IMPRESSIONNISME (français impression-n-nisme, de impression - impression) - la direction de l'art (avant tout dans la vie) -pi-si) dans le dernier tiers du 19e - 1er quart du 20e siècle.

L'émergence du terme à propos de la première exposition d'artistes français (sous le titre « Ano-nim-noe koo-pe-ra-tiv-noe company of hu-dozh-ni-kov... »), organisée au Atelier parisien G. Na-da-ra en 1874. L'un des tableaux présentés dessus par K. Mo-ne (« Impression-le-nie. Le lever du soleil » ; on-pi-sa-na au Hav-re au printemps 1873 ; maintenant - au Musée Mar-mot-tan, Paris) a laissé L. Le-roy du magazine « Le Charivari » nommer son article de synthèse « Vous-êtes devenu im-pres-sio-nistev ». Le mot même « impression » au sens de la capacité de connaissance artistique de l'action-st-vi-tel-no-sti rencontre -Xia et avant : il a été utilisé par S. Baudelaire et P. Ver-len, par K. Ko-ro, T. Russo, Sh.F. Do-bi-nyi (déjà dans les années 1860, cry-ti-ka l'appelait « le chef de l'école des impressions »), E. Ma-ne. Étudiant à la presse-sio-ni-stov (la dernière, la 8, eut lieu en 1886), selon Mono-no, L.E. Bu-den, A. Guy-o-men, E. De-ga, G. Kai-bott, M. Cassett, B. Mo-ri-zo, K. Pis-sar-ro, O. Re-Nu- ar, A. Sis-ley, ainsi que P. Se-zann, P. Go-gen et autres

L'histoire de l'impressionnisme dans la vie peut être divisée en périodes : préparations (maturation du nouveau moi-à-oui) - années 1860. ; la race de la couleur et la lutte pour un art nouveau - les années 1870 (la période de « l'impressionnisme classique ») ; na-chi-nayu-sche-go-sya kri-zi-sa (années 1880) ; tard - des années 1890 aux années 1920. Les innovations de l'impressionnisme étaient prêtes à être découvertes dans le domaine de l'opt-ti-ki et de la physio-logie de la vision, théorie des contrastes de couleurs M. Chev-re-la, recherche-ska-mi E. De-la-roy dans le domaine des tons jusqu'à complet, boire-live-in-pi-sue K. Ko-ro et mas-te-rov de l'école bar-bi-zon, us-pe- ha-mi dans la région-las-ti fo-to-graphics. Un rôle important a également été joué par le rapprochement entre les futurs press-sionistes et E. Ma-ne (depuis la fin des années 1860), qui a notre grande influence sur les jeunes artistes (sans participer aux expositions impressionnistes, Ma-ne lui-même a rendu hommage à eux -sio-ni-stic ma-ne-re lettre-ma), connaissance de art anglais(W. Turner, R. Bo-nington, J. Constable) en 1870-1871 (lors du séjour à Londres-do-ne K. Mo-ne et K. Pis-sar-ro) et « l'ouverture » du euro-pei-tsa-mi art japonais V milieu du 19ème siècle. Le désir de saisir « l'instantanéité » des états de l'atmosphère et de l'état naturel des choses peut déjà être remarqué dans le zazh-nom creative-che-st-ve mas-te-rov du soi-disant pre-dim-press-sio-niz-ma (E. Bu-den, J. Jon-gkind, F. Basil), mais seulement dans le cadre de l'impressionnisme, ces dispositifs se sont transformés en tout un système artistique. Plus récemment, K. Mo-ne a maintenu ce système dans son travail ; dans les œuvres d'autres artistes européens (y compris russes) et américains, diverses techniques de l'impressionnisme sur-ho-di- si dans tous les cas il n'y a pas de deuxième-mo-in-di-vi-du-al-nu-inter-pre -ta-tion.

Im-press-sio-ni-sty étaient prin-tsi-pi-al-ny-mi contre-contre-ni-ka-mi de tous les theo-re-ti-zi-ro-va-niya ; La théorie de l'impressionnisme n'est née qu'au début du 20e siècle, elle reposait sur les découvertes artistiques du maître-te-rov de cette niya de droite, sur l'impressionnisme inhérent d'un autre, incompris mentalité. L'impressionnisme repose sur une vision non traditionnelle du monde comme une sorte de « substrat matériel en mouvement » (B.A. Zer-nov), le désir d'imprimer le monde environnant dans sa mobilité et son changement. -en sti, des situations aléatoires « instantanées », des mouvements, des états de la nature. Im-press-sio-ni-stam était proche du for-mu-li-ro-van-noe E. Zo-lya po-ni-ma-nie about-from-ve-de-art comme « coin du la construction du monde, vue à travers le temp-pe-ra-ment » (c'est-à-dire dans la pré-lo-le-tion subjective du hu-doge -Nika) ; ils ont cherché à créer dans le « mic-ro-cos-me » une seule connexion pro-from-ve-de-no sans rupture dans le -dy et che-lo-ve-ka, in-di-vi -duu-ma et le milieu environnant.

L'impressionnisme en peinture

La destruction des can-no-novs académiques en life-in-pi-si par les impressionnistes français s'est achevée en plusieurs right-le-no-yahs : refus de tous les li-te-ra-tur-no- sti, "plot-no-sti", mo-ra-li-zi-ro-va-niya, propre- st-ven-nyh salon-no-mu art-kus-st-vu-de cette époque, de- le-est-attiré "ra-fa-elev-skaya" la beauté du regretté classe française-si-tsiz-ma (J.O.D. Ingres et son after-do-va-te-li), non-acceptation comme programme - no-sti et pa-fo-sa de l'art ro-mantique, et for-ost-ryon-no-go so-ci-al-no-go real-iz-ma G. Cour-be. Dans de rares cas, l'art de l'impressionnisme est lié à la modernité : il prédomine dans ceux de la naissance, de la vie « partielle » (vie quotidienne, récréation, divertissement), de la beauté des paysages ruraux. L'impressionnisme a détruit toutes les idées traditionnelles sur la hiérarchie des genres et leurs spécialités (mélange des genres) ra avec port-re-tom, port-re-ta avec pay-za-zhem ou inter-ter-e-rum et autres), à propos de qui-po-si-tion comme un verrou-eh bien-toute cette st-structure-tu-re formation. Le dernier dans la vie de l'impressionnisme est remplacé par des peintures comme un fragment de la nature, des mots saw-den-no-go dans la fenêtre-mais (ou même « sous-regarde-ren-no-pass -le-trou», selon op-re-de-le-niyu E. De-ga). Pour les images im-press-sio-ni-stov kha-rak-ter-ny « non-donné » du cadre, décent-tra-li-za-tion de l'image-bra-zhen-eniya (du système central de formation et statique, point de vue unique), diversité non habituelle des parcours bi-ra-ra, déplacement des axes de composition, sections « de forme libre » de parties de composition, avant -me-tov et fi-gur ra-my kar-ti-ny.

