Collection de Léonard de Vinci. Œuvres choisies

Vous trouverez dans cet article un message sur le scientifique et artiste italien, l'inventeur et scientifique, le musicien et écrivain, ainsi qu'un représentant de l'art de la Renaissance.

Bref message sur Léonard de Vinci

Le grand génie est né dans le village d'Anchiato, près de la ville de Vinci, le 15 avril 1452. Ses parents n'étaient pas mariés et il vécut les premières années de sa vie avec sa mère. Par la suite, le père, un notaire assez riche, prit son fils dans sa famille. En 1466, le jeune homme entre comme apprenti dans l'atelier de l'artiste florentin Verrocchio. Ses passe-temps incluent le dessin, le modelage, la sculpture, le travail du cuir, du métal et du plâtre. En 1473, il se qualifie comme maître à la Guilde de Saint-Luc.

Le début de son parcours créatif a été marqué par le fait qu'il temps libre consacré uniquement à la peinture. Dans la période 1472 - 1477, des tableaux célèbres de Léonard de Vinci tels que « L'Annonciation », « Le Baptême du Christ », « La Vierge à la fleur », « La Vierge au vase » ont été créés. Et en 1481, il crée sa première œuvre majeure - «La Vierge à la fleur».

Les autres activités de Léonard de Vinci sont liées à Milan, où il s'installe en 1482. Ici, il entre au service de Ludovico Sforza, duc de Milan. Le scientifique avait son propre atelier où il travaillait avec ses étudiants. En plus de créer des peintures, il développe une machine volante basée sur le vol des oiseaux. Tout d’abord, l’inventeur a créé un appareil simple basé sur des ailes, puis il a développé un mécanisme d’avion doté du contrôle total décrit. Mais ils n’ont pas réussi à donner vie à leur idée. En plus du design, il a étudié l'anatomie et l'architecture et a donné au monde une nouvelle discipline indépendante : la botanique.

A la fin du XVe siècle, l'artiste réalise le tableau « La Dame à l'hermine », le dessin « L'Homme de Vitruve » et la fresque mondialement connue « La Cène ».

En avril 1500, il retourne à Florence, où il entre au service de Cesare Borgia comme ingénieur et architecte. 6 ans plus tard, de Vinci est de retour à Milan. En 1507, le génie rencontre le comte Francesco Melzi, qui deviendra son élève, héritier et partenaire de vie.

Pendant les trois années suivantes (1513 - 1516), Léonard de Vinci vécut à Rome. Ici, il a créé le tableau « Jean-Baptiste ». 2 ans avant sa mort, il a commencé à avoir des problèmes de santé : main droite J'étais engourdi et il était difficile de bouger de manière indépendante. ET dernières années Le scientifique a été obligé de le passer au lit. Le grand artiste décède le 2 mai 1519.

• L'artiste maîtrisait parfaitement ses mains gauche et droite.
• Léonard de Vinci fut le premier à donner la bonne réponse à la question « Pourquoi le ciel est-il de couleur bleue?. Il était sûr que le ciel était bleu car entre la planète et l'obscurité au-dessus d'elle se trouvait une couche de particules d'air illuminées. Et il avait raison.
• Depuis son enfance, l'inventeur souffrait de « cécité verbale », c'est-à-dire d'une violation de la capacité de lire. C'est pourquoi il a écrit en miroir.
• L'artiste n'a pas signé ses tableaux. Mais il a laissé des marques d’identification qui n’ont pas encore toutes été étudiées.
• Il jouait très bien de la lyre.

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Léonard de Vinci - homme à l'esprit encyclopédique, scientifique universaliste et artiste magnifique - aurait pu laisser au monde un riche héritage, cependant, le destin a décrété que les fruits du travail de ce grand homme restaient principalement dans ses notes, peu connues d'un large cercle de lecteurs. Les critiques d’art et les historiens n’ont pas découvert beaucoup de tableaux de Léonard ; De toutes les sculptures qu'il a créées, seules deux ont survécu à ce jour, et encore uniquement sous forme de modèles en cire ; malgré la présence de nombreux dessins, il n'est pas établi avec précision s'il existe des bâtiments conçus par le maître en Italie ; de la même manière, aucune des inventions techniques de Léonard n’a commencé à être utilisée par ses contemporains dans la production. Dans certains cas, cela s'explique événements politiques ou le manque de financement, mais surtout, hélas, la nature inconstante de l'artiste lui-même.

Aujourd'hui, l'analyse de nombreux journaux et notes de Léonard de Vinci permet de dire qu'il fut l'un des personnages les plus ambitieux et les plus brillants de son époque.

Enfance et jeunesse

Le futur maître est né le 15 avril 1452 à la périphérie de la petite ville italienne de Vinci. Son père était un jeune notaire, Piero da Vinci, et sa mère était une paysanne, Katerina. Les jeunes n'étaient pas mariés, Leonardo était donc illégitime. Cependant, à cette époque, les Italiens traitaient les enfants nés hors mariage avec beaucoup de calme et leur accordaient les mêmes droits qu'en tant qu'héritiers légaux. « da Vinci » (traduit de l'italien par « de Vinci ») ne peut pas être appelé un nom de famille au sens plein du terme. Ce surnom indiquait l'origine de la famille Leonardo, puisque leur domaine familial était situé à Vinci.

Piero da Vinci épousa très vite une fille issue d'un noble et Famille riche, et a épousé Katerina avec l'un des montagnards locaux. Trois ans plus tard, il a accueilli son fils chez lui et l'a confié à sa femme et à ses parents pour qu'ils l'élèvent. Tout le monde aimait Leonardo dans la maison de son père, son enfance fut donc calme et paisible. Cependant, lorsque Leonardo était adolescent, sa belle-mère, qui remplaçait la mère naturelle du garçon, et son grand-père sont décédés.

Piero, actif et ambitieux, qui s'ennuyait de la province, décida de s'installer avec son fils à Florence. A cette époque, Florence était une ville riche et luxueuse, dirigée par la puissante famille Médicis. Le bastion de leur pouvoir était l’argent et l’autorité. Peu de temps avant l'arrivée de Piero et Leonardo, Lorenzo Médicis, patron des sciences et des arts, devint le chef de Florence.

À Florence, Piero se trouva une nouvelle épouse et Léonard commença à étudier les sciences et les arts, comme il convenait à un jeune homme issu d'une famille digne. Dès les premières années de sa vie, le garçon dessinait beaucoup et un jour, Piero décida de montrer plusieurs de ses œuvres à son ami Andrea Verrocchio, célèbre artiste et sculpteur florentin. Verrocchio fut émerveillé par le talent du jeune Léonard et l'invita dans son atelier.

Il convient de noter que l'atelier d'art italien (bottega) de la Renaissance était un lieu où les jeunes hommes étudiaient non seulement techniques artistiques, mais a également compris les bases des sciences exactes et naturelles. Les artistes de cette époque connaissaient déjà les notions de coupe et de perspective. Pour réussir son travail, un peintre (et plus encore un sculpteur ou un architecte) devait étudier les bases de la géométrie, de l'optique, de la mécanique, de la physique et de la chimie. De plus, c’est à Florence qu’est né le mouvement humaniste, qui a ensuite couvert presque toute l’Europe. Les humanistes étaient intéressés sciences naturelles, antique et culture nationale et a rejeté la tradition scolastique médiévale aride établie dans la science. Les artistes florentins - Alberti, Brunelleschi, Masaccio, Bruni et bien d'autres - comptent parmi les dirigeants de ce mouvement progressiste. C'est pourquoi Léonard s'est retrouvé dans environnement créatif les plus instruits et les plus largement les gens qui réfléchissent de son époque.

Déjà pendant les années de son apprentissage, Léonard démontrait sa supériorité sur son professeur. Verrocchio a reçu une commande pour une toile représentant le baptême du Christ. Dans le coin du tableau, il décide de placer les figures de deux anges : l'un qu'il a peint lui-même et le second qu'il a commandé à Léonard. En conséquence, l’ange de l’étudiant est sorti beaucoup plus vivant et plus beau que l’ange de Verrocchio.

Commencer une carrière indépendante

Apparemment, Léonard a quitté Verrocchio et a fondé son propre atelier en 1476. A cette époque, il se développe comme un artiste réaliste. Dans les notes de Léonard, on trouve de nombreux croquis représentant des plantes et des animaux avec une extrême précision. On sait que peu de temps après avoir quitté Verrocchio, le maître a créé deux grandes toiles :

• « Madone à la carafe » ;
• "Tête de Méduse" (pas terminé).

Malheureusement, aucune de ces peintures n'a survécu à ce jour. Mais, selon les contemporains, les deux œuvres ont fait une impression indélébile sur le public. Au cours de ces années, Léonard a pris une mauvaise habitude : commencer plusieurs œuvres à la fois et n'en terminer aucune. Pour cette raison, nombre de ses tableaux, qui pourraient aujourd’hui constituer les perles des collections de musées, étaient inachevés et perdus.

