Exquise nature morte hollandaise - chefs-d'œuvre d'une vie tranquille. Nature morte en Hollande au XVIIe siècle

Jean Calvin Jean Calvin(1509-1564) - réformateur de l'Église et fondateur de l'un des mouvements du protestantisme. La base de l'Église calviniste est ce qu'on appelle les congrégations - des communautés autonomes gouvernées par un pasteur, un diacre et des anciens choisis parmi les laïcs. Le calvinisme était très populaire aux Pays-Bas au XVIe siècle. enseigné que les choses quotidiennes ont sens caché, et derrière chaque image il doit y avoir une leçon de morale. Les objets représentés dans les natures mortes ont de multiples significations : ils sont dotés de connotations édifiantes, religieuses ou autres. Par exemple, les huîtres étaient considérées comme un symbole érotique, ce qui était évident pour les contemporains : les huîtres auraient stimulé la puissance sexuelle et Vénus, la déesse de l'amour, est née d'une coquille. D'une part, les huîtres faisaient allusion aux tentations du monde, d'autre part, une coquille ouverte signifiait une âme prête à quitter le corps, c'est-à-dire qu'elle promettait le salut. Bien sûr, il n'y avait pas de règles strictes sur la façon de lire une nature morte, et le spectateur devinait exactement les symboles sur la toile qu'il voulait voir. De plus, il ne faut pas oublier que chaque objet faisait partie de la composition et pouvait être lu de différentes manières - selon le contexte et le message global de la nature morte.

Nature morte aux fleurs

Jusqu'au XVIIIe siècle, un bouquet de fleurs symbolisait généralement la fragilité, car les joies terrestres sont aussi éphémères que la beauté d'une fleur. Le symbolisme des plantes est particulièrement complexe et ambigu, et les livres d'emblèmes, populaires en Europe aux XVIe et XVIIe siècles, ont permis d'en saisir le sens, où les illustrations allégoriques et les devises étaient accompagnées de textes explicatifs. Les compositions florales n’étaient pas faciles à interpréter : une même fleur avait plusieurs significations, parfois directement opposées. Par exemple, le narcisse indiquait l'amour-propre et était en même temps considéré comme un symbole de la Mère de Dieu. Dans les natures mortes, en règle générale, les deux sens de l'image étaient préservés et le spectateur était libre de choisir l'un des deux sens ou de les combiner.

Les compositions florales étaient souvent complétées par des fruits, de petits objets et des images d'animaux. Ces images exprimaient l'idée principale de l'œuvre, soulignant le motif de la fugacité, de la décadence, du péché de tout ce qui est terrestre et de l'incorruptibilité de la vertu.

Jan Davids de Heem. Fleurs dans un vase. Entre 1606 et 1684 Musée de l'Ermitage

Dans le tableau de Jan Davids de Heem Jan Davids de Heem(1606-1684) était un artiste néerlandais connu pour ses natures mortes florales.À la base du vase, l'artiste a représenté des symboles de mortalité : des fleurs fanées et cassées, des pétales émiettés et des cosses de pois séchées. Voici un escargot - il est associé à l'âme d'un pécheur D’autres images négatives incluent des reptiles et des amphibiens (lézards, grenouilles), ainsi que des chenilles, des souris, des mouches et d’autres créatures vivantes rampant sur le sol ou vivant dans la boue.. Au centre du bouquet se trouvent des symboles de modestie et de pureté : fleurs sauvages, violettes et myosotis. Ils sont entourés de tulipes, symbolisant une beauté fanée et un gaspillage insensé (la culture des tulipes en Hollande était considérée comme l'une des activités les plus vaines et, de plus, coûteuses) ; des roses et des coquelicots luxuriants, rappelant la fragilité de la vie. La composition est couronnée par deux grande fleur ayant valeur positive. L'iris bleu représente la rémission des péchés et indique la possibilité du salut par la vertu. Le coquelicot rouge, traditionnellement associé au sommeil et à la mort, a changé d'interprétation en raison de sa localisation dans le bouquet : il désigne ici le sacrifice expiatoire du Christ. Même au Moyen Âge, on croyait que les fleurs de pavot poussaient sur des terres arrosées par le sang du Christ.. D’autres symboles du salut sont les épis de pain, et un papillon posé sur une tige représente l’âme immortelle.

Jan Bauman. Des fleurs, des fruits et un singe. Première moitié du XVIIe siècle Musée d'histoire et d'art de Serpoukhov

Peinture de Jan Bauman Jan (Jean-Jacques) Bauman(1601-1653) - peintre, maître de la nature morte. A vécu et travaillé en Allemagne et aux Pays-Bas."Des fleurs, des fruits et un singe" - bon exemple la multiplicité sémantique et l'ambiguïté de la nature morte et des objets qui s'y trouvent. À première vue, la combinaison de plantes et d’animaux semble aléatoire. En fait, cette nature morte nous rappelle également le caractère éphémère de la vie et le caractère pécheur de l’existence terrestre. Chaque objet représenté véhicule une certaine idée : l'escargot et le lézard dans ce cas indiquent la mortalité de tout ce qui est terrestre ; une tulipe posée près d'un bol de fruits symbolise une décoloration rapide ; les coquillages éparpillés sur la table suggèrent un gaspillage d'argent imprudent Dans la Hollande du XVIIe siècle, la collecte de toutes sortes de « curiosités », notamment des coquillages, était très populaire.; et le singe à la pêche indique le péché originel et la dépravation. De l'autre côté, un papillon flottant et des fruits : des grappes de raisin, des pommes, des pêches et des poires parlent de l'immortalité de l'âme et du sacrifice expiatoire du Christ. À un autre niveau allégorique, les fruits, fruits, fleurs et animaux présentés dans l'image représentent quatre éléments : coquilles et escargots - eau ; papillon - air; fruits et fleurs - terre ; singe - feu.

