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Jean-Sébastien Bach

Tout sur Bach

Johann Sebastian Bach (31 mars 1685 – 28 juillet 1750) était un compositeur et musicien allemand de l'époque baroque. Il a apporté une contribution significative au développement de genres importants de la musique classique allemande grâce à sa maîtrise du contrepoint, de l'organisation harmonique et motivique, et à l'adaptation de rythmes, de formes et de structures étrangères, notamment d'Italie et de France. Les œuvres musicales de Bach comprennent les Concertos brandebourgeois, les Variations Goldberg, la Messe en si mineur, deux Passions et plus de trois cents cantates, dont environ deux cents survivent. Sa musique est réputée pour son excellence technique, beauté artistique et la profondeur intellectuelle.

Les capacités de Bach en tant qu'organiste étaient très appréciées de son vivant, mais comment grand compositeur il n'a acquis une large reconnaissance que dans la première moitié du XIXe siècle, lorsqu'il y a eu un regain d'intérêt pour sa musique et son interprétation. Il est actuellement considéré comme l'un des plus grands compositeurs de tous les temps.

Biographie de Bach

Bach est né à Eisenach, dans le duché de Saxe-Eisenach, dans une grande famille de musiciens. Son père, Johann Ambrosius Bach, était le chef de l'orchestre de la ville et tous ses oncles étaient musiciens professionnels. Son père lui a probablement appris à jouer du violon et du clavecin, et son frère, Johann Christoph Bach, lui a appris le clavicorde et l'a initié aux œuvres de nombreux compositeurs modernes. Apparemment, de sa propre initiative, Bach est entré à l'école Saint-Michel de Lunebourg, où il a étudié pendant deux ans. Après avoir obtenu son diplôme, il a occupé plusieurs postes musicaux dans toute l'Allemagne : il a été kapeldiner (directeur musical) pour Léopold, prince d'Anhalt-Köthen, et comme Thomaskantor à Leipzig, comme directeur musical dans d'importantes églises luthériennes et comme directeur musical. professeur à l'école de Saint-Thomas. En 1736, Auguste III lui décerne le titre de « compositeur de cour ». En 1749, la santé et la vue de Bach se détériorent. Le 28 juillet 1750, il mourut.

L'enfance de Bach

Jean-Sébastien Bach est né à Eisenach, la capitale du duché de Saxe-Eisenach, situé dans l'actuelle Allemagne, le 21 mars 1685, art. style (31 mars 1685 selon le nouveau style). Il était le fils de Johann Abrosius Bach, chef de l'orchestre de la ville, et d'Elisabeth Lemmerhirt. Il était le huitième et le plus jeune enfant de la famille de Johann Abrosius, et son père lui a probablement appris à jouer du violon et les bases du solfège. Tous ses oncles étaient des musiciens professionnels, parmi lesquels des organistes d'église, des musiciens de chambre de cour et des compositeurs. L'un d'eux, Johann Christoph Bach (1645-1693), initia Johann Sebastian à l'orgue, et son cousin aîné, Johann Ludwig Bach (1677-1731), était un célèbre compositeur et violoniste.

La mère de Bach est décédée en 1694 et son père huit mois plus tard. Bach, 10 ans, a emménagé avec son frère aîné, Johann Christoph Bach (1671-1721), qui était organiste à l'église Saint-Michel d'Ohrdruf, Saxe-Gotha-Altenbourg. Là, il étudie, joue et transcrit la musique, y compris celle de son propre frère, bien que cela soit interdit, car les partitions de l'époque étaient très personnelles et représentaient grande valeur, et le papier de bureau propre du type approprié coûtait cher. Il a reçu de précieuses connaissances de son frère, qui lui a appris à jouer du clavicorde. Johann Christoph Bach lui a fait découvrir les œuvres des grands compositeurs de son temps, notamment ceux du sud de l'Allemagne tels que Johann Pachelbel (auprès duquel Johann Christoph a étudié) et Johann Jakob Froberger ; Compositeurs d'Allemagne du Nord ; Des Français comme Jean-Baptiste Lully, Louis Marchand et Marin Marais ; ainsi que le pianiste italien Girolamo Frescobaldi. Parallèlement, au gymnase local, il étudie la théologie, le latin, le grec, le français et l'italien.

Le 3 avril 1700, Bach et son camarade Georg Erdmann, de deux ans son aîné, entrèrent à la prestigieuse école Saint-Michel de Lunebourg, à deux semaines d'Ohrdruf. Ils ont probablement parcouru la majeure partie de cette distance à pied. Les deux années que Bach a passées dans cette école ont joué un rôle crucial dans la formation de son intérêt pour diverses branches de la culture européenne. En plus de chanter dans la chorale, il jouait de l'orgue à trois claviers et des clavecins de l'École. Il commence à fréquenter les fils d'aristocrates du nord de l'Allemagne, envoyés dans cette école très exigeante pour se préparer à des carrières dans d'autres disciplines.

À Lunebourg, Bach a eu accès à l'église Saint-Jean et a peut-être utilisé le célèbre orgue de l'église datant de 1553, car son professeur d'orgue Georg Böhm en jouait. Grâce à son talent musical, Bach a été en contact étroit avec Boehm pendant ses études à Lunebourg et s'est également rendu dans la ville voisine de Hambourg, où il a assisté à des représentations du « grand organiste d'Allemagne du Nord Johann Adam Reincken ». Stauffer rapporte la découverte en 2005 de tablatures d'orgue que Bach avait écrites pour des œuvres de Reincken et Buxtehude alors qu'il était adolescent, révélant « un adolescent discipliné, méthodique, bien préparé, profondément engagé dans l'étude de son art ».

Le service de Bach en tant qu'organiste

En janvier 1703, peu de temps après avoir obtenu son diplôme de l'école Saint-Michel et avoir été refusé pour une nomination comme organiste à Sangerhausen, Bach entre au service comme musicien de cour à la chapelle du duc Johann Ernst III à Weimar. On ne sait pas exactement quelles étaient ses fonctions là-bas, mais elles étaient probablement subalternes et n'avaient rien à voir avec la musique. Au cours de ses sept mois à Weimar, Bach est devenu si célèbre en tant que claviériste qu'il a été invité à inspecter le nouvel orgue et à donner le concert inaugural à la Nouvelle Église (aujourd'hui Église Bach) à Arnstadt, située à environ 30 km (19 mi) au sud-ouest. de Weimar. En août 1703, il occupe le poste d'organiste à la Nouvelle Église, avec des tâches simples, un salaire relativement généreux et un bel orgue neuf, dont les réglages de tempérament lui permettent de jouer de la musique écrite dans une tessiture de clavier plus large.

Malgré des liens familiaux influents et un employeur mélomane, des tensions sont apparues entre Bach et les autorités après plusieurs années de service. Bach n'était pas satisfait du niveau de formation des chanteurs du chœur et son employeur n'approuvait pas son absence non autorisée d'Arnstadt - en 1705-06, lorsque Bach partit pendant plusieurs mois rendre visite au grand organiste et compositeur Dietrich Buxtehude et assister son concerts du soirà l'église Sainte-Marie de la ville de Lübeck, au nord du pays. Visiter Buxtehude nécessitait un voyage de 450 kilomètres (280 miles), un voyage que Bach aurait fait à pied.

En 1706, Bach postula pour le poste d'organiste à l'église de Blasius (également connue sous le nom d'église Saint-Blasius ou Divi Blasii) à Mühlhausen. Pour démontrer ses compétences, il interprète une cantate pour Pâques, le 24 avril 1707 - il s'agit probablement d'une première version de sa composition "Christ lag in Todes Banden" ("Le Christ gisait dans les chaînes de la mort"). Un mois plus tard, la candidature de Bach est acceptée et en juillet, il occupe le poste souhaité. Le salaire dans ce service était nettement plus élevé, les conditions et la chorale étaient meilleures. Quatre mois après son arrivée à Mühlhausen, Bach épousa Maria Barbara Bach, sa cousine germaine. Bach a réussi à convaincre l'église et les autorités municipales de Mühlhausen de financer la coûteuse restauration de l'orgue de l'église de Blaise. En 1708, Bach écrivit « Gott ist mein König » (« Mon Seigneur le Roi »), une cantate de célébration de l'investiture du nouveau consul, dont les frais de publication étaient payés par le consul lui-même.

Le début de l'œuvre de Bach

En 1708, Bach quitte Mühlhausen et retourne à Weimar, cette fois comme organiste et, à partir de 1714, accompagnateur de la cour (directeur musical), où il a l'occasion de travailler avec un groupe important et bien financé de musiciens professionnels. Bach et sa femme s'installent dans une maison non loin du Palais Ducal. Plus tard cette année-là, leur première fille, Katharina Dorothea, est née ; une femme célibataire a également emménagé avec eux sœur ainée Marie Barbara. Elle aidait la famille Bach dans les tâches ménagères et vécut avec eux jusqu'à sa mort en 1729. Bach a également eu trois fils à Weimar : Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emmanuel et Johann Gottfried Bernhard. Johann Sebastian et Maria Barbara ont eu trois autres enfants, mais aucun d'entre eux n'a survécu un an, y compris des jumeaux nés en 1713.

La vie de Bach à Weimar a marqué le début d'une longue période de composition d'œuvres pour clavier et orchestre. Il a perfectionné ses compétences et acquis la confiance qui lui a permis de repousser les limites des structures musicales traditionnelles et d'y incorporer des influences musicales étrangères. Il a appris à écrire des introductions dramatiques, à utiliser des rythmes dynamiques et des schémas harmoniques inhérents à la musique d'Italiens tels que Vivaldi, Corelli et Torelli. Bach a partiellement dérivé ces aspects stylistiques de ses transcriptions des concertos pour cordes et vents de Vivaldi pour clavecin et orgue ; nombre de ces œuvres, dans ses adaptations, sont régulièrement jouées à ce jour. Bach était particulièrement attiré par le style italien, dans lequel des parties solistes sur un ou plusieurs instruments alternaient avec le jeu d'un orchestre complet tout au long du mouvement.

À Weimar, Bach continue de jouer et de composer pour l'orgue et joue également de la musique de concert avec l'ensemble du duc. En outre, il commença à écrire des préludes et des fugues, qui devinrent plus tard une partie d'un cycle monumental intitulé "Le Clavier bien tempéré" ("Das Wohltemperierte Klavier" - "Klavier" signifie clavicorde ou clavecin). Le cycle comprenait deux livres, compilés en 1722 et 1744, chacun contenant 24 préludes et fugues dans toutes les tonalités majeures et mineures.

En outre, à Weimar, Bach a commencé à travailler sur le « Livre d'orgue », contenant des arrangements complexes de chorals luthériens traditionnels (mélodies d'hymnes religieux). En 1713, Bach se voit proposer un poste à Halle lorsqu'il conseille les autorités lors de la restauration par Christoph Kuntzius de l'orgue principal de la tribune ouest de l'église catholique Sainte-Marie. Johann Kuhnau et Bach jouèrent à nouveau lors de sa première en 1716.

Au printemps 1714, Bach fut promu premier violon, un honneur qui impliquait des représentations mensuelles de cantates religieuses dans l'église de la cour. Les trois premières cantates de Bach composées à Weimar étaient : « Himmelskönig, sei willkommen » (« Roi céleste, bienvenue ») (BWV 182), écrites pour Dimanche des Rameaux, qui cette année-là coïncidait avec l'Annonciation, "Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen" ("Gémissements, pleurs, soucis et soucis") (BWV 12) pour le troisième dimanche après Pâques, et "Erschallet, ihr Lieder, erklinget, pour Saiten !" (« Chantez, chœurs, criez, cordes ! ») (BWV 172) pour la Pentecôte. La première cantate de Noël de Bach, « Christen, ätzet diesen Tag » (« Chrétiens, marquez ce jour ») (BWV 63), fut créée en 1714 ou 1715.

En 1717, Bach tomba finalement en disgrâce à Weimar et, selon une traduction du rapport du greffier, fut détenu pendant près d'un mois puis libéré avec disgrâce : « Le 6 novembre, l'ancien violon solo et organiste Bach, par décision du un juge de comté, a été placé en détention pour persistance excessive à exiger sa révocation et, en outre, le 2 décembre, il a été libéré avec un avis de disgrâce.

La famille et les enfants de Bach

En 1717, Léopold, prince d'Anhalt-Köthen, engagea Bach comme Kapellmeister (directeur musical). Étant lui-même musicien, le prince Léopold appréciait les talents de Bach, lui versait un bon salaire et lui accordait une liberté considérable dans la composition et l'interprétation d'œuvres musicales. Cependant, le prince était calviniste et n'utilisait pas musique complexeà leurs services. En conséquence, les œuvres écrites par Bach au cours de cette période étaient en grande partie profanes, notamment des suites pour orchestre, des suites pour violoncelle, des sonates et des partitions pour violon seul, ainsi que les Concertos brandebourgeois. Bach a également écrit des cantates de cour laïque, notamment « Die Zeit, die Tag und Jahre macht » (« Le temps et les jours font des années ») (BWV 134a). Élément important du développement musical de Bach au cours de ses années de service auprès du Prince, Stauffer décrit comme « son acceptation complète de la musique de danse, qui a peut-être eu l'influence la plus importante sur l'épanouissement de son style, avec la musique de Vivaldi, maîtrisée par lui à Weimar."

Même si Bach et Haendel sont nés la même année et à seulement 130 kilomètres l’un de l’autre, ils ne se sont jamais rencontrés. En 1719, Bach fit un voyage de 35 kilomètres (22 milles) de Köthen à Halle pour rencontrer Haendel, mais Haendel avait déjà quitté la ville à ce moment-là. En 1730, le fils aîné de Bach, Wilhelm Friedemann, se rendit à Halle pour inviter Haendel à rendre visite à la famille de Bach à Leipzig, mais la visite n'eut pas lieu.

