La période de développement de la culture et de l’art en Europe occidentale, depuis la chute de l’Empire romain d’Occident (Ve siècle) jusqu’au début de la Renaissance (XVe siècle), a été pour la première fois appelée le « Moyen Âge » par les écrivains humanistes italiens. Ils considéraient cette époque comme sauvage et barbare, contrairement à l'Antiquité et à la culture de leur époque. Plus tard, les scientifiques ont révisé cette évaluation négative. Une étude détaillée des monuments artistiques, des documents et des œuvres littéraires a conduit à la conclusion que l'art médiéval était une étape importante et significative dans le développement de la culture mondiale.

Dans l'histoire Art d'Europe occidentale du Moyen Âge, il est d'usage de distinguer trois périodes - l'art début du Moyen Âge(V-IX siècles), art roman et gothique. Les deux derniers noms sont conditionnels. Archéologues romans (du mot latin « Roma » - « Rome ») du XIXe siècle. Ils ont nommé les bâtiments des Xe-XIIe siècles, dans lesquels ils ont trouvé des similitudes avec l'architecture romaine, et ont ensuite commencé à appeler l'art de l'époque dans son ensemble. Tout l’art médiéval était à l’origine appelé gothique. Les humanistes italiens le considéraient comme un produit des Goths, au début du Ve siècle. a mis à sac Rome. Lorsque le terme « art roman » est apparu, le gothique a commencé à être compris comme des œuvres d'architecture, de sculpture et de peinture du milieu du XIIe au XVe siècle, qui se distinguaient de leurs prédécesseurs par leur originalité prononcée.

Odo de Metz. Intérieur de la chapelle du palais d'Aix-la-Chapelle. D'ACCORD. 798-805.

L'ère du début du Moyen Âge - le temps de la formation nouvelle culture, qui a été créé sur le territoire de l'Europe par des tribus extraterrestres. Les Romains les appelaient des barbares. Après avoir vaincu Rome, autrefois puissante, les peuples barbares formèrent leurs propres royaumes sur le territoire de l'empire conquis. Les nouveaux dirigeants de l'Europe ne savaient pas comment construire des bâtiments en pierre avec autant d'habileté que les Romains, et ils représentaient extrêmement rarement et de manière très conventionnelle des personnages dans l'art. Le monde des animaux fantastiques et motif complexe ornements avec lesquels ils décoraient des produits en métal, en bois, en os, des vêtements, des armes et des ustensiles rituels.

Initialement, les conquérants ont attiré des constructeurs et des artistes qui vivaient sur les terres qu'ils ont conquises, mais les compétences des plus hautes compétences en construction se sont progressivement perdues et l'ornement a menacé de supplanter à jamais les anciennes traditions de représentation des gens.

À mesure que les relations féodales se développaient en Europe et que le pouvoir central se renforçait, la pensée de la puissance et de la grandeur de la Rome antique attirait les dirigeants des nouveaux États qui rêvaient de la gloire des Césars romains. Le roi franc Charlemagne, créateur d'une immense puissance, essayant d'entourer son pouvoir de grandeur et de splendeur, fut couronné à Rome et tenta de faire revivre les traditions de la culture romaine à sa cour. Dans la résidence de Charles à Aix-la-Chapelle, un palais a été construit et à côté - une église du palais - une chapelle. Il est bien conservé. Le modèle en fut l'église de San Vitale de Ravenne, d'où furent apportées les colonnes de marbre installées dans la chapelle. Mais en général, la création de l'architecte franc est plus lourde et plus massive que le temple byzantin.

Parmi l'architecture en pierre de l'époque carolingienne (la soi-disant dynastie des rois francs, dont le représentant le plus éminent était Charlemagne), prédominaient les édifices religieux. C’était dû à ce rôle particulier.

lequel as-tu joué dans la vie ? société médiévaleéglise. Plus grande propriétaire féodale, elle justifia le système existant par ses enseignements et, en tant que client principal œuvres d'art, a puissamment dirigé le développement de l’art dans son propre intérêt. Sous son influence, des règles strictes pour représenter des sujets sacrés ont commencé à émerger, obligatoires pour tout artiste.

Église de Paray-le-Monial. D'ACCORD. 1100. France.

Les églises et les palais carolingiens étaient décorés de peintures et de mosaïques, et des sculptures ont également été retrouvées dans les temples. Cependant, de nombreux monuments ont péri, et l'on ne peut juger du travail des artistes carolingiens qu'à partir des plaques d'ivoire sculptées qui nous sont parvenues, des bijoux, des couvertures précieuses de livres manuscrits, et principalement des illustrations de ces livres - miniatures. Les livres étaient rares au début du Moyen Âge. Ils ont été créés sur ordre des empereurs, des grands seigneurs féodaux, des évêques et des abbés des monastères dans des ateliers spéciaux - scriptoria. A l'époque carolingienne, les scriptoria existaient à la cour royale et dans les grands centres ecclésiastiques. Contrairement à leurs prédécesseurs, artistes des VIIIe-IXe siècles. a soigneusement étudié les œuvres des maîtres romains et byzantins et en a beaucoup appris. Le principal élément de conception des livres était des miniatures d'histoires représentant des personnages, des paysages et des arrière-plans architecturaux (voir Miniature).

À l’époque romane, l’architecture jouait un rôle de premier plan dans la création artistique. Au 11ème siècle. de vastes constructions en pierre ont eu lieu dans toute l'Europe. Lors de la construction d'édifices en pierre, les architectes médiévaux rencontraient de nombreuses difficultés techniques, notamment lors de la construction des étages : les poutres et les plafonds en bois brûlaient souvent, tandis que les structures en pierre - arcs, coupoles, voûtes - avaient des contours semi-circulaires et, comme un arc tendu, semblaient s'efforcer d'écarter les murs du bâtiment sur les côtés. Pour éviter cela, les architectes romans ont réalisé des murs très épais et des piliers et supports massifs.

Dans l’Europe fragmentée et guerrière des Xe-XIIe siècles. Les principaux types de structures architecturales étaient le château du chevalier, l'ensemble monastique et le temple. À l'époque des troubles civils et des guerres, les bâtiments en pierre servaient de protection contre les attaques. Les bâtiments romans ressemblent donc beaucoup à une forteresse : ils ont des murs massifs, des fenêtres étroites et de hautes tours.

Figures des apôtres. Fragment de la décoration sculpturale de la façade de l'église Saint-Pierre. Trophée à Arles. D'ACCORD. 1180-1200. France.