Nature morte dans une boucherie

Peter Aartsen. La boucherie ou la cuisine avec la scène de la Fuite en Egypte. 1551 Musée d'art de Caroline du Nord

L'image d'une boucherie est traditionnellement associée à l'idée de vie physique, personnification de l'élément terre, ainsi qu'à la gourmandise. Peint par Peter Aertsen Peter Aartsen ( 1508-1575) - Artiste hollandais, également connu sous le nom de Pieter le Long. Parmi ses œuvres figurent des scènes de genre basées sur des récits évangéliques, ainsi que des images de marchés et de magasins. Presque tout l’espace est occupé par une table chargée de nourriture. On voit de nombreux types de viandes : oiseau tué et carcasses habillées, foie et jambon, jambons et saucisses. Ces images symbolisent la démesure, la gourmandise et l'attachement aux plaisirs charnels. Tournons maintenant notre attention vers le contexte. Sur le côté gauche du tableau, dans l'ouverture de la fenêtre, se trouve une scène évangélique de la fuite en Égypte, qui contraste fortement avec la nature morte au premier plan. La Vierge Marie remet la dernière miche de pain à une mendiante. A noter que la fenêtre est située au dessus du plat, où reposent deux poissons en croix (symbole de la crucifixion) - symbole du christianisme et du Christ. A droite en arrière-plan se trouve une taverne. Un groupe joyeux s'assoit à une table près du feu, boit et mange des huîtres qui, on s'en souvient, sont associées à la luxure. Une carcasse dépecée pend à côté de la table, indiquant l’inévitabilité de la mort et la nature éphémère des joies terrestres. Un boucher en chemise rouge dilue le vin avec de l'eau. Cette scène fait écho à l'idée principale de la nature morte et fait référence à la Parabole de fils prodigue Rappelons que dans la Parabole du Fils Prodigue il y a plusieurs intrigues. L'un d'eux parle de Le plus jeune fils qui, ayant reçu une succession de son père, vendit tout et dépensa l'argent dans une vie dissolue.. La scène de la taverne, ainsi que la boucherie pleine de plats, parlent d'une vie oisive, dissolue, attachée aux plaisirs terrestres, agréables pour le corps, mais destructrices pour l'âme. Dans la scène de la fuite en Egypte, les personnages tournent pratiquement le dos au spectateur : ils s'enfoncent plus profondément dans le tableau, s'éloignant de la boucherie. C'est une métaphore pour échapper à une vie dissolue pleine de joies sensuelles. Y renoncer est l’un des moyens de sauver l’âme.

Nature morte dans une poissonnerie

La nature morte aux poissons est une allégorie de l’élément eau. Ce genre de travail, comme boucheries, faisaient souvent partie du cycle dit élémentaire DANS Europe de l'Ouest Les grands cycles de peinture étaient courants, composés de plusieurs tableaux et, en règle générale, accrochés dans une seule pièce. Par exemple, le cycle des saisons (où l'été, l'automne, l'hiver et le printemps étaient représentés à l'aide d'allégories) ou le cycle des éléments primaires (le feu, l'eau, la terre et l'air). et, en règle générale, ont été créés pour décorer les salles à manger du palais. Au premier plan se trouvent des peintures de Frans Snyders Frans Snyders(1579-1657) - Peintre flamand, auteur de natures mortes et de compositions animalières baroques.« Fish Shop » représente beaucoup de poissons. On y trouve des perches et des esturgeons, des carassins, des poissons-chats, du saumon et d'autres fruits de mer. Certains ont déjà été découpés, d'autres attendent leur tour. Ces images de poissons ne portent aucun sous-texte : elles glorifient la richesse de la Flandre.

Frans Snyders. Poissonnerie. 1616

À côté du garçon, nous voyons un panier avec des cadeaux qu'il a reçus pour la Saint-Nicolas Dans le catholicisme, la Saint-Nicolas est traditionnellement célébrée le 6 décembre. En cette fête, comme à Noël, les enfants reçoivent des cadeaux.. Ceci est indiqué par des chaussures rouges en bois attachées au panier. En plus des bonbons, des fruits et des noix, le panier contient des bâtonnets - comme un soupçon d'éducation avec « la carotte et le bâton ». Le contenu du panier parle de joies et de peines vie humaine, qui se remplacent constamment. La femme explique à l'enfant que les enfants obéissants reçoivent des cadeaux et que les mauvais enfants reçoivent des punitions. Le garçon recula d'horreur : il pensait qu'au lieu de bonbons, il recevrait des coups de verge. Sur la droite, nous voyons une fenêtre s'ouvrant par laquelle nous pouvons voir la place de la ville. Un groupe d'enfants se tient sous les fenêtres et accueille joyeusement le bouffon des marionnettes sur le balcon. Le bouffon fait partie intégrante des festivités des fêtes folkloriques.