Bientôt Lorenzo Médicis, très intéressé par l'art florentin, attire l'attention sur le jeune artiste. Léonard a reçu une commande importante des Médicis pour représenter la Madone pour la chapelle Saint-Pierre. Bernard. Mais ce projet fut lui aussi abandonné au bout de quelques mois : Filippo Lippi devait achever le travail de Léonard.

Dans les années 1470, à cause de la politique inutile des Médicis, Florence commença à s’appauvrir. Pour pouvoir maintenir son niveau de vie antérieur, Leonardo a dû travailler de plus en plus. On sait que durant cette période il a travaillé sur :

• « Madone au chat » (qui ne nous est parvenue que sous forme de croquis) ;
• « Madonna Benois » (pas terminé, aujourd'hui à l'Ermitage) ;
• "Saint Jérôme" (non terminé).
• « Adoration des Mages » - image d'autel du monastère de San Donato (non terminé).

La vie de Léonard à Milan

En 1481, le duc de Milan, Lodovico Sforza (surnommé Moro), décide d'ériger un monument équestre à la mémoire de son père. À cette époque, les nobles à la recherche de poètes, de sculpteurs ou d’artistes se tournaient généralement vers les dirigeants florentins. Moreau aussi. Lorenzo de Médicis décide d'envoyer Léonard à Milan.

Le duc de Moreau, cependant, ne s'intéressait pas davantage à l'art, mais équipement militaire. Par conséquent, il a demandé à l'avance si Leonardo était familier avec l'ingénierie. En réponse, le duc a reçu une lettre dans laquelle l'artiste rapportait qu'il pouvait concevoir des ponts, des navires et des passages souterrains, fondre des canons, créer des chars et bien plus encore. Cela peut être considéré comme vrai : Léonard avait de nombreuses idées techniques et dessins conservés dans ses archives.

Pourtant, au tribunal Moreau, il ne se rend pas compte de grand-chose. Léonard fut chargé de renforcer le château de la famille Sforza et d'achever la cathédrale de Milan. Comme d'habitude, Léonard élabore des projets grandioses, travaille dur sur les dessins, mais abandonne rapidement les deux projets. Au lieu de fabriquer des véhicules militaires et des machines industrielles, Léonard s'est de plus en plus impliqué dans de petites tâches : peindre des meubles, construire des kiosques de mariage, etc. Quant à la fameuse statue du duc de Milan, pour laquelle Moreau fit appel à Léonard de Florence, elle fut abandonnée pendant de nombreuses années. Ce n'est qu'en 1491 que Léonard présenta au public une maquette en argile du monument. Cependant, il n'a jamais été coulé en bronze et l'ébauche elle-même a été détruite en 1499, lorsque les soldats français sont entrés dans Milan.

Cependant, le séjour de Léonard à Milan fut néanmoins marqué par l’apparition de plusieurs œuvres importantes et certainement remarquables :

• « Madone à la Grotte » ;
• « Dame à l'hermine » ;
• « Belle Ferroniere » (peut-être par un des étudiants de Léonard) ;
• « Madone Litta » ;
• fresque "La Cène".

De plus, de nombreux croquis et dessins parurent à Milan. Y compris le célèbre « Homme de Vitruve » et la conception d’un avion. Parallèlement, Léonard entame des recherches philologiques : il tente de rédiger un dictionnaire explicatif langue italienne et un dictionnaire latin-italien, mais, comme d'habitude, j'ai abandonné ce travail.

Retour à Florence

En 1498, Louis XII, duc d'Orléans, vieil ennemi de Moreau, qui revendiquait la propriété de Milan, monta sur le trône de France. Tous ses anciens amis se détournèrent du duc de Milan et il dut affronter seul l'armée française. Les pogroms commencent dans la ville et Léonard décide de fuir avec son ami, le mathématicien Luca Pacioli, et son meilleur élève, Salai. En 1500, tous trois arrivèrent à Florence.

Habitué au luxe de la cour milanaise, Léonard, de retour dans la ville de sa jeunesse, se retrouve dans une position de misère. Cependant, son grand nom attire de nombreux clients. Il entreprit de travailler pour les moines servites, qui souhaitaient recevoir une image d'autel de Sainte-Anne, et s'installa dans leur monastère, où il reçut tout le nécessaire pour mener une vie décente. Léonard a beaucoup retardé le travail, mais après que les moines ont fait pression sur lui, il a rapidement terminé le croquis, où il a représenté Anne, la Vierge Marie et le Christ côte à côte. Tout le monde a vraiment aimé le dessin, mais comme d’habitude, la version finale n’a jamais été terminée ; d’autres artistes ont dû continuer le travail de Léonard.

Hormis le carton avec Sainte Anne, durant la deuxième période florentine, Léonard ne crée plus de peintures et se plonge dans l'étude des mathématiques. L'artiste a raté la vie d'une cour luxueuse, c'est pourquoi, en 1502, il a accepté sans hésitation une offre d'entrer au service de Cesare Borgia, le fils illégitime du pape, qui envisageait d'unir l'Italie sous le règne du trône romain. Malgré le fait que Borgia ait proposé à Léonard l'œuvre la plus intéressante pour lui : la construction de canaux, de forteresses et de fortifications militaires, déjà en 1503 l'artiste choisit de quitter le service. Cesare Borgia était au centre même des bouleversements politiques et vivait de campagnes militaires et d’intrigues ; un style de vie aussi agité n’était pas du goût de Léonard. L'artiste retourne à Florence et est contraint de vivre du pinceau. Durant cette période ont été créés :

• « Bataille d'Anghiari » (l'esquisse de la fresque n'a pas été transférée au mur en raison des particularités des peintures et du revêtement) ;
• "Joconde".

Bien que Léonard ait presque cessé de s'intéresser à la peinture, il a travaillé sur La Joconde pendant très longtemps et avec soin. Apparemment, il voulait obtenir une expressivité et une crédibilité particulières du portrait. Malheureusement, à cause des expériences de Léonard avec la peinture, la toile s’est rapidement estompée, mais l’expression du visage de la jeune fille est restée tout aussi vivante et significative.

Deuxième période milanaise

Les affaires financières de Léonard à Florence étant déplorables, il décida en 1506 de retourner à Milan. Ici, il fut remarqué par le roi de France, qui établit effectivement son influence dans la ville. Léonard forme de jeunes artistes, son atelier accepte les commandes, mais elles sont exécutées par des apprentis maîtres ; il ne fait que corriger leur travail. Mais Léonard a développé un nouvel intérêt : l'anatomie. Il a commencé à disséquer les corps de manière indépendante dans un hôpital local sous la direction du plus grand anatomiste de l'époque, Marcantonio della Torre. Cependant, les bouleversements politiques obligent bientôt Leonardo à déménager à nouveau.

Les Français furent expulsés de Milan, le chef de la ville devint l'héritier légal des ducs locaux - le fils de Moro, Massimiliano Sforza, qui méprisait les Italiens qui collaboraient avec les Français. Léonard choisit de quitter la ville pour ne pas s'attirer les foudres du jeune duc.

Pendant ce temps, le fils de Lorenzo Médicis, Giovanni, devient le nouveau pape sous le nom de Léon X. Les artistes et humanistes italiens, se souvenant des actes du père Giovanni, affluèrent en masse à Rome, dans l'espoir d'offrir leurs services au nouveau pape. Leonardo est également parti avec eux.

dernières années de la vie

La cour papale reçut chaleureusement Léonard. Son principal client à cette époque était le frère cadet du pape, Giuliano Médicis. À Rome, Léonard écrivait :

• "Ledoux" (perdu);
• Portrait de la bien-aimée de Giuliano (perdue) ;
• "Jean le Baptiste".

Cependant, après avoir exécuté les premières commandes de Giuliano, Léonard perdit de nouveau tout intérêt pour la peinture. Il continue à étudier l’anatomie, l’acoustique et expérimente les machines volantes. La société romaine traitait ses passe-temps avec un certain ridicule.

Léonard commença bientôt à éprouver des difficultés en raison des rumeurs qui se répandaient dans toute Rome selon lesquelles il était en fait un hérétique et un sorcier, et qu'il devait disséquer les cadavres non pas pour le bien de la science, mais pour accomplir des rituels diaboliques. Son lien avec le pape s'était alors affaibli et Giuliano mourut de maladie. L'artiste choisit donc de retourner à Florence. Ici, il fut présenté au roi de France François Ier, qui offrit à Léonard de servir sa cour.

François Ier a donné à Léonard le titre d'ingénieur de la cour. En France, le maître ne dessinait presque pas, il créait des belvédères, construisait des décorations, décorait les salles du palais, dessinait des canaux et des bâtiments (hélas, les plans ne restaient que sur papier) et étudiait les sciences. Au cours des dernières années de sa vie, Leonardo a pris sa retraite en raison d'un bras paralysé. En 1519, Léonard de Vinci meurt entouré d'étudiants reconnaissants et de courtisans français.

