Toile, huile. 71x122cm
Galerie nationale Tretiakov, Moscou
La vie du village russe post-réforme était dure. Le manque de terre toujours croissant de la paysannerie, les mauvaises récoltes fréquentes et la main inexorable de la faim ont forcé les habitants de nombreuses provinces de Russie à quitter leur maison sordide mais familière. "Comme un dragon fabuleux, le besoin de ses griffes tenait les masses populaires, les chassait, les balançait, les renversait et les étranglait", a noté l'écrivain villageois N. Teleshov, un écrivain de la vie quotidienne. Poursuivis par la misère, l'anarchie et l'arbitraire, les paysans allaient travailler en ville. Beaucoup se sont précipités vers de nouvelles terres, le plus souvent en Sibérie, afin de trouver le salut de la faim et du besoin dans ses vastes étendues. Les colons, chargés de biens misérables, se sont levés de leurs fermes dans des villages entiers, où vivaient leurs pères, grands-pères et arrière-grands-pères, et en longues files s'étendaient le long des routes poussiéreuses de la Russie depuis les provinces de Koursk, Tambov, Penza, Iaroslavl, Tchernigov. Peu ont résisté à l'épreuve de la route difficile. La maladie, la faim et le froid, la tyrannie des fonctionnaires tsaristes, l'absence totale de défense, voilà ce qui est désormais devenu leur lot. La mort fauchait sans pitié les rangs des immigrés qui s'éclaircissaient rapidement. Souvent, ayant dépensé tous les fonds sur la route, ils revenaient, et ceux qui atteignaient l'endroit étaient attendus par la même pauvreté et les mêmes ordres et fonctionnaires que dans leur patrie.
La question dite de la réinstallation inquiétait au cours de ces années de nombreux représentants de la culture et de l'art russes avancés. Même V.G. Perov, le fondateur du réalisme critique, n'a pas ignoré ce sujet. Par exemple, son dessin "La mort d'un migrant" est connu.
Les colons ont fait une impression douloureuse sur A.P. Tchekhov, qui a voyagé en 1890 sur la route de Sakhaline à travers toute la Sibérie. Sous l'influence des conversations avec Tchekhov, il a voyagé le long de la Volga et de la Kama, jusqu'à l'Oural, et de là vers la Sibérie et N. Teleshov. « Au-delà de l'Oural, j'ai vu la vie épuisante de nos colons », se souvient-il, « des épreuves presque fabuleuses et les épreuves de la vie de moujik du peuple ». Une série d'histoires de Teleshov décrivant le sort de ces personnes est l'analogie la plus proche de la peinture de Sergei Vasilyevich Ivanov « Sur la route. Décès d'un immigré."
Ivanov a passé une bonne moitié de sa vie à voyager à travers la Russie, prudemment, avec un vif intérêt, apprenant à connaître la vie des travailleurs aux multiples facettes. Dans ces errances incessantes, il se familiarise avec la vie des immigrés. « Il a parcouru des dizaines de kilomètres avec eux dans la poussière des routes, sous la pluie, le mauvais temps et le soleil brûlant dans les steppes », disent les amis d'Ivanov, « il a passé de nombreuses nuits avec eux, remplissant ses albums de dessins et de notes. , de nombreuses scènes tragiques passèrent devant ses yeux." Impuissant à aider ces personnes, l'artiste a douloureusement pensé à la tragédie incommensurable de leur situation et à la tromperie de leurs rêves de « bonheur », qu'ils n'étaient pas destinés à trouver dans les conditions de la Russie tsariste.
À la fin des années 1880, Ivanov a conçu une grande série de peintures, racontant constamment la vie des colons. Dans la première image - "Russia is Coming" - l'artiste a voulu montrer le début de leur voyage, quand les gens sont encore vigoureux, en bonne santé et pleins d'espoirs brillants. Dans les films suivants, il était censé familiariser le spectateur avec les difficultés de la route et les premières épreuves. La série devait consister en des scènes dramatiques de souffrance et de mort tragique d'immigrés. Cependant, seuls quelques maillons de ce cycle ont été achevés par l'artiste. Ivanov n'incarnait dans les images artistiques que les plus caractéristiques et les plus ancrées dans sa conscience des impressions de la vie.
L'une des dernières images du cycle est « Sur la route. Death of an Immigrant »est l'œuvre la plus puissante de la série conçue. D'autres ouvrages sur ce sujet, créés plus tôt et plus tard par un certain nombre d'écrivains et d'artistes, n'ont pas révélé si profondément et en même temps si simplement la tragédie des immigrés dans toute sa terrible vérité.
La steppe chauffée par la chaleur. Une légère brume éteint la ligne d'horizon. Cette terre désertique brûlée par le soleil semble sans limites. Voici une famille déplacée solitaire. Apparemment, le dernier extrême l'a forcée à s'arrêter à cet endroit nu, sans rien protéger des rayons du soleil brûlants. Le chef de famille, le soutien de famille, est décédé. Ce qui attend la malheureuse mère et sa fille à l'avenir - tout le monde se pose involontairement une telle question en regardant une photo. Et la réponse est claire. Il se lit dans la figure de la mère, étalée sur le sol nu. La femme affligée n'a ni mots ni larmes. Dans un désespoir silencieux, elle gratte la terre sèche avec ses doigts tordus. Nous lisons la même réponse dans le visage confus, noirci, comme un charbon éteint, de la jeune fille, dans ses yeux glacés d'horreur, dans toute sa silhouette engourdie et émaciée. Il n'y a aucun espoir d'aide !
Mais tout récemment, la vie brillait dans une petite maison transportable. Le feu crépitait, un maigre dîner se préparait, la maîtresse de maison s'affairait au coin du feu. Toute la famille rêvait que quelque part au loin, dans une terre inconnue et bénie, une nouvelle vie heureuse commencerait bientôt pour elle.
Maintenant, tout s'effondrait. L'employé principal est décédé, apparemment, le cheval émacié est également tombé. Le collier et l'arc ne sont plus nécessaires : ils sont jetés négligemment près du chariot. Le feu dans l'âtre s'est éteint. Une louche renversée, les bâtons nus d'un trépied vide, tendus comme des bras, des tiges vides dans une angoisse silencieuse, comme tout cela est désespérément triste et tragique !
Ivanov cherchait délibérément une telle impression. Comme Perov dans "The Dead Man's Ways", il a clos son chagrin avec un cercle familial étroit, abandonnant les figures de femmes sympathiques qui figuraient dans l'esquisse préliminaire du tableau. Souhaitant souligner davantage la perte des colons, l'artiste a décidé de ne pas inclure le cheval, qui figurait également dans le croquis, dans l'image.
La puissance de la peinture d'Ivanov ne se limite pas au rendu véridique d'un moment précis. Cette œuvre est une image typique de la vie paysanne dans la Russie post-réforme. C'est pourquoi elle a été accueillie avec un blasphème malveillant par des critiques réactionnaires, qui ont affirmé que la mort des immigrés en route était un phénomène accidentel et nullement typique, et que le contenu de l'image a été inventé par l'artiste dans les murs de son atelier. Ivanov n'a pas été arrêté par les attaques brutales des ennemis de l'art avancé et vital. Son travail n'était que l'un des premiers résultats de l'étude approfondie de l'artiste sur la vérité sociale de la vie russe contemporaine. Elle a été suivie de nombreuses autres œuvres importantes, dans lesquelles non seulement la souffrance du peuple, mais aussi la protestation furieuse contre l'oppression des exploiteurs, qui couvait parmi les masses, ont été exprimées.
Dans les derniers cours de l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, Sergueï Ivanov aborde les problèmes sociaux aigus. En particulier, son attention a été attirée par un phénomène caractéristique de la campagne russe dans le dernier quart du XIXe siècle : dans la seconde moitié des années 1880, la réinstallation en Sibérie a commencé.
Sur l'image : « Les migrants. Marcheurs". 1886.
Après la réforme de 1861, le besoin s'est fait sentir de régler la question foncière. Le gouvernement a vu une issue dans la réinstallation des paysans sans terre dans cette vaste région peu peuplée. Au cours des seules dernières décennies du XIXe siècle, plusieurs millions de paysans ont quitté leurs misérables parcelles, leurs huttes sordides et sont partis à la recherche de « terres fertiles ».
Dans l'image : "Le Migrant en calèche", 1886.
Seuls, avec leurs femmes et leurs enfants, en petits groupes, emportant avec eux leurs fragiles affaires, à pied et en charrettes, et s'ils avaient de la chance, même en train, ils se précipitaient, inspirés par les rêves utopiques de "Belovodye" ou "White Arapia" ", vers de dures épreuves et le plus souvent de graves déceptions. La tragédie des paysans sans terre qui ont quitté leurs lieux ancestraux, des provinces centrales à la périphérie du pays - à la Sibérie et sont morts par centaines en chemin - c'est l'idée principale du cycle de peintures d'Ivanov. Il a capturé les scènes de la vie paysanne dans des peintures délibérément ternes, "pleureuses" en couleurs, sur les immigrants.
Sur la photo : « Sur la route. Décès d'un immigré." 1889.
A partir du milieu des années 1890, une nouvelle période s'ouvre dans le travail de l'artiste, associée à la création d'œuvres historiques. Dans la peinture historique d'Ivanov, il y a des caractéristiques qui le rapprochent de l'art de Surikov et Ryabushkin. Le peintre comprend l'état des masses excitées dans les moments dramatiques aigus ("Troubles", 1897, II Brodsky Museum-Apartment); "Par le verdict du veche", 1896, collection privée), il est attiré par la force des personnages folkloriques russes et, comme Ryabushkin, il trouve la beauté dans les phénomènes de la vie populaire, confirme la compréhension de cette beauté par le peuple russe . Ivanov capture avec acuité la quête pittoresque du temps ; ses œuvres de ces années acquièrent une sonorité coloristique particulière.
Sur l'image : "Time of Troubles" (camp de Touchino)
Ivanov était un innovateur du genre historique, composant des épisodes du Moyen Âge russe - dans l'esprit du style Art Nouveau - presque comme des cadres de films, capturant le spectateur avec leur rythme dynamique, "l'effet de présence" (Arrivée d'étrangers à Moscou au XVIIe siècle, 1901) ; "Tsar. XVI siècle" (1902), Randonnée des Moscovites. XVIe siècle, 1903). L'artiste y a jeté un nouveau regard sur le passé historique de sa patrie, décrivant non pas des moments héroïques d'événements, mais des scènes de la vie quotidienne de l'ancienne vie russe. Certaines images sont écrites avec une touche d'ironie et de grotesque. En 1908-13, il a réalisé 18 œuvres pour le projet « Images sur l'histoire de la Russie ».
Sur l'image : "La Saint-Georges". 1908
Sur l'image : "Campagne des Troupes de Moscovite Rus", XVIe siècle, peinture en 1903.
Sur l'image : "Inspection des gens de service", au plus tard en 1907
Les caractéristiques particulières du "proto-expressionnisme" nerveux se sont manifestées avec une force particulière dans les images de la première révolution russe, y compris dans le célèbre tableau "Tir" (1905, Musée historique et révolutionnaire "Krasnaya Presnya", branche du Centre d'État pour le contemporain Art), qui a frappé les contemporains avec un son de protestation désespérément perçant.
Au cours du soulèvement armé de 1905 à Moscou, il a été témoin et participant - il a aidé des étudiants blessés dans des combats de rue dans le bâtiment de l'Université de Moscou sur la rue Mokhovaya. Ses dessins de gendarmes et de cosaques, cantonnés dans le manège près du Kremlin pendant le soulèvement, ont survécu.
Plus tard, l'artiste a travaillé sur le tableau « They're Coming! Escouade punitive "(1905-1909, Galerie Tretiakov).
Dans l'image : ils arrivent ! Escouade punitive.
Sur la photo : Famille, 1907
Dans l'image : L'arrivée du gouverneur
Sur la photo : allemand, 1910
Sur la photo : émeute dans le village, 1889
Sur la photo : A la prison. 1884 année
Sur l'image : Arrivée d'étrangers. XVIIe siècle. année 1901
Sur l'image : des serfs boyards. année 1909
Empire russe
tracer des images
Sergueï Vassilievitch Ivanov(4 (16) juin, Ruza - 3 (16) août, le village de Svistukha (aujourd'hui le district Dmitrovsky de la région de Moscou)) - Peintre russe.
Biographie
premières années
La dernière période d'étude comprenait les peintures "Malade" (1884, localisation inconnue), "A la taverne" (1885, localisation inconnue), "Au propriétaire terrien avec une demande" (1885; localisation inconnue), "A la prison" (1884-1885, Galerie nationale Tretiakov), "Agitateur en calèche" (1885, Centre national d'art contemporain). Le début des travaux sur le thème de la réinstallation (cycle 1885-1890) remonte à cette époque.
Thème de la réinstallation (1885-1890)
Déjà dans ses dernières années, Sergueï Ivanov se tourne vers de graves problèmes sociaux. En particulier, son attention est attirée par un phénomène caractéristique de la campagne russe dans le dernier quart du XIXe siècle : dans la seconde moitié des années 1880, la réinstallation en Sibérie commence. Après la réforme de 1861, le besoin s'est fait sentir de régler la question foncière. Le gouvernement a vu une issue dans la réinstallation des paysans sans terre dans cette vaste région peu peuplée. Au cours des seules dernières décennies du XIXe siècle, plusieurs millions de paysans ont quitté leurs misérables parcelles, leurs huttes sordides et sont partis à la recherche de « terres fertiles ». Seuls, avec leurs femmes et leurs enfants, en petits groupes, emportant avec eux leurs fragiles affaires, à pied et en charrettes, et s'ils avaient de la chance, même en train, ils se précipitaient, inspirés par les rêves utopiques de "Belovodye" ou "White Arapia" ", vers des épreuves difficiles et le plus souvent de graves déceptions. La tragédie des paysans sans terre qui ont quitté leurs lieux ancestraux, des provinces centrales à la périphérie du pays - à la Sibérie et ont péri par centaines en chemin - c'est l'idée principale du cycle de peintures d'Ivanov. Il a capturé les scènes de la vie paysanne dans des peintures délibérément ternes, "pleureuses" en couleurs sur les immigrants.
Après avoir demandé à la Moscow Art Society un certificat de "voyage et résidence" dans un certain nombre de provinces de Moscou à Orenbourg, Ivanov s'est séparé de l'école, sans même recevoir de certificat pour le titre de professeur de dessin. A partir de ce moment, Ivanov est devenu une sorte de chroniqueur du phénomène tragique de la vie de la paysannerie russe post-réforme.
Le critique d'art Sergei Glagol (pseudonyme S. S. Goloushev) raconte cette période de la vie et de l'œuvre d'Ivanov :
"... Il a marché des dizaines de kilomètres avec les colons dans la poussière des routes russes, sous la pluie, le mauvais temps et le soleil brûlant dans les steppes, a passé de nombreuses nuits avec eux, remplissant son album de dessins et de notes, de nombreuses scènes tragiques passé devant ses yeux, et un certain nombre de tableaux qui sont vraiment capables de peindre l'épopée des migrations russes ».
Dans les peintures et les dessins d'Ivanov apparaissent des scènes terrifiantes de la vie des migrants. Espoir et désespoir, maladie et mort à côté de personnes errant à travers l'immensité de la Russie - « Migrants. Walkers "(Bolshoi State Art Museum nommé d'après MV Nesterov)," Return Migrants "(1888, Galerie nationale de la République des Komis) et le premier tableau sérieux de l'artiste" Sur la route. Mort d'un immigré "(, Galerie Tretiakov), qui a fait la renommée du jeune artiste.
La section suivante de l'épopée sociale d'Ivanov était la « série prison ». Y travailler dans le temps parfois confondu avec le « cycle de réinstallation » ; à la même époque, l'artiste crée : « Runaway », croquis (1886, Galerie nationale Tretiakov), « Riot in the Village » (Centre national d'art contemporain), « Envoi de prisonniers » (Centre national d'art contemporain), « Clochard " (lieu inconnu). Le tableau "Stage" (le tableau a été perdu, la version pour le musée d'art d'État de Saratov du nom d'AN Radishchev) semble résumer la "série des prisons".
Au tournant de 1889-1890, Sergei Ivanov, avec Serov, Levitan, Korovin, était un leader reconnu parmi les artistes moscovites de la jeune génération. Puis il a assisté aux "soirées de dessin" de Polenov, organisées par V. D. Polenov et sa femme, et y a trouvé soutien et approbation.
Période des œuvres historiques
A partir du milieu des années 90, une nouvelle période s'ouvre dans le travail de l'artiste, associée à la création d'œuvres historiques. Dans la peinture historique d'Ivanov, il y a des caractéristiques qui le rapprochent de l'art de Surikov et Ryabushkin. Le peintre comprend l'état des masses agitées dans les moments dramatiques aigus ("Troubles", II Brodsky's Apartment Museum) ; "Par le verdict du veche", collection privée), il est attiré par la force des personnages folkloriques russes et, comme Ryabushkin, il trouve de la beauté dans les phénomènes de la vie populaire, confirme la compréhension de cette beauté par le peuple russe. Ivanov capture avec acuité la quête pittoresque du temps ; ses œuvres de ces années acquièrent une sonorité coloristique particulière.
Cependant, la recherche d'autres sujets et moyens d'exprimer l'état intérieur s'est poursuivie. Ivanov, insatisfait (selon ses mots) des "scènes mignonnes" qui prévalaient dans le genre des Itinérants, s'efforçait d'avoir un art dramatiquement aigu, véhiculant avec sensibilité le "battement de l'âme humaine". Peu à peu, influencé peut-être par son travail en plein air, il change de dessin et de palette. Cela s'est passé pendant les années de la création de l'Union des artistes russes, dans laquelle Ivanov a joué un certain rôle. L'artiste s'est tourné vers le genre historique, peint des portraits de ses proches, illustré des livres. Il est resté un artiste réaliste, malgré les temps à venir de recherches, de modernité, de rejet de l'art objet.
Ivanov était un innovateur du genre historique, composant des épisodes du Moyen Âge russe - dans l'esprit du style Art Nouveau - presque comme des cadres de films, capturant le spectateur avec leur rythme dynamique, "effet de présence" (Arrivée d'étrangers à Moscou au XVIIe siècle) ; "Tsar. XVI siècle" (1902), Randonnée des Moscovites. XVIe siècle, 1903). L'artiste y a jeté un nouveau regard sur le passé historique de sa patrie, décrivant non pas des moments héroïques d'événements, mais des scènes de la vie quotidienne de l'ancienne vie russe. Certaines images sont écrites avec une touche d'ironie et de grotesque.
Années révolutionnaires - dernières années
Plus tard, l'artiste a travaillé sur le tableau « They're Coming! Escouade punitive "(-, Galerie Tretiakov).
Il a enseigné à l'École d'art industriel Stroganov (1899-1906), à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou (1900 / 1903-1910).
Il a participé aux expositions de la Société des amateurs d'art de Moscou (1887, 1889, 1894), de l'Association des itinérants (1887-1901), "36 Artistes" (1901, 1902), "Monde de l'art" (1903), de l'Union des artistes russes (1903-1910).
Il a travaillé fructueusement en tant que maître de l'eau-forte et de la lithographie, ainsi qu'illustrateur des œuvres de N.V. Gogol, M. Yu. Lermontov, A.S. Pouchkine, etc.
Ivanov est décédé à l'âge de 46 ans d'une crise cardiaque le 3 août (16) dans sa datcha du village de Svistukha sur les rives de la rivière Yakhroma.
Galerie
Littérature
- "1989. Cent dates mémorables ». Calendrier artistique. Édition annuelle illustrée. M. 1988. Article V. Petrov.
- A.F. Dmitrienko, E.V. Kuznetsova, O.F. Petrova, N.A. Fedorova. "50 brèves biographies des maîtres de l'art russe". Leningrad, 1971. Article de A.F.Dmitrienko.
Commençons par les raisons de déménager en Sibérie. La principale raison de la réinstallation dans l'ère post-réforme est économique. Les paysans pensaient qu'ils vivraient mieux en Sibérie que dans leur patrie, car dans leur patrie toutes les terres appropriées ont déjà été labourées, la population augmente rapidement (1,7-2% par an) et la quantité de terre par personne est décroissant d'autant, en Sibérie, car la culture de la terre est pratiquement infinie. Là où les rumeurs d'une vie riche en Sibérie se répandaient parmi les paysans, il y avait un désir de réinstallation. Les champions de la réinstallation étaient la terre noire, mais les provinces de Koursk, Voronej et Tambov densément peuplées et très pauvres. Il est intéressant de noter que les paysans non-chernozem (et surtout du nord) étaient enclins à la réinstallation dans une bien moindre mesure, bien qu'ils aient été privés des avantages de la nature - ils préféraient développer divers types de travail supplémentaire non agricole.
Les malheureux personnages de l'image ont-ils voyagé de la province de Tambov en Sibérie sur cette petite charrette ? Bien sûr que non. Ce genre de hardcore a pris fin dans les années 1850. Le chemin de fer atteint Tioumen en 1885. Ceux qui voulaient s'installer en Sibérie se rendaient à la gare la plus proche de leur lieu de résidence et commandaient un wagon de marchandises. Dans une telle voiture, petite (6,4x2,7m) et non isolée, c'était juste que - dans une oppression terrible et dans le froid - une famille paysanne avec un cheval, une vache, une réserve de céréales (pour la première année et les semis) et du foin, des outils et des articles ménagers ont été placés. La voiture se déplaçait à une vitesse de 150 à 200 km par jour, c'est-à-dire que le trajet depuis Tambov prenait quelques semaines.
A Tioumen, il fallait arriver le plus tôt possible à l'ouverture de l'Irtych, c'est-à-dire début mars, et attendre la dérive des glaces (ce qui pouvait arriver soit immédiatement, soit dans un mois et demi) . Les conditions de vie des colons étaient spartiates - des casernes en bois primitives et pour les plus malchanceux - des huttes de paille sur le rivage. Rappelons qu'en mars il fait encore froid à Tioumen, jusqu'à -10 en moyenne.
Une banquise passa, et de Tioumen, descendant l'Irtych puis remontant l'Ob, quelques paquebots coûteux furent envoyés (un paquebot est cher et difficile à construire sur un fleuve qui ne communique pas avec le reste du pays non plus par mer ou par chemin de fer). Il y avait un manque cruel d'espace sur les bateaux à vapeur, alors ils ont traîné le long d'une ligne de péniches primitives sans pont. Les péniches, qui n'avaient même pas d'abri élémentaire contre la pluie, étaient tellement bondées de monde qu'il n'y avait nulle part où s'allonger. Et même de telles péniches ne suffisaient pas à tout le monde, et rester jusqu'au deuxième voyage à Tioumen - sauter tout l'été, au cours duquel il était nécessaire d'organiser l'économie. Il n'est pas surprenant que l'embarquement des vapeurs, en raison de la désorganisation et des passions bouillonnantes, ressemble à l'évacuation de l'armée de Dénikine de Novorossiysk. La majeure partie des colons (et il y en avait 30 à 40 000 par an), se dirigeant vers l'Altaï, est descendu du bateau à vapeur dans la croissance rapide de Barnaul, et si l'eau était haute, alors encore plus loin, à Biysk. De Tioumen à Tomsk par l'eau 2400 km, à Barnaul - plus de 3000. Pour un vieux vapeur, traînant à peine le long des nombreuses failles dans le cours supérieur du fleuve, il faut un mois et demi à deux mois.
La partie terrestre la plus courte du voyage a commencé à Barnaul (ou Biysk). Les endroits disponibles pour le règlement étaient dans les contreforts de l'Altaï, à 100-200-300 km de la jetée. Les colons ont acheté des charrettes fabriquées par des artisans locaux à la jetée (et ceux qui n'avaient pas amené de cheval avec eux - et des chevaux) et sont partis. Bien sûr, tout l'inventaire paysan et le stock de semences ne peuvent pas tenir sur un seul chariot (dans le cas idéal, soulever 700-800 kg), mais le paysan n'a besoin que d'un seul chariot à la ferme. Par conséquent, ceux qui souhaitaient s'installer plus près de l'embarcadère donnaient leur propriété pour le stockage et effectuaient plusieurs voyages, et ceux qui partaient pour un voyage plus éloigné louaient au moins une voiture de plus.
Cette circonstance peut expliquer l'absence dans le chariot de l'immigré dans le tableau des objets encombrants nécessaires au paysan - charrues, herses, stock de grain en sacs. Soit cette propriété est stockée dans un hangar de stockage sur la jetée et attend un deuxième voyage, soit le paysan a loué une charrette et a envoyé son fils adolescent et une vache avec, et lui-même, avec sa femme, sa fille et son inventaire compact, s'est rapidement rendu sur le site d'installation proposé afin de choisir un site pour lui-même.
Où exactement et sur quelle base légale notre migrant allait-il s'installer ? Les pratiques qui existaient à l'époque étaient différentes. Certains ont suivi la voie légale et ont été attribués aux sociétés rurales existantes. Alors que les communautés sibériennes (qui se composaient des mêmes colons des années précédentes) disposaient d'une grande quantité de terres, elles acceptaient volontiers les nouveaux arrivants gratuitement, puis, après avoir analysé les meilleures terres, moyennant un droit d'entrée, puis elles ont commencé à refuser complètement. En quantité absolument insuffisante, la trésorerie a préparé et marqué les zones de réinstallation. Mais la plupart des colons de l'ère décrite (1880) étaient engagés dans l'auto-saisie des terres de l'État (mais du trésor complètement inutile), établissant hardiment des fermes et des villages illégaux. Le trésor n'a pas compris comment documenter la situation actuelle et a simplement fermé les yeux, n'interférant pas avec les paysans et ne les chassant pas de la terre - jusqu'en 1917, les terres des colons n'étaient jamais enregistrées comme propriété. Cependant, cela n'a pas empêché le Trésor de taxer les paysans illégaux de manière générale.
Quel serait le sort réservé au migrant s'il n'était pas mort ? Personne n'aurait pu prévoir cela. Environ un cinquième des immigrés de cette époque n'ont pas réussi à s'installer en Sibérie. Il n'y avait pas assez de mains, il n'y avait pas assez d'argent et d'équipement, la première année d'agriculture s'est avérée être une mauvaise récolte, une maladie ou la mort de membres de la famille - tout cela a conduit à un retour dans leur patrie. En même temps, le plus souvent, la maison des rapatriés était vendue, l'argent était dépensé - c'est-à-dire qu'ils revenaient s'enraciner chez leurs proches, et c'était le fond social du village. Notez que ceux qui ont choisi la voie légale, c'est-à-dire ceux qui ont quitté leur société rurale, se sont retrouvés dans la pire position - les autres villageois ne pouvaient tout simplement pas les accepter. Les étrangers en situation irrégulière avaient au moins le droit de rentrer et d'obtenir leur lot. Ceux qui se sont enracinés en Sibérie ont connu divers succès - la répartition entre les ménages riches, moyens et pauvres ne différait pas significativement de celle du centre de la Russie. Sans entrer dans les détails statistiques, on peut dire que peu de gens se sont vraiment enrichis (et ceux qui se débrouillaient bien dans leur pays d'origine), tandis que les autres faisaient les choses différemment, mais toujours mieux que dans leur vie précédente.
Qu'arrivera-t-il à la famille du défunt maintenant? Pour commencer, il convient de noter que la Russie n'est pas le Far West et que le défunt ne peut pas être simplement enterré au bord de la route. En Russie, tous ceux qui vivent en dehors de leur lieu d'enregistrement ont un passeport et la femme et les enfants entrent dans le passeport du chef de famille. Par conséquent, la veuve doit d'une manière ou d'une autre entrer en contact avec les autorités, enterrer son mari avec un prêtre, délivrer un acte de naissance, obtenir de nouveaux passeports pour elle-même et ses enfants. Compte tenu de l'incroyable rareté et de l'éloignement des fonctionnaires en Sibérie, et de la lenteur des relations postales officielles, résoudre ce seul problème peut prendre au moins six mois à une femme pauvre. Pendant ce temps, tout l'argent sera dépensé.
Ensuite, la veuve devra évaluer la situation. Si elle est jeune et a un enfant (ou des fils adolescents qui sont déjà entrés en âge de travailler), vous pouvez lui recommander de se remarier sur place (en Sibérie, il n'y avait toujours pas assez de femmes) - ce sera l'option la plus prospère. Si la probabilité de mariage est faible, la pauvre femme devra retourner dans sa patrie (et sans argent, ce chemin devra être fait à pied, en mendiant l'aumône en cours de route) et s'y habituer en quelque sorte. Une femme célibataire n'a aucune chance de démarrer une nouvelle ferme indépendante sans un homme adulte (à la maison et en Sibérie), l'ancienne ferme a été vendue. Alors la veuve ne pleure pas en vain. Son mari est non seulement décédé, mais tous ses projets de vie liés à l'indépendance et à l'indépendance ont été brisés à jamais.
Il est à noter que l'image ne représente en aucun cas l'étape la plus difficile du parcours de l'immigrant. Après un voyage hivernal dans un wagon de marchandises non chauffé, vivant dans une hutte sur les rives de l'Irtych gelé, deux mois sur le pont d'une péniche surpeuplée, un voyage sur leur propre chariot à travers la steppe fleurie était plus de détente et de divertissement pour la famille . Malheureusement, le pauvre homme n'a pas pu supporter les épreuves précédentes et est mort en chemin - tout comme environ 10 % des enfants et 4 % des adultes de ceux qui ont déménagé en Sibérie à cette époque. Son décès peut être associé à un milieu de vie difficile, un inconfort et des conditions insalubres qui ont accompagné la réinstallation. Mais, bien que cela ne soit pas évident à première vue, l'image n'indique pas la pauvreté - la propriété du défunt, très probablement, ne se limite pas à un petit nombre d'objets dans le panier.
L'appel de l'artiste n'a pas été vain. Depuis l'ouverture du chemin de fer sibérien (milieu des années 1890), les autorités ont progressivement commencé à s'occuper des colons. Les célèbres wagons "Stolypin" ont été construits - des wagons de marchandises isolés avec un poêle en fer, des cloisons et des couchettes. Des établissements avec assistance médicale, saunas, blanchisseries et alimentation gratuite des petits enfants sont apparus aux stations de jonction. L'État a commencé à marquer de nouvelles parcelles de terrain pour les personnes déplacées, à accorder des prêts pour l'entretien ménager et à accorder des allégements fiscaux. 15 ans après la peinture du tableau, ces scènes terribles sont devenues sensiblement moins nombreuses - bien que, bien sûr, la réinstallation ait continué à exiger un travail acharné et soit restée un test sérieux de la force et du courage humains.
Sur la carte, vous pouvez tracer le chemin de Tioumen à Barnaoul par l'eau. Permettez-moi de vous rappeler que dans les années 1880, le chemin de fer a pris fin à Tioumen.
La jeune génération des itinérants a apporté une grande contribution au développement de l'art démocratique russe, reflétant de différentes manières l'étape prolétarienne du mouvement de libération en Russie. Le contenu idéologique, les moyens d'expression de l'art ont sensiblement enrichi les individus créatifs qui se sont manifestés de diverses manières.
S.A. Korovine(1858-1908). Le thème paysan traverse toute l'œuvre de Sergei Alekseevich Korovin. La stratification de la campagne russe, l'émergence de koulaks-mangeurs de monde qui opprimèrent la paysannerie sans terre, sont révélées de manière vivante et expressive dans son tableau "Sur le monde" (1893, ill. 181). Le village est apparu ici tout nouveau : il n'y a pas d'ancien patriarcat, l'apparence extérieure des paysans a également changé, les relations entre eux ont changé. Korovine a longtemps travaillé sur la composition, a écrit de nombreux croquis. En tout on peut voir l'œil observateur d'un artiste qui connaissait bien la psychologie paysanne moderne.
La composition introduit immédiatement le spectateur dans l'espace de l'image, révélant l'intrigue - une dispute entre un pauvre et un poing. Et la coloration, soutenue dans un ton gris-ocre, traduit l'état d'une journée nuageuse, accentuant le contenu dramatique de l'intrigue.
A montré de manière véridique et convaincante l'état d'esprit général des personnes rassemblées lors de la réunion. La plupart sont encore incapables de comprendre l'essence des changements qui se sont produits avec l'invasion de la vie du village par l'ordre capitaliste. La foule des paysans est contrainte par le silence, sur certains visages - ahurissement. Un gros doute s'exprime chez le vieil homme assis dos au spectateur.
Korovine s'opposa à l'isolement de la foule des paysans par la manifestation ouverte des sentiments des opposants eux-mêmes. Le visage du pauvre homme déformé par la douleur, le mouvement vif de la figure dépeignent l'angoisse mentale d'une personne poussée au désespoir. Sous la forme d'un poing - calme, hypocrisie et ruse.
Profondément et avec précision, évitant les petits détails, mais traduisant avec précision la situation, Korovine révèle le sens des contradictions sociales à la campagne, révélant une position civique distincte. La signification artistique et cognitive de l'image est grande - ce document de l'époque ressuscité en images.
A. E. Arkhipov(1862-1930). Parmi les plus jeunes Wanderers, l'artiste au talent distinctif Abram Efimovich Arkhipov se démarque. Il venait de paysans et connaissait bien la vie forcée du peuple. La plupart de ses œuvres, comme celles de S.A. Korovine, sont consacrées au thème paysan. Ils sont de composition laconique et sont toujours pleins de trouvailles lumineuses, aériennes et pittoresques.
Dans l'un des premiers tableaux d'Arkhipov, "Une visite aux malades" (1885), l'attention est attirée sur une description soignée et véridique de la vie d'une famille de paysans pauvres et d'une triste conversation entre deux femmes âgées. Le paysage ensoleillé de la porte ouverte parle d'une nouvelle quête coloristique.
Une œuvre remarquable est le tableau "Le long de la rivière Oka" (1889, ill. 182), où Arkhipov représente un groupe de paysans assis sur une péniche. Ils sont si caractéristiques, peints avec une telle chaleur et une telle connaissance des personnages folkloriques, et le paysage estival est si lumineux et beau que la peinture a été accueillie par les contemporains comme une révélation artistique.
Arkhipov aimait la beauté modeste de la nature russe et l'a capturée avec poésie. Un sentiment profondément lyrique imprégna son "Reverse" (1896). La composition est construite à l'origine: la chaise est à moitié coupée par le bord inférieur de la toile, le conducteur est assis dos au spectateur - il semble que nous roulions nous-mêmes le long de ce large champ, la cloche sonne et une chanson sincère et gratuite coule. Les tons rosés fondants du ciel déclinant, la couleur sourde de l'herbe et la route poussiéreuse transmettent subtilement l'ambiance d'un jour mourant et une tristesse légère et inexplicable.
Arkhipov consacre l'image d'une travailleuse au tableau "Les journaliers d'une fonderie de fer" (1896) ; Plus clairement, la part désespérée du travailleur russe se reflète dans l'une des meilleures œuvres d'Arkhipov, Les Lavandières, connue en deux versions - à la Galerie nationale Tretiakov et au Musée national russe (fin des années 1890, ill. XIII).
L'artiste transporte le spectateur dans un sous-sol sombre et étouffant d'une blanchisserie minable, le représentant en fragments. La composition semble avoir été arrachée à la vie. Comme par hasard, nous avons jeté un coup d'œil dans cette pièce et nous nous sommes arrêtés avant le spectacle d'ouverture. Avec de larges touches rapides de tons délavés, Arkhipov a transmis les figures de blanchisseuses en activité, le sol humide de la buanderie, l'air saturé d'humidité, la lumière crépusculaire coulant de la fenêtre. Une image inoubliable d'une vieille femme au premier plan, accroupie pour se reposer : un dos courbé par la fatigue, une tête qui est tombée sur sa main, une lourde méditation sur son visage. L'artiste semble parler du sort de tous les travailleurs.