L'art roman se révèle le plus clairement dans l'architecture des bâtiments religieux et leur décoration picturale et sculpturale. L'église romane se caractérise par une beauté austère et courageuse ; elle se distingue par son caractère impressionnant et sa puissance solennelle. En Europe occidentale, les églises avaient une partie médiane allongée. À l'intérieur, cette pièce était divisée par des rangées de supports, de piliers ou, plus souvent, d'arcades en salles longitudinales plus étroites - les nefs. Du côté ouest, là où se trouvait l'entrée, elle était encadrée ou couronnée de tours ; dans la partie orientale, il y avait un sanctuaire du temple - un autel. Elle était marquée par une niche spéciale - l'abside. La partie autel de l'église était précédée d'une nef transversale. La distance par rapport à l'entrée de l'autel brillamment éclairé, dont le chemin traversait la nef crépusculaire, soulignait la distance que l'on croyait alors séparer l'homme de Dieu.

L'intérieur des églises romanes était orné de fresques et l'extérieur était décoré de reliefs peints de couleurs vives sur des thèmes bibliques. Les parties couronnées des colonnes - les chapiteaux - étaient décorées d'images sculpturales d'intrigue. Les artistes de l’époque romane ne perdent pas leur goût pour la décoration ornementale, mais ils sont beaucoup plus attirés par les images de l’homme et de ses actions. Les maîtres de cette époque commencèrent à se tourner plus souvent vers l'héritage du passé, connaissaient les œuvres des artistes byzantins et étaient observateurs. Ils savaient remarquer et transmettre une pose expressive, un geste caractéristique et raconter une histoire divertissante sur un événement. Pour rendre cette histoire plus expressive, les maîtres romans violaient souvent les proportions du corps humain, agrandissaient les détails individuels et exagéraient les mouvements.

Souvent, peintres et sculpteurs laissaient libre cours à leur imagination et « peuplaient » les murs des temples ou les pages de manuscrits d’images de créatures fantastiques, de figures d’acrobates, d’oiseaux et d’animaux, images empruntées aux croyances populaires.

De l’époque romane, peu d’œuvres d’art profane ont survécu. Le grand tapis brodé qui décorait la cathédrale de Bayeux en France (XIe siècle) est particulièrement intéressant. Les scènes qui y sont présentées racontent l'histoire de la conquête de l'Angleterre par les Normands.

Jusqu'au XIIe siècle. Les principaux centres culturels étaient les monastères, où se trouvaient les personnes les plus instruites, où les problèmes de construction étaient discutés et où les livres étaient copiés. Au XIIe siècle. la primauté a commencé à se déplacer vers de nouveaux centres économiques et culturels - les villes. La science médiévale est née ici, l'artisanat a prospéré et créativité artistique. Les villes se sont battues avec les seigneurs féodaux pour leur indépendance. La libre pensée et une attitude critique envers le système féodal sont nées parmi les citadins. Durant cette période, la poésie chevaleresque fleurit et la littérature de la classe urbaine prend forme. Croisades a changé les idées géographiques des Européens et élargi les connaissances sur le monde qui les entoure. Cela semblait immense et dynamique.

Intérieur de la cathédrale Notre-Dame de Reims. XIIIe siècle France.

A cette époque, en France, où le pouvoir royal lutte pour l'unification du pays, commence à prendre forme l'art gothique qui se propage ensuite en Angleterre, en Allemagne, en Espagne, en République tchèque et dans d'autres pays européens.

L'architecture est restée la principale forme d'art à l'époque gothique. Elle incarnait de manière très vivante de nouvelles idées sur le monde qui l’entourait. D'autres types d'art, principalement la sculpture, ont commencé à acquérir une signification indépendante. La plus haute création du style gothique est la majestueuse cathédrale de la ville. Dans le berceau de l'art gothique, en France, des cathédrales ont été érigées sur l'une des places de la ville. Les constructeurs qui ont travaillé à la création d'un bâtiment grandiose se sont réunis au sein d'une organisation spéciale - une loge, qui comprenait des maçons, des charpentiers, des sculpteurs et des souffleurs de verre qui fabriquaient du verre coloré pour les vitraux. La construction a été dirigée par le maître en chef, un architecte expérimenté et compétent. Les architectes des cathédrales gothiques étaient des expérimentateurs audacieux. Ils ont pu développer une conception complexe qui a permis de distinguer la charpente du bâtiment des supports de la voûte et des piliers de support supplémentaires - contreforts. Des arcs de liaison spéciaux - arcs-boutants - transféraient la pression des arcs de la nef centrale, qui étaient plus hauts que ceux latéraux, aux contreforts situés le long des murs. Or, ce n'était pas le mur, mais cette structure dans son ensemble qui soutenait les voûtes, c'est pourquoi les maîtres gothiques coupèrent hardiment des fenêtres dans les murs et construisirent des arcades claires et hautes entre les supports. Le style gothique se caractérise par des arcs pointus pointant vers le haut. Ils ont souligné la légèreté et l’aspiration vers le haut de l’architecture gothique. En France, les artisans ont accordé une attention particulière à la conception de la façade ouest, richement décorée de sculptures. Des images sculpturales ont également été placées sur les portails des côtés de la nef transversale. A l'intérieur de la cathédrale, de minces piliers, entourés de fines demi-colonnes, s'élevaient rapidement jusqu'aux arcs brisés ; les arcades créaient une perspective majestueuse sur les nefs.

Dans l'autel, les nefs latérales et dans l'étage supérieur de la nef centrale, de nombreuses fenêtres brillaient de vitraux multicolores. Selon la météo, l'heure de la journée ou l'année, la lumière pénétrant à travers les verres colorés colorait l'intérieur du temple de différentes manières, les rendant soit mystérieux, soit joyeusement festifs.

La sculpture gothique, comparée à la sculpture romane, ressemble davantage à une statue ronde. Les personnages, bien que placés contre une colonne ou un mur, sont devenus plus volumineux, ils font saillie avec plus d'audace dans l'espace réel. Les thèmes des images sont également devenus plus diversifiés. À côté des sujets d'église, sont apparues des figures d'anciens philosophes, des rois, de véritables images de représentants de différentes nations et des illustrations de fables édifiantes. Les images de saints ont commencé à ressembler à celles de leurs contemporains et les premières tentatives de création de portraits de personnes laïques sont apparues. Auparavant, de telles images n'étaient trouvées que sur les pierres tombales de nobles seigneurs féodaux et d'éminents représentants de l'Église. Les maîtres médiévaux ne travaillaient pas d’après nature et créaient des portraits idéaux et représentatifs. À l'époque gothique, les artistes tentent déjà de donner au modèle des caractéristiques réalistes. Les sculpteurs, qui ont créé douze statues de seigneurs féodaux et qui ont donné des fonds pour la construction du temple vers 1250 dans la ville allemande de Naumburg, n'ont pas pu voir les personnes représentées, décédées depuis longtemps. Néanmoins, les maîtres les ont dotés de traits individuels, de visages expressifs et de gestes caractéristiques.