Le désir d'imprimer s'envole dans la vie d'une manière cent yang mais changeante (en de-vis-si-mo-sti de l'os-ve-sche-nii) un beau raz-no-ra-zie du vi-di-mo-go-world leur a apporté-press-sio-nistov (pour l'utilisation-key- no E. De-ha) à son propre type de réforme co-lo-ristique - du complexe (mixte ) aux nouvelles, aux temps - pour les convertir en couleurs spectrales pures, placées sur la toile par traits séparés, qui devraient être opti- rire terriblement aux yeux du spectateur. Dans l'impressionnisme réaliste, la couleur acquiert une auto-no-mia qui n'est pas la sienne, jusqu'au point de départ du pré-me-ta, et apparaît comme-si-le-eux des ordres lumineux, qui pro-niz -sha-vay-tout selon-le-soutien-gorge-même -nia. Ple-ner pre-de-la-ha-a une grande subtilité de gradations de lumière, de couleur-de-no-she-niy et per-re-ho- Dov, développement minutieux du système dans lequel nous nous trouvons .

L'os-lab-le-nie du na-cha-la plastique dans le life-pi-si-si-impressionnisme est lié au refus de la lumière et de l'obscurité comme forme de facteur. La lumière est devenue presque le « héros » principal de la vie des impressionnistes, la composante la plus importante de l’ensemble des structures de l’image, des sous-stans des formes ; La lumière du soleil n’intensifie pas le son de la couleur, mais l’éclaire, la dissolvant des ombres. Ceux du matin ne concernent pas le noir et le noir, qui deviennent colorés et transparents ; dans l'ombre, la couleur perd seulement sa puissance lumineuse et s'enrichit de parties supplémentaires du spectre froides. On-chi-naya depuis les années 1870 de zhi-vo-pi-si im-press-sio-ni-stov presque windows-cha-tel-mais de-gna-ny ah-ro-ma-ti- Couleurs tchèques (noir , gris et blanc ouvert), co-lo-rit d'images ple-ner os-no-van sur co-post-tav-le-ni-yah couleurs spectrales chaudes et froides, ils utilisent les possibilités de « l'espace- couleurs des stations de campagne "ven-no-go" - image des éléments eau, ciel, ob-la-kov, tu-ma-na, air-esprit, demi-lu- ceux qui sont ok-ra-sku dus à la course-se-yan-no-go et aux-ra-épouses de la lumière du soleil-no-go. Maîtriser le langage d'écriture de la vie, prêter attention au transfert des effets de l'os-matériau et colorer vos réflexes conduisent à leur sorte de dé-ma-te-ria-li-za-tion de l'objet du monde , le matin ils sont denses mais-sti, mutuels-pro-nick-mais-ve-niy des éléments de l'image. Trouvées lors de travaux dans la nature, ces techniques ont rapidement commencé à être utilisées non seulement dans le paysage -noy live-in-pi-si ; un système similaire a été développé par E. De-ga, de ple-ne-re.

Une autre innovation de l'impressionnisme est une « révision » ultérieure de la perspective traditionnelle, un rejet de la non-visualisation interdite et du centre uni-cal-no-go de pro-ek-tion, pro-ti-vo-re- cha-che-go es-te-st-ven-no-mu (bi-fo-cal -but-mu et from-part-sphere-che-sko-mu) perception de l'espace-pays ; la tendance à l'approfondissement des profondeurs, au renforcement de la bidimensionnalité ; dans certains cas, l'utilisation d'ac-so-no-meters, les effets de direct ou cri-vo-si -no-noy per-spec-ti-you fortement intensifiés, se sont ensuite transformés en P. Se-zan-na en un système complet de per-spect-ti-vous « per-ceptif ». Le rejet par l'impressionnisme du concept anthropocentrique de l'art européen (l'homme n'est pas le centre de la construction du monde, mais son heure -ti-tsa) s'est manifesté de manière significative sous l'influence de l'art japonais et s'est manifesté dans l'égalité des droits de l'homme. tous les éléments de l'entreprise -zi-tion, importance égale de l'image principale et du deuxième-ro-step-pen-noy de-ta-li, jusqu'à presque le « glo-sche » -niy" complet de l'image principale image, boisson pour la recréation, boisson pour la boisson dans la brume du tu-ma-on coulissant ; en général, de cette manière il y a no-do-ka-zan-no-sti et « par défaut ».

Le désir d'imprimer le « ma-te-ria à mouvement unique » de l'es-te-st-ven-mais les a amenés-press-sio-ni -stov (non sans l'influence du gr-vu japonais) au création de séries et de cycles de travail, dédiés à un sujet -cette image et fixation ou image di-na-mi-ku (image "to-po-lei", "in-kza" -accrocher" de K. Mo-ne , "danseurs" d'E. De-ha, boulevards parisiens bondés, etc.), paroles Bo-effets changeants des substances et des couleurs dans leur interrelation, mouvement im-ma-te-ri-al -ième élément de lumière ( « cent ha se-na », « so-bo-ry » Mo-ne). Chacune des œuvres d'une telle série (ou cycle) révèle un aspect de l'image, et leur co-la totalité crée une image globale et synthétique dans les pré-actes de l'idée générale d'un hu-dozh-ka.

Au début, l'impressionnisme provoqua un rejet sévère de la plupart des critiques et du public ; soutenez le nouveau is-ka-ni-yam dans l'art de l'oeil derrière-li E. Zo-lya, S. Mallar-me, J.K. Gu-is-mans, cri-ti-ki T. Du-re, E. Du-ran-ti, G. Geoff-froy, collection-lecture-not-ry P. Du-ran-Ru-el, G. Kaybotte, J.B. Faure et V. Sho-ke. La large reconnaissance du style im-press-sio-ni-sty n'a atteint que dans les années 1890, lorsque l'impressionnisme est entré dans sa dernière phase. L'impressionnisme tardif est connu pour ses tendances déco-ra-tives (communes à l'art de l'ère moderne), toute la douleur - la sophistication du jeu coloristique des ombres aux tons complémentaires, parfois avec des vues de couleurs inhabituelles no-em (boire pour zhi E. De-ga de la fin des années 1890, série « saules pla-ku-chih » de K. Mo-ne, écriture tardive de O. Re-nua -ra et autres), ak- tsen-ti-ro-va-ni-em sa-mo-tsen-no-sti in-di-vi-du-al-noy hu-do-destvennoy ma-ne-ry, "lich -mais-st-non "-allez".

Au cours de ces années, de nouvelles orientations se sont déjà établies dans l'art, en raison de l'impact des innovations de l'impressionnisme dans un lieu ou dans un autre. re is-py-ta-li many hu-dozh-ki de l'art salon-no-go français , post-im-pres-sio-niz-ma et le premier dis-ma de l'avant-garde européenne. Ainsi, le principe du mélange optique des couleurs constituait la base de la théorie du néo-im-press-sio-niz-ma (di-vi-zio-niz-ma) ; peindre en « couleur pure », la fonction suggestive de la couleur (son émotivité inhérente et son pouvoir de suggestion) en co-che-ta-nii avec l'ex-press-si-maz-were we unus-le-do-va- ny V. Van Go-g, P. Go-gen, groupes mas-te-ra-mi fo-viz-ma et « na-bi », ainsi que ab-st-rak-tsio-niz-ma.