Nature morte à la table dressée

Dans de nombreuses variantes de décorations de table sur les toiles des maîtres hollandais, nous voyons du pain et des tartes, des noix et des citrons, des saucisses et du jambon, des homards et des écrevisses, des plats à base d'huîtres, de poisson ou de coquilles vides. Ces natures mortes peuvent être comprises en fonction de l'ensemble des objets.

Gerrit Willems Heda. Jambon et couverts. 1649 Musée d'État Beaux-Arts nommé d'après. A.S. Pouchkine

Dans un tableau de Gerrit Willems Heda Gerrit Willems Heda(1620-1702) - auteur de natures mortes et fils de l'artiste Willem Claes Heda. on voit un plat, une cruche, un grand gobelet en verre et un vase renversé, un moutardier, un jambon, une serviette froissée et un citron. C'est l'ensemble traditionnel et préféré de Heda. La disposition des objets et leur choix ne sont pas aléatoires. L'argenterie symbolise les richesses terrestres et leur futilité, le jambon symbolise les plaisirs charnels et un joli citron, aigre à l'intérieur, représente la trahison. Une bougie éteinte indique la fragilité et la fugacité de l'existence humaine, un désordre sur la table indique la destruction. Un grand verre « flûte » (au XVIIe siècle, ces verres étaient utilisés comme récipient à mesurer avec des marques) est aussi fragile que la vie humaine, et symbolise en même temps la modération et la capacité d'une personne à contrôler ses impulsions. En général, dans cette nature morte, comme dans bien d'autres « petits déjeuners », le thème de la vanité et de l'absurdité des plaisirs terrestres se joue à l'aide d'objets.

Pierre Claes. Nature morte au brasero, harengs, huîtres et pipe. 1624 Sotheby's / Collection privée

La plupart des objets représentés dans la nature morte de Pieter Claes Pierre Claes(1596-1661) - Artiste néerlandais, auteur de nombreuses natures mortes. Avec Heda, il est considéré comme le fondateur de l’école de natures mortes de Harlem avec ses peintures géométriques monochromes. sont des symboles érotiques. Les huîtres, la pipe, le vin renvoient à des plaisirs charnels brefs et douteux. Mais ce n’est qu’une option pour lire une nature morte. Regardons ces images sous un angle différent. Ainsi, les coquilles sont des symboles de la fragilité de la chair ; une pipe, avec laquelle ils fumaient non seulement, mais aussi soufflaient des bulles de savon, est un symbole de la soudaineté de la mort. Le contemporain de Claes, le poète néerlandais Willem Godschalk van Fokkenborch, a écrit dans son poème « Mon espoir est fumée » :

Comme vous pouvez le constater, être, c'est comme fumer la pipe,
Et je ne sais vraiment pas quelle est la différence :
L’un n’est qu’un jeu d’enfant, l’autre n’est qu’une fumée. Par. Evgueni Vitkovski

Le thème de la fugacité de l’existence humaine s’oppose à l’immortalité de l’âme, et les signes de fragilité se révèlent soudain être des symboles de salut. Le pain et le verre de vin en arrière-plan sont associés au corps et au sang de Jésus et indiquent le sacrement du sacrement. Le hareng, autre symbole du Christ, nous rappelle le jeûne et la nourriture du Carême. Et les coquilles ouvertes d'huîtres peuvent changer leur signification négative en exactement le contraire, désignant l'âme humaine, séparée du corps et prête à entrer dans la vie éternelle.

Différents niveaux d'interprétation des objets indiquent discrètement au spectateur qu'une personne est toujours libre de choisir entre le spirituel, l'éternel et le terrestre, transitoire.

Vanitas, ou nature morte "Scientifique"

Le genre de la nature morte dite « scientifique » s'appelait vanitas - traduit du latin, cela signifie « vanité des vanités », en d'autres termes - « memento mori » (« souviens-toi de la mort »). C’est le type de nature morte le plus intellectuel, une allégorie de l’éternité de l’art, de la fragilité de la gloire terrestre et de la vie humaine.