Outre les temples de l'époque gothique, une grande attention a été accordée à la construction de bâtiments laïques - hôtels de ville, galeries marchandes, hôpitaux et entrepôts. Les salles d'apparat des châteaux ont été richement reconstruites. Dans les villes, deux places ont progressivement émergé : la cathédrale et le marché. La ville était protégée par de hauts murs avec des portes d'entrée. L'hôtel de ville, bâtiment du magistrat de la ville, était un symbole du gouvernement de la ville. Dans les pays où les villes étaient florissantes, les hôtels de ville pouvaient parfois rivaliser de grandeur avec les cathédrales.

Apparemment, l’apparition de l’œuvre de Théophile devrait être attribuée à la première moitié du XIIe siècle. "De Diversis Artibus", qui a décrit en détail la plupart des techniques et méthodes de travail du peintre, vitrailliste et maître orfèvre. L'œuvre de Théophile est un précieux témoignage de l'État pratique artistique XIIe siècle, la conscience de l’artiste des siens.

La personnalité de Thwophil, qui est parfois identifiée à Rogier Helmarshausen, est d'un grand intérêt (Theophilus De Diversis Artubus. Ed. par Dodwell S. B. London, 1961. Voir : Dodwell's Introduction, pp. XXIII-XLIV.). Un moine instruit combinant pratique artistique et connaissance des arts libéraux n’était pas un phénomène rare à l’époque romane. L'étendue des connaissances pratiques de Théophile est remarquable par sa connaissance des dernières tendances de la pensée théologique et philosophique, qu'il applique à son art. Le talent de l’artiste est naturellement perçu par Théophile comme un don de Dieu. Si le don - ingenium - dans la pensée du début du Moyen Âge était souvent associé à l'inspiration divine et était considéré comme une dépendance directe de la créativité de l'artiste à l'égard de Dieu, alors au XIIe siècle, la participation divine au travail de l'artiste était comprise indirectement, par analogie. de la créativité humaine avec le divin. Dans la préface de son ouvrage, Théophile écrit qu'une personne "créé à l'image et à la ressemblance de Dieu, animé du souffle divin, doté de raison, méritait de partager la sagesse et le talent de l'esprit divin".

Mais bien que l'homme, par sa propre volonté et sa désobéissance, ait perdu le privilège de l'immortalité, "Il a cependant transmis aux générations suivantes le respect de la science et du savoir, afin que ceux qui font des efforts puissent acquérir des talents et des capacités dans tous les arts, comme par droit héréditaire.". Il attribue à l'artiste les sept bénédictions déversées par le Saint-Esprit sur l'homme - sagesse, compréhension, réceptivité aux conseils, force spirituelle, connaissance, piété, crainte de Dieu.

• Un moine artiste peignant une statue. Miniature du manuscrit de l'Apocalypse. Dernier quart du XIIIe siècle.
• Un artiste peignant une statue. Miniature tirée du manuscrit des Décrétales de Grégoire 9. Milieu du 14ème siècle Peintre au travail. Feuillet d'un livre d'échantillons du début du XIIIe siècle.

La question du rapport entre les dons sacrés et les vertus humaines fait l'objet de discussions dans la première moitié du XIIe siècle dans les écrits d'Anselme de Cantorbéry, Yves de Chartres, Honorius d'Autun, Rupert de Dwitz, Abélard, Bernard de Nlervaux. et d'autres philosophes et théologiens du XIIe siècle. L'artiste est compris comme l'héritier de la sagesse divine. Grâce à un travail constant, améliorant ses connaissances et ses compétences, un artiste est capable d'approcher la plus haute sagesse et compétence que l'homme possédait avant la Chute. La véritable passion pour son art obscurcit chez Théophile toutes les autres façons de connaître Dieu. Il voit un lien direct entre le travail de l’artiste et les sept dons du Saint-Esprit, et il comprend le problème des dons sacrés de manière pratique. "C'est pourquoi, fils tremblant,- écrit l'auteur en s'adressant au futur lecteur-étudiant, - Lorsque vous avez orné la maison du Seigneur d’une telle beauté et d’une telle variété d’œuvres, ne doutez pas, mais plein de foi, sachez que c’est l’esprit du Seigneur qui a abreuvé votre cœur..

Légende sur l'artiste. Miniature du manuscrit "Chant d'Alphonse X". Seconde moitié du XIIIe siècle.

Les œuvres de Théophile montrent à quel point l'artiste lui-même appréciait son propre savoir-faire, le considérant comme une manifestation directe de la grâce divine. Les philosophes, comme Hugues de Saint-Victor, savaient classer les connaissances et établir un ordre hiérarchique. Mais pour l’artiste, l’art semblait être la seule voie possible vers la connaissance de Dieu et était extrêmement apprécié.

Théophile attribue à l'art un rôle important dans la réalisation par l'homme de son objectif principal - la louange de Dieu et le désir de le comprendre. L'artiste, comme l'écrit Théophile, a présenté aux fidèles son travail de décoration du temple "Le Paradis du Seigneur, fleuri de diverses fleurs, verdissant de feuilles et couronnant les âmes des saints de couronnes de divers mérites", et leur a donné l'occasion de "louer le Créateur dans sa création, de glorifier l'émerveillement de ce que il a créé.".

L'œuvre de Théophile montre à quel point l'œuvre de l'artiste était appréciée au XIIe siècle. Il répète à plusieurs reprises qu'il a écrit son œuvre pour louer Dieu, et non pour l'orgueil et la vanité terrestres. Son œuvre nous donne l'occasion de mieux comprendre l'atmosphère spirituelle dans laquelle vivait l'artiste de la première moitié du XIIe siècle. Une profonde humilité envers le créateur de toutes choses, mêlée à une idée claire de l'importance et de la valeur du travail créatif, caractérise l'attitude de l'artiste de cette époque envers le monde, dans l'ordre harmonieux dont il se sent comme un lien nécessaire et occupe la place qui lui revient.

Le livre de Théophile nous révèle la structure des pensées et des sentiments avec lesquels vivait l'artiste à la veille de l'apparition du gothique. Il est significatif que les idées passionnantes de Théophile sur la décoration d'un temple pour plaire à Dieu, louant le créateur et permettant aux croyants de monter vers lui avec leur âme, seront développées à un niveau philosophique différent par Suger - l'inspirateur du style gothique et le constructeur du premier temple gothique dans les années 40 du XIIe siècle - la basilique de l'abbaye royale de Saint-Denis près de Paris.

• Feuillet d'un manuscrit alsacien. Dernier quart du XIIe siècle.
• Feuillet d'un manuscrit français du début du Xe siècle.
• Feuillet du manuscrit d'Adhémar de Chabannes. D'ACCORD. 1025

Le prochain ouvrage survivant sur la technique des beaux-arts est le célèbre album de l'architecte français Villard de Honnecourt, datant des années 30 du XIIIe siècle et conservé à la Bibliothèque nationale de Paris. L'album est une source inestimable pour l'étude de l'art gothique. Il s'agit d'une collection extrêmement intéressante d'échantillons pour l'artiste et le sculpteur, des croquis d'après nature, des images de mécanismes, des dessins de détails architecturaux, des plans et une représentation schématique des « secrets » de l'art gothique.

