Exemples de travaux de peinture. Travaux créatifs Travaux de peinture

Le travail de Dmitry Revyakin est très diversifié et couvre un large éventail de domaines - de la peinture à l'huile et à la détrempe à la sculpture sur bois et à la création d'objets originaux dans le style "Steampunk". Une place particulière est occupée par les œuvres qui sont la marque de fabrique de l'auteur - peinture et sculpture sur bois en une seule œuvre. La polyvalence des compétences artistiques et le haut niveau de compétence de Dmitry Revyakin lui permettent de créer des œuvres créatives originales qui représentent l'unité organique de la peinture et de la sculpture sur bois - des peintures et des cadres comme prolongement sémantique.

La peinture de Dmitry Revyakin est empreinte d'amour pour la nature russe. Ses peintures parlent de la variété infinie de la beauté, de la beauté de toutes les saisons et de l'attitude respectueuse de l'artiste envers sa terre natale. Les paysages et natures mortes à l'huile se caractérisent par la luminosité de l'écriture, l'expressivité des détails, la beauté des nuances lumineuses, une sensation générale de gaieté

Copies de tableaux
(les peintures ont été réalisées lors de master classes)

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Sculpture sur bois D.V. Revyakina.

Dmitry est engagé dans la sculpture sur bois, travaille dans la technique de la marqueterie. Vous pouvez voir des photographies de D.V. Revyakin ci-dessous.
La sculpture sur bois est un art traditionnel russe reconnu dans le monde entier. Les objets en bois naturel remplissent l'intérieur d'un confort et d'une chaleur particuliers, créent l'image d'une maison riche en traditions et appréciant la stabilité. Le site contient les produits de sculpture sur bois suivants que vous pouvez acheter : chaban (planche à thé), cadre de miroir, boîte à bijoux, meubles sculptés, etc.

Steampunk.

D.V. Revyakin exécute un travail dans le style Steampunk (voir photo ci-dessous). Vous pouvez commander un portrait steampunk, encadré dans un cadre steampunk. L'artiste pourra honorer toute commande. Steampunk (ou steampunk) est une direction basée sur la fantaisie qui crée une nouvelle réalité, des objets, en utilisant des éléments mécaniques et technologiques de machines à vapeur. Le Steampunk en tant que style est répandu dans la peinture, le graphisme, la sculpture et le design, et les objets du quotidien créés dans le style Steampunk sont très populaires parmi les jeunes. Vous pouvez également commander un portrait fantastique et Dmitry peindra un excellent tableau.

Plein air.

Dmitry Revyakin écrit très souvent d'après la nature. Tout artiste confirmera qu'on ne peut acquérir l'expérience d'un vrai peintre qu'en travaillant en plein air, en étudiant la nature. C'est une activité fascinante de trouver une place dans la nature et de peindre un beau paysage de la nature tôt le matin. Il est préférable de travailler le matin ou le soir, car les couleurs sont les plus intéressantes pour l'artiste pendant cette période. En étudiant la nature, vous apprenez à connaître des nuances réelles et non fictives, trouvez et comparez des combinaisons de couleurs complexes avec la réalité qui vous entoure.
"Un tableau d'un peintre ne sera pas parfait s'il s'inspire des photos des autres ; s'il étudie les sujets de la nature, il produira de bons fruits" Léonard de Vinci.

Technique de peinture- un ensemble de techniques d'utilisation des matériaux et outils artistiques.

Techniques de peinture traditionnelles : à l'encaustique, à la détrempe, au mur (calcaire), à ​​la colle et autres. Depuis le XVe siècle, la technique de la peinture à l'huile est devenue populaire ; au 20ème siècle, apparaissent les peintures synthétiques avec un liant à base de polymères (acrylique, vinylique, etc.). La gouache, l'aquarelle, l'encre de Chine et la technique semi-peinture - pastel - sont également appelées peinture.

AQUARELLE

Aquarelle(de l'italien. "aquarello") - signifie peindre avec des peintures à l'eau.

Il existe de nombreuses techniques artistiques à l'aquarelle : travail sur papier brut ("A la Prima"), travail sur papier sec, coulage, lavage, à l'aide de crayons aquarelle, encre, travail au pinceau sec, à l'aide d'un couteau à palette, sel, multi -couche de peinture, en utilisant des techniques mixtes.

