Genre historique
Genre mythologique

Victor Vasnetsov. "Le Christ Pantocrator", 1885-1896.

Genre historique, l'un des genres principaux arts visuels dédié à la recréation d'événements passés et présents qui ont signification historique. Le genre historique est souvent étroitement lié à d'autres genres - genre de tous les jours(le genre dit historique-quotidien), portrait (portrait- compositions historiques), paysage (« paysage historique »), genre de bataille. L'évolution du genre historique est largement déterminée par le développement des vues historiques, et il s'est finalement formé avec la formation d'une vision scientifique de l'histoire (entièrement seulement aux XVIIIe et XIXe siècles).

Victor Vasnetsov, "La Parole de Dieu", 1885-1896

Ses débuts remontent à des compositions conditionnellement symboliques L'Egypte ancienne et la Mésopotamie, aux images mythologiques
La Grèce ancienne, aux reliefs documentaires et narratifs de l'Antiquité romaine arcs de triomphe et des colonnes. En fait genre historique a commencé à prendre forme dans l'art de la Renaissance italienne -
dans les ouvrages d'histoire des batailles de P. Uccello, cartons et peintures de A. Mantegna sur des thèmes histoire ancienne, interprété de manière idéalement généralisée et intemporelle par les compositions de Léonard de Vinci, Titien, J. Tintoret.

Titien."L'Enlèvement d'Europe", 1559-1592

Jacopo Tintoret "Ariane, Bacchus et Vénus".
1576, Palais des Doges, Venise

Jacopo Tintoretto "Le bain de Suzanne".
Deuxième étage. XVIe siècle

Titien "Bacchus et Ariane". 1523-1524

Aux XVIIe et XVIIIe siècles. dans l'art du classicisme, le genre historique s'est imposé, comprenant des sujets religieux, mythologiques et historiques ; Dans le cadre de ce style, ont pris forme à la fois une sorte de composition historique-allégorique solennelle (C. Lebrun) et des peintures pleines de pathos éthique et de noblesse intérieure représentant les exploits des héros de l'Antiquité (N. Poussin).

Nicolas Poussin. "Paysage avec Orphée et Eurydice", 1648

Le tournant dans le développement du genre survient au XVIIe siècle. œuvres de D. Velazquez, qui a contribué à l'image conflit historique Espagnols et Néerlandais profonds objectivité et humanité, P.P. Rubens, qui combinait librement la réalité historique avec la fantaisie et l'allégorie, Rembrandt, qui incarnait indirectement les souvenirs des événements de la révolution hollandaise dans des compositions pleines d'héroïsme et de drame intérieur.

P. Rubens. "Union de la Terre et de l'Eau"
1618, Ermitage, Saint-Pétersbourg

P. Rubens. "Diane partant à la chasse", 1615

P. Rubens."L'artiste avec sa femme Isabella Brant", 1609

Rubens. "Vénus et Adonis", 1615
Métropolitaine de New York

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, au siècle des Lumières, le genre historique prend une signification pédagogique et politique : les peintures de J.L. David, représentant les héros de la Rome républicaine, est devenu l'incarnation de l'exploit au nom du devoir civique, sonnant comme un appel à la lutte révolutionnaire ; dans des années Révolution française Entre 1789 et 1794, il dépeint ses événements dans un esprit héroïque et exaltant, assimilant ainsi la réalité et le passé historique. Le même principe sous-tend peinture historique les maîtres du romantisme français (T. Géricault, E. Delacroix), ainsi que l'Espagnol F. Goya, qui a saturé le genre historique d'une perception passionnée et émotionnelle du drame des conflits sociaux historiques et modernes.

Eugène Delacroix "Les femmes d'Algérie dans leurs appartements".
1834, Persienne, Paris

Au XIXème siècle, s'élève identité nationale, la recherche des racines historiques de leurs peuples a conduit à des sentiments romantiques dans la peinture historique de la Belgique (L. Galle), de la République tchèque (J. Manes), de la Hongrie (V. Madaras), de la Pologne (P. Michalovsky). Le désir de faire revivre la spiritualité du Moyen Âge et Début de la Renaissance déterminé le caractère rétrospectif du travail des préraphaélites (D. G. Rossetti, J. E. Milles, H. Hunt, W. Morris, E. Burne-Jones, J. F. Watts, W. Crane et autres) en Grande-Bretagne et chez les Nazaréens (Overbeck , P. Cornelius, F. Pforr, J. Schnorr von Carolsfeld, etc.) en Allemagne.