Jurian van Streck. Vanité. 1670 Musée national des beaux-arts nommé d'après. A.S. Pouchkine

Épée et casque aux plumes luxueuses dans un tableau de Jurian van Streck Jurian van Streck(1632-1687) - Artiste d'Amsterdam, célèbre pour ses natures mortes et ses portraits. indiquent la nature éphémère de la gloire terrestre. Le cor de chasse symbolise une richesse qui ne peut pas être emportée avec vous dans une autre vie. Dans les natures mortes « scientifiques », on trouve souvent des images de livres ouverts ou de papiers posés négligemment avec des inscriptions. Ils invitent non seulement à réfléchir sur les objets représentés, mais permettent également de les utiliser conformément à leur destination : lire des pages ouvertes ou réaliser une note écrite. carnet de musique musique. Van Streck a dessiné la tête d'un garçon et livre ouvert: Il s'agit de la tragédie Electre de Sophocle, traduite en néerlandais. Ces images indiquent que l'art est éternel. Mais les pages du livre sont gondolé et le dessin est froissé. Ce sont des signes du début de la corruption, laissant entendre qu'après la mort, même l'art ne sera plus utile. Le crâne parle également de l'inévitabilité de la mort, mais l'épi de grain entrelacé autour de lui symbolise l'espoir de la résurrection et de la vie éternelle. Au milieu du XVIIe siècle, un crâne entrelacé avec un épi de grain ou du lierre à feuilles persistantes deviendrait un sujet obligatoire pour les représentations dans les natures mortes de style vanité.

Sources

• Fouet B.R. Le problème et le développement de la nature morte.
• Zvezdina Yu. N. Emblématiques du monde de la nature morte antique. Sur le problème de la lecture d'un symbole.
• Tarassov Yu. A. Nature morte hollandaise du XVIIe siècle.
• Shcherbacheva M. I. Nature morte dans la peinture hollandaise.
• Image visible et sens caché. Allégories et emblèmes dans la peinture de Flandre et Hollande seconde moitié XVI- XVIIème siècle. Catalogue d'exposition. Musée Pouchkine im. A. S. Pouchkine.

Pierre Claes. Nature morte au verre à vin et à la coupe en argent. années 1630

Vous avez reçu votre formation, mais exercez-vous votre profession ? Votre premier emploi est-il votre dernier ? Êtes-vous marié à votre premier amour? Vivez-vous dans la même ville où vous êtes né ? Dans la maison dont vous avez hérité ? Mangez-vous dans le même service d'héritage que vos parents ? Boire du vin dans le même verre millésimé ?

L’homme moderne répondra à toutes ces questions par la négative. Néerlandais du 17ème siècle - oui. Ils n’étaient pas aussi disposés à changer que nous. Ils étaient sédentaires, fidèles à leurs racines, à leurs obligations matrimoniales et à leurs affaires, ont-ils martelé à un moment donné. Pouvez-vous imaginer ça artiste contemporain J'ai continué à écrire et à écrire le même thème, la même intrigue, pendant des années, des décennies, toute ma vie ! Un homme du XVIIe siècle le pourrait. Entrer dans la même rivière des centaines de fois. Obtenir des résultats étonnants.

Pierre Claes. Nature morte au crâne. 1628

Deux contemporains célèbres, résidents honoraires de la ville de Haarlem, Pieter Claes et Willem Claes Heda, ont peint tout au long de leur vie non seulement les mêmes natures mortes, mais aussi... le même verre à vin ! Et Head, en outre, avait un fils, également artiste, et lui, comme vous l'avez peut-être deviné, avait également un faible pour ce verre. Incroyable, n'est-ce pas ? Il s’agit d’une perception complètement différente du temps et du remplissage de sa propre vie.

Willem Claes Heda. 1631

Je me demande comment cela s'est passé pour eux ? Voici ce que Klas, 30 ans, a écrit à propos de son verre. Deux ans passent, se dit-il, ne devrais-je pas réécrire mon verre ? Et ainsi toutes les quelques années ! Un verre est à droite, un verre est à gauche, un verre est debout, un verre est couché. Un verre en compagnie de gibier, en compagnie de poissons. Avec une tarte, avec des fruits, avec un crâne... Peut-être que ça maladie mentale, courant au 17ème siècle ? Une sorte d'obsession. Et aujourd’hui l’humanité s’est rétablie… Ou, au contraire, nous sommes tellement malades que nous ne pouvons sérieusement nous concentrer sur quoi que ce soit…

Ainsi, la nature morte hollandaise, les aventures d'un verre, admirez, il est difficile de trouver quelque chose de plus beau que ces chefs-d'œuvre sobres, presque monochromes, de l'histoire de la peinture.

Willem Claes Heda. 1632

Willem Claes Heda. 1632

Pierre Claes. Nature morte aux huîtres. 1633

Willem Claes Heda. 1634

Willem Claes Heda. 1634

Willem Claes Heda. 1635

Willem Claes Heda. 1643

Gerrit Willems Heda (fils). 1645

Pierre Claes. 1647

Willem Claes Heda. 1648

Willem Claes Heda. années 1650

Willem Claes Heda. 1657

Pierre Claes. 1660

Willem Claes Hedda. Nature morte à la tarte, 1627

L’âge « d’or » de la nature morte se situe au XVIIe siècle, lorsqu’elle prend finalement forme en tant que genre de peinture indépendant, notamment dans les œuvres d’artistes hollandais et flamands. Dans le même temps, le terme « vie tranquille et gelée » (néerlandais stilleven, allemand Stilleben, anglais still-life) semblait désigner les natures mortes. Les premiers « immobiles » avaient une intrigue simple, mais même alors, les objets qui y étaient représentés portaient et charge sémantique: du pain, un verre de vin, du poisson - symboles du Christ, un couteau - symbole de sacrifice, citron - symbole de soif non étanchée ; des noix dans leur coquille - une âme enchaînée par le péché ; la pomme rappelle l'automne.