Reflétant la vie morne d'un peuple travailleur, Arkhipov n'a jamais perdu confiance en sa force inépuisable, l'espoir d'un avenir meilleur. Un début optimiste brillant a dominé la plupart de ses œuvres, ce qui est particulièrement visible dans les années 1900, à la veille d'événements révolutionnaires majeurs.
Les paysages nordiques d'Arkhipov contiennent des motifs simples et, à première vue, banals de la nature dure. Des huttes solitaires, le bord du ciel, tantôt transparent, tantôt nuageux, la surface lisse de la rivière. Mais quel charme l'artiste tire-t-il de ces motifs et de la modeste échelle de gris ! Les peintures d'Arkhipov sont imprégnées d'un sentiment vigoureux d'affirmation de la vie d'un simple Russe, né en étroite communication avec sa nature natale.
Le soleil éclatant imprègne les œuvres d'Arkhipov, consacrées à la vie paysanne. Ses toiles colorées expriment l'admiration pour la santé physique et morale du peuple russe. Ce n'est pas un hasard si sa palette a changé, devenant plus contrastée et décorativement généreuse. Arkhipov a continué cette série d'œuvres après la Grande Révolution socialiste d'Octobre.
S.V. Ivanov(1864-1910). L'un des successeurs les plus cohérents des traditions du réalisme critique était Sergei Vasilievich Ivanov. Dans les nouvelles conditions historiques, il a pu voir les contradictions profondes de la réalité russe et a répondu à de nombreuses questions douloureuses avec ses œuvres.
Ivanov a consacré une grande série d'ouvrages au sort difficile des paysans-migrants, à leurs errances forcées en Russie. Le triste sort de la famille, qui a perdu son soutien de famille, se reflète dans le meilleur tableau de cette série - "Sur la route. Mort d'un migrant" (1889, ill. 184).
Avec un sens incorruptible de la vérité, S. V. Ivanov mène une histoire pittoresque pleine de contenu sincère. L'ensemble de la scène, les détails du quotidien soigneusement sélectionnés sont écrits avec une main soignée et donnent à l'intrigue l'authenticité d'un événement vivant se déroulant sous nos yeux. L'échelle des figures par rapport à l'espace du paysage a été magistralement retrouvée : allant jusqu'à l'horizon lointain, elle rappelle un long et pénible voyage le long de la terre desséchée par la chaleur. Une personne solitaire, sans défense, souffrante au milieu du silence de la nature est l'essence de l'intention créatrice de l'artiste.
Au début des années 1890, Ivanov est devenu l'un des premiers chroniqueurs de la lutte révolutionnaire en Russie. De retour en 1889, il peint le tableau "Émeute dans le village", qui raconte la protestation sociale croissante parmi les paysans, et en 1891 - "Scène". La terrible vue des prisonniers allongés côte à côte sur le sol au point de transit, pieds nus enchaînés, frappa l'artiste. Ce n'est que dans les profondeurs que vous remarquez le regard perçant d'un forçat dirigé vers vous.
Au milieu des années 1890, Ivanov aborde souvent des thèmes de l'histoire russe des XVIe et XVIIe siècles. Dans ses peintures historiques, il y a des caractéristiques communes au travail de la plupart des peintres contemporains - l'interprétation quotidienne des intrigues et le caractère décoratif de la couleur. Mais contrairement à beaucoup, Ivanov ne s'est pas désintéressé du côté social du dépeint. Tels sont, par exemple, les tableaux « L'arrivée des étrangers à Moscou au XVIIe siècle » (1901, ill. 185), qui traduisent parfaitement l'aspect historiquement correct de l'ancienne capitale et les caractères de ses habitants, et « Tsar. XVIe siècle" (1902), qui était perçu par les contemporains comme une autocratie d'images satiriques.
Les événements de la révolution de 1905-1907 ont capturé Ivanov et provoqué un nouvel élan créatif. Même à la veille de celle-ci, il dédie le tableau "La Grève" aux ouvriers révoltés de l'usine. Tout de même, son talent se manifeste dans la toile relativement petite "Shooting" (1905). C'est l'une des œuvres les plus significatives reflétant le massacre sanglant du tsarisme sur le peuple. C'est une image sévère, laconique, construite sur le contraste de plans pittoresques clairs.
La toile représente une place déserte, baignée par le soleil du soir, entourée d'une rangée de maisons ombragées, et une silhouette sombre et solitaire d'un ouvrier assassiné. Depuis ce grand plan lumineux et figure immobile, l'artiste entraîne le regard du spectateur dans les profondeurs. A gauche, les premiers rangs de cosaques sont vus dans la fumée de poudre, à droite des manifestants. Le bandeau rouge - le point le plus lumineux - fait ressortir cette partie de la composition. On a l'impression qu'un événement tragique et vivant se déroule sous nos yeux.
La peinture d'Ivanov est perçue comme un symbole non seulement du massacre sanglant du peuple rebelle, comme l'avait voulu l'artiste, mais de tout le sort de la première révolution russe, cruellement réprimée par le tsarisme.
N.A. Kasatkin(1859-1930). Élève de V.G. Perov, Nikolai Alekseevich Kasatkin, dans ses premières œuvres, s'est tourné vers les images folkloriques et les sujets dramatiques. Bientôt le thème principal de son œuvre fut la vie de la classe ouvrière et la lutte révolutionnaire du prolétariat russe.
Déjà en 1892, Kasatkin a peint le tableau "Dur", représentant une triste rencontre d'un jeune ouvrier blessé avec son épouse - une pauvre couturière. L'expression de tristesse et d'anxiété sur le visage de la jeune fille contraste avec la détermination et la confiance de l'ouvrier. Au début, le tableau s'appelait "Petrel", mais l'artiste a été contraint de changer de nom pour des raisons de censure. Et pourtant, le contenu politique de la toile parvient au spectateur, rappelant les grèves qui n'ont cessé d'éclater à cette époque.
La même année, Kasatkin a visité le bassin de Donetsk pour la première fois et depuis lors, pendant neuf ans, il a constamment été parmi les mineurs, a étudié leur vie et leur travail. Au début, ils se méfiaient de l'artiste, le prenant pour un espion envoyé, mais ensuite ils sont sincèrement tombés amoureux. Ils l'ont beaucoup aidé à travailler sur des images que l'art russe ne connaissait pas encore.
Le premier ouvrage de Kasatkin sur la vie des mineurs de Donetsk est le tableau Collecting Coal by the Poor in a Depleted Mine (1894). Des images typiques vivantes, un dessin précis et une peinture modeste, soutenue dans le ton général, distinguent cette toile.
Kasatkin lui-même est entré dans la clandestinité, a observé les conditions incroyables de travail vraiment pénible des mineurs et a écrit avec amertume : "... là où un animal ne peut pas travailler, il est remplacé par un homme." Cette idée se reflète dans le petit tableau "Le Mineur-Tyagolyk" (1896). Robe sombre aux reflets rougeâtres des lampes de mineurs; telle une bête de somme, un ouvrier rampe sous les arches en surplomb de la galerie et tire un traîneau chargé de charbon.
Le résultat du travail de Kasatkin sur le thème de la vie d'un mineur et de nombreux croquis est le tableau "Miners. Change" (1895, ill. 186). Ce fut la première œuvre de la peinture russe à montrer la solidarité croissante de la classe ouvrière. La faible lueur des lampes de mineur et le blanc vacillant des yeux dans l'obscurité impénétrable ajoutent de la tension à l'image. Au centre de la composition se trouve un mineur âgé. Avec un mégot dans ses mains, il marche directement vers le spectateur comme une formidable force venant en sens inverse.
Dans un certain nombre d'œuvres, Kasatkin a révélé le monde spirituel du prolétaire opprimé de plusieurs manières, avec une grande émotion. L'artiste a atteint un pouvoir particulier de pénétration dans l'image dans la toile "La femme d'un ouvrier d'usine" (1901), retirée de l'exposition par la censure tsariste.
Il semble que tout le triste destin d'une jeune femme, mais beaucoup de survivantes, soit capturé dans une silhouette fatiguée et affaissée, dans un regard fixe, dans une main qui est tombée à genoux. Un état d'esprit difficile se traduit sur un visage fatigué. Il y a de la douleur, de l'amertume et une colère naissante - tout ce qui était naturellement associé aux événements politiques de cette époque et faisait réfléchir le spectateur. Les couleurs des vêtements, sobres dans le ton, sont immergées dans l'environnement gris-ocre. La pâleur terreuse du visage est soulignée par un foulard blanc jeté sur les épaules.
Le grand mérite de Kasatkin est qu'il a non seulement vu le sort de la classe ouvrière en Russie, mais qu'il a pu remarquer et incarner sa force, son énergie et son optimisme. De l'image du « Mineur » (1894, ill. 187) respire la poésie de la vie, de la jeunesse, de la santé physique et mentale. La chaude couleur argentée de cette toile est harmonieuse. Le mouvement sans effort de la figure, doucement inscrit dans le paysage lumineux, est étonnamment vrai.
Kasatkin, qui connaissait bien la vie et les humeurs des ouvriers, sympathisait profondément avec eux, accueillit avec enthousiasme la révolution de 1905-1907. Il était pressé de capturer de nouvelles situations et images, à la recherche de nouveaux sujets. De nombreux croquis, croquis et peintures sont le résultat d'un grand travail créatif.
Dans les conditions difficiles d'une époque mouvementée, tout ce qui a frappé Kasatkin n'a pas pu trouver un affichage complet et complet, mais chacun, même un croquis superficiel, avait une valeur documentaire et artistique importante. Les peintures de l'artiste, créées à cette époque, sont significatives par leur contenu idéologique et témoignent de la recherche d'une composition émotionnellement intense. Un exemple est la peinture Le dernier voyage d'un espion (1905).
Kasatkin a travaillé avec enthousiasme sur la composition à plusieurs figures "Attaque de l'usine par des ouvrières" (1906), où une action dramatique complexe a été développée. Le mouvement d'une foule immense et bouillonnante, une variété de gestes sont ici véhiculés avec expression. On se souvient de certains croquis de ce tableau, en particulier de l'image d'une femme âgée en colère appelant à un soulèvement.
La signification exclusivement idéologique et artistique de la petite toile "Ouvrier-Combattant" (1905, ill. 188). Kasatkin a vu et capturé le type caractéristique d'un participant actif à la première révolution russe. Apparence, posture, démarche, visage sévère - tout parle du monde spirituel d'une personne des temps modernes - courage et détermination, calme et inflexibilité, conscience de l'importance de son objectif et noble modestie. Une telle personne pourrait vraiment aller à la tête des détachements révolutionnaires militants. L'image fait écho au héros de l'histoire "Mère" d'AM Gorky.
L.V. Popov(1873-1914). Lukyan Vasilyevich Popov appartient également aux plus jeunes représentants des itinérants. Avec une sensibilité particulière, il a remarqué les changements sociaux dans les campagnes, qui à cette époque pénétraient activement les sentiments révolutionnaires. Ses tableaux « Vers le couchant. Agitateur à la campagne » (1906), « À la campagne (Lève-toi, lève-toi !..) » (1906-1907, ill. 183), « Les socialistes » (1908), empreints d'ardent sympathie pour les héros courageux et courageux - un véritable document de la vie paysanne à la veille et à la période de la révolution de 1905-1907.
Les travaux d'A.P. Ryabushkin et de M.V. Nesterov étaient également associés aux traditions des itinérants. Cependant, dans leurs œuvres, d'une manière particulière et plus tôt dans le temps, de nouvelles quêtes créatives se sont manifestées, qui sont devenues typiques de l'art de la fin du XIXe - début du XXe siècle.
A.P. Ryabushkin(1861-1904). Andrei Petrovich Ryabushkin peut être appelé un artiste folklorique. Toute sa vie et son œuvre après ses années d'études passées à l'Ecole de Peinture, de Sculpture et d'Architecture, ainsi qu'à l'Académie des Arts, se déroulent dans le village. Son art était une sorte de réaction aux processus historiques de capitalisation de la Russie, lorsque « les vieilles fondations de l'économie paysanne et de la vie paysanne, fondations qui avaient vraiment tenu pendant des siècles, ont été détruites à une vitesse extraordinaire ». Ryabushkin a poétisé l'antiquité chère à son cœur, le mode de vie traditionnel de tous les jours, les traits stables de l'image nationale.
* (Lénine V. I. Lev Tolstoï comme miroir de la révolution russe. - Complet. collection cit., v. 17, p. 210.)
Les peintures de genre de Ryabushkin se caractérisent par des traits de calme et de silence. Représentant l'atmosphère patriarcale d'un mariage de village (« L'attente des jeunes mariés d'une couronne dans la province de Novgorod », 1891), l'artiste souligne la gravité et la dignité des paysans assis.
Dans les années 1890, Ryabushkin est apparu comme le maître original de la peinture historique et quotidienne russe. Dans le passé lointain de la Russie, il était le plus attiré par la vie quotidienne du vieux Moscou. La revitalisation règne pendant le dégel printanier dans le tableau "Rue de Moscou du XVIIe siècle en vacances" (1895). Voici une fille dans une maison d'été rouge, portant soigneusement une bougie, et des gars rustiques en robes longues, et un boyard arrogant passant dans une rue sale, et un mendiant aveugle. Les vêtements colorés décorés d'ornements russes, les reflets bleus du ciel dans les flaques d'eau, les dômes hétéroclites des églises et la vivacité générale du mouvement rendent cette image festive.
La brillante individualité de Ryabushkin s'est pleinement exprimée dans les peintures de 1901 "Ils s'en vont" (Fig. 189) et "Le train de mariage à Moscou (XVIIe siècle)" (Fig. 190). Le premier d'entre eux, avec une composition audacieuse et inhabituelle, représente des résidents de Moscou attendant des étrangers. C'est en quelque sorte un fragment arraché à l'image de la vie du peuple russe au XVIIe siècle. Leurs visages montraient de la curiosité, de la naïveté et de l'estime de soi. De grandes taches colorées de caftans d'archers jaunes, rouges et verts et des vêtements colorés de citadins donnent à l'image un ton majeur et un caractère décoratif prononcé.
Le tableau « Train de mariage à Moscou (XVIIe siècle) » est imprégné de la poésie de l'antiquité russe. Au silence d'une soirée de printemps, dans la brume lilas dont Moscou est plongée, et la figure solitaire d'une triste femme moscovite, s'opposent un magnifique train festif qui passe rapidement. L'esquisse de la peinture, contrastant avec le paysage plus densément peint, la coloration allégée, comme une fresque, le rythme subtilement trouvé dans tout le groupe central - tout cela a permis à Ryabushkin de transmettre avec équité l'apparence quotidienne d'une ville russe d'un temps lointain .
Le Tea Party de Ryabushkin (1903), écrit un an avant sa mort, est exceptionnellement expressif et d'une grande capacité. Il s'agit d'un travail de nature socialement critique. Si auparavant pour ses peintures de genre Ryabushkin choisissait le positif, le gentil, le beau dans la vie paysanne, maintenant il dépeint le monde du village riche. Il y a quelque chose de la prospérité philistine dans l'élégance et la froideur formelle de la consommation de thé ; dans le grotesque des images, dans la rigidité des plastiques picturaux inhabituels pour Ryabushkin, rappelant les anciens Parsuns, se lit le rejet de ce monde étranger par l'artiste.
M.V. Nesterov(1862-1942). Période de créativité pré-révolutionnaire complexe et contradictoire Mikhail Vasilyevich Nesterov.
Il débute sa carrière dans l'art par des peintures de genre proches des Vagabonds, mais à la fin des années 1880, un changement radical s'opère dans son œuvre. L'artiste entre dans le monde de la beauté idéale, chantant la pureté des sentiments religieux, représentant les habitants des monastères et des ermitages.
Le vieil ermite Nesterov dans le tableau "L'Ermite" (1888-1889), errant lentement le long du rivage d'un lac lisse comme un miroir, est infiniment loin des soucis de la vie. Son image est inextricablement liée à la beauté d'une nature sereine, sa tranquillité sereine.
Le paysage joue un grand rôle dans l'œuvre de Nesterov. Le poète de la nature russe Nesterov, capable de pénétrer profondément dans le monde intérieur de l'homme, relie toujours les expériences de ses personnages à l'état et à la nature du paysage.
Dans le tableau "Vision au jeune Barthélemy" (1889-1890, ill. 191), le seul personnage est un jeune pâle aux mains maigres serrées convulsivement dans l'extase de la prière. Mais le héros principal de l'artiste reste le paysage de la bande de Russie centrale, la nature spiritualisée, où l'artiste donne véritablement vie à chaque brin d'herbe, chacun participe à la glorification de la patrie.
À la fin des années 1890 - début des années 1900, l'artiste a créé une série de peintures consacrées au destin tragique d'une femme russe, soumise et souffrante ("Sur la Volga", "Sur les montagnes"). Dans Les Grands Voeux (1898), il montre la triste procession des habitants d'une petite skite, nichée au milieu d'une forêt dense, escortant une jeune femme encore pleine de force jusqu'au monastère. Visages affligés, silhouettes sombres de personnages, lumières tremblantes d'énormes bougies ... Il y a une profonde tristesse, mais à côté, il y a encore un monde merveilleux de nature, de forêts vierges et de jeunes bouleaux à tige mince de Nesterov.
Au début des années 1900, la compétence de Nesterov en tant que portraitiste a pris forme. Ici, le côté réaliste de l'œuvre de l'artiste s'est pleinement manifesté. La plupart des portraits de cette époque, Nesterov peint sur le fond du paysage, ainsi que dans les peintures, affirmant le lien inextricable entre l'homme et la nature. Dans le portrait d'O. M. Nesterova (1906, ill. 192), la figure d'une jeune fille dans une amazone noire se détache dans une belle silhouette sur fond de paysage lyrique du soir. Gracieuse et gracieuse, avec un regard émouvant et légèrement rêveur, cette fille personnifie pour l'artiste l'idéal de jeunesse, de beauté de la vie et d'harmonie.
Dans les années 1880, le travail de trois artistes russes exceptionnels a été formé - K. A. Korovin, M. A. Vroubel et V. A. Serov. Ils ont défini le plus complètement les réalisations artistiques de l'époque, sa complexité et sa richesse.
V.A. Serov(1865-1911). Le plus grand artiste de la fin du XIXe - début du XXe siècle était Valentin Aleksandrovich Serov. Son travail a continué le développement de l'art réaliste, en approfondissant son contenu et en élargissant ses possibilités expressives.
L'art de Serov est brillant et diversifié. Tout d'abord, il est un maître du portrait psychologique, pictural et graphique, mais son talent s'est également manifesté dans le paysage, le genre historique, l'illustration de livres, l'art décoratif décoratif et monumental. Dès l'enfance, Serov a été entouré par l'atmosphère de l'art. Son père, A.N.Serov, est un célèbre compositeur et musicien, sa mère est une pianiste de talent. Les professeurs de Serov étaient I.E. Repin et P.P. Chistyakov à l'Académie des Arts. Le premier contribua grandement à la formation des fondements démocratiques de l'œuvre de Serov et à l'éveil de l'intérêt pour l'étude curieuse de la vie ; au second, il devait une profonde compréhension des lois professionnelles de la forme.
Les premières œuvres de Serov - ses célèbres portraits "Fille aux pêches" (1887, ill. X) et "Fille illuminée par le soleil" (1888) - glorifiaient le jeune artiste et caractérisaient le mieux l'art des premiers Serov.
"Fille aux pêches" a été écrit à "Abramtsevo", le domaine de S. I. Mamontov, avec sa fille Vera. Dans cet excellent portrait, l'image créée par l'artiste, en raison de l'intégralité vitale du contenu, dépasse le cadre du portrait individuel, incarnant le principe universel. Dans une adolescente au visage sérieux et au regard sévère, dans sa retenue calme et sa spontanéité, l'artiste a réussi à transmettre la haute poésie d'une jeunesse lumineuse et pure.
Ce portrait est étonnamment beau dans sa peinture. C'est écrit en pleine lumière, très léger et matériel à la fois. Ses couleurs transparentes, exceptionnellement nettes, remplies de lumière, d'air, transmettent vivement les reflets de l'éclairage. La fraîcheur de la coloration de "Filles aux pêches", qui a tant émerveillé les contemporains, ainsi que la simplicité naturelle de la composition bien pensée, mettent le tableau à égalité avec les meilleures œuvres de la peinture mondiale.
Serov développe le même thème de la jeunesse dans The Girl in the Sunshine. Le contenu du portrait est le même sentiment gratifiant de la beauté spirituelle d'une personne et de la plénitude de son être.
Les années 1890 sont la prochaine étape dans l'œuvre de Serov. Au cours de ces années, l'artiste écrit le plus souvent des personnes d'art, et maintenant il veut avant tout révéler leur individualité créative. Avec le regard particulier de NS Leskov (1894), il exprime la vigilance d'un écrivain réaliste et curieux. La pensivité de II Lévitan s'apparente aux sentiments poétiques de l'artiste, l'aisance de la posture de KA Korovine (1891, ill. 193) est une sorte d'expression de la liberté et de l'immédiateté de son art.
Dans les années 1880, outre les portraits, Serov peignait également des paysages. Le plus souvent, il a trouvé des motifs à Abramtsevo et à Domotkanovo, où se trouvait le domaine de ses amis Derviz. Dans les années 1890, l'image de la nature rurale simple commence à prendre une place croissante dans l'œuvre paysagère de Serov. Souvent l'artiste introduit des figures de paysans dans ses tableaux, comme pour rapprocher le paysage du genre de la vie quotidienne ("Octobre. Domotkanovo", 1895, ill. 194, "Femme au cheval", 1898). IE Grabar a appelé l'artiste « paysan Serov » précisément pour ses paysages. En eux, la démocratie de son art s'exprimait avec une clarté particulière.
Dans les années 1900, le travail de Serov est devenu sensiblement plus complexe. La place principale y est encore occupée par des portraits. Par ailleurs, il continue de peindre des paysages, travaille sur des illustrations pour les fables de I.A.Krylov, commencées dans les années 1890. La peinture historique et monumentale-décorative est désormais constamment incluse dans le cercle de ses intérêts.
Dans les années 1900, le travail de portrait de Serov est devenu beaucoup plus diversifié. De nombreux portraits d'apparat laïques s'ajoutent aux portraits de ses proches. L'artiste reste toujours incorruptiblement véridique dans ses caractéristiques et exigeant sans relâche de lui-même, ne permettant pas la moindre négligence ou humidité dans sa performance. Comme auparavant, la base de son art du portrait reste la divulgation psychologique de l'image, mais Serov concentre désormais son attention sur les caractéristiques sociales des modèles. Dans les portraits des principaux représentants de l'intelligentsia russe, il cherche, avec une plus grande clarté qu'auparavant, à capturer et à souligner leurs qualités sociales les plus typiques et les plus remarquables. Dans le portrait d'A. M. Gorky (1905, ill. 195), par la simplicité de toute son apparence, par les vêtements d'un artisan, par le geste d'un agitateur, l'artiste souligne le démocratisme de l'écrivain prolétarien. Le portrait de M. N. Ermolova (1905, ill. 196) est une sorte de monument majestueux à la célèbre actrice tragique. Et l'artiste subordonne tous les moyens d'expression à l'identification de cette pensée. Le hall du manoir de Yermolova, dans lequel elle a posé pour Serov, est perçu comme une scène, et grâce au reflet dans le miroir d'un fragment de la colonnade, également comme un auditorium. Ermolova elle-même, dans sa robe noire stricte et solennelle, ornée seulement d'un fil de perles, est majestueuse et inspirée.
Les portraits de Serov de ses nobles clients sont complètement différents. Les portraits de cérémonie des Yusupov, S.M. Botkina, O.K. Orlova (Fig. 197) et bien d'autres ressemblent à des portraits du XVIIIe - première moitié du XIXe siècle, avec une brillante habileté, ils peignent des meubles exquis et des robes de dames élégantes. En décrivant les gens eux-mêmes, Serov a souligné leurs qualités sociales typiques qui caractérisent la classe à laquelle ils appartenaient. Ces portraits, comme disait V. Ya. Bryusov, sont toujours une épreuve des contemporains, d'autant plus terrible que l'habileté de l'artiste rend cette épreuve péremptoire.
Parmi les portraits similaires de Serov, l'une des premières places est occupée par le portrait de M.A. Morozov (1902), représenté sur le fond du salon de son manoir joliment meublé. Cet homme est instruit, connu pour son large mécénat et sa compréhension de l'art, mais la base du marchand d'argent de l'époque d'Ostrovsky est toujours vivante en lui. Le voici debout, tel un vivant, ce marchand européanisé de la fin du XIXe siècle, remplissant le format étroit de la toile d'une silhouette lourde et regardant droit devant lui d'un regard perçant. Le pouvoir de Morozov n'est pas seulement sa propriété personnelle, il trahit en lui un industriel, tout comme l'arrogance de la princesse O. K. Orlova en fait une représentante typique des cercles aristocratiques de la haute société du début du XXe siècle. Serov atteint une grande expressivité des portraits au cours de cette période grâce à la richesse des moyens picturaux utilisés, la manière artistique vyryirovanie, en fonction des caractéristiques de l'œuvre en cours de création. Ainsi, dans le portrait du banquier V.O. Girshman (1911) Serov est laconique à la manière d'une affiche, et dans le portrait de la princesse Orlova son pinceau devient raffiné et froid.
Comme mentionné ci-dessus, une place importante dans l'œuvre de Serov dans les années 1900 est occupée par le travail sur les compositions historiques. Il est particulièrement fasciné par le développement orageux et rapide de la vie de la Russie à l'époque de Pierre le Grand. Dans le meilleur tableau de ce cycle, Pierre Ier (1907, ill. 198), l'artiste dépeint Pierre comme un puissant réformateur de l'État. Ce n'est pas un hasard s'il est beaucoup plus grand que les satellites en hauteur. Le mouvement impétueux de Pierre et des courtisans le suivant à peine, le rythme tendu des lignes angulaires impétueuses dessinant nettement les silhouettes, l'agitation du paysage - tout cela crée l'ambiance de l'ère orageuse de Pierre.
Captivé par la beauté vivante de la Grèce, que Serov visita en 1907, il travailla aussi longtemps et avec enthousiasme sur des sujets mythologiques (L'Enlèvement d'Europe, Ulysse et Nausicaa). Comme toujours, il construit ces œuvres sur la base d'un travail grandeur nature, d'une observation attentive. Mais, les résolvant en termes de panneau décoratif monumental, l'artiste simplifie et primitivise quelque peu la forme plastique, tout en préservant cependant la vitalité de l'impression.
L'une des œuvres importantes de Serov de la fin des années 1890 - début des années 1900 - une série d'illustrations des fables de I.A.Krylov - a fait l'objet de ses préoccupations et de son attention inlassables. L'artiste a surmonté le caractère descriptif qui le gênait dans les feuilles de la période initiale de travail sur les fables, et a acquis une concision et une expressivité sages d'une forme savamment trouvée. Les meilleures de ces feuilles sont des chefs-d'œuvre de l'art de Serov. À la suite de Krylov, l'artiste n'a pas détruit l'allégorie des fables et a cherché à transmettre leur sens moral dans ses dessins. Dans les images d'animaux, des qualités purement humaines ont été révélées: le lion de Serov est toujours l'incarnation de la force, de l'intelligence et de la grandeur, l'âne, comme prévu, est la personnification de la stupidité, le lièvre est un lâche incorrigible.
Il. 199.V.A. Serov. « Soldats, braves enfants, où est votre gloire ? K., détrempe. 47,5 X 71,5. 1905. RM
Le travail de Serov le caractérise comme un artiste démocrate, à l'avant-garde des figures progressistes de la culture russe. Serov a prouvé sa fidélité aux principes démocratiques non seulement par son art, mais aussi par sa position sociale, en particulier lors de la révolution de 1905-1907. En tant que témoin de Bloody Sunday le 9 janvier, il a démissionné de tous les membres de l'Académie des arts, car le commandant des troupes qui réprimandaient le peuple était le président de l'Académie - le grand-duc Vladimir Alexandrovitch. Une vive protestation contre la violence et la cruauté de l'autocratie se fait également entendre dans les dessins incriminants audacieux de l'artiste publiés dans des magazines satiriques à l'époque de la révolution ("Soldats, braves enfants, où est votre gloire ?" (Fig. 199), " Vues des vendanges", "Accélération de la manifestation").
K.A. Korovine(1861-1939). Konstantin Alekseevich Korovin est l'un de ces maîtres qui ouvrent de nouvelles voies dans l'art et dont le travail est une école pour de nombreux artistes des générations suivantes.
Korovine est élève de l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, l'atelier de paysage de A.K.Savrasov, V.D. Polenov. Son travail a été formé dans la lignée de la peinture russe en plein air des années 1880 ("Le pont", "Idylle du Nord", "Au balcon. Femmes espagnoles Leonora et Ampara", ill. XI).
Depuis les années 1890, le temps est venu de la maturité créative de Korovine. Son talent se révèle tout aussi vivement à la fois dans la peinture de chevalet, principalement dans le paysage, et dans l'art théâtral et décoratif.
Le charme de l'art de Korovine réside dans la chaleur, le soleil, dans la capacité de l'artiste à transmettre directement et vivement les impressions, dans la générosité de sa palette, dans la richesse coloristique de la peinture artistique.
Dans les mêmes années 1890, des changements importants ont eu lieu dans l'œuvre de Korovine. Il cherche à rendre le visible parfois de manière impressionniste. L'observation à long terme de la nature laisse place à la transmission de ses sensations. La structure picturale et plastique de l'art de Korovine est également en train de changer. Le rôle des formes d'étude de la peinture augmente, tandis que la peinture elle-même devient plus impulsive, pâteuse, large ; la couleur acquiert une grande sonorité décorative, une intensité et une richesse (« Hiver », 1894, ill. 200 ; « Été », 1895 ; « Roses et violettes », 1912, ill. 201 ; « Vent », 1916).
La créativité théâtrale de Korovine s'est formée dans l'environnement des figures de l'opéra privé russe S. I. Mamontov, mais il a atteint la plus grande renommée en travaillant dans les théâtres impériaux dans les années 1900 - 1910. Pendant plus de vingt ans, Korovine a dirigé la production du Théâtre Bolchoï. Il a participé activement à la lutte contre le conservatisme et la routine qui régnaient sur la scène de l'État, apportant une haute culture artistique à ces théâtres et, avec un certain nombre d'autres maîtres célèbres, a élevé l'importance d'un artiste de théâtre au niveau d'un co-auteur de la pièce. Korovine est un brillant maître de la décoration pittoresque, efficace, émotionnelle, réaliste. Les performances qu'il a conçues étaient vraiment un régal pour les yeux.
Les meilleures œuvres théâtrales de Korovine sont généralement associées à des thèmes nationaux, avec la Russie, son épopée et son conte de fées, son histoire et, surtout, avec sa nature (opéra de N. A. Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, 1909 ; opéra de M. P. Musorgsky Khovanshchina , 1911 ).
MA Vroubel(1856-1910). La nature a été généreuse envers Mikhail Aleksandrovich Vroubel. Elle l'a doté de capacités coloristiques brillantes, un don rare d'un monumentaliste, il a peint magnifiquement, l'envol de son imagination est vraiment étonnant. Le travail de Vrubel est profondément significatif et complexe. Il était toujours préoccupé par les idéaux élevés et les grands sentiments humains. Il rêvait de "réveiller l'âme des petites choses de la vie quotidienne avec des images majestueuses". Son art, étranger à l'indifférence, est toujours romantique et émouvant.
Mais les idéaux de Vroubel se sont développés dans les conditions difficiles de la vie environnante. Voulant sortir de ses contradictions criantes, l'artiste a tenté de se retirer dans le monde des images abstraites. Cependant, étant un grand artiste, il ne pouvait toujours pas s'isoler de la réalité. Son art le reflète, porte les traits de l'époque.
Même dans ses années d'études, Vroubel était différent de ses pairs. Il a marché vers la maîtrise, contournant presque la timidité et la raideur de l'école. Cela s'est manifesté dans ses compositions à plusieurs figures sur un thème donné, qui étaient inhabituellement faciles pour lui ("Les Fiançailles de Marie à Joseph"), et dans sa maîtrise de la technique de l'aquarelle et dans la fine plasticité de ses portraits.
Un rôle important dans la formation de l'œuvre de Vroubel a été joué par son professeur P.P. Chistiakov, qui lui a inculqué une compréhension constructive de la forme dans l'art, ainsi que par des artistes avancés, membres du cercle Abramtsevo. Ces liens, ainsi que plus tard sa connaissance de N.A.Rimsky-Korsakov, Vroubel les doit à l'ajout de fondations nationales dans son travail.
Vroubel est resté à l'Académie des Arts pendant quatre ans. En 1884, il part pour Kiev pour restaurer et renouveler les peintures murales de l'église Saint-Cyrille. Déjà dans ces œuvres et dans les esquisses non réalisées pour les peintures de la cathédrale de Vladimir, l'énorme don de l'artiste est révélé. Utilisant les traditions de la peinture byzantine et russe ancienne, de l'art de la Renaissance, Vroubel reste profondément original. L'expression accentuée des sentiments, la couleur intense, le tempérament d'écriture donnent à ses images un drame particulier.
En 1889, Vroubel s'installe à Moscou. Depuis ce temps, le temps est venu pour son apogée créative. Il maîtrise de nombreux genres artistiques. Il s'agit d'une peinture de chevalet, d'une illustration de livre, d'un panneau décoratif monumental et d'un décor de théâtre. Vrubel puise beaucoup dans la nature, aime la majolique. L'artiste améliore inlassablement ses compétences, il est sûr que "la technique est le langage de l'artiste", que sans elle il ne pourra pas dire aux gens ses sentiments, la beauté qu'il a vue. L'expressivité de ses œuvres est encore renforcée par une peinture dynamique, chatoyante, comme un bijou, en couleur, inspirée du dessin.
Le thème du Démon, inspiré du poème de M. Yu. Lermontov, devient l'un des thèmes centraux de l'œuvre de Vroubel. Captivé par la haute romance du poème, il l'illustre ("Tamara dans la tombe", 1890-1891) et crée des images des personnages centraux proches de Lermontov par l'esprit, la puissance d'expression et l'habileté. En même temps, l'artiste les dote de traits d'expressivité et de brisement accrus, qui deviendront bientôt l'empreinte de son temps. Pendant plus de dix ans, Vroubel revient encore et encore à l'image du Démon. Son évolution est une sorte de confession tragique de l'artiste. Il imaginait ce mauvais esprit du ciel beau, fier, mais infiniment solitaire. D'abord puissant, dans la force de l'âge, croyant encore qu'il trouverait le bonheur sur terre ("Le Démon assis", 1890, ill. XIV), le Démon est plus tard dépeint comme invaincu, mais déjà brisé, avec un corps brisé , étalé parmi les froides montagnes de pierre ("Le Démon vaincu", 1902). Dans ses yeux brûlants de colère et sa bouche obstinément fermée, il y a un esprit rebelle et un destin tragique.
Dans les années 1890, un autre thème, primordialement russe, le folklore, devient progressivement dominant dans l'œuvre de Vroubel. L'artiste est toujours attiré par des héros puissants et titanesques, mais maintenant ils apportent la bonté et la paix. Dans le panneau monumental et décoratif "Mikula Selyaninovich" (1896), Vroubel a dépeint le héros épique comme un simple fermier, a vu en lui la personnification de la puissance de la terre russe. Tel est le "Bogatyr" (1898), comme fusionné avec son cheval, un puissant chevalier - pas un guerrier, mais protégeant avec vigilance la paix de sa patrie.