Le 7 juillet 1720, alors que Bach se trouvait avec le prince Léopold à Carlsbad, l'épouse de Bach mourut subitement. Un an plus tard, il rencontre Anna Magdalena Wilke, une jeune chanteuse soprano très douée, de seize ans sa cadette et qui chante à la cour de Köthen ; Le 3 décembre 1721, ils se marièrent. Treize autres enfants sont nés de ce mariage, dont six ont vécu jusqu'à l'âge adulte : Gottfried Heinrich ; Elisabeth Juliana Friederica (1726-1781), qui épousa Johann Christoph Altnikol, élève de Bach ; Johann Christoph Friedrich et Johann Christian - tous deux, surtout Johann Christian, sont devenus des musiciens exceptionnels ; Johanna Caroline (1737-81) ; et Régina Suzanne (1742-1809).

Bach en tant que professeur

En 1723, Bach reçut le poste de Thomascantor - chantre à l'école Saint-Thomas de la Thomaskirche (église Saint-Thomas) à Leipzig, qui donna des concerts dans quatre églises de la ville : Thomaskirche, Nikolaikirche (église Saint-Nicolas) et dans une moindre mesure, la Neue Kirche (nouvelle église) et la Peterskirche (église Saint-Pierre). C'était le « principal cantorat de l'Allemagne protestante », situé dans une ville commerciale de l'électorat de Saxe, où il servit pendant vingt-sept ans jusqu'à sa mort. Au cours de cette période, il renforce son autorité grâce à des postes honoraires à la cour, qu'il occupe à Köthen et Weissenfels, ainsi qu'à la cour de l'électeur Frédéric Auguste (qui était également roi de Pologne) à Dresde. Bach avait de nombreux désaccords avec ses employeurs actuels - l'administration municipale de Leipzig, dont il considérait les membres comme des « avares ». Par exemple, bien qu'il ait reçu une offre de nomination comme Thomascantor, Bach n'a été invité à Leipzig qu'après que Telemann a déclaré qu'il n'était pas intéressé à déménager à Leipzig. Telemann se rendit à Hambourg, où il « eut ses propres conflits avec le Sénat de la ville ».

Les tâches de Bach comprenaient l'enseignement du chant aux étudiants de l'école Saint-Thomas et la direction de concerts dans les principales églises de Leipzig. De plus, Bach était obligé d’enseigner le latin, mais il était autorisé à embaucher quatre « préfets » (assistants) qui le faisaient à sa place. Les préfets ont également fourni une assistance en matière d'alphabétisation musicale. Des cantates ont été interprétées pendant les offices du dimanche et des jours fériés. année de l'église. En règle générale, Bach dirigeait lui-même les interprétations de ses cantates, qu'il composait pour la plupart au cours des trois premières années suivant son installation à Leipzig. Le tout premier fut "Die Elenden sollen essen" ("Que les pauvres mangent et soient rassasiés") (BWV 75), joué pour la première fois à Nikolaikirch le 30 mai 1723, premier dimanche après la Trinité. Bach a rassemblé ses cantates en cycles annuels. Sur les cinq cycles de ce type mentionnés dans les nécrologies, seuls trois ont survécu. Sur les plus de trois cents cantates écrites par Bach à Leipzig, plus d'une centaine ont été perdues. générations suivantes. Fondamentalement, ces œuvres de concert sont basées sur les textes de l'Évangile, qui dans l'Église luthérienne étaient lus tous les dimanches et jours fériés tout au long de l'année. Le deuxième cycle annuel, que Bach commença à composer le premier dimanche après la Trinité en 1724, se compose exclusivement de contates de choral, dont chacune est basée sur un hymne religieux spécifique. Il s'agit notamment de "O Ewigkeit, du Donnerwort" ("Ô éternité, parole tonitruante") (BWV 20), "Wachet auf, ruft uns die Stimme" ("Réveillez-vous, une voix vous appelle") (BWV 140), " Nun komm, der Heiden Heiland » (« Viens, Sauveur des nations ») (BWV 62) et « Wie schön leuchtet der Morgenstern » (« Oh, comme brille magnifiquement la lumière de l'étoile du matin ») (BWV 1).

Bach a recruté des sopranos et des altos dans le chœur parmi les étudiants de l'école Saint-Thomas, ainsi que des ténors et des basses - non seulement de là-bas, mais aussi de tout Leipzig. Se produire lors de mariages et de funérailles fournissait à ses groupes un revenu supplémentaire - il a probablement écrit au moins six motets spécialement pour cela, ainsi que pour l'apprentissage à l'école. Dans le cadre de ses activités religieuses régulières, il a interprété des motets d'autres compositeurs, et ils ont servi échantillons échantillons pour le sien.

Le prédécesseur de Bach en tant que chantre, Johann Kuhnau, a également dirigé des concerts à la Paulinerkirche, une église de l'Université de Leipzig. Cependant, lorsque Bach accéda à ce poste en 1723, ses ordres prévoyaient d'organiser des concerts uniquement « solennels » (organisés le jours fériés) services à la Paulinerkirche ; sa demande de concerts et de services dominicaux réguliers dans cette église (avec une augmentation de salaire correspondante) parvint à l'électeur lui-même, mais fut refusée. Après cela, en 1725, Bach « perdit tout intérêt » à travailler même aux services cérémoniels de la Paulinerkirche et commença à n'y apparaître que lors d'« occasions spéciales ». L'orgue de la Paulinerkirche était bien meilleur et plus récent (1716) que celui de la Thomaskirche ou de la Nikolaikirche. En 1716, lors de la construction de l'orgue, Bach fut invité à donner une consultation officielle, pour laquelle il arriva de Köthen et présenta son rapport. Les fonctions officielles de Bach n'incluaient pas de jouer de l'orgue, mais on pense qu'il aimait jouer de l'orgue à la Paulinerkirche « pour son propre plaisir ».

En mars 1729, Bach prend le poste de directeur du Collegium Musicum, un ensemble de concerts laïque fondé par Telemann, ce qui lui permet d'étendre ses activités de compositeur et d'interprète au-delà des services religieux. Le Collège de Musique était l'un des nombreux groupes fermés fondés dans les grandes villes germanophones par des étudiants universitaires doués en musique ; à cette époque, ces groupes acquéraient de plus en plus important dans la vie musicale publique ; en règle générale, ils étaient dirigés par les plus éminents musiciens professionnels villes. Selon Christoph Wolf, l'adoption de ce leadership était une mesure judicieuse qui "renforçait l'emprise confiante de Bach sur les principales institutions musicales de Leipzig". Tout au long de l'année, l'école de musique de Leipzig organise régulièrement des concerts dans des lieux tels que le Zimmermann Café, un café situé rue Catherine, près de la place principale du marché. De nombreuses compositions de Bach, écrites dans les années 1730 et 1740, ont été composées et interprétées par le Collège de Musique ; parmi eux se trouvent des œuvres sélectionnées de la collection "Clavier-Übung" ("Exercices pour le clavier"), ainsi que plusieurs de ses concertos pour violon et clavier.

En 1733, Bach composa une messe pour la cour de Dresde (parties « Kyrie » et « Gloria »), qu'il inclua plus tard dans sa Messe en si mineur. Il présenta le manuscrit à l'électeur dans l'espoir de persuader le prince de le nommer compositeur de la cour, tentative qui fut par la suite couronnée de succès. Il a ensuite retravaillé cette œuvre en une messe complète, en ajoutant les parties "Credo", "Sanctus" et "Agnus Dei", dont la musique était en partie basée sur ses propres cantates, en partie entièrement composée. La nomination de Bach comme compositeur de la cour s'inscrit dans le cadre de sa longue lutte pour renforcer son autorité dans les conflits avec le conseil municipal de Leipzig. En 1737-1739, le Collège de Musique était dirigé par l'ancien élève de Bach, Karl Gotthelf Gerlach.

En 1747, Bach visita la cour du roi Frédéric II de Prusse à Potsdam. Le roi joua une mélodie pour Bach et l'invita immédiatement à improviser une fugue basée sur le thème musical qu'il avait interprété. Bach a immédiatement joué une improvisation d'une fugue à trois voix sur l'un des pianos de Friedrich, puis une nouvelle composition, et a ensuite présenté au roi une « Offrande musicale », composée de fugues, de canons et de trios, basée sur le motif proposé par Friedrich. Sa fugue à six voix reprend le même thème musical, ce qui la rend plus adaptée à différentes variations grâce à de nombreux changements.

La même année, Bach rejoint la Société des Sciences Musicales (Correspondierende Societät der musikalischen Wissenschafften) de Lorenz Christoph Mizler. A l'occasion de son entrée dans la société, Bach compose les Variations canoniques sur l'hymne de Noël "Vom Himmel hoch da komm" ich her" ("Du ciel je descendrai sur terre") (BWV 769). Chaque membre de la société Alors que Bach se préparait pour une représentation, l'artiste Elias Gottlob Hausmann a peint son portrait, qui est devenu plus tard célèbre. Le triple canon à six voix (BWV 1076) a été présenté avec ce portrait comme une dédicace à la Société. Il est possible que d'autres œuvres ultérieures de Bach aient également été liées à la Société, basées sur la théorie musicale. Parmi ces œuvres se trouve le cycle "L'Art de la Fugue", qui se compose de 18 fugues et canons complexes basés sur un thème simple. "L'Art de la Fugue" ne fut publié qu'à titre posthume en 1751.

La dernière œuvre significative de Bach fut la Messe en si mineur (1748-1749), que Stauffer décrit comme « l'œuvre ecclésiastique la plus complète de Bach. Composée en grande partie de parties révisées de cantates écrites sur une période de trente-cinq ans, elle permit à Bach de dernière fois examinez vos parties vocales et sélectionnez des parties individuelles pour une révision et une amélioration ultérieures. » Bien que la messe dans son intégralité n'ait jamais été jouée du vivant du compositeur, elle est considérée comme l'une des plus grandes œuvres chorales de tous les temps.

La maladie et la mort de Bach

En 1749, la santé de Bach commença à se détériorer ; Le 2 juin, Heinrich von Brühl a écrit une lettre à l'un des bourgmestres de Leipzig lui demandant de nommer son directeur musical, Johann Gottlieb Garrer, au poste de tomaskantor et de directeur musical « en relation avec l'approche... du décès de M. Bach. » Bach perdant la vue, le chirurgien ophtalmologiste britannique John Taylor l'opéra à deux reprises lors de son séjour à Leipzig en mars et avril 1750.

Le 28 juillet 1750, Bach décède à l'âge de 65 ans. Les journaux locaux ont cité la cause du décès comme étant « des conséquences tragiques de très opération infructueuse Spitta fournit quelques détails. Il écrit que Bach est mort d'une « apoplexie », c'est-à-dire d'un accident vasculaire cérébral. Confirmant les articles de journaux, Spitta note : « Le traitement effectué en relation avec l'opération [de l'œil défaillant] a eu des conséquences si graves que sa santé ... s'était considérablement détérioré", et Bach a complètement perdu la vue. Son fils Carl Philipp Emmanuel, en collaboration avec son élève Johann Friedrich Agricola, a rédigé une nécrologie de Bach, qui a été publiée dans la bibliothèque musicale Mizler en 1754.

Les possessions de Bach comprenaient cinq clavecins, deux clavecins pour luth, trois violons, trois altos, deux violoncelles, une viole de gambe, un luth et une épinette, ainsi que 52 « livres sacrés », dont des œuvres de Martin Luther et Josèphe. Le compositeur a d'abord été enterré dans l'ancien cimetière de l'église Saint-Jean de Leipzig. L'inscription sur sa pierre tombale a ensuite été effacée et sa tombe a été perdue pendant près de 150 ans, mais en 1894, ses restes ont été découverts et déplacés dans une crypte de l'église Saint-Jean. Pendant la Seconde Guerre mondiale, cette église a été détruite par les bombardements alliés. En 1950, les cendres de Bach ont donc été transférées sur leur lieu de sépulture actuel, dans l'église Saint-Thomas. Des études ultérieures ont exprimé des doutes quant à savoir si les restes gisant dans la tombe appartenaient réellement à Bach.

Le style musical de Bach

Le style musical de Bach correspond en grande partie aux traditions de son époque, qui constitue la dernière étape de l'ère baroque. Lorsque ses contemporains comme Haendel, Telemann et Vivaldi écrivaient des concertos, il faisait de même. Quand ils composaient des suites, il faisait de même. De même avec les récitatifs, suivis d'airs da capo, de chorals à quatre voix, d'utilisation de la basse continue, etc. Son style se caractérise par sa maîtrise de l'invention contrapuntique et du contrôle des motivations, ainsi que par son talent pour créer des compositions musicales densément tissées avec un son puissant. Dès son plus jeune âge, il s'est inspiré des œuvres de ses contemporains et des générations précédentes, a appris tout ce qui était possible du travail de compositeurs européens, notamment français et italiens, ainsi que de personnes de toute l'Allemagne, et peu d'entre eux ne se sont pas reflétés dans sa propre musique.

Bach a consacré la majeure partie de sa vie à la musique sacrée. Les centaines d’œuvres ecclésiastiques qu’il a créées sont généralement considérées comme des manifestations non seulement de son talent, mais aussi d’une attitude véritablement respectueuse envers Dieu. En tant que Thomascantor à Leipzig, il enseignait le Petit Catéchisme, ce qui se reflétait dans certaines de ses œuvres. Les chants luthériens ont servi de base à plusieurs de ses compositions. En arrangeant ces hymnes pour ses préludes de choral, il a créé des compositions plus émouvantes et plus intégrales que toutes les autres, et cela s'applique même aux œuvres plus lourdes et plus longues. La structure à grande échelle de toutes les œuvres vocales ecclésiastiques significatives de Bach montre une conception raffinée et habile capable d'exprimer toute la puissance spirituelle et musicale. Par exemple, la Passion selon Saint Matthieu, comme d'autres compositions du genre, illustre la Passion en véhiculant le texte biblique dans des récitatifs, des airs, des chœurs et des chorals ; En écrivant cette œuvre, Bach a créé une expérience globale qui, plusieurs siècles plus tard, est reconnue comme étant à la fois musicalement passionnante et spirituellement profonde.