Peu à peu, le langage symbolique du tableau s’enrichit.

Franciscus Geysbrechts, XVIIe siècle.

Les symboles trouvés sur les toiles étaient destinés à nous rappeler la fragilité de la vie humaine et le caractère éphémère des plaisirs et des réalisations :

Le crâne rappelle le caractère inévitable de la mort.

Les fruits pourris sont un symbole du vieillissement.

Les fruits mûrs symbolisent la fertilité, l'abondance, métaphoriquement richesse et prospérité.

De nombreux fruits ont leur propre signification : l'automne est représenté par les poires, les tomates, les agrumes, les raisins, les pêches et les cerises, et bien sûr la pomme. Les figues, les prunes, les cerises, les pommes ou les pêches ont des connotations érotiques.

Les pousses de céréales, les branches de lierre ou de laurier (rarement) sont le symbole de la renaissance et du cycle de la vie.

Coquillages, parfois escargots vivants : une coquille de mollusque est le reste d'un animal autrefois vivant ; elle signifie la mort et la mortalité.

L'escargot rampant est la personnification du péché mortel de la paresse.

Les grosses palourdes dénotent la dualité de la nature, un symbole de luxure, un autre des péchés capitaux.

Bulles de savon - la brièveté de la vie et la soudaineté de la mort ; une référence à l’expression homo bulla – « une personne est une bulle de savon ».

Une bougie (cendre) ou une lampe à huile mourante et fumante ; capuchon pour éteindre les bougies - une bougie allumée est un symbole l'âme humaine, sa disparition symbolise le départ.

des tasses, jouer aux cartes ou des dés, des échecs (rarement) - le signe d'une erreur le but de la vie, la recherche du plaisir et d'une vie pécheresse. L'égalité des chances dans jeu d'argent signifiait également un anonymat répréhensible.

Une pipe fumante est un symbole de plaisirs terrestres éphémères et insaisissables.

Un masque de carnaval est le signe de l’absence d’une personne à l’intérieur. Destiné également à la mascarade festive, au plaisir irresponsable.

Miroirs, boules de verre (miroir) - un miroir est un symbole de vanité, de plus, c'est aussi un signe de reflet, d'ombre et non un phénomène réel.

Beyeren. Nature morte au homard, 1667

Vaisselle cassée, généralement des verres en verre. Un verre vide opposé à un verre plein symbolise la mort.

Le verre symbolise la fragilité, la porcelaine blanche comme neige symbolise la pureté.

Le mortier et le pilon sont des symboles de la sexualité masculine et féminine.

La bouteille est un symbole du péché de l'ivresse.

Un couteau nous rappelle la vulnérabilité humaine et la mortalité.

Sable et montres mécaniques- la fugacité du temps.

Instruments de musique, notes - la brièveté et le caractère éphémère de la vie, symbole des arts.

Livres et cartes géographiques (mappa mundi), un stylo à plume est un symbole de la science. Le globe, à la fois la terre et le ciel étoilé.

Palette avec pinceaux, couronne de laurier(généralement sur la tête du crâne) - symboles de la peinture et de la poésie.

Les lettres symbolisent les relations humaines.

Les instruments médicaux rappellent les maladies et la fragilité du corps humain.

Portefeuilles avec pièces de monnaie, boîtes avec bijoux - les bijoux et les cosmétiques sont destinés à créer la beauté, l'attractivité féminine, en même temps ils sont associés à la vanité, au narcissisme et au péché mortel de l'arrogance. Ils signalent également l'absence de leurs propriétaires sur la toile.

Les armes et les armures sont un symbole de pouvoir et de puissance, une désignation de ce qui ne peut pas être emporté avec vous dans la tombe.

Couronnes et diadèmes papaux, sceptres et orbes, couronnes de feuilles sont des signes d'une domination terrestre passagère, opposée à l'ordre mondial céleste. Comme les masques, ils symbolisent l’absence de ceux qui les portaient.

Clés - symbolisent le pouvoir de la femme au foyer qui gère les fournitures.

Les ruines symbolisent la vie éphémère de ceux qui les habitaient autrefois.

Les natures mortes représentaient souvent des insectes, des oiseaux et des animaux. Les mouches et les araignées, par exemple, étaient considérées comme des symboles d’avarice et de mal, tandis que les lézards et les serpents étaient des symboles de tromperie. Les écrevisses ou les homards représentaient l'adversité ou la sagesse.

Jacques André Joseph Aved. Vers 1670.

Le livre est la tragédie « Electre » de Sophocle - dans ce cas, le symbole a plusieurs valeurs. En le plaçant dans la composition, l'artiste rappelle l'inévitabilité du châtiment pour tout crime, non pas sur terre, mais au ciel, puisque c'est précisément cette pensée qui imprègne la tragédie. Le motif antique de ces natures mortes symbolisait souvent la continuité de l’art. Sur titre de page porte le nom du traducteur, le célèbre poète hollandais Joost van den Vondel, dont les travaux sur l'Antiquité et histoires bibliquesétaient si d'actualité qu'il fut même persécuté. Il est peu probable que l'artiste ait placé Vondel par hasard - il est possible que, parlant de la vanité du monde, il ait décidé de mentionner la vanité du pouvoir.