Les images fabuleuses de Vrubel sont magnifiques. Ils combinent avec bonheur la vérité de l'observation, la poésie profonde, la romance sublime et la fantaisie qui transforme tout ce qui est ordinaire. Elle est inextricablement liée à la nature. En fait, la spiritualisation de la nature, sa personnification poétique est à la base des contes de Vroubel. Mystérieusement, son « Vers la nuit » (1900). Dans "Pan" (1899, ill. 204), représentant le dieu aux pieds de bouc des forêts, il y a beaucoup d'humanité. Dans ses yeux fanés, depuis longtemps fanés, brillent à la fois la bonté et la sagesse séculaire. En même temps, c'est comme un tronc de bouleau ressuscité. Les boucles grises sont comme des boucles d'écorce blanche et les doigts sont des nœuds noueux. "La princesse cygne" (1900, ill. 203) est à la fois une princesse-fille aux yeux bleus avec une longue tresse jusqu'à la taille et un oiseau majestueux aux ailes de cygne, nageant dans la mer bleue.
De grandes pensées et de grands sentiments, un large éventail d'imagination ont entraîné Vrubel dans le monde de l'art monumental, et c'est devenu l'une des principales directions de son travail. Dès les années 1890, ayant retrouvé la forme de panneaux décoratifs monumentaux, l'artiste les exécuta sur ordre de mécènes éclairés (panneau "Espagne", ill. 202, "Venise", série consacrée au poème de Goethe "Faust"). Avec l'intégrité monumentale de la forme, ils ont toujours conservé la subtilité du dessin plastique et la profondeur psychologique de l'image.
Les portraits de Vrubel se distinguent également par leur originalité et leur signification artistique. Elles sont profondes et très expressives, l'artiste a donné à chaque modèle une spiritualité particulière, et parfois même dramatique. Tels sont les portraits de S. I. Mamontov (1897), du poète Valery Bryusov (1906), de nombreux autoportraits (par exemple, 1904, ill. 205) et des portraits de sa femme, la célèbre chanteuse N. I. Zabela-Vroubel.
Les dix dernières années de sa vie ont été douloureuses pour Vroubel. Son merveilleux don s'est longtemps battu contre une grave maladie mentale. Ne pouvant plus tenir un pinceau à la main, il peint beaucoup, frappant l'environnement par la pureté des formes structurelles du dessin. La vision s'est progressivement estompée. Vroubel est mort à l'apogée de ses pouvoirs créateurs.
V. E. Borisov-Musatov(1870-1905). La tendance à la poétisation des images, caractéristique de l'art russe des années 1890 - début des années 1900, a trouvé son expression dans l'œuvre de Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Son talent lyrique a commencé à se manifester dès les premières années d'études dans des images douces de nature poétique, mais ce n'est qu'à partir de la fin des années 1890 que le cercle des thèmes préférés de Musatov et le système figuratif et pictural de son art ont été déterminés. De toutes ses forces, l'artiste cherche à comprendre l'harmonie dans le monde et, ne la voyant pas autour, essaie de la recréer dans son imaginaire.
Les meilleures œuvres de Musatov - "Printemps" (1901), "Étang" (1902, ill. 206), "Collier d'émeraude" (1903-1904). L'artiste est toujours proche de la nature, mais il semble se réincarner en images élégiaques de son rêve émouvant, comme les images du symbolisme littéraire, perd la clarté des contours de la vie dans le flou des contours et l'instabilité des taches de couleur. Il habite ses parcs maussades avec des filles lentes, comme rêvantes, les habille de robes d'autrefois, les enveloppe autour d'elles et de tout ce qui les entoure avec une brume de légère tristesse.
"Monde de l'Art"- un phénomène important dans la vie artistique russe à la fin du 19ème - début du 20ème siècle, qui a joué un grand rôle dans le développement non seulement des beaux-arts en Russie, mais aussi du théâtre, de la musique, de l'architecture et des arts appliqués.
Le berceau du "Monde de l'Art" était un cercle de l'intelligentsia de Pétersbourg, né dans les années 1890. Il comprenait les artistes A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. A la fin de cette décennie, le "Monde de l'Art" prend forme en tant qu'association idéologique et artistique. Il a été suivi par V.A. Serov, qui l'a soutenu avec son autorité. EE Lansere et MV Dobuzhinsky ont rejoint le noyau du jeune groupe. Un grand rôle d'organisation a été joué par S.P.Dyagilev, dévoué aux intérêts de l'art. De 1899 à 1904, les figures du « Monde de l'Art » publient une revue littéraire et artistique. Cependant, son objectif n'était pas uniforme. Son département d'art, dirigé par d'éminents maîtres des arts visuels, était très différent du département littéraire-philosophique, qui avait un caractère symboliste-religieux.
Le monde des artistes considérait que leur objectif principal était le renouvellement de l'art russe, l'amélioration de sa culture artistique, ses compétences et une large familiarisation avec les traditions du patrimoine étranger et national. Ils ont beaucoup travaillé et fructueusement non seulement en tant qu'artistes, mais aussi en tant qu'historiens de l'art, critiques, vulgarisateurs de l'art classique et contemporain.
Le Monde de l'Art a joué un rôle particulièrement important dans la vie artistique russe dans la première période de son existence, qui a duré une dizaine d'années. Les artistes Mir ont organisé de vastes expositions d'art national et étranger, ont été les initiateurs de nombreux efforts artistiques. Ils se sont alors déclarés opposants à la fois à l'académisme routinier et à la petite vie quotidienne de certains itinérants ultérieurs.
Dans leur pratique créative, le Monde des Artistes est parti d'observations de vie spécifiques, représentant la nature et l'homme contemporains, et de matériaux historiques et artistiques, se référant à leurs intrigues rétrospectives préférées, mais en même temps ils ont essayé de transmettre le monde sous une forme transformée. , dans des formes décoratives et une la recherche de l'art synthétique du "grand style" était considérée comme la tâche principale.
Dans les premières années de la vie de l'association, le Monde des Artistes a rendu hommage à l'individualisme qui imprégnait la culture européenne de ces années, et à la théorie de « l'art pour l'art ». Plus tard, dans la décennie pré-révolutionnaire, ils ont largement révisé leurs positions esthétiques, reconnaissant l'individualisme comme destructeur pour l'art. Pendant cette période, le modernisme est devenu leur principal ennemi idéologique.
Dans deux types d'art, les artistes du « Monde de l'Art » ont obtenu des succès particulièrement significatifs : dans le théâtre et le décoratif, qui incarnaient leur rêve d'harmonie des arts, autour de leur synthèse, et dans le graphisme.
Les graphiques ont attiré le monde de l'art comme l'une des formes d'art de masse, ils ont également été impressionnés par ses formes de chambre, répandues à l'époque dans de nombreux types d'art. De plus, le graphisme demandait une attention particulière, car il était beaucoup moins développé que la peinture. Enfin, les réalisations de l'industrie de l'imprimerie nationale ont également contribué au développement du graphisme.
Les paysages du vieux Pétersbourg et de ses faubourgs, dont les artistes glorifiaient la beauté, ainsi que le portrait, qui dans leur travail prenaient essentiellement une place égale au pittoresque, devinrent l'originalité du graphisme de chevalet du Monde de l'Art. A.P. Ostroumova-Lebedeva a apporté une grande contribution au graphisme du début du 20e siècle; dans son travail, la gravure sur bois est établie comme une forme d'art indépendante. L'œuvre romantique de V.D.Falileev, qui a développé l'art de la gravure sur linoléum, était particulière.
Le phénomène le plus important dans le domaine de la gravure a été le travail de V. A. Serov. Ils se distinguaient par leur simplicité, leur sévérité de forme et leur excellente habileté en dessin. Serov a également poussé le développement de la lithographie en avant, créant un certain nombre de portraits remarquables dans cette technique, se distinguant par leur expressivité avec une étonnante économie de moyens artistiques.
Les maîtres du monde de l'art ont obtenu un grand succès dans le domaine de l'illustration de livres, élevant la culture artistique du livre à un niveau élevé. Le rôle de A. N. Benois, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky est particulièrement important à cet égard. I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin et d'autres ont travaillé fructueusement dans le graphisme de livres.
Les meilleures réalisations de l'art graphique au début du siècle, et tout d'abord "Le monde de l'art", contenaient les conditions préalables au large développement du graphisme soviétique.
A. N. Benois(1870-1960). Alexander Nikolaevich Benois a agi comme l'idéologue du "Monde de l'Art". Intelligence, large formation, polyvalence de connaissances approfondies dans le domaine de l'art caractérisent Benoit. L'activité créative de Benoit est exceptionnellement polyvalente. Il a réalisé beaucoup de choses dans le graphisme de livres et de chevalets, était l'un des principaux artistes et figures de théâtre, critiques d'art et critiques d'art.
Comme d'autres World of Artists, Benoit préférait les thèmes des époques passées. Il était un poète de Versailles (ses deux séries versaillaises sont les plus connues - "Les Dernières Promenades de Louis XIV", 1897-1898 et la série 1905-1906, ill. 208). L'imagination créatrice de l'artiste s'enflamme lorsqu'il visite les palais et les parcs de la banlieue de Saint-Pétersbourg. L'histoire de la Russie se reflète également dans l'œuvre de Benoit. En 1907-1910, avec d'autres artistes russes, il travaille avec enthousiasme sur des peintures sur ce sujet pour la maison d'édition I. Knebel ("Parade sous Paul I", 1907; "Sortie de l'impératrice Catherine II au palais Tsarskoïe Selo", 1909 ).
Benois a habité ses compositions historiques détaillées, exécutées avec beaucoup d'imagination et d'habileté, avec de petites figures de personnes et avec soin, avec amour, reproduit les monuments de l'art et l'apparence quotidienne de l'époque.
Benoit a apporté une contribution majeure au graphisme des livres. La plupart des œuvres de l'artiste dans ce domaine sont associées à l'œuvre d'Alexandre Pouchkine. Dans son meilleur ouvrage - illustrations pour le poème "Le Cavalier de Bronze" (1903-1923), Benoit a choisi la voie d'un co-auteur, caractéristique du "Monde de l'Art". Il suivait le texte ligne par ligne, même s'il s'en écartait parfois, introduisant ses propres intrigues. Benois a accordé la plus grande attention à la beauté du vieux Pétersbourg, nouvellement découvert par le monde de l'art, après Pouchkine dépeignant la ville soit claire et calme, puis romantiquement confuse dans les terribles jours des inondations.
Les illustrations de Benois pour "La reine de pique" de Pouchkine ont également été réalisées avec une grande compétence professionnelle. Mais ils se distinguent par une interprétation plus libre du texte de Pouchkine, en ignorant parfois le psychologisme qui imprègne le récit.
Benois a été engagé dans une activité théâtrale pendant presque toute sa vie créatrice. Il s'est imposé comme un excellent artiste de théâtre, un subtil critique de théâtre. Dans les années 1910, au moment de son apogée créative, Benois a travaillé au Théâtre d'art de Moscou avec K. S. Stanislavsky et V. I. Nemirovich-Danchenko, souvent non seulement en tant qu'artiste, mais aussi en tant que metteur en scène, et dans les premières années "Les saisons russes " en Europe a effectué la direction artistique en eux. Ses œuvres théâtrales se caractérisent également par la précision dans la recréation des caractéristiques artistiques et quotidiennes de l'époque, le respect de l'intention dramatique de l'auteur et son goût artistique élevé. Création théâtrale préférée de Benois - le célèbre ballet de IF Stravinsky "Petrushka" (1911). Benoit possédait non seulement sa conception. Il est l'auteur du livret et prend une part active à sa production.
K.A. Somov(1869-1939). L'œuvre de Konstantin Andreevich Somov n'est pas moins typique du "monde de l'art". Contrairement à beaucoup de ses collègues du "Monde de l'Art", Somov a reçu une éducation artistique systématique. Il étudie à l'Académie des Arts, où il choisit l'atelier de I. E. Repin. Les solides compétences professionnelles qu'il avait acquises ici, Somov a inlassablement perfectionné à l'avenir, et sa brillante compétence est rapidement devenue largement connue.
Dans les premières années de son œuvre, Somov suit des traditions réalistes (portrait de son père, 1897). Dans le tableau "Dame en robe bleue" (portrait de l'artiste Ye. M. Martynova, 1897-1900), il y a aussi une pénétration psychologiquement subtile et profonde dans l'image portant l'empreinte du destin tragique du jeune artiste. Cependant, le désir de Somov de le relier à un temps passé (Martynova est vêtu d'une vieille robe), la scène qu'il a introduite en arrière-plan dans l'esprit du XVIIIe siècle, une scène de musique négligemment jouée par une dame et un monsieur, et une peinture devenue plus dure, annoncent une nouvelle recherche de l'artiste.
Au début des années 1900, l'œuvre de Somov a finalement été formée. Comme tous les artistes du monde, il peint volontiers des paysages. Toujours à partir de la nature, il a créé sa propre image de la nature, un poisson-chat, surélevé de manière romantique, avec une fine dentelle de feuillage gelé sur les arbres et un motif graphique complexe de leurs branches, avec une sonorité de couleur améliorée. Mais la place principale dans l'œuvre de l'artiste est occupée par des compositions rétrospectives. Leurs personnages habituels sont des dames maniérées, ressemblant à des poupées, portant de hautes perruques poudrées et des crinolines. Ensemble avec des messieurs langoureux, ils rêvent, s'amusent, flirtent. Somov a peint ces tableaux clairement sous l'influence des maîtres anciens. Sa peinture devient lisse, comme laquée, mais sophistiquée de façon moderne ("Hiver. Patinoire", 1915, ill. 210).
Le portrait occupe une place importante dans l'œuvre de Somov. Sa galerie de portraits de représentants de l'intelligentsia artistique est véritablement un repère de l'époque. Les meilleurs d'entre eux sont des portraits de A. A. Blok (1907, ill. 209), M. A. Kuzmin et S. V. Rachmaninov. Ils se distinguent par la précision, l'expressivité des caractéristiques et l'art de la performance. L'artiste, pour ainsi dire, élève tous les modèles au-dessus de la vie quotidienne, les dotant des qualités idéales générales du héros de son temps - l'intelligence et la sophistication.
E. E. Lancere(1875-1946). Evgeny Evgenievich Lansere est l'un des maîtres aux multiples facettes du monde de l'art. Il était engagé dans la peinture de chevalet et monumentale, le graphisme, était un artiste de théâtre, créait des croquis pour des œuvres d'art appliqué. Son travail est caractéristique du "Monde de l'Art", et en même temps, une originalité éclatante distingue Lanceray du monde de l'art. Il était également attiré par le XVIIIe siècle, il aimait créer des compositions impressionnantes sur ce sujet, mais elles se distinguent par une plus grande variété d'interprétation du contenu et le démocratisme des images. Ainsi, le tableau "Navires des temps de Pierre Ier" (1909, 1911) est imprégné de l'esprit du roman héroïque de Pierre le Grand, et la gouache "Impératrice Elizaveta Petrovna à Tsarskoïe Selo" (1905) se caractérise par un vie sobre vérité des images.
La place la plus importante dans l'œuvre de Lanceray est occupée par le graphisme - chevalet, livre et magazine. Ses œuvres graphiques sont élégantes, aux motifs parfois sophistiqués, imprégnées de l'esprit de l'époque et d'une clarté classique. L'œuvre centrale de l'artiste est une grande série d'illustrations pour l'histoire de Léon Tolstoï "Hadji Murad". Dans ceux-ci, Lancer a réussi à recréer la sage simplicité tolstoïenne avec le romantisme de l'ambiance générale et les personnages expressifs brillants des héros. Plus tard, Lanceray a beaucoup travaillé et fructueusement en tant qu'artiste soviétique.
M.V. Doboujinski(1875-1957). Comme Lancer, Dobuzhinsky appartenait à la jeune génération d'artistes du monde de l'art. Son travail, comme Lanceray, est typique de cette association et en même temps profondément unique. Dans l'art du chevalet, Dobuzhinsky préférait le paysage urbain. Mais il n'était pas seulement son chanteur, mais aussi un psychologue, non seulement louait sa beauté, mais dépeint l'autre côté de la ville capitaliste moderne, froidement mécaniste, la ville des poulpes ("Le Diable", 1906), des gens spirituellement dévastateurs ("L'homme avec des lunettes", 1905-1906).
Tant dans le graphisme du livre que dans l'art théâtral et décoratif, Dobuzhinsky se caractérise par une approche psychologique individuelle de l'interprétation de l'œuvre illustrée. L'artiste de style Andersen est gentil et plein d'esprit dans les dessins aux couleurs gracieuses pour le conte de fées "The Swineherd", lyrique et tendrement sentimental dans les illustrations pour "Poor Liza" de NM Karamzin et profondément dramatique dans la célèbre série d'illustrations pour l'histoire de FM Nuits Dostoïevski" (1922). Les meilleures œuvres théâtrales de Dobuzhinsky sont celles qu'il a jouées au Théâtre d'art de Moscou ("Un mois à la campagne" de I. S. Tourgueniev, 1909, "Nikolai Stavrogin" de F. M. Dostoïevski, 1913).
Le travail de nombreux maîtres du début du siècle - V. A. Serov, Z. E. Serebryakova, I. Ya. Bilibin, B. M. Kustodiev, I. E. Grabar et autres - est lié à un degré ou à un autre au "monde de l'art". Dans la même rangée - et Nicolas Roerich(1874-1947) - un artiste avancé, scientifique, personnalité publique de premier plan. Dans l'environnement artistique de cette époque, Roerich a distingué son amour pour l'histoire et l'archéologie de la Russie ancienne, pour l'art de la Russie ancienne. Dans son œuvre, il s'est efforcé de pénétrer au plus profond des siècles, dans le monde vivant et intégral des lointains ancêtres, pour le relier au développement progressif de l'humanité, aux idéaux d'humanisme, d'héroïsme et de beauté ("Hôtes d'outre-mer" , 1902, ill. 211 ; "La ville se construit", 1902).
"Union des artistes russes". L'Union des artistes russes (1903-1923) a joué un rôle important dans la vie artistique de la Russie au début du siècle. Son arrière-plan était les "Expositions de 36 artistes", organisées en 1901 et 1902 à Moscou. L'Union des artistes russes a été fondée à l'initiative des Moscovites afin de renforcer la jeune organisation artistique. De nombreux grands maîtres des deux capitales sont devenus ses membres, mais les peintres de Moscou ont continué à rester le noyau de l'Union des artistes russes - K. A. Korovine, A. E. Arkhipov, S. A. Vinogradov, S. Yu. Zhukovsky, L. V. Turzhansky , AM Vasnetsov, SV Malyutin, AS Stepanov. A. Rylov, K. F. Yuon, I. I. Brodsky, F. A. Malyavin étaient proches de "l'Union des artistes russes" dans leurs positions artistiques, participants actifs à ses expositions. En 1910, l'Union des artistes russes se sépare. De sa structure a quitté le groupe d'artistes de Saint-Pétersbourg, qui a restauré l'ancien nom "World of Art", un groupe qui a cessé d'exister en tant que syndicat d'exposition en 1903.
Le paysage est le genre principal dans l'art de la plupart des maîtres de l'Union des artistes russes. Ils étaient les successeurs de la peinture de paysage de la seconde moitié du XIXe siècle, élargissaient l'éventail des sujets - ils représentaient la nature de la Russie centrale, et le sud ensoleillé, et le nord rigoureux, et les anciennes villes russes avec leurs merveilleux monuments architecturaux, et d'anciens domaines poétiques, introduisaient souvent des éléments du genre dans leurs toiles, parfois des natures mortes. Ils tiraient la joie de vivre de la nature et aimaient peindre directement de la nature avec un pinceau large et capricieux, juteux, lumineux et coloré, développant et multipliant les réalisations de la peinture en plein air et impressionniste.
Dans les œuvres des maîtres de l'Union des artistes russes, l'individualité créative de chacun était clairement exprimée, mais ils présentaient également de nombreuses caractéristiques similaires - un vif intérêt pour une couverture visuelle rapide du monde, une soif d'une composition dynamique fragmentaire, le brouillage des frontières claires entre une peinture de composition et une esquisse à grande échelle. Leur peinture se caractérise par l'intégrité de la couverture plastique-colorée de la toile, un large coup de pinceau en relief sculptant la forme et la sonorité de la couleur.
Art de 1905-1907. Les événements de la première révolution russe, qui ont laissé une empreinte sur tout le cours ultérieur de l'histoire de la Russie et du monde, se sont reflétés de manière vivante dans les arts visuels. Jamais auparavant l'art russe n'avait joué un rôle aussi efficace dans la vie politique du pays qu'aujourd'hui. "Les dessins eux-mêmes incitent à un soulèvement", - c'est ainsi que le ministre de l'Intérieur, IN Durnovo, a déclaré dans un rapport au tsar.
Avec la plus grande profondeur, la révolution de 1905-1907 s'est reflétée dans la peinture de chevalet dans les œuvres de I. E. Repin ("Manifestation en l'honneur du 17 octobre 1905"), V. E. Makovsky ("Le 9 janvier 1905 sur l'île Vasilievsky"), Et I. Brodsky ("Les funérailles rouges"), VA Serov ("Les funérailles de Bauman"), SV Ivanov ("Tir"). Ci-dessus, nous avons déjà parlé des nombreuses œuvres sur le thème révolutionnaire de N. A. Kasatkin, en particulier de toiles telles que "L'Ouvrier-Militant".
Lors de la révolution de 1905-1907, le graphisme satirique, la forme d'art la plus mobile et la plus massive, atteignit un apogée sans précédent. Il existe 380 titres connus de magazines satiriques publiés en 1905-1907 pour un montant de 40 millions d'exemplaires. En raison de son ampleur, la révolution a rallié des artistes de diverses directions en un large et amical détachement. Parmi les participants aux magazines satiriques figuraient de grands maîtres tels que V.A.Serov, B.M.Kustodiev, E.E. ...
La plupart des magazines satiriques étaient libéraux. Le gouvernement tsariste, même après avoir publié un manifeste sur la liberté de la presse, n'a en fait pas autorisé la publication de journaux satiriques et politiques du Parti bolchevik. Le seul magazine d'orientation bolchevique - "Sting", auquel AM Gorki a participé, a été interdit après la publication du premier numéro et son bureau de rédaction a été détruit. Néanmoins, les meilleurs magazines satiriques de 1905-1907, grâce à leur contenu incriminant, l'acuité de la pensée politique d'actualité et la détermination, étaient d'une grande valeur éducative.
Le plus souvent, leur satire, tant dans le texte que dans la partie picturale, était dirigée contre l'autocratie. L'élite dirigeante de Russie et le tsar Nicolas II lui-même ont été particulièrement durement critiqués. La dénonciation des répressions sanglantes du gouvernement tsariste était également un thème commun.
Un magazine très courageux de ces années était Machine Gun, qui devait beaucoup à l'entreprise et à l'ingéniosité de son éditeur N. G. Shebuev et de l'artiste I. M. Grabovsky. Sur ses pages, des images généralisées des participants à la révolution - un ouvrier, un soldat, un marin, un paysan - sont apparues à plusieurs reprises. Sur la couverture de l'un des numéros de "Machine Gun", sur fond de cheminées d'usine fumantes, Grabowski a placé une image d'un ouvrier et a fait une inscription significative "Sa Majesté ouvrière le prolétaire de toute la Russie".
Il. 212. M.V. Dobujinski. Idylle d'octobre. "Bogey", 1905, n° 1
Le ton de combat était caractéristique de nombreux magazines ("Spectator", le plus durable d'entre eux, "Goblin", "Bogey" et sa suite "Hell Post"). Dans les deux dernières revues, V. A. Serov et de nombreux membres du monde de l'art ont collaboré. Ces deux magazines se distinguaient par l'art de leurs illustrations. Le premier présentait les compositions bien connues de Serov "Soldats, braves enfants, où est votre gloire ?" (Fig. 199), "Idylle d'octobre" de Dobuzhinsky (Fig. 212), Lansere - "Trizna" (Fig. 213); dans le second - "l'Olympe" de Koustodiev - des caricatures caustiques de membres du Conseil d'Etat. Souvent, les dessins de magazines satiriques étaient de la nature de croquis de tous les jours - des scènes sur le sujet du jour. L'allégorie, parfois avec l'utilisation d'œuvres populaires de chevalet d'artistes russes, parfois avec des images folkloriques, était une forme courante de déguisement de satire. L'activité de la plupart des revues satiriques de 1905-1907 est née de la révolution et s'est figée avec le renforcement de la réaction gouvernementale.
Art de 1907-1917. La décennie d'avant octobre en Russie après la défaite de la révolution de 1905-1907 a été une période de dures épreuves, une réaction endémique des Cent-Noirs. En 1914, la première guerre mondiale impérialiste éclate. Dans des conditions difficiles, le Parti bolchevique rassembla des forces pour l'offensive et, à partir de 1910, une vague d'un nouvel essor du mouvement révolutionnaire se développa, les préparatifs étaient en cours pour le renversement de l'autocratie. La Russie était à la veille des plus grands événements historiques.
La situation tendue dans le pays a encore compliqué la vie artistique russe. Beaucoup d'artistes étaient en proie à la confusion, aux humeurs vagues, aux élans passionnés mais sans fondement, aux expériences subjectives infructueuses, à la lutte entre les directions artistiques. Diverses théories idéalistes se sont généralisées, séparant l'art de la réalité et des traditions démocratiques. Ces théories ont été soumises à la critique impitoyable de V.I.Lénine.
Mais même dans une situation aussi difficile, le développement de l'art réaliste russe ne s'est pas arrêté. Un certain nombre d'éminents itinérants et membres de l'Union des artistes russes ont continué à travailler activement. Parmi les artistes des plus grandes associations créatives, il y a eu des tendances au rapprochement, des points de contact sur certaines questions fondamentales. Au cours de ces années, le monde de l'art a critiqué l'individualisme généralisé, a préconisé le renforcement d'une école d'art professionnelle, leur recherche d'un art d'un grand style est devenue encore plus ciblée. NK Roerich a exprimé l'idée que la lutte directionnelle n'exclut pas la possibilité de hisser la bannière du « réalisme héroïque » correspondant à l'époque.
L'interaction des genres individuels de la peinture s'est intensifiée, l'héritage domestique et classique a été repensé, V.A. Au cours de la décennie pré-révolutionnaire, seul un petit nombre de grandes peintures au contenu significatif ont été créées, mais ce n'est pas par hasard que ce n'est pas à ce moment-là que "Stepan Razin" de VI Surikov est apparu, qui répond au noble objectif de l'art national - à reflètent les grandes idées de notre temps. Une preuve significative du progrès de l'art russe était le désir d'un certain nombre de peintres - AE Arkhipov, LV Popov, KS Petrov-Vodkin, ZE Serebryakova et d'autres - de relier l'image du peuple à la pensée de la patrie, à leur patrie natale. terre. ...
Z. E. Serebryakova(1884-1967). Zinaida Evgenievna Serebryakova a chanté dans ses meilleures œuvres la vie paysanne d'un peuple travailleur. L'héritage d'A.G. Venetsianov et des grands maîtres de la Renaissance a joué un rôle important dans la formation de son art. La sévérité des images monumentales, l'harmonie et l'équilibre de la composition, les couleurs unies denses distinguent ses meilleures peintures. La "Récolte" (1915) et "Le Blanchiment de la toile" (1917, ill. XII) se distinguent particulièrement, dans lesquelles les figures, montrées en contre-plongée, sont si grandes et le rythme des mouvements est majestueux. La toile est perçue comme un monument au travail paysan.
K. S. Petrov-Vodkin(1878-1939). Au début de son travail, Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin a rendu hommage aux tendances symbolistes abstraites. Une étude approfondie des meilleures traditions de la Renaissance européenne et, surtout, de la lignée de l'art russe que l'on peut retracer dans les œuvres des peintres de la Russie antique a aidé l'artiste à montrer le démocratisme de la vision du monde. Dans les toiles "Mère" (1913 et 1915, ill. 214) et "Matin" (1917), les images de paysannes reflètent la grande pureté morale du monde spirituel du peuple russe. Le tableau "Bain du cheval rouge" (1912) est imprégné d'une prémonition de changements sociaux imminents. La composition laconique, la dynamique de l'espace, la sévérité classique du dessin et l'harmonie des couleurs, construites sur les couleurs principales du spectre, correspondent au sublime contenu idéologique.
P.V. Kouznetsov(1878-1968). Au début de sa carrière, Pavel Varfolomeevich Kuznetsov a également subi l'influence du symbolisme. La suite kirghize de ses toiles (Mirage dans la steppe, 1912, ill. 215 ; Sheep Shearing, 1912) reflète l'interprétation poétique de l'image d'un travailleur dans le monde qui l'entoure. Des histoires de vie simples, des gestes sans hâte et des visages calmes de personnes engagées dans le travail habituel dans leur pays natal, la structure musicale de la couleur, la solennité du paysage - tout recrée une image harmonieuse holistique.
Il. 215. P.V. Kuznetsov. Mirage dans la steppe. X., détrempe. 95 X 103.1912. Galerie Tretiakov
M. S. Saryan(1880-1972). Dans une série de tableaux basés sur les impressions de ses voyages dans les pays d'Orient, Martiros Sergueïevitch Saryan poétise également la vie populaire qu'il dépeint (Rue. Midi. Constantinople, 1910 ; Dattier. Egypte, 1911, etc.). Ses œuvres laconiques sont construites sur des silhouettes de couleurs vives et unies, des contrastes de rythme, de lumière et d'ombre. Les peintures sont résolument décoratives, les plans de l'espace sont clairement dessinés. La poésie des images de l'art de Saryan est déterminée par sa capacité à préserver un sens vif de la vie avec la sonorité intense et la beauté de la palette pittoresque.
Les meilleures œuvres des artistes susmentionnés, qui ont par la suite apporté une contribution inestimable à l'art soviétique, ont ouvert la perspective d'un développement ultérieur de l'art réaliste monumental, dont la création appartenait déjà à une nouvelle ère historique.
Portraits dans la décennie pré-révolutionnaire, les images avec une psychologie approfondie n'ont pas reçu un développement aussi large que dans la période précédente, mais un certain nombre d'exemples montrent leur enrichissement dans l'œuvre de maîtres exceptionnels. Qu'il suffise de rappeler les autoportraits de V.I.Surikov et M.V. Nesterov, où le monde spirituel complexe d'un homme d'art avec ses angoisses, sa méditation sur la vie, ou les caractéristiques pointues du portrait de V.A.
La continuation de cette ligne de portrait peut être vue dans les œuvres de S. V. Malyutin (par exemple, portraits de V. N. Baksheev, 1914, ill. 216, K. F. Yuon, 1916). La pose, la posture, les gestes et les expressions faciales véhiculent le caractère et témoignent de la personnalité exceptionnelle des représentants de l'art russe. Le portrait de A.M.Gorky (1910) I.I.Brodsky peint dans le même plan.
Le tableau "La Nonne" (1908, ill. 218) de BM Kustodiev est significatif en termes d'interprétation psychologique de l'image. Bien que l'auteur ne se soit pas donné pour tâche de créer une œuvre accusatrice, le pouvoir de pénétration réaliste dans le monde spirituel de la personne représentée a donné à cette image une certaine signification symbolique. Devant nous se trouve le gardien des fondements de l'église : à la fois bon et rusé, et bienveillant, et puissant, sans pitié. Cependant, l'art de Koustodiev, plein d'optimisme, est principalement orienté vers les traditions de l'antiquité russe, les coutumes populaires et les festivités. Dans ses toiles, il combine l'observation en direct de la nature, l'imagerie et la décoration vivante ("La femme du marchand", 1915, ill. 219; "Maslenitsa", 1916).
Les années 1910 sont associées à de grands succès dans le domaine d'un nouveau genre - le portrait théâtral, où l'artiste a une tâche créative difficile - pour montrer l'inspiration de l'acteur, sa transformation en image de scène. Le championnat ici appartient à A. Ya. Golovin. Connaissant parfaitement les traits de la scène et du drame, il crée une image majestueuse et tragique dans le portrait de F. I. Chalyapine dans le rôle de Boris Godounov (1912, ill. 220).
Le paysage d'une manière ou d'une autre attirait tous les artistes : ils étaient réunis dans ce genre par des recherches picturales et coloristiques. Cependant, pour beaucoup, l'image de la nature est devenue une solution à un croquis, et non un problème d'image, comme c'était le cas au XIXe siècle. Dans la période pré-révolutionnaire, seuls quelques grands maîtres ont réussi, représentant la nature, à transmettre le sentiment épique de la patrie - les motifs lyriques ont prévalu. AA Rylov s'est tourné vers les traditions de la peinture de paysage (Green Noise, 1904, ill. 217). Son tableau romantique Swans over the Kama (1912) préfigure le tableau Dans l'espace bleu, créé après la Grande Révolution socialiste d'Octobre. L'intérêt croissant pour le patrimoine national a provoqué l'émergence d'un certain nombre de suites pittoresques dédiées aux anciennes villes russes. Incluant des scènes de tous les jours dans la composition, les artistes ont montré la nature et l'homme, agissant également dans une peinture de paysage ("In Sergiev Posad" de K. F. Yuon, etc.).
Les peintres paysagistes, pour la plupart des représentants de "l'Union des artistes russes", ont considérablement enrichi leurs compétences en peinture. C'est ici que prévalent les études, une interprétation lyrique des motifs, souvent des motifs villageois, remontant à A.K.Savrasov, V.D. Polenov et I.I. Levitan, qui témoignent de la préservation des traditions démocratiques. La peinture en plein air a été reconstituée avec des paysages aussi colorés et poétiques que "Kem" (1917) de K. A. Korovine, "Vers le soir" de N. P. Krymov, les meilleures œuvres de S. A. Vinogradov ("Jardin de fleurs", "Printemps", 1911, ill. 221) et S. Yu. Zhukovsky ("Plotina", 1909, ill. 222; "Joyful May", 1912).
Le développement intensif reçoit et nature morte... Maintenant, ce genre est représenté par les œuvres d'un certain nombre d'artistes de diverses associations créatives, il est diversifié dans ses motifs, son contenu et ses tâches. Dans ses nombreuses natures mortes, K.A.Korovin attachait une grande importance à la décoration, à la beauté des couleurs. Le même début est typique des travaux de S. Yu. Sudeikin et N. N. Sapunov. IE Grabar a enrichi la peinture des réalisations de l'impressionnisme ("Table non nettoyée", 1907, ill. 223, etc.).
Dans le domaine de la nature morte, ainsi que du paysage et du portrait, les artistes de l'association "Jack of Diamonds", née en 1910, ont activement travaillé: P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin et autres. A la recherche de l'originalité nationale de l'art, ils utilisèrent les traditions du primitif national (estampe populaire, enseignes, plateaux de peinture, etc.), mais ils trouvèrent aussi des liens avec l'art français contemporain, principalement avec Cézanne et ses disciples. Les meilleures œuvres des maîtres de ce groupe, écrites d'une manière matériellement pesante, avec une portée décorative, exprimaient leur amour de la vie et une grande culture picturale. Tels sont, par exemple, le grotesque "Portrait de GB Yakulov" (1910, ill. 224) et la nature morte "Agave" (1916) de PP Konchalovsky, "Citrouille" (1914, ill. 225) et "Nature morte au brocart " (1917) I. I. Machkova.