Bach publié et compilé à partir de manuscrits un grand nombre de des collections d'œuvres explorant l'éventail des possibilités artistiques et techniques disponibles pour presque tous les genres musicaux de son époque, à l'exception de l'opéra. Par exemple, Le Clavier bien tempéré se compose de deux livres comprenant des préludes et des fugues dans toutes les tonalités majeures et mineures, démontrant une variété vertigineuse de techniques structurelles, contrapuntiques et fuguées.

Le style harmonique de Bach

Les harmonies à quatre voix ont été inventées avant Bach, mais celui-ci vivait à une époque où la musique modale de la tradition occidentale avait été largement remplacée par le système tonal. Selon ce système, un morceau de musique passe d'un accord à un autre selon certaines règles, chaque accord étant caractérisé par quatre notes. Les principes de l'harmonie à quatre voix se retrouvent non seulement dans les œuvres chorales à quatre voix de Bach, mais aussi, par exemple, dans l'accompagnement général de basse qu'il a écrit. Le nouveau système sous-tend tout le style de Bach, et ses compositions sont souvent considérées comme des éléments fondamentaux dans la formation du modèle qui a prévalu dans l'expression musicale des siècles suivants. Quelques exemples de cette caractéristique du style de Bach et de son influence :

Lorsque Bach met en scène son arrangement du Stabat Mater de Pergolèse dans les années 1740, il affine la partie d'alto (qui dans la composition originale est jouée à l'unisson avec la ligne de basse) comme complément à l'harmonie, alignant ainsi la composition sur ses quatre- style partiellement harmonique.

Dans le débat qui a surgi en Russie depuis le XIXe siècle sur l'authenticité de la présentation des chants de cour à quatre voix, la présentation des chorals à quatre voix de Bach - par exemple les mouvements finaux de ses cantates chorales - par rapport aux traditions russes antérieures a servi comme exemple d'influence étrangère : une telle influence était cependant considérée comme inévitable.

L'intervention décisive de Bach dans le système tonal et sa contribution à sa formation ne signifie pas qu'il a travaillé moins librement avec l'ancien système de mode et les genres apparentés : plus que ses contemporains (dont la quasi-totalité « sont passés » au système tonal), Bach est revenu souvent à des techniques et des genres démodés. Un exemple en est sa « Chromatic Fantasy and Fugue » - cette œuvre reproduit le genre de fantaisie chromatique, dans lequel ont travaillé des compositeurs précédents tels que Dowland et Sweelinck, et elle est écrite dans le mode D-Dorian (qui correspond au ré mineur en le système tonal).

Modulations dans la musique de Bach

La modulation – le changement de tonalité au cours d'un morceau – est une autre caractéristique stylistique dans laquelle Bach va au-delà des traditions généralement acceptées de son époque. Les instruments de musique baroques étaient très limités dans la possibilité de modulation : les claviers, dont le système de tempérament précédait celui d'accordage, avaient des registres limités en modulation, et les instruments à vent, notamment les cuivres comme la trompette et le cor, qui existaient cent ans avant de s'équiper de valves, dépendaient de leurs clés de réglage. Bach a élargi ces possibilités : il a ajouté des « tonalités étranges » à ses performances d’orgue qui ont dérouté les choristes, selon l’accusation dont il a été victime à Arnstadt. Louis Marchand, un autre des premiers expérimentateurs de la modulation, n'a apparemment réussi à éviter la confrontation avec Bach que parce que ce dernier est allé plus loin dans cette entreprise qu'aucun de ses prédécesseurs. Dans la section « Suscepit Israel » de son œuvre « Magnificat » (1723), les parties pour trompette en mi bémol incluent une interprétation de la mélodie dans la gamme enharmonique de do mineur.

Une autre avancée technologique importante de l'époque de Bach, à laquelle sa participation a joué un rôle important, fut l'amélioration du tempérament des instruments à clavier, qui permettait de les utiliser dans toutes les tonalités (12 majeures et 12 mineures), et permettait également pour appliquer la modulation sans réaccorder. Son "Capriccio sur le départ du frère bien-aimé" est très premiers travaux, cependant, il montre déjà un usage répandu de la modulation, incomparable avec aucune des œuvres de l'époque avec lesquelles cette composition a été comparée. Mais cette technique n'est révélée de manière plus complète que dans « Le Clavier bien tempéré », où toutes les touches sont utilisées. Bach a travaillé à son amélioration vers 1720, dont la première mention se trouve dans son « Klavierbüchlein für Wilhelm Friedemann Bach » (« Le livre pour clavier de Wilhelm Friedemann Bach »).

Les bijoux dans la musique de Bach

La deuxième page du Livre pour clavier de Wilhelm Friedemann Bach contient une explication des ornements et des instructions pour leur exécution, écrites par Bach pour son fils aîné, alors âgé de neuf ans. Dans l'ensemble, Bach a donné assez grande importance l'ornementation dans ses œuvres (même si à cette époque les ornements étaient rarement composés par les compositeurs, étant plutôt le privilège de l'interprète), et ses décorations étaient souvent assez détaillées. Par exemple, l'« Aria » de ses Variations Goldberg contient de riches ornementations dans presque toutes les mesures. L'attention de Bach pour la décoration se reflète également dans l'arrangement pour clavier qu'il a écrit pour le Concerto pour hautbois de Marcello : c'est lui qui a ajouté des notes avec ces décorations à cette œuvre, que les hautboïstes joueront plusieurs siècles plus tard lors de son interprétation.

Bien que Bach n’ait écrit aucun opéra, il n’était pas un adversaire du genre ni de son style vocal utilisant des décorations. Dans la musique religieuse, les compositeurs italiens ont imité le style vocal d'opéra de genres tels que la messe napolitaine. La société protestante était plus réservée à l'idée d'utiliser un tel style dans la musique liturgique. Par exemple, Kuhnau, le prédécesseur de Bach à Leipzig, est connu pour avoir exprimé dans ses enregistrements une opinion négative sur les opéras et les compositions vocales des virtuoses italiens. Bach était moins catégorique ; Selon l'une des critiques de l'interprétation de sa Passion selon saint Matthieu, l'ensemble de l'œuvre ressemblait beaucoup à un opéra.

La musique pour clavier de Bach

Dans les concerts de l'époque de Bach, la basse continue, composée d'instruments tels que l'orgue et/ou la viole de gambe et le clavecin, se voyait généralement confier le rôle d'accompagnement : fournissant la base harmonique et rythmique de la composition. À la fin des années 1720, Bach introduisit l’interprétation de parties solistes pour orgue et orchestre dans les parties instrumentales des cantates, dix ans avant que Haendel ne publie ses premiers concertos pour orgue. Outre le 5e Concerto brandebourgeois et le Triple Concerto des années 1720, qui comprenaient déjà des solos pour clavecin, Bach a écrit et arrangé ses concertos pour clavecin dans les années 1730, et ses sonates pour viole de gambe et clavecin ne participent pas à l'un de ces instruments. parties de continuo : elles sont utilisées comme instruments solistes à part entière, ce qui va bien au-delà de la basse générale. En ce sens, Bach a joué un rôle clé dans le développement de genres comme le concerto pour clavier.

Caractéristiques de la musique de Bach

Bach a écrit des œuvres virtuoses pour instruments spécifiques, ainsi que de la musique indépendante de l'instrumentation. Par exemple, « Sonates et Partitas pour violon seul » est considérée comme l'apothéose de toutes les œuvres écrites pour cet instrument, accessible uniquement aux musiciens expérimentés : la musique correspond à l'instrument, révélant pleinement ses capacités, et nécessite un virtuose, mais pas un artiste de bravoure. Bien que musique et instrument semblent indissociables, Bach a adapté certaines parties de ce recueil pour d'autres instruments. De même pour les suites pour violoncelle - leur musique virtuose semble créée spécifiquement pour cet instrument, transmettant le meilleur de ce dont il est capable, mais Bach a réussi à arranger une de ces suites pour le luth. Cela s’applique également à une grande partie de sa musique pour clavier la plus virtuose. Bach a révélé toutes les capacités de l'instrument, tout en préservant l'indépendance du noyau d'une telle musique par rapport à l'instrument d'interprétation.

Dans ces conditions, il n'est pas surprenant que la musique de Bach soit souvent interprétée avec aisance sur des instruments pour lesquels elle n'a pas toujours été écrite, qu'elle soit si souvent arrangée et que ses mélodies apparaissent dans les cas les plus inattendus, comme dans le jazz. De plus, dans un certain nombre de compositions, Bach n'a pas du tout précisé l'instrumentation : cette catégorie comprend les canons BWV 1072-1078, ainsi que les parties principales de l'Offrande Musicale et de l'Art de la Fugue.

Le contrepoint dans la musique de Bach

Un autre trait caractéristique du style de Bach est son utilisation intensive du contrepoint (par opposition à l'homophonie, utilisée, par exemple, dans sa présentation du choral à quatre voix). Les canons de Bach et, surtout, ses fugues sont les plus caractéristiques de ce style : et bien que Bach n'en soit pas l'inventeur, sa contribution à ce style fut si fondamentale qu'elle devint décisive à bien des égards. Les fugues sont aussi caractéristiques du style de Bach que, par exemple, la forme sonate est caractéristique des compositeurs de la période classique.

Cependant, non seulement ces compositions strictement contrapuntiques, mais la plupart de la musique de Bach dans son ensemble se caractérisent par des phrases musicales spéciales pour chacune des voix, où les accords, constitués de notes jouées à un certain moment, suivent les règles du jeu à quatre voix. harmonie. Forkel, le premier biographe de Bach, donne la description suivante de cette caractéristique des œuvres de Bach, qui les distingue de toutes les autres musiques :

Si le langage musical n’est que l’énonciation d’une phrase musicale, une simple séquence de notes musicales, une telle musique peut à juste titre être accusée de pauvreté. L'ajout de basses donne à la musique une base harmonique et la clarifie, mais globalement elle la définit plutôt qu'elle ne l'enrichit. Une mélodie avec un tel accompagnement, bien que toutes ses notes n'appartiennent pas à la vraie basse, ou soient décorées d'ornements simples ou d'accords simples dans les parties des voix supérieures, était généralement appelée « homophonie ». Il en va tout autrement lorsque deux mélodies sont si étroitement liées qu'elles entretiennent une conversation l'une avec l'autre, comme deux personnes partageant une agréable égalité. Dans le premier cas, l'accompagnement est subordonné et ne sert qu'à soutenir la première partie ou partie principale. Dans le second cas, les parties ont un lien différent. Leur entrelacs est source de nouvelles combinaisons mélodiques, donnant naissance à de nouvelles formes d’expression musicale. Si plusieurs parties s'entrelacent de la même manière libre et indépendante, le mécanisme linguistique s'étend en conséquence et, avec l'ajout d'une variété de formes et de rythmes, il devient pratiquement inépuisable. Par conséquent, l’harmonie n’est plus simplement un accompagnement de la mélodie, mais plutôt un outil puissant pour ajouter de la richesse et de l’expressivité à la conversation musicale. Un simple accompagnement ne suffit pas à cette fin. La véritable harmonie réside dans l'entrelacement de plusieurs mélodies, qui se produisent d'abord dans les parties supérieures, puis au milieu et enfin dans les parties inférieures.

Depuis 1720 environ, alors qu'il avait trente-cinq ans, jusqu'à sa mort en 1750, l'harmonie de Bach consistait en cet entrelacement mélodique de motifs indépendants, si parfaits dans leur fusion que chaque détail semble faire partie intégrante de la véritable mélodie. En cela, Bach surpasse tous les compositeurs du monde. Au moins, je n'ai rencontré personne d'égal à lui dans la musique que je connais. Même dans sa présentation à quatre voix, il est souvent possible de supprimer les parties supérieures et inférieures, et celle du milieu ne deviendra pas moins mélodique et acceptable.

Structure des compositions de Bach

Bach accordait plus d'attention à la structure de ses compositions que tous ses contemporains. Cela se remarque dans les ajustements mineurs qu'il a apportés lors de la réorganisation des compositions d'autres personnes, par exemple dans sa première version du "Kaiser" de la Passion de Saint-Marc, où il a renforcé les transitions entre les scènes, et dans la construction de ses propres compositions. , par exemple, le Magnificat et ses Passions écrits à Leipzig. Au cours des dernières années de sa vie, Bach a apporté des modifications à certaines de ses compositions antérieures, dont la conséquence la plus significative a souvent été une expansion de la structure d'œuvres composées précédemment, comme la Messe en si mineur. Valeur connue L'accent mis par Bach sur la structure a conduit à diverses études numérologiques de ses compositions, qui ont culminé dans les années 1970. Cependant, par la suite, nombre de ces interprétations trop détaillées ont été rejetées, surtout lorsque leur sens s’est perdu dans le symbolisme intégral de l’herméneutique.

Bach attachait une grande importance au livret, c'est-à-dire aux textes de ses œuvres vocales : pour travailler ses cantates et ses compositions vocales de base, il recherchait la collaboration de divers compositeurs et, parfois, lorsqu'il ne pouvait pas compter sur les talents d'autres auteurs, il a écrit ou adapté de tels textes de sa propre main afin de les inclure dans la composition qu'il a créée. Sa collaboration avec Picander dans l'écriture du livret de la Passion selon Saint-Matthieu est la plus célèbre, mais un processus similaire avait eu lieu plusieurs années plus tôt, aboutissant à la structure multicouche du livret de la Passion selon Saint-Jean.