L'épée et le casque sont l'emblème d'une gloire militaire passagère.

Le panache blanc et rouge est le centre de composition de l’image. Les plumes sont toujours synonymes de vanité et de vanité. Le tableau est daté d'après le casque à plumes. Lodewijk van der Helst l'a représenté portant un tel casque dans son portrait posthume de l'amiral Stirlingwerf en 1670. Le casque de l'amiral est présent dans plusieurs autres natures mortes de van Streck.

Portrait d'une sanguine. Contrairement à l’huile, la sanguine se conserve très mal, tout comme le papier contrairement à la toile. Cette feuille parle de la futilité des efforts de l’artiste ; les bords effilochés et déchirés sont destinés à renforcer cette idée.

La frange dorée est la vanité du luxe.

Crâne - dans culture ancienne attribut de Kronos (Saturne), c'est-à-dire un symbole du temps. La Roue de la Fortune était également représentée avec un crâne. Pour les chrétiens, c’est un signe de vanité mondaine, une contemplation mentale de la mort, un attribut de la vie d’ermite. Saint François d'Assise, saint Jérôme, Marie-Madeleine et l'apôtre Paul étaient représentés avec lui. Le crâne est aussi un symbole vie éternelle Le Christ crucifié sur le Golgotha, où, selon la légende, aurait été enterré le crâne d'Adam. L'oreille enroulée autour du crâne est un symbole de l'immortalité de l'âme (« Je suis le pain de vie » - Jean 6 :48), l'espoir de la vie éternelle.

Une pile de vieux papiers est la vanité du savoir.

Une corne à poudre sur une chaîne est un sujet très caractéristique de la nature morte hollandaise. Ici, cela devrait apparemment être interprété comme quelque chose qui apporte la mort, contrairement à la corne d'abondance.

Adrian van Utrecht, "Vanitas". 1642.

muguet, violettes, myosotis entourés de roses, œillets, anémones, symboles de pudeur et de pureté ;

une grande fleur au centre de la composition est la « couronne de vertu » ;

les pétales émiettés près du vase sont des signes de fragilité ;

une fleur fanée est un signe de la disparition des sentiments ;

les iris sont un signe de la Vierge Marie ;

Rose blanche - amour platonique et un symbole de pureté ;

les roses rouges sont un symbole d'amour passionné et un symbole de la Vierge Marie ;

les fleurs rouges sont un symbole du sacrifice expiatoire du Christ ;

lys blanc non seulement Belle fleur, mais aussi symbole de la pureté de la Vierge Marie ;

bleu et fleurs bleues– un rappel de l'azur céleste ;

le chardon est un symbole du mal ;

œillet - un symbole du sang versé du Christ;

coquelicot - une allégorie du sommeil, de l'oubli, symbole de l'un des péchés capitaux - la paresse ;

anémone - aide en cas de maladie;

les tulipes - un symbole d'une beauté qui disparaît rapidement ; la culture de ces fleurs était considérée comme l'une des activités les plus vaines et futiles ; la tulipe symbolisait aussi l'amour, la sympathie, la compréhension mutuelle ; une tulipe blanche - le faux amour, une tulipe rouge - l'amour passionné (en Europe et en Amérique, la tulipe est associée au printemps, à la lumière, à la vie, aux couleurs et est considérée comme une fleur douillette et accueillante ; en Iran, en Turquie et dans d'autres pays de l'Est, la tulipe associée aux sentiments amoureux et à l'érotisme).

À l'aide de l'exemple du tableau "Petit déjeuner au jambon" de Pieter Claes, parlons de la nature morte hollandaise.
Il montre une table recouverte d'une nappe blanche. Au centre de la nature morte se trouve un plat de jambon rose. Le jambon a un bord fraîchement coupé. Un couteau au beau manche sculpté se trouve à proximité sur le même plat. À droite du plat, vous pouvez voir une branche d’olivier avec des pêches dessus. Des points noirs sont visibles à la surface du fruit. Ce sont des traces de vers. A gauche du plat se trouve un verre de vin. Des reflets lumineux sur les parois d'un verre animent l'image. À côté du verre se trouve une cruche en cuivre avec un couvercle ouvert. La branche de raisin, représentée à côté du verre et de la cruche, semble encercler les deux récipients. Sur le bord de la table, l'artiste a représenté une assiette de métal avec du pain dont la croûte dorée attire le regard. Dispersé sur une nappe blanche noix, dont certains sont déjà divisés. Le désordre apparent suggère un sentiment de présence humaine récente.