Art théâtral et décoratif connu une apogée brillante: de nombreux peintres de premier plan ont travaillé pour le théâtre. Il suffit de mentionner les noms de V. A. Simov, V. A. Serov, A. Ya. Golovin, A. N. Benois, K. A. Korovin, L. S. Bakst, N. K. Roerich, I. Ya. Bilibin , BM Kustodiev et un certain nombre de performances conçues par eux ("Petrushka " par IF Stravinsky - AN Benois ; " Prince Igor " par AN Borodine - NK Roerich ; " Mascarade " par M. Yu Lermontov - A. Ya. Golovin et autres). Les "Saisons russes" à Paris et dans d'autres villes d'Europe occidentale, organisées par S. P. Diaghilev, dans la conception des performances auxquelles ont participé de nombreux maîtres nommés, ont glorifié l'art russe sur la scène internationale. Le haut niveau artistique des décors et des costumes, toute l'apparence de l'action scénique a étonné les étrangers avec la synthèse des arts, un spectacle d'une beauté extraordinaire et d'une originalité nationale.
Comme mentionné ci-dessus, le développement du réalisme en 1907-1917 a été compliqué par la crise de la culture bourgeoise. La partie la moins stable de l'intelligentsia artistique, bien qu'elle ait été capturée par l'esprit général de protestation contre la réalité bourgeoise, a succombé à des humeurs dépressives, s'est éloignée de la modernité et de la vie sociale, a nié les traditions démocratiques dans l'art, mais cette protestation elle-même avait généralement le caractère d'une rébellion anarchiste. Plus tôt que tout, ces phénomènes négatifs se sont reflétés dans les œuvres présentées à l'exposition « Blue Rose », organisée en 1907 et réunissant les artistes d'orientation symboliste. Les membres de ce groupe éphémère ont affirmé la domination de l'intuitionnisme dans la création artistique, sont entrés dans le monde des fantasmes fantomatiques mystiques. Mais les plus doués et déterminés (P.V. Kuznetsov, M.S.Saryan et quelques autres) déjà dans la décennie pré-octobre ont suivi la voie démocratique du développement dans leur travail.
Un certain nombre d'artistes, en particulier les jeunes, ont été entraînés dans le courant dominant des tendances modernistes dans les années 1910. Certains d'entre eux - les partisans du cubisme, du futurisme - revendiquaient la conformité de leur création de formes à l'âge de l'ingénierie et de la technologie, d'autres - primitivistes - cherchaient au contraire à revenir à l'immédiateté de la perception du monde par un non civilisé. personne. Toutes ces tendances étaient étroitement liées dans l'art de la décennie d'avant octobre. Ils ont abordé la peinture de "The Jack of Diamonds", tandis que les tendances stylistiques-primitivistes étaient particulièrement évidentes parmi les représentants du groupe avec le nom audacieusement choquant "Donkey's Tail". En fin de compte, toutes les variétés de formalisme qui se sont ensuite répandues dans l'art russe ont conduit à une déformation de la réalité, à la destruction du monde objectif ou, enfin, à l'impasse de l'abstractionnisme (rayonisme, suprématisme) - une expression extrême du modernisme.
Les contradictions de la vie artistique russe en 1907-1917 n'ont pas empêché le développement progressif de l'art réaliste en cette période difficile. Les maîtres russes progressistes ont ressenti l'approche des changements sociaux, ont ressenti consciemment ou intuitivement le besoin d'adapter leur travail à l'échelle des événements d'une époque historique mouvementée. Après la Grande Révolution d'Octobre, des artistes de toutes générations, certains plus tôt, d'autres plus tard, se sont associés à la construction d'une nouvelle culture socialiste, mettant leur art au service du peuple révolutionnaire ; sous l'influence de la réalité soviétique, il y a eu une restructuration de ceux qui auparavant rejetaient le réalisme comme méthode.
Auteur - TimOlya. Ceci est une citation de ce post
Dmitriev-Orenburgsky, Nikolai Dmitrievich, 1837-1898-peintre russe de genre et de bataille.Résurrection au village
Paysage rural
Portrait de N. D. Dmitriev-Orenburg par I. N. Kramskoy
Dmitriev-Orenbourgski Nikolaï Dmitrievitch- Peintre de genre et de bataille russe, graphiste, académicien et professeur de l'Académie impériale des arts. Né en 1838 à Nijni Novgorod, élevé dans la maison de son père et au gymnase provincial d'Ufa.
Après le déménagement de la famille à Saint-Pétersbourg, Dmitriev-Orenburgsky se préparait à entrer dans les cadets, mais sur les conseils du célèbre peintre Vasily Kuzmich Shebuev, il a commencé à suivre des cours à l'Académie impériale des arts. Il a étudié dans la classe de Fiodor Antonovitch Bruni, au cours de ses études, il a reçu de l'Académie pour le succès en dessin et en peinture, quatre petites et une grande médailles d'argent. L'artiste a ajouté l'épithète Orenburg à son nom de famille pour le distinguer des autres artistes Dmitrievs.
En 1860, Dmitriev-Orenburgsky a reçu une médaille d'or secondaire pour le tableau qu'il a peint selon le programme : « Jeux olympiques ». Au cours des deux années suivantes, il peint des tableaux : "La grande-duchesse Sofia Vitovitovna au mariage du grand-duc Vasily the Dark" et "La révolte de Streletsky", mais ne reçoit aucune récompense pour ses travaux.
La grande-duchesse Sofia Vitovtovna au mariage du grand-duc Vasily the Dark arrache la ceinture du prince Vasily the Kosy
Émeute de tir, 1862
En 1863, Dmitriev-Orenburgsky participe à nouveau au concours pour une médaille d'or du premier degré, mais ensuite, avec treize autres jeunes artistes (la fameuse "émeute des quatorze"), il refuse de suivre le programme académique proposé au concurrents. Quittant l'Académie avec le titre d'artiste du second degré, Dmitriev-Orenburgsky participa à la création de l'Artel des artistes libres (qui devint plus tard l'Association des expositions d'art itinérantes), dont il fut membre jusqu'en 1871. En 1868, Dmitriev-Orenburgsky a reçu le titre d'académicien pour le tableau "Le noyé dans le village". En 1869, le peintre accompagne le grand-duc Nikolaï Nikolaïevitch Romanov lors de son voyage dans le Caucase, ainsi que dans les provinces de Kharkov et de Voronej. Le résultat de ce voyage fut un album de 42 dessins. En 1871, Dmitriev-Orenburgsky se rendit en Europe aux frais de l'État, passa trois ans à Düsseldorf, où il suivit les conseils des célèbres artistes V. Vautier et L. Knaus, puis vécut longtemps à Paris.
Homme noyé dans le village
Dans la capitale de la France, Dmitriev-Orenburgsky est devenu l'un des fondateurs de l'association artistique "Société des artistes russes" (branche française), a exposé ses peintures dans les salons parisiens annuels, a parfois envoyé ses œuvres à Saint-Pétersbourg, l'artiste a également joué eaux-fortes et dessins pour les éditions illustrées russes et françaises. À Paris, dans l'œuvre de Dmitriev-Orenburgsky, il y a eu une transition de la peinture de genre à la peinture de combat, la raison en était la réception de la plus haute commande pour plusieurs peintures sur des sujets de la guerre russo-turque de 1877-1878. Pour deux d'entre eux (« La bataille sur les hauteurs de Sistov du convoi de l'empereur Alexandre II » et « L'entrée de l'empereur dans la ville de Ploesti »), l'Académie des Arts lui a décerné une chaire. Afin d'avoir toutes les allocations nécessaires pour l'exécution d'autres peintures de la même série, Dmitriev-Orenburgsky retourna en 1885 à la résidence permanente à Saint-Pétersbourg.
Parmi les œuvres de genre de l'artiste, outre le tableau mentionné ci-dessus "Le noyé à la campagne", les meilleures peuvent être considérées : "Deux minutes s'arrêtant" (1878) et "Feu à la campagne" (1885). Un certain nombre de peintures de Dmitriev-Orenburgsky, reproduisant divers épisodes de la dernière guerre russo-turque, ornent la grande galerie Pompeyev du Palais d'Hiver. Dmitriev-Orenburg Nikolai Dmitrievich est décédé en 1898 à Saint-Pétersbourg.
Incendie dans le village
Présentation du captif Osman-Pacha à Alexandre II à Plevna
Une bataille d'artillerie près de Plevna. Une batterie d'armes de siège sur la montagne du Grand-Duc.
Bataille à la baïonnette des régiments de la garde russe avec l'infanterie turque sur les hauteurs de Sistov le 14 juin 1877
Traversée du Danube
Parfois, nous devons discuter avec toutes sortes de monarchistes qui maudissent les bolcheviks russes pour avoir renversé le tsar (chose étrange, je sais que le tsar lui-même a abdiqué le trône pendant la révolution bourgeoise de février), et a détruit la vie paysanne heureuse en unissant les fermes paysannes en fermes collectives mécanisées (les mêmes fermes collectives qui ont alimenté toute la guerre dans le pays d'un front à l'autre).
Ils continuent de résister quand on leur parle de l'anarchie et de la pauvreté dans lesquelles les tsars allemands et leur environnement maçonnique-libéral ont plongé les paysans, de la famine régulière en Russie tsariste, qui, en raison des conditions climatiques et du faible développement des forces productives des villageois (force de traction des animaux, charrue, travail manuel) se répétait tous les 11 ans, et que le bolchevisme russe en tant que mouvement insurrectionnel populaire était engendré par des raisons objectives. Ils disent que c'est de la désinformation et de la propagande de « scoops coquins ».
Je ne veux pas discuter maintenant des lacunes et des avantages du mouvement "blanc" et "rouge" ... Il s'agit d'une conversation distincte et difficile pour un patriote russe. Je voulais aller au tournant du XIXe siècle et regarder la vie d'un simple paysan russe à travers les yeux d'un témoin oculaire.
Heureusement, des documents objectifs de cette époque ont survécu à ce jour - ce sont des peintures de nos célèbres artistes itinérants russes, qui peuvent difficilement être suspectés de sympathiser avec le pouvoir soviétique ou le socialisme.
Il est impossible de contester l'histoire de la vie russe capturée par eux.
Pérov. "Boire du thé à Mytishchi" 1862
Le servage a été aboli il y a un an. Apparemment, ces mendiants sont père et fils. Père sur une prothèse. Les deux sont coupés à l'extrême. Ils sont venus à Batiushka pour l'aumône. Où d'autre devraient-ils aller ?
L'attitude de ce Père envers les invités est visible sur la photo. La bonne essaie de les chasser.
Sur la photo, le garçon a environ dix ans. Le coup d'Etat d'octobre aura lieu dans 55 ans. Il aura alors 65 ans, il est peu probable qu'il vivra assez longtemps. Les paysans sont morts tôt. Eh bien, que pouvez-vous faire ... Est-ce une vie heureuse?
Pérov. "Voir les morts" 1865
Et c'est ainsi que les paysans se sont enterrés. Je veux attirer l'attention des monarchistes sur les visages heureux des enfants.
52 ans avant la révolution russe.
Vladimir Makovsky. "Petits broyeurs d'orgues" 1868
Il s'agit plutôt d'un paysage urbain. Des enfants qui gagnent leur vie. Jetez un œil à leurs simples visages russes. À mon avis, il n'est pas nécessaire de décrire leur état. Un garçon a 9-10 ans, une fille a 5-6 ans. Il reste 49 ans avant la révolution russe. Dieu sait qu'ils ont peu de chances de vivre.
Vladimir Makovsky "Visiter les pauvres" 1873
Ce n'est plus un village, mais une petite ville russe uyezd. Le tableau représente l'intérieur des locaux d'une famille pauvre. Ce n'est pas encore un cauchemar complet. Ils ont un poêle et ils ne sont pas complètement impuissants. Ils ne savent tout simplement pas qu'ils sont heureux, car ils vivent dans un état autocratique.
La fille sur la photo a environ 6 ans.La stratification de la société commence à atteindre un niveau dangereux. Il reste 44 ans avant la révolution russe. Elle vivra. vivra certainement!
Ilya Repin « transporteurs de barges sur la Volga » 1873
Sans commentaires. Il reste 44 ans avant la révolution russe.
Vasily Perov "Repas monastique" 1875
Un repas modeste pour les serviteurs de Dieu.
Soit dit en passant, j'ai lu sur Internet d'un « historien érudit » que l'église montrait une préoccupation maximale pour son troupeau.
La dégradation de l'église en tant qu'organisation est évidente. Il reste 42 ans avant la révolution russe.
Vasily Perov. "Troïka" 1880
Les petits enfants, comme la force de traction, tirant un seau d'eau. Il reste 37 ans avant la révolution russe.
Vladimir Makovsky. "Date" 1883
Le fils travaille comme apprenti. Sa mère est venue lui rendre visite et lui a apporté un cadeau. Elle regarde son fils avec compassion. C'est soit la fin de l'automne, soit l'hiver dehors (la mère est habillée chaudement). Mais le fils est pieds nus.
Il reste 34 ans avant la révolution russe. Ce garçon doit vivre.
Bogdanov Belski. "Récit oral" 1895
Faites attention aux vêtements et aux chaussures des enfants de paysans ordinaires. Et pourtant, ils peuvent être appelés chanceux. Ils étudient. Et ils n'étudient pas dans une école paroissiale, mais dans une école normale. Ils ont eu de la chance. 70% de la population était analphabète. Il reste 22 ans avant la révolution.
Ils auront alors environ 40 ans. Et dans 66 ans, les enfants de ces gars défieront l'État le plus puissant du monde - les États-Unis. Leurs enfants lanceront un homme dans l'espace et testeront une bombe à hydrogène. Et les enfants de ces enfants vivront déjà dans des appartements de deux ou trois pièces. Ils ne connaîtront pas le chômage, la pauvreté, le typhus, la tuberculose et commettront le crime le plus terrible - la destruction de l'État socialiste de leur peuple, du rideau de fer et de leur sécurité sociale.
Leurs arrière-petits-enfants vont se vautrer dans le gâchis du libéralisme, s'inscrire aux bourses du travail, perdre leurs appartements, se battre, se pendre, s'abreuver d'alcool et aborder en douceur la vie que l'on peut décrire comme « boire du thé à Mytishchi ».
Le résultat de la vie, qui est constamment affiché dans les images présentées ci-dessus, est l'image :
Makovsky " 9 janvier 1905 " 1905
C'est le dimanche sanglant. Exécution des travailleurs. Beaucoup de Russes sont morts.
Quelqu'un, après avoir regardé les images ci-dessus, dirait que la protestation du peuple a été provoquée par les bolcheviks ? Est-il possible qu'une personne heureuse et satisfaite soit emmenée à un rassemblement de protestation ? Qu'est-ce que "blanc" et "rouge" ont à voir avec ça ? La scission de la société a été causée par des raisons objectives et s'est transformée en une violente protestation massive. Pauvreté, dégradation de toutes les branches du gouvernement, engraissement de la bourgeoisie, analphabétisme, maladie...
Lequel d'entre eux devait être convaincu, qui agiter ?!..
Qu'est-ce que Lénine et Staline ont à voir là-dedans ?... La scission et l'effondrement de la société sont devenus tels qu'il est devenu impossible de gouverner cet État.
Au cours des 20 dernières années, les libéraux nous ont dit à la télévision qu'ils disaient que Bloody Sunday est un mythe soviétique. Il n'y a pas eu d'exécution. Et Pop Gapon était un enfant normal. Eh bien, des hommes ivres se sont rassemblés sur la place, eh bien, ils ont organisé un alcool. La police est venue avec les Cosaques. Tir en l'air. La foule s'est arrêtée. Nous avons parlé avec les hommes et… nous nous sommes séparés.
Alors que faire du tableau de Makovsky, qui a été peint en ce 1905 ? Il s'avère que l'image ment, mais Posner, Svanidza et Novodvorskaya disent la vérité ??
Ivanov Sergueï Vassilievitch. "Tournage". année 1905
Ivanov Sergueï Vassilievitch. "Émeute à la campagne" 1889
S.V. Ivanov. "Ils arrivent. Détachement punitif". Entre 1905 et 1909
Repin. "L'arrestation d'un propagandiste" 1880-1889
N.A. Yarochenko. "La vie est partout" 1888
Voici une si triste excursion ...
Personne n'a pris le pouvoir de personne. La monarchie a dégénéré biologiquement, dans des conditions de guerre, elle n'a pas pu gouverner le pays et a cédé la Russie aux francs-maçons occidentaux. Deux mois avant la prise du Palais d'Hiver, les socialistes-révolutionnaires, retranchés dans le gouvernement provisoire maçonnique, disaient : « Nous ne ressentons aucune menace de la part des bolcheviks. Mais les bolcheviks russes ont néanmoins pris le pouvoir.
A quoi ressemblait la Russie tsariste au début du XXe siècle ? C'était un pays agraire arriéré, avec un système de gouvernement primitif, avec une fichue armée digne de bataille, un peuple russe illettré et asservi, un système de succession pourri et un tsar allemand dégénéré et imbécile, terriblement loin des travailleurs.
Où, en 1913, ils battent des records de vente de pain à l'étranger, et les souliers du peuple russe tombent de faim.
En 1917, c'était une épave tuée par la Première Guerre mondiale avec une industrie debout, des transports à l'arrêt, une armée déserte et des villes mourant de faim !
C'était un pays pauvre, pauvre, où fonctionnaient 2 centrales électriques puis alimentaient en électricité la résidence du roi et ses cuvettes de toilettes. De plus, dans ce putain de système successoral, il y avait une horde de fonctionnaires, bureaucrates, propriétaires terriens, capitalistes et autres racaille germano-polonais-français-juif, russophobe libéral-maçonnique, réalisant la proximité du tsar et l'utilisant au moment où c'était nécessaire pour abattre une centaine d'autres ouvriers russes, alors et la cause de ceux qui se soulèvent contre toutes ces conditions inhumaines !
Et si la deuxième révolution russe n'avait pas eu lieu, nous aurions collectivement perdu l'occasion de voler dans l'espace, et la victoire dans la Seconde Guerre mondiale, et l'industrialisation, et une centrale nucléaire avec des rovers lunaires, et des bombes thermonucléaires et nos parents qui à peine vécu pour voir leur naissance.
Au fait, les armées de la Garde Blanche ont craché trois fois sur le tsar, la monarchie et le capitalisme ! Et cent fois de plus, ils ont craché sur les travailleurs russes !
Et s'il n'y avait pas eu 17 ans et la victoire de l'armée des ouvriers et des paysans russes (mouvement insurrectionnel russe), la Russie en tant qu'État aurait déjà cessé d'exister et serait devenue une colonie de l'Entente et des États-Unis. États (fournissant au mouvement blanc des chars, des armes, de la nourriture et de l'argent), désintégrés dans les républiques de Sibérie-Oural, la République d'Extrême-Orient, les cosaques internes et d'autres groupes de principautés indépendantes et insignifiantes qui auraient partagé le pouvoir pendant encore 50 ans avec Kolchak_Yude -rien_Wrangel.
Koltchak, bien qu'étant un officier russe avec un mélange de Noirs, était un gars si merveilleux qu'il a été nommé par l'Angleterre pas moins que le « souverain suprême de la Russie », et en même temps un résident anglais. Mais les paysans n'ont pas compris son « bon ». Et ils ont décidé qu'il avait bien reçu la balle.
Et s'il n'y avait pas eu la révolution russe et les "mauvais" bolcheviks, qui ont rassemblé le pays et la nation russe de haillons en l'an 23 et l'ont transformé en un grand camp militaro-industriel, nous ramperions certainement à genoux dans les pays occidentaux pour le droit de vivre sous le soleil.
Commençons par les raisons de déménager en Sibérie. La principale raison de la réinstallation dans l'ère post-réforme est économique. Les paysans pensaient qu'ils vivraient mieux en Sibérie que dans leur patrie, car dans leur patrie toutes les terres appropriées ont déjà été labourées, la population augmente rapidement (1,7-2% par an) et la quantité de terre par personne est décroissant d'autant, en Sibérie, car la culture de la terre est pratiquement infinie. Là où les rumeurs d'une vie riche en Sibérie se répandaient parmi les paysans, il y avait un désir de réinstallation. Les champions de la réinstallation étaient la terre noire, mais les provinces de Koursk, Voronej et Tambov densément peuplées et très pauvres. Il est intéressant de noter que les paysans non-chernozem (et surtout du nord) étaient enclins à la réinstallation dans une bien moindre mesure, bien qu'ils aient été privés des avantages de la nature - ils préféraient développer divers types de travail supplémentaire non agricole.
Les malheureux personnages de l'image ont-ils voyagé de la province de Tambov en Sibérie sur cette petite charrette ? Bien sûr que non. Ce genre de hardcore a pris fin dans les années 1850. Le chemin de fer atteint Tioumen en 1885. Ceux qui voulaient s'installer en Sibérie se rendaient à la gare la plus proche de leur lieu de résidence et commandaient un wagon de marchandises. Dans une telle voiture, petite (6,4x2,7m) et non isolée, c'était juste que - dans une oppression terrible et dans le froid - une famille paysanne avec un cheval, une vache, une réserve de céréales (pour la première année et les semis) et du foin, des outils et des articles ménagers ont été placés. La voiture se déplaçait à une vitesse de 150 à 200 km par jour, c'est-à-dire que le trajet depuis Tambov prenait quelques semaines.
A Tioumen, il fallait arriver le plus tôt possible à l'ouverture de l'Irtych, c'est-à-dire début mars, et attendre la dérive des glaces (ce qui pouvait arriver soit immédiatement, soit dans un mois et demi) . Les conditions de vie des colons étaient spartiates - des casernes en bois primitives et pour les plus malchanceux - des huttes de paille sur le rivage. Rappelons qu'en mars il fait encore froid à Tioumen, jusqu'à -10 en moyenne.
Une banquise passa, et de Tioumen, descendant l'Irtych puis remontant l'Ob, quelques paquebots coûteux furent envoyés (un paquebot est cher et difficile à construire sur un fleuve qui ne communique pas avec le reste du pays non plus par mer ou par chemin de fer). Il y avait un manque cruel d'espace sur les bateaux à vapeur, alors ils ont traîné le long d'une ligne de péniches primitives sans pont. Les péniches, qui n'avaient même pas d'abri élémentaire contre la pluie, étaient tellement bondées de monde qu'il n'y avait nulle part où s'allonger. Et même de telles péniches ne suffisaient pas à tout le monde, et rester jusqu'au deuxième voyage à Tioumen - sauter tout l'été, au cours duquel il était nécessaire d'organiser l'économie. Il n'est pas surprenant que l'embarquement des vapeurs, en raison de la désorganisation et des passions bouillonnantes, ressemble à l'évacuation de l'armée de Dénikine de Novorossiysk. La majeure partie des colons (et il y en avait 30 à 40 000 par an), se dirigeant vers l'Altaï, est descendu du bateau à vapeur dans la croissance rapide de Barnaul, et si l'eau était haute, alors encore plus loin, à Biysk. De Tioumen à Tomsk par l'eau 2400 km, à Barnaul - plus de 3000. Pour un vieux vapeur, traînant à peine le long des nombreuses failles dans le cours supérieur du fleuve, il faut un mois et demi à deux mois.
La partie terrestre la plus courte du voyage a commencé à Barnaul (ou Biysk). Les endroits disponibles pour le règlement étaient dans les contreforts de l'Altaï, à 100-200-300 km de la jetée. Les colons ont acheté des charrettes fabriquées par des artisans locaux à la jetée (et ceux qui n'avaient pas amené de cheval avec eux - et des chevaux) et sont partis. Bien sûr, tout l'inventaire paysan et le stock de semences ne peuvent pas tenir sur un seul chariot (dans le cas idéal, soulever 700-800 kg), mais le paysan n'a besoin que d'un seul chariot à la ferme. Par conséquent, ceux qui souhaitaient s'installer plus près de l'embarcadère donnaient leur propriété pour le stockage et effectuaient plusieurs voyages, et ceux qui partaient pour un voyage plus éloigné louaient au moins une voiture de plus.
Cette circonstance peut expliquer l'absence dans le chariot de l'immigré dans le tableau des objets encombrants nécessaires au paysan - charrues, herses, stock de grain en sacs. Soit cette propriété est stockée dans un hangar de stockage sur la jetée et attend un deuxième voyage, soit le paysan a loué une charrette et a envoyé son fils adolescent et une vache avec, et lui-même, avec sa femme, sa fille et son inventaire compact, s'est rapidement rendu sur le site d'installation proposé afin de choisir un site pour lui-même.
Où exactement et sur quelle base légale notre migrant allait-il s'installer ? Les pratiques qui existaient à l'époque étaient différentes. Certains ont suivi la voie légale et ont été attribués aux sociétés rurales existantes. Alors que les communautés sibériennes (qui se composaient des mêmes colons des années précédentes) disposaient d'une grande quantité de terres, elles acceptaient volontiers les nouveaux arrivants gratuitement, puis, après avoir analysé les meilleures terres, moyennant un droit d'entrée, puis elles ont commencé à refuser complètement. En quantité absolument insuffisante, la trésorerie a préparé et marqué les zones de réinstallation. Mais la plupart des colons de l'ère décrite (1880) étaient engagés dans l'auto-saisie des terres de l'État (mais du trésor complètement inutile), établissant hardiment des fermes et des villages illégaux. Le trésor n'a pas compris comment documenter la situation actuelle et a simplement fermé les yeux, n'interférant pas avec les paysans et ne les chassant pas de la terre - jusqu'en 1917, les terres des colons n'étaient jamais enregistrées comme propriété. Cependant, cela n'a pas empêché le Trésor de taxer les paysans illégaux de manière générale.
Quel serait le sort réservé au migrant s'il n'était pas mort ? Personne n'aurait pu prévoir cela. Environ un cinquième des immigrés de cette époque n'ont pas réussi à s'installer en Sibérie. Il n'y avait pas assez de mains, il n'y avait pas assez d'argent et d'équipement, la première année d'agriculture s'est avérée être une mauvaise récolte, une maladie ou la mort de membres de la famille - tout cela a conduit à un retour dans leur patrie. En même temps, le plus souvent, la maison des rapatriés était vendue, l'argent était dépensé - c'est-à-dire qu'ils revenaient s'enraciner chez leurs proches, et c'était le fond social du village. Notez que ceux qui ont choisi la voie légale, c'est-à-dire ceux qui ont quitté leur société rurale, se sont retrouvés dans la pire position - les autres villageois ne pouvaient tout simplement pas les accepter. Les étrangers en situation irrégulière avaient au moins le droit de rentrer et d'obtenir leur lot. Ceux qui se sont enracinés en Sibérie ont connu divers succès - la répartition entre les ménages riches, moyens et pauvres ne différait pas significativement de celle du centre de la Russie. Sans entrer dans les détails statistiques, on peut dire que peu de gens se sont vraiment enrichis (et ceux qui se débrouillaient bien dans leur pays d'origine), tandis que les autres faisaient les choses différemment, mais toujours mieux que dans leur vie précédente.
Qu'arrivera-t-il à la famille du défunt maintenant? Pour commencer, il convient de noter que la Russie n'est pas le Far West et que le défunt ne peut pas être simplement enterré au bord de la route. En Russie, tous ceux qui vivent en dehors de leur lieu d'enregistrement ont un passeport et la femme et les enfants entrent dans le passeport du chef de famille. Par conséquent, la veuve doit d'une manière ou d'une autre entrer en contact avec les autorités, enterrer son mari avec un prêtre, délivrer un acte de naissance, obtenir de nouveaux passeports pour elle-même et ses enfants. Compte tenu de l'incroyable rareté et de l'éloignement des fonctionnaires en Sibérie, et de la lenteur des relations postales officielles, résoudre ce seul problème peut prendre au moins six mois à une femme pauvre. Pendant ce temps, tout l'argent sera dépensé.
Ensuite, la veuve devra évaluer la situation. Si elle est jeune et a un enfant (ou des fils adolescents qui sont déjà entrés en âge de travailler), vous pouvez lui recommander de se remarier sur place (en Sibérie, il n'y avait toujours pas assez de femmes) - ce sera l'option la plus prospère. Si la probabilité de mariage est faible, la pauvre femme devra retourner dans sa patrie (et sans argent, ce chemin devra être fait à pied, en mendiant l'aumône en cours de route) et s'y habituer en quelque sorte. Une femme célibataire n'a aucune chance de démarrer une nouvelle ferme indépendante sans un homme adulte (à la maison et en Sibérie), l'ancienne ferme a été vendue. Alors la veuve ne pleure pas en vain. Son mari est non seulement décédé, mais tous ses projets de vie liés à l'indépendance et à l'indépendance ont été brisés à jamais.
Il est à noter que l'image ne représente en aucun cas l'étape la plus difficile du parcours de l'immigrant. Après un voyage hivernal dans un wagon de marchandises non chauffé, vivant dans une hutte sur les rives de l'Irtych gelé, deux mois sur le pont d'une péniche surpeuplée, un voyage sur leur propre chariot à travers la steppe fleurie était plus de détente et de divertissement pour la famille . Malheureusement, le pauvre homme n'a pas pu supporter les épreuves précédentes et est mort en chemin - tout comme environ 10 % des enfants et 4 % des adultes de ceux qui ont déménagé en Sibérie à cette époque. Son décès peut être associé à un milieu de vie difficile, un inconfort et des conditions insalubres qui ont accompagné la réinstallation. Mais, bien que cela ne soit pas évident à première vue, l'image n'indique pas la pauvreté - la propriété du défunt, très probablement, ne se limite pas à un petit nombre d'objets dans le panier.
L'appel de l'artiste n'a pas été vain. Depuis l'ouverture du chemin de fer sibérien (milieu des années 1890), les autorités ont progressivement commencé à s'occuper des colons. Les célèbres wagons "Stolypin" ont été construits - des wagons de marchandises isolés avec un poêle en fer, des cloisons et des couchettes. Des établissements avec assistance médicale, saunas, blanchisseries et alimentation gratuite des petits enfants sont apparus aux stations de jonction. L'État a commencé à marquer de nouvelles parcelles de terrain pour les personnes déplacées, à accorder des prêts pour l'entretien ménager et à accorder des allégements fiscaux. 15 ans après la peinture du tableau, ces scènes terribles sont devenues sensiblement moins nombreuses - bien que, bien sûr, la réinstallation ait continué à exiger un travail acharné et soit restée un test sérieux de la force et du courage humains.
Sur la carte, vous pouvez tracer le chemin de Tioumen à Barnaoul par l'eau. Permettez-moi de vous rappeler que dans les années 1880, le chemin de fer a pris fin à Tioumen.
La jeune génération des itinérants a apporté une grande contribution au développement de l'art démocratique russe, reflétant de différentes manières l'étape prolétarienne du mouvement de libération en Russie. Le contenu idéologique, les moyens d'expression de l'art ont sensiblement enrichi les individus créatifs qui se sont manifestés de diverses manières.
S.A. Korovine(1858-1908). Le thème paysan traverse toute l'œuvre de Sergei Alekseevich Korovin. La stratification de la campagne russe, l'émergence de koulaks-mangeurs de monde qui opprimèrent la paysannerie sans terre, sont révélées de manière vivante et expressive dans son tableau "Sur le monde" (1893, ill. 181). Le village est apparu ici tout nouveau : il n'y a pas d'ancien patriarcat, l'apparence extérieure des paysans a également changé, les relations entre eux ont changé. Korovine a longtemps travaillé sur la composition, a écrit de nombreux croquis. En tout on peut voir l'œil observateur d'un artiste qui connaissait bien la psychologie paysanne moderne.
La composition introduit immédiatement le spectateur dans l'espace de l'image, révélant l'intrigue - une dispute entre un pauvre et un poing. Et la coloration, soutenue dans un ton gris-ocre, traduit l'état d'une journée nuageuse, accentuant le contenu dramatique de l'intrigue.
A montré de manière véridique et convaincante l'état d'esprit général des personnes rassemblées lors de la réunion. La plupart sont encore incapables de comprendre l'essence des changements qui se sont produits avec l'invasion de la vie du village par l'ordre capitaliste. La foule des paysans est contrainte par le silence, sur certains visages - ahurissement. Un gros doute s'exprime chez le vieil homme assis dos au spectateur.
Korovine s'opposa à l'isolement de la foule des paysans par la manifestation ouverte des sentiments des opposants eux-mêmes. Le visage du pauvre homme déformé par la douleur, le mouvement vif de la figure dépeignent l'angoisse mentale d'une personne poussée au désespoir. Sous la forme d'un poing - calme, hypocrisie et ruse.
Profondément et avec précision, évitant les petits détails, mais traduisant avec précision la situation, Korovine révèle le sens des contradictions sociales à la campagne, révélant une position civique distincte. La signification artistique et cognitive de l'image est grande - ce document de l'époque ressuscité en images.
A. E. Arkhipov(1862-1930). Parmi les plus jeunes Wanderers, l'artiste au talent distinctif Abram Efimovich Arkhipov se démarque. Il venait de paysans et connaissait bien la vie forcée du peuple. La plupart de ses œuvres, comme celles de S.A. Korovine, sont consacrées au thème paysan. Ils sont de composition laconique et sont toujours pleins de trouvailles lumineuses, aériennes et pittoresques.
Dans l'un des premiers tableaux d'Arkhipov, "Une visite aux malades" (1885), l'attention est attirée sur une description soignée et véridique de la vie d'une famille de paysans pauvres et d'une triste conversation entre deux femmes âgées. Le paysage ensoleillé de la porte ouverte parle d'une nouvelle quête coloristique.
Une œuvre remarquable est le tableau "Le long de la rivière Oka" (1889, ill. 182), où Arkhipov représente un groupe de paysans assis sur une péniche. Ils sont si caractéristiques, peints avec une telle chaleur et une telle connaissance des personnages folkloriques, et le paysage estival est si lumineux et beau que la peinture a été accueillie par les contemporains comme une révélation artistique.
Arkhipov aimait la beauté modeste de la nature russe et l'a capturée avec poésie. Un sentiment profondément lyrique imprégna son "Reverse" (1896). La composition est construite à l'origine: la chaise est à moitié coupée par le bord inférieur de la toile, le conducteur est assis dos au spectateur - il semble que nous roulions nous-mêmes le long de ce large champ, la cloche sonne et une chanson sincère et gratuite coule. Les tons rosés fondants du ciel déclinant, la couleur sourde de l'herbe et la route poussiéreuse transmettent subtilement l'ambiance d'un jour mourant et une tristesse légère et inexplicable.
Arkhipov consacre l'image d'une travailleuse au tableau "Les journaliers d'une fonderie de fer" (1896) ; Plus clairement, la part désespérée du travailleur russe se reflète dans l'une des meilleures œuvres d'Arkhipov, Les Lavandières, connue en deux versions - à la Galerie nationale Tretiakov et au Musée national russe (fin des années 1890, ill. XIII).
L'artiste transporte le spectateur dans un sous-sol sombre et étouffant d'une blanchisserie minable, le représentant en fragments. La composition semble avoir été arrachée à la vie. Comme par hasard, nous avons jeté un coup d'œil dans cette pièce et nous nous sommes arrêtés avant le spectacle d'ouverture. Avec de larges touches rapides de tons délavés, Arkhipov a transmis les figures de blanchisseuses en activité, le sol humide de la buanderie, l'air saturé d'humidité, la lumière crépusculaire coulant de la fenêtre. Une image inoubliable d'une vieille femme au premier plan, accroupie pour se reposer : un dos courbé par la fatigue, une tête qui est tombée sur sa main, une lourde méditation sur son visage. L'artiste semble parler du sort de tous les travailleurs.
Reflétant la vie morne d'un peuple travailleur, Arkhipov n'a jamais perdu confiance en sa force inépuisable, l'espoir d'un avenir meilleur. Un début optimiste brillant a dominé la plupart de ses œuvres, ce qui est particulièrement visible dans les années 1900, à la veille d'événements révolutionnaires majeurs.