Liste des œuvres de Bach

En 1950, Wolfgang Schmieder publie un catalogue thématique des compositions de Bach intitulé Bach-Werke-Verzeichnis (Catalogue des œuvres de Bach). Schmieder a beaucoup emprunté à la Bach-Gesellschaft-Ausgabe, une édition complète des œuvres du compositeur publiée entre 1850 et 1900. La première édition du catalogue contenait 1 080 compositions survivantes, sans aucun doute composées par Bach.

Les BWV 1081-1126 ont été ajoutés au catalogue dans la seconde moitié du 20e siècle, et les BWV 1127 et supérieurs étaient des ajouts encore plus récents.

Les Passions et Oratorios de Bach

Bach a écrit les services de la Passion pour le Vendredi Saint et des oratorios tels que l'Oratorio de Noël, qui comprend un ensemble de six cantates à exécuter pendant la saison liturgique de Noël. Des œuvres plus courtes sous cette forme sont son "Oratorio de Pâques" et "Oratorio pour la fête de l'Ascension".

L'œuvre la plus longue de Bach

La Passion selon Saint Matthieu, avec double chœur et orchestre, est l'une des œuvres les plus longues de Bach.

Oratorio "La Passion selon Saint Jean"

La Passion selon saint Jean fut la première Passion écrite par Bach ; il les composa alors qu'il était Thomascantor à Leipzig.

Les cantates sacrées de Bach

Selon la nécrologie de Bach, il a composé cinq cycles annuels de cantates sacrées, ainsi que d'autres cantates d'église, comme celles pour les mariages et les funérailles. Parmi ces œuvres sacrées, environ 200 sont actuellement connues, soit environ les deux tiers du nombre total de cantates religieuses qu'il a composées. Le site Web Bach Digital répertorie 50 des cantates profanes connues du compositeur, dont environ la moitié survivent ou sont en grande partie récupérables.

Cantates de Bach

Les cantates de Bach varient considérablement dans la forme et l'instrumentation. Parmi eux sont écrits pour des interprétations solos, des chœurs séparés, de petits ensembles et de grands orchestres. Beaucoup consistent en une grande introduction chorale, suivie d'une ou plusieurs paires récitatif-air pour solistes (ou duos) et d'un choral de clôture. La mélodie du choral de clôture faisait souvent office de cantus firmus du mouvement d'ouverture.

Les premières cantates datent des années que Bach a passées à Arnstadt et Mühlhausen. Le plus ancien d'entre eux dont la date de composition est connue est "Christ lag in Todes Banden" ("Le Christ était dans les chaînes de la mort") (BWV 4), composé pour Pâques 1707, qui est l'une de ses cantates chorales. "Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit" ("Le temps de Dieu est le meilleur temps") (BWV 106), également connue sous le nom d'Actus Tragicus, est une cantate funéraire de la période de Mühlhausen. Une vingtaine de cantates religieuses, écrites en plus d'un an, ont également survécu jusqu'à nos jours. période tardiveà Weimar, par exemple « Ich hatte Viel Bekümmernis » (« Les chagrins dans mon cœur se sont accrus ») (BWV 21).

Après avoir pris le poste de Thomascantor à la fin du mois de mai 1723, à chaque office du dimanche et des jours fériés, Bach interprète une cantate qui correspond au contenu des conférences de chaque semaine. Le premier cycle de ses cantates dura du premier dimanche après la Trinité 1723 jusqu'au dimanche de la Trinité. l'année prochaine. Par exemple, la cantate du jour de la visite de la Vierge Marie à Elisabeth, "Herz und Mund und Tat und Leben" ("Avec nos lèvres, notre cœur, nos actes, toute notre vie") (BWV 147), contenant un choral connu en anglais sous le nom de "Jesu, Joy of Man's Desiring" ("Jésus, ma joie"), appartient à ce premier cycle. Le cycle de cantates écrites au cours de la deuxième année de son séjour à Leipzig est appelé "cycle de cantates chorales". , puisqu'il comprenait principalement des œuvres sous forme de cantate chorale. Le troisième cycle de ses cantates fut composé sur plusieurs années et, en 1728-29, il fut suivi par le cycle Picander.

Les cantates d'église ultérieures incluent les cantates chorales "Ein feste Burg ist unser Gott" ("Le Seigneur est notre forteresse") (BWV 80) (version finale) et "Wachet auf, ruft uns die Stimme" ("Réveillez-vous, une voix appelle à vous" ) (BWV 140). Seuls les trois premiers cycles de Leipzig sont relativement entièrement conservés. En plus des siennes, Bach a également interprété des cantates de Telemann et de son parent éloigné Johann Ludwig Bach.

Musique profane de Bach

Bach a également écrit des cantates profanes, par exemple pour les membres des familles royales polonaises et prince-électeurs saxonnes (par exemple "Trauer-Ode" - "Deuil Ode") ou pour d'autres occasions publiques ou privées (par exemple "Cantate de chasse"). Le texte de ces cantates était parfois écrit en dialecte (par exemple, « Cantate paysanne ») ou en italien(par exemple "Amore traditore"). Par la suite, de nombreuses cantates profanes furent perdues, mais les motifs de leur composition et le texte de certaines d'entre elles furent néanmoins conservés, notamment grâce à la publication de leur livret par Picander (par exemple BWV Anh. 11-12). Les intrigues de certaines cantates profanes impliquaient des héros mythiques de l'antiquité grecque (par exemple, « Der Streit zwischen Phoebus und Pan » - « La dispute entre Phoebus et Pan »), d'autres étaient pratiquement des bouffonneries miniatures (par exemple, « La Cantate du café »). .

A cappella

La musique a cappella de Bach comprend des motets et des harmonisations de choral.

Motets de Bach

Les motets de Bach (BWV 225-231) sont des œuvres sur des thèmes sacrés pour chœur et basse continue avec parties instrumentales solistes. Certaines d'entre elles ont été composées pour les funérailles. Six motets composés par Bach sont connus de manière fiable : « Singet dem Herrn ein neues Lied » (« Chantez un chant nouveau au Seigneur »), « Der Geist hilft unser Schwachheit auf » (« L'Esprit nous fortifie dans nos faiblesses »), « Jesu, Meine Freude » (« Jésus, ma joie »), « Fürchte Dich Nicht » (« N'aie pas peur... »), « Komm, Jesu, komm » (« Viens, Jésus ») et « Lobet den Herrn, alle Heiden » (« Louez le Seigneur, vous toutes, nations »). Le motet « Sei Lob und Preis mit Ehren » (« Louange et honneur ») (BWV 231) fait partie du motet composite « Jauchzet dem Herrn, alle Welt » (« Louez le Seigneur dans le monde entier ») (BWV Anh. 160 ), dont les autres parties sont éventuellement basées sur les travaux de Telemann.

Chorals de Bach

Musique religieuse de Bach

Les œuvres ecclésiastiques en latin de Bach comprennent son Magnificat, quatre messes Kyrie-Gloria et la messe en si mineur.

Le Magnificat de Bach

La première version du Magnificat de Bach date de 1723, mais la version la plus célèbre de l'œuvre en ré majeur date de 1733.

Messe en si mineur de Bach

En 1733, Bach compose la messe « Kyrie-Gloria » pour la cour de Dresde. Dans les dernières années de sa vie, vers 1748-49, il peaufina cette composition pour en faire la grandiose Messe en si mineur. Du vivant de Bach, cette œuvre n’a jamais été jouée dans son intégralité.

Musique Claver de Bach

Bach a écrit pour l'orgue et d'autres instruments à clavier de son époque, principalement le clavecin, mais aussi le clavicorde et son favori personnel : le luth-clavecin (des œuvres présentées comme des compositions pour luth, BWV 995-1000 et 1006a, ont probablement été écrites pour cela). outil).

Œuvres pour orgue de Bach

De son vivant, Bach était surtout connu comme organiste, consultant en orgue et compositeur d'œuvres pour orgue, tant dans les genres libres de la tradition allemande - préludes, fantaisies et toccatas, que dans les genres plus formes strictes, par exemple, dans le prélude et la fugue du choral. Dans sa jeunesse, il est devenu célèbre pour son immense créativité et sa capacité à intégrer des styles étrangers dans ses œuvres pour orgue. Ses influences indéniables en Allemagne du Nord furent Georg Böhm, que Bach rencontra à Lunebourg, et Buxtehude, à qui le jeune organiste rendit visite à Lübeck en 1704 lors d'une absence prolongée de son poste à Arnstadt. À cette époque, Bach a transcrit les œuvres de nombreux compositeurs français et italiens pour mieux comprendre leurs langages de composition, et a ensuite arrangé les concertos pour violon de Vivaldi et d'autres pour orgue et clavecin. Au cours de sa période la plus productive (1708-1714), il écrivit environ une douzaine de préludes et fugues jumelés, cinq toccatas et fugues, ainsi que le Little Organ Book, un recueil inachevé de quarante-six courts préludes de choral qui démontrent les techniques de composition dans l'interprétation de mélodies chorales. . Après avoir quitté Weimar, Bach écrit moins pour l'orgue, même si certaines de ses œuvres les plus connues (les six sonates en trio, la "Messe allemande pour orgue" du Clavier-Übung III de 1739 et les grands dix-huit chorals, élargis au cours des années suivantes) composé après son départ de Weimar. Plus tard dans sa vie, Bach a pris une part active à la consultation de projets d'orgue, à des tests d'orgues nouvellement construits et à l'intégration de la musique d'orgue dans les répétitions de jour. Les variations canoniques sur le thème "Vom Himmel hoch da komm" ich her" ("Du ciel je descends sur terre") et les "Chorals de Schübler" sont des œuvres pour orgue que Bach a publiées au cours des dernières années de sa vie.

Musique de Bach pour clavecin et clavicorde

Bach a écrit de nombreuses œuvres pour clavecin ; certains d'entre eux peuvent avoir été joués au clavicorde. Les œuvres plus grandes sont généralement destinées à un clavecin à deux claviers, car lorsqu'elles sont exécutées sur un instrument à clavier avec un seul clavier (par exemple un piano), des difficultés techniques de croisement des mains peuvent survenir. Beaucoup de ses œuvres pour clavier sont des almanachs qui couvrent des systèmes théoriques entiers de manière encyclopédique.

"Le Clavier bien tempéré", livres 1 et 2 (BWV 846-893). Chaque livre se compose d'un prélude et d'une fugue dans chacune des 24 tonalités majeures et mineures, dans l'ordre chromatique de do majeur à si mineur (pour cette raison, la collection dans son ensemble est souvent appelée « les 48 »). L'expression « bien tempéré » dans le nom fait référence au tempérament (système de réglage) ; De nombreux tempéraments de la période précédant l'époque de Bach manquaient de flexibilité et ne permettaient pas l'utilisation de plus de deux tonalités dans les œuvres.

"Inventions et Symphonies" (BWV 772-801). Ces courtes œuvres contrapuntiques à deux et trois voix sont disposées dans le même ordre chromatique que les parties du Clavier bien tempéré, à l'exception de quelques rares tonalités. Ces parties, selon le plan de Bach, étaient destinées à des fins pédagogiques.

Trois recueils de suites de danse : « Suites anglaises » (BWV 806-811), « Suites françaises » (BWV 812-817) et « Partitions pour clavier » (« (Clavier-Übung I », BWV 825-830). Chaque collection se compose de six suites construites sur des modèles standards (allemande-courante-sarabande-(libre mouvement)-gigue). Les "Suites anglaises" adhèrent strictement au modèle traditionnel avec l'ajout d'un prélude avant l'allemande et d'un seul mouvement libre entre la sarabande et la gigue. Dans les "Suites françaises", les préludes sont omis, mais il y a plusieurs mouvements entre la sarabande et la gigue. Les Partitas montrent d'autres modifications des principes standards sous la forme de mouvements d'ouverture complexes et de mouvements variés entre les principaux éléments du modèle.

Les Variations Goldberg (BWV 988) sont un air avec trente variations. Le recueil a une structure complexe et atypique : les variations sont construites sur la ligne de basse de l'air, et ses mélodies et canons musicaux sont interpolés selon le plan grandiose. Trente variations contiennent neuf canons, c'est-à-dire que la troisième variation est un nouveau canon. Ces variations sont disposées séquentiellement du premier canon au neuvième. Les huit premiers sont des doubles (premier et quatrième, deuxième et septième, troisième et sixième, quatrième et cinquième). Le neuvième canon, en raison de ses différences de composition, est situé séparément. La dernière variante, au lieu du dixième canon attendu, est le quarterbet.

Diverses œuvres telles que "l'Ouverture à la française" (Ouverture française, BWV 831) et le "Concerto italien" (BWV 971) (publiés collectivement sous le titre "Clavier-Übung II"), ainsi que la "Fantastique chromatique et fugue " (BWV 903).

Les œuvres pour clavier moins connues de Bach comprennent sept toccatas (BWV 910-916), quatre duos (BWV 802-805), des sonates pour clavier (BWV 963-967), Six petits préludes (BWV 933-938) et Aria variata alla maniera Italiana. " (BWV 989).

Musique orchestrale et de chambre de Bach

Bach a écrit pour des instruments individuels, des duos et de petits ensembles. Beaucoup de ses œuvres solos, telles que les six sonates et partitas pour violon (BWV 1001-1006) et les six suites pour violoncelle (BWV 1007-1012), sont largement considérées comme parmi les œuvres les plus fortes du répertoire. Il a écrit des sonates pour interprétation solo sur des instruments tels que la viole de gambe avec accompagnement de clavecin ou de continuo, ainsi que des sonates en trio (deux instruments et continuo).

L'Offrande Musicale et L'Art de la Fugue sont des œuvres contrapuntiques ultérieures qui contiennent des parties pour instruments non spécifiés (ou des combinaisons de ceux-ci).

Œuvres pour violon de Bach

Les œuvres de concert survivantes comprennent deux concertos pour violon (BWV 1041 en la mineur et BWV 1042 en mi majeur) et un concerto pour deux violons en ré mineur (BWV 1043), souvent appelé le « double » concerto de Bach.