Variétés de techniques d'aquarelle :

sec - peinture sur papier sec, séchage de chaque couche de peinture avant d'appliquer la suivante

humide, aquarelle humide, alla prima - peinture sur papier brut. La technique humide utilise le flux des aquarelles et crée des effets de couleurs inhabituels. L'utilisation de cette technique nécessite une connaissance de la teneur en humidité du papier et une expérience de la technique elle-même.

Alla prima (ala prima) (dérivé de l'italien alla prima - au premier moment) est une sorte de technique de peinture à l'huile et à l'aquarelle, qui consiste à exécuter une image (ou un fragment de celle-ci) en une seule séance, sans inscription préalable et sous-peinture.

Le remplissage est une technique très intéressante en aquarelle. Des transitions de couleurs douces vous permettent de représenter efficacement le ciel, l'eau et les montagnes.

Le couteau à palette est utilisé non seulement dans la peinture à l'huile, mais aussi dans la peinture à l'aquarelle. Avec un couteau à palette, vous pouvez souligner les contours des montagnes, des pierres, des rochers, des nuages, des vagues de la mer, représenter des arbres, des fleurs.

Le pouvoir absorbant du sel est utilisé pour créer des effets d'aquarelle intéressants. Avec l'aide de sel, vous pouvez décorer la prairie avec des fleurs, obtenir un environnement aérien mobile dans l'image, déplacer des transitions tonales.

La peinture multicouche est riche en couleurs. Dans la peinture multicouche, toutes les techniques artistiques de travail à l'aquarelle sont utilisées.

L'aquarelle est l'une des techniques de peinture les plus difficiles. La principale qualité de l'aquarelle est la transparence et la légèreté de l'image. L'apparente simplicité et facilité de dessin à l'aquarelle est trompeuse. La peinture à l'aquarelle nécessite une habileté avec un pinceau, une habileté à voir le ton et la couleur, la connaissance des lois du mélange des couleurs et l'application d'une couche de peinture sur le papier. Il existe de nombreuses techniques à l'aquarelle : travail sur papier sec, travail sur papier brut ("A la Prima"), à l'aide de crayons aquarellables, encre, peinture en couches, brossage à sec, remplissage, lavis, à l'aide d'un couteau à palette, sel, utilisation de mélange médias.

L'aquarelle, malgré la simplicité apparente et la facilité de dessin, est la technique de peinture la plus complexe. La peinture à l'aquarelle nécessite une habileté avec un pinceau, une habileté à voir le ton et la couleur, la connaissance des lois du mélange des couleurs et l'application d'une couche de peinture sur le papier.

Pour les travaux d'aquarelle, le papier est l'un des matériaux les plus importants. Sa qualité, son type, son relief, sa densité, son grain, sa taille sont importants. Selon la qualité du papier, les aquarelles sont appliquées sur le papier de différentes manières, absorbées et séchées.

CRAYON

Un crayon est un matériel de dessin. Distinguer entre la mine noire et les crayons de couleur. Un dessin au crayon est réalisé sur papier à l'aide d'ombrages, de taches tonales et de clair-obscur.

Les crayons aquarelle sont un type de crayons de couleur solubles dans l'eau. Les méthodes d'utilisation des crayons aquarelle sont variées : flouter un dessin avec un crayon aquarelle avec de l'eau, travailler avec un crayon aquarelle imbibé d'eau, travailler avec un crayon sur papier humide, etc. le dessin est plus difficile.

À l'aide d'un crayon, vous pouvez obtenir une infinité de nuances, de dégradés de tons. Le dessin utilise des crayons de divers degrés de douceur.

Le travail sur un dessin graphique commence par un dessin constructif, c'est-à-dire dessiner les contours extérieurs d'un objet à l'aide de lignes de construction, généralement avec un crayon moyennement doux H, HB, B, F, puis dans un dessin en tons, dans lequel il n'y a pas de lignes de contour d'objets, et les limites des objets sont indiquées par ombrage, si nécessaire, utilisez des crayons plus doux. Le plus dur est 9H, le plus doux est 9B.

Dans le dessin au crayon, il est conseillé d'apporter le moins de corrections possible et d'utiliser soigneusement une gomme pour ne pas laisser de taches, afin que le dessin ait l'air frais et soigné. Il est préférable de ne pas utiliser de plumes dans un dessin au crayon pour les mêmes raisons. Pour appliquer le ton, la technique de l'ombrage est utilisée. Les traits peuvent être différents en direction, longueur, largeur, pression du crayon. La direction du trait (horizontal, vertical, oblique) est déterminée par la forme, la taille de l'objet, le mouvement de la surface dans le dessin.