Les paysages nordiques d'Arkhipov contiennent des motifs simples et, à première vue, banals de la nature dure. Des huttes solitaires, le bord du ciel, tantôt transparent, tantôt nuageux, la surface lisse de la rivière. Mais quel charme l'artiste tire-t-il de ces motifs et de la modeste échelle de gris ! Les peintures d'Arkhipov sont imprégnées d'un sentiment vigoureux d'affirmation de la vie d'un simple Russe, né en étroite communication avec sa nature natale.
Le soleil éclatant imprègne les œuvres d'Arkhipov, consacrées à la vie paysanne. Ses toiles colorées expriment l'admiration pour la santé physique et morale du peuple russe. Ce n'est pas un hasard si sa palette a changé, devenant plus contrastée et décorativement généreuse. Arkhipov a continué cette série d'œuvres après la Grande Révolution socialiste d'Octobre.
S.V. Ivanov(1864-1910). L'un des successeurs les plus cohérents des traditions du réalisme critique était Sergei Vasilievich Ivanov. Dans les nouvelles conditions historiques, il a pu voir les contradictions profondes de la réalité russe et a répondu à de nombreuses questions douloureuses avec ses œuvres.
Ivanov a consacré une grande série d'ouvrages au sort difficile des paysans-migrants, à leurs errances forcées en Russie. Le triste sort de la famille, qui a perdu son soutien de famille, se reflète dans le meilleur tableau de cette série - "Sur la route. Mort d'un migrant" (1889, ill. 184).
Avec un sens incorruptible de la vérité, S. V. Ivanov mène une histoire pittoresque pleine de contenu sincère. L'ensemble de la scène, les détails du quotidien soigneusement sélectionnés sont écrits avec une main soignée et donnent à l'intrigue l'authenticité d'un événement vivant se déroulant sous nos yeux. L'échelle des figures par rapport à l'espace du paysage a été magistralement retrouvée : allant jusqu'à l'horizon lointain, elle rappelle un long et pénible voyage le long de la terre desséchée par la chaleur. Une personne solitaire, sans défense, souffrante au milieu du silence de la nature est l'essence de l'intention créatrice de l'artiste.
Au début des années 1890, Ivanov est devenu l'un des premiers chroniqueurs de la lutte révolutionnaire en Russie. De retour en 1889, il peint le tableau "Émeute dans le village", qui raconte la protestation sociale croissante parmi les paysans, et en 1891 - "Scène". La terrible vue des prisonniers allongés côte à côte sur le sol au point de transit, pieds nus enchaînés, frappa l'artiste. Ce n'est que dans les profondeurs que vous remarquez le regard perçant d'un forçat dirigé vers vous.
Au milieu des années 1890, Ivanov aborde souvent des thèmes de l'histoire russe des XVIe et XVIIe siècles. Dans ses peintures historiques, il y a des caractéristiques communes au travail de la plupart des peintres contemporains - l'interprétation quotidienne des intrigues et le caractère décoratif de la couleur. Mais contrairement à beaucoup, Ivanov ne s'est pas désintéressé du côté social du dépeint. Tels sont, par exemple, les tableaux « L'arrivée des étrangers à Moscou au XVIIe siècle » (1901, ill. 185), qui traduisent parfaitement l'aspect historiquement correct de l'ancienne capitale et les caractères de ses habitants, et « Tsar. XVIe siècle" (1902), qui était perçu par les contemporains comme une autocratie d'images satiriques.
Les événements de la révolution de 1905-1907 ont capturé Ivanov et provoqué un nouvel élan créatif. Même à la veille de celle-ci, il dédie le tableau "La Grève" aux ouvriers révoltés de l'usine. Tout de même, son talent se manifeste dans la toile relativement petite "Shooting" (1905). C'est l'une des œuvres les plus significatives reflétant le massacre sanglant du tsarisme sur le peuple. C'est une image sévère, laconique, construite sur le contraste de plans pittoresques clairs.
La toile représente une place déserte, baignée par le soleil du soir, entourée d'une rangée de maisons ombragées, et une silhouette sombre et solitaire d'un ouvrier assassiné. Depuis ce grand plan lumineux et figure immobile, l'artiste entraîne le regard du spectateur dans les profondeurs. A gauche, les premiers rangs de cosaques sont vus dans la fumée de poudre, à droite des manifestants. Le bandeau rouge - le point le plus lumineux - fait ressortir cette partie de la composition. On a l'impression qu'un événement tragique et vivant se déroule sous nos yeux.
La peinture d'Ivanov est perçue comme un symbole non seulement du massacre sanglant du peuple rebelle, comme l'avait voulu l'artiste, mais de tout le sort de la première révolution russe, cruellement réprimée par le tsarisme.
N.A. Kasatkin(1859-1930). Élève de V.G. Perov, Nikolai Alekseevich Kasatkin, dans ses premières œuvres, s'est tourné vers les images folkloriques et les sujets dramatiques. Bientôt le thème principal de son œuvre fut la vie de la classe ouvrière et la lutte révolutionnaire du prolétariat russe.
Déjà en 1892, Kasatkin a peint le tableau "Dur", représentant une triste rencontre d'un jeune ouvrier blessé avec son épouse - une pauvre couturière. L'expression de tristesse et d'anxiété sur le visage de la jeune fille contraste avec la détermination et la confiance de l'ouvrier. Au début, le tableau s'appelait "Petrel", mais l'artiste a été contraint de changer de nom pour des raisons de censure. Et pourtant, le contenu politique de la toile parvient au spectateur, rappelant les grèves qui n'ont cessé d'éclater à cette époque.
La même année, Kasatkin a visité le bassin de Donetsk pour la première fois et depuis lors, pendant neuf ans, il a constamment été parmi les mineurs, a étudié leur vie et leur travail. Au début, ils se méfiaient de l'artiste, le prenant pour un espion envoyé, mais ensuite ils sont sincèrement tombés amoureux. Ils l'ont beaucoup aidé à travailler sur des images que l'art russe ne connaissait pas encore.
Le premier ouvrage de Kasatkin sur la vie des mineurs de Donetsk est le tableau Collecting Coal by the Poor in a Depleted Mine (1894). Des images typiques vivantes, un dessin précis et une peinture modeste, soutenue dans le ton général, distinguent cette toile.
Kasatkin lui-même est entré dans la clandestinité, a observé les conditions incroyables de travail vraiment pénible des mineurs et a écrit avec amertume : "... là où un animal ne peut pas travailler, il est remplacé par un homme." Cette idée se reflète dans le petit tableau "Le Mineur-Tyagolyk" (1896). Robe sombre aux reflets rougeâtres des lampes de mineurs; telle une bête de somme, un ouvrier rampe sous les arches en surplomb de la galerie et tire un traîneau chargé de charbon.
Le résultat du travail de Kasatkin sur le thème de la vie d'un mineur et de nombreux croquis est le tableau "Miners. Change" (1895, ill. 186). Ce fut la première œuvre de la peinture russe à montrer la solidarité croissante de la classe ouvrière. La faible lueur des lampes de mineur et le blanc vacillant des yeux dans l'obscurité impénétrable ajoutent de la tension à l'image. Au centre de la composition se trouve un mineur âgé. Avec un mégot dans ses mains, il marche directement vers le spectateur comme une formidable force venant en sens inverse.
Dans un certain nombre d'œuvres, Kasatkin a révélé le monde spirituel du prolétaire opprimé de plusieurs manières, avec une grande émotion. L'artiste a atteint un pouvoir particulier de pénétration dans l'image dans la toile "La femme d'un ouvrier d'usine" (1901), retirée de l'exposition par la censure tsariste.
Il semble que tout le triste destin d'une jeune femme, mais beaucoup de survivantes, soit capturé dans une silhouette fatiguée et affaissée, dans un regard fixe, dans une main qui est tombée à genoux. Un état d'esprit difficile se traduit sur un visage fatigué. Il y a de la douleur, de l'amertume et une colère naissante - tout ce qui était naturellement associé aux événements politiques de cette époque et faisait réfléchir le spectateur. Les couleurs des vêtements, sobres dans le ton, sont immergées dans l'environnement gris-ocre. La pâleur terreuse du visage est soulignée par un foulard blanc jeté sur les épaules.
Le grand mérite de Kasatkin est qu'il a non seulement vu le sort de la classe ouvrière en Russie, mais qu'il a pu remarquer et incarner sa force, son énergie et son optimisme. De l'image du « Mineur » (1894, ill. 187) respire la poésie de la vie, de la jeunesse, de la santé physique et mentale. La chaude couleur argentée de cette toile est harmonieuse. Le mouvement sans effort de la figure, doucement inscrit dans le paysage lumineux, est étonnamment vrai.
Kasatkin, qui connaissait bien la vie et les humeurs des ouvriers, sympathisait profondément avec eux, accueillit avec enthousiasme la révolution de 1905-1907. Il était pressé de capturer de nouvelles situations et images, à la recherche de nouveaux sujets. De nombreux croquis, croquis et peintures sont le résultat d'un grand travail créatif.
Dans les conditions difficiles d'une époque mouvementée, tout ce qui a frappé Kasatkin n'a pas pu trouver un affichage complet et complet, mais chacun, même un croquis superficiel, avait une valeur documentaire et artistique importante. Les peintures de l'artiste, créées à cette époque, sont significatives par leur contenu idéologique et témoignent de la recherche d'une composition émotionnellement intense. Un exemple est la peinture Le dernier voyage d'un espion (1905).
Kasatkin a travaillé avec enthousiasme sur la composition à plusieurs figures "Attaque de l'usine par des ouvrières" (1906), où une action dramatique complexe a été développée. Le mouvement d'une foule immense et bouillonnante, une variété de gestes sont ici véhiculés avec expression. On se souvient de certains croquis de ce tableau, en particulier de l'image d'une femme âgée en colère appelant à un soulèvement.
La signification exclusivement idéologique et artistique de la petite toile "Ouvrier-Combattant" (1905, ill. 188). Kasatkin a vu et capturé le type caractéristique d'un participant actif à la première révolution russe. Apparence, posture, démarche, visage sévère - tout parle du monde spirituel d'une personne des temps modernes - courage et détermination, calme et inflexibilité, conscience de l'importance de son objectif et noble modestie. Une telle personne pourrait vraiment aller à la tête des détachements révolutionnaires militants. L'image fait écho au héros de l'histoire "Mère" d'AM Gorky.
L.V. Popov(1873-1914). Lukyan Vasilyevich Popov appartient également aux plus jeunes représentants des itinérants. Avec une sensibilité particulière, il a remarqué les changements sociaux dans les campagnes, qui à cette époque pénétraient activement les sentiments révolutionnaires. Ses tableaux « Vers le couchant. Agitateur à la campagne » (1906), « À la campagne (Lève-toi, lève-toi !..) » (1906-1907, ill. 183), « Les socialistes » (1908), empreints d'ardent sympathie pour les héros courageux et courageux - un véritable document de la vie paysanne à la veille et à la période de la révolution de 1905-1907.
Les travaux d'A.P. Ryabushkin et de M.V. Nesterov étaient également associés aux traditions des itinérants. Cependant, dans leurs œuvres, d'une manière particulière et plus tôt dans le temps, de nouvelles quêtes créatives se sont manifestées, qui sont devenues typiques de l'art de la fin du XIXe - début du XXe siècle.
A.P. Ryabushkin(1861-1904). Andrei Petrovich Ryabushkin peut être appelé un artiste folklorique. Toute sa vie et son œuvre après ses années d'études passées à l'Ecole de Peinture, de Sculpture et d'Architecture, ainsi qu'à l'Académie des Arts, se déroulent dans le village. Son art était une sorte de réaction aux processus historiques de capitalisation de la Russie, lorsque « les vieilles fondations de l'économie paysanne et de la vie paysanne, fondations qui avaient vraiment tenu pendant des siècles, ont été détruites à une vitesse extraordinaire ». Ryabushkin a poétisé l'antiquité chère à son cœur, le mode de vie traditionnel de tous les jours, les traits stables de l'image nationale.
* (Lénine V. I. Lev Tolstoï comme miroir de la révolution russe. - Complet. collection cit., v. 17, p. 210.)
Les peintures de genre de Ryabushkin se caractérisent par des traits de calme et de silence. Représentant l'atmosphère patriarcale d'un mariage de village (« L'attente des jeunes mariés d'une couronne dans la province de Novgorod », 1891), l'artiste souligne la gravité et la dignité des paysans assis.
Dans les années 1890, Ryabushkin est apparu comme le maître original de la peinture historique et quotidienne russe. Dans le passé lointain de la Russie, il était le plus attiré par la vie quotidienne du vieux Moscou. La revitalisation règne pendant le dégel printanier dans le tableau "Rue de Moscou du XVIIe siècle en vacances" (1895). Voici une fille dans une maison d'été rouge, portant soigneusement une bougie, et des gars rustiques en robes longues, et un boyard arrogant passant dans une rue sale, et un mendiant aveugle. Les vêtements colorés décorés d'ornements russes, les reflets bleus du ciel dans les flaques d'eau, les dômes hétéroclites des églises et la vivacité générale du mouvement rendent cette image festive.
La brillante individualité de Ryabushkin s'est pleinement exprimée dans les peintures de 1901 "Ils s'en vont" (Fig. 189) et "Le train de mariage à Moscou (XVIIe siècle)" (Fig. 190). Le premier d'entre eux, avec une composition audacieuse et inhabituelle, représente des résidents de Moscou attendant des étrangers. C'est en quelque sorte un fragment arraché à l'image de la vie du peuple russe au XVIIe siècle. Leurs visages montraient de la curiosité, de la naïveté et de l'estime de soi. De grandes taches colorées de caftans d'archers jaunes, rouges et verts et des vêtements colorés de citadins donnent à l'image un ton majeur et un caractère décoratif prononcé.
Le tableau « Train de mariage à Moscou (XVIIe siècle) » est imprégné de la poésie de l'antiquité russe. Au silence d'une soirée de printemps, dans la brume lilas dont Moscou est plongée, et la figure solitaire d'une triste femme moscovite, s'opposent un magnifique train festif qui passe rapidement. L'esquisse de la peinture, contrastant avec le paysage plus densément peint, la coloration allégée, comme une fresque, le rythme subtilement trouvé dans tout le groupe central - tout cela a permis à Ryabushkin de transmettre avec équité l'apparence quotidienne d'une ville russe d'un temps lointain .
Le Tea Party de Ryabushkin (1903), écrit un an avant sa mort, est exceptionnellement expressif et d'une grande capacité. Il s'agit d'un travail de nature socialement critique. Si auparavant pour ses peintures de genre Ryabushkin choisissait le positif, le gentil, le beau dans la vie paysanne, maintenant il dépeint le monde du village riche. Il y a quelque chose de la prospérité philistine dans l'élégance et la froideur formelle de la consommation de thé ; dans le grotesque des images, dans la rigidité des plastiques picturaux inhabituels pour Ryabushkin, rappelant les anciens Parsuns, se lit le rejet de ce monde étranger par l'artiste.
M.V. Nesterov(1862-1942). Période de créativité pré-révolutionnaire complexe et contradictoire Mikhail Vasilyevich Nesterov.
Il débute sa carrière dans l'art par des peintures de genre proches des Vagabonds, mais à la fin des années 1880, un changement radical s'opère dans son œuvre. L'artiste entre dans le monde de la beauté idéale, chantant la pureté des sentiments religieux, représentant les habitants des monastères et des ermitages.
Le vieil ermite Nesterov dans le tableau "L'Ermite" (1888-1889), errant lentement le long du rivage d'un lac lisse comme un miroir, est infiniment loin des soucis de la vie. Son image est inextricablement liée à la beauté d'une nature sereine, sa tranquillité sereine.
Le paysage joue un grand rôle dans l'œuvre de Nesterov. Le poète de la nature russe Nesterov, capable de pénétrer profondément dans le monde intérieur de l'homme, relie toujours les expériences de ses personnages à l'état et à la nature du paysage.
Dans le tableau "Vision au jeune Barthélemy" (1889-1890, ill. 191), le seul personnage est un jeune pâle aux mains maigres serrées convulsivement dans l'extase de la prière. Mais le héros principal de l'artiste reste le paysage de la bande de Russie centrale, la nature spiritualisée, où l'artiste donne véritablement vie à chaque brin d'herbe, chacun participe à la glorification de la patrie.
À la fin des années 1890 - début des années 1900, l'artiste a créé une série de peintures consacrées au destin tragique d'une femme russe, soumise et souffrante ("Sur la Volga", "Sur les montagnes"). Dans Les Grands Voeux (1898), il montre la triste procession des habitants d'une petite skite, nichée au milieu d'une forêt dense, escortant une jeune femme encore pleine de force jusqu'au monastère. Visages affligés, silhouettes sombres de personnages, lumières tremblantes d'énormes bougies ... Il y a une profonde tristesse, mais à côté, il y a encore un monde merveilleux de nature, de forêts vierges et de jeunes bouleaux à tige mince de Nesterov.
Au début des années 1900, la compétence de Nesterov en tant que portraitiste a pris forme. Ici, le côté réaliste de l'œuvre de l'artiste s'est pleinement manifesté. La plupart des portraits de cette époque, Nesterov peint sur le fond du paysage, ainsi que dans les peintures, affirmant le lien inextricable entre l'homme et la nature. Dans le portrait d'O. M. Nesterova (1906, ill. 192), la figure d'une jeune fille dans une amazone noire se détache dans une belle silhouette sur fond de paysage lyrique du soir. Gracieuse et gracieuse, avec un regard émouvant et légèrement rêveur, cette fille personnifie pour l'artiste l'idéal de jeunesse, de beauté de la vie et d'harmonie.
Dans les années 1880, le travail de trois artistes russes exceptionnels a été formé - K. A. Korovin, M. A. Vroubel et V. A. Serov. Ils ont défini le plus complètement les réalisations artistiques de l'époque, sa complexité et sa richesse.
V.A. Serov(1865-1911). Le plus grand artiste de la fin du XIXe - début du XXe siècle était Valentin Aleksandrovich Serov. Son travail a continué le développement de l'art réaliste, en approfondissant son contenu et en élargissant ses possibilités expressives.
L'art de Serov est brillant et diversifié. Tout d'abord, il est un maître du portrait psychologique, pictural et graphique, mais son talent s'est également manifesté dans le paysage, le genre historique, l'illustration de livres, l'art décoratif décoratif et monumental. Dès l'enfance, Serov a été entouré par l'atmosphère de l'art. Son père, A.N.Serov, est un célèbre compositeur et musicien, sa mère est une pianiste de talent. Les professeurs de Serov étaient I.E. Repin et P.P. Chistyakov à l'Académie des Arts. Le premier contribua grandement à la formation des fondements démocratiques de l'œuvre de Serov et à l'éveil de l'intérêt pour l'étude curieuse de la vie ; au second, il devait une profonde compréhension des lois professionnelles de la forme.
Les premières œuvres de Serov - ses célèbres portraits "Fille aux pêches" (1887, ill. X) et "Fille illuminée par le soleil" (1888) - glorifiaient le jeune artiste et caractérisaient le mieux l'art des premiers Serov.
"Fille aux pêches" a été écrit à "Abramtsevo", le domaine de S. I. Mamontov, avec sa fille Vera. Dans cet excellent portrait, l'image créée par l'artiste, en raison de l'intégralité vitale du contenu, dépasse le cadre du portrait individuel, incarnant le principe universel. Dans une adolescente au visage sérieux et au regard sévère, dans sa retenue calme et sa spontanéité, l'artiste a réussi à transmettre la haute poésie d'une jeunesse lumineuse et pure.
Ce portrait est étonnamment beau dans sa peinture. C'est écrit en pleine lumière, très léger et matériel à la fois. Ses couleurs transparentes, exceptionnellement nettes, remplies de lumière, d'air, transmettent vivement les reflets de l'éclairage. La fraîcheur de la coloration de "Filles aux pêches", qui a tant émerveillé les contemporains, ainsi que la simplicité naturelle de la composition bien pensée, mettent le tableau à égalité avec les meilleures œuvres de la peinture mondiale.
Serov développe le même thème de la jeunesse dans The Girl in the Sunshine. Le contenu du portrait est le même sentiment gratifiant de la beauté spirituelle d'une personne et de la plénitude de son être.
Les années 1890 sont la prochaine étape dans l'œuvre de Serov. Au cours de ces années, l'artiste écrit le plus souvent des personnes d'art, et maintenant il veut avant tout révéler leur individualité créative. Avec le regard particulier de NS Leskov (1894), il exprime la vigilance d'un écrivain réaliste et curieux. La pensivité de II Lévitan s'apparente aux sentiments poétiques de l'artiste, l'aisance de la posture de KA Korovine (1891, ill. 193) est une sorte d'expression de la liberté et de l'immédiateté de son art.
Dans les années 1880, outre les portraits, Serov peignait également des paysages. Le plus souvent, il a trouvé des motifs à Abramtsevo et à Domotkanovo, où se trouvait le domaine de ses amis Derviz. Dans les années 1890, l'image de la nature rurale simple commence à prendre une place croissante dans l'œuvre paysagère de Serov. Souvent l'artiste introduit des figures de paysans dans ses tableaux, comme pour rapprocher le paysage du genre de la vie quotidienne ("Octobre. Domotkanovo", 1895, ill. 194, "Femme au cheval", 1898). IE Grabar a appelé l'artiste « paysan Serov » précisément pour ses paysages. En eux, la démocratie de son art s'exprimait avec une clarté particulière.
Dans les années 1900, le travail de Serov est devenu sensiblement plus complexe. La place principale y est encore occupée par des portraits. Par ailleurs, il continue de peindre des paysages, travaille sur des illustrations pour les fables de I.A.Krylov, commencées dans les années 1890. La peinture historique et monumentale-décorative est désormais constamment incluse dans le cercle de ses intérêts.
Dans les années 1900, le travail de portrait de Serov est devenu beaucoup plus diversifié. De nombreux portraits d'apparat laïques s'ajoutent aux portraits de ses proches. L'artiste reste toujours incorruptiblement véridique dans ses caractéristiques et exigeant sans relâche de lui-même, ne permettant pas la moindre négligence ou humidité dans sa performance. Comme auparavant, la base de son art du portrait reste la divulgation psychologique de l'image, mais Serov concentre désormais son attention sur les caractéristiques sociales des modèles. Dans les portraits des principaux représentants de l'intelligentsia russe, il cherche, avec une plus grande clarté qu'auparavant, à capturer et à souligner leurs qualités sociales les plus typiques et les plus remarquables. Dans le portrait d'A. M. Gorky (1905, ill. 195), par la simplicité de toute son apparence, par les vêtements d'un artisan, par le geste d'un agitateur, l'artiste souligne le démocratisme de l'écrivain prolétarien. Le portrait de M. N. Ermolova (1905, ill. 196) est une sorte de monument majestueux à la célèbre actrice tragique. Et l'artiste subordonne tous les moyens d'expression à l'identification de cette pensée. Le hall du manoir de Yermolova, dans lequel elle a posé pour Serov, est perçu comme une scène, et grâce au reflet dans le miroir d'un fragment de la colonnade, également comme un auditorium. Ermolova elle-même, dans sa robe noire stricte et solennelle, ornée seulement d'un fil de perles, est majestueuse et inspirée.
Les portraits de Serov de ses nobles clients sont complètement différents. Les portraits de cérémonie des Yusupov, S.M. Botkina, O.K. Orlova (Fig. 197) et bien d'autres ressemblent à des portraits du XVIIIe - première moitié du XIXe siècle, avec une brillante habileté, ils peignent des meubles exquis et des robes de dames élégantes. En décrivant les gens eux-mêmes, Serov a souligné leurs qualités sociales typiques qui caractérisent la classe à laquelle ils appartenaient. Ces portraits, comme disait V. Ya. Bryusov, sont toujours une épreuve des contemporains, d'autant plus terrible que l'habileté de l'artiste rend cette épreuve péremptoire.
Parmi les portraits similaires de Serov, l'une des premières places est occupée par le portrait de M.A. Morozov (1902), représenté sur le fond du salon de son manoir joliment meublé. Cet homme est instruit, connu pour son large mécénat et sa compréhension de l'art, mais la base du marchand d'argent de l'époque d'Ostrovsky est toujours vivante en lui. Le voici debout, tel un vivant, ce marchand européanisé de la fin du XIXe siècle, remplissant le format étroit de la toile d'une silhouette lourde et regardant droit devant lui d'un regard perçant. Le pouvoir de Morozov n'est pas seulement sa propriété personnelle, il trahit en lui un industriel, tout comme l'arrogance de la princesse O. K. Orlova en fait une représentante typique des cercles aristocratiques de la haute société du début du XXe siècle. Serov atteint une grande expressivité des portraits au cours de cette période grâce à la richesse des moyens picturaux utilisés, la manière artistique vyryirovanie, en fonction des caractéristiques de l'œuvre en cours de création. Ainsi, dans le portrait du banquier V.O. Girshman (1911) Serov est laconique à la manière d'une affiche, et dans le portrait de la princesse Orlova son pinceau devient raffiné et froid.
Comme mentionné ci-dessus, une place importante dans l'œuvre de Serov dans les années 1900 est occupée par le travail sur les compositions historiques. Il est particulièrement fasciné par le développement orageux et rapide de la vie de la Russie à l'époque de Pierre le Grand. Dans le meilleur tableau de ce cycle, Pierre Ier (1907, ill. 198), l'artiste dépeint Pierre comme un puissant réformateur de l'État. Ce n'est pas un hasard s'il est beaucoup plus grand que les satellites en hauteur. Le mouvement impétueux de Pierre et des courtisans le suivant à peine, le rythme tendu des lignes angulaires impétueuses dessinant nettement les silhouettes, l'agitation du paysage - tout cela crée l'ambiance de l'ère orageuse de Pierre.
Captivé par la beauté vivante de la Grèce, que Serov visita en 1907, il travailla aussi longtemps et avec enthousiasme sur des sujets mythologiques (L'Enlèvement d'Europe, Ulysse et Nausicaa). Comme toujours, il construit ces œuvres sur la base d'un travail grandeur nature, d'une observation attentive. Mais, les résolvant en termes de panneau décoratif monumental, l'artiste simplifie et primitivise quelque peu la forme plastique, tout en préservant cependant la vitalité de l'impression.
L'une des œuvres importantes de Serov de la fin des années 1890 - début des années 1900 - une série d'illustrations des fables de I.A.Krylov - a fait l'objet de ses préoccupations et de son attention inlassables. L'artiste a surmonté le caractère descriptif qui le gênait dans les feuilles de la période initiale de travail sur les fables, et a acquis une concision et une expressivité sages d'une forme savamment trouvée. Les meilleures de ces feuilles sont des chefs-d'œuvre de l'art de Serov. À la suite de Krylov, l'artiste n'a pas détruit l'allégorie des fables et a cherché à transmettre leur sens moral dans ses dessins. Dans les images d'animaux, des qualités purement humaines ont été révélées: le lion de Serov est toujours l'incarnation de la force, de l'intelligence et de la grandeur, l'âne, comme prévu, est la personnification de la stupidité, le lièvre est un lâche incorrigible.
Il. 199.V.A. Serov. « Soldats, braves enfants, où est votre gloire ? K., détrempe. 47,5 X 71,5. 1905. RM
Le travail de Serov le caractérise comme un artiste démocrate, à l'avant-garde des figures progressistes de la culture russe. Serov a prouvé sa fidélité aux principes démocratiques non seulement par son art, mais aussi par sa position sociale, en particulier lors de la révolution de 1905-1907. En tant que témoin de Bloody Sunday le 9 janvier, il a démissionné de tous les membres de l'Académie des arts, car le commandant des troupes qui réprimandaient le peuple était le président de l'Académie - le grand-duc Vladimir Alexandrovitch. Une vive protestation contre la violence et la cruauté de l'autocratie se fait également entendre dans les dessins incriminants audacieux de l'artiste publiés dans des magazines satiriques à l'époque de la révolution ("Soldats, braves enfants, où est votre gloire ?" (Fig. 199), " Vues des vendanges", "Accélération de la manifestation").
K.A. Korovine(1861-1939). Konstantin Alekseevich Korovin est l'un de ces maîtres qui ouvrent de nouvelles voies dans l'art et dont le travail est une école pour de nombreux artistes des générations suivantes.
Korovine est élève de l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, l'atelier de paysage de A.K.Savrasov, V.D. Polenov. Son travail a été formé dans la lignée de la peinture russe en plein air des années 1880 ("Le pont", "Idylle du Nord", "Au balcon. Femmes espagnoles Leonora et Ampara", ill. XI).
Depuis les années 1890, le temps est venu de la maturité créative de Korovine. Son talent se révèle tout aussi vivement à la fois dans la peinture de chevalet, principalement dans le paysage, et dans l'art théâtral et décoratif.
Le charme de l'art de Korovine réside dans la chaleur, le soleil, dans la capacité de l'artiste à transmettre directement et vivement les impressions, dans la générosité de sa palette, dans la richesse coloristique de la peinture artistique.
Dans les mêmes années 1890, des changements importants ont eu lieu dans l'œuvre de Korovine. Il cherche à rendre le visible parfois de manière impressionniste. L'observation à long terme de la nature laisse place à la transmission de ses sensations. La structure picturale et plastique de l'art de Korovine est également en train de changer. Le rôle des formes d'étude de la peinture augmente, tandis que la peinture elle-même devient plus impulsive, pâteuse, large ; la couleur acquiert une grande sonorité décorative, une intensité et une richesse (« Hiver », 1894, ill. 200 ; « Été », 1895 ; « Roses et violettes », 1912, ill. 201 ; « Vent », 1916).
La créativité théâtrale de Korovine s'est formée dans l'environnement des figures de l'opéra privé russe S. I. Mamontov, mais il a atteint la plus grande renommée en travaillant dans les théâtres impériaux dans les années 1900 - 1910. Pendant plus de vingt ans, Korovine a dirigé la production du Théâtre Bolchoï. Il a participé activement à la lutte contre le conservatisme et la routine qui régnaient sur la scène de l'État, apportant une haute culture artistique à ces théâtres et, avec un certain nombre d'autres maîtres célèbres, a élevé l'importance d'un artiste de théâtre au niveau d'un co-auteur de la pièce. Korovine est un brillant maître de la décoration pittoresque, efficace, émotionnelle, réaliste. Les performances qu'il a conçues étaient vraiment un régal pour les yeux.
Les meilleures œuvres théâtrales de Korovine sont généralement associées à des thèmes nationaux, avec la Russie, son épopée et son conte de fées, son histoire et, surtout, avec sa nature (opéra de N. A. Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, 1909 ; opéra de M. P. Musorgsky Khovanshchina , 1911 ).
MA Vroubel(1856-1910). La nature a été généreuse envers Mikhail Aleksandrovich Vroubel. Elle l'a doté de capacités coloristiques brillantes, un don rare d'un monumentaliste, il a peint magnifiquement, l'envol de son imagination est vraiment étonnant. Le travail de Vrubel est profondément significatif et complexe. Il était toujours préoccupé par les idéaux élevés et les grands sentiments humains. Il rêvait de "réveiller l'âme des petites choses de la vie quotidienne avec des images majestueuses". Son art, étranger à l'indifférence, est toujours romantique et émouvant.
Mais les idéaux de Vroubel se sont développés dans les conditions difficiles de la vie environnante. Voulant sortir de ses contradictions criantes, l'artiste a tenté de se retirer dans le monde des images abstraites. Cependant, étant un grand artiste, il ne pouvait toujours pas s'isoler de la réalité. Son art le reflète, porte les traits de l'époque.
Même dans ses années d'études, Vroubel était différent de ses pairs. Il a marché vers la maîtrise, contournant presque la timidité et la raideur de l'école. Cela s'est manifesté dans ses compositions à plusieurs figures sur un thème donné, qui étaient inhabituellement faciles pour lui ("Les Fiançailles de Marie à Joseph"), et dans sa maîtrise de la technique de l'aquarelle et dans la fine plasticité de ses portraits.
Un rôle important dans la formation de l'œuvre de Vroubel a été joué par son professeur P.P. Chistiakov, qui lui a inculqué une compréhension constructive de la forme dans l'art, ainsi que par des artistes avancés, membres du cercle Abramtsevo. Ces liens, ainsi que plus tard sa connaissance de N.A.Rimsky-Korsakov, Vroubel les doit à l'ajout de fondations nationales dans son travail.
Vroubel est resté à l'Académie des Arts pendant quatre ans. En 1884, il part pour Kiev pour restaurer et renouveler les peintures murales de l'église Saint-Cyrille. Déjà dans ces œuvres et dans les esquisses non réalisées pour les peintures de la cathédrale de Vladimir, l'énorme don de l'artiste est révélé. Utilisant les traditions de la peinture byzantine et russe ancienne, de l'art de la Renaissance, Vroubel reste profondément original. L'expression accentuée des sentiments, la couleur intense, le tempérament d'écriture donnent à ses images un drame particulier.
En 1889, Vroubel s'installe à Moscou. Depuis ce temps, le temps est venu pour son apogée créative. Il maîtrise de nombreux genres artistiques. Il s'agit d'une peinture de chevalet, d'une illustration de livre, d'un panneau décoratif monumental et d'un décor de théâtre. Vrubel puise beaucoup dans la nature, aime la majolique. L'artiste améliore inlassablement ses compétences, il est sûr que "la technique est le langage de l'artiste", que sans elle il ne pourra pas dire aux gens ses sentiments, la beauté qu'il a vue. L'expressivité de ses œuvres est encore renforcée par une peinture dynamique, chatoyante, comme un bijou, en couleur, inspirée du dessin.
Le thème du Démon, inspiré du poème de M. Yu. Lermontov, devient l'un des thèmes centraux de l'œuvre de Vroubel. Captivé par la haute romance du poème, il l'illustre ("Tamara dans la tombe", 1890-1891) et crée des images des personnages centraux proches de Lermontov par l'esprit, la puissance d'expression et l'habileté. En même temps, l'artiste les dote de traits d'expressivité et de brisement accrus, qui deviendront bientôt l'empreinte de son temps. Pendant plus de dix ans, Vroubel revient encore et encore à l'image du Démon. Son évolution est une sorte de confession tragique de l'artiste. Il imaginait ce mauvais esprit du ciel beau, fier, mais infiniment solitaire. D'abord puissant, dans la force de l'âge, croyant encore qu'il trouverait le bonheur sur terre ("Le Démon assis", 1890, ill. XIV), le Démon est plus tard dépeint comme invaincu, mais déjà brisé, avec un corps brisé , étalé parmi les froides montagnes de pierre ("Le Démon vaincu", 1902). Dans ses yeux brûlants de colère et sa bouche obstinément fermée, il y a un esprit rebelle et un destin tragique.
Dans les années 1890, un autre thème, primordialement russe, le folklore, devient progressivement dominant dans l'œuvre de Vroubel. L'artiste est toujours attiré par des héros puissants et titanesques, mais maintenant ils apportent la bonté et la paix. Dans le panneau monumental et décoratif "Mikula Selyaninovich" (1896), Vroubel a dépeint le héros épique comme un simple fermier, a vu en lui la personnification de la puissance de la terre russe. Tel est le "Bogatyr" (1898), comme fusionné avec son cheval, un puissant chevalier - pas un guerrier, mais protégeant avec vigilance la paix de sa patrie.