Avec une habileté étonnante, l'artiste transmet la couleur de chaque objet. Une palette de tons olive grisâtre-doré sobre unifie les pièces. Chacun des objets est localisé de manière à ce que le spectateur puisse en percevoir la texture, le volume, les moindres détails. L'artiste restitue parfaitement la texture de chaque objet : le velouté des pêches, la surface mate et humide des raisins, la transparence du verre, la jutosité du jambon. Les contours arrondis des plats, des verres et des récipients se croisent et leur rythme doux transmet harmonie et intégrité. En regardant la photo, on a une sensation d’équilibre instable. L'assiette de pain est sur le point de tomber. Le centre de composition est sans aucun doute le plat au jambon. C'est le point le plus lumineux de l'image. L'artiste représente ce sujet avec réalisme. La nappe ne recouvre pas complètement toute la table. Là où la nappe n'atteint pas, une simple table en bois est visible, sans aucun ornement. En utilisant le contraste des couleurs, l'artiste expose la réalité.

Un phénomène étonnant dans l'histoire des beaux-arts mondiaux s'est produit dans le Nord Europe XVII siècle. Elle est connue comme la nature morte hollandaise et est considérée comme l’un des sommets de la peinture à l’huile.

Les connaisseurs et les professionnels sont convaincus que tant de maîtres magnifiques possédant la plus haute technologie et créant tant de chefs-d'œuvre de classe mondiale, vivant sur une petite parcelle du continent européen, n'ont jamais été vus dans l'histoire de l'art.

Nouveau sens du métier d'artiste

L'importance particulière que la profession d'artiste a acquise en Hollande avec début XVII siècle, fut le résultat de l'émergence après les premières révolutions anti-féodales des prémices d'un nouveau système bourgeois, de la formation d'une classe de bourgeois urbains et de paysans riches. Pour les peintres, c'était clients potentiels, qui a façonné la mode des œuvres d'art, faisant de la nature morte hollandaise un produit recherché sur le marché émergent.

Dans les terres du nord des Pays-Bas, les mouvements réformistes du christianisme, nés de la lutte contre le catholicisme, sont devenus l'idéologie la plus influente. Cette circonstance, entre autres, a fait de la nature morte hollandaise le genre principal de corporations artistiques entières. Les chefs spirituels du protestantisme, en particulier les calvinistes, ont nié l'importance salvatrice de la sculpture et de la peinture sur des sujets religieux, ils ont même expulsé la musique du église, ce qui obligea les peintres à rechercher de nouveaux sujets.

Dans la Flandre voisine, restée sous influence catholique, art développé selon des lois différentes, mais la proximité territoriale provoquait une inévitable influence mutuelle. Les scientifiques - les historiens de l'art - trouvent beaucoup de choses qui unissent les natures mortes hollandaises et flamandes, notant leurs différences fondamentales inhérentes et leurs caractéristiques uniques.

Nature morte florale précoce

Le genre « pur » de la nature morte, apparu au XVIIe siècle, prend des formes particulières en Hollande et nom symbolique"vie tranquille" - toujours même. À bien des égards, les natures mortes hollandaises étaient le reflet de l'activité vigoureuse de la Compagnie des Indes orientales, qui apportait d'Orient des produits de luxe jamais vus en Europe auparavant. De Perse, l'entreprise a apporté les premières tulipes, qui sont devenues plus tard un symbole de la Hollande, et ce sont les fleurs représentées dans les peintures qui sont devenues la décoration la plus populaire des immeubles résidentiels, de nombreux bureaux, magasins et banques.

Le but des compositions florales magistralement peintes était varié. Décorant les maisons et les bureaux, ils mettaient l'accent sur le bien-être de leurs propriétaires, et pour les vendeurs de plants de fleurs et de bulbes de tulipes, ils constituaient ce qu'on appelle aujourd'hui un produit publicitaire visuel : des affiches et des livrets. Par conséquent, la nature morte hollandaise avec des fleurs est avant tout une représentation botaniquement précise de fleurs et de fruits, en même temps remplie de nombreux symboles et allégories. Ce sont les meilleures peintures d'ateliers entiers dirigés par Ambrosius Bosschaert l'Ancien, Jacob de Geyn le Jeune, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar et d'autres.

Dresser les tables et les petits déjeuners

La peinture en Hollande au XVIIe siècle ne pouvait échapper à l'influence des nouveaux relations publiques, et le développement économique. La nature morte hollandaise du XVIIe siècle était produit rentable, et de grands ateliers sont organisés pour la « production » de peintures. Outre les peintres, parmi lesquels figuraient une spécialisation et une division du travail strictes, ceux qui préparaient la base des peintures - planches ou toiles, les apprêtaient, fabriquaient des cadres, etc. à une augmentation de la qualité des natures mortes à un niveau très élevé.

La spécialisation en genre des artistes revêt également un caractère géographique. Des compositions florales ont été peintes dans de nombreuses villes néerlandaises - Utrecht, Delft, La Haye, mais c'est Haarlem qui est devenue le centre de développement de natures mortes représentant des tables servies, de la nourriture et plats cuisinés. Ces peintures peuvent être variées en termes d'échelle et de caractère, allant de complexes et multi-sujets à laconiques. Des «Petits déjeuners» sont apparus - des natures mortes d'artistes néerlandais représentant differentes etapes repas. Ils représentent la présence d'une personne sous forme de miettes, de petits pains mordus, etc. histoires intéressantes, rempli d'allusions et de symboles moralisateurs communs aux peintures de cette époque. Les peintures de Nicholas Gillies, Floris Gerrits van Schoten, Clara Peters, Hans Van Essen, Roelof Coots et d'autres sont considérées comme particulièrement significatives.