Le portrait au crayon s'avère très réaliste et plein de lumière. En effet, à l'aide d'un crayon, vous pouvez transmettre de nombreuses nuances, la profondeur et le volume de l'image, les transitions de lumière et d'ombre.

Le dessin au crayon est fixé avec un fixateur, de sorte que le dessin ne perd pas sa clarté, ne tache pas même lorsqu'il est touché avec la main et reste longtemps.

BEURRE

La peinture à l'huile sur toile est la technique de peinture la plus populaire. La peinture à l'huile donne au maître un nombre illimité de façons de représenter et de transmettre l'ambiance du monde qui l'entoure. Traits transparents pâteux ou aériens à travers lesquels la toile est visible, création d'un relief avec un couteau à palette, glaçage, utilisation de peintures transparentes ou opaques, diverses variations de mélange de couleurs - toute cette variété de techniques en peinture à l'huile permet à l'artiste de trouver et de transmettre le l'ambiance, le volume des objets représentés, l'air ambiant, créent un espace d'illusion, traduisent la richesse des nuances du monde environnant.

La peinture à l'huile a sa propre particularité - la peinture est peinte en plusieurs couches (2-3), chaque couche doit sécher pendant plusieurs jours, selon les matériaux utilisés, par conséquent, une peinture à l'huile est généralement peinte de plusieurs jours à plusieurs semaines.

La toile de lin est la plus appropriée pour la peinture à l'huile. Le lin est durable et a une texture vibrante. Les toiles en lin sont disponibles en différentes granulométries. Pour les portraits et la peinture avec des dessins détaillés, une toile à grain fin et plus lisse est utilisée. Une toile à gros grains convient à la peinture à texture prononcée (pierres, rochers, arbres), à la peinture pâteuse et à la peinture au couteau. Auparavant, la peinture utilisait la technique du glacis, en appliquant des peintures en couches minces, de sorte que la rugosité de la couche de lin donnait à l'image une élégance. De nos jours, la technique des traits pâteux est souvent utilisée en peinture. Cependant, la qualité de la toile est importante pour l'expressivité de la peinture.

La toile de coton est un matériau durable et peu coûteux, adapté à la peinture avec des traits pastel.

Dans la peinture à l'huile, des bases telles que la toile de jute, le contreplaqué, les panneaux durs, le métal et même le papier sont également utilisées.

Les toiles sont tendues sur carton et sur châssis. Les toiles sur carton sont fines et ne sont généralement pas de grand format, et ne dépassent pas 50 * 70. Ils sont légers et faciles à transporter. Les toiles sur châssis sont plus chères, les toiles toutes faites sur châssis peuvent atteindre 1,2 m sur 1,5 m. La peinture finie est encadrée.

Avant de travailler à l'huile, les toiles sont collées et apprêtées. Il s'agit de s'assurer que la peinture à l'huile ne détruise pas la toile et que la peinture adhère bien à la toile.

Les peintures à l'huile sont le plus souvent peintes en plaçant la toile sur un chevalet. Dans la peinture à l'huile, une technique de couteau à palette est utilisée. Couteau à palette - un outil en acier flexible sous la forme d'un couteau ou d'une spatule avec un manche incurvé. La forme différente du couteau à palette permet d'obtenir une texture, un relief et un volume différents. Vous pouvez également appliquer des traits uniformes et lisses avec le couteau à palette. La lame d'un couteau à palette peut également être utilisée pour créer des lignes fines - verticales, horizontales, chaotiques.

PASTEL

Pastel(de lat. pâtes - pâte) - une technique de peinture et de dessin sur une surface rugueuse de papier et de carton avec des pastels. Le pastel est l'un des types de matériaux visuels les plus inhabituels. La peinture aux pastels est aérienne et douce. La subtilité et la grâce de la technique du pastel confèrent aux peintures une vivacité, quelque part fabuleuse et magique. Dans la technique des pastels "secs", la technique de "l'ombrage" est largement utilisée, ce qui donne l'effet de transitions douces et de tendresse de couleur. Le pastel est appliqué sur du papier brouillon. La couleur du papier compte. La couleur de fond, visible à travers des touches de pastel, évoque une certaine humeur, affaiblissant ou intensifiant les effets de couleur de l'image. Les peintures aux pastels sont fixées avec un fixateur et conservées sous verre.