10.04.2017 Oksana Kopenkina

Léonard de Vinci. Mona Lisa (fragment). 1503-1519 Persienne, Paris

Léonard de Vinci est le plus artiste célèbre dans le monde. Ce qui en soi est incroyable. Il ne reste que 19 tableaux du maître. Comment est-ce possible? Est-ce que deux douzaines d’œuvres font d’un artiste le plus grand ?

Tout tourne autour de Leonardo lui-même. Il est l'un des plus des gens ordinaires jamais né. Inventeur de divers mécanismes. Découvreur de nombreux phénomènes. Musicien virtuose. Et aussi cartographe, botaniste et anatomiste.

Dans ses notes, on trouve des descriptions d'un vélo, d'un sous-marin, d'un hélicoptère et d'un pétrolier. Sans oublier les ciseaux, un gilet de sauvetage et des lentilles de contact.

Ses innovations en peinture étaient également incroyables. Il fut l'un des premiers à utiliser la peinture à l'huile. Effet Sfumato et modulation de coupure. Il fut le premier à incorporer des personnages dans le paysage. Ses modèles de portraits sont devenus des personnes vivantes et non des mannequins peints.

Voici seulement 5 chefs-d'œuvre du maître. Ce qui démontre le génie de cet homme.

1. Madone aux Rochers. 1483-1486

Léonard de Vinci. Madone aux Rochers. 1483-1486 Persienne, Paris. Wikimedia.commons.org

Jeune Vierge Marie. Joli ange dans un manteau rouge. Et deux enfants bien nourris. Sainte famille revenaient d'Egypte avec l'enfant Jésus. En chemin, nous avons rencontré le petit Jean-Baptiste.

Il s'agit du premier tableau de l'histoire de la peinture où des personnages sont représentés non pas devant le paysage, mais à l'intérieur de celui-ci. Les héros sont assis au bord de l’eau. Derrière le rocher. Si vieux qu’ils ressemblent davantage à des stalactites.

La « Madone aux Rochers » a été commandée par les moines de la Confrérie de Saint-François pour l'une des églises de Milan. Mais les clients n’étaient pas contents. Leonardo était en retard avec les délais. Ils n’aimaient pas non plus le manque de halos. Le geste de l'ange les a également troublés. Pourquoi son index est-il pointé vers Jean-Baptiste ? Après tout, l’enfant Jésus est plus important.

Leonardo a vendu le tableau à côté. Les moines se sont mis en colère et ont intenté une action en justice. L'artiste a été obligé d'écrire Nouvelle photo pour les moines. Uniquement avec des auréoles et sans le geste de pointage de l'ange.

Selon la version officielle, c'est ainsi qu'est apparue la deuxième « Madone aux Rochers ». Presque identique au premier. Mais il y a quelque chose d’étrange chez elle.

Léonard de Vinci. Madone aux Rochers. 1508 galerie nationale Londres.

Léonard a soigneusement étudié les plantes. Il fit même de nombreuses découvertes dans le domaine de la botanique. C'est lui qui a compris que la sève des arbres joue le même rôle que le sang dans les veines humaines. J'ai également compris comment déterminer l'âge des arbres grâce à leurs cernes.

Il n’est donc pas surprenant que la végétation du tableau du Louvre soit réaliste. Ce sont des plantes qui poussent dans un endroit humide et sombre. Mais sur la deuxième photo, la flore est fictive.

Comment Léonard, si fidèle dans sa représentation de la nature, a-t-il soudainement décidé de fantasmer ? En une seule photo ? Impensable.

Je pense que Léonard n’était pas intéressé à peindre un deuxième tableau. Et il a demandé à son élève d'en faire une copie. Qui ne comprenait visiblement pas la botanique.

2. Dame à l'hermine. 1489-1490

Léonard de Vinci. Dame à l'hermine. 1489-1490 Musée Czertoryski, Cracovie. Wikimedia.commons.org

Devant nous se trouve la jeune Cecilia Gallerani. Elle était la maîtresse du souverain de Milan, Ludovico Sforza. À la cour duquel Leonardo a également servi.

Fille souriante, bon enfant et intelligente. Elle était une causeuse intéressante. Leonardo et lui parlaient souvent et longtemps.

Le portrait est très inhabituel. Les contemporains de Léonard peignaient des profils de personnes. Ici Cecilia se tient aux trois quarts. Tourner la tête dans la direction opposée. C'était comme si elle regardait les paroles de quelqu'un. Cet écart rend la ligne des épaules et du cou particulièrement belle.

Hélas, nous voyons le portrait sous une forme altérée. L'un des propriétaires du portrait a assombri le fond. Celui de Leonardo était plus léger. Avec une fenêtre derrière l'épaule gauche de la jeune fille. Les deux doigts inférieurs de sa main sont également réécrits. C'est pourquoi ils sont courbés de manière anormale.

Cela vaut la peine de parler de l'hermine. Un tel animal nous apparaît comme une curiosité. À l'homme moderne il serait plus courant de voir un chat pelucheux dans les mains d’une fille.

Mais au XVe siècle, c'était l'hermine qui était un animal ordinaire. Ils étaient gardés pour attraper des souris. Et les chats étaient tout simplement exotiques.

3. Dernière Cène. 1495-1598

Léonard de Vinci. Dernière Cène. 1495-1498 Monastère de Santa Maria delle Grazia, Milan

La fresque « La Cène » a été commandée par le même Ludovico Sforza à la demande de son épouse Béatrice d'Este. Hélas, elle est morte très jeune en couches. Je n'ai jamais vu le tableau terminé.

Le duc était hors de lui de chagrin. Réalisant à quel point sa joyeuse et belle épouse lui était chère. Plus il était reconnaissant envers Leonardo pour le travail accompli.

Il a généreusement payé l'artiste. En lui remettant 2 000 ducats (environ 800 000 dollars dans notre argent), et en lui donnant également la propriété d'un grand terrain.

Lorsque les Milanais ont pu voir la fresque, l’étonnement n’a pas connu de limites. Les apôtres différaient non seulement par leur apparence, mais aussi par leurs émotions et leurs gestes. Chacun d’eux a réagi à sa manière aux paroles du Christ : « L’un de vous me trahira ». Jamais auparavant l'individualité des personnages n'a été aussi clairement exprimée que chez Léonard.

Le tableau présente un autre détail étonnant. Les restaurateurs ont découvert que Léonard peignait les ombres non pas en gris ou en noir, mais en bleu ! C’était impensable jusqu’au milieu du XIXe siècle. Quand ils ont commencé à écrire des ombres colorées.

Léonard de Vinci. Fragment de « La Cène ». 1495-1498 Monastère de Santa Maria delle Grazia, Milan

Ceci n'est pas si clairement visible sur la reproduction, mais la composition de la peinture parle d'elle-même (cristaux bleus d'acétate de cuivre).

Découvrez d'autres détails inhabituels de la peinture dans l'article

4. Mona Lisa. 1503-1519

Léonard de Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 . Wikimedia.commons.org

Dans le portrait, on voit Lisa Gherardini, l'épouse d'un marchand de soie florentin. Cette version est officielle, mais douteuse.

Une curieuse description de ce portrait nous est parvenue. Elle a été laissée par l'élève de Léonard, Francesco Melzi. Et la dame du Louvre ne correspond pas du tout à cette description. J'en ai parlé en détail dans l'article .

Aujourd’hui, une autre version de l’identité de la femme est envisagée. Il s'agit peut-être d'un portrait de la maîtresse florentine de Giuliano de Médicis. Elle lui a donné un fils. Et peu de temps après avoir accouché, elle est décédée.

Giuliano a commandé un portrait à Léonard spécialement pour le garçon. A l'image de la mère idéale Madonna. Leonardo a peint le portrait selon les mots du client. En y mélangeant les traits de son élève Salai.

C'est pourquoi la Dame florentine ressemble tant à « Jean-Baptiste » (voir photo suivante). Pour lequel le même Salai a posé.

Dans ce portrait, la méthode sfumato se révèle au maximum. Une brume à peine perceptible, ombrageant les traits, rend la Joconde presque vivante. On dirait que ses lèvres sont sur le point de s'ouvrir. Elle va soupirer. La poitrine va se soulever.

Le portrait n'a jamais été remis au client. Depuis la mort de Giuliano en 1516. Léonard l'emporta en France, où le roi François Ier l'invita et il continua à y travailler jusqu'à son dernier jour. Pourquoi cela a-t-il pris si longtemps ?

Léonard percevait le temps de manière complètement différente. Il a été le premier à affirmer que la Terre est beaucoup plus ancienne qu’on ne le pense généralement. Il ne croyait pas qu'il avait apporté des obus dans les montagnes déluge biblique. Réalisant qu'à la place des montagnes, il y avait autrefois une mer.

Par conséquent, il était courant pour lui de peindre un tableau pendant des décennies. Qu'est-ce que 15-20 ans par rapport à l'âge de la Terre !

5. Jean-Baptiste. 1514-1516

Léonard de Vinci. Saint Jean-Baptiste. 1513-1516 Persienne, Paris. wga.hu

« Jean-Baptiste » a semé la perplexité parmi les contemporains de Léonard. Fond sombre et terne. Même Léonard lui-même aimait placer des personnages sur fond de nature.