George Frederick Watts, "Ariane sur l'île de Naxos", 1875.

Edward Burne-Jones, "Le miroir de Vénus", 1870-1876

Edward Burne-Jones, "Étoile de Bethléem", 1887-1890

Le genre mythologique (du grec mythos - légende) est un genre de beaux-arts dédié aux événements et aux héros dont parlent les mythes des peuples anciens. Tous les peuples du monde ont des mythes, des légendes et des traditions, et ils constituent la source la plus importante créativité artistique. Le genre mythologique trouve son origine dans l'Antiquité tardive et art médiéval quand les mythes gréco-romains cessent d'être des croyances et deviennent histoires littéraires avec un contenu moral et allégorique. Le genre mythologique lui-même s'est formé à la Renaissance, lorsque les légendes anciennes ont fourni de riches sujets pour les peintures de S. Botticelli, A. Mantegna, Giorgione et les fresques de Raphaël.

Sandro Botticelli. "La calomnie", 1495

Sandro Botticelli. "Vénus et Mars", 1482-1483

Au 17ème siècle - au début du XIXe siècle, l'idée des peintures du genre mythologique s'est considérablement développée. Ils servent à incarner la haute idéal artistique(N. Poussin, P. Rubens), rapprocher les gens de la vie (D. Velazquez, Rembrandt, P. Batoni), créer un spectacle festif (F. Boucher, G. B. Tiepolo). Au XIXe siècle, le genre mythologique servait de norme pour les hautes, art parfait(sculpture de I. Martos, peintures
J.-L. Davida, J.-D. Ingra, A. Ivanova).

Pompeo Batoni. "Le Mariage de Cupidon et Psyché", 1756

Pompeo Batoni : "Chiron rend Achille à sa mère Thétis"
1770, Ermitage, Saint-Pétersbourg

Pompeo Batoni. "La tempérance de Scipion l'Africain"
1772, Ermitage, Saint-Pétersbourg

Avec les sujets mythologie ancienne aux XIXe-XXe siècles. thèmes germaniques, celtiques, indiens, Mythes slaves.

Gustave Moreau. "La Nuit", 1880

Au début du XXe siècle, le symbolisme et le style Art nouveau ravivent l'intérêt pour le genre mythologique (G. Moreau, M. Denis,
V. Vasnetsov, M. Vroubel). Il a reçu une refonte moderne dans la sculpture de A. Maillol, A. Bourdelle,
S. Konenkov, graphismes de P. Picasso.

Lawrence Alma-Tadema "La découverte de Moïse".
1904, collection privée

Victor Vasnetsov, "Dieu des armées", 1885-1896

Préraphaélites (du latin prae - before et Raphael), groupe d'artistes et d'écrivains anglais qui se sont unis en 1848 au sein de la « Confrérie préraphaélite », fondée par le poète et peintre D.G. Rossetti, les peintres J. E. Millais et H. Hunt. Les préraphaélites cherchaient à faire revivre la religiosité naïve de l'art médiéval et du début de la Renaissance (« préraphaélien »), en l'opposant à un académisme froid, dont ils voyaient les racines dans culture artistique Haute Renaissance. Depuis la fin des années 1850. Les artistes W. Morris, E. Burne-Jones, W. Crane, J. F. Watts et d'autres regroupés autour de Rossetti ont développé la peinture préraphaélite vers une stylisation, une ornementation planaire plus complexe et une coloration mystique de la structure figurative. Les activités des préraphaélites (principalement Morris et Burne-Jones) pour relancer les arts décoratifs et appliqués anglais étaient très répandues. Les idées et la pratique des préraphaélites ont largement influencé le développement du symbolisme dans les arts visuels et la littérature (J. W. Waterhouse, W. Pater, O. Wilde) et le style Art Nouveau dans les beaux-arts (O. Beardsley et autres) en Grande Bretagne.