Les images fabuleuses de Vrubel sont magnifiques. Ils combinent avec bonheur la vérité de l'observation, la poésie profonde, la romance sublime et la fantaisie qui transforme tout ce qui est ordinaire. Elle est inextricablement liée à la nature. En fait, la spiritualisation de la nature, sa personnification poétique est à la base des contes de Vroubel. Mystérieusement, son « Vers la nuit » (1900). Dans "Pan" (1899, ill. 204), représentant le dieu aux pieds de bouc des forêts, il y a beaucoup d'humanité. Dans ses yeux fanés, depuis longtemps fanés, brillent à la fois la bonté et la sagesse séculaire. En même temps, c'est comme un tronc de bouleau ressuscité. Les boucles grises sont comme des boucles d'écorce blanche et les doigts sont des nœuds noueux. "La princesse cygne" (1900, ill. 203) est à la fois une princesse-fille aux yeux bleus avec une longue tresse jusqu'à la taille et un oiseau majestueux aux ailes de cygne, nageant dans la mer bleue.
De grandes pensées et de grands sentiments, un large éventail d'imagination ont entraîné Vrubel dans le monde de l'art monumental, et c'est devenu l'une des principales directions de son travail. Dès les années 1890, ayant retrouvé la forme de panneaux décoratifs monumentaux, l'artiste les exécuta sur ordre de mécènes éclairés (panneau "Espagne", ill. 202, "Venise", série consacrée au poème de Goethe "Faust"). Avec l'intégrité monumentale de la forme, ils ont toujours conservé la subtilité du dessin plastique et la profondeur psychologique de l'image.
Les portraits de Vrubel se distinguent également par leur originalité et leur signification artistique. Elles sont profondes et très expressives, l'artiste a donné à chaque modèle une spiritualité particulière, et parfois même dramatique. Tels sont les portraits de S. I. Mamontov (1897), du poète Valery Bryusov (1906), de nombreux autoportraits (par exemple, 1904, ill. 205) et des portraits de sa femme, la célèbre chanteuse N. I. Zabela-Vroubel.
Les dix dernières années de sa vie ont été douloureuses pour Vroubel. Son merveilleux don s'est longtemps battu contre une grave maladie mentale. Ne pouvant plus tenir un pinceau à la main, il peint beaucoup, frappant l'environnement par la pureté des formes structurelles du dessin. La vision s'est progressivement estompée. Vroubel est mort à l'apogée de ses pouvoirs créateurs.
V. E. Borisov-Musatov(1870-1905). La tendance à la poétisation des images, caractéristique de l'art russe des années 1890 - début des années 1900, a trouvé son expression dans l'œuvre de Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Son talent lyrique a commencé à se manifester dès les premières années d'études dans des images douces de nature poétique, mais ce n'est qu'à partir de la fin des années 1890 que le cercle des thèmes préférés de Musatov et le système figuratif et pictural de son art ont été déterminés. De toutes ses forces, l'artiste cherche à comprendre l'harmonie dans le monde et, ne la voyant pas autour, essaie de la recréer dans son imaginaire.
Les meilleures œuvres de Musatov - "Printemps" (1901), "Étang" (1902, ill. 206), "Collier d'émeraude" (1903-1904). L'artiste est toujours proche de la nature, mais il semble se réincarner en images élégiaques de son rêve émouvant, comme les images du symbolisme littéraire, perd la clarté des contours de la vie dans le flou des contours et l'instabilité des taches de couleur. Il habite ses parcs maussades avec des filles lentes, comme rêvantes, les habille de robes d'autrefois, les enveloppe autour d'elles et de tout ce qui les entoure avec une brume de légère tristesse.
"Monde de l'Art"- un phénomène important dans la vie artistique russe à la fin du 19ème - début du 20ème siècle, qui a joué un grand rôle dans le développement non seulement des beaux-arts en Russie, mais aussi du théâtre, de la musique, de l'architecture et des arts appliqués.
Le berceau du "Monde de l'Art" était un cercle de l'intelligentsia de Pétersbourg, né dans les années 1890. Il comprenait les artistes A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. A la fin de cette décennie, le "Monde de l'Art" prend forme en tant qu'association idéologique et artistique. Il a été suivi par V.A. Serov, qui l'a soutenu avec son autorité. EE Lansere et MV Dobuzhinsky ont rejoint le noyau du jeune groupe. Un grand rôle d'organisation a été joué par S.P.Dyagilev, dévoué aux intérêts de l'art. De 1899 à 1904, les figures du « Monde de l'Art » publient une revue littéraire et artistique. Cependant, son objectif n'était pas uniforme. Son département d'art, dirigé par d'éminents maîtres des arts visuels, était très différent du département littéraire-philosophique, qui avait un caractère symboliste-religieux.
Le monde des artistes considérait que leur objectif principal était le renouvellement de l'art russe, l'amélioration de sa culture artistique, ses compétences et une large familiarisation avec les traditions du patrimoine étranger et national. Ils ont beaucoup travaillé et fructueusement non seulement en tant qu'artistes, mais aussi en tant qu'historiens de l'art, critiques, vulgarisateurs de l'art classique et contemporain.
Le Monde de l'Art a joué un rôle particulièrement important dans la vie artistique russe dans la première période de son existence, qui a duré une dizaine d'années. Les artistes Mir ont organisé de vastes expositions d'art national et étranger, ont été les initiateurs de nombreux efforts artistiques. Ils se sont alors déclarés opposants à la fois à l'académisme routinier et à la petite vie quotidienne de certains itinérants ultérieurs.
Dans leur pratique créative, le Monde des Artistes est parti d'observations de vie spécifiques, représentant la nature et l'homme contemporains, et de matériaux historiques et artistiques, se référant à leurs intrigues rétrospectives préférées, mais en même temps ils ont essayé de transmettre le monde sous une forme transformée. , dans des formes décoratives et une la recherche de l'art synthétique du "grand style" était considérée comme la tâche principale.
Dans les premières années de la vie de l'association, le Monde des Artistes a rendu hommage à l'individualisme qui imprégnait la culture européenne de ces années, et à la théorie de « l'art pour l'art ». Plus tard, dans la décennie pré-révolutionnaire, ils ont largement révisé leurs positions esthétiques, reconnaissant l'individualisme comme destructeur pour l'art. Pendant cette période, le modernisme est devenu leur principal ennemi idéologique.
Dans deux types d'art, les artistes du « Monde de l'Art » ont obtenu des succès particulièrement significatifs : dans le théâtre et le décoratif, qui incarnaient leur rêve d'harmonie des arts, autour de leur synthèse, et dans le graphisme.
Les graphiques ont attiré le monde de l'art comme l'une des formes d'art de masse, ils ont également été impressionnés par ses formes de chambre, répandues à l'époque dans de nombreux types d'art. De plus, le graphisme demandait une attention particulière, car il était beaucoup moins développé que la peinture. Enfin, les réalisations de l'industrie de l'imprimerie nationale ont également contribué au développement du graphisme.
Les paysages du vieux Pétersbourg et de ses faubourgs, dont les artistes glorifiaient la beauté, ainsi que le portrait, qui dans leur travail prenaient essentiellement une place égale au pittoresque, devinrent l'originalité du graphisme de chevalet du Monde de l'Art. A.P. Ostroumova-Lebedeva a apporté une grande contribution au graphisme du début du 20e siècle; dans son travail, la gravure sur bois est établie comme une forme d'art indépendante. L'œuvre romantique de V.D.Falileev, qui a développé l'art de la gravure sur linoléum, était particulière.
Le phénomène le plus important dans le domaine de la gravure a été le travail de V. A. Serov. Ils se distinguaient par leur simplicité, leur sévérité de forme et leur excellente habileté en dessin. Serov a également poussé le développement de la lithographie en avant, créant un certain nombre de portraits remarquables dans cette technique, se distinguant par leur expressivité avec une étonnante économie de moyens artistiques.
Les maîtres du monde de l'art ont obtenu un grand succès dans le domaine de l'illustration de livres, élevant la culture artistique du livre à un niveau élevé. Le rôle de A. N. Benois, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky est particulièrement important à cet égard. I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin et d'autres ont travaillé fructueusement dans le graphisme de livres.
Les meilleures réalisations de l'art graphique au début du siècle, et tout d'abord "Le monde de l'art", contenaient les conditions préalables au large développement du graphisme soviétique.
A. N. Benois(1870-1960). Alexander Nikolaevich Benois a agi comme l'idéologue du "Monde de l'Art". Intelligence, large formation, polyvalence de connaissances approfondies dans le domaine de l'art caractérisent Benoit. L'activité créative de Benoit est exceptionnellement polyvalente. Il a réalisé beaucoup de choses dans le graphisme de livres et de chevalets, était l'un des principaux artistes et figures de théâtre, critiques d'art et critiques d'art.
Comme d'autres World of Artists, Benoit préférait les thèmes des époques passées. Il était un poète de Versailles (ses deux séries versaillaises sont les plus connues - "Les Dernières Promenades de Louis XIV", 1897-1898 et la série 1905-1906, ill. 208). L'imagination créatrice de l'artiste s'enflamme lorsqu'il visite les palais et les parcs de la banlieue de Saint-Pétersbourg. L'histoire de la Russie se reflète également dans l'œuvre de Benoit. En 1907-1910, avec d'autres artistes russes, il travaille avec enthousiasme sur des peintures sur ce sujet pour la maison d'édition I. Knebel ("Parade sous Paul I", 1907; "Sortie de l'impératrice Catherine II au palais Tsarskoïe Selo", 1909 ).
Benois a habité ses compositions historiques détaillées, exécutées avec beaucoup d'imagination et d'habileté, avec de petites figures de personnes et avec soin, avec amour, reproduit les monuments de l'art et l'apparence quotidienne de l'époque.
Benoit a apporté une contribution majeure au graphisme des livres. La plupart des œuvres de l'artiste dans ce domaine sont associées à l'œuvre d'Alexandre Pouchkine. Dans son meilleur ouvrage - illustrations pour le poème "Le Cavalier de Bronze" (1903-1923), Benoit a choisi la voie d'un co-auteur, caractéristique du "Monde de l'Art". Il suivait le texte ligne par ligne, même s'il s'en écartait parfois, introduisant ses propres intrigues. Benois a accordé la plus grande attention à la beauté du vieux Pétersbourg, nouvellement découvert par le monde de l'art, après Pouchkine dépeignant la ville soit claire et calme, puis romantiquement confuse dans les terribles jours des inondations.
Les illustrations de Benois pour "La reine de pique" de Pouchkine ont également été réalisées avec une grande compétence professionnelle. Mais ils se distinguent par une interprétation plus libre du texte de Pouchkine, en ignorant parfois le psychologisme qui imprègne le récit.
Benois a été engagé dans une activité théâtrale pendant presque toute sa vie créatrice. Il s'est imposé comme un excellent artiste de théâtre, un subtil critique de théâtre. Dans les années 1910, au moment de son apogée créative, Benois a travaillé au Théâtre d'art de Moscou avec K. S. Stanislavsky et V. I. Nemirovich-Danchenko, souvent non seulement en tant qu'artiste, mais aussi en tant que metteur en scène, et dans les premières années "Les saisons russes " en Europe a effectué la direction artistique en eux. Ses œuvres théâtrales se caractérisent également par la précision dans la recréation des caractéristiques artistiques et quotidiennes de l'époque, le respect de l'intention dramatique de l'auteur et son goût artistique élevé. Création théâtrale préférée de Benois - le célèbre ballet de IF Stravinsky "Petrushka" (1911). Benoit possédait non seulement sa conception. Il est l'auteur du livret et prend une part active à sa production.
K.A. Somov(1869-1939). L'œuvre de Konstantin Andreevich Somov n'est pas moins typique du "monde de l'art". Contrairement à beaucoup de ses collègues du "Monde de l'Art", Somov a reçu une éducation artistique systématique. Il étudie à l'Académie des Arts, où il choisit l'atelier de I. E. Repin. Les solides compétences professionnelles qu'il avait acquises ici, Somov a inlassablement perfectionné à l'avenir, et sa brillante compétence est rapidement devenue largement connue.
Dans les premières années de son œuvre, Somov suit des traditions réalistes (portrait de son père, 1897). Dans le tableau "Dame en robe bleue" (portrait de l'artiste Ye. M. Martynova, 1897-1900), il y a aussi une pénétration psychologiquement subtile et profonde dans l'image portant l'empreinte du destin tragique du jeune artiste. Cependant, le désir de Somov de le relier à un temps passé (Martynova est vêtu d'une vieille robe), la scène qu'il a introduite en arrière-plan dans l'esprit du XVIIIe siècle, une scène de musique négligemment jouée par une dame et un monsieur, et une peinture devenue plus dure, annoncent une nouvelle recherche de l'artiste.
Au début des années 1900, l'œuvre de Somov a finalement été formée. Comme tous les artistes du monde, il peint volontiers des paysages. Toujours à partir de la nature, il a créé sa propre image de la nature, un poisson-chat, surélevé de manière romantique, avec une fine dentelle de feuillage gelé sur les arbres et un motif graphique complexe de leurs branches, avec une sonorité de couleur améliorée. Mais la place principale dans l'œuvre de l'artiste est occupée par des compositions rétrospectives. Leurs personnages habituels sont des dames maniérées, ressemblant à des poupées, portant de hautes perruques poudrées et des crinolines. Ensemble avec des messieurs langoureux, ils rêvent, s'amusent, flirtent. Somov a peint ces tableaux clairement sous l'influence des maîtres anciens. Sa peinture devient lisse, comme laquée, mais sophistiquée de façon moderne ("Hiver. Patinoire", 1915, ill. 210).
Le portrait occupe une place importante dans l'œuvre de Somov. Sa galerie de portraits de représentants de l'intelligentsia artistique est véritablement un repère de l'époque. Les meilleurs d'entre eux sont des portraits de A. A. Blok (1907, ill. 209), M. A. Kuzmin et S. V. Rachmaninov. Ils se distinguent par la précision, l'expressivité des caractéristiques et l'art de la performance. L'artiste, pour ainsi dire, élève tous les modèles au-dessus de la vie quotidienne, les dotant des qualités idéales générales du héros de son temps - l'intelligence et la sophistication.
E. E. Lancere(1875-1946). Evgeny Evgenievich Lansere est l'un des maîtres aux multiples facettes du monde de l'art. Il était engagé dans la peinture de chevalet et monumentale, le graphisme, était un artiste de théâtre, créait des croquis pour des œuvres d'art appliqué. Son travail est caractéristique du "Monde de l'Art", et en même temps, une originalité éclatante distingue Lanceray du monde de l'art. Il était également attiré par le XVIIIe siècle, il aimait créer des compositions impressionnantes sur ce sujet, mais elles se distinguent par une plus grande variété d'interprétation du contenu et le démocratisme des images. Ainsi, le tableau "Navires des temps de Pierre Ier" (1909, 1911) est imprégné de l'esprit du roman héroïque de Pierre le Grand, et la gouache "Impératrice Elizaveta Petrovna à Tsarskoïe Selo" (1905) se caractérise par un vie sobre vérité des images.
La place la plus importante dans l'œuvre de Lanceray est occupée par le graphisme - chevalet, livre et magazine. Ses œuvres graphiques sont élégantes, aux motifs parfois sophistiqués, imprégnées de l'esprit de l'époque et d'une clarté classique. L'œuvre centrale de l'artiste est une grande série d'illustrations pour l'histoire de Léon Tolstoï "Hadji Murad". Dans ceux-ci, Lancer a réussi à recréer la sage simplicité tolstoïenne avec le romantisme de l'ambiance générale et les personnages expressifs brillants des héros. Plus tard, Lanceray a beaucoup travaillé et fructueusement en tant qu'artiste soviétique.
M.V. Doboujinski(1875-1957). Comme Lancer, Dobuzhinsky appartenait à la jeune génération d'artistes du monde de l'art. Son travail, comme Lanceray, est typique de cette association et en même temps profondément unique. Dans l'art du chevalet, Dobuzhinsky préférait le paysage urbain. Mais il n'était pas seulement son chanteur, mais aussi un psychologue, non seulement louait sa beauté, mais dépeint l'autre côté de la ville capitaliste moderne, froidement mécaniste, la ville des poulpes ("Le Diable", 1906), des gens spirituellement dévastateurs ("L'homme avec des lunettes", 1905-1906).
Tant dans le graphisme du livre que dans l'art théâtral et décoratif, Dobuzhinsky se caractérise par une approche psychologique individuelle de l'interprétation de l'œuvre illustrée. L'artiste de style Andersen est gentil et plein d'esprit dans les dessins aux couleurs gracieuses pour le conte de fées "The Swineherd", lyrique et tendrement sentimental dans les illustrations pour "Poor Liza" de NM Karamzin et profondément dramatique dans la célèbre série d'illustrations pour l'histoire de FM Nuits Dostoïevski" (1922). Les meilleures œuvres théâtrales de Dobuzhinsky sont celles qu'il a jouées au Théâtre d'art de Moscou ("Un mois à la campagne" de I. S. Tourgueniev, 1909, "Nikolai Stavrogin" de F. M. Dostoïevski, 1913).
Le travail de nombreux maîtres du début du siècle - V. A. Serov, Z. E. Serebryakova, I. Ya. Bilibin, B. M. Kustodiev, I. E. Grabar et autres - est lié à un degré ou à un autre au "monde de l'art". Dans la même rangée - et Nicolas Roerich(1874-1947) - un artiste avancé, scientifique, personnalité publique de premier plan. Dans l'environnement artistique de cette époque, Roerich a distingué son amour pour l'histoire et l'archéologie de la Russie ancienne, pour l'art de la Russie ancienne. Dans son œuvre, il s'est efforcé de pénétrer au plus profond des siècles, dans le monde vivant et intégral des lointains ancêtres, pour le relier au développement progressif de l'humanité, aux idéaux d'humanisme, d'héroïsme et de beauté ("Hôtes d'outre-mer" , 1902, ill. 211 ; "La ville se construit", 1902).
"Union des artistes russes". L'Union des artistes russes (1903-1923) a joué un rôle important dans la vie artistique de la Russie au début du siècle. Son arrière-plan était les "Expositions de 36 artistes", organisées en 1901 et 1902 à Moscou. L'Union des artistes russes a été fondée à l'initiative des Moscovites afin de renforcer la jeune organisation artistique. De nombreux grands maîtres des deux capitales sont devenus ses membres, mais les peintres de Moscou ont continué à rester le noyau de l'Union des artistes russes - K. A. Korovine, A. E. Arkhipov, S. A. Vinogradov, S. Yu. Zhukovsky, L. V. Turzhansky , AM Vasnetsov, SV Malyutin, AS Stepanov. A. Rylov, K. F. Yuon, I. I. Brodsky, F. A. Malyavin étaient proches de "l'Union des artistes russes" dans leurs positions artistiques, participants actifs à ses expositions. En 1910, l'Union des artistes russes se sépare. De sa structure a quitté le groupe d'artistes de Saint-Pétersbourg, qui a restauré l'ancien nom "World of Art", un groupe qui a cessé d'exister en tant que syndicat d'exposition en 1903.
Le paysage est le genre principal dans l'art de la plupart des maîtres de l'Union des artistes russes. Ils étaient les successeurs de la peinture de paysage de la seconde moitié du XIXe siècle, élargissaient l'éventail des sujets - ils représentaient la nature de la Russie centrale, et le sud ensoleillé, et le nord rigoureux, et les anciennes villes russes avec leurs merveilleux monuments architecturaux, et d'anciens domaines poétiques, introduisaient souvent des éléments du genre dans leurs toiles, parfois des natures mortes. Ils tiraient la joie de vivre de la nature et aimaient peindre directement de la nature avec un pinceau large et capricieux, juteux, lumineux et coloré, développant et multipliant les réalisations de la peinture en plein air et impressionniste.
Dans les œuvres des maîtres de l'Union des artistes russes, l'individualité créative de chacun était clairement exprimée, mais ils présentaient également de nombreuses caractéristiques similaires - un vif intérêt pour une couverture visuelle rapide du monde, une soif d'une composition dynamique fragmentaire, le brouillage des frontières claires entre une peinture de composition et une esquisse à grande échelle. Leur peinture se caractérise par l'intégrité de la couverture plastique-colorée de la toile, un large coup de pinceau en relief sculptant la forme et la sonorité de la couleur.
Art de 1905-1907. Les événements de la première révolution russe, qui ont laissé une empreinte sur tout le cours ultérieur de l'histoire de la Russie et du monde, se sont reflétés de manière vivante dans les arts visuels. Jamais auparavant l'art russe n'avait joué un rôle aussi efficace dans la vie politique du pays qu'aujourd'hui. "Les dessins eux-mêmes incitent à un soulèvement", - c'est ainsi que le ministre de l'Intérieur, IN Durnovo, a déclaré dans un rapport au tsar.
Avec la plus grande profondeur, la révolution de 1905-1907 s'est reflétée dans la peinture de chevalet dans les œuvres de I. E. Repin ("Manifestation en l'honneur du 17 octobre 1905"), V. E. Makovsky ("Le 9 janvier 1905 sur l'île Vasilievsky"), Et I. Brodsky ("Les funérailles rouges"), VA Serov ("Les funérailles de Bauman"), SV Ivanov ("Tir"). Ci-dessus, nous avons déjà parlé des nombreuses œuvres sur le thème révolutionnaire de N. A. Kasatkin, en particulier de toiles telles que "L'Ouvrier-Militant".
Lors de la révolution de 1905-1907, le graphisme satirique, la forme d'art la plus mobile et la plus massive, atteignit un apogée sans précédent. Il existe 380 titres connus de magazines satiriques publiés en 1905-1907 pour un montant de 40 millions d'exemplaires. En raison de son ampleur, la révolution a rallié des artistes de diverses directions en un large et amical détachement. Parmi les participants aux magazines satiriques figuraient de grands maîtres tels que V.A.Serov, B.M.Kustodiev, E.E. ...
La plupart des magazines satiriques étaient libéraux. Le gouvernement tsariste, même après avoir publié un manifeste sur la liberté de la presse, n'a en fait pas autorisé la publication de journaux satiriques et politiques du Parti bolchevik. Le seul magazine d'orientation bolchevique - "Sting", auquel AM Gorki a participé, a été interdit après la publication du premier numéro et son bureau de rédaction a été détruit. Néanmoins, les meilleurs magazines satiriques de 1905-1907, grâce à leur contenu incriminant, l'acuité de la pensée politique d'actualité et la détermination, étaient d'une grande valeur éducative.
Le plus souvent, leur satire, tant dans le texte que dans la partie picturale, était dirigée contre l'autocratie. L'élite dirigeante de Russie et le tsar Nicolas II lui-même ont été particulièrement durement critiqués. La dénonciation des répressions sanglantes du gouvernement tsariste était également un thème commun.
Un magazine très courageux de ces années était Machine Gun, qui devait beaucoup à l'entreprise et à l'ingéniosité de son éditeur N. G. Shebuev et de l'artiste I. M. Grabovsky. Sur ses pages, des images généralisées des participants à la révolution - un ouvrier, un soldat, un marin, un paysan - sont apparues à plusieurs reprises. Sur la couverture de l'un des numéros de "Machine Gun", sur fond de cheminées d'usine fumantes, Grabowski a placé une image d'un ouvrier et a fait une inscription significative "Sa Majesté ouvrière le prolétaire de toute la Russie".
Il. 212. M.V. Dobujinski. Idylle d'octobre. "Bogey", 1905, n° 1
Le ton de combat était caractéristique de nombreux magazines ("Spectator", le plus durable d'entre eux, "Goblin", "Bogey" et sa suite "Hell Post"). Dans les deux dernières revues, V. A. Serov et de nombreux membres du monde de l'art ont collaboré. Ces deux magazines se distinguaient par l'art de leurs illustrations. Le premier présentait les compositions bien connues de Serov "Soldats, braves enfants, où est votre gloire ?" (Fig. 199), "Idylle d'octobre" de Dobuzhinsky (Fig. 212), Lansere - "Trizna" (Fig. 213); dans le second - "l'Olympe" de Koustodiev - des caricatures caustiques de membres du Conseil d'Etat. Souvent, les dessins de magazines satiriques étaient de la nature de croquis de tous les jours - des scènes sur le sujet du jour. L'allégorie, parfois avec l'utilisation d'œuvres populaires de chevalet d'artistes russes, parfois avec des images folkloriques, était une forme courante de déguisement de satire. L'activité de la plupart des revues satiriques de 1905-1907 est née de la révolution et s'est figée avec le renforcement de la réaction gouvernementale.
Art de 1907-1917. La décennie d'avant octobre en Russie après la défaite de la révolution de 1905-1907 a été une période de dures épreuves, une réaction endémique des Cent-Noirs. En 1914, la première guerre mondiale impérialiste éclate. Dans des conditions difficiles, le Parti bolchevique rassembla des forces pour l'offensive et, à partir de 1910, une vague d'un nouvel essor du mouvement révolutionnaire se développa, les préparatifs étaient en cours pour le renversement de l'autocratie. La Russie était à la veille des plus grands événements historiques.
La situation tendue dans le pays a encore compliqué la vie artistique russe. Beaucoup d'artistes étaient en proie à la confusion, aux humeurs vagues, aux élans passionnés mais sans fondement, aux expériences subjectives infructueuses, à la lutte entre les directions artistiques. Diverses théories idéalistes se sont généralisées, séparant l'art de la réalité et des traditions démocratiques. Ces théories ont été soumises à la critique impitoyable de V.I.Lénine.
Mais même dans une situation aussi difficile, le développement de l'art réaliste russe ne s'est pas arrêté. Un certain nombre d'éminents itinérants et membres de l'Union des artistes russes ont continué à travailler activement. Parmi les artistes des plus grandes associations créatives, il y a eu des tendances au rapprochement, des points de contact sur certaines questions fondamentales. Au cours de ces années, le monde de l'art a critiqué l'individualisme généralisé, a préconisé le renforcement d'une école d'art professionnelle, leur recherche d'un art d'un grand style est devenue encore plus ciblée. NK Roerich a exprimé l'idée que la lutte directionnelle n'exclut pas la possibilité de hisser la bannière du « réalisme héroïque » correspondant à l'époque.
L'interaction des genres individuels de la peinture s'est intensifiée, l'héritage domestique et classique a été repensé, V.A. Au cours de la décennie pré-révolutionnaire, seul un petit nombre de grandes peintures au contenu significatif ont été créées, mais ce n'est pas par hasard que ce n'est pas à ce moment-là que "Stepan Razin" de VI Surikov est apparu, qui répond au noble objectif de l'art national - à reflètent les grandes idées de notre temps. Une preuve significative du progrès de l'art russe était le désir d'un certain nombre de peintres - AE Arkhipov, LV Popov, KS Petrov-Vodkin, ZE Serebryakova et d'autres - de relier l'image du peuple à la pensée de la patrie, à leur patrie natale. terre. ...
Z. E. Serebryakova(1884-1967). Zinaida Evgenievna Serebryakova a chanté dans ses meilleures œuvres la vie paysanne d'un peuple travailleur. L'héritage d'A.G. Venetsianov et des grands maîtres de la Renaissance a joué un rôle important dans la formation de son art. La sévérité des images monumentales, l'harmonie et l'équilibre de la composition, les couleurs unies denses distinguent ses meilleures peintures. La "Récolte" (1915) et "Le Blanchiment de la toile" (1917, ill. XII) se distinguent particulièrement, dans lesquelles les figures, montrées en contre-plongée, sont si grandes et le rythme des mouvements est majestueux. La toile est perçue comme un monument au travail paysan.
K. S. Petrov-Vodkin(1878-1939). Au début de son travail, Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin a rendu hommage aux tendances symbolistes abstraites. Une étude approfondie des meilleures traditions de la Renaissance européenne et, surtout, de la lignée de l'art russe que l'on peut retracer dans les œuvres des peintres de la Russie antique a aidé l'artiste à montrer le démocratisme de la vision du monde. Dans les toiles "Mère" (1913 et 1915, ill. 214) et "Matin" (1917), les images de paysannes reflètent la grande pureté morale du monde spirituel du peuple russe. Le tableau "Bain du cheval rouge" (1912) est imprégné d'une prémonition de changements sociaux imminents. La composition laconique, la dynamique de l'espace, la sévérité classique du dessin et l'harmonie des couleurs, construites sur les couleurs principales du spectre, correspondent au sublime contenu idéologique.
P.V. Kouznetsov(1878-1968). Au début de sa carrière, Pavel Varfolomeevich Kuznetsov a également subi l'influence du symbolisme. La suite kirghize de ses toiles (Mirage dans la steppe, 1912, ill. 215 ; Sheep Shearing, 1912) reflète l'interprétation poétique de l'image d'un travailleur dans le monde qui l'entoure. Des histoires de vie simples, des gestes sans hâte et des visages calmes de personnes engagées dans le travail habituel dans leur pays natal, la structure musicale de la couleur, la solennité du paysage - tout recrée une image harmonieuse holistique.
Il. 215. P.V. Kuznetsov. Mirage dans la steppe. X., détrempe. 95 X 103.1912. Galerie Tretiakov
M. S. Saryan(1880-1972). Dans une série de tableaux basés sur les impressions de ses voyages dans les pays d'Orient, Martiros Sergueïevitch Saryan poétise également la vie populaire qu'il dépeint (Rue. Midi. Constantinople, 1910 ; Dattier. Egypte, 1911, etc.). Ses œuvres laconiques sont construites sur des silhouettes de couleurs vives et unies, des contrastes de rythme, de lumière et d'ombre. Les peintures sont résolument décoratives, les plans de l'espace sont clairement dessinés. La poésie des images de l'art de Saryan est déterminée par sa capacité à préserver un sens vif de la vie avec la sonorité intense et la beauté de la palette pittoresque.
Les meilleures œuvres des artistes susmentionnés, qui ont par la suite apporté une contribution inestimable à l'art soviétique, ont ouvert la perspective d'un développement ultérieur de l'art réaliste monumental, dont la création appartenait déjà à une nouvelle ère historique.
Portraits dans la décennie pré-révolutionnaire, les images avec une psychologie approfondie n'ont pas reçu un développement aussi large que dans la période précédente, mais un certain nombre d'exemples montrent leur enrichissement dans l'œuvre de maîtres exceptionnels. Qu'il suffise de rappeler les autoportraits de V.I.Surikov et M.V. Nesterov, où le monde spirituel complexe d'un homme d'art avec ses angoisses, sa méditation sur la vie, ou les caractéristiques pointues du portrait de V.A.
La continuation de cette ligne de portrait peut être vue dans les œuvres de S. V. Malyutin (par exemple, portraits de V. N. Baksheev, 1914, ill. 216, K. F. Yuon, 1916). La pose, la posture, les gestes et les expressions faciales véhiculent le caractère et témoignent de la personnalité exceptionnelle des représentants de l'art russe. Le portrait de A.M.Gorky (1910) I.I.Brodsky peint dans le même plan.
Le tableau "La Nonne" (1908, ill. 218) de BM Kustodiev est significatif en termes d'interprétation psychologique de l'image. Bien que l'auteur ne se soit pas donné pour tâche de créer une œuvre accusatrice, le pouvoir de pénétration réaliste dans le monde spirituel de la personne représentée a donné à cette image une certaine signification symbolique. Devant nous se trouve le gardien des fondements de l'église : à la fois bon et rusé, et bienveillant, et puissant, sans pitié. Cependant, l'art de Koustodiev, plein d'optimisme, est principalement orienté vers les traditions de l'antiquité russe, les coutumes populaires et les festivités. Dans ses toiles, il combine l'observation en direct de la nature, l'imagerie et la décoration vivante ("La femme du marchand", 1915, ill. 219; "Maslenitsa", 1916).
Les années 1910 sont associées à de grands succès dans le domaine d'un nouveau genre - le portrait théâtral, où l'artiste a une tâche créative difficile - pour montrer l'inspiration de l'acteur, sa transformation en image de scène. Le championnat ici appartient à A. Ya. Golovin. Connaissant parfaitement les traits de la scène et du drame, il crée une image majestueuse et tragique dans le portrait de F. I. Chalyapine dans le rôle de Boris Godounov (1912, ill. 220).
Le paysage d'une manière ou d'une autre attirait tous les artistes : ils étaient réunis dans ce genre par des recherches picturales et coloristiques. Cependant, pour beaucoup, l'image de la nature est devenue une solution à un croquis, et non un problème d'image, comme c'était le cas au XIXe siècle. Dans la période pré-révolutionnaire, seuls quelques grands maîtres ont réussi, représentant la nature, à transmettre le sentiment épique de la patrie - les motifs lyriques ont prévalu. AA Rylov s'est tourné vers les traditions de la peinture de paysage (Green Noise, 1904, ill. 217). Son tableau romantique Swans over the Kama (1912) préfigure le tableau Dans l'espace bleu, créé après la Grande Révolution socialiste d'Octobre. L'intérêt croissant pour le patrimoine national a provoqué l'émergence d'un certain nombre de suites pittoresques dédiées aux anciennes villes russes. Incluant des scènes de tous les jours dans la composition, les artistes ont montré la nature et l'homme, agissant également dans une peinture de paysage ("In Sergiev Posad" de K. F. Yuon, etc.).
Les peintres paysagistes, pour la plupart des représentants de "l'Union des artistes russes", ont considérablement enrichi leurs compétences en peinture. C'est ici que prévalent les études, une interprétation lyrique des motifs, souvent des motifs villageois, remontant à A.K.Savrasov, V.D. Polenov et I.I. Levitan, qui témoignent de la préservation des traditions démocratiques. La peinture en plein air a été reconstituée avec des paysages aussi colorés et poétiques que "Kem" (1917) de K. A. Korovine, "Vers le soir" de N. P. Krymov, les meilleures œuvres de S. A. Vinogradov ("Jardin de fleurs", "Printemps", 1911, ill. 221) et S. Yu. Zhukovsky ("Plotina", 1909, ill. 222; "Joyful May", 1912).
Le développement intensif reçoit et nature morte... Maintenant, ce genre est représenté par les œuvres d'un certain nombre d'artistes de diverses associations créatives, il est diversifié dans ses motifs, son contenu et ses tâches. Dans ses nombreuses natures mortes, K.A.Korovin attachait une grande importance à la décoration, à la beauté des couleurs. Le même début est typique des travaux de S. Yu. Sudeikin et N. N. Sapunov. IE Grabar a enrichi la peinture des réalisations de l'impressionnisme ("Table non nettoyée", 1907, ill. 223, etc.).
Dans le domaine de la nature morte, ainsi que du paysage et du portrait, les artistes de l'association "Jack of Diamonds", née en 1910, ont activement travaillé: P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin et autres. A la recherche de l'originalité nationale de l'art, ils utilisèrent les traditions du primitif national (estampe populaire, enseignes, plateaux de peinture, etc.), mais ils trouvèrent aussi des liens avec l'art français contemporain, principalement avec Cézanne et ses disciples. Les meilleures œuvres des maîtres de ce groupe, écrites d'une manière matériellement pesante, avec une portée décorative, exprimaient leur amour de la vie et une grande culture picturale. Tels sont, par exemple, le grotesque "Portrait de GB Yakulov" (1910, ill. 224) et la nature morte "Agave" (1916) de PP Konchalovsky, "Citrouille" (1914, ill. 225) et "Nature morte au brocart " (1917) I. I. Machkova.
Art théâtral et décoratif connu une apogée brillante: de nombreux peintres de premier plan ont travaillé pour le théâtre. Il suffit de mentionner les noms de V. A. Simov, V. A. Serov, A. Ya. Golovin, A. N. Benois, K. A. Korovin, L. S. Bakst, N. K. Roerich, I. Ya. Bilibin , BM Kustodiev et un certain nombre de performances conçues par eux ("Petrushka " par IF Stravinsky - AN Benois ; " Prince Igor " par AN Borodine - NK Roerich ; " Mascarade " par M. Yu Lermontov - A. Ya. Golovin et autres). Les "Saisons russes" à Paris et dans d'autres villes d'Europe occidentale, organisées par S. P. Diaghilev, dans la conception des performances auxquelles ont participé de nombreux maîtres nommés, ont glorifié l'art russe sur la scène internationale. Le haut niveau artistique des décors et des costumes, toute l'apparence de l'action scénique a étonné les étrangers avec la synthèse des arts, un spectacle d'une beauté extraordinaire et d'une originalité nationale.