La figure d'un saint émerge des ténèbres. Mais il est difficile de le qualifier de saint. Tout le monde s'est habitué au vieux John. Et puis le joli jeune homme inclina la tête de manière significative. Un léger contact d'une main sur la poitrine. Des boucles de cheveux bien coiffées.

La dernière chose à laquelle on pense est la sainteté quand on regarde cet homme efféminé à la peau de léopard.

Ne pensez-vous pas que ce tableau ne semble pas du tout à sa place ? Cela ressemble plus au 17ème siècle. Les manières du héros. Gestes théâtraux. Contraste d'ombre et de lumière. Tout cela vient de l’époque baroque.

Leonardo a-t-il regardé vers l'avenir ? Prédire le style et la manière de peindre du siècle prochain.

Qui était Léonard ? La plupart le connaissent comme artiste. Mais son génie ne se limite pas à cette vocation.

Après tout, il fut le premier à expliquer pourquoi le ciel est bleu. Il croyait en l’unité de toute vie dans le monde. Anticipant les théoriciens de la physique quantique avec leur « effet papillon ». Il a réalisé un phénomène tel que la turbulence. 400 ans avant son ouverture officielle.

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L’histoire de l’humanité, en fait, ne connaît pas beaucoup de génies qui, dans chacune de leurs actions, étaient en avance sur telle ou telle époque. Une partie de ce qu'ils ont créé s'est solidement ancrée dans la vie des contemporains, mais une partie est restée sur des dessins et des manuscrits : le maître regardait trop loin. Cette dernière peut être pleinement appliquée à Léonard de Vinci, un brillant artiste, scientifique, mathématicien, ingénieur, inventeur, architecte, sculpteur, philosophe et écrivain - homme vrai Renaissance. Il n’y a peut-être aucun domaine dans l’histoire du savoir médiéval qui ne serait pas abordé. Grand maîtreÉclaircissement.

Le champ de son activité couvre non seulement l'espace (Italie-France), mais aussi le temps. N’est-il pas surprenant que les peintures de Léonard de Vinci suscitent aujourd’hui le même débat passionné et la même admiration qu’au cours des années de sa vie ? Une telle « formule d’immortalité » peut à juste titre être considérée la plus grande découverte dans l'histoire. Quels sont ses composants ? Presque tout le monde sur la planète aimerait avoir une réponse à cette question. Certains ont même décidé qu'il valait mieux interroger Léonard lui-même à ce sujet, « ressuscitant » le maître avec l'aide des développements scientifiques modernes. Pourtant, les principales composantes de la « formule » sont visibles à l’œil nu : un génie potentiel, doublé d’une incroyable curiosité et d’une grande part d’humanisme. Et pourtant, tout génie est un rêveur-praticien. Jugez par vous-même, toute l’œuvre de Léonard de Vinci (nous incluons ici non seulement les croquis, les peintures, les fresques, mais aussi toutes les recherches scientifiques du Maître) peut être imaginée comme des étapes vers la réalisation des longs rêves de perfection de l’humanité. Vouliez-vous qu’une personne vole comme un oiseau ? Nous devons donc lui fabriquer quelque chose comme des ailes ! Le Christ a marché sur l’eau, alors pourquoi les simples mortels n’auraient-ils pas la même opportunité ? Construisons des skis nautiques !

Toute la vie et l'œuvre de Léonard de Vinci ont été remplies de tentatives pour répondre à de nombreuses questions sur les lois de l'univers, révéler les secrets de l'existence et les mettre au service de l'humanité. Après tout, n'oubliez pas qu'un homme de la Renaissance est avant tout un grand humaniste.

La biographie de Léonard de Vinci est, au sens figuré, l'histoire de plusieurs âmes piégées dans le corps d'une seule personne. En effet, dans chacun des domaines étudiés, il fait preuve de qualités très particulières qui, dans la compréhension des gens ordinaires, peuvent difficilement appartenir à une seule personne. C'est peut-être pour cela que certains ont tenté de prouver que Léonard de Vinci n'était qu'un pseudonyme pris par un groupe de personnes. Cependant, cette théorie était vouée à l’échec presque avant sa naissance.

Aujourd'hui, Da Vinci nous est davantage connu comme un artiste inégalé. Malheureusement, pas plus de 15 de ses œuvres nous sont parvenues, tandis que les autres soit n'ont tout simplement pas résisté à l'épreuve du temps en raison des expérimentations constantes du maître avec les techniques et les matériaux, soit sont considérées comme introuvables. Cependant, les œuvres qui nous sont parvenues restent les chefs-d’œuvre de l’art les plus célèbres et les plus copiés au monde.

Biographie de Léonard de Vinci

Le bébé, baptisé par la suite sous le nom de Léonard, est né, comme l'indique le livre paroissial, « le samedi 15 avril 1452 de la Nativité du Christ » de la liaison extraconjugale de la paysanne Catherine et du notaire, ambassadeur de la République florentine, Messire Piero Fruosino di Antonio da Vinci, descendant d'une famille italienne riche et respectée. Le père, qui n'avait pas d'autres héritiers à cette époque, souhaitait accueillir son fils chez lui et lui donner une bonne éducation. Tout ce que l'on sait avec certitude sur la mère, c'est qu'elle a officiellement épousé un homme issu d'une famille paysanne et lui a donné 7 autres enfants. À propos, le père de Léonard s'est également marié quatre fois par la suite et a présenté à son premier-né (dont il n'a d'ailleurs jamais fait son héritier officiel) dix autres frères et deux sœurs.

Tous autre biographie De Vinci est étroitement lié à son œuvre ; les événements de la vie du maître et les personnes qu’il a rencontrées ont naturellement laissé des traces sur l’évolution de sa vision du monde. Ainsi, une rencontre avec Andrea Verrocchio détermine le début de son parcours artistique. À l'âge de 16 ans, Léonard devient élève dans l'atelier du célèbre maître Verrocchio. C'est dans l'atelier de Verrocchio que Léonard a l'occasion de s'exprimer en tant qu'artiste : le professeur lui permet de peindre le visage d'un ange pour le célèbre « Baptême du Christ ».

À l'âge de 20 ans, de Vinci devient membre de la Société Saint-Pierre. Luke, guilde d'artistes, travaillant encore dans l'atelier de Verokkil jusqu'en 1476. Une de ses premières œuvres date de la même époque. travail indépendant"Madone à l'Oeillet" Dix ans plus tard, Léonard fut invité à Milan, où il resta travailler jusqu'en 1501. Ici, les talents de Léonard sont largement utilisés non seulement en tant qu'artiste, mais aussi en tant que sculpteur, décorateur, organisateur de toutes sortes de mascarades et de tournois et homme qui a créé d'étonnants appareils mécaniques. Deux ans plus tard, le maître retourne dans sa Florence natale, où il peint sa légendaire fresque « La Bataille d'Angiani ».

Comme la plupart des maîtres de la Renaissance, de Vinci a beaucoup voyagé, laissant un souvenir de lui dans chaque ville visitée. Vers la fin de sa vie, il devient « le premier artiste, ingénieur et architecte royal » sous François Ier, travaillant à la structure architecturale du château de Cloux. Cependant, cette œuvre reste inachevée : de Vinci meurt en 1519, à l'âge de 67 ans. De nos jours, dans le château de Cloux, du plan initialement conçu par le grand Léonard, il ne reste qu'un double escalier en colimaçon, tandis que le reste de l'architecture du château a été refait à plusieurs reprises par les dynasties ultérieures des rois de France.

Les œuvres de Léonard de Vinci

Malgré de nombreux Recherche scientifique Léonard, sa gloire en tant que scientifique et inventeur s'efface quelque peu devant la gloire de Léonard l'artiste, dont les quelques œuvres survivantes fascinent et excitent l'esprit et l'imagination de l'humanité depuis près de 400 ans. C’est dans le domaine de la peinture que de nombreuses œuvres de Vinci consacrées à la nature de la lumière, à la chimie, à la biologie, à la physiologie et à l’anatomie ont trouvé leur application.

Ses peintures restent les œuvres d'art les plus mystérieuses. Ils sont copiés à la recherche du secret d'une telle maîtrise, ils sont discutés et argumentés par des générations entières d'amateurs d'art, de critiques et même d'écrivains. Léonard considérait la peinture comme une branche des sciences appliquées. Parmi les nombreux facteurs qui rendent les œuvres de De Vinci uniques, l'un des principaux sont les techniques et expériences innovantes utilisées par le maître dans ses œuvres, ainsi que la connaissance approfondie de l'anatomie, de la botanique, de la géologie, de l'optique et même de l'âme humaine. En regardant les portraits qu'il a réalisés, on voit vraiment non seulement un artiste, mais un observateur attentif, un psychologue qui a su comprendre l'expression physique de la composante émotionnelle. personnalité humaine. Da Vinci a non seulement réussi à comprendre cela lui-même, mais il a également trouvé des techniques qui lui ont permis de transférer ces connaissances sur toile avec une précision photographique. Maître inégalable du sfumato et du clair-obscur, Léonard de Vinci a mis toute la puissance de son savoir au service le plus oeuvres célébres- « Mona Lisa » et « La Cène ».