La technique du pastel a gagné en popularité et a atteint son apogée au XVIIIe siècle. Le pastel a la capacité de donner à n'importe quel sujet une douceur et une tendresse extraordinaires. Avec cette technique, vous pouvez créer n'importe quel sujet - des paysages aux dessins de personnes.

Les avantages du pastel sont en grande liberté pour l'artiste : il permet d'enlever et de superposer des couches entières de peinture, d'arrêter et de reprendre le travail à tout moment. Le pastel combine les possibilités de la peinture et du dessin. Elle peut dessiner et écrire, travailler avec des ombres ou une tache picturale, un pinceau sec et humide.

Types de pastels :

sécher- fabriqué à partir de pigment par pressage sans ajout d'huile

huile- est fabriqué à partir d'un pigment à l'huile de lin par pressage.

la cire- fabriqué à partir de pigment par pressage avec ajout de cire

Les techniques de travail du pastel sont variées. Des traits de pastel sont frottés avec les doigts, des moignons de mélange spéciaux, des rouleaux en cuir, des brosses carrées en soie, des tampons souples. La technique du pastel est très subtile et complexe dans ses superpositions de pastel « glaçure » de couleur sur couleur. Le pastel est appliqué par taches, traits, glacis.

Pour travailler avec des crayons pastel, vous avez besoin de bases qui retiennent le pastel, l'empêchant de tomber. Les pastels fonctionnent sur des papiers bruts, tels que le "torchon", le papier Whatman, le papier émeri, sur du carton lâche et laineux, du daim, du parchemin, de la toile. La meilleure base est le daim, sur lequel sont écrites certaines des pièces classiques. Les dessins au pastel sont fixés avec des fixateurs spéciaux qui empêchent les pastels de se détacher.

Edgar Degas était un maître du pastel inégalé. Degas avait un œil acéré et un motif infaillible, ce qui lui a permis d'obtenir des effets sans précédent dans les pastels. Jamais auparavant les dessins au pastel n'avaient été aussi respectueux, magistralement insouciants et si précieux en couleur. Dans ses œuvres ultérieures, rappelant un kaléidoscope festif de lumières, E. Degas était obsédé par le désir de transmettre le rythme et le mouvement de la scène. Pour donner aux peintures un éclat particulier et les faire briller, l'artiste a dissous les pastels avec de l'eau chaude, les transformant en une sorte de peinture à l'huile, et les a appliqués sur la toile avec un pinceau. En février 2007, lors de la vente aux enchères de Sotheby's à Londres, le pastel "Trois danseuses en jupes violettes" de Degas a été vendu pour 7,87 millions de dollars. En Russie, des maîtres pastels ont travaillé dans des pastels tels que Repin, Serov, Levitan, Kustodiev, Petrov-Vodkin.

SANGINA

La gamme de couleurs de la sanguine, matière à dessiner, du brun au proche du rouge. Avec l'aide de la sanguine, les tons du corps humain sont bien transmis, de sorte que les portraits réalisés à la sanguine semblent très naturels. La technique du dessin d'après nature à la sanguine est connue depuis la Renaissance (Léonard de Vinci, Raphaël). Souvent, la sanguine est associée au fusain ou au crayon italien. Pour assurer une plus grande durabilité, les dessins à la sanguine sont fixés avec un fixateur ou placés sous verre.

La Sanguine est connue depuis l'Antiquité. C'est alors que la sanguine permet d'introduire la couleur chair dans le dessin. La technique du dessin à la sanguine s'est généralisée à la Renaissance. Les artistes de la Renaissance ont développé et largement utilisé la technique des « trois crayons » : ils ont appliqué un dessin à la sanguine ou à la sépia et au fusain sur papier teinté, puis ont souligné les zones souhaitées à la craie blanche.

Sanguine(du latin "sanguineus" - "rouge sang") - ce sont des crayons de tons rouge-brun. La sanguine est fabriquée à partir de terre de sienne brûlée finement râpée et d'argile. Comme les pastels, le fusain et la sauce, la sanguine est un matériau doux qui est façonné en crayons carrés ou ronds lors de la production.

Avec l'aide de la sanguine, les tons du corps humain sont bien transmis, de sorte que les portraits réalisés à la sanguine semblent très naturels.