Bien que le livre de Théophile et l'album de Villars de Honnecourt soient complètement différents par la tradition, le caractère et le niveau d'éducation des auteurs, il existe une irrésistible tentation de comparer les œuvres entre elles. Puisque les manuscrits ont été créés par des artistes professionnels, praticiens des beaux-arts, ce parallèle ne sera pas trop artificiel. Ils ont beaucoup de points communs les uns avec les autres ; chacun est assez typique de son époque. Le livre de Théophile est l'œuvre d'un moine instruit du XIIe siècle, qui était également artiste et artisan. Le manuscrit est écrit simplement, clairement, en bon latin, et les discussions détaillées de Théophile sur le but et le but des arts révèlent une familiarité avec les principales orientations de la pensée philosophique de l'époque. Le moine voit le but de l'art, comme le but de sa composition, dans le service et la louange de Dieu. Au début de chaque section du livre, l'auteur s'adresse aux étudiants avec un long discours, dans lequel il révèle la nature pieuse du travail de l'artiste, appelle au service, à la patience et à la conscience que les connaissances et les capacités qui leur sont données proviennent du miséricorde de Dieu. L'album de Villar, contrairement à l'œuvre de Théophile, n'est pas une composition, mais un album de croquis de travail, Carnet de notes par un architecte gothique professionnel, n'appartenant pas à un milieu monastique, accompagné de brèves explications en ancien français.

L’introduction longue et détaillée, écrite avec goût, de Théophile au premier livre se termine par un discours à ses étudiants : « Si vous relisez ceci souvent et le gardez fermement à l'esprit, vous me récompenserez, car combien de fois bénéficierez-vous de mon travail, tant de fois prierez-vous pour moi auprès du Dieu tout-puissant miséricordieux, qui sait que j'ai écrit mon travail n'est pas par amour pour les louanges humaines, ni par avidité de récompense dans ce monde, qui est temporaire, et n'a rien caché de précieux ou de rare par envie, n'a rien gardé pour lui personnellement, mais a aidé aux besoins de beaucoup et contribué par ses conseils à accroître l'honneur et la gloire du nom de Dieu..

Album de Villars de Honnecourt : feuillets 14, 27 ; fiche 15 - plan du chœur idéal d'une église gothique (plan de la cathédrale de Meaux) ; feuille 17 - plan du chœur de l'église de Vossel et figure.

L'introduction de Villars fait plutôt penser à une transcription condensée et concise de la pensée finale de Théophile dans son introduction, présentée d'ailleurs par ce dernier dans un style élégant. forme littéraire: "Villars de Honnecourt vous salue et demande à tous ceux qui travailleront avec les moyens indiqués dans ce livre de prier pour son âme et de se souvenir de lui. Car dans ce livre on peut trouver d'excellents conseils sur la grande habileté de la construction en pierre et de la menuiserie. Vous trouverez ici l'art du dessin, ainsi que les fondamentaux requis et enseignés par la science de la géométrie.". Ton bref et pragmatique, rien de superflu, nous parlons de seulement sur la chose la plus importante, le contenu et le but de l'ensemble du livre sont décrits en quelques phrases succinctes, l'appel traditionnel aux étudiants est extrêmement bref et limité à une salutation avec une demande de prier pour l'auteur de l'album en remerciement pour son travail. Quel contraste avec le ton positif et instructif de Théophile, l’accent constant mis sur le lien entre l’art et Dieu et les descriptions détaillées et minutieuses des recettes. Il peut être exagéré de voir dans cette différence non seulement la conséquence de la différence entre deux types distincts de manuels techniques du Moyen Âge - le traité et l'album d'échantillons - et non seulement le résultat du fait que les auteurs appartenaient à des groupes différents. couches de la société médiévale, mais il semble néanmoins que ce contraste doive aussi au siècle qui s'est écoulé entre la création des deux œuvres en discussion.

Tout comme Théophile dans son œuvre exprimait la vision du monde d'un artiste roman et son idée de sa place dans la vie et du but de son art, de même Villard de Honnecourt dans son album reflétait les traits typiques d'un architecte gothique avec ses idées sur le monde. Premièrement, le professionnalisme, la connaissance de la pratique artistique, y compris l’architecture, la sculpture et l’ingénierie, qui étaient courantes et traditionnelles au Moyen Âge. Par ailleurs, le texte de Villar ne dit rien de sa familiarité avec les tendances de la pensée théologique ou philosophique. Ensuite - la démocratie, la clarté des schémas, des dessins et des échantillons, le texte d'accompagnement non pas en latin, mais en vieux français.

Le trait suivant est une extrême curiosité pour tout ce qui est sans précédent, drôle, rare, intéressant, l'obligeant à dessiner un lion avec d'autres animaux rares. Ensuite - l'observation, l'absorption des impressions visuelles, remplaçant peut-être une solide éducation ; connaissance de différents pays, voyages effectués par Villar, expérience, connaissance approfondie de la pratique de son art. Un trait tout aussi caractéristique est la subjectivité des jugements sur l’art, le choix des détails architecturaux, des scènes et des figures pour les croquis conformément au goût personnel de Villar, que le maître n’a pas manqué de souligner à plusieurs reprises. Cette dernière est particulièrement intéressante car elle exprime la conscience croissante de l’artiste gothique.

L'album de Villar, étant un album d'échantillons et un guide technique pour d'autres maîtres, restait un carnet personnel, un album de voyage, où était esquissé tout ce qui semblait intéressant. "Voici le plan du chœur de l'église Notre Bienheureuse Vierge Marie de Cambrai". "J'ai peint ces fenêtres parce que je les aimais plus que les autres". Enfin, sa piété traditionnelle, quelque peu formelle, est caractéristique, exprimée rapidement en une seule phrase et nettement différente de la piété approfondie et bien étayée de Théophile.

L'idée de l'artiste patronné par Dieu, oh L'aide de Dieu une personne « guidée dans ses activités par la droite divine » acquiert en effet avec le temps une connotation quelque peu formelle, même si elle conserve son sens ancien dans les pays transalpins incomparablement plus longtemps qu'en Italie. Elle continue à se faire sentir dans les traités des maîtres du gothique tardif, discutant avec enthousiasme des aspects techniques et artistiques de leur métier, jusqu'au XVIe siècle. Il marque les traités d'Albert Dürer et de Niklas Hilliard.