Léonard croyait que meilleur personnage car l’image sur toile est la personne dont les mouvements du corps correspondent le plus aux mouvements de son âme. Cette croyance peut être considérée comme le credo créatif de Léonard de Vinci. Dans ses œuvres, cela s'incarne dans le fait que dans toute sa vie, il n'a peint qu'un seul portrait d'homme, préférant les femmes comme modèles, comme individus plus émotifs.

Première période de créativité

La périodisation de la biographie créative de Léonard de Vinci est plutôt arbitraire : certaines de ses œuvres ne sont pas datées et la chronologie de la vie du maître n'est pas non plus toujours exacte. Le tout début du parcours créatif de De Vinci peut être considéré comme le jour où son père, Ser Piero, montra quelques croquis de son fils de 14 ans à son ami Andrea del Verrocchio.

Après une année, pendant laquelle on faisait confiance à Leonardo uniquement pour nettoyer les toiles, frotter les peintures et faire d'autres choses travail préparatoire, Verrocchio commence à initier son élève aux techniques traditionnelles de la peinture, de la gravure, de l'architecture et de la sculpture. Ici, Léonard a acquis des connaissances sur les bases de la chimie, de la métallurgie, maîtrisé le travail du bois et même les débuts de la mécanique. C'est à lui seul, son meilleur élève, que Verrocchio confie l'achèvement de son œuvre. Pendant cette période, Leonardo ne crée pas propres œuvres, mais absorbe avidement tout ce qui touche au métier qu'il a choisi. Avec son professeur, il travaille sur Le Baptême du Christ (1472-1475). Le jeu d'ombre et de lumière, les traits du visage du petit ange, que de Vinci fut chargé de peindre, étonnèrent tellement Verrocchio qu'il se considéra dépassé par son propre élève et décida de ne plus jamais reprendre le pinceau. On pense également que Léonard est devenu le modèle de la sculpture en bronze de David et de l'image de l'archange Michel.

En 1472, Léonard fut inclus dans le « Livre rouge » de la Guilde de Saint-Pétersbourg. Luca est le célèbre syndicat des artistes et médecins de Florence. Dans le même temps, apparaissent les premières œuvres notables de Léonard de Vinci, qui lui valent la renommée : le croquis à l'encre « Paysage de Santa Maria della Neve » et « L'Annonciation ». Il améliore la technique du sfumato, l'amenant à une perfection sans précédent. Désormais, une légère brume - sfumato - n'est pas seulement une fine couche de peinture floue, mais un très léger voile de brouillard vivant. Malgré le fait qu'en 1476. De Vinci ouvre son propre atelier et reçoit ses propres commandes, il travaille toujours en étroite collaboration avec Verrocchio, traitant son professeur avec un profond respect et respect. La Madone à l'Œillet, l'une des plus belles travaux importants da Vinci.

Période de maturité de la créativité

À l'âge de 26 ans, Da Vinci entame une carrière totalement indépendante et entame également davantage étude détaillée divers aspects des sciences naturelles et devient lui-même enseignant. Durant cette période, avant même son départ pour Milan, Léonard commença à travailler sur « L'Adoration des Mages », qu'il n'acheva jamais. Il est fort possible qu'il s'agisse d'une sorte de vengeance de la part de De Vinci du fait que le pape Sixte IV a rejeté sa candidature lors du choix d'un artiste pour peindre la chapelle Sixtine du Vatican à Rome. Peut-être que la mode du néoplatonisme qui régnait à Florence à cette époque a également joué un rôle dans la décision de De Vinci de partir pour Milan, plutôt académique et pragmatique, ce qui correspondait davantage à son esprit. A Milan, Léonard se charge de la création de la « Madone à la Grotte » pour l'autel de la chapelle. Cette œuvre montre clairement que Léonard de Vinci possède déjà des connaissances dans le domaine de la biologie et de la géodésie, puisque les plantes et la grotte elle-même sont représentées avec un maximum de réalisme. Toutes les proportions et lois de composition sont respectées. Cependant, malgré des performances aussi étonnantes, ce tableau est devenu un sujet de discorde entre l'auteur et ses clients pendant de nombreuses années. Da Vinci a consacré les années de cette période à enregistrer ses pensées, ses dessins et ses recherches plus approfondies. Il est fort possible qu'un certain musicien, Migliorotti, ait été impliqué dans son départ pour Milan. Juste une lettre de cet homme, qui décrivait des œuvres étonnantes la pensée technique du « senior, qui dessine aussi », a suffi à da Vinci pour recevoir une invitation à travailler sous les auspices de Louis Sforza, loin des rivaux et des méchants. Ici, il bénéficie d'une certaine liberté de créativité et de recherche. Elle organise également des spectacles et des célébrations et fournit l'équipement technique pour la scène du théâtre de cour. Léonard peint également de nombreux portraits pour la cour milanaise.

Période tardive de créativité

C'est à cette époque que de Vinci réfléchit davantage aux projets militaro-techniques, étudia l'urbanisme et proposa son propre modèle de ville idéale.
De plus, alors qu'il séjourne dans l'un des monastères, il reçoit une commande pour un croquis de l'image de la Vierge Marie avec l'enfant Jésus, Saint-Pierre. Anna et Jean-Baptiste. L'œuvre s'est avérée si impressionnante que le spectateur s'est senti présent à l'événement décrit, faisant partie de l'image.

En 1504, de nombreux étudiants qui se considéraient comme des disciples de Léonard de Vinci quittèrent Florence, où il séjourna pour mettre de l'ordre dans ses nombreuses notes et dessins, et s'installèrent avec leur professeur à Milan. De 1503 à 1506 Leonardo commence à travailler sur La Gioconda. Le modèle choisi est Mona Lisa del Giocondo, née Lisa Maria Gherardini. De nombreuses options de tracé peinture célèbre ne laissent toujours pas indifférents les artistes et les critiques.

En 1513 Léonard de Vinci s'installe quelque temps à Rome à l'invitation du pape Léon X, ou plutôt au Vatican, où travaillaient déjà Raphaël et Michel-Ange. Un an plus tard, Léonard commence la série « Plus tard », qui est une sorte de réponse à la version proposée par Michel-Ange dans Chapelle Sixtine. Le maître n'oublie pas non plus sa passion pour l'ingénierie, travaillant sur le problème du drainage des marécages sur le territoire des possessions du duc Julien de Médicis.

L'un des projets architecturaux les plus ambitieux de cette période fut pour de Vinci le château de Cloux à Amboise, où le maître fut invité à travailler par le roi de France François Ier lui-même. Au fil du temps, leur relation est devenue bien plus étroite qu'une simple relation commerciale. . François écoute souvent l'opinion du grand scientifique, le traite comme un père et vit difficilement la mort de De Vinci en 1519. Léonard décède au printemps des suites d'une grave maladie à l'âge de 67 ans, léguant ses manuscrits et ses pinceaux à son élève Francesco Melzi.

Inventions de Léonard de Vinci

Cela peut paraître incroyable, mais certaines inventions ont été réalisées à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. en fait, ils étaient déjà décrits dans les œuvres de Léonard de Vinci, comme certaines choses qui nous sont familières. Il semble que ce que le maître ne mentionnerait pas dans ses manuscrits n’existe pas du tout. Il y a même un réveil qui y est décrit ! Bien sûr, sa conception est sensiblement différente de ce que nous voyons aujourd'hui, cependant, l'invention mérite l'attention ne serait-ce qu'en raison de sa conception : des balances dont les bols sont remplis de liquide. En se déversant d'un bol à l'autre, l'eau active un mécanisme qui pousse ou soulève les jambes d'une personne assoupie. Difficile de ne pas se réveiller dans de telles conditions !

Cependant, le véritable génie de l'ingénieur Léonard se manifeste dans ses innovations mécaniques et architecturales. Il réussit à donner vie presque entièrement à cette dernière (à l'exception du projet de ville idéale). Mais en ce qui concerne la mécanique, l'application n'a pas été immédiatement trouvée. On sait que Léonard de Vinci se préparait à tester lui-même sa machine volante, mais celle-ci n'a jamais été construite, malgré le plan détaillé rédigé sur papier. Et le vélo, créé par un maître à partir du bois, est également entré en service plusieurs siècles plus tard, tout comme un chariot mécanique automoteur entraîné par deux leviers. Cependant, le principe même de fonctionnement du chariot a été utilisé pour améliorer le métier à tisser du vivant de Léonard de Vinci.
Reconnu de son vivant comme un génie de la peinture, Léonard de Vinci a rêvé toute sa vie d'une carrière d'ingénieur militaire, c'est pourquoi une place particulière dans ses activités a été accordée à l'étude des fortifications, des véhicules militaires et des structures défensives. C'est donc lui qui a développé d'excellentes méthodes pour repousser les attaques turques à Venise et a même créé une sorte de combinaison spatiale protectrice. Mais comme les Turcs n’ont jamais attaqué, l’invention n’a pas été testée en action. De la même manière, seul un véhicule de combat ressemblant à un char est resté dans les dessins.