La technique sanguine se caractérise par une combinaison de traits larges et d'ombrage avec des traits de blocs sanguins fortement aiguisés. De beaux dessins à la sanguine sont obtenus sur un fond teinté, notamment lorsqu'on ajoute du fusain et de la craie à la matière principale (technique des "trois crayons").

Pour un dessin, choisissez une sanguine d'une telle nuance qui convient le mieux aux caractéristiques de la nature. Par exemple, il est bon de peindre un corps nu avec une sanguine rougeâtre et un paysage - un brun grisâtre ou une sanguine sépia.

Parfois, la sanguine est associée au charbon de bois, ce qui donne des nuances froides. Le contraste entre les tons chauds et froids donne un charme particulier à de telles œuvres.

Pour une plus grande durabilité, les dessins sanguins peuvent être fixés avec un fixateur ou placés sous verre.

DÉTREMPE

Détrempe(du latin "temperare" - combiner) - un liant de peintures, constitué d'une émulsion naturelle ou artificielle. Avant l'amélioration des peintures à l'huile par J. Van Eyck (XVe siècle), la détrempe à l'œuf médiévale était l'un des types de peinture les plus populaires et les plus répandus en Europe, mais elle a progressivement perdu de son importance.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, la déception qui suivit dans la peinture à l'huile tardive fut le début de la recherche de nouveaux liants pour les peintures, et la détrempe oubliée, dont les œuvres bien conservées parlent d'elles-mêmes avec éloquence, suscite à nouveau l'intérêt.

Contrairement à la peinture à l'huile et à l'ancienne détrempe, la nouvelle détrempe ne nécessite pas un certain système de peinture de la part du peintre, lui laissant une totale liberté à cet égard, qu'il peut utiliser sans nuire à la force de la peinture. La détrempe, contrairement à l'huile, sèche rapidement. Les peintures à la détrempe, enduites de vernis, ne sont pas inférieures en couleur à la peinture à l'huile, et en termes d'immuabilité et de durabilité, les peintures à la détrempe sont même supérieures aux peintures à l'huile.

Les matériaux et techniques graphiques sont variés, mais, en règle générale, la base est une feuille de papier. La couleur et la texture du papier jouent un grand rôle. Les matériaux et les techniques colorés sont déterminés par le type de graphisme.

1. Si vous avez de l'expérience au crayon, vous pouvez commencer à apprendre la peinture en toute sécurité ;
2. Si vous n'avez aucune expérience, nous vous recommandons d'abord de suivre le cours de base dans une école de peinture pour adultes. Après avoir terminé ce cours, il vous sera beaucoup plus facile de peindre;
3. Si vous avez une expérience sérieuse du dessin au crayon et à la peinture, vous pouvez commencer, sous la direction d'un professeur expérimenté, à créer votre propre portrait, copier des maîtres ou développer vos idées.

Travaux de peinture

Natalia Kudryavtseva 3 mois de formation (pétrole) ;	Nastya Khokhlova 3 mois d'études (pastel)	5 mois de formation (Beurre)	Nastya Trosnova environ 6 mois de formation (pastel)

Elya Grudina (12 ans) 6 mois de formation (Beurre)	Katya Popova (16 ans) 8 mois de formation (Beurre)	Tanya Nigai (24 ans) 7 mois de formation (Beurre)

Elena Orlova environ 2 ans d'études (aquarelle)	Valya Shvets (27 ans) 4 mois de formation (pastel)	Valya Shvets (27 ans) 8 mois de formation (pastel)

Graphique

L'approche individuelle utilisée dans le studio Art-Idea suppose que l'enseignant travaille avec vous en fonction de vos objectifs et de vos besoins. À cet égard, vous pouvez vous perfectionner dans toute technique de dessin qui vous intéresse, qu'il s'agisse d'une aquarelle fine et transparente ou d'une technique de peinture à l'huile plus pâteuse. Également à l'école de peinture pour adultes, vous pouvez vous familiariser avec la technique la plus délicate du pastel, la technique de la gouache brillante, la détrempe mate ou la technique du pinceau sec.

A l'école Art-Idea, adultes et enfants peuvent étudier la peinture.

École de peinture

uvres réalisées au couteau à palette

Venir école de peinture, nous supposons généralement que nous allons peindre sur un morceau de papier et un pinceau ! C'est notre idée habituelle.Fait intéressant : l'école de peinture italienne ne recommande pas l'utilisation de pinceaux pour un artiste novice. Tout d'abord, ils apprennent à afficher quelque chose en général et uniquement avec un couteau à palette. Le pinceau détourne l'attention vers les petites choses qui ne sont pas encore nécessaires à un stade précoce de l'apprentissage.