Parallèlement, au-delà des frontières de la France, l'influence de l'impressionnisme se manifeste dans le développement de certaines techniques (effets -riz-ma, you-light-le-nie pa-lit-ry, es-kiz-ness et freedom -d'un ma-ne-ry), en ra-sche- tion au te-ma-ti-ke moderne - dans le travail créatif de hu-dozh-ni-kov Ve-li-ko-bri-ta -nii (U. Sik-kert, U. Steer), Ger -ma-nii (M. Lieber-man, L. Ko-rint, M. Sle-vogt), Italie (J. De Nit-tis), Norvège (F. Tau-lov), Pologne (L. Vychul-kovsky), États-Unis (M. Cassett, M. Pre-der-gast, T. Robin-son, J.S. Sargent, J. G. Tu-ok-t- hommes) et autres. En Russie, l'influence de l'impressionnisme se fait sentir depuis la fin des années 1880 - à l'air libre d'I.E. Re-pi-na, V.A. Se-ro-va, I.I. Le-vi-ta-na, V.D. Po-le-no-va, N.N. Dub-bov-skogo; L’art de K.A. appartient presque entièrement à ce droit. Ko-ro-vi-na, c'est-à-dire Gra-ba-rya; « im-pres-sio-ni-st-sky » période vous pouvez faire la même chose des futurs maîtres de l'avant-garde russe (K.S Ma-le-vi-cha, M.F. La-rio-no- va, A.D. Dre-vi-na).

Le terme « impressionnisme » s’applique également à la sculpture des années 1880-1910. (recherche de transfert du mouvement instantané, te-ku-honneur des formes, na-ro-chi-th plastique non-ver-ver-perfection, interaction entre sculptures et lumière) ; Les caractéristiques les plus marquantes de l'impressionnisme dans l'œuvre sculpturale de O. Roden et E. Degas (France), M. Russia co (Italie), P.P. Tru-bets-ko-go et A.S. Go-lub-ki-noy (Russie).

Les principes du programme de l'impressionnisme écrit vivant ont ensuite commencé à être transférés à d'autres arts : muses -ku, li-te-ra-tu-ru, te-atr, ho-reo-graphy, ki-no, fo-to-is -kus-st-vo. L'utilisation du terme « impressionnisme » à leur égard est suffisamment conditionnelle et os-pa-ri -va-et-sya part-is-follow-to-va-te-lei.

L'impressionnisme en musique

De l'impressionnisme dans la musique, qui ne représente pas une analogie directe avec l'impressionnisme dans la vie et n'est pas la même chose, il y a un chro-no-lo-gi-che-ski avec lui (l'époque de la floraison de l'impressionnisme musical - années 1890-1900 ), généralement liés à des humeurs re-da- je ressens de-men-chi-vyh, à de subtiles nu-an-s psychologiques, à une soif d'un programme de paysage éthique - d'informations (y compris la représentation dans les sons du jeu des vagues, des reflets de lumière sur l'eau, du vent, des nuages, etc.), selon l'intérêt supérieur du compositeur pour le thème et la beauté harmonieuse. Mais les moyens de visa artistique coexistent souvent avec la pré-création d'images numérisées exquises de l'art ancien (ro-ko-ko de style live-in-pi-si, musique du français cla-ve-si-ni- m).

Les préformes de l'impressionnisme musical - dans le sound-co-pi-si de F. Lis-ta, les marches coloristiques d'A.P. Bo-ro-di-na, E. Gri-ga, N.A. Roman-go-Kor-sa-ko-va, svo-bo-de go-lo-so-ve-de-niya et élémentaire im-pro-vi-za-tsi-on-no- sty M.P. Mu-sorg-sko-go. L'impressionnisme a trouvé son expression classique dans la musique française, surtout dans l'œuvre de K. Debussy ; Ses traits sont également apparus dans la musique de M. Ra-ve-la, P. Du-ka, F. Schmit-ta, J. J. Ro-zhe-Du-ka-sa. Impressionnisme musical unas-le-do-val beaucoup surtout-ben-no-sti tardif ro-man-tiz-ma et national écoles de musique XIXème siècle. En même temps, pa-te-tike orageux, rel-ef-no-mu te-ma-tiz-mu, tendu cha-te-ni-yam chro-ma-ti -che-ski us-false-no- noy to-nal-noy gar-mo-nii de feu ro-man-ti-kov (esp-ben-no R. Vag-ne-ra) im-press-sio -pas sur la retenue émotionnelle, la brièveté et le changement imperceptible -de-homme-ness dans une centaine de yang-mais vari-et-rue mo-ti-vov, dia-to-no-ku, gamme mod de frettes sim-métriques (y compris entières-mais-en-go) , sur le fait transparent. La création de l'impressionnisme concerne à bien des égards les moyens d'expression de la musique, en particulier dans la sphère -ru gar-mo-nii, do-tig-shey great uton-chen-no-sti. L'utilisation de complexes ak-kor-do-vyh avec-che-ta-et-sya dans l'harmonie de l'impressionnisme avec ar-hai-za-tsi la-do-vo -th mouse-le-tion ; Rythme-nous sommes instables, parfois pointus-ro-ha-rak-ter-ny. Le renforcement de la polyvalence phonique de l'ac-cor-da (voir Ph-nism), grâce à l'introduction du nouvel élément os-no-ve-tov mo-dal-noy gar-mo-nii, élargit la sphère la-do-vaya, dans les timbres purs or-ke-st-rov-ke pré-ob-la-da-yut. La fraîcheur particulière de la musique des impressionnistes français a attiré l'attention sur les genres pe-sen-no-tan-tse-val, sur les éléments il existe un langage musical du Vos-ka, Is-pa-nii, sti -li-za-tion des premières formes du jazz. Pour pré-de-la-mi France, les principes de l'impressionnisme musical ori-ginal-mais raz-vi-va-li M. de Falla en Espagne, O. Res-pi -gi, en partie A. Ka-zel-la et J.F. Ma-lip-e-ro en Italie, F. Di-li-us et S. Scott à Ve-li-ko-bri-ta-nii, K. Shi-ma-novsky en Pologne, A.K. Lyadov, N.N. Che-rep-nin (voir Che-rep-nin), en partie I.F. Stravinsky en Russie.

L'impressionnisme dans la littérature

L'essence de l'impressionnisme en tant qu'av-to-no-no-go on-right-le-niya in li-te-ra-tu-re fait l'objet d'une longue discussion. L'impressionnisme littéraire est souvent associé à na-tu-ra-liz, ou est considéré comme un pro-entre l'apparence exacte entre la na-tu-ra-liz-mom et la sim-in-liz-mom, ou se rapproche du sim -in-liz-maman maman. En tant que mouvement littéraire autonome, l'impressionnisme se retrouve le plus souvent dans la littérature française, ainsi que dans la littérature autrichienne (le soi-disant mouvement viennois) de l'ère-hi-de-ka-dan-sa. Ils parlent aussi d'im-press-sio-ni-stich-no-sti comme d'un style-le-voy spécial-ben-no-sti, inhérent à de nombreux pi-sa-te-lyam 2 ème moitié du 19ème siècle- début du 20ème siècle. L'impressionnisme littéraire n'a pas créé de programme théorique, mais a été influencé par la vie des im-pres-sio-istes français, Mun-Hen-sko-go et Vienna-go se-ces-sio-nov, fi-lo-so -phy de time-me-ni A. Berg-so-na, psi-ho-lo-gyi U. James-sa (idée de création), em-pi-ri-ok-ri-ti-tsiz- ma E. Ma-ha, psi-ho-ana-li-za Z. Frey -Oui. Depuis l'impressionnisme en littérature, l'accent est généralement mis sur la suggestivité, la construction d'une image selon le principe de ses propres -bo-d-as-s-s-ts-tions, appelée à inculquer un chi-ta- te-lyu-not-op-re-de-line ambiance « musicale » -nie, l'entraînant dans le monde de la revivre lyrique de l'av-to-ra - es-te-ta-ge-do-ni- sta, so-zer-tsa -celui du monde à sa place-yang-de-men-chi-in-sti.