Le style rapide, rapide et dynamique des brèves explications de Villar n'est pas moins significatif. J'aimerais y voir une manifestation de l'esprit de l'atmosphère des affaires qui s'est développée autour de la construction de la cathédrale gothique. Pour caractériser l’artiste médiéval, il est extrêmement important que le carnet et l’album de croquis de voyage de Villar soient devenus plus tard un livre d’échantillons pour tout un atelier. Apparemment, après la mort de Villar, l'album a été complété par des dessins et des notes de deux autres maîtres restés anonymes. Ils sont généralement désignés comme « Master 2 » et « Master 3 ».

Même si le processus de séparation de l'artiste individuel du milieu corporatif s'est développé lentement mais sûrement au cours des XIIIe et XIVe siècles, l'artiste gothique ne se percevait, ainsi que son savoir-faire, que dans le cadre d'un lien corporatif, limité par le cadre et les normes en vigueur. que lui présentait l'intégralité même de l'art gothique et qui l'entourait dans le monde gothique.

Ainsi, à partir des pages de manuels techniques d'art, de recueils de recettes, de règles et d'albums d'échantillons, nous voyons les figures d'artistes médiévaux - leurs auteurs, avec leurs idées sur eux-mêmes et les buts de leur travail, avec leur propre sens du monde. et leur place dans celui-ci.

Étiquette : Théorie de l'art (philosophie)

Au Moyen Âge, la peinture devient l'un des espèce principale arts Les changements dans la vie de la société et les nouvelles techniques techniques donnent aux artistes l'opportunité de créer des œuvres réalistes empreintes d'un profond humanisme, destinées à opérer une véritable révolution dans la société occidentale. art européen.

À la fin de l’époque romane, la peinture se voit attribuer un rôle secondaire par rapport à la peinture. Mais avec l’avènement du XIIIe siècle, le développement rapide de la civilisation européenne commence, ouvrant de nouvelles perspectives aux artistes. Les palais et châteaux de la plus haute noblesse étaient décorés avec une splendeur sans précédent, Paris, Prague, Londres, les villes d'Italie et de Flandre se développaient rapidement. Non seulement les aristocrates et les ministres de l'Église, mais aussi les riches citadins étaient avides de nouvelles peintures - au début uniquement sur des sujets religieux. Avec la diffusion de l'alphabétisation, la demande de littérature profane a également augmenté. Les meilleurs échantillons art du livre, richement décorés de miniatures, étaient destinés aux rois et aux princes et étaient créés non seulement dans les monastères, mais aussi par des artistes professionnels disposant de leurs propres ateliers. Malgré un niveau plutôt faible statut social De son vivant, les noms de nombreux artistes et leurs biographies sont entrés dans l’histoire.

Nouvelles opportunités

Un certain nombre d'innovations religieuses ont également contribué à cette nouvelle attitude envers la peinture. Au début du XIIIe siècle, les autels des églises étaient décorés d'un retable, sur fond duquel se déroulaient les offices. Il se composait souvent de deux (diptyque), de trois (triptyque) ou de plusieurs ailes, mais décrivait groupe unique personnages ou scène. L'image du donateur (la personne qui a payé pour la production de l'image de l'autel et en a fait don à l'église) était particulièrement populaire, que son saint patron présente à la Madone. Tout en posant des tâches créatives complexes à l'artiste, l'image de l'autel ouvrait en même temps de nouvelles et larges possibilités d'expression de soi dans la conception de l'espace de l'autel, qui allait devenir le sujet de l'attention principale et des sentiments religieux du troupeau. .

La peinture murale a également prospéré - en partie grâce au renforcement de la fondation Saint-Pierre. François d'Assise de l'Ordre franciscain, pour qui un nombre croissant d'églises furent construites. La peinture s'est avérée être le moyen le plus approprié pour les décorer, car la création de mosaïques demandait beaucoup de temps ou était considérée comme un luxe inabordable pour un ordre qui professait la pauvreté et l'humilité.

La vie et l'œuvre de St. lui-même ont eu une forte influence sur le sort futur de la peinture. François d'Assise (1182-1226). L'amour sincère du saint pour le monde de la nature vivante a aidé ses contemporains à prendre conscience de la beauté de l'existence terrestre et, du XIIIe siècle à peinture médiévale une nouvelle vision du monde dominait. Désormais, les artistes, sans abandonner les thèmes religieux, représentent le monde matériel avec un plaisir évident et créent d'une nouvelle manière réaliste et humaniste.

Madone dans un belvédère de roses. 1440 Stefan Lochner., Cologne, Musée Wallraf

Le culte de l’image profondément humaine de la Madone a également eu une puissante influence humaniste sur la religion et, à travers elle, sur l’art, où ces sujets étaient constamment utilisés.

Maîtres italiens

De nombreuses tendances ont commencé bien plus tôt en Italie que dans d’autres pays européens. Deux maîtres de la fin du XIIIe siècle - Cimabue et Duccio - sont généralement reconnus comme les fondateurs de la tradition du réalisme visible en peinture, destinée à dominer l'art européen jusqu'au XXe siècle. Tous deux ont laissé à leurs descendants des retables célèbres, dont les personnages principaux sont la Vierge à l'Enfant.

Les deux peintres furent bientôt éclipsés par leur jeune contemporain Giotto di Bondone (vers 1267-1337). Il fut le premier des grands maîtres florentins à devenir célèbre de son vivant, obtenant honneur et richesse. Cependant, il était tellement en avance sur son temps que bon nombre de ses innovations ne furent comprises et acceptées par ses confrères artistes qu'une bonne centaine d'années plus tard. Ses héros de chair et de sang se tiennent fermement sur le sol, mais semblent en même temps capables de se déplacer et d'exister dans leur environnement naturel ou architectural et dans un espace avec une touche de profondeur. Mais avant tout, nous avons devant nous des personnes vivantes avec des sentiments et des émotions profonds. L'incroyable habileté à transmettre toutes les nuances des expériences humaines a fait de Giotto un grand artiste dramatique.

Fresques

Lors de la création de ses panneaux, Giotto a utilisé la technique de la fresque inventée par les Italiens à cette époque. Aujourd'hui, nous appelons fresques aussi bien les peintures créées selon cette technique que toute peinture murale en général. Mais une véritable fresque est toujours peinte sur un plâtre frais et encore humide, qui sert de primaire à une couche de peinture. Le mot italien « fresque » signifie « frais ». Au cours d'une séance, il n'a peint que la partie du mur que le maître avait eu le temps de remplir de plâtre non encore séché. Ici, le facteur temps a joué un rôle décisif, car les pigments appliqués sur une couche de plâtre humide entraient en réaction chimique avec elle, formant des composés stables. La fresque séchée ne s'est pas décollée ni s'est effondrée, préservant sa beauté immaculée et l'éclat de ses couleurs pendant de nombreux siècles. Grâce à cette avancée technique colossale, les plus grands chefs-d'œuvre de la fresque furent créés des années plus tard, notamment la peinture de la chapelle Sixtine au Vatican par Michel-Ange.