E. Burns-Jones, "Rose musquée. La princesse endormie", 1870-1890

Ew Burns-Jones. "Aphrodite et Galatée", 1868-1878

George Frederick Watts. "Orlando à la poursuite de Fata Morgana".
1848, collection privée

Nazaréens (allemand : Nazarener), surnom semi-ironique pour un groupe de maîtres allemands et autrichiens du premier romantisme qui se sont unis en 1809 dans « l'Union de Saint-Luc » ; vient de "Alla Nazaréen" nom traditionnel coiffures avec cheveux longs, connu grâce aux autoportraits de A. Dürer et remis à la mode par F. Overbeck, l'un des fondateurs de la confrérie nazaréenne Depuis 1810, les Nazaréens (Overbeck, P. Cornelius, F. Pforr, J. Schnorr von. Carolsfeld, etc.) travaillaient à Rome, occupant le monastère vide de San Isidoro et vivant à l'image des confréries religieuses et des associations artistiques médiévales. Ayant choisi l'art de Dürer, du Pérugin et du premier Raphaël comme modèle, les Nazaréens cherchèrent à faire revivre la spiritualité de l'art qui, à leur avis, s'était perdue dans la culture des temps modernes, mais leurs œuvres, y compris collectives, ceux (peintures de la maison Bartholdi à Rome, 1816-1817 ; aujourd'hui V galerie nationale, Berlin). non sans une touche de stylisation froide. Dans les années 1820 et 1830, la plupart des Nazaréens retournèrent dans leur pays d'origine. Leurs activités pratiques et surtout leurs déclarations théoriques ont eu un certain impact sur les mouvements néo-romantiques de la 2e moitié du 19e siècle, notamment les préraphaélites en Grande-Bretagne et les maîtres du néo-idéalisme en Allemagne.

Ferdinand Hodler. "La Retraite de Marignan".

Depuis les années 1850, les compositions historiques de salon se sont également répandues, alliant représentativité luxuriante et prétention, et de petites peintures historiques et quotidiennes, recréant avec précision la « couleur de l'époque » (V. Bouguereau, F. Leighton, L. Alma-Tadema dans Grande-Bretagne, G. Moreau, P. Delaroche et E. Meissonnier en France, M. von Schwind en Autriche, etc.).

Lawrence Alma-Tadema, « Sappho et Alkaes », 1881.

Gustave Moreau. "Œdipe et le Sphinx"

Gustave Moreau. "Chimère", 1862

Ceux qui veulent voir quelque chose qui ne s’est pas vraiment produit peuvent se tourner vers des peintures d’un certain genre. Ces toiles représentent des créatures de contes de fées, des héros de légendes et de traditions et des événements folkloriques. Les artistes du genre mythologique écrivent de cette manière.

Comment donner vie à un tableau

Sans aucun doute, pour représenter des événements qu'il n'a pas vu de ses propres yeux, le maître doit avoir une excellente imagination et connaître l'intrigue de l'œuvre sur la base de laquelle il va créer. Pour que le spectateur aime l’image, il faut utiliser habilement le pinceau, puis les images qui existent dans la tête de l’artiste prendront vie et se transformeront en un conte de fées en réalité. Les maîtres qui savent faire cela sont devenus célèbres dans le monde entier. Parmi les noms célèbres : Botticelli, Vasnetsov, Mantegna, Cranach, Giorgione.

Origine

Le genre mythologique dans l’art est apparu lorsque les gens ont cessé de croire en ce que leurs ancêtres leur disaient. Les œuvres sur le thème des événements passés sont devenues histoires simples, dans lequel l'existence de leurs héros était en réalité remise en question. C'est alors que les artistes purent laisser libre cours à leur imagination et représenter sur toile les participants aux événements anciens tels qu'ils les imaginaient. Le genre mythologique dans les beaux-arts s'est particulièrement développé à la Renaissance. De plus, chaque siècle, les sujets de créativité sont devenus différentes légendes, heureusement, ils ne manquaient pas. Initialement, le genre mythologique impliquait la représentation des héros de la Grèce antique et des événements liés à leur vie. Peu à peu, au XVIIe siècle, des sujets chargés de signification particulière apparaissent dans les peintures, affectant l'esthétique et questions morales, proche des réalités de la vie. Et déjà aux XIXe et XXe siècles, le champ d'activité d'un artiste travaillant dans une direction telle que le genre mythologique est devenu particulièrement large. Les mythes celtiques, germaniques, indiens et slaves servent de base à l'image.