Les concertos brandebourgeois de Bach

Les œuvres orchestrales les plus célèbres de Bach sont les Concertos brandebourgeois. Ils ont reçu ce nom parce qu'ils ont été présentés par l'auteur dans l'espoir d'obtenir un poste du margrave Christian Ludwig de Brandebourg-Schwedt en 1721, bien que ses attentes ne se soient pas réalisées. Ces œuvres servent d'exemples du genre concerto grosso.

Concertos pour clavier de Bach

Bach a écrit et arrangé des concertos pour clavecins allant de un à quatre. De nombreux concertos pour clavecin n’étaient pas des œuvres originales, mais les arrangements de ses propres concertos pour d’autres instruments sont aujourd’hui perdus. Parmi ceux-ci, seuls quelques concertos pour violon, hautbois et flûte ont été restaurés.

Les suites orchestrales de Bach

En plus des concertos, Bach a écrit quatre suites orchestrales, chacune représentée par une série de danses stylisées pour orchestre, précédées d'une introduction en forme d'ouverture française.

L'auto-éducation de Bach

Dans sa prime jeunesse, Bach a copié les œuvres d'autres compositeurs afin d'en tirer des leçons. Il a ensuite copié et arrangé la musique pour l'interpréter et/ou comme matériel pédagogique pour ses étudiants. Certaines de ces œuvres, par exemple "Bist du bei mir" ("Tu es avec moi") (copiée même pas par Bach lui-même, mais par Anna Magdalena), ont réussi à devenir célèbres avant de ne plus être associées à Bach. Bach a copié et arrangé les œuvres de maîtres italiens tels que Vivaldi (par exemple BWV 1065), Pergolesi (BWV 1083) et Palestrina (Missa Sine Nomine), de maîtres français tels que François Couperin (BWV Anh. 183), et a également vécu dans une plus grande portée des maîtres allemands, dont Telemann (par exemple, BWV 824 = TWV 32:14) et Haendel (airs de la Passion de Brockes), ainsi que la musique de ses propres proches. En outre, il copiait et arrangait souvent sa propre musique (par exemple, BWV 233-236), et sa musique était également copiée et arrangée par d'autres compositeurs. Certains de ces arrangements, comme « l'Aria sur la corde de sol », créé à la fin du XIXe siècle, ont contribué à la renommée de la musique de Bach.

Parfois, on ne savait pas clairement qui copiait qui. Par exemple, Forkel mentionne une messe pour double chœur parmi les œuvres créées par Bach. La composition a été publiée et interprétée au début du XIXe siècle et, bien qu'il existe des preuves que l'écriture manuscrite dans laquelle elle a été écrite appartenait à Bach, l'œuvre a ensuite été considérée comme un faux. De telles œuvres ne figuraient pas dans le catalogue "Bach-Werke-Verzeichnis" publié en 1950 : s'il y avait des raisons sérieuses de croire que l'œuvre appartient à Bach, ces œuvres étaient publiées dans une annexe au catalogue (en allemand : Anhang, en abrégé comme "Anh."), de sorte que la messe pour double chœur susmentionnée, par exemple, a reçu la désignation "BWV Anh. 167". Mais les problèmes de paternité ne s’arrêtent pas là : des attributions, par exemple « Schlage doch, gewünschte Stunde » (« Grève, l’heure désirée ») (BWV 53) ont ensuite été réattribuées à l’œuvre de Melchior Hoffmann. Pour d'autres œuvres, les doutes quant à l'authenticité de la paternité de Bach n'ont jamais été confirmés ou réfutés sans équivoque : même la composition pour orgue la plus célèbre du catalogue BWV, Toccata et Fugue en ré mineur (BWV 565), tombait dans la catégorie de ces compositions incertaines. œuvres à la fin du XXe siècle.

Appréciation de l'œuvre de Bach

Au XVIIIe siècle, la musique de Bach n'était appréciée que dans des cercles restreints d'éminents experts. Le XIXe siècle a commencé avec la publication de la première biographie du compositeur et s'est terminé avec la publication complète de toutes les œuvres connues de Bach par la Société allemande Bach. Le renouveau de Bach a commencé avec l'interprétation de Mendelssohn de la Passion selon Saint Matthieu en 1829. Peu de temps après l'exécution de 1829, Bach a commencé à être considéré comme l'un des plus grands compositeurs de tous les temps, sinon le plus grand, une réputation qu'il entretient encore aujourd'hui. Une nouvelle biographie détaillée de Bach a été publiée dans la seconde moitié du XIXe siècle.

Au XXe siècle, la musique de Bach était largement interprétée et enregistrée ; parallèlement, la New Bach Society publie, entre autres ouvrages, son étude de l'œuvre du compositeur. Adaptations modernes La musique de Bach a grandement contribué à la popularisation de Bach dans la seconde moitié du XXe siècle. Il s'agit notamment de versions d'œuvres de Bach interprétées par les Swingle Singers (par exemple, « Air » de la Suite orchestrale n° 3, ou le prélude choral de « Wachet Auf... »), ainsi que l'album de Wendy Carlos « Switched On Bach ». (1968 g.), qui utilisait le synthétiseur électronique Moog.

À la fin du XXe siècle, les interprètes plus classiques se sont progressivement éloignés des styles d'interprétation et des instruments populaires à l'époque romantique : ils ont commencé à interpréter la musique de Bach sur des instruments baroques historiques, ont étudié et pratiqué les techniques et les tempos d'interprétation caractéristiques de l'époque de Bach, et réduit la taille des ensembles instrumentaux et des chœurs avant celui utilisé par Bach. Le motif B-A-C-H, utilisé par le compositeur dans ses propres compositions, a été utilisé dans des dizaines de dédicaces à Bach, créées du 19e au 21e siècle. Au 21e siècle, une collection complète de ses œuvres survivantes est disponible en ligne sur des sites Internet dédiés au grand compositeur.

Reconnaissance de l'œuvre de Bach par les contemporains

En son temps, Bach n’était pas moins célèbre que Telemann, Graun et Haendel. De son vivant, il reçut une reconnaissance publique, notamment le titre de compositeur de cour d'Auguste III de Pologne, ainsi que l'approbation de Frédéric le Grand et d'Hermann Karl von Keyserling pour son œuvre. Cette haute estime pour les personnes influentes contrastait avec les humiliations qu'il dut subir, par exemple, dans sa Leipzig natale. En outre, dans la presse de son époque, Bach avait des détracteurs, comme Johann Adolf Scheibe, qui lui suggéraient d'écrire une musique « moins complexe », mais aussi des partisans, comme Johann Mattheson et Lorenz Christoph Mitzler.

Après la mort de Bach, sa réputation commença à décliner : son œuvre commença à être considérée comme démodée par rapport au nouveau style galant. Au début, il était surtout connu comme organiste virtuose et comme professeur de musique. De toutes les musiques publiées du vivant du compositeur, les plus célèbres sont ses œuvres écrites pour orgue et clavecin. Autrement dit, sa renommée en tant que compositeur se limitait initialement à la musique pour clavier, et même son importance dans l'enseignement de la musique était largement sous-estimée.

Tous les proches de Bach qui ont hérité de la plupart de ses manuscrits n'ont pas attaché la même importance à leur préservation, ce qui a entraîné des pertes importantes. Carl Philip Emmanuel, son deuxième fils, a soigneusement gardé l'héritage de son père : il a co-écrit la nécrologie de son père, a contribué à la publication de ses chorals à quatre voix, a mis en scène certaines de ses compositions ; La plupart des œuvres inédites de mon père n’ont également été préservées que grâce à ses efforts. Wilhelm Friedemann, le fils aîné, a interprété de nombreuses cantates de son père à Halle, mais a ensuite perdu son poste et a vendu une partie de la vaste collection d'œuvres de Bach qui lui appartenait. Certains élèves de l'ancien maître, notamment son gendre Johann Christoph Altnikol, Johann Friedrich Agricola, Johann Kirnberger et Johann Ludwig Krebs, ont contribué à la diffusion de son héritage. Tous ses premiers admirateurs n'étaient pas des musiciens ; par exemple, l'un des admirateurs de sa musique à Berlin était Daniel Itzich, un haut fonctionnaire de la cour de Frédéric le Grand. Ses filles aînées prirent des leçons auprès de Kirnberger ; leur sœur Sarah étudia la musique avec Wilhelm Friedemann Bach, qui vécut à Berlin de 1774 à 1784. Sarah Itzich-Levi devient par la suite une fervente collectionneuse des œuvres de Jean-Sébastien Bach et de ses fils ; Elle a également agi en tant que « marraine » de Carl Philipp Emmanuel Bach.

Bien qu'à Leipzig l'interprétation de la musique religieuse de Bach se soit limitée à quelques-uns de ses motets et, sous la direction du Cantor Dohle, à quelques-unes de ses Passions, une nouvelle génération de disciples de Bach a rapidement émergé : ils ont soigneusement collecté et copié sa musique, notamment un certain nombre d'œuvres majeures, par exemple La Messe est en si mineur, et elle a été interprétée de manière informelle. L'un de ces connaisseurs était Gottfried van Swieten, un haut fonctionnaire autrichien qui a joué un rôle important dans la transmission de l'héritage de Bach aux compositeurs de l'école viennoise. Haydn possédait des copies manuscrites du Clavier bien tempéré et de la Messe en si mineur, et la musique de Bach a influencé son œuvre. Mozart possédait une copie d'un des motets de Bach, arrangeait certaines de ses œuvres instrumentales (K. 404a, 405) et écrivait une musique contrapuntique influencée par son style. Beethoven jouait l'intégralité du Clavier bien tempéré à l'âge de onze ans et parlait de Bach comme de « l'Urvater der Harmonie » (« l'ancêtre de l'harmonie »).

La première biographie de J. S. Bach

En 1802, Johann Nikolaus Forkel publie son livre Über Johann Sebastian Bachs Leben, Kunst und Kunstwerke (Sur la vie, l'art et les œuvres de Johann Sebastian Bach), la première biographie du compositeur, qui contribue à le rendre célèbre auprès du grand public. En 1805, Abraham Mendelssohn, marié à l'une des petites-filles d'Itzich, acquiert une vaste collection de manuscrits de Bach, préservés grâce aux efforts de Carl Philipp Emanuel Bach, et en fait don à l'Académie de chant de Berlin. L'Académie de chant organisait occasionnellement des concerts publics au cours desquels la musique de Bach était interprétée, comme son premier concerto pour clavier, avec Sarah Itzich-Levy comme pianiste.

Au cours des premières décennies du XIXe siècle, le nombre de premières publications de la musique de Bach augmente : Breitkopf commence à publier ses préludes de choral, Hoffmeister - œuvres pour clavecin, et en 1801 "Le Clavier bien tempéré" est publié simultanément par Simrock (Allemagne). ), Nägeli (Suisse) et Hoffmeister (Allemagne et Autriche). Il en va de même pour la musique vocale : des « Motets » sont publiés en 1802-1803, puis une version du « Magnificat » en mi bémol majeur, la messe « Kyrie-Gloria » en la majeur, ainsi que la cantate « Ein feste Burg ist unser « Gott » (« Notre Dieu est une forteresse ») (BWV 80). En 1818, Hans Georg Nägeli qualifiait la Messe en si mineur de plus grande composition de tous les temps. L'influence de Bach s'est fait sentir chez la prochaine génération des premiers compositeurs romantiques. En 1822, lorsque Félix, le fils d'Abraham Mendelssohn, compose son premier arrangement du Magnificat à l'âge de 13 ans, il est évident qu'il s'inspire de la version en ré majeur de Bach, alors inédite.

Felix Mendelssohn a contribué de manière significative au regain d'intérêt pour l'œuvre de Bach avec son interprétation de la Passion selon Saint Matthieu à Berlin en 1829, qui a servi de point clé dans l’organisation du mouvement qui deviendra plus tard connu sous le nom de « Renaissance Bach ». La première de la Passion selon Saint-Jean au XIXe siècle eut lieu en 1833, suivie de la première représentation de la Messe en si mineur en 1844. Outre ces représentations publiques et le nombre croissant de publications de biographies du compositeur et de ses œuvres, les années 1830 et 1840 virent également les premières publications d'autres œuvres vocales de Bach : six cantates, la Passion selon Saint Matthieu et la Messe. en si mineur. En 1833, quelques œuvres pour orgue furent publiées pour la première fois. En 1835, Chopin, inspiré par le Clavier bien tempéré, commence à composer ses 24 Préludes op. 28, et en 1845 Schumann publie son "Sechs Fugen über den Namen B-A-C-H" ("Six Fugues sur le thème B-A-C-H"). La musique de Bach a été réarrangée et arrangée selon les goûts et les pratiques d'interprétation de leur époque par des compositeurs tels que Karl Friedrich Zelter, Robert Franz et Franz Liszt, et également combinée avec de la nouvelle musique, comme dans la mélodie de "Ave Maria" de Charles Gounod. Parmi les compositeurs qui ont contribué à la diffusion de la musique de Bach et qui en ont parlé avec enthousiasme figurent Brahms, Bruckner et Wagner.

En 1850, la Bach-Gesellschaft (Société Bach) est créée pour promouvoir davantage la musique de Bach. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, la Société publie une vaste édition des œuvres du compositeur. Toujours dans la seconde moitié du XIXe siècle, Philip Spitta a publié son livre Johann Sebastian Bach, le récit standard de la vie et de la musique de Bach. À cette époque, Bach était connu comme le premier des « trois grands B de l’histoire de la musique » (expression anglaise désignant les trois plus grands compositeurs de tous les temps dont les noms de famille commençaient par la lettre B – Bach, Beethoven et Brahms). Au total, 200 livres consacrés à Bach ont été publiés au XIXe siècle. À la fin du siècle, des sociétés locales dédiées à Bach avaient été fondées dans de nombreuses villes et ses œuvres étaient jouées dans toutes les institutions musicales importantes.