Ajouter de la profondeur

Il n'a pas été facile pour les maîtres qui ont été les premiers confrontés à cette tâche de créer l'illusion de la réalité de la scène représentée. Ici, il était nécessaire non seulement de transmettre avec précision les contours extérieurs, mais aussi de donner aux personnages le volume de corps réels et à la surface plane de l'image - une sensation de profondeur, de sorte que le paysage semble se perdre au loin ( nous parlons de l'art de la perspective). Plus d'une génération d'artistes italiens ont perfectionné cette technique, souvent distraits par des tâches telles que la création ornements décoratifs. Le même problème a dû être résolu par les artisans du reste de l'Europe, en temps différent fortement influencé par l'art italien.

À la fin du XIVe siècle, les peintres travaillant dans les cours des souverains européens avaient créé un style de peinture plus ou moins unifié, souvent appelé gothique international. Reflétant le sophistiqué, loin d'être vrai vie atmosphère de la vie de cour, leurs œuvres se distinguaient par leur sophistication et leur raffinement plutôt que par leur force intérieure. Les personnages adoptaient des poses gracieuses et, même si la perspective n'était souvent indiquée que par une allusion, les moindres détails de l'environnement étaient représentés avec une précision extrême.

Tous ces traits se manifestaient avec un éclat particulier dans les manuscrits ornés de miniatures, commandés par les familles régnantes. Les maîtres les plus célèbres de ce genre furent Paul Limburg et ses deux frères qui, après avoir travaillé seulement 16 ans (1400-16), disparurent subitement de la scène historique. Leur patron et client était l'éminent collectionneur et connaisseur d'œuvres d'art de cette époque, le duc Jean de Berry, frère cadet du roi de France Charles V. Son nom a été glorifié par le livre entré dans l'histoire sous le titre « Le Magnifique Livre d'Heures du Duc de Berry.

Limbourgs, frères (Paul, Ermann et Jeannequin). "Luxueux Livre d'Heures du Duc Jean de Berry. Mois de Janvier. Fragment"

Le Livre d'Heures doit sa renommée aux excellentes miniatures créées à cet effet par les frères Limburg. Cet ouvrage, qui devint le véritable couronnement de leur œuvre, resta inachevé en 1416, mais 12 miniatures célèbres sur le thème des saisons nous sont parvenues. Ils représentent des scènes de semailles, de récoltes ou de chasse, dédiées à une saison particulière.

L'émergence des peintures à l'huile

Dans les années 1430. dans ce qui était alors la Flandre, qui appartenait au duc de Bourgogne (aujourd'hui Belgique et Pays-Bas), commença à se développer complètement un nouveau style peinture. Comme l’Italie, la Flandre était une terre de villes prospères. C'est à ce fait que beaucoup attribuent le style réaliste de l'art local, dépourvu d'aristocratie accentuée. Et tout comme en Italie, l'épanouissement de la peinture flamande a été facilité par l'innovation technique la plus importante : la peinture à l'huile. Les pigments broyés avec de l'huile végétale étaient nettement supérieurs en termes de luminosité à la détrempe alors en vigueur dans la peinture, dont la base était le jaune d'œuf à séchage rapide. Et si on peint à la détrempe et qu'on crée des fresques, il faut faire vite, sans entrer dans petites pièces, les peintures à l'huile pouvaient alors être appliquées couche par couche, obtenant ainsi des effets picturaux étonnants. Depuis lors, tout artiste en quête de perfection a invariablement donné la préférence peinture à l'huile.

école flamande

Le fondateur de l'école flamande de peinture était Robert Campin, mais ses représentants les plus célèbres appartiennent à la génération suivante. Le premier des grands maîtres de la peinture à l’huile européenne fut le portraitiste inégalé Jan van Eyck (vers 1390-1441). A l'aide de peintures à l'huile, il obtient un excellent rendu des jeux d'ombre et de lumière sur divers objets.

Portrait des époux Arnolfini, Jan Van Eyck

Son jeune contemporain Rogier van der Weyden (vers 1399-1464) était également un artiste exceptionnellement doué. N'étant pas aussi soucieux des détails que van Eyck, il préférait les riches couleurs vives, des contours clairs et une modélisation subtile des volumes, créant votre propre style unique, capable de transmettre un large éventail d'émotions - du calme serein au chagrin sans limites.

Isabelle de Bourgogne, Rogig van Der Weyden

L'école flamande a donné à l'art plus d'une génération de brillants maîtres de la peinture et, tout au long du XVe siècle, bon nombre de ses caractéristiques inhérentes ont été adoptées par des artistes de toute l'Europe. Ce n'est qu'à partir de 1500 qu'ils furent remplacés par un nouveau mouvement, qui gagna progressivement en force derrière les crêtes alpines : la Renaissance italienne.

Outre plusieurs dizaines de manuscrits faciaux, sur la vie de la peinture médiévale jusqu'au Xe siècle. nous le savons principalement grâce à des preuves littéraires. Mais en combinant ces derniers avec ce que les livres de peinture ont conservé, ce qui a « survécu » à une époque ultérieure dans l'art des peintures murales, le verre coloré, qui s'est finalement manifesté dans le domaine connexe des décorations sculpturales, on peut se faire une certaine idée de ​​la quête de l'Occident à cette époque.

Cela ne fait aucun doute dès le Ve siècle. Les églises occidentales étaient recouvertes d'une sorte de peinture sur de grandes zones des murs et, un peu plus tard, leurs fenêtres ont commencé à être décorées d'une mosaïque de verre coloré. De plus, dans les codes occidentaux, nous sommes convaincus que dans les ateliers d'écriture de cette époque (principalement les monastères) un nouveau travail, inconnu de l'Antiquité classique, a été réalisé sur le livre, qui avait en tête la synthèse de l'écriture et de la peinture, où l'écriture lui-même devient « pittoresque », où « l’image » est subordonnée à l’initiale en tant que cadre déterminant et où des efforts créatifs sont déployés pour créer une décoration ornementale du texte et de l’initiale qui lui est intimement associée.