En général, contrairement aux œuvres de peinture, les manuscrits et les dessins de Léonard ont survécu jusqu’à nos jours en toute sécurité et continuent d’être étudiés aujourd’hui. Certains dessins ont même été utilisés pour recréer des machines qui n’étaient pas destinées à apparaître du vivant de Léonard de Vinci.

Peinture de Léonard de Vinci

La plupart des œuvres de De Vinci n'ont pas survécu jusqu'à nos jours en raison des expérimentations constantes du maître non seulement avec les techniques de peinture, mais aussi avec les outils : peintures, toiles, apprêts. À la suite de telles expériences, la composition des peintures de certaines fresques et toiles n’a pas résisté à l’épreuve du temps, de la lumière et de l’humidité.

Dans le manuscrit dédié à beaux-Arts Da Vinci, fondamentalement, ne se concentre pas tant sur la technique d'écriture, mais sur une présentation détaillée des innovations qu'il a inventées, qui ont d'ailleurs eu un impact énorme sur le développement ultérieur de l'art. Tout d'abord, voici quelques conseils pratiques concernant la préparation des instruments. Ainsi, Leonardo conseille de recouvrir la toile d'une fine couche de colle, au lieu du mélange d'apprêt blanc utilisé auparavant. Une image appliquée sur une toile ainsi préparée est bien mieux fixée que sur le sol, surtout si elle est peinte à la détrempe, très répandue à cette époque. L'huile est entrée en vigueur un peu plus tard et de Vinci a préféré l'utiliser spécifiquement pour écrire sur une toile apprêtée.

En outre, l’une des caractéristiques du style de peinture de Léonard de Vinci est une esquisse préliminaire de la peinture prévue dans des tons sombres (bruns) transparents ; ces mêmes tons ont également été utilisés comme couche supérieure et finale de l’ensemble de l’œuvre. Dans les deux cas, l’œuvre achevée a pris une teinte sombre. Il est fort possible qu'avec le temps, les couleurs se soient assombries encore plus précisément à cause de cette caractéristique.

La plupart des travaux théoriques de Léonard sont consacrés à l'image émotions humaines. Il parle beaucoup de la manière d'exprimer ses sentiments et cite ses propres recherches. Il existe même un cas connu où Leonardo a décidé de tester expérimentalement ses suppositions sur la façon dont les muscles du visage bougent pendant le rire et les pleurs. Après avoir invité un groupe d'amis à dîner, il commença à raconter des histoires amusantes, faisant rire ses invités, tandis que de Vinci surveillait attentivement le mouvement des muscles et les expressions faciales. Possédant une mémoire unique, il a transféré ce qu'il a vu dans les croquis avec une telle précision que, selon des témoins oculaires, les gens avaient envie de rire avec les portraits.

Mona Lisa.

« Mona Lisa » alias « La Gioconda », le nom complet est un portrait de Madame Lisa del Giocondo, peut-être la plus œuvre célèbre peinture dans le monde. Léonard a peint le célèbre portrait de 1503 à 1506, mais même pendant cette période, le portrait n'était pas complètement achevé. Da Vinci ne voulait pas se séparer de son œuvre, le client ne l'a donc jamais reçu, mais il a accompagné le maître dans tous ses voyages jusqu'au tout dernier jour. Après la mort de l'artiste, le portrait fut transporté au château de Fontainebleau.

Gioconda est devenue la plus image mystique de toutes les époques. Il devient l'objet de recherches sur la technique artistique des maîtres du XVe siècle. À l’époque romantique, artistes et critiques admiraient son mystère. D'ailleurs, c'est aux figures de cette époque que l'on doit une si magnifique aura de mystère accompagnant la Joconde. L'ère du romantisme dans l'art ne pouvait tout simplement pas se passer de l'environnement mystique inhérent à tous les maîtres brillants et à leurs œuvres.

L'intrigue du film est aujourd'hui connue de tous : une femme mystérieusement souriante en arrière-plan paysage de montagne. Cependant, de nombreuses études révèlent de plus en plus de détails qui n’étaient pas remarqués auparavant. Ainsi, en y regardant de plus près, il est clair que la dame du portrait est habillée conformément à la mode de son époque, avec un voile sombre et transparent drapé sur sa tête. Il semblerait qu'il n'y ait rien de spécial à cela.

Le respect de la mode ne peut que signifier que la femme n'appartient pas à la famille la plus pauvre. Mais réalisé en 2006. Des scientifiques canadiens, une analyse plus détaillée à l'aide d'un équipement laser moderne, ont montré que ce voile enveloppe en fait tout le corps du modèle. C'est ce matériau très fin qui crée l'effet de brouillard, auparavant attribué au célèbre sfumato de Léonard de Vinci. On sait que des voiles similaires, enveloppant tout le corps, et pas seulement la tête, étaient portés par les femmes enceintes. Il est fort possible que ce soit précisément cet état qui se reflète dans le sourire de Mona Lisa : la paix et la tranquillité de la future maman. Même ses mains sont disposées de telle manière, comme si elles étaient prêtes à bercer un bébé. D’ailleurs, le nom même de « La Gioconda » a aussi une double signification. D'une part, il s'agit d'une variante phonétique du nom de famille Giocondo, auquel appartenait le modèle elle-même. En revanche, ce mot est similaire à l'italien « giocondo », c'est-à-dire bonheur, paix. Cela n'explique-t-il pas la profondeur du regard, le doux demi-sourire et toute l'atmosphère du tableau où règne le crépuscule ? Tout à fait possible. Ce n'est pas seulement le portrait d'une femme. C'est une représentation de l'idée même de paix et de sérénité. C'est peut-être précisément pour cela qu'elle était si chère à l'auteur.

Aujourd'hui, le tableau de Mona Lisa se trouve au Louvre et appartient au style Renaissance. Les dimensions du tableau sont de 77 cm x 53 cm.

« La Cène » est une fresque réalisée par Léonard de Vinci en 1494-1498. pour le monastère dominicain de Santa Maria delle Gresi, Milan. La fresque représente la scène biblique de la dernière soirée passée par Jésus de Nazareth, entouré de ses douze disciples.

Dans cette fresque, de Vinci a tenté d'incarner toutes ses connaissances sur les lois de la perspective. La salle dans laquelle sont assis Jésus et les apôtres est peinte avec une précision exceptionnelle en termes de proportions et de distance des objets. L’arrière-plan de la pièce, cependant, est si clairement visible qu’il s’agit presque d’une deuxième image plutôt que d’un simple arrière-plan.

Naturellement, le centre de toute l’œuvre est le Christ lui-même, et c’est par rapport à sa figure que le reste de la composition de la fresque est prévu. La disposition des élèves (4 groupes de trois personnes) est symétrique par rapport au centre - l'Enseignant, mais pas entre eux, ce qui crée un sentiment de mouvement vivant, mais en même temps une certaine aura de solitude autour du Christ se fait sentir. Une aura de connaissances qui n’est pas encore disponible pour ses disciples. Étant le centre de la fresque, la figure autour de laquelle le monde entier semble tourner, Jésus reste encore seul : toutes les autres figures semblent séparées de lui. L'ensemble de l'œuvre est enfermé dans un cadre rectiligne strict, limité par les murs et le plafond de la pièce, ainsi que par la table à laquelle sont assis les participants à la Cène. Si, pour plus de clarté, nous traçons des lignes le long des points qui sont directement liés à la perspective de la fresque, nous obtiendrons une grille géométrique presque idéale, dont les « fils » sont alignés à angle droit les uns par rapport aux autres. Une précision aussi limitée ne se retrouve dans aucune autre œuvre de Léonard.

Dans l’abbaye de Tongerlo, en Belgique, est conservée une copie étonnamment précise de la « Cène », réalisée par des maîtres de l’école de Léonard selon ses dires. propre initiative, car l'artiste craignait que la fresque du monastère de Milan ne résiste pas à l'épreuve du temps. C'est cette copie que les restaurateurs ont utilisée pour recréer l'original.

Le tableau est situé à Santa Maria delle Grazie et mesure 4,6 mx 8,8 m.

Homme de Vitruve

« L'Homme de Vitruve » est le nom commun de dessin graphique de Vinci, réalisé en 1492. comme illustration pour les entrées dans l'un des journaux. Le dessin représente un personnage masculin nu. À proprement parler, il s'agit même de deux images d'une même figure superposées, mais en différentes poses. Un cercle et un carré sont décrits autour de la figure. Le manuscrit contenant ce dessin est parfois aussi appelé « Canon des proportions » ou simplement « Proportions de l'homme ». Aujourd'hui, cette œuvre est conservée dans l'un des musées de Venise, mais est extrêmement rarement exposée, car cette exposition est vraiment unique et précieuse à la fois en tant qu'œuvre d'art et en tant que sujet de recherche.