En poésie, l'im-pres-sio-ni-stich-ness se manifeste dans l'os-lab-le-nii de l'unité métrique et sémantique de la structure. ki (le soi-disant vy-bo-zh-de-nie du vers), pré-sky-re-même régularité du rythme et rime précise (jusqu'à à mi-chemin de la rime en ver-lib-re), avec-ho-li-vyh an- jamb-ma-nah (P. Ver-len, A. Rem-bo en France ; D. von Li-li-en-kron en Allemagne ; G. von Hoffmann-stael, R. M. Rilke en Autriche ; K. D. Bal-Mont, I.F. Annensky en Russie et autres) ; en pro-se - dans une conversion vers de petites formes (fragment, cycle de nouvelles vaguement connectées, histoires quotidiennes) ko-vye for-pi-si, es-se-istichesky on-bro-juice), sans -plot-no-sti, utilisant-utilisation-du-poids-des-mots-mais-à propos-de-dimension- ny leit-mo-ti-vov, style de-ko-ra-tiv-no-sti (J.C. Gu-is- mans, M. Proust, A. Gide en France ; P. Al-ten-berg en Autriche ; O. Wilde à Vel-li-ko-bri-ta-nia ; G. D'Annunzio en Italie ; K. Gam- soleil en Norvège ; A. Bely en Russie, et autres). Im-pres-sio-ni-stich-ness en cri-ti-ka est lié aux genres « etyu-da », « si-lu-eta », « pro-fi-la » avec leur aphoristique, sub-ektiv-no-vku-so-you-mi ha-rak-te-ri-sti-ka-mi (A. France, R. de Gourmont, A. de Re-nier en France ; D.S. Me-rezh- kovsky, Yu.I. Aikhen-wald, M.A. Kuz-min en Russie).

L'impressionnisme dans le théâtre

Introduction

L'impressionnisme comme phénomène artistique

L'impressionnisme en peinture

Artistes impressionnistes

3.1 Claude Monet

3.2 Edgar Degas

3.3 Alfred Sisley

3.4 Camille Pissarro

Conclusion

Bibliographie

Introduction

Cet essai est consacré à l'impressionnisme dans l'art - la peinture.

L'impressionnisme est l'un des phénomènes les plus brillants et les plus importants de l'art européen, qui a largement déterminé l'ensemble du développement de l'art moderne. Actuellement, les œuvres des impressionnistes, peu reconnues à leur époque, sont très appréciées et leurs mérites artistiques sont indéniables. La pertinence du sujet choisi s'explique par la nécessité pour chaque personne moderne de comprendre les styles artistiques et de connaître les principales étapes de son développement.

J'ai choisi ce sujet parce que l'impressionnisme était une sorte de révolution dans l'art, changeant l'idée des œuvres d'art en tant qu'objets holistiques et monumentaux. L'impressionnisme mettait en avant l'individualité du créateur, sa propre vision du monde, reléguant au second plan les sujets politiques et religieux et les lois académiques. Il est intéressant de noter que les émotions et les impressions, et non l'intrigue et la moralité, ont joué Le rôle principal dans les œuvres des impressionnistes.

Impressionnisme (fr. impressionnisme, depuis impression- impression) - un mouvement dans l'art du dernier tiers du XIXe - début du XXe siècle, né en France puis répandu dans le monde entier, dont les représentants cherchaient à capturer le plus naturel et le plus impartial monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre vos impressions éphémères. Habituellement, le terme « impressionnisme » fait référence à un mouvement pictural, bien que ses idées aient également trouvé leur incarnation dans la littérature et la musique.

Le terme « impressionnisme » est apparu avec main légère critique de la revue « Le Charivari » Louis Leroy, qui a intitulé son feuilleton sur le Salon des Misérables « Exposition des impressionnistes », en s'inspirant du titre de ce tableau de Claude Monet.

Auguste Renoir Pataugeoire, Metropolitan Museum of Art, New York

Origines

À la Renaissance, les peintres de l’école vénitienne tentent de transmettre la réalité vivante en utilisant des couleurs vives et des tons intermédiaires. Les Espagnols ont profité de leurs expériences, exprimées le plus clairement chez des artistes tels que El Greco, Velazquez et Goya, dont le travail a ensuite eu une sérieuse influence sur Manet et Renoir.

Parallèlement, Rubens colore les ombres de ses toiles, en utilisant des nuances intermédiaires transparentes. Comme l'observait Delacroix, Rubens représentait la lumière avec des tons subtils et raffinés et les ombres avec des couleurs plus chaudes et plus riches, traduisant l'effet du clair-obscur. Rubens n'utilise pas le noir, qui deviendra plus tard l'un des grands principes de la peinture impressionniste.

Edouard Manet a été influencé par l'artiste néerlandais Frans Hals, qui peignait avec des traits nets et aimait le contraste des couleurs vives et du noir.

Le passage de la peinture à l'impressionnisme a également été préparé par les peintres anglais. Pendant la guerre franco-prussienne (1870-1871), Claude Monet, Sisley et Pissarro se rendent à Londres pour étudier les grands paysagistes Constable, Bonington et Turner. Quant à ce dernier, on remarque déjà dans ses œuvres ultérieures comment le lien avec image réelle paix et soin pour le transfert individuel des impressions.

Eugène Delacroix a eu une forte influence, il distinguait déjà la couleur locale et la couleur acquise sous l'influence de la lumière, ses aquarelles peintes en Afrique du Nord en 1832 ou à Etretat en 1835, et surtout le tableau « La Mer à Dieppe » (1835) permettent nous permet de parler de lui comme d'un prédécesseur des impressionnistes.

Le dernier élément qui a influencé les innovateurs était l’art japonais. Depuis 1854, grâce aux expositions organisées à Paris, de jeunes artistes découvrent les maîtres de la gravure japonaise comme Utamaro, Hokusai et Hiroshige. Une disposition particulière, jusqu'alors inconnue dans les beaux-arts européens, d'une image sur une feuille de papier - une composition offset ou une composition inclinée, une représentation schématique de la forme, un penchant pour la synthèse artistique - a gagné la faveur des impressionnistes et de leurs adeptes.

Histoire

Edgar Degas, Danseurs bleus, 1897, Musée Pouchkine im. Pouchkine, Moscou

Le début de la recherche des impressionnistes remonte aux années 1860, lorsque les jeunes artistes n'étaient plus satisfaits des moyens et des objectifs de l'académisme, à la suite de quoi chacun d'eux cherchait indépendamment d'autres moyens de développer son style. En 1863, Edouard Manet expose le tableau « Déjeuner sur l'herbe » au Salon des Rejetés et prend la parole activement lors des réunions de poètes et d'artistes au café Guerbois, auxquelles participent tous les futurs fondateurs du nouveau mouvement, grâce auquel il devient le principal défenseur de l'art moderne.