Mais dès l'époque ottonienne en Allemagne (Xe siècle), des monuments plus impressionnants ont été conservés : non seulement le petit art des miniatures de livres, mais aussi le grand art des peintures monumentales. Fresques dévoilées en 1888 dans l'église Saint-Pierre. George à Oberzell sur l'île de Reichenau, montrent une analogie complète avec les miniatures des manuscrits du même monastère, parlant du travail artistique aux multiples facettes d'un foyer fort. Il n'était pas le seul. Mais l'art calme et quelque peu immobile d'autres écoles allemandes célèbres de la même époque (Trèves-Echternach, Cologne) est éclipsé par l'étonnante floraison de Reichenau avec sa force caractéristique de concept créatif, l'harmonie originale de la composition, la solidité du dessin et la beauté. de combinaisons colorées. Les liens avec l'Italie et Byzance, ravivés sous les Ottones, l'influence de l'art des « Îles de l'Océan » - dès le IXe siècle. Le Rhin et une partie du Danube sont devenus la voie de circulation des Irs et des Anglo-Saxons - tout cela explique l'épanouissement de la peinture en Allemagne au Xe siècle. Cela n'a pas duré longtemps. Et si pour le Xe siècle. La France ne peut s'opposer à rien qui lui soit équivalent, mais l'œuvre révélée par les monuments du siècle suivant (principalement dans les fresques de l'église Saint-Sauvin) ouvre une période longue et féconde de son histoire. De nos jours, on enlève la couverture grise de chaux, sous laquelle les XVIIe-XIXe siècles. des peintures anciennes enfouies, révèlent la beauté des fresques romanes dans les régions les plus diverses de France : œuvres de diverses écoles d'art, partout empreintes d'une unité fondamentale.

De même que l'illustration d'un livre de cette époque s'adaptait au recto de la page, à la division du texte, posant et résolvant à l'origine des problèmes essentiellement ornementaux, de même sa peinture s'adaptait à la division architecturale du temple roman. Sans étouffer l'harmonie des lignes architecturales, elle, en harmonie avec elle, la souligne et l'enrichit de ses cadres ornementaux, de son design et de son style de compositions, larges et simples, libérées de tout détail inutile, réduisant les scènes au minimum d'action, comme un drame grec qui ne connaît ni profondeur de perspective, ni lumière ni ombre, mais vivant pour ainsi dire dans l'éternité des deux dimensions. Et le spectateur enchanté se demande involontairement : est-il possible de trouver une époque qui ait mieux compris la loi de la décoration monumentale ?

Le peintre roman, bien qu'il vive dans un monde où « les yeux du chaos regardent à travers le royaume de l'ordre », est un élève proche ou lointain des professeurs orientaux - syriens et byzantins -, élève de leur élève, le moine de Paderborn Théophile. , plus que lui, loin des traditions de l'Antiquité. Exécutant les instructions de Théophile, il est fidèle à sa gamme colorée, à sa recette de « peinture chair », à la loi de la « lumière absolue » et de « l'ombre absolue ». Il ne recule pas Type byzantin vêtements collants. Il reprend généralement les schémas et types iconographiques orientaux.

Et pourtant, non seulement dans les meilleures créatures Dans les centres allemands et français, mais souvent dans les écoles secondaires locales, par imitation, une recherche originale fait son chemin, se manifestant dans la fraîcheur naïve du concept, dans l'originalité créatrice, révélant que le peintre avec sa propre observation a établi le mouvement et les détails intimes. de la vie, qu'il « a lui-même lu dans sa beauté »

La peinture romane, qui recouvrait les murs, les voûtes, les cryptes et même les colonnes, capturait également des statues. La sculpture romane conserve parfois encore des traces de la coloration qui l'animait autrefois. Ce goût artistique, devenant peu à peu un modèle religieux, passera par le Moyen Âge urbain gothique pour descendre dans les temps modernes jusqu'aux produits artisanaux, qui remplissent encore aujourd'hui les magasins catholiques de leurs poupées peintes. Mais la statue artistique de la Renaissance à l’époque Klinger reste incolore.

Dans la fresque romane, le Moyen Âge a créé ce qu'il y avait de mieux en son pouvoir en termes d'art de la peinture monumentale. Dans l’architecture gothique, il disparaît progressivement. Deux facteurs sont défavorables à sa vie. Premièrement, minimiser le plan du mur, qui est également interrompu par des colonnes, des colonettes et des frises ornementales. Deuxièmement, l'effet des verres colorés. Sous les reflets vifs dont ils remplissaient le temple, les couleurs délicates des peintures s'estompaient et changeaient. Certes, certains artistes, cherchant des méthodes pour contrecarrer l'effet mortel de la peinture, augmentent sa tonalité pour la rendre brillante et en harmonie avec le verre ; ils dessinent avec de l'or (« l'or est la seule peinture qui ne s'éteint pas par les reflets bleus et rouges de la peinture »). verre ») encadre, bordures, vrilles et introduisent des détails dorés séparés : bâtons dorés, objets, ceintures, poignets, chaussures, ailes d'ange. Il s'agit de la peinture des murs tissés en verre coloré de la Sainte Chapelle et de tout un cercle d'églises françaises qui l'ont imitée. Le plafond commença à être recouvert de bleu et parsemé d'étoiles dorées - un effet apprécié du gothique italien.

Mais en général, partout sauf l'Italie, qui a conservé l'architecture romane, l'a transférée dans une série de transitions imperceptibles à l'architecture de la Renaissance et a amené la peinture murale à cette époque, ce n'est pas cette dernière qui faisait la fierté de l'architecture gothique, notamment des églises. (châteaux et palais ont largement conservé les larges pans des murs et la lumière naturelle à l'intérieur). L'éclat du verre coloré domine ici.

Il était connu aussi bien à l’époque préromaine qu’à l’époque romaine dans tous les pays occidentaux et surtout en France. Mais la période la plus remarquable de son histoire fut la fin du XIIe et le début du XIIIe siècle. Lorsque, pour achever la basilique Saint-Denis près de Paris, à l'appel de l'abbé de ce monastère, Suger, une brillante galaxie d'« artistes vitraux » fut fondée à la basilique, une véritable école de cet art fut créée ici. L'église en cours d'achèvement profite alors de son expérience et de ses artistes. notre Dameà Paris, et depuis 1210 les meilleures forces se sont concentrées à Chartres, près de sa cathédrale. Un demi-siècle plus tard, le centre s'installe à nouveau à Paris, où le travail du verre est influencé par les techniques et les goûts partiellement modifiés de l'époque du « sturm und stress ». La calme et belle fusion des fonds bleus des premiers temps, le luxe des cadres ornementaux, Style romain les figures et les groupes cèdent la place à une mosaïque plus petite du fond, où la combinaison du bleu et du rouge trop proches donne un ton lilas moins gai, tandis que les cadres s'appauvrissent. Les groupes, s'écartant de la simplicité et de la concentration du style monumental, sont plutôt remplis de mouvement et de vie. La légende des saints, avec sa richesse de détails intimes et réalistes, imprévus, déplace les sujets canoniques et, incitant l'artiste à ouvrir les yeux sur le monde, rapproche son art de la vie...