Léonard a créé son « Homme de Vitruve » pour illustrer les études géométriques qu’il a réalisées sur la base du traité de l’ancien architecte romain Vitruve (d’où le nom de l’œuvre de Léonard de Vinci). Dans le traité du philosophe et chercheur, les proportions corps humain ont été pris comme base pour toutes les proportions architecturales. Da Vinci a appliqué les recherches de l'architecte romain antique à la peinture, ce qui illustre une fois de plus clairement le principe de l'unité de l'art et de la science mis en avant par Léonard. En plus, ce travail Cela reflète également la tentative du maître de relier l’homme à la nature. On sait que Léonard de Vinci considérait le corps humain comme le reflet de l'univers, c'est-à-dire était convaincu qu'il fonctionnait selon les mêmes lois. L’auteur lui-même considérait l’Homme de Vitruve comme une « cosmographie du microcosme ». Dans ce dessin se cache une dimension tout aussi profonde signification symbolique. Le carré et le cercle dans lesquels s’inscrit le corps ne reflètent pas simplement des caractéristiques physiques et proportionnelles. Le carré peut être interprété comme l'existence matérielle d'une personne, et le cercle représente sa base spirituelle et les points de contact formes géométriques entre eux et avec le corps, insérés en eux, peut être considéré comme un lien entre ces deux fondements de l'existence humaine. Pendant de nombreux siècles, ce dessin a été considéré comme un symbole de la symétrie idéale du corps humain et de l’univers dans son ensemble.

Le dessin a été réalisé à l'encre. Dimensions du tableau : 34 cm x 26 cm Genre : Art abstrait. Direction : Haute Renaissance.

Le sort des manuscrits.

Après la mort de De Vinci en 1519. tous les manuscrits du grand scientifique et peintre ont été hérités par l’élève préféré de Léonard, Francesco Melzi. Heureusement, la plupart des dessins et des notes laissés par Léonard de Vinci, réalisés selon sa célèbre méthode d'écriture en miroir, ont survécu jusqu'à ce jour, c'est-à-dire de droite à gauche. Léonard a sans aucun doute laissé derrière lui la plus grande collection d'œuvres de la Renaissance, mais après sa mort, aucun manuscrit n'était attendu. destin facile. Il est même surprenant qu’après tant de hauts et de bas, les manuscrits aient survécu jusqu’à ce jour.
Aujourd’hui, les travaux scientifiques de Léonard sont loin de la même forme que leur a donnée le Maître, qui les a regroupés avec un soin particulier selon les principes qu’il connaissait. Après la mort de Malzi, l'héritier et gardien des manuscrits, ses descendants ont commencé à dilapider sans pitié l'héritage du grand scientifique, apparemment sans même connaître sa véritable valeur. Au début, les manuscrits étaient simplement stockés dans le grenier ; plus tard, la famille Malze a donné une partie des manuscrits et a vendu des feuilles individuelles à des collectionneurs à un prix ridicule. Ainsi, tous les disques de Léonard ont trouvé de nouveaux propriétaires. Heureusement qu’aucune feuille n’a été perdue !

Cependant, le pouvoir du mauvais sort ne s’arrête pas là. Les manuscrits sont parvenus à Pompeo Leoni, le sculpteur de la maison royale espagnole. Non, elles n'étaient pas perdues, tout s'est avéré bien pire : Leoni s'est engagé à « mettre en ordre » les nombreuses notes de Da Vinci, basées bien entendu sur ses propres principes de classification, et a complètement mélangé toutes les pages, les séparant, où possibles, des textes issus de croquis, mais purement scientifiques, selon lui, des traités issus de notes directement liées à la peinture. Ainsi, deux collections de manuscrits et de dessins sont apparues. Après la mort de Leoni, une partie de la collection retourna en Italie et ce jusqu'en 1796. conservé à la bibliothèque de Milan. Certaines œuvres sont arrivées à Paris grâce à Napoléon, mais le reste a été « perdu » parmi les collectionneurs espagnols et n'a été découvert qu'en 1966 dans les archives de la Bibliothèque nationale de Madrid.

À ce jour, tous les manuscrits connus de Léonard de Vinci ont été rassemblés et presque tous sont en musées d'État pays d'Europe, à l'exception d'un seul, restant miraculeusement encore dans collection privée. Du milieu du 19ème siècle. Les chercheurs en art travaillent à restaurer la classification originale des manuscrits.

Conclusion.

Selon les dernières volontés de De Vinci, soixante mendiants accompagnaient son cortège funéraire. Le grand maître de la Renaissance fut enterré dans la chapelle Saint-Hubert, à proximité du château d'Amboise.
Da Vinci est resté seul toute sa vie. N'ayant ni femme, ni enfants, ni même son propre foyer, il se consacre entièrement à la recherche scientifique et à l'art. Le sort des génies est tel que de leur vivant et après leur mort, leurs œuvres, dans chacune desquelles une parcelle d'âme a été investie, restent la seule « famille » de leur créateur. Cela s'est produit dans le cas de Leonardo. Cependant, tout ce qu'a fait cet homme, qui a réussi à comprendre pleinement et à incarner l'esprit de la Renaissance dans ses créations, est aujourd'hui devenu la propriété de toute l'humanité. Le destin lui-même a tout arrangé de telle manière que, sans avoir propre famille, Léonard de Vinci a légué un immense héritage à toute l'humanité. De plus, cela inclut non seulement des enregistrements uniques et des œuvres étonnantes, mais aussi le mystère qui les entoure aujourd'hui. Il n'y a pas eu un seul siècle où l'on n'a pas essayé de démêler l'un ou l'autre plan de Léonard de Vinci, pour rechercher ce qui était considéré comme perdu. Même dans notre siècle, où de nombreuses choses jusque-là inconnues sont devenues monnaie courante, les manuscrits, dessins et peintures du grand Léonard ne laissent pas indifférents les visiteurs des musées, les critiques d'art ou même les écrivains. Ils constituent toujours une source d’inspiration inépuisable. N'est-ce pas là le véritable secret de l'immortalité ?

Homme de Vitruve

Madone Benoît

Madone Litta

Certaines tendances de l'art de la Haute Renaissance étaient anticipées dans le travail d'artistes marquants du XVe siècle et s'exprimaient dans le désir de grandeur, de monumentalisation et de généralisation de l'image. Cependant, le véritable fondateur du style de la Haute Renaissance fut Léonard de Vinci, un génie dont l'œuvre marqua un changement qualitatif grandiose dans l'art. L'importance de l'ensemble de ses activités, scientifiques et artistiques, n'est devenue claire qu'en examinant les manuscrits dispersés de Léonard. Ses notes et dessins contiennent des idées brillantes dans divers domaines scientifiques et technologiques. Il était, comme le disait Engels, « non seulement un grand peintre, mais aussi un grand mathématicien, mécanicien et ingénieur, à qui les branches les plus diverses de la physique doivent d’importantes découvertes ».

Art pour artiste italienétait un moyen de comprendre le monde. Beaucoup de ses croquis servent à illustrer des travaux scientifiques, et en même temps ce sont des œuvres art de haute qualité. Léonard incarnait un nouveau type d'artiste - un scientifique, un penseur, frappant par l'étendue de ses vues et la polyvalence de son talent. Léonard est né dans le village d'Anchiano, près de la ville de Vinci. Il était le fils illégitime d'un notaire et d'une simple paysanne. Il étudie à Florence, dans l'atelier du sculpteur et peintre Andrea Verrocchio. L'une des premières œuvres jeune artiste– la figure d’un ange dans le tableau « Le Baptême » de Verrocchio (Florence, Galerie des Offices) – se démarque parmi les personnages figés par sa spiritualité subtile et témoigne de la maturité de son créateur.

Parmi les premières œuvres de Léonard se trouve la « Madone à la fleur » (dite « Madone Benois », vers 1478), conservée à l’Ermitage, qui est résolument différente des nombreuses Madones du XVe siècle. Refusant le genre et le souci du détail inhérents aux œuvres des premiers maîtres de la Renaissance, Léonard approfondit les caractéristiques et généralise les formes. Les figures d'une jeune mère et de son bébé, subtilement modelées par la lumière latérale, remplissent presque tout l'espace du tableau. Les mouvements des personnages, organiquement liés les uns aux autres, sont naturels et plastiques. Ils se détachent clairement sur le fond sombre du mur. La fenêtre qui s'ouvre est propre ciel bleu relie les personnages à la nature, au vaste monde dominé par l'homme. Dans la construction équilibrée de la composition, un motif interne se fait sentir. Mais cela n’exclut pas la chaleur, le charme naïf observé dans la vie.