Apprendre la couleur est très excitant! Vous avez probablement entendu dire que différentes couleurs affectent une personne de différentes manières. Ainsi, le rouge est capable d'exciter et le bleu calme, le jaune apporte la joie et le vert l'harmonie. Les couleurs vives et pures font souvent défaut dans la vie d'une personne moderne, d'où l'humeur dépressive et le découragement. Formation peinture en ce sens, il guérit pour la plupart des gens, ajoutant à leur vie la vibration et l'harmonie de ces couleurs qui leur manquent ! Il existe même une telle direction - l'art-thérapie, où les gens sont traités à l'aide de la couleur. Ainsi, les cours de peinture harmonisent souvent non seulement l'âme, mais aussi le corps humain !

Formation peinture a lieu dans Studio №1(m. pl. Vosstaniya) ou Studio №2(m. perspective des Lumières ou m. Grazhdansky pr.)

Étudiants de 1ère année de la spécialité "Peinture"

pour les devoirs indépendants sur la peinture de natures mortes

Liste de contrôle des devoirs

sur la nature morte

Exercice 1... Nature morte d'articles ménagers selon la technique de la grisaille

Exercer 2. Nature morte d'objets du quotidien en couleur.

Exercer 3. Nature morte d'articles ménagers, de couleur similaire

Exercer 4. Nature morte d'articles ménagers, de couleur contrastante

Exercer 5. Nature morte d'objets blancs.

Exercer 6. Nature morte à l'intérieur.

Exercer 7. Nature morte en plein air.

Note explicative

Dans le cursus de peinture des élèves de 1ère année de la spécialité « Peinture » une place importante est accordée à la nature morte : 36 heures au 1er semestre et 132 heures au 2ème semestre. Un autre 50 % de ce temps est consacré aux devoirs indépendants. La maîtrise séquentielle des natures mortes est envisagée, commençant par de simples performances grandeur nature et se terminant par des natures mortes thématiques complexes. Dans les performances composées d'objets du quotidien, sont résolus des problèmes liés à l'étude du clair-obscur et des solutions tonales de forme, de relations de couleurs et de coloration, c'est-à-dire ces moyens d'expressivité que l'artiste utilise lors de la création d'une œuvre.

Les formes géométriques simples et claires qui sous-tendent l'étude de la nature morte permettent aux étudiants de 1ère année de se familiariser avec les moyens et les méthodes de construction d'une image volumétrique sur un plan en lien avec l'environnement.

La maîtrise de la technique de la peinture à l'aquarelle est une exigence obligatoire du programme pour 1 cours. L'aquarelle a de grandes capacités visuelles, est pratique et efficace, vous permet d'utiliser une variété de techniques.

Tant dans les cours pratiques en classe que dans les devoirs indépendants, une attention particulière est accordée à l'acquisition des connaissances et des compétences de construction d'une forme, à la capacité de voir et de transmettre un état de nature varié, en fonction des conditions d'éclairage, et à la bonne séquence méthodologique de travail. sur la nature morte.

Lors de l'exécution d'une étude de nature morte, le nombre d'étapes est déterminé par la complexité de la mise en scène à grande échelle, cependant, les éléments suivants sont considérés comme les étapes principales :

1) placement compositionnel de l'image du groupe entier et des objets individuels sur le plan de la feuille ;

2) solution linéaire-constructive de la forme, en tenant compte de leurs proportions, de leur mouvement et de leur position spatiale;

3) détermination de la teinte générale de la couleur ; transfert de grandes relations générales de tons et de couleurs, proportionnelles à la nature;

4) modéliser la forme volumétrique des objets, identifier les gradations de lumière et d'ombre et leur étude picturale, en tenant compte de la perspective aérienne ;

5) une étape de généralisation des travaux d'achèvement de l'étude ; identification du principal et du secondaire dans le schéma de couleurs de l'étude; subordination de toutes les parties de l'image au tout.

Le cycle des devoirs pour la peinture de natures mortes, en lien étroit avec les devoirs pour le dessin et la composition, conduit au développement de l'observation artistique, de la pensée figurative, de l'imagination créative, du sens de la couleur et des relations entre les couleurs.

En fin de compte, les étudiants doivent acquérir une solide connaissance de la peinture de nature morte nécessaire au travail indépendant.