L'Italie les a retenus en nombre relativement plus important. La répartition habituelle du matériel, datant les fresques italiennes du seuil de la Renaissance, en partant non seulement de Giotto, mais souvent de Cimabue, fournit une justification extérieure à notre défaut : ce chapitre est trop riche pour être traité en quelques mots. Dans ces cadres, les lignes que nous avons consacrées à la peinture du Moyen Âge français, qui a plus longtemps conservé le caractère unique de l'époque, seront plus naturelles et complètes. Ici, comme en Italie, comme sur le Rhin, en Allemagne occidentale, de nombreux manuels scolaires des XIIIe et XIVe siècles - de arte illuminandi - témoignent parfois, en l'absence de monuments, de la grande expérience scientifique, technique et artistique du peintre occidental, l'expérience qu'il a absorbée des recettes orientales et byzantines et les a enrichies de ses propres observations.

À suivre tout au long des XIe et XVe siècles. derrière l'histoire des miniatures, on voit comment le canon cède la place à l'observation libre, le fond écaillé et émaillé - à un paysage naturel, les groupes conditionnels hiératiques - à des scènes de vie, pleines de liberté et la beauté humaine. Sans doute, chaque jour et à chaque heure la « Rue des Peintres » du Paris des XIVe-XVe siècles. était un théâtre de découvertes et d'événements techniques et artistiques. Si en ce siècle le dernier mot a été dit dans le sens de la perfection du fond doré (la recette consistant à appliquer et polir des feuilles d'or véritable sur une page qui donne encore l'impression d'être coulée d'or massif et donnant une convexité dorée particulière est immensément sophistiquée en Occident) , ce fut un siècle d'étonnantes recettes de peintures à effet émail, colorant les délicats groupes de Jacquemart d'Esden, vivant comme dans un monde sans fin. lumière du soleil. L'illustration ne montre qu'une photographie incolore de la chapelle de son école, et ce n'est qu'avec un effort d'imagination qu'on peut imaginer la délicate coloration blonde des douces boucles de l'ange, le rougissement des joues rougissant comme des pétales de rose et le doux vert pistache du chasuble sur fond d'alba blanche comme neige. D'autres ateliers de la même ville et du même siècle approfondissent les tâches du clair-obscur, créant un savoir-faire parisien incomparable, où les formes et les figures blanches sont légèrement touchées par des reflets roses et lilas. Neuf nuances de gris – de la perle et de l'argent à la souris et à la « taupe » sombre – peuvent être comptées sur les robes ornées de fil d'or des chanteurs Amikt dans la scène funéraire (de la même chapelle).

À la fin du siècle, les découvertes prometteuses devenaient plus audacieuses, la sculpture des personnages était plus proéminente, les détails du paysage étaient plus charmants, des sujets plus importants et les humeurs.

Les personnages sont entourés d'air ; des prairies vertes s'étendent, virant au bleu, vers l'horizon au loin, traversées par une rivière lumineuse ; châteaux, les villes se dessinent sur fond de montagnes, la distance regarde par la fenêtre, des nuages ​​​​bouclés flottent dans le ciel, les groupes sont connectés vie intime et sont marqués du cachet de l'individu dans les visages et les gestes.

A la fin du XIVe et début du XVe siècles. les miniaturistes, non moins actifs que les commerçants ou les étudiants, forment des colonies internationales entières dans les villes artistiques. La « Rue des Peintres » de cette époque voyait de nombreux invités italiens et flamands et buvait avidement leurs trouvailles. L'art des frères Limbourg, avec l'immense grâce du pinceau parisien, assimile le charme italien et le réalisme réfléchi flamand. Ces caractéristiques distinguent les meilleures miniatures de la chapelle de Peterhof.

Tout n’est pas véritablement artistique dans l’art de l’illustration picturale, qui fleurit vers la fin du Moyen Âge. La demande croissante donne naissance à des produits stéréotypés et de mauvaise qualité. Non seulement un noble de la ville, un professeur moyen, un médecin, une citadine veut avoir un psautier, un manuel, un roman, un livre de rêves ou un livre d'heures décoré de couleurs vives. A côté de maîtres comme Fouquet, un grand nombre d'artisans du tertiaire se sont lancés dans l'art de l'illustration.

Leurs travaux ne sont pas sans intérêt. On ne se trompe pas sur la valeur artistique de l'horloge, sortie d'un atelier parisien inconnu au milieu du XVe siècle, avec des images des mois, conservant 24 scènes de « jeux et travaux du XVe siècle ». Mais dans nombre de ces scènes - sous la figure d'un pèlerin ronflant paisiblement sous la chaire d'un prédicateur, accompagné d'une magnifique homélie (mars) ; dans une rue de la ville, un jour d'avril, pleine de ménagères avec des paniers et de garçons avec des branches ; dans une photo de fenaison combinée à un pique-nique de juin sur l'herbe ; au mois de mai qui se déroule ; dans la rivière de Juillet, animée par des canoës, dans une bataille de boules de neige en décembre, etc., etc., la vie d'une cité médiévale prend vie avec son travail et ses divertissements. De qualité moyenne, ces scènes superficiellement quotidiennes et conventionnellement joyeuses contournent tout. attitude sérieuseà la vie représentée. Le travail urbain et surtout rural est interprété ici de manière idyllique, du point de vue d'un riche artiste venu l'admirer pendant son temps libre. Ni les « hommes grossiers », objet de son mépris, ni ses voisins, moins favorisés par l’histoire et le destin, qui ont « les ongles bleus » et dont « les heures de travail sont longues », ne posent de sérieux problèmes à ce drôle d’art du soir. de la Renaissance. Elle a été approfondie par la « pensée dialectique » du XIIe siècle pour revenir avec un nouvel éclairage sur l'art flamand.

Nous sommes à la veille de la naissance superbe peinture, où le Nord dira un mot nouveau pour, avec son sens de la vie sincère et fort caractéristique, rappeler le sentiment d'autosatisfaction et d'harmonie harmonieuse de l'Europe de la Renaissance à propos des mystères tragiques de l'existence et de l'incarnation artistique.

Nous n'avons pas du tout eu l'occasion de nous attarder sur les différents types d'art « appliqué » qui embellissaient la vie urbaine médiévale : sur les émaux et la vaisselle de Limoges, sur l'artisanat de l'ivoire, sur les sculptures et incrustations de bois, sur les sculptures en métal qui décoraient les portes et fenêtres d'une maison médiévale et à l'arrière, sièges de meubles gothiques.

Le style de la Renaissance est l'expression de relations sociales déjà différentes et d'une organisation du travail différente. Avec lui, nous entrons dans les relations entre le capitalisme à grande échelle dans l’économie et le régime de l’absolutisme dans la politique.

Parmi les événements de « l'ordre extérieur », l'épidémie de peste de 1348 et la guerre de Cent Ans ont creusé dans le corps de la structure quotidienne et mentale de l'Occident ce sillon profond qui a déterminé en partie la limite inférieure de « l'urbain ». «l'art gothique», ainsi que la frontière du Moyen Âge lui-même.