En 1864, Eugène Boudin invite Monet à Honfleur, où il passe tout l'automne à regarder son professeur peindre des croquis au pastel et à l'aquarelle, et son ami Yonkind appliquer de la peinture sur ses œuvres avec des traits vibrants. C'est ici qu'on lui apprend à travailler en plein air et à peindre dans des couleurs claires.

En 1871, pendant la guerre franco-prussienne, Monet et Pissarro se rendent à Londres, où ils découvrent l'œuvre du prédécesseur de l'impressionnisme, William Turner.

Claude Monet. Impression. Lever du soleil. 1872, Musée Marmottan-Monet, Paris.

Origine du nom

La première exposition importante des impressionnistes eut lieu du 15 avril au 15 mai 1874 dans l'atelier du photographe Nadar. 30 artistes y étaient présentés, pour un total de 165 œuvres. La toile de Monet - « Impression. Soleil levant» ( Impression, soleil levant), aujourd'hui conservé au Musée Marmottin de Paris, écrit en 1872, a donné naissance au terme « Impressionnisme » : le journaliste méconnu Louis Leroy, dans son article de la revue « Le Charivari », a qualifié le groupe d'« Impressionnistes » pour exprimer son dédain. Les artistes, par défi, ont accepté cette épithète ; plus tard, elle a pris racine, a perdu son sens négatif originel et est devenue activement utilisée.

Le nom « impressionnisme » n’a aucun sens, contrairement au nom « École de Barbizon », où il y a au moins une indication sur la situation géographique du groupe artistique. C'est encore moins clair avec certains artistes qui n'étaient pas formellement inclus dans le cercle des premiers impressionnistes, bien que leurs techniques et moyens techniques soient complètement « impressionnistes » (Whistler, Edouard Manet, Eugène Boudin, etc.) De plus, les moyens techniques de les impressionnistes étaient connus bien avant les siècles du XIXe siècle et ils furent (partiellement, dans une mesure limitée) utilisés par Titien et Velasquez, sans rompre avec les idées dominantes de leur époque.

Il y avait un autre article (d'Emil Cardon) et un autre titre - "Exposition rebelle", qui était absolument désapprobateur et condamnant. C'est précisément cela qui reproduisait fidèlement l'attitude désapprobatrice du public bourgeois et la critique à l'égard des artistes (impressionnistes) qui prévalaient depuis des années. Les impressionnistes furent immédiatement accusés d'immoralité, de sentiments rebelles et de manque de respect. Pour le moment, cela est surprenant, car on ne sait pas ce qu'il y a d'immoral dans les paysages de Camille Pissarro, Alfred Sisley, les scènes quotidiennes d'Edgar Degas, les natures mortes de Monet et Renoir.

Des décennies ont passé. Et la nouvelle génération d’artistes connaîtra un véritable effondrement des formes et un appauvrissement des contenus. Puis la critique et le public voient dans les impressionnistes condamnés des réalistes, puis un peu plus tard des classiques de l'art français.

L'impressionnisme comme phénomène artistique

L'impressionnisme est l'une des tendances les plus brillantes et les plus intéressantes de art français Le dernier quart du XIXe siècle est né dans un environnement très complexe, caractérisé par la diversité et les contrastes, qui a donné l'impulsion à l'émergence de nombreuses tendances modernes. L'impressionnisme, malgré sa courte durée, a eu une influence significative sur l'art non seulement de la France, mais aussi d'autres pays : États-Unis, Allemagne (M. Lieberman), Belgique, Italie, Angleterre. En Russie, l'influence de l'impressionnisme a été ressentie par K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (le plus proche dans son esthétique des impressionnistes), le premier V. Serov, ainsi que I. Grabar. L'impressionnisme fut le dernier grand mouvement artistique en France au XIXe siècle, traçant la frontière entre l'art moderne et contemporain.

Selon M. Aplatov, « l'impressionnisme pur n'existait probablement pas. L'impressionnisme n'est pas une doctrine, il ne saurait avoir canonisé des formes... Les artistes impressionnistes français en ont l'un ou l'autre de ses traits à des degrés divers. Habituellement, le terme « impressionnisme » fait référence à un mouvement de la peinture, bien que ses idées aient trouvé leur incarnation dans d'autres formes d'art, par exemple dans la musique.

L'impressionnisme est avant tout l'art d'observer la réalité, de transmettre ou de créer une impression qui a atteint une sophistication sans précédent, un art dans lequel l'intrigue n'a pas d'importance. Il s’agit d’une nouvelle réalité artistique subjective. Les impressionnistes mettent en avant leurs propres principes de perception et de représentation du monde qui les entoure. Ils ont effacé la frontière entre les principaux sujets dignes art de haute qualité, et les matières secondaires.

Un principe important de l’impressionnisme était d’éviter la typicité. L'immédiateté et le look décontracté sont entrés dans l'art ; il semble que les tableaux impressionnistes aient été peints par un simple passant marchant sur les boulevards et profitant de la vie. Ce fut une révolution dans la vision.

L'esthétique de l'impressionnisme s'est développée en partie comme une tentative de se libérer de manière décisive des conventions de l'art classique, ainsi que du symbolisme persistant et de la profondeur de la peinture romantique tardive, qui suggérait de voir des significations cryptées dans tout ce qui nécessitait une interprétation minutieuse. L'impressionnisme affirme non seulement la beauté de la réalité quotidienne, mais donne également une signification artistique à la variabilité post-constante du monde environnant, au naturel des impressions spontanées, imprévisibles et aléatoires. Les impressionnistes s'efforcent de capturer son atmosphère colorée sans la détailler ni l'interpréter.

En tant que mouvement artistique, l’impressionnisme, notamment en peinture, a rapidement épuisé ses capacités. L'impressionnisme français classique était trop étroit et rares sont ceux qui restèrent fidèles à ses principes tout au long de leur vie. Au cours du développement de la méthode impressionniste, la subjectivité de la perception picturale a surmonté l'objectivité et s'est élevée à un niveau formel de plus en plus élevé, ouvrant la voie à tous les mouvements du post-impressionnisme, y compris le symbolisme de Gauguin et l'expressionnisme de Van Gogh. Mais, malgré le laps de temps étroit - seulement deux décennies, l'impressionnisme a amené l'art à un niveau fondamentalement différent, ayant un impact significatif sur tout : peinture moderne, la musique et la littérature, ainsi que le cinéma.

L'impressionnisme a introduit de nouveaux thèmes ; les œuvres d'un style mature se distinguent par une vitalité lumineuse et spontanée, la découverte de nouvelles possibilités artistiques de la couleur, l'esthétisation d'une nouvelle technique de peinture et la structure même de l'œuvre. Ce sont ces caractéristiques apparues dans l’impressionnisme qui se développent davantage dans le néo-impressionnisme et le post-impressionnisme. L'influence de l'impressionnisme en tant qu'approche de la réalité ou en tant que système de techniques d'expression s'est répandue dans presque toutes les écoles d'art du début du XXe siècle et est devenue le point de départ du développement d'un certain nombre de directions, dont l'abstraction. Quelques principes de l'impressionnisme - transfert mouvement instantané, fluidité de la forme - se manifestent à des degrés divers dans la sculpture des années 1910, chez E. Degas, Fr. Rodin, M. Golubkina. L'impressionnisme artistique a grandement enrichi les moyens d'expression en littérature (P. Verlaine), en musique (C. Debussy) et au théâtre.