Sandro Botticelli

Ce peintre fut le premier à utiliser le genre mythologique pour la création. Avant lui, les sujets de tels thèmes étaient utilisés pour les décorations décoratives. Des clients privés passaient des commandes, inventant souvent eux-mêmes ce qui devait être représenté et ce qui charge sémantique il portera. Par conséquent, ils n’étaient compréhensibles que pour ceux qui achetaient une telle œuvre. Il est intéressant de noter que le maître a peint ses peintures de manière à ce qu'elles soient combinées avec des meubles ou des articles ménagers. Par conséquent, la taille ou la forme inhabituelle de ses peintures est justifiée par le fait que, avec le sujet pour lequel elles ont été peintes, tout semblait assez harmonieux. Parmi ses œuvres figurent « La Naissance de Vénus » et « Le Printemps ». Botticelli a également utilisé le genre mythologique pour peindre des autels. À oeuvres célébres L'Annonciation de Cestello est également de ce genre avec Jean-Baptiste.

Andrea Mantegna

Le genre mythologique dans les beaux-arts a fait la renommée de cet artiste. En particulier, son tableau « Parnassus » a été réalisé dans ce sens. Seul un connaisseur de l'Antiquité comme Mantegna pourrait créer une telle toile remplie d'allégories subtiles, dont certaines ne sont toujours pas résolues. L'intrigue principale de l'image est l'amour de Mars et de Vénus. Ce sont leurs figures que l'artiste a placées au centre. Il s'agit d'un adultère, c'est pourquoi Mantegna a jugé nécessaire de refléter l'indignation de son mari trompé, Héphaïstos. Il quitte sa chambre et se tient à l'entrée de la forge, envoyant des malédictions au couple amoureux. Deux et Mercure, qui contribuent au rapprochement de Mars et Vénus, sont également présents sur la photo. De plus, il représente neuf muses dansantes capables de provoquer une éruption volcanique avec leur chant. Mais à droite du centre de l’image se trouve Pégase. Ce cheval ailé, selon la légende, aurait pu stopper l'éruption en frappant du sabot.

Giorgione

Le maître a peint plusieurs tableaux du genre mythologique. Parmi eux se trouve "Vénus endormie", que l'auteur n'a pas pu terminer car pendant le processus de création, il est tombé malade de la peste et est mort. Les différends continuent quant à savoir qui a terminé le tableau. "Judith" est également célèbre. Cette peinture est basée sur histoire biblique. Ce thème a occupé d’autres artistes, mais sur la toile de Giorgione il est représenté comme modeste, doux et plein. amour propre. Elle marche sur la tête d'Holopherne avec son pied. Ce caractère négatif, mais son apparence ne repousse pas le spectateur, même si à cette époque héros négatifs présenté comme laid.

Victor Vasnetsov

Le créateur de toiles sur lesquelles prennent vie les contes de fées préférés de tous représente dans ses œuvres le genre mythologique de la peinture. Ce n’est pas pour rien que les enfants aiment beaucoup ses tableaux. Après tout, ils représentent des héros d’œuvres du folklore russe aimés et familiers depuis l’enfance. Le genre mythologique permet à l'artiste de faire preuve d'imagination et de représenter sur toile ce qu'il imagine dans son imaginaire. Mais les œuvres de Vasnetsov touchent tellement les cordes émotionnelles d’une personne qu’elles résonnent dans chaque cœur.

Peut-être parce qu'il aimait et savait transmettre la polyvalence de la nature russe dans ses œuvres. Les bouleaux préférés de tous ne peuvent s'empêcher de vous toucher par leur tristesse tranquille. Tout ce qu’une personne voit dans les peintures de Vasnetsov lui est familier. Même reconnaissables, même s'ils n'étaient visibles nulle part auparavant. Les œuvres du maître ne sont pas seulement représentées, elles enseignent à quoi doit ressembler un travail propre. beauté féminine, masculinité et force héroïque. Son œuvre est donc connue de tous. Il s'agit de peintures telles que « La Fille des neiges », « Alyonushka », « Bogatyrs », « Ivan Tsarévitch et Loup gris", " Koschei l'Immortel ".