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Sur le sujet : développements méthodologiques, présentations et notes

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Anna Klimova
Projet "Des possibilités étonnantes de peinture"

Projet« Des possibilités de peinture incroyables»

Pertinence le projet

L'expérience pédagogique avancée montre qu'au stade actuel de développement de la société, il ne suffit pas d'enseigner quelque chose à un enfant. L'activité, l'indépendance, l'initiative, la créativité déterminent la direction du développement de la personnalité dans les conditions modernes. La mise en œuvre d'activités indépendantes, pratiques et créatives des enfants dans le domaine du développement artistique et esthétique vise avant tout le développement global de la personnalité de l'enfant.

L'influence de l'art sur la formation de la personnalité d'une personne, son développement est très grand. V.A. Sukhomlinsky a écrit: « Pendant l'enfance, les processus de pensée doivent être aussi étroitement liés que possible aux objets vivants, lumineux et visuels du monde environnant. La richesse émotionnelle de la perception est la charge spirituelle de la créativité des enfants. »

En se familiarisant avec des œuvres d'art exceptionnelles, les enfants d'âge préscolaire apprennent à comprendre l'harmonie de la nature, se familiarisent avec la culture et l'histoire de la Russie, apprennent les normes de comportement et les valeurs spirituelles adoptées dans la société, se familiarisent avec le mode de vie et le travail de des personnes dans des domaines d'activités variés, un lieu privilégié La peinture prend en charge le développement de la parole. En utilisant La peinture le développement mental se développe activité: la capacité de généraliser sur la base de l'analyse, de comparer et d'expliquer, de développer la parole intérieure (la parole intérieure aide l'enfant à planifier et à exprimer ses jugements, à corréler les conclusions résultant de la perception de l'intention de l'artiste, elle contribue également à la manifestation de ses propres associations intellectuelles et émotionnelles). L'art contribue à la perception de divers sentiments et à la formation des fondements initiaux de la vision du monde. Les enfants enrichissent leur expérience morale, une conscience morale se forme en eux. Ils apprennent à confronter leurs expériences avec celles des personnes dépeintes par l'artiste et à transférer celles perçues dans le genre. La peinture modes de relations entre les personnes dans des situations réelles.

Il est important que la formation d'une personnalité complètement développée d'un enfant d'âge préscolaire se produise dans un seul processus de familiarisation des enfants avec les beaux-arts, avec l'art populaire, la culture, les valeurs esthétiques, avec la nature de leur terre natale. Travail La peinture riches par leur contenu idéologique et parfaits dans leur forme artistique. Par conséquent, ils forment le goût artistique des enfants d'âge préscolaire, la capacité de comprendre et d'apprécier la beauté, non seulement dans l'art, mais aussi dans la vie, la nature et la vie quotidienne. Peinture recrée toute la richesse et la diversité du monde avec la profondeur spatiale, le volume, la couleur, la lumière et l'air.

Ainsi apparaît une contradiction entre possibilités de peinture comme moyen de développement global de la personnalité d'un enfant d'âge préscolaire et son utilisation insuffisante dans le processus pédagogique.

Cible le projet: Développement global des enfants d'âge préscolaire dans le processus de familiarisation avec La peinture.

Tâches le projet:

1. Familiariser les enfants avec les artistes russes et leurs œuvres et susciter chez les enfants un intérêt constant pour La peinture;

2. Encourager les parents et les enfants à interagir activement avec les enseignants, en stimulant le désir de rechercher des informations supplémentaires sur le sujet ;

3. Développer un système de classes pour familiariser les enfants avec La peinture(planification à long terme pour l'année universitaire);

4. Augmenter le niveau de connaissance des enseignants et des parents sur les possibilités de l'impact de la peinture sur le développement global de l'enfant.

Type de le projet

Par temps - à long terme;

Durée le projet- septembre - avril (année académique 2013-2014)

En dominant dans le projet activité - pratique - orientée;

Par la nature des contacts - intragroupe;

Par le nombre de participants - collectif ;

Âge des enfants - 5-6 ans;

Participants projet - enseignants, enfants du groupe plus âgé, parents;

Produit conception activités - planification à long terme, un cycle de cours, du matériel et des informations supplémentaires sur le sujet.