2. L'impressionnisme en peinture

Au printemps 1874, un groupe de jeunes peintres, parmi lesquels Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cézanne et Berthe Morisot, négligent le Salon officiel et organisent leur propre exposition, devenant par la suite les figures centrales du nouveau mouvement. Elle s'est déroulée du 15 avril au 15 mai 1874 dans l'atelier du photographe Nadar à Paris, boulevard des Capucines. 30 artistes y étaient présentés, pour un total de 165 œuvres. Un tel acte en soi était révolutionnaire et rompait avec des fondements séculaires, mais les peintures de ces artistes semblaient à première vue encore plus hostiles à la tradition. Il a fallu des années avant que ces classiques de la peinture, reconnus plus tard, soient capables de convaincre le public non seulement de leur sincérité, mais aussi de leur talent. Tous ces artistes très différents étaient unis par une lutte commune contre le conservatisme et l’académisme dans l’art. Les impressionnistes organisent huit expositions, la dernière en 1886.

C'est lors de la première exposition en 1874 à Paris qu'apparaît le tableau d'un lever de soleil de Claude Monet. Il a attiré l'attention de tous principalement par son titre inhabituel : « Impression. Lever du soleil". Mais le tableau lui-même était inhabituel ; il traduisait ce jeu de couleurs et de lumière presque insaisissable et changeant. C'est le nom de ce tableau - "Impression" - grâce au ridicule d'un des journalistes, qui a jeté les bases de tout un mouvement de la peinture appelé impressionnisme (du mot français "impression" - impression).

En essayant d'exprimer le plus fidèlement possible leurs impressions immédiates sur les choses, les impressionnistes ont créé nouvelle méthode peinture. Son essence était de transmettre l'impression extérieure de lumière, d'ombre et de reflets sur la surface des objets avec des traits séparés de peinture pure, qui dissolvaient visuellement la forme dans l'environnement lumière-air environnant.

La plausibilité était sacrifiée à la perception personnelle : les impressionnistes pouvaient, selon leur vision, peindre le ciel en vert et l'herbe en bleu, les fruits de leurs natures mortes étaient méconnaissables, les figures humaines étaient vagues et sommaires. Ce qui était important n’était pas ce qui était représenté, mais plutôt « comment ». L'objet est devenu une raison pour résoudre des problèmes visuels.

La méthode créative de l’impressionnisme se caractérise par sa brièveté et son caractère sommaire. Après tout, seul un court croquis permettait d'enregistrer avec précision les différents états de la nature. Ce qui n'était auparavant autorisé que dans les croquis est désormais devenu caractéristique principale tableaux terminés. Les artistes impressionnistes ont tenté de toutes leurs forces de surmonter la nature statique de la peinture et de capturer pour toujours la beauté d'un instant éphémère. Ils ont commencé à utiliser des compositions asymétriques pour mieux mettre en valeur ceux qui les intéressaient personnages et des objets. Dans certaines techniques de construction impressionniste de la composition et de l'espace, l'influence de la passion pour son époque est perceptible - non pas l'antiquité comme auparavant, les gravures japonaises (des maîtres tels que Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) et en partie la photographie, ses gros plans et ses nouveaux points de vue.

Les impressionnistes ont également mis à jour leur palette de couleurs : ils ont abandonné les peintures et vernis sombres et terreux et ont appliqué des couleurs pures et spectrales sur la toile, presque sans les mélanger au préalable sur la palette. La noirceur conventionnelle et « muséale » de leurs toiles laisse place à un jeu d’ombres colorées.

Grâce à l'invention des tubes de peinture métalliques, prêts à l'emploi et portables, qui ont remplacé les anciennes peintures fabriquées à la main à partir d'huile et de pigments en poudre, les artistes ont pu quitter leurs ateliers pour travailler en plein air. Ils ont travaillé très rapidement, car le mouvement du soleil modifiait l'éclairage et la couleur du paysage. Parfois, ils versaient de la peinture sur la toile directement à partir du tube et produisaient des couleurs pures et scintillantes avec un effet de coup de pinceau. En plaçant un trait de peinture à côté d’un autre, ils laissaient souvent la surface des peintures rugueuse. Pour préserver la fraîcheur et la variété des couleurs naturelles de l'image, les impressionnistes ont créé un système de peinture qui se distingue par la décomposition de tons complexes en couleurs pures et l'interpénétration de traits séparés de couleur pure, comme s'ils se mélangeaient dans l'œil du spectateur, avec ombres colorées et perçues par le spectateur selon la loi des couleurs complémentaires.

En quête d'une immédiateté maximale dans la transmission du monde environnant, les impressionnistes, pour la première fois dans l'histoire de l'art, commencèrent à peindre principalement en plein air et soulevèrent l'importance des croquis d'après nature, qui remplaçaient presque type traditionnel des peintures créées avec soin et lentement en atelier. De par la méthode même de travail en plein air, le paysage, y compris le paysage urbain qu'ils découvrent, occupe une place très importante dans l'art des impressionnistes. Le thème principal pour eux était la lumière frémissante, l’air dans lequel les personnes et les objets semblaient plongés. Dans leurs peintures, on sentait le vent, la terre mouillée et chauffée par le soleil. Ils cherchaient à montrer l’étonnante richesse des couleurs de la nature.

Impressionnisme a introduit de nouveaux thèmes dans l'art - la vie quotidienne en ville, les paysages de rue et les divertissements. Sa gamme thématique et intrigue était très large. Dans leurs paysages, portraits et compositions à plusieurs figures, les artistes s'efforcent de préserver l'impartialité, la force et la fraîcheur de la « première impression », sans entrer dans les détails individuels, où le monde est un phénomène en constante évolution.

L'impressionnisme se distingue par sa vitalité lumineuse et immédiate. Il se caractérise par l'individualité et la valeur esthétique des peintures, leur caractère volontairement aléatoire et incomplet. En général, les œuvres des impressionnistes se distinguent par leur gaieté et leur passion pour la beauté sensuelle du monde.

L'impressionnisme est un mouvement artistique de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Le berceau de la nouvelle direction de la peinture est la France. Le naturel, les nouvelles méthodes de transmission de la réalité, les idées de style ont attiré des artistes d'Europe et d'Amérique.

L'impressionnisme s'est développé dans la peinture, la musique, la littérature, grâce à des maîtres célèbres - par exemple Claude Monet et Camille Pissarro. Techniques artistiques, utilisés pour la peinture, rendent les toiles reconnaissables et originales.

Impression

Le terme « impressionnisme » avait initialement une connotation désobligeante. Les critiques ont utilisé ce concept pour désigner la créativité des représentants du style. Le concept est apparu pour la première fois dans le magazine "Le Charivari" - dans un feuilleton sur le "Salon des Rejetés" "Exposition des Impressionnistes". La base était l'œuvre de Claude Monet « Impression. Soleil levant". Peu à peu, le terme s’implante chez les peintres et acquiert une connotation différente. L’essence du concept en soi n’a pas de signification ni de contenu spécifique. Les chercheurs notent que les méthodes utilisées par Claude Monet et d'autres impressionnistes ont eu lieu dans les œuvres de Velazquez et de Titien.