Mikhaïl Vroubel

Le genre mythologique n'est pas moins devenu la base de la créativité peintre célèbre Mikhaïl Vroubel. Tout le monde connaît son tableau « La princesse cygne », basé sur le conte de fées de Pouchkine. Bien que l'image soit tout à fait mythologique, Vroubel a en fait représenté sa femme dans She Sang in the Opera, pour lequel son mari a également peint le décor. Les couleurs utilisées par le maître remplissent l'image de tendresse et de légèreté. L'auteur a essayé de transmettre le moment où l'oiseau se transforme en belle princesse. Il a plutôt bien réussi. Jusqu'à présent, l'effet magique de ses peintures fait que de nombreuses personnes deviennent fans de son travail.

Le genre mythologique est intéressant et éveille l'imagination non seulement chez l'artiste, mais aussi chez le spectateur. Et surtout, il existe de nombreuses sources d’inspiration, ce qui rend les possibilités de créativité infinies.

Les mythes de la Grèce antique sont les aventures passionnantes de dieux, de héros et de créatures maléfiques. Ils sont intéressants à tous points de vue.

C’est un divertissement pire que les superproductions hollywoodiennes. Et l'opportunité de comprendre la vision du monde complètement différente des peuples de la civilisation préchrétienne.

Nous connaissons les mythes non seulement grâce aux auteurs anciens.

Les artistes qui ont vécu avant notre ère ont également créé activement des fresques avec des sujets mythologiques. Et certains d’entre eux ont survécu jusqu’à ce jour.

Dionysos (Bacchus) rencontre Ariane sur l'île de Naxos. Fresque à Stabies, Villa d'Ariane, 1 av.

Mais pendant près de 1,5 mille ans, les mythes ont disparu de l'art.

Ils ne réapparaissent en peinture qu'en . Au XVe siècle, des sculptures de l'époque de l'Empire romain (copies d'œuvres de maîtres grecs antiques) ont commencé à être déterrées à Rome. L'intérêt pour la Grèce antique a commencé à croître. C'est devenu à la mode, puis une lecture obligatoire. auteurs anciens.

Et déjà aux XVIe et XVIIe siècles, les mythes étaient l’un des sujets les plus populaires en peinture.

Peintures mythologiques pour le spectateur moderne

Lorsque vous êtes dans un musée, il est peu probable que vous vous attardiez longtemps devant des peintures aux sujets mythologiques. Pour une raison simple.

Nous connaissons peu les mythes de la Grèce antique.

Oui, nous connaissons Hercule. Avez-vous entendu parler de Persée et d'Andromède ? Et citons-en quelques-uns dieux antiques comme Zeus et Athéna.

Mais qui peut désormais se vanter d’avoir lu au moins l’Odyssée d’Homère ? Je ne l'ai lu moi-même qu'à l'âge de 30 ans.

Et si vous ne comprenez pas l’intrigue de l’image, il sera difficile d’en profiter. Car une barrière apparaîtra sous forme de perplexité : « Qui sont tous ces gens ?

Mais si l'intrigue est claire, alors les traits pittoresques de l'image se révèlent immédiatement sous nos yeux clairs.

Cet article est une petite collection de peintures mythologiques.

Je vais d'abord vous aider à comprendre leurs héros et leurs symboles. Et puis nous profiterons ensemble de tous les avantages de ces chefs-d’œuvre.

Botticelli. Printemps (guide du tableau). 1482 Galerie des Offices, Florence

Botticelli a été le premier de l'histoire Peinture européenne(après les anciens Grecs et Romains) a commencé à représenter héros mythologiques.

Peintures mythologiques Botticelli est parfois qualifié de manière peu flatteuse de bande dessinée picturale. Les héros sont alignés. Ils n'interagissent pas les uns avec les autres. Il ne reste plus qu'à ajouter des bulles.

Mais c'est Botticelli qui fut le premier, 1,5 mille ans plus tard, à décrire des mythes. Donc, il peut.

De plus, cette disposition en enfilade n’empêche pas le même « Printemps » de Botticelli d’être l’un des plus belles peintures dans le monde.

« Printemps » est aussi l’une des peintures les plus mystérieuses. Il en existe de nombreuses interprétations. J'ai choisi celui qui me semble personnellement le plus plausible. Et elle l'a complété par ses propres pensées.