Comme mentionné ci-dessus, le développement du réalisme en 1907-1917 a été compliqué par la crise de la culture bourgeoise. La partie la moins stable de l'intelligentsia artistique, bien qu'elle ait été capturée par l'esprit général de protestation contre la réalité bourgeoise, a succombé à des humeurs dépressives, s'est éloignée de la modernité et de la vie sociale, a nié les traditions démocratiques dans l'art, mais cette protestation elle-même avait généralement le caractère d'une rébellion anarchiste. Plus tôt que tout, ces phénomènes négatifs se sont reflétés dans les œuvres présentées à l'exposition « Blue Rose », organisée en 1907 et réunissant les artistes d'orientation symboliste. Les membres de ce groupe éphémère ont affirmé la domination de l'intuitionnisme dans la création artistique, sont entrés dans le monde des fantasmes fantomatiques mystiques. Mais les plus doués et déterminés (P.V. Kuznetsov, M.S.Saryan et quelques autres) déjà dans la décennie pré-octobre ont suivi la voie démocratique du développement dans leur travail.
Un certain nombre d'artistes, en particulier les jeunes, ont été entraînés dans le courant dominant des tendances modernistes dans les années 1910. Certains d'entre eux - les partisans du cubisme, du futurisme - revendiquaient la conformité de leur création de formes à l'âge de l'ingénierie et de la technologie, d'autres - primitivistes - cherchaient au contraire à revenir à l'immédiateté de la perception du monde par un non civilisé. personne. Toutes ces tendances étaient étroitement liées dans l'art de la décennie d'avant octobre. Ils ont abordé la peinture de "The Jack of Diamonds", tandis que les tendances stylistiques-primitivistes étaient particulièrement évidentes parmi les représentants du groupe avec le nom audacieusement choquant "Donkey's Tail". En fin de compte, toutes les variétés de formalisme qui se sont ensuite répandues dans l'art russe ont conduit à une déformation de la réalité, à la destruction du monde objectif ou, enfin, à l'impasse de l'abstractionnisme (rayonisme, suprématisme) - une expression extrême du modernisme.
Les contradictions de la vie artistique russe en 1907-1917 n'ont pas empêché le développement progressif de l'art réaliste en cette période difficile. Les maîtres russes progressistes ont ressenti l'approche des changements sociaux, ont ressenti consciemment ou intuitivement le besoin d'adapter leur travail à l'échelle des événements d'une époque historique mouvementée. Après la Grande Révolution d'Octobre, des artistes de toutes générations, certains plus tôt, d'autres plus tard, se sont associés à la construction d'une nouvelle culture socialiste, mettant leur art au service du peuple révolutionnaire ; sous l'influence de la réalité soviétique, il y a eu une restructuration de ceux qui auparavant rejetaient le réalisme comme méthode.
Dans les derniers cours de l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, Sergueï Ivanov aborde les problèmes sociaux aigus. En particulier, son attention a été attirée par un phénomène caractéristique de la campagne russe dans le dernier quart du XIXe siècle : dans la seconde moitié des années 1880, la réinstallation en Sibérie a commencé.
Sur l'image : « Les migrants. Marcheurs". 1886.
Après la réforme de 1861, le besoin s'est fait sentir de régler la question foncière. Le gouvernement a vu une issue dans la réinstallation des paysans sans terre dans cette vaste région peu peuplée. Au cours des seules dernières décennies du XIXe siècle, plusieurs millions de paysans ont quitté leurs misérables parcelles, leurs huttes sordides et sont partis à la recherche de « terres fertiles ».
Dans l'image : "Le Migrant en calèche", 1886.
Seuls, avec leurs femmes et leurs enfants, en petits groupes, emportant avec eux leurs fragiles affaires, à pied et en charrettes, et s'ils avaient de la chance, même en train, ils se précipitaient, inspirés par les rêves utopiques de "Belovodye" ou "White Arapia" ", vers de dures épreuves et le plus souvent de graves déceptions. La tragédie des paysans sans terre qui ont quitté leurs lieux ancestraux, des provinces centrales à la périphérie du pays - à la Sibérie et sont morts par centaines en chemin - c'est l'idée principale du cycle de peintures d'Ivanov. Il a capturé les scènes de la vie paysanne dans des peintures délibérément ternes, "pleureuses" en couleurs, sur les immigrants.
Sur la photo : « Sur la route. Décès d'un immigré." 1889.
A partir du milieu des années 1890, une nouvelle période s'ouvre dans le travail de l'artiste, associée à la création d'œuvres historiques. Dans la peinture historique d'Ivanov, il y a des caractéristiques qui le rapprochent de l'art de Surikov et Ryabushkin. Le peintre comprend l'état des masses excitées dans les moments dramatiques aigus ("Troubles", 1897, II Brodsky Museum-Apartment); "Par le verdict du veche", 1896, collection privée), il est attiré par la force des personnages folkloriques russes et, comme Ryabushkin, il trouve la beauté dans les phénomènes de la vie populaire, confirme la compréhension de cette beauté par le peuple russe . Ivanov capture avec acuité la quête pittoresque du temps ; ses œuvres de ces années acquièrent une sonorité coloristique particulière.
Sur l'image : "Time of Troubles" (camp de Touchino)
Ivanov était un innovateur du genre historique, composant des épisodes du Moyen Âge russe - dans l'esprit du style Art Nouveau - presque comme des cadres de films, capturant le spectateur avec leur rythme dynamique, "l'effet de présence" (Arrivée d'étrangers à Moscou au XVIIe siècle, 1901) ; "Tsar. XVI siècle" (1902), Randonnée des Moscovites. XVIe siècle, 1903). L'artiste y a jeté un nouveau regard sur le passé historique de sa patrie, décrivant non pas des moments héroïques d'événements, mais des scènes de la vie quotidienne de l'ancienne vie russe. Certaines images sont écrites avec une touche d'ironie et de grotesque. En 1908-13, il a réalisé 18 œuvres pour le projet « Images sur l'histoire de la Russie ».
Sur l'image : "La Saint-Georges". 1908
Sur l'image : "Campagne des Troupes de Moscovite Rus", XVIe siècle, peinture en 1903.
Sur l'image : "Inspection des gens de service", au plus tard en 1907
Les caractéristiques particulières du "proto-expressionnisme" nerveux se sont manifestées avec une force particulière dans les images de la première révolution russe, y compris dans le célèbre tableau "Tir" (1905, Musée historique et révolutionnaire "Krasnaya Presnya", branche du Centre d'État pour le contemporain Art), qui a frappé les contemporains avec un son de protestation désespérément perçant.
Au cours du soulèvement armé de 1905 à Moscou, il a été témoin et participant - il a aidé des étudiants blessés dans des combats de rue dans le bâtiment de l'Université de Moscou sur la rue Mokhovaya. Ses dessins de gendarmes et de cosaques, cantonnés dans le manège près du Kremlin pendant le soulèvement, ont survécu.
Plus tard, l'artiste a travaillé sur le tableau « They're Coming! Escouade punitive "(1905-1909, Galerie Tretiakov).
Dans l'image : ils arrivent ! Escouade punitive.
Sur la photo : Famille, 1907
Dans l'image : L'arrivée du gouverneur
Sur la photo : allemand, 1910
Sur la photo : émeute dans le village, 1889
Sur la photo : A la prison. 1884 année
Sur l'image : Arrivée d'étrangers. XVIIe siècle. année 1901
Sur l'image : des serfs boyards. année 1909
Nikolaï Dmitrievitch Dmitriev-Orenbourgski1 (13) avril 1837 ou 1 novembre 1838, Nijni Novgorod - 21 avril (3 mai 1898, Saint-Pétersbourg)
Ivan Kramskoy Portrait de l'artiste Nikolai Dmitrievich Dmitriev-Orenburgsky. 1866 g.
Peintre de genre et de bataille russe, graphiste, académicien et professeur de peinture de bataille à l'Académie impériale des arts, participant à "l'émeute des quatorze", l'un des fondateurs de l'artel des artistes de Saint-Pétersbourg.
Nikolai est né dans la famille d'un propriétaire terrien de la province d'Orenbourg à Nijni Novgorod, a passé son enfance dans la maison parentale de son père, puis est diplômé du gymnase provincial d'Oufa et a ensuite déménagé avec ses parents à Saint-Pétersbourg. Ici, le jeune homme a commencé à se préparer à l'admission à l'école des cadets. On ne sait pas comment les parents de Nikolai ont connu le célèbre peintre Vasily Kozmich Chebouev(2 (13) avril 1777, Kronstadt - 16 (28 juin) 1855, Saint-Pétersbourg) - conseiller d'État à part entière, académicien, depuis 1832 Recteur honoré de l'Académie impériale des arts. De plus, les historiens se taisent, avec quel zèle et à quel âge le garçon s'est intéressé au dessin. Mais le fait demeure, sur les conseils de Shebuev, Nikolai, comme ils l'ont écrit dans le magazine "Niva" en 1898, "au vu du talent révélé", est entré à l'Académie impériale, où il est devenu l'élève de l'élève de Shebuev, académicien en peintre et académicien au rang de Fiodor Bruni.
Fedor (Fidelio) Antonovitch Bruni(10 juin 1799, Milan - 30 août (11 septembre) 1875, Pétersbourg) en 1855, il est nommé recteur de l'Académie dans le département de peinture et de sculpture, en 1866 il crée et dirige le département de mosaïque. Bruni était généralement un peintre titré - membre honoraire de l'Académie des Arts de Bologne et de Milan, professeur honoraire à l'Académie florentine des Arts et à l'Académie Saint-Luc à Rome.
À l'Académie, Nikolai a fait de grands progrès; au cours des années d'études, il a reçu quatre petites et une grande médailles d'argent lors de concours académiques. En 1860, il obtient enfin la Médaille d'or mineure pour le film programme "Jeux Olympiques". Les deux années suivantes, l'artiste a travaillé à la création de grandes toiles "Grande-duchesse Sofia Vitovitovna au mariage du Grand-Duc Vasily the Dark" (1861, Musée d'art régional d'Irkoutsk nommé d'après VPSukachev) et "Révolte Streletsky" (1862, Taganrog Art Museum) obtiennent enfin la Grande Médaille d'Or. Soit dit en passant, il s'agit du premier discours de Dmitriev-Orenburgsky sur le sujet de Pierre Ier.
Nikolai Dmitriev-Orenburgsky la grande-duchesse Sofia Vitovtovna au mariage du grand-duc Vasily the Dark. 1861 Musée d'art d'Irkoutsk. V.P. Soukatcheva
Révolte de Nikolay Dmitriev-Orenburg Streletsky. 1862 Galerie de photos de Taganrog
Nikolaï Dmitriev-Orenbourg Tsarévitch Peter. Étude pour le tableau L'émeute de Streletsky. 1862 g.
Hélas, les œuvres présentées n'ont pas reçu le prix souhaité, mais l'artiste a décidé de participer au concours pour la troisième fois. Mais cette même année, en 1863, eut lieu à l'Académie la fameuse « révolte des 14 diplômés », menée par Ivan Kramskoy, qui refusa de réaliser le thème programmatique qu'il avait proposé. Dmitriev-Orenburgsky, parmi ce groupe de "rebelles" a quitté l'Académie des Arts, recevant le titre modeste d'un artiste de classe du deuxième degré. Il participe immédiatement à la création de l'Artel des artistes de Saint-Pétersbourg, dont il est membre jusqu'en 1871. Dans son travail, l'artiste s'est intéressé au genre folklorique, s'est intéressé à la vie des gens du commun, chaque été il se rendait au village, étudiant la vie des paysans.
Scène du village de Nikolay Dmitriev-Orenburgsky. années 1860 Galerie de photos permanente
En plus des peintures de genre, Dmitriev-Orenburgsky a également peint des portraits et a beaucoup illustré, notamment les œuvres de Nikolai Nekrasov et Ivan Tourgueniev.
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky Portrait d'une femme en robe ouverte. Musée d'art de Donetsk
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky Une femme jouant avec son chien. 1868 g.
En 1868, lors de l'exposition académique, son tableau "L'homme noyé dans le pays" (Musée russe) a été noté, pour lequel l'artiste du 2e degré a reçu le titre d'académicien.
Nikolai Dmitriev-Orenburg Homme noyé dans le village. 1868 Musée russe, Saint-Pétersbourg
A partir de ce moment, Nikolay, afin de ne pas être confondu avec d'autres peintres Dmitrievs, a commencé à se signer avec un double nom de famille, ajoutant à son épithète "Orenburgsky". Bien que le moteur de recherche m'ait dit que tous les artistes célèbres Dmitrievs sont nés au XXe siècle, et il n'y a que des mentions de Dmitry Mikhailovich Dmitriev (1814-1865) sur les contemporains de l'artiste.
En 1869, Dmitriev-Orenburgsky, faisant partie de la suite du grand-duc Nikolaï Nikolaïevitch l'Ancien, a voyagé à travers la Transcaucasie et le Caucase, ainsi que les provinces de Kharkov et de Voronej. Pendant le voyage, l'artiste a compilé un album de 42 dessins au crayon pour le prince.
En 1871, une nouvelle étape commence dans la vie et l'œuvre de Dmitriev-Orenburg. Aux frais de l'Académie, l'artiste est envoyé à l'étranger en tant que pensionné pendant trois ans. Tout ce temps qu'il passe à Düsseldorf, où il visite les ateliers de célèbres peintres-peintres de genre - suisses d'origine Benjamin Vautier (27 avril 1829 - 25 avril 1898) et allemand Ludwig Knaus (5 octobre 1829, Wiesbaden - 7 décembre 1910, Berlin) .À la fin de la période d'études de trois ans, Nikolaï ne retourna pas dans son pays natal, mais s'installa en France. Les dix années suivantes de sa vie, il passa à Paris, ces années furent une période active dans le œuvre d'artiste. Charité des artistes russes », exposée annuellement au Salon de Paris, n'envoyant qu'occasionnellement ses œuvres à Saint-Pétersbourg, a travaillé pour des éditions illustrées françaises. La plupart des œuvres écrites en France y ont été vendues, donc cette partie de l'héritage de l'artiste était " perdu " dans des collections privées et est encore inconnu du grand public. Cependant, comme l'écrivent les historiens, vivant à Paris, Dmitriev-Orenbourg en son travail n'a pas rompu avec sa patrie, puisqu'il a écrit, essentiellement, des peintures de genre de la vie russe.
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky I.S. Tourgueniev en chasse. 1879 g.
Mais c'est en France qu'il passe du genre à la peinture de combat, à l'origine de la guerre russo-turque de 1877-1878 pour la libération des peuples balkaniques du joug turc et des sentiments patriotiques de l'artiste lui-même. Certaines sources écrivent que Dmitriev-Orenburgsky est même allé à l'armée. Mais, pour des raisons de vérité, il convient de noter que ce n'était pas le cas. L'Encyclopédie militaire, publiée en 1911-1914, déclare que « l'artiste n'était pas préparé à dépeindre la vie militaire, puisque pendant la guerre il vivait à Paris ».
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky Au puits.
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky Portrait d'un volontaire russe. 1878 g.
Après la fin de la guerre, Dmitriev-Orenburgsky a présenté plusieurs croquis de peintures représentant des moments d'hostilités de l'armée russe à l'empereur Alexandre II. Ayant reçu la plus haute approbation et grâce à sa connaissance personnelle du grand-duc Nikolaï Nikolaïevitch, l'artiste reçoit une commande de l'empereur lui-même pour une série de peintures de bataille consacrées à la guerre russo-turque. Désormais, le thème militaire devient le principal dans le travail de l'artiste. Les critiques d'art estiment qu'il a peint plus d'une trentaine de tableaux consacrés aux événements de cette guerre.
Nikolay Dmitriev-Orenburg Prise de la redoute Grivitsky près de Plevna. 1885 g.
Afin d'avoir le matériel nécessaire au travail et la possibilité d'exécuter la commande, l'artiste retourne à Saint-Pétersbourg en 1885, puis se rend « sur place » en Bulgarie. L'encyclopédie militaire écrit que « cette grande œuvre, qui a duré 9 ans de vie, nous fait donner à l'artiste une place digne dans l'histoire de notre peinture de bataille ». Après son retour dans son pays natal, les peintures de l'artiste ont commencé à apparaître lors d'expositions d'art annuelles et ont toujours attiré l'attention des critiques. Oeuvres de Dmitriev-Orenburgsky, parmi lesquelles - "La traversée du Danube", "La reddition de Nikopol", "La capture de la redoute Grivitsky", "Les batailles de Plevna", "L'occupation d'Andrinople", "VK Nikolay L'entrée de Nikolaevich à Tarnovo" et d'autres. , a même reçu une évaluation positive de VV Vereshchagin, qui était avare d'éloges sur l'artiste de combat.
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky La traversée de l'armée russe sur le Danube près de Zimnitsa le 15 juin 1877. 1883 g.
En 1883, l'Académie des Arts décerna le titre de professeur de peinture à son ancien élève rebelle pour les tableaux "La bataille des hauteurs de Sistov du convoi de l'empereur Alexandre II" et "L'entrée de l'empereur dans la ville de Ploiesti". Une série de dix peintures, à la demande de l'empereur Alexandre III, a été placée dans la galerie Pompeyev du Palais d'Hiver. Et le tableau "La présentation d'Osman Pacha à l'empereur Alexandre II" était à une époque représenté dans tous les magazines illustrés et imprimé sur des cartes postales.
Nikolai Dmitriev-Orenburgsky Présentation d'Osman Pacha à l'empereur Alexandre II. années 1890
Le nom complet du tableau - le captif Osman Pacha, qui commandait les troupes turques à Plevna, est présenté à Son Altesse Impériale l'Empereur Souverain Alexandre II, le jour de la prise de Plevna par les troupes russes le 29 décembre 1877.
Cependant, les auteurs de la même Encyclopédie militaire étaient très critiques à l'égard de la peinture de bataille de Dmitriev-Orenburg. L'encyclopédie a écrit : « Dans ces peintures, l'artiste est un représentant du réalisme, s'efforçant de la véracité et de la simplicité de l'image, mais, en l'absence de talent fort et d'impressions directes de combat, il ne pouvait donner à ses peintures ni grandeur historique ni expressivité dramatique. . Ce sont des illustrations réalistes, décentes, mais sèches qui n'attirent pas l'attention par leur côté artistique." Il est à noter que cette encyclopédie a été publiée après la mort de l'artiste.
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky Général ND Skobelev à cheval. 1883 g.
Nikolai Dmitriev-Orenburgsky Entrée du grand-duc Nikolai Nikolaevich à Tarnovo le 30 juin 1877. 1885 g.
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky Soldats dans le village. 1897 g.
Je noterai également que Dmitriev-Orenburgsky n'a pas complètement abandonné son genre et son thème folklorique préférés. Dans les années 1880, il présente de nouvelles œuvres lors d'expositions : « Près du village », « Rencontre », « Paysanne », « Résurrection à la campagne », hélas, le sort de certains de ces tableaux est inconnu.
Réunion Nikolay Dmitriev-Orenburgsky. 1888 Musée d'art d'Odessa
Nikolay Dmitriev-Orenburgsky dimanche dans le village. 1884 g.
Le célèbre tableau "Le feu dans le village" (1885), par exemple, a été acquis par l'empereur lui-même pour sa collection ; aujourd'hui, le tableau est conservé au Musée russe.
Nikolay Dmitriev-Orenburg Incendie dans le village. 1885 g.
Dmitriev-Orenburgsky a continué activement à travailler dans le domaine de l'illustration de livres, a collaboré avec les magazines "Niva", "Bee", "North", "Picturesque Review" et d'autres. En plus des illustrations pour les œuvres de Pouchkine, Tourgueniev et Nekrasov , l'artiste a créé une grande série de dessins historiques, illustrant les événements de l'époque d'Ivan le Terrible, de Pierre le Grand et de Catherine II. De plus, les critiques ont noté "une connaissance approfondie de l'époque et la capacité de saisir la psychologie des personnages historiques". Ci-dessous, une série de gravures réalisées par
Nikolai Dmitrievich Dmitriev-Orenburgsky est décédé en 1898 à Saint-Pétersbourg à l'âge de 60 ans.
Les principales sources sont Wikipédia, les encyclopédies électroniques et magazine"Niva" pour 1898.
Biographie de l'artiste, parcours créatif. Galerie de photos.
Ivanov Sergueï Vassilievitch
(1864 - 1910)
Ivanov Sergey Vasilievich, peintre russe. A étudié à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou (1878-82 et 1884-85) auprès de I. M. Pryanishnikov, E. S. Sorokin et à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg (1882-84). A vécu à Moscou. Il a beaucoup voyagé en Russie, en 1894 il a visité l'Autriche, l'Italie, la France. Membre de l'Association des expositions d'art itinérantes (depuis 1899) et l'un des fondateurs de l'Union des artistes russes. Il a enseigné à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou (depuis 1900) et à l'École d'art et d'industrie Stroganov de Moscou (depuis 1899). Dans la seconde moitié des années 1880 - début des années 1890. a travaillé sur des peintures de genre (dans lesquelles le paysage joue un rôle important), des dessins et des lithographies consacrées au sort tragique des paysans-migrants russes et des prisonniers des prisons tsaristes ("À la prison", 1885, "Sur la route. Mort d'un migrant", 1889, - les deux tableaux de la Galerie Tretiakov). Il participa aux événements révolutionnaires de 1905 et fut l'un des premiers artistes russes à aborder le thème de la lutte révolutionnaire de la paysannerie et du prolétariat russes ("Émeute à la campagne", 1889, "Tir", 1905, - les deux tableaux au Musée de la Révolution de l'URSS à Moscou ; "Stage", 1891, le tableau n'a pas survécu ; gravures "Tir", "Au Mur. Épisode 1905", tous deux entre 1905 et 1910).
A partir de 1895, je me suis tourné vers la peinture d'histoire. La vie du peuple et les traits du caractère national, leur lien avec les destinées futures de la Russie - telle est la base de la vision du monde de ses peintures historiques, incarnant parfois la puissance spontanée du mouvement populaire ("Troubles", 1897, II Brodsky Appartement-Musée, Leningrad), parfois avec une grande force de persuasion et une authenticité historique (parfois non sans éléments de satire sociale) recréant des scènes quotidiennes du passé ("L'arrivée des étrangers à Moscou au XVIIe siècle", 1901, "Tsar. XVIe siècle ", 1902, tous deux à la Galerie Tretiakov). Dans le travail de I., une orientation socialement critique est combinée à la recherche de nouvelles solutions de composition et de couleur qui enrichissent émotionnellement les possibilités expressives de la peinture de genre et historique. Il a également réalisé des illustrations.
Lit. : Granovskiy I. N., S.V. Ivanov. Vie et travail, M., 1962.
V. M. Petyuchenko
BST, 1969-1978
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Sergei Vasilievich Ivanov est né le 16 juin 1864 dans la ville de Ruza, dans la province de Moscou, dans une famille noble appauvrie. Les impressions d'enfance du séjour dans la patrie de ses ancêtres paternels et maternels dans les provinces de Voronej et de Samara sont restées longtemps dans sa mémoire et se sont plus tard incarnées dans son travail.
Il montra très tôt sa capacité à dessiner, mais avant d'entrer à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, il dut étudier à l'Institut d'arpentage de Moscou, où il enseigna le dessin et le dessin, à la demande de ses parents. La rencontre du futur artiste avec P.P. Sinebatov, diplômé de l'Académie des Arts, a considérablement changé sa vie. Suivant ses conseils, il a commencé à copier par lui-même, puis en 1878, il a soumis des documents à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, qu'il a d'abord fréquentée en tant qu'auditeur. En 1882, après avoir été diplômé du cours scientifique et de la classe de figures de l'école, il est transféré à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg, mais en 1884, il retourne à Moscou. Les qualités distinctives du caractère d'Ivanov - indépendance et esprit de décision, ont joué un rôle important lorsqu'il a posé un acte très courageux. En 1885, il quitte l'école sans même commencer ses travaux de fin d'études. Fasciné par les sujets de la vie, agité, recherchant de nouvelles impressions, il n'était pas gêné que sans une image compétitive, il ne recevrait qu'un certificat pour le titre de professeur de dessin. L'idée de faire un long voyage dans différentes provinces de Russie l'occupait beaucoup plus. L'artiste a voulu voir de ses propres yeux comment évoluait le sort des paysans migrants, en foule immense se déplaçant vers l'est de la Russie, après la réforme menée par P.A. Stolypine, dans l'espoir de retrouver la terre et une vie meilleure. Ce grand voyage à travers les provinces de Moscou, Riazan, Vladimir, Samara, Orenbourg et Voronej a commencé au printemps 1885. Il en a résulté toute une série de dessins, de croquis et de peintures sur la vie des immigrés, parmi lesquels le plus réussi en termes de peinture était une petite toile "Migrant en calèche". Le tableau est apparu à l'exposition des étudiants en 1886 et a été acheté par V.D. Polenov, qui a traité le peintre novice avec beaucoup d'attention et de soin. Je dois dire qu'Ivanov, également tout au long de sa vie, a ressenti une affection amicale pour Polenov. Dans les années 1880, il fréquentait fréquemment sa maison, participant avec d'autres jeunes aux soirées de dessin de Polenov. Le Migrant en calèche, proche de l'esquisse en termes de fraîcheur de perception, a été peint en plein air, non sans l'influence de Polenov, un maître de la peinture en plein air. Le travail a étonné par la vitalité de la scène, la lumière du soleil et l'image habilement capturée d'une vieille femme assise dans la voiture. Un peu plus tard, d'autres esquisses et ouvrages finis sont apparus, parmi lesquels : « Migrants. Solitaire "," Sur la route. Décès d'un immigré." Le thème d'une vie paysanne désespérée y est porté au plus haut degré d'acuité sociale et sonne aussi puissant que dans les meilleures œuvres des Itinérants. Tableau « Sur la route. La mort d'un migrant " a été acceptée pour la XVII exposition itinérante qui s'est tenue en 1889.
En plus de ses capacités artistiques, Ivanov avait un état d'esprit scientifique. Au cours de ses voyages, il a toujours produit d'intéressants croquis ethnographiques, architecturaux, quotidiens et des descriptions scientifiques. À l'été 1886, dans la province de Samara, il découvre les cimetières de l'âge de pierre et s'y intéresse sérieusement. Au fil du temps, il a rassemblé une intéressante collection paléontologique, dont une partie a été donnée à VD Polenov et placée dans le domaine de Borok. Ses intérêts scientifiques et artistiques ont incité Ivanov à prendre la photographie au sérieux. De nombreuses photographies prises lors de voyages ont ensuite été utilisées dans le travail sur les peintures historiques. L'artiste était membre à part entière de la Société minière russe de photographie et de géographie.
S.V. Ivanov a beaucoup voyagé. À l'été 1888, à son initiative, un voyage commun le long de la Volga a été organisé avec A.E. Arkhipov, S.A. Vinogradov et E.M. Khruslov. De nombreux dessins et croquis ont survécu de ce voyage. En août de la même année, Ivanov part en expédition dans le Caucase, dans le but de visiter des régions peu connues et d'atteindre les sommets du Grand et du Petit Ararat. Le livre des membres de l'expédition - E.P. Kovalevsky et E.S. Markov "Sur les montagnes d'Ararat", publié en 1889, contient de nombreux dessins de S. Ivanov. En 1896, il s'est retrouvé à Feodosia, puis a voyagé au Daghestan. En 1898, il fit un voyage dans la province de Viatka, puis se rendit dans les steppes kalmouk et kirghize et au lac Baskunchak. En 1899 et 1901, il est à nouveau attiré par la Volga. En 1894, il se retrouve en Europe, visitant Paris, Vienne, Venise, Milan et Gênes, mais les anciennes villes russes - Rostov, Iaroslavl, Vologda, Zaraysk, qu'il visite plus d'une fois - lui sont plus chères.
Depuis 1889, l'artiste se passionne pendant plusieurs années pour le sujet des prisonniers. Ayant reçu l'autorisation officielle de visiter la prison, Ivanov passe presque tout son temps dans les prisons à dessiner ceux qui s'y trouvent. De nombreux croquis représentant des visages sévères et des crânes rasés en parlent. En 1891, pendant un mois, il visita chaque jour la prison de transit de Saratov. Puis, après avoir déménagé à Atkarsk, où des prisonniers étaient également détenus, il s'installa dans une maison en face de la prison et peignit les tableaux "Scène" et "Tatar en prière". Ce dernier représente un musulman en pied vêtu d'une robe de prison et d'une calotte, qui accomplit sa prière du soir.
Même en travaillant sur une série d'illustrations pour l'édition en deux volumes de M. Yu. Lermontov, entreprise par P.P. Konchalovsky dans la maison d'édition de Kushnerev, il a continué sa "série de la prison". Sur les quinze illustrations, presque toutes, d'une manière ou d'une autre, sont liées à ce sujet. Illustrant les poèmes: "Désir", "Prisonnier", "Voisin", il n'a pas cherché à transmettre le caractère romantique de la poésie de Lermontov, mais les a interprétés littéralement et de manière fiable, en utilisant la nature et les croquis réalisés dans la prison de Makaryevsky.
En 1894, souhaitant obtenir de nouvelles impressions, ainsi que mettre à jour son art, qui, à son avis, était dans une impasse, S.V. Ivanov et sa femme ont fait un voyage en Europe. L'artiste avait l'intention de passer une année entière en France, vivant à Paris, mais les impressions reçues de cette ville et l'état de l'art moderne occidental l'ont profondément déçu. Il écrit à l'artiste AA Kiselev à propos de ce voyage : « C'est bien maintenant en Russie. Bien que je ne sois ici à Paris que depuis un mois, je commence à aspirer à l'espace. J'ai vu des Salons et autres expositions, et ils ne m'ont pas donné ce que j'attendais, ici sur 3000 choses je n'en ai trouvé que 100, qu'on peut arrêter... l'absence de vie est frappante." Dans une autre lettre au même destinataire, il déclare tristement : « Il n'y a plus rien de bon ici et il ne sert à rien d'aller ici pour étudier. Trois mois plus tard, les Ivanov retournent à Moscou.
Cependant, ce voyage n'a pas été vain, le sentiment accru d'amour pour la patrie qui a déferlé en Europe et dans la peinture française moderne, quelle que soit la perception négative du peintre, s'est reflété dans son travail. En 1895, il commence à travailler sur le genre historique et son style d'écriture se libère sensiblement. La fascination pour l'histoire a également été grandement facilitée par l'étude de "L'histoire de l'État russe" par N.M. Karamzin.
La première intrigue qui intéresse l'artiste est associée à l'histoire du Temps des Troubles. Une grande toile intitulée "Troubles" a été peinte en 1897 dans l'ancienne ville de Zaraysk. La peinture dépeint une foule déchaînée dans des poses expressives, réparant leur cruel procès contre Grichka Otrepiev. En travaillant dessus, l'artiste s'est efforcé de recréer l'époque le plus fidèlement possible, représentant dans l'œuvre des costumes originaux et des armes anciennes : boucliers, sabres, haches, qu'il avait précédemment esquissés au musée de l'Ermitage. Au bazar de Novgorod, il réussit à acquérir plusieurs objets anciens et des ouvrages historiques l'aidèrent, qu'il étudia attentivement : "La légende de la messe et Herkman sur le temps des troubles en Russie" et "Les légendes de ses contemporains sur Dimitri le prétendant". Cependant, malgré une exécution soignée, cette œuvre, comme Ivanov s'y attendait, n'a été acceptée pour aucune exposition.
Mais le suivant est « Dans la forêt. À la mémoire d'Etienne de Permsky et d'autres éclaireurs d'étrangers ", dans laquelle il a trouvé une forme de composition réussie pour transmettre l'idée chrétienne profonde d'illumination des tribus païennes, a été présenté à l'exposition itinérante de 1899, en même temps qu'il est devenu membre à part entière de l'Association des itinérants.
Dans les mêmes années, en parallèle, Ivanov travaille sur des illustrations pour les œuvres d'A.S. Pouchkine, publiées en 1898-1899 par la maison d'édition Kushnerev. Il a été attiré par l'opportunité de refléter l'histoire de la Russie dans l'histoire "La fille du capitaine" et "Chansons sur Oleg le sage", qu'il a choisi pour illustration. L'artiste s'intéressait particulièrement à l'image d'Emelyan Pugachev. Pour lui, il peint plusieurs portraits, dont son "Autoportrait au chapeau", dit en colère. Mais le meilleur était encore l'illustration représentant le prince Oleg et le magicien.
En 1901, S.V. Ivanov a causé une grande surprise en montrant à l'exposition 36 de sa nouvelle création - le tableau "L'arrivée des étrangers. XVII siècle », que Pavel Tretiakov a acheté juste avant l'ouverture de l'exposition. L'impression était que cette toile, ainsi que la suivante - «Tsar. XVI siècle »a été écrit par un autre auteur. La liberté de composition sans précédent et l'utilisation de couleurs vives, presque locales, ont rendu l'image inhabituelle et décorative. D'énormes congères duveteuses, de petites maisons en rondins, des églises, écrites avec beaucoup d'émotion, transmettant la sensation d'air glacial et de confort patriarcal ont permis de remplir de poésie une scène du passé et de lui donner une réalité. Les figures et les visages d'un vieil homme en long manteau de fourrure avec un gros paquet de bagels à la main et d'une jeune femme, qu'il s'empresse d'emmener, sont très expressifs. L'écrivain et publiciste GA Machtet félicitant l'artiste pour ce tableau a écrit : ”, nous apprenant à comprendre“ l'âme du peuple, "- dans votre peinture" L'arrivée des invités "vous recréez notre passé et le lointain pour nous ... J'ai respiré ce Moscou sauvage, - je ne pouvais pas détacher mes yeux ce barbare sévère, éloignant le stupide et effrayant Fedora des " yeux de l'ennemi ".
En 1903, Ivanov a visité le village de Svistukhe dans le district de Dmitrovsky de la province de Moscou et a été immédiatement captivé par un endroit calme et pittoresque sur les rives de la rivière Yakhroma. Il a vécu ici pendant les sept dernières années, ayant construit une petite maison et un atelier selon son projet. Ici, il a peint l'un de ses meilleurs tableaux "La famille". Il est peint sur une grande toile, ce qui indique certainement l'importance que l'artiste attachait à son travail. Il représente une file de personnes marchant dans la neige duveteuse à travers tout le village avec une solennité et une grandeur particulières. La toile est exécutée dans une écriture libre et pâteuse avec l'utilisation d'une palette de couleurs vives, dans laquelle prédominent les tons blancs, jaunes, rouges et bleus. Il frappe avec une attitude optimiste et affirmant la vie. Le paysage a joué un grand rôle dans la révélation de la structure émotionnelle de l'œuvre. Il est vraiment devenu l'un des personnages principaux. Ivanov a peint la nature, ainsi que des croquis de paysans, en plein air en hiver, ayant construit à cet effet un atelier chauffé spécialement sur un traîneau.