Nature morte tonale. Pieter Claes et Willem Claes Heda

Pour les contemporains, les symboles qui remplissaient la nature morte traditionnelle hollandaise étaient pertinents et compréhensibles. Le contenu des peintures ressemblait à celui de livres de plusieurs pages et était particulièrement apprécié pour cela. Mais il existe un concept qui n'est pas moins impressionnant tant pour les connaisseurs modernes que pour les amateurs d'art. C'est ce qu'on appelle une «nature morte tonale», et l'essentiel est la plus haute compétence technique, des couleurs incroyablement raffinées, une habileté étonnante à transmettre les nuances subtiles de l'éclairage.

Ces qualités sont tout à fait cohérentes avec les peintures de deux grands maîtres, dont les peintures sont considérées parmi les meilleurs exemples de natures mortes tonales : Peter Claes et Willem Claes Heed. Ils ont choisi des compositions à partir d'un petit nombre d'objets, dépourvus de couleurs vives et un caractère décoratif particulier, qui ne les a pas empêchés de créer des objets d'une beauté et d'une expressivité étonnantes, dont la valeur ne diminue pas avec le temps.

Vanité

Le thème de la fragilité de la vie, de l’égalité avant la mort du roi et du mendiant, était très populaire dans la littérature et la philosophie de cette époque de transition. Et en peinture, cela s'exprimait dans des peintures représentant des scènes dans lesquelles l'élément principal était le crâne. Ce genre est appelé vanitas - du latin « vanité des vanités ». La popularité des natures mortes, semblables aux traités philosophiques, a été facilitée par le développement de la science et de l'éducation, dont le centre était l'université de Leiden, célèbre dans toute l'Europe.

Vanitas occupe une place sérieuse dans l'œuvre de nombreux maîtres hollandais de l'époque : Jacob de Gein le Jeune, David Gein, Harmen Steenwijk et d'autres. Les meilleurs échantillons Les « vanités » ne sont pas de simples histoires d'horreur ; elles évoquent non pas une horreur inexplicable, mais une contemplation calme et sage, remplie de pensées sur les choses les plus diverses. questions importantesêtre.

Peintures trompeuses

Les peintures sont la décoration la plus populaire de l'intérieur néerlandais depuis fin du Moyen Âge, ce que la population urbaine croissante pouvait se permettre. Pour intéresser les acheteurs, les artistes ont eu recours à diverses astuces. Si leurs compétences le permettaient, ils créaient du « trompe-l'œil » ou « trompe-l'œil » du trompe-l'œil français - une illusion d'optique. Le fait était qu'une nature morte typiquement hollandaise - fleurs et fruits, morts des oiseaux et des poissons, ou des objets liés à la science - livres, instruments d'optique, etc. - contenaient une illusion complète de réalité : un livre sorti de l'espace de l'image et sur le point de tomber, une mouche qui s'est posée sur un vase que l'on a envie de claquer - sujets typiques pour une peinture leurre.

Les peintures des plus grands maîtres de la nature morte en trompe-l'œil - Gérard Dou, Samuel van Hoogstraten et d'autres - représentent souvent une niche encastrée dans le mur avec des étagères sur lesquelles se trouvent une masse de choses diverses. L'habileté technique de l'artiste à transmettre les textures et les surfaces, la lumière et les ombres était si grande que la main elle-même tendait la main vers un livre ou un verre.

Heure de l'apogée et du coucher du soleil

Au milieu du XVIIe siècle, les principaux types de natures mortes dans les peintures des maîtres hollandais atteignirent leur apogée. Les natures mortes « luxueuses » deviennent populaires, car le bien-être des bourgeois augmente et les plats riches, les tissus précieux et l'abondance de nourriture ne semblent pas étrangers à l'intérieur d'une maison de ville ou d'un riche domaine rural.

Les tableaux grossissent, ils étonnent par le nombre de textures différentes. Dans le même temps, les auteurs recherchent des moyens d'augmenter le divertissement du spectateur. Pour y parvenir, la nature morte traditionnelle hollandaise - avec des fruits et des fleurs, des trophées de chasse et des plats en matériaux divers - est complétée par des insectes exotiques ou de petits animaux et oiseaux. En plus de créer les associations allégoriques habituelles, l'artiste les introduisait souvent simplement pour des émotions positives, afin d'augmenter l'attractivité commerciale de l'intrigue.

Les maîtres de la « nature morte luxueuse » - Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, François Reichals, Willem Kalf - sont devenus les précurseurs de l'époque à venir, où l'augmentation de la décoration et la création d'une impression impressionnante sont devenues importantes.

Fin de l'âge d'or

Les priorités et les modes ont changé, l'influence des dogmes religieux sur le choix des sujets des peintres est progressivement devenue une chose du passé, la notion même d'âge d'or que nous connaissions est devenue une chose du passé. Peinture hollandaise. Les natures mortes sont entrées dans l’histoire de cette époque comme l’une des pages les plus importantes et les plus impressionnantes.