2. Titien. Bacchus et Ariane

Titien. Bacchus et Andromède (guide du tableau). 1620 National Gallery Londres

Après Botticelli, de nombreux artistes ont représenté des mythes à la Renaissance. Mais le plus prolifique fut Titien.

Ses mythes sont complètement différents. Il s’agit déjà d’histoires spécifiques, comme « La rencontre de Bacchus et d’Andromède sur l’île de Naxos ».

Ce sont aussi des mouvements impétueux, comme le saut du dieu du vin d'un char aux pieds d'une belle. Ce sont des émotions exprimées dans des poses, comme la surprise et la peur d’Andromède. Et aussi un paysage réaliste, qui sert de décor aux héros.

3. Rubens. Persée et Andromède

Pierre Paul Rubens. Persée sauve Andromède (guide de l'image). 1622 Ermitage, Saint-Pétersbourg

Après Titien, les peintures mythologiques deviennent enfin à la mode. Les artistes des générations suivantes ont appris toutes les leçons du grand maître. Mais ils ont rendu les compositions beaucoup plus compliquées.

Le même Rubens a littéralement « poussé » les corps de ses héros l’un contre l’autre. Et devant nous se trouve un incroyable entrelacement de bras, de têtes et de jambes.

C'est pourquoi il nous est si difficile d'apprécier les peintures mythologiques du XVIIe siècle. Non seulement les intrigues ne sont pas toujours connues, mais il faut aussi voir tous les personnages.

Ainsi, l'époque d'or des peintures mythologiques se situe aux XVIe-XVIIe siècles.

Au XVIIIe siècle, ils furent légèrement supplantés par les beautés tout à fait terrestres et douces du rococo.

Et à la fin du XIXe siècle, ils ont été remplacés par le réalisme et l'impressionnisme. Les mythes sont enfin passés de mode.

Mais les peintures mythologiques sont toujours exposées dans les musées. Après tout, ils constituent une couche culturelle très importante. Et seules de petites lacunes dans nos connaissances nous empêchent d’en profiter pleinement.

Les mythes et les légendes sont étroitement liés vie courante la personne moyenne. Pour un spectateur moderne, la narration de sujets mythologiques dans les peintures semble banale, mais les connaisseurs qui connaissent les racines historiques de l'émergence d'un genre tel que la mythologie antique dans la peinture, avec avec une crainte particulière apprécier l'art avec lequel les artistes du monde ont abordé la création d'images et de scènes de vie personnages de contes de fées mythologie ancienne.

Pierre Paul Rubens, Pan et Syringa, 1617. Musée d'État, Cassel, Allemagne

Le mythe en russe signifie « légende ». Et donc, la mythologie ancienne. Pourquoi antique ? Parce que antigues se traduit par « ancien » du latin. Pourquoi en peinture ? Oui parce que des images vives et l’imagination de l’artiste confère aux personnages imaginaires une certaine physicalité et une plus grande fantaisie. Depuis la Renaissance, les maîtres ont puisé leurs idées dans les intrigues de la mythologie antique de la Grèce et de Rome. En plus de tout destinations célèbres, il y avait une autre branche ici - le panthéisme. De plus, ce dernier en dans une plus grande mesure inhérent aux maîtres helléniques (grec ancien). Le « Panthéisme » tire son nom du nom de Pan, le dieu de la nature, bouc et excessivement lubrique. Ses images étaient toujours dotées, sans gêne, d'un phallus dressé et se retrouvaient dans les amulettes, les reliefs et les statues des palais grecs. Le plus connu des contemporains était le tableau « Pan » de Vroubel. Cependant, les peintures qui se rapprochent du « vrai » Pan proviennent des pinceaux de Poussin Nicolas (« Pan et Syringa »), Frans Snyders (« Cérès et Pan ») et de nombreux autres auteurs.