En Allemagne, tout au long du siècle, l'œuvre de Bach a servi de symbole des sentiments nationaux ; Le rôle important du compositeur dans le renouveau religieux a également été mis en évidence. En Angleterre, Bach a été associé à la renaissance de la musique religieuse et baroque qui existait déjà à cette époque. À la fin du siècle, Bach s’était forgé une solide réputation comme l’un des plus grands compositeurs, reconnu tant dans la musique instrumentale que vocale.

La valeur des œuvres de Bach

Au XXe siècle, le processus de reconnaissance de la valeur musicale et pédagogique des œuvres de Bach se poursuit. Les plus célèbres sont probablement les suites pour violoncelle interprétées par Pablo Casals, le premier musicien exceptionnel à enregistrer ces suites. Par la suite, la musique de Bach a été enregistrée par d'autres interprètes de musique classique célèbres, tels que Herbert von Karajan, Arthur Grumio, Helmut Walcha, Wanda Landowska, Karl Richter, I Muzichi, Dietrich Fischer-Dieskau, Glenn Gould et bien d'autres.

Dans la seconde moitié du XXe siècle, l'impulsion d'un développement significatif est venue de la pratique d'une interprétation historiquement compétente, dont les pionniers, tels que Nikolaus Harnoncourt, sont devenus célèbres pour leurs interprétations de la musique de Bach. Les œuvres pour clavier de Bach ont recommencé à être interprétées sur des instruments caractéristiques de l'époque de Bach, au lieu des pianos modernes et des orgues romantiques du XIXe siècle. Les ensembles qui ont interprété les compositions instrumentales et vocales de Bach ont non seulement adhéré au style d'instrumentation et d'interprétation de l'époque de Bach, mais leur composition a été réduite à la taille que Bach utilisait dans ses concerts. Mais ce n'est pas la seule raison pour laquelle la musique de Bach s'est imposée au XXe siècle : ses œuvres sont devenues célèbres dans une grande variété d'interprétations, allant des arrangements pour piano aux style romantique Ferruccio Busoni, des interprétations de jazz telles que les Swindle Singers, des orchestrations telles que l'intro de Fantasia de Walt Disney, des interprétations au synthétiseur telles que l'enregistrement de "Switched-On Bach" par Wendy Carlos.

La musique de Bach a été reconnue dans d'autres genres. Par exemple, les musiciens de jazz adaptaient souvent des œuvres de Bach ; des versions jazz de ses compositions ont été interprétées notamment par Jacques Lussier, Ian Anderson, Uri Kane et le Modern Jazz Quartet. De nombreux compositeurs du XXe siècle se sont appuyés sur Bach pour créer leurs œuvres, comme Eugène Ysaÿe dans ses Six Sonates pour violon seul, Dmitri Chostakovitch dans ses 24 Préludes et Fugues et Heitor Villa-Lobos dans ses Bachians brésiliens. Bach a été mentionné dans une grande variété de publications: cela s'applique non seulement à l'almanach annuel "Bach Jahrbuch", publié par la New Bach Society, mais aussi à d'autres études et biographies, notamment celles d'Albert Schweitzer, Charles Sanford Terry, John Butt, Christoph Wolff, ainsi que la première édition du catalogue "Bach Werke Verzeichnis" en 1950, mais aussi des livres comme "Gödel, Escher, Bach" de Douglas Hofstadter ont envisagé l'art du compositeur dans une perspective plus large. Dans les années 1990, la musique de Bach était activement écoutée, interprétée, diffusée à la radio et à la télévision, arrangée, arrangée et commentée. Vers 2000, trois maisons de disques ont publié des coffrets commémoratifs des enregistrements complets des œuvres de Bach pour marquer le 250e anniversaire de sa mort.

Les enregistrements des œuvres de Bach occupent trois fois plus d'espace que ceux de tout autre compositeur sur le Voyager Golden Record, un disque de gramophone contenant une vaste gamme d'images, de sons communs, de langues et de musiques de la Terre qui ont été envoyées dans l'espace avec les deux sondes Voyager. . Au XXe siècle, de nombreuses statues ont été érigées en l'honneur de Bach ; De nombreuses choses sont également dédiées à son nom, notamment des rues et des objets spatiaux. En outre, des ensembles musicaux tels que « Bach Aria Group », « Deutsche Bachsolisten », « Bachchor Stuttgart » et « Bach Collegium Japan » ont été nommés en l'honneur du compositeur. Des festivals Bach ont eu lieu dans différentes parties du monde ; Par ailleurs, de nombreux concours et prix portent son nom, comme le Concours international Johann Sebastian Bach et le Prix Bach de la Royal Academy of Music. Si à la fin du XIXe siècle l'œuvre de Bach symbolisait un renouveau national et spirituel, à la fin du XXe siècle, Bach était considéré comme un objet d'art non spirituel au même titre que la religion (Kunstreligion).

Bibliothèque Bach en ligne

Au 21e siècle, les compositions de Bach sont devenues disponibles en ligne, par exemple sur le site Web de l'International Music Score Library Project. Des fac-similés haute résolution des autographes de Bach sont désormais disponibles sur un site Web dédié à Bach. Sites Internet dédiés exclusivement au compositeur ou parties séparées ses œuvres incluent jsbach.org et le site Web des cantates de Bach.

Parmi les biographes de Bach du XXIe siècle figurent Peter Williams et le chef d'orchestre John Eliot Gardiner. De plus, au cours du siècle actuel, les critiques des meilleures œuvres de musique classique ont tendance à inclure de nombreuses œuvres de Bach. Par exemple, dans le classement du Telegraph des 168 meilleurs enregistrements de musique classique, la musique de Bach occupe plus de positions que l'œuvre de tout autre compositeur.

L'attitude de l'Église protestante à l'égard de l'œuvre de Bach

Le calendrier liturgique de l'Église épiscopale commémore chaque année Bach avec George Frideric Handel et Henry Purcell le jour de la fête du 28 juillet ; Le calendrier des saints de l'Église luthérienne commémore le même jour Bach, Haendel et Heinrich Schütz.

Eidam, Klaus (2001). La vraie vie de Jean-Sébastien Bach. New York : Livres de base. ISBN0-465-01861-0.

La musique classique fait des merveilles, c'est pourquoi elle est souvent utilisée. Briser de nouvelles frontières dans la création d'œuvres musicales et influencer positivement le corps humain. Les compositions de Bach jouent un rôle particulier dans le développement de la musique et dans leur impact sur le système nerveux et le corps dans son ensemble. Le compositeur a délibérément commencé son recueil de préludes et de fugues par celui qui décrit le paradis - l'origine et la formation de la vie. Progressivement, les thèmes des œuvres évoluent au gré de l'évolution de la société et des mœurs. Une chose reste inchangée : « l’effet Bach ».

Jean-Sébastien Bach a-t-il pensé au chef-d'œuvre de ses créations en les composant pendant des heures ? Probablement oui! En témoigne le dicton dans lequel le grand compositeur conseille de travailler sans relâche pour obtenir un tel succès. En donnant des conseils, l'auteur n'a pas prévu la présence du don le plus rare : le talent. C'est ce facteur qui permet à certains de conquérir le monde pendant de nombreuses générations, tandis que d'autres restent inaperçus.

L'influence de la musique de Bach sur les humains

Le cerveau humain est constamment au travail et remplit de nombreuses fonctions mentales. Cela se produit en raison de la production d’ondes de fréquence différente de l’activité cérébrale. Lors de la méditation, du yoga et même de l’écoute de musique, il existe un effet d’altération de la conscience ou « activité alpha ». Le « mouvement bêta » qui l’accompagne assure l’émergence de réactions au phénomène, l’évaluation et la compréhension. La musique de Bach améliore ce processus en activant le cerveau. Cette connexion contiguë permet d’obtenir d’excellents résultats.

Les bienfaits de la musique de Bach

• renforce le corps et améliore l'immunité,
• aide à lutter contre l'hypertension,
• accélère le processus de guérison du système respiratoire et digestif,
• aide à détourner l'attention de la douleur des rhumatismes,
• augmente les performances,
• améliore les performances académiques,
• augmente la productivité au travail,
• aide à faire face au stress et à l'anxiété,
• soulage les irritations
• conduit à un sentiment de calme et de contentement,
• soulage les sentiments de ressentiment et d’envie.

Les œuvres du grand auteur vous aideront à reprendre vos esprits et à vous permettre de vous arrêter dans la fugacité du monde moderne. Les musicologues qui étudient constamment les mélodies de Bach affirment qu'elles sont illimitées. Des musiciens talentueux extraient de nouveaux sons de chaque prélude afin d'essayer au moins de se rapprocher des gammes du chef-d'œuvre.

L'effet curatif de Bach

Les grandes œuvres continuent d’étonner et de guérir les gens au fil des années. La musique de Bach a un effet bénéfique sur les processus mentaux du cerveau et active son travail. Le principal levier de notre corps est le cerveau. Par conséquent, sous l'influence des créations du grand maître, il a un effet bénéfique sur le système nerveux central, qui donne des impulsions, des sortes de « tâches » au reste des organes. Un coup contre l'irritabilité, comme un analgésique contre une migraine - toujours efficace ! A ces fins, il est recommandé d'écouter l'œuvre du compositeur « Cantate n°2 »

Écoutez la Cantate n°2 de Bach

Si vous êtes submergé par des pensées et des sentiments négatifs, par exemple le ressentiment, l’envie des succès des autres ou la colère, alors le « Concerto italien » de Bach vous aidera à y faire face.

D'autres faits incroyables ont été remarqués : les mélodies en tonalité majeure sont efficaces contre le cancer, et la tonalité mineure de Bach simplifie le processus de mémorisation des informations, améliore la pensée logique et favorise le développement des connaissances mathématiques.

De plus, "Concerto en ré mineur pour violon et Cantate n° 21" aide à lutter contre l'hypertension artérielle, "Fa dièse mineur" (préludes et fugues, volume I, HTC) - à d'autres maladies du système cardiovasculaire.

Écoutez « Fa dièse mineur » (préludes et fugues, tome I, HTC)

Pour accélérer le processus de guérison des ulcères d'estomac et éliminer d'autres problèmes liés aux organes digestifs, il vaut la peine d'écouter « Sol dièse mineur » (Préludes et Fugues, Volume I, HTC).

Écoutez « Sol dièse mineur » (préludes et fugues, tome I, HTC)

Aide à détourner l'attention des douleurs liées aux rhumatismes et aux problèmes articulaires en général - Fa majeur (« Toccata »).

Écoutez fa majeur (« Toccata »)

Effet Bach pour les enfants

Comparez l'élixir de calme et d'équilibre à la musique classique pour la jeunesse de la planète Terre. Bach a créé des œuvres incroyables pour les enfants (y compris) qui sont non seulement excellentes, mais aussi efficaces. La musique n'a pas d'âge ! Selon une étude de l'Université de Cambridge, les enfants qui écoutaient constamment Bach se développaient plus rapidement que leurs pairs. Ils gagnaient plus souvent des concours et des concours intellectuels. À l’âge adulte, ils occupent des emplois plus prestigieux. De plus, les enfants à qui on inculque le bon goût musical grandissent pour devenir des citoyens bien élevés et cultivés.

La musique de Bach pour dormir

Il existe une opinion selon laquelle la musique classique aide à s'endormir. Dans le cas de Bach, ce n’est pas le cas. Apparemment, l'auteur a mis une part d'égoïsme dans ses notes, ce qui ne permet pas à la musique de n'être qu'un fond. Selon les recherches, Bach n'est pas adapté au sommeil, à l'insomnie et à la relaxation. Sa musique excite le cerveau, encourage l'action et fait réfléchir. Par conséquent, il est recommandé de terminer l'écoute de ces créations au moins 4 heures avant la procédure du soir - dormir.

Tout le monde peut tester l’effet Bach par lui-même. Il suffit de faire chaque jour votre travail préféré ou votre activité nécessaire et de le faire à l'unisson avec les œuvres du grand auteur. Le monde de Bach est vaste et illimité – il y a une place pour chacun !

Écouter Bach en ligne

Toccata et Fugue en ré mineur, BWV 565 est une œuvre pour orgue de Johann Sebastian Bach, l'une de ses œuvres les plus populaires.

L'œuvre "Toccata et Fugue en ré mineur BWV 565" est incluse dans toutes les éditions du catalogue faisant autorité BWV et dans la nouvelle édition (la plus complète) des œuvres de Bach (Neue Bach-Ausgabe, connue sous le nom de NBA).

L'œuvre aurait été écrite par Bach lors de son séjour à Arnstadt entre 1703 et 1707. En janvier 1703, après avoir terminé ses études, il reçut le poste de musicien de la cour du duc de Weimar Johann Ernst. On ne sait pas exactement quelles étaient ses fonctions, mais ce poste n'était probablement pas lié à l'exécution d'activités. Au cours de ses sept mois de service à Weimar, sa renommée d'interprète s'est répandue. Bach a été invité au poste de gardien d'orgue à l'église Saint-Boniface d'Arnstadt, située à 180 km de Weimar. La famille Bach entretenait des liens de longue date avec cette plus ancienne ville allemande.

En août, Bach prend la relève comme organiste de l'église. Il devait travailler trois jours par semaine et le salaire était relativement élevé. De plus, l'instrument a été maintenu en bon état et accordé selon un nouveau système qui a élargi les capacités du compositeur et de l'interprète. Durant cette période, Bach crée de nombreuses œuvres pour orgue.

La particularité de ce petit cycle polyphonique est la continuité du développement matériel musical(pas de pause entre toccata et fugue). La forme se compose de trois parties : toccata, fugue et coda. Cette dernière, faisant écho à la toccata, forme un arc thématique.

Page de titre du BWV 565 dans une copie manuscrite de Johannes Ringk. En raison de la perte de l'autographe de Bach, cette copie, en 2012, est la seule source proche de l'époque de la création.