Madone avec les enfants Christ et Jean
Baptiste, vers 1490, collection particulière

Sauveur du monde
vers 1500, collection privée

En 1480, Léonard possédait déjà son propre atelier et recevait des commandes. Cependant, sa passion pour la science le détournait souvent de ses études artistiques. Les grandes compositions d'autel « Adoration des Mages » (Florence, Galerie des Offices) et « Saint Jérôme » (Rome, Pinacothèque du Vatican) sont restées inachevées. Dans la première, l’artiste cherchait à transformer la composition monumentale complexe de l’image de l’autel en un groupe en forme de pyramide facilement visible, pour transmettre la profondeur des sentiments humains. Dans le second cas, il s'agit d'une représentation fidèle des angles complexes du corps humain, de l'espace du paysage. Ne trouvant pas la juste appréciation de son talent à la cour de Laurent de Médicis, avec son culte de la sophistication exquise, Léonard entra au service du duc de Milan, Lodovico Moro. La période milanaise de l'œuvre de Léonard (1482-1499) s'est avérée la plus fructueuse. Ici, la polyvalence de son talent de scientifique, d'inventeur et d'artiste s'est révélée pleinement.

Il a commencé son activité avec l'exécution d'un monument sculptural - une statue équestre du père du duc Ludovico Moro, Francesco Sforza. La grande maquette du monument, unanimement saluée par les contemporains, fut détruite lors de la prise de Milan par les Français en 1499. Seuls des dessins ont survécu - des esquisses de différentes versions du monument, des images soit d'un cheval cabré, plein de dynamique, soit d'un cheval solennellement performant, rappelant solutions de composition Donatello et Verrocchio. Apparemment, cette dernière option a été transformée en modèle de statue. Il était nettement plus grand que les monuments de Gattamelata et Colleoni, ce qui a incité ses contemporains et Léonard lui-même à appeler le monument « le grand colosse ». Cette œuvre nous permet de considérer Léonard comme l'un des plus grands sculpteurs de cette époque.

Pas un seul projet architectural achevé de Léonard ne nous est parvenu. Et pourtant, ses dessins et conceptions de bâtiments, ses plans pour créer une ville idéale parlent de son don d'architecte hors du commun. La période milanaise comprend des peintures d'un style mature - "La Madone à la Grotte" et "La Cène". « La Vierge à la Grotte » (1483-1494, Paris, Louvre) est la première composition d'autel monumentale de la Haute Renaissance. Ses personnages Marie, Jean, le Christ et l'ange ont acquis des traits de grandeur, de spiritualité poétique et de plénitude d'expressivité de la vie. Unis par un esprit de réflexion et d'action - l'enfant Christ bénit Jean - dans un groupe pyramidal harmonieux, comme attisés par une légère brume de clair-obscur, les personnages de la légende évangélique semblent être l'incarnation images idéales un bonheur paisible.

(attribution à Carlo Pedretti), 1505,
Musée des anciens peuples de Lucanie,
Vallée de la Basilique, Italie

La plus importante des peintures monumentales de Léonard, « La Cène », exécutée entre 1495 et 1497 pour le monastère de Santa Maria della Grazie à Milan, vous emmène dans le monde des passions réelles et des sentiments dramatiques. S'écartant de l'interprétation traditionnelle de l'épisode évangélique, Léonard donne une solution innovante au thème, une composition qui révèle profondément les sentiments et les expériences humaines. Après avoir minimisé les contours du mobilier du réfectoire, réduisant délibérément la taille de la table et la poussant au premier plan, il concentre son attention sur le point culminant dramatique de l'événement, sur les caractéristiques contrastées de personnes de tempéraments différents, manifestation d'une gamme complexe de sentiments, exprimés tant dans les expressions faciales que dans les gestes, par lesquels les apôtres répondent aux paroles du Christ : « L’un de vous me trahira ». Un contraste décisif avec les apôtres est fourni par les images d'un Christ extérieurement calme, mais tristement pensif, situé au centre de la composition, et du traître Judas, appuyé sur le bord de la table, dont le profil rugueux et prédateur est immergé dans ombre. La confusion, soulignée par le geste de sa main serrant frénétiquement son portefeuille, et son aspect sombre le distinguent des autres apôtres, sur les visages illuminés dont on peut lire une expression de surprise, de compassion et d'indignation. Léonard ne sépare pas la figure de Judas des autres apôtres, comme le faisaient les maîtres du début de la Renaissance. Et pourtant, l'apparence repoussante de Judas révèle plus nettement et plus profondément l'idée de trahison. Les douze disciples du Christ sont répartis en groupes de trois, de chaque côté du professeur. Certains d’entre eux sautent de leur siège avec enthousiasme et se tournent vers le Christ. L'artiste subordonne les différents mouvements internes des apôtres à un ordre strict. La composition de la fresque surprend par son unité, son intégrité, elle est strictement équilibrée, centrée dans la construction. La monumentalisation des images et l'échelle du tableau contribuent à l'impression de la signification profonde de l'image, subordonnant tout le grand espace du réfectoire. Léonard résout avec brio le problème de la synthèse de la peinture et de l'architecture. En plaçant la table parallèlement au mur qu'orne la fresque, il affirme son plan. La réduction en perspective des parois latérales représentée sur la fresque semble se poursuivre espace réel réfectoire.

La fresque est gravement endommagée. Les expériences de Léonard utilisant de nouveaux matériaux n'ont pas résisté à l'épreuve du temps ; les enregistrements et restaurations ultérieurs ont presque caché l'original, qui n'a été effacé qu'en 1954. Mais les gravures et dessins préparatoires conservés permettent de préciser tous les détails de la composition.

Après la prise de Milan par les troupes françaises, Léonard a quitté la ville. Des années d'errance ont commencé. Commandé par la République florentine, il réalise du carton pour la fresque « Bataille d'Anghiari », qui devait décorer l'un des murs de la salle du Conseil de Palais Vecchio(bâtiment du gouvernement de la ville). Lors de la création de ce carton, Léonard est entré en concurrence avec le jeune Michel-Ange, qui exécutait une commande pour la fresque « La Bataille de Cascina » pour un autre mur de la même salle. Or, ces cartons, qui ont reçu reconnaissance universelle les contemporains n'ont pas survécu jusqu'à ce jour. Seules les copies et gravures anciennes permettent de juger de l'innovation des génies de la Haute Renaissance dans le domaine de la peinture de bataille.

Dans la composition de Léonard, pleine de drame et de dynamique, l’épisode de la bataille pour la bannière est donné, le moment de la plus haute tension des forces des combattants, la cruelle vérité de la guerre est révélée. La réalisation d'un portrait de Mona Lisa (« La Gioconda », vers 1504, Paris, Louvre), l'une des œuvres les plus célèbres de la peinture mondiale, remonte à cette époque. La profondeur et la signification de l'image créée sont extraordinaires, dans lesquelles des caractéristiques individuelles sont combinées à une grande généralisation. L'innovation de Leonardo s'est également manifestée dans le développement peinture de portrait Renaissance.

Plastiquement détaillée et fermée en silhouette, la figure majestueuse d'une jeune femme domine un paysage lointain enveloppé d'une brume bleuâtre avec des rochers et des canaux d'eau serpentant parmi eux. Le paysage complexe, semi-fantastique, s'harmonise subtilement avec le caractère et l'intelligence de la personne représentée. Il semble que la variabilité instable de la vie elle-même se ressente dans l'expression de son visage, égayé par un sourire subtil, dans son regard calme, confiant et pénétrant. Le visage et les mains élégantes du patricien sont peints avec un soin et une douceur incroyables. La brume de clair-obscur la plus fine, comme fondante (le soi-disant sfumato), enveloppant la silhouette, adoucit les contours et les ombres ; Il n’y a pas un seul trait net ni un seul contour angulaire sur l’image.

Au cours des dernières années de sa vie, Léonard a consacré la majeure partie de son temps à la recherche scientifique. Il mourut en France, où il vint à l'invitation du roi de France François Ier et où il ne vécut que deux ans. Son art, scientifique et recherche théorique, sa personnalité même a eu un impact considérable sur le développement de la culture mondiale. Ses manuscrits contiennent d'innombrables notes et dessins qui témoignent de l'universalité du génie de Léonard. Il y a des fleurs et des arbres soigneusement dessinés, des croquis d'outils, de machines et d'appareils inconnus. Aux côtés d'images analytiquement précises, il existe des dessins qui se distinguent par leur ampleur extraordinaire, leur caractère épique ou leur lyrisme subtil. Admirateur passionné de la connaissance expérimentale, Léonard s'efforçait d'en développer la compréhension critique et la recherche de lois généralisatrices. « L'expérience est la seule source de connaissance », disait l'artiste. « Le Livre de la peinture » révèle ses vues de théoricien de l’art réaliste, pour qui la peinture est à la fois « la science et la fille légitime de la nature ». Le traité contient les déclarations de Léonard sur l'anatomie et la perspective ; il recherche des modèles dans la construction d'une figure humaine harmonieuse, écrit sur l'interaction des couleurs et des réflexes. Cependant, parmi les disciples et les étudiants de Léonard, aucun ne s'approchait du professeur en termes de talent ; privés d'une vision indépendante de l'art, ils n'ont assimilé son style artistique qu'en externe.