Aujourd'hui, l'impressionnisme est perçu comme un classique, mais à l'époque de sa formation, il constituait une véritable avancée révolutionnaire dans l'art. L'innovation et les idées dans ce sens ont complètement changé perception artistique art des XIXème et XXème siècles. UN impressionnisme moderne en peinture il hérite de principes déjà devenus canoniques et poursuit des recherches esthétiques dans la transmission des sensations, des émotions et de la lumière.

Conditions préalables

Il y a plusieurs raisons à l'émergence de l'impressionnisme, c'est tout un ensemble de prérequis qui ont conduit à une véritable révolution dans l'art. Dans le 19ème siècle Peinture française une crise se préparait, due au fait que la critique « officielle » ne voulait pas s'en apercevoir et laisser entrer dans les galeries diverses formes nouvelles. Par conséquent, la peinture impressionniste est devenue une sorte de protestation contre l'inertie et le conservatisme des normes généralement acceptées. Aussi, les origines de ce mouvement doivent être recherchées dans les tendances inhérentes à la Renaissance et associées aux tentatives de transmission de la réalité vivante. Artistes école vénitienne sont considérés comme les premiers ancêtres de l'impressionnisme, puis les Espagnols ont emprunté cette voie : El Greco, Goya, Velazquez, qui ont directement influencé Manet et Renoir. Le progrès technologique a également joué un rôle dans la formation de cette école. Ainsi, l’apparition de la photographie a donné naissance à nouvelle idée dans l’art, il s’agit de capturer des émotions et des sensations momentanées. C’est cette impression instantanée que les artistes du mouvement que nous envisageons s’efforcent de « capturer ». Le développement de l'école de plein air, fondée par des représentants de l'école de Barbizon, a également eu une influence sur cette tendance.

Histoire de l'impressionnisme

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, l'art français se développe situation critique. Représentants école classique ils n'acceptent pas les innovations des jeunes artistes et ne leur permettent pas d'assister au Salon, la seule exposition qui ouvre la voie aux clients. Un scandale éclate lorsque le jeune Edouard Manet présente son œuvre "Déjeuner sur l'herbe". Le tableau a suscité l'indignation de la critique et du public et il a été interdit à l'artiste de l'exposer. Manet participe donc au « Salon des Rejetés » aux côtés d’autres peintres qui n’étaient pas autorisés à participer à l’exposition. L'œuvre reçut un énorme écho et un cercle de jeunes artistes commença à se former autour de Manet. Ils se sont réunis dans un café et ont discuté des problèmes art contemporain, argumentait sur les nouvelles formes. Apparaît une société de peintres que l’on qualifiera d’impressionnistes d’après une œuvre de Claude Monet. Cette communauté comprenait Pissarro, Renoir, Cézanne, Monet, Basile, Degas. La première exposition d'artistes de ce mouvement eut lieu en 1874 à Paris et se solda, comme toutes les suivantes, par un échec. En réalité, l'impressionnisme en musique et en peinture ne couvre qu'une période de 12 ans, de la première exposition à la dernière, tenue en 1886. Plus tard, le mouvement commence à se désintégrer en de nouveaux mouvements et certains artistes meurent. Mais cette période entraîne une véritable révolution dans l’esprit des créateurs et du public.

Principes idéologiques

Contrairement à de nombreux autres mouvements, la peinture impressionniste n’était pas associée à des vues philosophiques profondes. L'idéologie de cette école était l'expérience momentanée, l'impression. Les artistes ne se sont pas fixés d'objectifs sociaux, ils ont cherché à transmettre la plénitude et la joie de vivre au quotidien. Ainsi, le système des genres de l'impressionnisme était généralement très traditionnel : paysages, portraits, natures mortes. Cette direction n'est pas une unification de personnes fondées sur des vues philosophiques, mais une communauté de personnes partageant les mêmes idées, dont chacune mène sa propre quête pour étudier la forme de l'être. L'impressionnisme réside précisément dans le caractère unique du regard sur les objets ordinaires ; il se concentre sur l'expérience individuelle.

Technique

Il est assez facile de reconnaître la peinture impressionniste par certains traits caractéristiques. Tout d’abord, il convient de rappeler que les artistes de ce mouvement étaient de fervents amateurs de couleurs. Ils abandonnent presque complètement le noir et le brun au profit d’une palette riche et lumineuse, souvent fortement décolorée. La technique impressionniste se caractérise par des traits courts. Ils s'efforcent de impression générale, et non à un dessin minutieux des détails. Les toiles sont dynamiques et intermittentes, ce qui correspond à la perception humaine. Les peintres s'efforcent de placer les couleurs sur la toile de manière à obtenir une intensité coloristique ou une proximité dans l'image ; ils ne mélangent pas les couleurs sur la palette. Les artistes travaillaient souvent en plein air, et cela se reflétait dans la technique, qui n'avait pas le temps de sécher les couches précédentes. Les peintures étaient appliquées côte à côte ou les unes sur les autres, et un matériau opaque était utilisé, ce qui permettait de créer l’effet d’une « lueur intérieure ».

Principaux représentants de la peinture française

Patrie cette direction C'est en France que l'impressionnisme est apparu pour la première fois en peinture. Les artistes de cette école vivaient à Paris dans la seconde moitié du XIXe siècle. Ils présentent leurs œuvres lors de 8 expositions impressionnistes et ces peintures deviennent des classiques du mouvement. Ce sont les Français Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot et d'autres qui sont les ancêtres du mouvement que nous envisageons. Le plus célèbre impressionniste, bien sûr, c'est Claude Monet, dont les œuvres incarnent pleinement toutes les caractéristiques de ce mouvement. En outre, le mouvement est à juste titre associé au nom d'Auguste Renoir, qui considérait que sa tâche artistique principale était de transmettre le jeu du soleil ; de plus, il était un maître du portrait sentimental. L'impressionnisme comprend également des artistes aussi remarquables que Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

L'impressionnisme dans d'autres pays

Peu à peu, cette tendance s'étend dans de nombreux pays, l'expérience française a été reprise avec succès dans d'autres. cultures nationales, même s'ils doivent parler davantage œuvres individuelles et techniques que sur la mise en œuvre cohérente des idées. La peinture allemande dans l'impressionnisme est représentée principalement par les noms de Lesser Ury, Max Liebermann, Lovis Corinth. Aux États-Unis, les idées ont été mises en œuvre par J. Whistler, en Espagne - par H. Sorolla, en Angleterre - par J. Sargent, en Suède - par A. Zorn.

L'impressionnisme en Russie

L'art russe du XIXe siècle était fortement influencé par la culture française, de sorte que les artistes nationaux ne pouvaient également éviter d'être emportés par le nouveau mouvement. L'impressionnisme russe en peinture est représenté de la manière la plus cohérente et la plus fructueuse dans les œuvres de Konstantin Korovin, ainsi que dans les œuvres d'Igor Grabar, Isaac Levitan, Valentin Serov. Les particularités de l'école russe étaient le caractère érudit des œuvres.

Qu’est-ce que l’impressionnisme en peinture ? Les artistes fondateurs cherchaient à capturer les impressions momentanées du contact avec la nature, et les créateurs russes essayaient également de transmettre une vision plus profonde, sens philosophique travaux.