Toccata (en italien toccata - toucher, souffler, de toccare - toucher, toucher) est une pièce musicale virtuose pour instruments à clavier (clavier, orgue).

Début de la toccata

La fugue (fuga italienne - course, vol, débit rapide) est la forme la plus développée de musique polyphonique, qui a absorbé toute la richesse des moyens polyphoniques. L'éventail du contenu d'une fugue est pratiquement illimité, mais l'élément intellectuel y prédomine ou s'y fait toujours sentir. La fugue se distingue par une plénitude émotionnelle et en même temps une retenue d'expression.

Cette œuvre commence par un cri volontaire, alarmant mais courageux. Il retentit trois fois, descendant d'une octave à l'autre, et conduit à un boom d'accords tonitruant dans le registre inférieur. Ainsi, au début de la toccata, se dessine un espace sonore sombre et grandiose.

Toccata et Fugue en ré mineur BWV 565 de Johann Sebastian Bach jouées par l'organiste Hans-André Stamm sur le Trost-Orgue de la Stadtkirche de Waltershausen, en Allemagne.

Puis de puissants passages virtuoses « tourbillonnants » se font entendre. Le contraste entre les mouvements rapides et lents rappelle les répits prudents entre les combats avec les éléments violents. Et après la toccata librement construite de manière improvisée, retentit une fugue dans laquelle le principe volitionnel semble freiner les forces élémentaires. Et les dernières mesures de l'ensemble de l'œuvre sont perçues comme une victoire sévère et majestueuse de la volonté humaine inflexible.

ŒUVRES INSTRUMENTALES

Pour orgue

Préludes et fugues : C-dur, D-dur, e-moll, f-moll, g-moll, A-dur, d-moll, G-dur, a-moll, h-moll, C-dur, c- moll, C-dur, e-rnoll, c-moll, G-dur, a-moll, Es-dur.
Fantasmes et fugues : g-moll, c-moll, a-moll.
Toccatas avec fugues : Fa-dur, E-dur, ré-moll (Dorian), C-dur, ré-moll.
Huit petits préludes et fugues : C-dur, ré-moll, e-moll, F-dur, G-dur, g-moll, a-moll, B-dur.
Préludes : do majeur, sol majeur, la mineur.
Fugues : do-moll, do-moll, sol-dur, sol-dur, sol-moll, h-moll (sur un thème Corelli).
Fantasmes : C-dur, G-dur, G-dur, h-moll, C-dur (inachevé).
Pastorale fa majeur. Trio.
Passacaille en do mineur.
Concertos de Vivaldi (la mineur, do majeur, ré mineur) et d'autres auteurs. Konzertsatz C-dur.
Sonates : Es-dur, do-moll, ré-moll, e-moll, C-dur, G-dur.
Orgelbuchlein - 46 courts préludes de choral.
Variations de choral : « Christ, der du bist der helle Tag (« Vous êtes tous comme un jour clair et clair ») ; « O Gott, du frommer Gott » (« Ô toi, le plus doux ») ; « Sei gegriisset, jesu gutig » (« Je te salue, mon bien-aimé ») et d'autres.
Variations canoniques « Vom Himmel hoch, da Komm » ich her (« Des hauteurs du ciel »).
Six chorals (« Schubler’s »).
13 chorals (les soi-disant « grands » ; le dernier d'entre eux est celui mourant : « Vor deinen Thron tret"ich (« Au trône »).
Arrangements de choral « Préludes au Catéchisme et autres chants » (12 grands et 9 petits). Entré Partie III"Klavieriibung".
Arrangements de chorals (principalement de la période de jeunesse), non inclus dans ces recueils.
24 arrangements de choral (collection Kirnberger).

Pour clavecin

Petits préludes (parties I, II) et fugues.
15 inventions à deux voix et 15 symphonies à trois voix.
"Das Wohltemperierte Klavier" ("Le clavier bien tempéré")
Je partage 24 préludes et fugues. Partie II 24 préludes et fugues. Fantasmes et fugues (fuguettes) : la-moll, ré-moll, do-moll, B-dur, D-dur. Fantaisie chromatique et fugue en ré mineur. L'art de la fugue (Die Kunst der Fuge).
Préludes et fugues séparés.
Toccatas : fis-moll, c-moll, D-dur, d-moll, e-moll, g-moll, G-dur.
Fantasmes : g-moll, c-moll, g-moll.
Fantaisie Rondo en do mineur.
Préludes (fantasmes) c-moll, a-moll.
Suites : 6 suites françaises : ré-moll, c-moll, h-moll, Es-dur, G-dur, E-dur.
6 suites anglaises : A-dur, a-moll, g-moll, F-dur, e-moll, d-moll.

Klavierubung (« École Klavier ») :
Partie I. Partitas : B-dur, c-moll, a-moll, D-dur, G-dur, e-moll.
Deuxieme PARTIE. Concerto et Partita italiens (Ouverture française) en si mineur.
Partie III. 21 Prélude choral (également pour orgue), Prélude et triple fugue Es-dur, 4 duos : e-moll, F-dur, G-dur, a-moll.
Partie IV. Air avec 30 variations (« Variations Goldberg »). «Capriccio sur le départ d'un frère bien-aimé» en si majeur. Caprice en mi majeur. (en l'honneur de J.C. Bach). Aria variata alia maniera Italiana (Aria variée en italien
manière) la-mineur. Menuets : G-dur, G-moll, G-dur (du livre pour clavier de Wilhelm Friedemann Bach). Sonates. Scherzo d-moll (variante e-moll).

DISPOSITIFS DE HARVISIOR DE PROPRES TRAVAUX

Sonate en ré mineur (arrangement de la 2e sonate pour violon en la mineur).

Suite en mi majeur (arrangement de la partita du 3e violon). Adagio en sol majeur (extrait de la 3e sonate pour violon).

TRAITEMENTS POUR LE CLAVIER D'ŒUVRES D'AUTRES AUTEURS

Sonate en la mineur (extrait de « Hortus musicus » - « Le Jardin Musical » de I. A. Reinken).
Sonate en do majeur (du même endroit).
Fugue B-dur (du même endroit).
Fugue en si majeur (arrangement de fugues d'Erzelius).
16 concerts de Vivaldi, Marcello, Telemann, Johann Ernest de Weimar.

ŒUVRES D'ORCHESTRE

Ouvertures (suites).
N ° 1, do majeur; N° 2, h-moll ; N° 3, ré majeur ; N° 4, ré majeur ; N°5, bon sang. Symphonie en fa majeur.

6 concerts « Brandebourgeois » : n° 1, F-dur ; n° 2, fa majeur ; N° 3, sol majeur ;
N° 4, sol majeur ; N° 5, ré majeur ; N° 6, si majeur.

Concertos pour clavecin avec accompagnement orchestral : n° 1, ré-moll ; N° 2, E-dur ; N° 3, ré majeur ; N° 4, la majeur ; N° 5, f-moll ; N° 6, F-dur ; N° 7, g-molL

Concertos pour deux clavecins avec accompagnement orchestral : n° 1, do-moll ; N° 2, do majeur ; N° 3, c-moll.
Concertos pour trois clavecins avec accompagnement orchestral : n° 1, ré-moll ; N ° 2, do majeur.
Concertos pour violon avec accompagnement d'orchestre : n° 1, a-moll ; N° 2, E-dur ; N° 3, d-moll.
Concerto pour deux violons avec accompagnement orchestral en ré mineur.
Triple concert pour clavecin, flûte et violon avec accompagnement orchestral en la-moll.
Concerto pour violon et orchestre en ré majeur (extrait).

TRAVAUX DE CHAMBRE POUR CORDES, INSTRUMENTS À VENT ET ENSEMBLES

Sonates et partitas pour violon seul : sol-moll, h-moll, la-moll, ré-moll, do-dur,
E-dur. Suites (sonates) pour violoncelle : Sol-dur, ré-moll, C-dur, Es-dur, do-moll,
Ré majeur.
Sonate pour deux violons avec numéros, basse do majeur. Quatre sonates (« inventions ») pour violon et cymbale : sol-moll, sol-dur, fa-dur, do-moll.
Trio pour deux violons et cymbale, ré mineur. Sonates pour clavecin et violon : H-moll, A-dur, E-dur, C-moll, F-moll, G-dur.
Suite pour clavecin et violon en la majeur.
Sonates pour clavecin et viole de gambe : Sol-dur, Ré-dur, sol-moll. Pour luth (arrangé pour clavecin) : 3 partitas : g-moll, e-moll, do-moll. Un petit prélude en do mineur. Prélude, Fugue et Allegro en Es majeur. Fugue g-moll Sonates pour flûte : solo - a-moll ; pour flûte à chiffres, basse : C-dur,
e-moll, E-dur.
Sonate pour flûte et violon avec numéros, basse G-dur. Sonate pour deux flûtes avec chiffres, basse G-dur. Sonates pour clavecin et flûte : H-moll, Es-dur, A-dur. "Offrande musicale"

GENRES VOCAUX-INSTRUMENTAUX PROCÈS

« Drames musicaux » (« Dramma per musica ») et cantates :

« Glissez de manière ludique sur les vagues » (« Schleicht, spielende Wellen »).

« La discorde vaincue par les cordes modifiables » (« Vereinigte Zwietrachb »).

« Lève-toi, bruit du tonnerre ! » (« Auf, ton schmetternde ! »).

« Son, timbales et trompettes, sonnez ! » (« Tonet, ihr Pauken, erschallet, Trompeten ! »).
« Cupidon le traître » (« Amore traditore »). Pour la basse.

« Le concours de Phébus avec Pan » (« Der Streit zwischen Phobus und Pan »).
« À propos d'une vie de contentement » (« Von der Vergnugsamkeit »).
«Éole le Paisible» («Der zufriedengestellte Aeolus»).
« Le choix d'Hercule » (« Die Wahl des Herkules »).
« Nous avons un nouveau patron » (« Meg hahn en neue Oberkeet ») - Cantate paysanne.
« Rempli de la gloire du siècle céleste » (« Mil Gnaden bekronet »).
« Ne pas connaître les peines de la vie » (« Non sa che sia dolore »).
« Veillons avec nos soins » (« Lasst uns sorgen »).
"Oh merveilleuse chanson!" (« O angenehme Melodei »).
« Oh journée merveilleuse, âge souhaité » (« O titulaire Tag, erwunschte Zeit »).
« Salut, Saxe, bienheureuse » (« Preise dein Glticke, gesegnetes
Saxe").

« Que le bavardage se taise » (« Schweigt stille, plaudert nicht ») - Cantate du café.

« Tout avance à la va-vite » (« Schwingt freudig euch empor ! »).

« La chasse seule me revigore » (« Was mir behagt »).

« Dispersez-vous, ombres de chagrin ! » (« Weichet nur, betrubte Schatten »).

"Creusez la tombe, détruisez cette crypte !" (« Zerreisset, zersprenget, zerstoret
mourir Gruft!").

« Léopold le plus serein » (« Durchlauchster Leopold »).

ŒUVRES SPIRITUELLES

Messes : h-moll (Grande Messe) ; F-dur, A-dur, g-moll, G-dur (court).
« Magnificat » (« Magnifie mon âme »), D-dur.
« Sanctus, sanctus, sanctus » (« Saint, saint, saint ») : C-dur, D-dur, d-moll,
G-dur, D-dur.
Passion selon Matthieu, selon Jean, selon Luc, selon Marc. Oratorios : « Noël » (en 6 parties) ; « Pâques » (« Kommt, eilet und laufet » - « Dépêchez-vous, oh les gens ! ») ; « Sur l'Ascension » (cantate n° 11). Motets : « Singet dem Herrn ein neues Lied » (« Chante-lui une nouvelle chanson »), pour 8 voix, si majeur. « Der Geist hilft unsrer Schwachheit auf » (« L'esprit élevé nous fortifiera »), pour
8 voix, si majeur.
« Furchte dich nicht, ich bin bei dir » (« N'aie pas peur, je suis avec toi ! »), pour 8 voix.
"Komm, Jésus, Komm !" « Viens, Jésus ! », à 8 voix. « Jesu, meine Freude » (« Ma joie »), pour 5 voix, e-moll. « Lobet den Herrri » (« Louez le Seigneur »), pour 4 voix, do majeur. Cantates spirituelles (199 au total).
185 chorals à quatre voix de la collection de C. F. E. Bach. Chants spirituels et airs du « Gesangbuch Schemellis » - « Livre des Cantiques » de G. Schemelli (21) et du 2e « Carnet » (Notenbuch) d'Anna Magdalene Bach (10).

Dès son plus jeune âge, Bach a senti que le domaine de l’orgue était sa vocation et a étudié sans relâche l’art de l’improvisation pour orgue, qui était à la base de ses compétences en composition. Enfant, dans son Eisenach natal, il écoutait son oncle jouer de l'orgue, puis, à Ohrdruf, son frère. À Arnstadt, Bach lui-même a commencé à travailler comme organiste et, sans doute, déjà là-bas, il a essayé de composer pour l'orgue, bien que ses arrangements choraux, qui ont dérouté les paroissiens d'Arnstadt par leur caractère inhabituel, ne nous soient pas parvenus. Le compositeur a également été organiste à Weimar, où son style d'orgue original s'est pleinement formé. Comme vous le savez, c'est pendant les années de Weimar qu'une activité exceptionnelle s'est produite dans le domaine de la créativité pour orgue de Bach - la plupart des œuvres pour orgue ont été créées : Toccata et Fugue en ré-moll, Toccata, adagio et fugue en do-dur, Prélude et Fugue en a-moll, Fantasia et Fugue en g-moll, Passacaglia c-moll et bien d'autres. Même lorsque, en raison des circonstances, le compositeur changea de métier, il ne se sépara pas de son orgue portatif. Il ne faut pas oublier que les oratorios, cantates et passions de Bach étaient joués dans l’église, accompagnés d’un orgue. C’est grâce à l’orgue que Bach s’est fait connaître de ses contemporains. Il a atteint la plus haute perfection dans les improvisations pour orgue, stupéfiant tous ceux qui pouvaient l'entendre. Le célèbre organiste Jan Reincken, déjà dans ses années de déclin, entendit Bach jouer et dit : "Je pensais que cet art était mort depuis longtemps, mais maintenant je vois qu'il vit en toi !"