En 1903, S.V. Ivanov a pris une grande part à la création de l'association créative "Union des artistes russes". Dans une large mesure, il est né de ses qualités d'organisation et d'un caractère combatif et décisif. Immédiatement après l'apparition de "l'Union", l'artiste a quitté l'Association des expositions d'art itinérantes et jusqu'à la fin de ses jours, il n'a exposé qu'ici. Le caractère passionné d'Ivanov, qui littéralement « l'a jeté sur les barricades », a été noté par tous ceux qui l'ont connu. Pendant la révolution de 1905, il a non seulement montré de la sympathie pour les rebelles, mais, comme VA Serov, a créé de nombreuses œuvres graphiques et picturales sur ce sujet, dont le tableau "Tir".
Une caractérisation intéressante de S.V. Ivanov, encore étudiant de l'école, a été donnée par M.V. Nesterov dans ses mémoires. Il a écrit : « Il ressemblait à un étudiant rebelle, en haillons, de longues jambes, la tête tourbillonnante. Une personne ardente chaude, des passe-temps passionnés sincères. Il aidait toujours la parole par son geste, volontairement passionné. Direct, impeccablement honnête et attirait tout en lui ... Ivanov, apparemment sévère, montrait souvent son enthousiasme et son énergie juvéniles, infectant les autres. Il aimait être éleveur de chevaux dans les entreprises, mais si une entreprise ne réussissait pas, alors il était découragé. Parfois, ses camarades se moquaient de lui pour cela. La nature rebelle du "incendiaire infernal"... Ardent et chaud, il donnait parfois l'impression d'une personne dure, voire tyrannique, mais en dessous c'était une nature très profonde et douce. Ce beau portrait verbal complète le visuel, exécuté en 1903 par l'artiste I.E. Braz. De lui, le regard d'une personne est dirigé avec une grande tristesse et une grande tension en regardant ce monde difficile.
S.V. Ivanov est décédé subitement d'une crise cardiaque le 16 août 1910 dans le village de Svistukhe, où il avait vécu tranquillement ces dernières années.
Artiste au talent hors du commun, Ivanov est né à Ruza, dans la province de Moscou, dans la famille d'un fonctionnaire. A étudié à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou (1878-1882, 1884-1885) auprès de I.M. Pryanishnikov et à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg.
Dès le début, la direction de ses travaux est assez évidente : l'histoire de la Russie d'hier et d'aujourd'hui. La première photo « Sur la route. Mort d'un immigré " (1889), qui a fait la renommée de l'artiste, a été peint dans le style des premières œuvres des Itinérants, mais l'attitude face à ce qui se passe est déjà différente. La mort du soutien de famille, la solitude d'une famille orpheline - est soulignée par le paysage désolé de la steppe brûlée. Dans la peinture, l'artiste a activement utilisé les moyens artistiques de la composition. Poursuivant les traditions, Ivanov s'est efforcé d'art dramatique, transmettant avec sensibilité le "battement de l'âme humaine", qui s'incarnait dans des peintures sur la vie des paysans ("Au propriétaire terrien avec une demande", 1885) et des thèmes "prisonnier" ("Stage ", 1892).
La recherche d'Ivanov de nouvelles solutions de composition et de couleur - angles inattendus, caractère décoratif des taches de couleur plates a conduit l'artiste à participer à la création de l'Union des artistes russes.
En 1900, l'influence de l'impressionnisme se fait de plus en plus sentir dans l'œuvre de S. Ivanov. Le transfert de l'environnement léger-air met en évidence les principaux objets des compositions. Les œuvres de l'artiste se caractérisent par une interprétation laconique des images.
Depuis la fin des années 1890, l'artiste travaille principalement sur des peintures du passé russe. Dans le passé, en Russie, l'artiste était principalement attiré par des moments dramatiques aigus, la force des personnages folkloriques russes ("Marche des Moscovites. XVIe siècle", 1903), la beauté de la vie ancienne ("Famille", 1910). Les œuvres d'Ivanov tirées de la vie d'un givre, les boyards, étaient imprégnées d'une ironie maléfique, démontrant les racines historiques de phénomènes tels que le philistinisme dense et l'arrogance digne. En 1902, à l'exposition Union 36, Ivanov présente le tableau «Tsar. XVIe siècle". Un jour d'hiver, un cortège défile dans une rue de Moscou, à la tête duquel défilent solennellement des gridni (gardes) en caftan rouge. Sur un cheval magnifiquement décoré, vêtu de riches robes, monte le roi, gros et maladroit, avec un tilleul pompeux dressé vers le haut. Mais Lyuli, enterré dans la neige dans une attaque de sentiment de soumission, ne peut pas apprécier la "grandeur du moment". Utilisant la technique de la « composition surlignée », l'artiste a rapproché l'image au plus près du spectateur, comme pour créer « l'effet de présence » à l'intérieur. Ce travail se distingue par un système de couleurs vives, des solutions de silhouette expressives, une peinture libre.
À la recherche d'un nouveau langage pictural, Ivanov était un innovateur du genre historique : ses toiles ressemblaient à des films figés, capturant le spectateur avec leur rythme dynamique (« L'arrivée des étrangers à Moscou au 17e siècle », 1901). La dernière œuvre de l'artiste était un cycle sur les événements de 1905 ("Tir").
Toile, huile. 71x122cm
Galerie nationale Tretiakov, Moscou
La vie du village russe post-réforme était dure. Le manque de terre toujours croissant de la paysannerie, les mauvaises récoltes fréquentes et la main inexorable de la faim ont forcé les habitants de nombreuses provinces de Russie à quitter leur maison sordide mais familière. "Comme un dragon fabuleux, le besoin de ses griffes tenait les masses populaires, les chassait, les balançait, les renversait et les étranglait", a noté l'écrivain villageois N. Teleshov, un écrivain de la vie quotidienne. Poursuivis par la misère, l'anarchie et l'arbitraire, les paysans allaient travailler en ville. Beaucoup se sont précipités vers de nouvelles terres, le plus souvent en Sibérie, afin de trouver le salut de la faim et du besoin dans ses vastes étendues. Les colons, chargés de biens misérables, se sont levés de leurs fermes dans des villages entiers, où vivaient leurs pères, grands-pères et arrière-grands-pères, et en longues files s'étendaient le long des routes poussiéreuses de la Russie depuis les provinces de Koursk, Tambov, Penza, Iaroslavl, Tchernigov. Peu ont résisté à l'épreuve de la route difficile. La maladie, la faim et le froid, la tyrannie des fonctionnaires tsaristes, l'absence totale de défense, voilà ce qui est désormais devenu leur lot. La mort fauchait sans pitié les rangs des immigrés qui s'éclaircissaient rapidement. Souvent, ayant dépensé tous les fonds sur la route, ils revenaient, et ceux qui atteignaient l'endroit étaient attendus par la même pauvreté et les mêmes ordres et fonctionnaires que dans leur patrie.
La question dite de la réinstallation inquiétait au cours de ces années de nombreux représentants de la culture et de l'art russes avancés. Même V.G. Perov, le fondateur du réalisme critique, n'a pas ignoré ce sujet. Par exemple, son dessin "La mort d'un migrant" est connu.
Les colons ont fait une impression douloureuse sur A.P. Tchekhov, qui a voyagé en 1890 sur la route de Sakhaline à travers toute la Sibérie. Sous l'influence des conversations avec Tchekhov, il a voyagé le long de la Volga et de la Kama, jusqu'à l'Oural, et de là vers la Sibérie et N. Teleshov. « Au-delà de l'Oural, j'ai vu la vie épuisante de nos colons », se souvient-il, « des épreuves presque fabuleuses et les épreuves de la vie de moujik du peuple ». Une série d'histoires de Teleshov décrivant le sort de ces personnes est l'analogie la plus proche de la peinture de Sergei Vasilyevich Ivanov « Sur la route. Décès d'un immigré."
Ivanov a passé une bonne moitié de sa vie à voyager à travers la Russie, prudemment, avec un vif intérêt, apprenant à connaître la vie des travailleurs aux multiples facettes. Dans ces errances incessantes, il se familiarise avec la vie des immigrés. « Il a parcouru des dizaines de kilomètres avec eux dans la poussière des routes, sous la pluie, le mauvais temps et le soleil brûlant dans les steppes », disent les amis d'Ivanov, « il a passé de nombreuses nuits avec eux, remplissant ses albums de dessins et de notes. , de nombreuses scènes tragiques passèrent devant ses yeux." Impuissant à aider ces personnes, l'artiste a douloureusement pensé à la tragédie incommensurable de leur situation et à la tromperie de leurs rêves de « bonheur », qu'ils n'étaient pas destinés à trouver dans les conditions de la Russie tsariste.
À la fin des années 1880, Ivanov a conçu une grande série de peintures, racontant constamment la vie des colons. Dans la première image - "Russia is Coming" - l'artiste a voulu montrer le début de leur voyage, quand les gens sont encore vigoureux, en bonne santé et pleins d'espoirs brillants. Dans les films suivants, il était censé familiariser le spectateur avec les difficultés de la route et les premières épreuves. La série devait consister en des scènes dramatiques de souffrance et de mort tragique d'immigrés. Cependant, seuls quelques maillons de ce cycle ont été achevés par l'artiste. Ivanov n'incarnait dans les images artistiques que les plus caractéristiques et les plus ancrées dans sa conscience des impressions de la vie.
L'une des dernières images du cycle est « Sur la route. Death of an Immigrant »est l'œuvre la plus puissante de la série conçue. D'autres ouvrages sur ce sujet, créés plus tôt et plus tard par un certain nombre d'écrivains et d'artistes, n'ont pas révélé si profondément et en même temps si simplement la tragédie des immigrés dans toute sa terrible vérité.
La steppe chauffée par la chaleur. Une légère brume éteint la ligne d'horizon. Cette terre désertique brûlée par le soleil semble sans limites. Voici une famille déplacée solitaire. Apparemment, le dernier extrême l'a forcée à s'arrêter à cet endroit nu, sans rien protéger des rayons du soleil brûlants. Le chef de famille, le soutien de famille, est décédé. Ce qui attend la malheureuse mère et sa fille à l'avenir - tout le monde se pose involontairement une telle question en regardant une photo. Et la réponse est claire. Il se lit dans la figure de la mère, étalée sur le sol nu. La femme affligée n'a ni mots ni larmes. Dans un désespoir silencieux, elle gratte la terre sèche avec ses doigts tordus. Nous lisons la même réponse dans le visage confus, noirci, comme un charbon éteint, de la jeune fille, dans ses yeux glacés d'horreur, dans toute sa silhouette engourdie et émaciée. Il n'y a aucun espoir d'aide !
Mais tout récemment, la vie brillait dans une petite maison transportable. Le feu crépitait, un maigre dîner se préparait, la maîtresse de maison s'affairait au coin du feu. Toute la famille rêvait que quelque part au loin, dans une terre inconnue et bénie, une nouvelle vie heureuse commencerait bientôt pour elle.
Maintenant, tout s'effondrait. L'employé principal est décédé, apparemment, le cheval émacié est également tombé. Le collier et l'arc ne sont plus nécessaires : ils sont jetés négligemment près du chariot. Le feu dans l'âtre s'est éteint. Une louche renversée, les bâtons nus d'un trépied vide, tendus comme des bras, des tiges vides dans une angoisse silencieuse, comme tout cela est désespérément triste et tragique !
Ivanov cherchait délibérément une telle impression. Comme Perov dans "The Dead Man's Ways", il a clos son chagrin avec un cercle familial étroit, abandonnant les figures de femmes sympathiques qui figuraient dans l'esquisse préliminaire du tableau. Souhaitant souligner davantage la perte des colons, l'artiste a décidé de ne pas inclure le cheval, qui figurait également dans le croquis, dans l'image.
La puissance de la peinture d'Ivanov ne se limite pas au rendu véridique d'un moment précis. Cette œuvre est une image typique de la vie paysanne dans la Russie post-réforme. C'est pourquoi elle a été accueillie avec un blasphème malveillant par des critiques réactionnaires, qui ont affirmé que la mort des immigrés en route était un phénomène accidentel et nullement typique, et que le contenu de l'image a été inventé par l'artiste dans les murs de son atelier. Ivanov n'a pas été arrêté par les attaques brutales des ennemis de l'art avancé et vital. Son travail n'était que l'un des premiers résultats de l'étude approfondie de l'artiste sur la vérité sociale de la vie russe contemporaine. Elle a été suivie de nombreuses autres œuvres importantes, dans lesquelles non seulement la souffrance du peuple, mais aussi la protestation furieuse contre l'oppression des exploiteurs, qui couvait parmi les masses, ont été exprimées.
Parfois, nous devons discuter avec toutes sortes de monarchistes qui maudissent les bolcheviks russes pour avoir renversé le tsar (chose étrange, je sais que le tsar lui-même a abdiqué le trône pendant la révolution bourgeoise de février), et a détruit la vie paysanne heureuse en unissant les fermes paysannes en fermes collectives mécanisées (les mêmes fermes collectives qui ont alimenté toute la guerre dans le pays d'un front à l'autre).
Ils continuent de résister quand on leur parle de l'anarchie et de la pauvreté dans lesquelles les tsars allemands et leur environnement maçonnique-libéral ont plongé les paysans, de la famine régulière en Russie tsariste, qui, en raison des conditions climatiques et du faible développement des forces productives des villageois (force de traction des animaux, charrue, travail manuel) se répétait tous les 11 ans, et que le bolchevisme russe en tant que mouvement insurrectionnel populaire était engendré par des raisons objectives. Ils disent que c'est de la désinformation et de la propagande de « scoops coquins ».
Je ne veux pas discuter maintenant des lacunes et des avantages du mouvement "blanc" et "rouge" ... Il s'agit d'une conversation distincte et difficile pour un patriote russe. Je voulais aller au tournant du XIXe siècle et regarder la vie d'un simple paysan russe à travers les yeux d'un témoin oculaire.
Heureusement, des documents objectifs de cette époque ont survécu à ce jour - ce sont des peintures de nos célèbres artistes itinérants russes, qui peuvent difficilement être suspectés de sympathiser avec le pouvoir soviétique ou le socialisme.
Il est impossible de contester l'histoire de la vie russe capturée par eux.
Pérov. "Boire du thé à Mytishchi" 1862
Le servage a été aboli il y a un an. Apparemment, ces mendiants sont père et fils. Père sur une prothèse. Les deux sont coupés à l'extrême. Ils sont venus à Batiushka pour l'aumône. Où d'autre devraient-ils aller ?
L'attitude de ce Père envers les invités est visible sur la photo. La bonne essaie de les chasser.
Sur la photo, le garçon a environ dix ans. Le coup d'Etat d'octobre aura lieu dans 55 ans. Il aura alors 65 ans, il est peu probable qu'il vivra assez longtemps. Les paysans sont morts tôt. Eh bien, que pouvez-vous faire ... Est-ce une vie heureuse?
Pérov. "Voir les morts" 1865
Et c'est ainsi que les paysans se sont enterrés. Je veux attirer l'attention des monarchistes sur les visages heureux des enfants.
52 ans avant la révolution russe.
Vladimir Makovsky. "Petits broyeurs d'orgues" 1868
Il s'agit plutôt d'un paysage urbain. Des enfants qui gagnent leur vie. Jetez un œil à leurs simples visages russes. À mon avis, il n'est pas nécessaire de décrire leur état. Un garçon a 9-10 ans, une fille a 5-6 ans. Il reste 49 ans avant la révolution russe. Dieu sait qu'ils ont peu de chances de vivre.
Vladimir Makovsky "Visiter les pauvres" 1873
Ce n'est plus un village, mais une petite ville russe uyezd. Le tableau représente l'intérieur des locaux d'une famille pauvre. Ce n'est pas encore un cauchemar complet. Ils ont un poêle et ils ne sont pas complètement impuissants. Ils ne savent tout simplement pas qu'ils sont heureux, car ils vivent dans un état autocratique.
La fille sur la photo a environ 6 ans.La stratification de la société commence à atteindre un niveau dangereux. Il reste 44 ans avant la révolution russe. Elle vivra. vivra certainement!
Ilya Repin « transporteurs de barges sur la Volga » 1873
Sans commentaires. Il reste 44 ans avant la révolution russe.
Vasily Perov "Repas monastique" 1875
Un repas modeste pour les serviteurs de Dieu.
Soit dit en passant, j'ai lu sur Internet d'un « historien érudit » que l'église montrait une préoccupation maximale pour son troupeau.
La dégradation de l'église en tant qu'organisation est évidente. Il reste 42 ans avant la révolution russe.
Vasily Perov. "Troïka" 1880
Les petits enfants, comme la force de traction, tirant un seau d'eau. Il reste 37 ans avant la révolution russe.
Vladimir Makovsky. "Date" 1883
Le fils travaille comme apprenti. Sa mère est venue lui rendre visite et lui a apporté un cadeau. Elle regarde son fils avec compassion. C'est soit la fin de l'automne, soit l'hiver dehors (la mère est habillée chaudement). Mais le fils est pieds nus.
Il reste 34 ans avant la révolution russe. Ce garçon doit vivre.
Bogdanov Belski. "Récit oral" 1895
Faites attention aux vêtements et aux chaussures des enfants de paysans ordinaires. Et pourtant, ils peuvent être appelés chanceux. Ils étudient. Et ils n'étudient pas dans une école paroissiale, mais dans une école normale. Ils ont eu de la chance. 70% de la population était analphabète. Il reste 22 ans avant la révolution.
Ils auront alors environ 40 ans. Et dans 66 ans, les enfants de ces gars défieront l'État le plus puissant du monde - les États-Unis. Leurs enfants lanceront un homme dans l'espace et testeront une bombe à hydrogène. Et les enfants de ces enfants vivront déjà dans des appartements de deux ou trois pièces. Ils ne connaîtront pas le chômage, la pauvreté, le typhus, la tuberculose et commettront le crime le plus terrible - la destruction de l'État socialiste de leur peuple, du rideau de fer et de leur sécurité sociale.
Leurs arrière-petits-enfants vont se vautrer dans le gâchis du libéralisme, s'inscrire aux bourses du travail, perdre leurs appartements, se battre, se pendre, s'abreuver d'alcool et aborder en douceur la vie que l'on peut décrire comme « boire du thé à Mytishchi ».
Le résultat de la vie, qui est constamment affiché dans les images présentées ci-dessus, est l'image :
Makovsky " 9 janvier 1905 " 1905
C'est le dimanche sanglant. Exécution des travailleurs. Beaucoup de Russes sont morts.
Quelqu'un, après avoir regardé les images ci-dessus, dirait que la protestation du peuple a été provoquée par les bolcheviks ? Est-il possible qu'une personne heureuse et satisfaite soit emmenée à un rassemblement de protestation ? Qu'est-ce que "blanc" et "rouge" ont à voir avec ça ? La scission de la société a été causée par des raisons objectives et s'est transformée en une violente protestation massive. Pauvreté, dégradation de toutes les branches du gouvernement, engraissement de la bourgeoisie, analphabétisme, maladie...
Lequel d'entre eux devait être convaincu, qui agiter ?!..
Qu'est-ce que Lénine et Staline ont à voir là-dedans ?... La scission et l'effondrement de la société sont devenus tels qu'il est devenu impossible de gouverner cet État.
Au cours des 20 dernières années, les libéraux nous ont dit à la télévision qu'ils disaient que Bloody Sunday est un mythe soviétique. Il n'y a pas eu d'exécution. Et Pop Gapon était un enfant normal. Eh bien, des hommes ivres se sont rassemblés sur la place, eh bien, ils ont organisé un alcool. La police est venue avec les Cosaques. Tir en l'air. La foule s'est arrêtée. Nous avons parlé avec les hommes et… nous nous sommes séparés.
Alors que faire du tableau de Makovsky, qui a été peint en ce 1905 ? Il s'avère que l'image ment, mais Posner, Svanidza et Novodvorskaya disent la vérité ??
Ivanov Sergueï Vassilievitch. "Tournage". année 1905
Ivanov Sergueï Vassilievitch. "Émeute à la campagne" 1889
S.V. Ivanov. "Ils arrivent. Détachement punitif". Entre 1905 et 1909
Repin. "L'arrestation d'un propagandiste" 1880-1889
N.A. Yarochenko. "La vie est partout" 1888
Voici une si triste excursion ...
Personne n'a pris le pouvoir de personne. La monarchie a dégénéré biologiquement, dans des conditions de guerre, elle n'a pas pu gouverner le pays et a cédé la Russie aux francs-maçons occidentaux. Deux mois avant la prise du Palais d'Hiver, les socialistes-révolutionnaires, retranchés dans le gouvernement provisoire maçonnique, disaient : « Nous ne ressentons aucune menace de la part des bolcheviks. Mais les bolcheviks russes ont néanmoins pris le pouvoir.
A quoi ressemblait la Russie tsariste au début du XXe siècle ? C'était un pays agraire arriéré, avec un système de gouvernement primitif, avec une fichue armée digne de bataille, un peuple russe illettré et asservi, un système de succession pourri et un tsar allemand dégénéré et imbécile, terriblement loin des travailleurs.
Où, en 1913, ils battent des records de vente de pain à l'étranger, et les souliers du peuple russe tombent de faim.
En 1917, c'était une épave tuée par la Première Guerre mondiale avec une industrie debout, des transports à l'arrêt, une armée déserte et des villes mourant de faim !
C'était un pays pauvre, pauvre, où fonctionnaient 2 centrales électriques puis alimentaient en électricité la résidence du roi et ses cuvettes de toilettes. De plus, dans ce putain de système successoral, il y avait une horde de fonctionnaires, bureaucrates, propriétaires terriens, capitalistes et autres racaille germano-polonais-français-juif, russophobe libéral-maçonnique, réalisant la proximité du tsar et l'utilisant au moment où c'était nécessaire pour abattre une centaine d'autres ouvriers russes, alors et la cause de ceux qui se soulèvent contre toutes ces conditions inhumaines !
Et si la deuxième révolution russe n'avait pas eu lieu, nous aurions collectivement perdu l'occasion de voler dans l'espace, et la victoire dans la Seconde Guerre mondiale, et l'industrialisation, et une centrale nucléaire avec des rovers lunaires, et des bombes thermonucléaires et nos parents qui à peine vécu pour voir leur naissance.
Au fait, les armées de la Garde Blanche ont craché trois fois sur le tsar, la monarchie et le capitalisme ! Et cent fois de plus, ils ont craché sur les travailleurs russes !
Et s'il n'y avait pas eu 17 ans et la victoire de l'armée des ouvriers et des paysans russes (mouvement insurrectionnel russe), la Russie en tant qu'État aurait déjà cessé d'exister et serait devenue une colonie de l'Entente et des États-Unis. États (fournissant au mouvement blanc des chars, des armes, de la nourriture et de l'argent), désintégrés dans les républiques de Sibérie-Oural, la République d'Extrême-Orient, les cosaques internes et d'autres groupes de principautés indépendantes et insignifiantes qui auraient partagé le pouvoir pendant encore 50 ans avec Kolchak_Yude -rien_Wrangel.
Koltchak, bien qu'étant un officier russe avec un mélange de Noirs, était un gars si merveilleux qu'il a été nommé par l'Angleterre pas moins que le « souverain suprême de la Russie », et en même temps un résident anglais. Mais les paysans n'ont pas compris son « bon ». Et ils ont décidé qu'il avait bien reçu la balle.
Et s'il n'y avait pas eu la révolution russe et les "mauvais" bolcheviks, qui ont rassemblé le pays et la nation russe de haillons en l'an 23 et l'ont transformé en un grand camp militaro-industriel, nous ramperions certainement à genoux dans les pays occidentaux pour le droit de vivre sous le soleil.
Empire russe
tracer des images
Sergueï Vassilievitch Ivanov(4 (16) juin, Ruza - 3 (16) août, le village de Svistukha (aujourd'hui le district Dmitrovsky de la région de Moscou)) - Peintre russe.
Biographie
premières années
La dernière période d'étude comprenait les peintures "Malade" (1884, localisation inconnue), "A la taverne" (1885, localisation inconnue), "Au propriétaire terrien avec une demande" (1885; localisation inconnue), "A la prison" (1884-1885, Galerie nationale Tretiakov), "Agitateur en calèche" (1885, Centre national d'art contemporain). Le début des travaux sur le thème de la réinstallation (cycle 1885-1890) remonte à cette époque.
Thème de la réinstallation (1885-1890)
Déjà dans ses dernières années, Sergueï Ivanov se tourne vers de graves problèmes sociaux. En particulier, son attention est attirée par un phénomène caractéristique de la campagne russe dans le dernier quart du XIXe siècle : dans la seconde moitié des années 1880, la réinstallation en Sibérie commence. Après la réforme de 1861, le besoin s'est fait sentir de régler la question foncière. Le gouvernement a vu une issue dans la réinstallation des paysans sans terre dans cette vaste région peu peuplée. Au cours des seules dernières décennies du XIXe siècle, plusieurs millions de paysans ont quitté leurs misérables parcelles, leurs huttes sordides et sont partis à la recherche de « terres fertiles ». Seuls, avec leurs femmes et leurs enfants, en petits groupes, emportant avec eux leurs fragiles affaires, à pied et en charrettes, et s'ils avaient de la chance, même en train, ils se précipitaient, inspirés par les rêves utopiques de "Belovodye" ou "White Arapia" ", vers des épreuves difficiles et le plus souvent de graves déceptions. La tragédie des paysans sans terre qui ont quitté leurs lieux ancestraux, des provinces centrales à la périphérie du pays - à la Sibérie et ont péri par centaines en chemin - c'est l'idée principale du cycle de peintures d'Ivanov. Il a capturé les scènes de la vie paysanne dans des peintures délibérément ternes, "pleureuses" en couleurs sur les immigrants.
Après avoir demandé à la Moscow Art Society un certificat de "voyage et résidence" dans un certain nombre de provinces de Moscou à Orenbourg, Ivanov s'est séparé de l'école, sans même recevoir de certificat pour le titre de professeur de dessin. A partir de ce moment, Ivanov est devenu une sorte de chroniqueur du phénomène tragique de la vie de la paysannerie russe post-réforme.
Le critique d'art Sergei Glagol (pseudonyme S. S. Goloushev) raconte cette période de la vie et de l'œuvre d'Ivanov :
"... Il a marché des dizaines de kilomètres avec les colons dans la poussière des routes russes, sous la pluie, le mauvais temps et le soleil brûlant dans les steppes, a passé de nombreuses nuits avec eux, remplissant son album de dessins et de notes, de nombreuses scènes tragiques passé devant ses yeux, et un certain nombre de tableaux qui sont vraiment capables de peindre l'épopée des migrations russes ».
Dans les peintures et les dessins d'Ivanov apparaissent des scènes terrifiantes de la vie des migrants. Espoir et désespoir, maladie et mort à côté de personnes errant à travers l'immensité de la Russie - « Migrants. Walkers "(Bolshoi State Art Museum nommé d'après MV Nesterov)," Return Migrants "(1888, Galerie nationale de la République des Komis) et le premier tableau sérieux de l'artiste" Sur la route. Mort d'un immigré "(, Galerie Tretiakov), qui a fait la renommée du jeune artiste.
La section suivante de l'épopée sociale d'Ivanov était la « série prison ». Y travailler dans le temps parfois confondu avec le « cycle de réinstallation » ; à la même époque, l'artiste crée : « Runaway », croquis (1886, Galerie nationale Tretiakov), « Riot in the Village » (Centre national d'art contemporain), « Envoi de prisonniers » (Centre national d'art contemporain), « Clochard " (lieu inconnu). Le tableau "Stage" (le tableau a été perdu, la version pour le musée d'art d'État de Saratov du nom d'AN Radishchev) semble résumer la "série des prisons".
Au tournant de 1889-1890, Sergei Ivanov, avec Serov, Levitan, Korovin, était un leader reconnu parmi les artistes moscovites de la jeune génération. Puis il a assisté aux "soirées de dessin" de Polenov, organisées par V. D. Polenov et sa femme, et y a trouvé soutien et approbation.
Période des œuvres historiques
A partir du milieu des années 90, une nouvelle période s'ouvre dans le travail de l'artiste, associée à la création d'œuvres historiques. Dans la peinture historique d'Ivanov, il y a des caractéristiques qui le rapprochent de l'art de Surikov et Ryabushkin. Le peintre comprend l'état des masses agitées dans les moments dramatiques aigus ("Troubles", II Brodsky's Apartment Museum) ; "Par le verdict du veche", collection privée), il est attiré par la force des personnages folkloriques russes et, comme Ryabushkin, il trouve de la beauté dans les phénomènes de la vie populaire, confirme la compréhension de cette beauté par le peuple russe. Ivanov capture avec acuité la quête pittoresque du temps ; ses œuvres de ces années acquièrent une sonorité coloristique particulière.
Cependant, la recherche d'autres sujets et moyens d'exprimer l'état intérieur s'est poursuivie. Ivanov, insatisfait (selon ses mots) des "scènes mignonnes" qui prévalaient dans le genre des Itinérants, s'efforçait d'avoir un art dramatiquement aigu, véhiculant avec sensibilité le "battement de l'âme humaine". Peu à peu, influencé peut-être par son travail en plein air, il change de dessin et de palette. Cela s'est passé pendant les années de la création de l'Union des artistes russes, dans laquelle Ivanov a joué un certain rôle. L'artiste s'est tourné vers le genre historique, peint des portraits de ses proches, illustré des livres. Il est resté un artiste réaliste, malgré les temps à venir de recherches, de modernité, de rejet de l'art objet.
Ivanov était un innovateur du genre historique, composant des épisodes du Moyen Âge russe - dans l'esprit du style Art Nouveau - presque comme des cadres de films, capturant le spectateur avec leur rythme dynamique, "effet de présence" (Arrivée d'étrangers à Moscou au XVIIe siècle) ; "Tsar. XVI siècle" (1902), Randonnée des Moscovites. XVIe siècle, 1903). L'artiste y a jeté un nouveau regard sur le passé historique de sa patrie, décrivant non pas des moments héroïques d'événements, mais des scènes de la vie quotidienne de l'ancienne vie russe. Certaines images sont écrites avec une touche d'ironie et de grotesque.
Années révolutionnaires - dernières années
Plus tard, l'artiste a travaillé sur le tableau « They're Coming! Escouade punitive "(-, Galerie Tretiakov).
Il a enseigné à l'École d'art industriel Stroganov (1899-1906), à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou (1900 / 1903-1910).
Il a participé aux expositions de la Société des amateurs d'art de Moscou (1887, 1889, 1894), de l'Association des itinérants (1887-1901), "36 Artistes" (1901, 1902), "Monde de l'art" (1903), de l'Union des artistes russes (1903-1910).
Il a travaillé fructueusement en tant que maître de l'eau-forte et de la lithographie, ainsi qu'illustrateur des œuvres de N.V. Gogol, M. Yu. Lermontov, A.S. Pouchkine, etc.
Ivanov est décédé à l'âge de 46 ans d'une crise cardiaque le 3 août (16) dans sa datcha du village de Svistukha sur les rives de la rivière Yakhroma.
Galerie
Littérature
- "1989. Cent dates mémorables ». Calendrier artistique. Édition annuelle illustrée. M. 1988. Article V. Petrov.
- A.F. Dmitrienko, E.V. Kuznetsova, O.F. Petrova, N.A. Fedorova. "50 brèves biographies des maîtres de l'art russe". Leningrad, 1971. Article de A.F.Dmitrienko.
Dans les derniers cours de l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, Sergueï Ivanov aborde les problèmes sociaux aigus. En particulier, son attention a été attirée par un phénomène caractéristique de la campagne russe dans le dernier quart du XIXe siècle : dans la seconde moitié des années 1880, la réinstallation en Sibérie a commencé.
Sur l'image : « Les migrants. Marcheurs". 1886.
Après la réforme de 1861, le besoin s'est fait sentir de régler la question foncière. Le gouvernement a vu une issue dans la réinstallation des paysans sans terre dans cette vaste région peu peuplée. Au cours des seules dernières décennies du XIXe siècle, plusieurs millions de paysans ont quitté leurs misérables parcelles, leurs huttes sordides et sont partis à la recherche de « terres fertiles ».
Dans l'image : "Le Migrant en calèche", 1886.
Seuls, avec leurs femmes et leurs enfants, en petits groupes, emportant avec eux leurs fragiles affaires, à pied et en charrettes, et s'ils avaient de la chance, même en train, ils se précipitaient, inspirés par les rêves utopiques de "Belovodye" ou "White Arapia" ", vers de dures épreuves et le plus souvent de graves déceptions. La tragédie des paysans sans terre qui ont quitté leurs lieux ancestraux, des provinces centrales à la périphérie du pays - à la Sibérie et sont morts par centaines en chemin - c'est l'idée principale du cycle de peintures d'Ivanov. Il a capturé les scènes de la vie paysanne dans des peintures délibérément ternes, "pleureuses" en couleurs, sur les immigrants.
Sur la photo : « Sur la route. Décès d'un immigré." 1889.
A partir du milieu des années 1890, une nouvelle période s'ouvre dans le travail de l'artiste, associée à la création d'œuvres historiques. Dans la peinture historique d'Ivanov, il y a des caractéristiques qui le rapprochent de l'art de Surikov et Ryabushkin. Le peintre comprend l'état des masses excitées dans les moments dramatiques aigus ("Troubles", 1897, II Brodsky Museum-Apartment); "Par le verdict du veche", 1896, collection privée), il est attiré par la force des personnages folkloriques russes et, comme Ryabushkin, il trouve la beauté dans les phénomènes de la vie populaire, confirme la compréhension de cette beauté par le peuple russe . Ivanov capture avec acuité la quête pittoresque du temps ; ses œuvres de ces années acquièrent une sonorité coloristique particulière.
Sur l'image : "Time of Troubles" (camp de Touchino)
Ivanov était un innovateur du genre historique, composant des épisodes du Moyen Âge russe - dans l'esprit du style Art Nouveau - presque comme des cadres de films, capturant le spectateur avec leur rythme dynamique, "l'effet de présence" (Arrivée d'étrangers à Moscou au XVIIe siècle, 1901) ; "Tsar. XVI siècle" (1902), Randonnée des Moscovites. XVIe siècle, 1903). L'artiste y a jeté un nouveau regard sur le passé historique de sa patrie, décrivant non pas des moments héroïques d'événements, mais des scènes de la vie quotidienne de l'ancienne vie russe. Certaines images sont écrites avec une touche d'ironie et de grotesque. En 1908-13, il a réalisé 18 œuvres pour le projet « Images sur l'histoire de la Russie ».
Sur l'image : "La Saint-Georges". 1908
Sur l'image : "Campagne des Troupes de Moscovite Rus", XVIe siècle, peinture en 1903.
Sur l'image : "Inspection des gens de service", au plus tard en 1907
Les caractéristiques particulières du "proto-expressionnisme" nerveux se sont manifestées avec une force particulière dans les images de la première révolution russe, y compris dans le célèbre tableau "Tir" (1905, Musée historique et révolutionnaire "Krasnaya Presnya", branche du Centre d'État pour le contemporain Art), qui a frappé les contemporains avec un son de protestation désespérément perçant.
Au cours du soulèvement armé de 1905 à Moscou, il a été témoin et participant - il a aidé des étudiants blessés dans des combats de rue dans le bâtiment de l'Université de Moscou sur la rue Mokhovaya. Ses dessins de gendarmes et de cosaques, cantonnés dans le manège près du Kremlin pendant le soulèvement, ont survécu.
Plus tard, l'artiste a travaillé sur le tableau « They're Coming! Escouade punitive "(1905-1909, Galerie Tretiakov).
Dans l'image : ils arrivent ! Escouade punitive.
Sur la photo : Famille, 1907
Dans l'image : L'arrivée du gouverneur
Sur la photo : allemand, 1910
Sur la photo : émeute dans le village, 1889
Sur la photo : A la prison. 1884 année
Sur l'image : Arrivée d'étrangers. XVIIe siècle. année 1901
Sur l'image : des serfs boyards. année 1909
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