces sont en conflit avec leur apparente plausibilité. En regardant le monde bourgeois comme à la loupe, Pinter dépeint de manière unique la souffrance de personnes qui se trouvent en marge de la vie.

Source – Grande ENCYCLOPÉDIE Illustrée

Théâtre de l'Absurde – Ionesco, Beckett, Genet, Arrabal et Pinter mise à jour : 31 août 2017 par : site web