Principales caractéristiques du style d'orgue

À l'époque de Bach, l'orgue était le « roi de tous les instruments » : le plus puissant, le plus riche et le plus coloré. Cela résonnait sous les voûtes spacieuses des églises cathédrales avec leur acoustique spatiale. L'art de l'orgue s'adressait au grand public, d'où les qualités de la musique d'orgue telles que le pathos oratoire, la monumentalité et l'exécution de concert. Ce style exigeait des formes étendues et de la virtuosité. Les œuvres pour orgue s'apparentent à la peinture monumentale (fresque), où tout est présenté en gros plan. Il n'est pas surprenant que Bach ait créé spécifiquement pour l'orgue les œuvres instrumentales les plus majestueuses : Passacaglia en do-moll, Toccata, adagio et fugue en do-dur, Fantasia et fugue en sol-moll et autres.

Traditions de l'art de l'orgue allemand. Préludes de choral.

L'art de l'orgue de Bach s'est développé sur un sol riche, car ce sont les maîtres allemands qui ont joué le rôle le plus important dans le développement de la musique d'orgue. En Allemagne, l’art de l’orgue a atteint une ampleur sans précédent et toute une galaxie de merveilleux organistes a émergé. Bach a eu la chance d'en entendre beaucoup : à Hambourg - J. Reincken, à Lübeck - D. Buxtehude, particulièrement proche de Bach. De ses prédécesseurs, il adopte les principaux genres de la musique d'orgue allemande - fugue, toccata, prélude de choral.

Dans l’œuvre pour orgue de Bach, on peut distinguer deux variétés de genre :

• préludes de choral , principalement de petites compositions ;
• "petits" cycles polyphoniques , comme des œuvres de grande forme. Ils se composent d'une sorte de pièce d'introduction et d'une fugue.

Bach a écrit plus de 150 préludes de choral, dont la plupart sont contenus dans 4 recueils. Une place particulière parmi eux est occupée par le « Livre d'orgue » - le plus ancien (1714-1716), composé de 45 arrangements. Plus tard, paraît la collection « Keyboard Exercises », comprenant 21 arrangements, dont certains sont conçus pour l'orgue. Le recueil suivant – de 6 pièces – est connu sous le nom de « Chorals Schubler » (du nom de l'éditeur et organiste Schubler, élève de Bach). Le compositeur a préparé le dernier recueil d'arrangements choraux - « 18 chorals » - pour publication peu avant sa mort.

Avec toute la diversité des préludes de choral de Bach, ils sont unis par :

• à petite échelle;
• domination du début mélodique, puisque le genre d'arrangement choral est associé à mélodies vocales;
• style de chambre. Dans les préludes du choral, Bach n'a pas mis l'accent sur les énormes ressources du son puissant de l'orgue, mais sur sa couleur et la richesse de son timbre ;
• utilisation généralisée des techniques polyphoniques.

La gamme d'images des préludes de choral est associée au contenu des chorals sous-jacents. En général, ce sont des exemples de paroles philosophiques de Bach, de réflexions sur l'homme, ses joies et ses peines.

Prélude en mi majeur

Sa musique a un caractère majestueux, calme et éclairé, se développant doucement et tranquillement. Le thème du choral est assez monotone en termes rythmiques et mélodiques. Il est basé sur un mouvement le long de marches stables de la gamme avec de multiples répétitions d'un son. Cependant, Bach commence son prélude non pas par une mélodie de choral, mais par son propre thème - plus mélodieux, flexible et émouvant, et en même temps proche du choral.

Au fur et à mesure de son développement, ce thème s’enrichit continuellement sur le plan intonatif et rythmique. Des phrases largement chantées y apparaissent et la gamme s'élargit. Parallèlement à cela, l'instabilité s'intensifie, le motif d'un soupir est répété séquentiellement, ce qui devient un moyen d'intensification de l'expression.

Le plan tonal du prélude couvre les touches plates associées. Le développement tonal est dirigé des couleurs majeures claires vers une couleur mineure plus foncée au milieu, puis vers le retour du son clair d'origine.

La texture épurée et claire du prélude repose sur deux lignes mélodiques principales, très éloignées l’une de l’autre (cela crée une sensation d’ampleur spatiale). Les voix médianes, où est énoncé le thème du choral, sont incluses plus tard et ont également une indépendance mélodique.

Prélude en fa mineur

(« Je t'invoque, Seigneur »)

Dans ce prélude, la mélodie du choral est placée à la voix supérieure ; elle domine, déterminant toute l'apparence de l'œuvre. Bach est chargé d'harmoniser la mélodie et de créer la texture de l'accompagnement.

Le thème du choral est semblable à une chanson, basé sur des intonations douces et douces. La monotonie rythmique, soulignée par le mouvement fluide de la basse, confère à la musique rigueur et sang-froid. L'ambiance principale est une profonde concentration, une tristesse sublime.

La texture distingue clairement trois niveaux : la voix supérieure (le thème du choral lui-même, dont le son dans le registre médian ressemble au chant), la ligne de basse et la voix médiane - intonativement très expressive et rythmiquement mobile. Formulaire en 2 parties. La première section est clairement divisée en phrases et se termine par une cadence claire. La seconde se développe de manière plus continue.

Cycles polyphoniques en deux parties

Des compositions en deux parties, composées d'une sorte de pièce d'introduction (prélude, fantaisie, toccata) et d'une fugue, se trouvaient déjà parmi les compositeurs de la génération pré-Bakhov, mais elles constituaient alors l'exception plutôt que la règle, un modèle. Soit des fugues indépendantes et sans rapport, des toccatas, des fantaisies ou des compositions en une seule partie prédominaient type mixte. Ils combinaient librement des épisodes de prélude-improvisation et de fugue. Bach a brisé cette tradition en distinguant des sphères contrastées en deux individuel, mais organiquement interconnecté parties du cycle polyphonique. La première partie concentrait un élément libre et improvisé, tandis que la seconde - une fugue - était strictement organisée. Le développement musical d'une fugue obéit toujours aux lois de la logique et de la discipline et se déroule selon un « canal » strictement défini. Un système bien pensé de techniques de composition pour la fugue s'était déjà développé avant Bach, dans le travail de ses prédécesseurs - les organistes allemands.

Les parties introductives du cycle polyphonique n'avaient pas une telle « mission ». Ils ont été développés dans la pratique des préliminaires libres à l'orgue, c'est-à-dire qu'ils différaient improvisation nature - liberté totale dans l'expression de ses émotions. Ils se caractérisent par :

• « formes générales » de mouvement - passages virtuoses, figurations harmoniques, c'est-à-dire mouvement selon les sons des accords ;
• développement séquentiel de petites cellules mélodiques ;
• changement de rythme libre, épisodes de nature différente ;
• contrastes dynamiques brillants.

Chaque cycle polyphonique de Bach a sa propre apparence unique et sa solution artistique individuelle. Le principe général et impératif est unité harmonieuse de ses deux parties constitutives. Cette unité ne se limite pas à la tonalité générale. Ainsi, par exemple, dans le cycle d'orgue le plus populaire de Bach - Toccata et fugue d-moll- l'unité de la composition découle des connexions internes multilatérales de la toccata et de la fugue.

La musique de la toccata donne une impression de force puissante et de rébellion. Le pathos majestueux captive dès les premiers sons présentations- petit, mais très efficace, donnant le ton à tout ce qui suit. Le thème d’ouverture commence, pour ainsi dire, immédiatement par le point culminant (« Peak-Source »), à ff, dans un puissant unisson d’orgue. Il est basé sur des intonations déclamatoires, oratoires et attrayantes qui, grâce à une sonorité forte et des pauses significatives, sonnent très impressionnantes.

Les mêmes intonations sous-tendent thèmes de fugues- descente le long de l'échelle d'un mode mineur du degré V au ton principal. Grâce au jeu ostinato non-stop des doubles croches, la musique de fugue a un caractère actif, énergique et moteur. Son thème présente également une nette similitude avec la deuxième section de la toccata - la présence de deux voix cachées, la répétition répétée du son « A » et le même motif rythmique. Essentiellement, les deux thèmes sont perçus comme deux variantes du même matériau thématique (le thème de la fugue est une image miroir de la 2e section de la toccata).

A plus grande échelle, l'unité de la toccata et de la fugue est inhérente à la compositions de cycles. Le point culminant de l'ensemble de l'œuvre est la section finale de la fugue - une grande coda de nature pathétique. Ici, les images de la toccata reviennent et les techniques polyphoniques cèdent la place aux techniques homophoniques-harmoniques. Des accords massifs et des passages virtuoses résonnent à nouveau. Ainsi, dans le cycle il y a un sentiment de tripartite (toccata - fugue - toccata coda).

De plus, la fugue en ré mineur a une autre caractéristique qui souligne sa relation avec la toccata : l'abondance des intermèdes. Les interludes sont principalement constitués d'accords « brisés » et de leur développement séquentiel. Grâce à cela, le style polyphonique de la fugue se rapproche quelque peu du style homophonique-harmonique, faisant écho au style improvisé de la toccata.

La combinaison de deux parties d'un cycle polyphonique ne repose peut-être pas sur la parenté, mais au contraire sur une comparaison contrastée et lumineuse de leurs images musicales. C'est ainsi que se construit, par exemple, le cycle des organes g-moll.

Fantaisie et fugue g-moll

Musique fantaisie ses origines sont liées aux images dures et majestueuses des œuvres chorales de Bach - sa Messe en si mineur ou ses passions. Il compare deux sphères émotionnelles contrastées. Le premier est tragique. La combinaison d'accords puissants avec un récitatif à une seule voix dans une tessiture tendue s'apparente à l'alternance d'un chœur avec une voix soliste. Le développement musical se déroule dans une atmosphère de tension croissante. Grâce à la section d'orgue, des accords dissonants et fortement instables apparaissent et les phrases récitatives deviennent progressivement de plus en plus saturées de drame.

Le deuxième thème est à l’opposé du premier dans toutes ses composantes. Sur fond de mouvements mesurés et calmes de la voix inférieure, les voix supérieures imitent un petit chant lyrique basé sur une triade diminuée. Les gammes mineures et le son doux confèrent à la musique une touche de détachement sublime. Il se termine pensivement et tristement par une deuxième intonation descendante.

Presque toute la suite du fantasme est occupée par le développement complexe du premier thème. Le drame du son global est aggravé par une brève reprise du deuxième thème, élevé à un registre plus élevé.

À la tragédie du fantasme s'opposent l'énergie et l'activité fugues. Il se distingue par son caractère dansant et ses liens évidents avec la musique profane quotidienne. La proximité avec les origines du genre folk se manifeste notamment dans la structure de reprise du thème, son exhaustivité et la périodicité des accents rythmiques. Le thème met en valeur des sauts de quintes et d'octave larges et « vives » qui, en combinaison avec un rythme élastique et élastique, créent une image très dynamique. L'énergie du mouvement est également soutenue par le développement tonal modal : la tonique et la dominante de la tonalité principale sont comparées à la tonique et la dominante de la majeure parallèle.

La forme fugue est basée sur une reprise tripartite. La première partie comprend une exposition et une contre-exposition, suivies d'une grande partie de développement intermédiaire et d'une reprise abrégée. Chaque thème est précédé de longs intermèdes.

Un énorme contraste interne distingue également le cycle d’orgue en do majeur, dont la composition est élargie par l’inclusion d’un autre troisième mouvement.

Toccata, adagio et fugue en do majeur

La ligne de développement figuratif s'oriente ici du pathétique majestueux de la toccata au lyrisme sublime d'Adagio, puis au puissant Grave (la section finale d'Adagio) et, enfin, à la dynamique dansante de la fugue.

Principe de base de la construction toccatas- improvisations. Il se compose de plusieurs sections relativement complètes, qui diffèrent les unes des autres par le type de mouvement mélodique (il s'agit soit de passages virtuoses, soit de développement séquentiel de petits tours mélodiques, soit de figuration d'accords - mouvement le long des sons d'accords). En même temps, il y a une logique unificatrice claire dans la toccata : une augmentation constante du début à la fin - le sommet majestueux final. Elle est obtenue par une augmentation progressive de la sonorité globale, épaississant la texture (du fait du branchement des voix, de leurs appels dans différents registres). À la dernière étape de ce mouvement, les sons les plus graves de l'orgue - la pédale d'orgue - entrent en jeu.

DANS Adagio tout contraste avec la toccata : tonalité mineure (A-moll parallèle), sonorité intime - dans l'esprit des préludes choraux, même type de texture partout (voix principale et accompagnement), thématique homogène, manque d'éclat virtuose, climax lumineux . Tout au long de l’Adagio, une ambiance de profonde concentration est maintenue.

Les 10 dernières mesures de l’Adagio sont radicalement différentes de tout ce qui les a précédées. Le caractère de la musique devient ici majestueux et solennel.

Grand 4 voix fugueécrit écrit sur un sujet de grande envergure. Il est diatonique, basé sur des rythmes de danse qui, en combinaison avec la signature rythmique 6/8, donnent à la musique une ressemblance avec une gigue. Le thème est repris 11 fois : 7 fois en exposition, 3 fois en développement et 1 fois en reprise. Ainsi, une grande partie du développement est occupée par des intermèdes.

La forme libre de la toccata se compose de plusieurs épisodes clairement délimités les uns des autres. Différent par leur texture, leur dynamique, leur registre, ils sont liés :

• une ambiance de pathétique majestueux ;
• une augmentation constante de la tension dramatique, atteignant sa plus haute intensité à la conclusion de la toccata ;
• par la nature du thème.