Résultats attendus

1. Formation chez les enfants d'un système de connaissances sur les artistes et leurs œuvres ;

2. Systématisation des informations méthodologiques ;

3. Sélection de la littérature et développement d'un plan à long terme pour familiariser les enfants avec La peinture;

4. Utilisation systématique dans le travail des cycles de classes pour familiariser les enfants avec La peinture;

5. Saturation de la base méthodologique avec des informations supplémentaires et du matériel pour les classes afin de familiariser les enfants avec La peinture.

Principales étapes le projet

1 - créer un problème orienté vers la pratique

Venu à une leçon pour familiariser les enfants avec La peinture, exposant des reproductions représentant un paysage d'automne. Au cours de la leçon, nous écoutons de la musique, lisons des extraits de versets qui aident à la perception peinture pittoresque... Les enfants mettent en corrélation les œuvres musicales et littéraires avec la reproduction et justifient leur choix, mais il y a une reproduction (Savrasov A.K., "Automne. Village au bord du ruisseau ", auquel il n'y a pas de musique et de poème appropriés. Se lève question: "Que faire?".

2 - émettre des hypothèses pour résoudre le problème

Les enfants proposent de faire venir un bibliothécaire qui vient les voir chaque semaine et de lui demander de les aider à rédiger un recueil de poèmes sur l'automne. Et aussi, contactez le directeur musical avec une demande de sélection de morceaux de musique. De façon inattendue, Valya se souvient qu'il n'y a pas si longtemps, sa sœur, une écolière, enseignait un très beau poème sur l'automne et promet de demander à sa mère de nous l'écrire, etc.

3 - répartition en groupes

Une fois que nous avons décidé de ce dont nous avons besoin pour la suite du travail, je suggère aux enfants de discuter de ce problème à la maison avec leurs parents et de les impliquer dans une recherche commune d'informations, et peut-être de compléter notre plan pour résoudre le problème. Ainsi, avoir discuté le problème et les moyens de le résoudre une fois de plus, les enfants et leurs parents se réunissent en micro-groupes pour collecter les informations nécessaires.

4 - résolution pratique Problèmes:

Création d'une bibliothèque de musique classique, chansons pour enfants ;

Une sélection d'œuvres littéraires (contes et poèmes, folklore russe (Proverbes et dictons);

Une sélection d'illustrations à visualiser ;

Exposition d'œuvres pour enfants sur le dessin, l'applique, le modelage et l'artisanat ;

Excursions à la salle d'exposition, jardin d'hiver du CDC "Arctique";

Promenades et excursions;

Constitution d'un catalogue électronique d'œuvres La peinture;

Concours de dessin "Saisons";

5 - présentation des résultats

Toutes les informations recueillies avec l'aide des parents, des enseignants, des bibliothécaires ont été accumulées, résumées et systématisées. Après avoir traité les informations:

Un plan à long terme a été rédigé pour familiariser les enfants avec La peinture, indiquant les sources et une sélection de matériaux supplémentaires ;

Un certain nombre de résumés ont été élaborés professions: "De quoi et comment il parle La peinture» , « Peintures de paysages du soir. Examen du tableau de I. I. Levitan "Soirée d'été", " L'automne doré. Examen du tableau de I. I. Levitan "Automne d'or", « Un automne tellement différent. Voir et comparer des peintures de paysage "Automne d'or" I. I. Levitan et "Octobre" E. E. Volkova ", "L'hiver" I. I. Shishkin "et d'autres;

Thématique préparée présentations: "Bonjour, automne doré", "Les signes de l'automne", "L'automne à travers les yeux des artistes", "Paysage russe La peinture» , "Nature morte", "Art primitif", "Paysage La peinture... peintres paysagistes russes " et etc. ;

Une consultation a été organisée pour les enseignants sur l'impact peinture pour le développement de l'enfant: "Paysage russe La peinture» , "Organisation de la perception de la nature morte par les enfants d'âge préscolaire", "L'automne, chanté par les poètes et peintres dans les œuvres d'art « et autres ;

Séminaire - atelier pour enseignants "La nature de l'hiver dans les oeuvres des artistes";

Semaine thématique "Plaisir d'hiver", "Études d'automne";

Pour les parents ont été exposés des dossiers - voyage "Image poétique de la nature dans le dessin d'enfant", "Art et éducation", "Apprendre à observer la nature" et etc. ;

Leçon ouverte pour les parents, utilisant les informations recueillies "La sorcière Winter arrive...";

Suivi de l'enrichissement des connaissances des enfants et du niveau de formation des idées sur La peinture.

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