Répondre aux problèmes les plus courants contes mythologiques, avec des héros rencontrés à plusieurs reprises dans les films pour enfants et Livres d'école: Hercule, Médée et Persée, Pandore et les sirènes - le spectateur a l'opportunité et un certain frisson de contempler des scènes basées sur des histoires grecques et romaines antiques. Ce thème est apprécié dans les œuvres de la Renaissance et du baroque et est particulièrement expressif dans les motifs caravagesques et les œuvres des étudiants et disciples du grand maître. La technique dans laquelle les créatures de contes de fées sont peintes est basée sur le jeu d'ombre et de lumière, avec un fond sourd et audacieux. avec des coups légers personnages principaux. Cette technique permet de « tirer » les personnages au premier plan et de créer une ambiance encore plus déprimante. Mais au tournant du XIXe siècle, lorsque le classicisme prend le contrôle de la palette, l'ambiance des tableaux aux thèmes mythologiques évolue vers des couleurs claires et chaudes (Gustave Moreau - « Apollon et les neuf muses » et « Fille thrace à tête d'Orphée sur sa Lyre", Gustav Klimt - "Pallas Athéna", Hans Makart - "Le Triomphe d'Ariane", etc.).

Les toiles deviennent vraiment fabuleuses et aux couleurs de l'arc-en-ciel. L’érotisme s’infiltre dans certaines œuvres, un certain enfantillage dans d’autres, et l’allégorisme dans d’autres. De plus, l'allégorie et la personnification dans les récits mythologiques sont le plus souvent utilisées par les maîtres pour transmettre leurs propres perceptions. Pour créer de telles scènes, les artistes ont dû étudier littérature ancienne, à la recherche des traits caractéristiques des personnages, relie les images au récit du livre. Et d’ailleurs, les habitants de l’époque où les peintures étaient peintes avaient une forte demande pour de tels sujets. Les artistes n'ont pas toujours créé pour le bénéfice de leurs propres passions, mais plutôt malgré un travail minutieux d'union créatures mythologiques avec les villageois terrestres et la nature, mêlant son talent et le souhait du spectateur de voir ce qu'on appelle un conte de fées en réalité.

GENRE MYTHOLOGIQUE

GENRE MYTHOLOGIQUE(du mythe grec - légende) - un genre de beaux-arts, dédié aux héros et les événements dont parlent les mythes des peuples anciens. Tous les peuples du monde ont des mythes, des légendes et des traditions, et ils constituent la source la plus importante de créativité artistique aux premiers stades de leur histoire, à commencer par art primitif(même si les mythes qui constituaient la base des images que nous connaissons ne nous sont souvent pas parvenus). Mais à une époque où la mythologie était un phénomène vivant, global et en constante évolution, l'un des fondements conscience nationale, elle ne pouvait pas se démarquer comme un genre distinct des autres. Les débuts de M. est apparu à la fin de l'Antiquité et de l'art médiéval, lorsque les mythes gréco-romains ont cessé d'être des croyances et sont devenus des récits littéraires au contenu moral et allégorique. En fait M. formé à la Renaissance, lorsque les légendes anciennes offraient de riches opportunités pour l'incarnation d'histoires et de personnages aux connotations éthiques très complexes, souvent allégoriques (peintures de Sandro Botticelli, Andrea Mantegna, Giorgione, fresques de Francesco Cossa, Raphaël). À 17 ans – début. 19ème siècle L'éventail des problèmes philosophiques, moraux et esthétiques reflétés dans les œuvres de M. Zh. s'élargit considérablement, soit en servant à incarner un idéal artistique élevé (peintures de Nicolas Poussin, Peter Powell Rubens), soit en se rapprochant de la vie (peintures de Diego Velazquez, Rembrandt), ou créer un spectacle festif (peintures de François Boucher, Giovanni Battista Tiepolo). Dans le 19ème siècle M.f. sert de norme d'art élevé et idéal (sculpture d'Antonio Canova, Bertel Thorvaldsen, I. P. Martos, peintures de Jacques Louis David, Dominique Ingres, A. A. Ivanov), qui dans le salon académique d'art du milieu. et 2ème étage. siècle a acquis le caractère d'une routine froide et sans vie, qui a joué un rôle important dans la révolte des jeunes artistes russes en 1863. Aux côtés des thèmes de la mythologie antique des XIXe et XXe siècles. Les thèmes des mythes germaniques, celtiques, indiens et slaves sont devenus populaires dans l’art. Au début. 20ième siècle Le symbolisme et le style Art Nouveau ont ravivé l'intérêt pour l'art féminin. (Maurice Denis, M.A. Vrubel), qui a été repensé de manière moderne dans la sculpture d'Aristide Mayol, Antoine Bourdelle, S.T. Konenkov et dans les graphismes de Pablo Picasso.