L'impressionnisme aujourd'hui

Malgré le fait que près de 150 ans se sont écoulés depuis l'émergence du mouvement, l'impressionnisme moderne en peinture n'a pas perdu de sa pertinence aujourd'hui. Grâce à leur émotivité et leur facilité de perception, les peintures de ce style sont très populaires et même un succès commercial. C’est pourquoi de nombreux artistes à travers le monde travaillent dans ce sens. Ainsi, l’impressionnisme russe en peinture est présenté dans le nouveau musée moscovite du même nom. Des expositions d'auteurs contemporains, par exemple V. Koshlyakov, N. Bondarenko, B. Gladchenko et d'autres, y sont régulièrement organisées.

Chefs-d'œuvre

Amoureux modernes arts visuels L'impressionnisme en peinture est souvent appelé leur direction préférée. Les peintures des artistes de cette école sont vendues aux enchères à des prix incroyables et les collections des musées bénéficient d'une grande attention du public. Les principaux chefs-d'œuvre de l'impressionnisme sont considérés comme les tableaux de C. Monet « Les Nymphéas » et « Le Soleil levant », O. Renoir « Bal au Moulin de la Galette », C. Pissarro « Boulevard Montmartre la nuit » et « Pont Boildier à Rouen un jour de pluie », E. . Degas « Absinthe », même si cette liste peut être prolongée presque à l'infini.

Académie interrégionale de gestion du personnel

Institut Severodonetsk

Département d'enseignement général et des sciences humaines

Test sur les études culturelles

L'impressionnisme comme mouvement artistique

Complété:

étudiant en groupe

IN23-9-06 BUB (4. Od)

Shechenko Sergueï

Vérifié:

Ph.D., Assoc.

Smolina O.O.

Sévérodonetsk 2007

Introduction

4. Post-impressionnisme

Conclusion

Bibliographie

Applications

Introduction

Un phénomène important culture européenne seconde moitié du 19ème siècle était le style artistique de l'impressionnisme, qui s'est répandu non seulement dans la peinture, mais aussi dans la musique et fiction. Et pourtant, il est apparu en peinture. Impressionnisme (impressionnisme français, de impression - impression), un mouvement artistique du dernier tiers du XIXe - début du XXe siècle. Il se développe dans la peinture française à la fin des années 1860 et au début des années 1870. (le nom est né après l'exposition de 1874, au cours de laquelle fut exposé le tableau de C. Monet « Impression. Soleil levant »).

Les signes du style impressionniste sont l'absence d'une forme clairement définie et le désir de transmettre le sujet en traits fragmentaires qui capturent instantanément chaque impression, qui, cependant, ont révélé leur unité et leur connexion cachées lors de l'examen de l'ensemble. En tant que style particulier, l'impressionnisme, avec son principe de la valeur de la « première impression », permettait de conduire le récit à travers des détails qui étaient pour ainsi dire saisis au hasard, ce qui violait apparemment la stricte cohérence du plan narratif et du plan narratif. principe de sélection de l'essentiel, mais avec leur « vérité latérale » confèrent à l'histoire une luminosité et une fraîcheur extraordinaires.

Dans les arts temporaires, l’action se déroule dans le temps. La peinture semble pouvoir capturer un seul instant dans le temps. Contrairement au cinéma, il comporte toujours une « image ». Comment peut-il transmettre du mouvement ? L'une de ces tentatives pour capturer le monde réel dans sa mobilité et sa variabilité a été la tentative des créateurs d'un mouvement en peinture appelé impressionnisme (de l'impression française). Ce mouvement a rassemblé divers artistes dont chacun peut être caractérisé comme suit. Un impressionniste est un artiste qui transmet son impression directe de la nature, y voit la beauté de la variabilité et de l'impermanence et recrée la sensation visuelle de luminosité. lumière du soleil, jeux d'ombres colorées, utilisant une palette de couleurs pures et non mélangées, d'où le noir et le gris ont été bannis. La lumière du soleil ruisselle et la vapeur s’élève de la terre humide. L'eau, la fonte des neiges, la terre labourée, l'herbe qui se balance dans les prés n'ont pas de contours clairs et gelés. Le mouvement, qui était auparavant introduit dans le paysage comme une image de personnages en mouvement, résultant de l'action de forces naturelles - vent, nuages ​​chassant, arbres se balançant, est désormais remplacé par la paix. Mais cette paix de la matière inanimée est l'une des formes de son mouvement, qui est véhiculée par la texture même de la peinture - par des traits dynamiques Couleurs différentes, non contraint par les lignes rigides du dessin.

1. L'origine de l'impressionnisme et ses fondateurs

La formation de l'impressionnisme a commencé avec le tableau d'E. Manet (1832-1893) « Déjeuner sur l'herbe » (1863). Le nouveau style de peinture n'a pas été immédiatement accepté par le public, qui a accusé les artistes de ne pas savoir dessiner et de jeter sur la toile les peintures grattées de la palette. Ainsi, les cathédrales roses de Rouen de Monet, le meilleur de la série de peintures de l’artiste (« Matin », « Aux premiers rayons de soleil », « Après-midi »), semblaient invraisemblables aux spectateurs et aux autres artistes. L'artiste n'a pas cherché à représenter la cathédrale dans temps différent jour - il rivalisait avec les maîtres du gothique pour absorber le spectateur dans la contemplation d'effets magiques de couleurs et de lumière. La façade de la cathédrale de Rouen, comme la plupart des cathédrales gothiques, cache le spectacle mystique des vitraux aux couleurs vives de l'intérieur qui s'animent au soleil. L'éclairage à l'intérieur des cathédrales change selon le côté du soleil, par temps nuageux ou clair. Le mot « impressionnisme » doit son apparition à l’un des tableaux de Monet. Ce tableau était véritablement une expression extrême de l’innovation de la méthode picturale émergente et s’appelait « Lever de soleil au Havre ». Le compilateur du catalogue de peintures d'une des expositions a suggéré à l'artiste de l'appeler autrement, et Monet, en barrant « au Havre », a mis « impression ». Et plusieurs années après la parution de ses œuvres, ils écrivent que Monet « révèle une vie que personne avant lui n'était capable de comprendre, dont personne ne connaissait même l'existence ». Un esprit de naissance alarmant a commencé à être remarqué dans les peintures de Monet nouvelle ère. Ainsi, le « sérialisme » apparaît dans son œuvre comme un nouveau phénomène de la peinture. Et elle s'est concentrée sur le problème du temps. La peinture de l’artiste, comme indiqué, arrache une « image » de la vie, avec tout son caractère incomplet et incomplet. Et cela a donné une impulsion au développement de la série en se remplaçant séquentiellement. Outre les cathédrales de Rouen, Monet crée la série Gare Saint-Lazare, dans laquelle les tableaux s'articulent et se complètent. Cependant, il était impossible de combiner les « cadres » de la vie en une seule bande d'impressions en peinture. C’est devenu la tâche du cinéma. Les historiens du cinéma estiment que la raison de son émergence et de sa large diffusion n'était pas seulement les découvertes techniques, mais aussi le besoin artistique urgent d'une image en mouvement, et les peintures des impressionnistes, en particulier de Monet, sont devenues un symptôme de ce besoin. On sait que l’une des intrigues du premier spectacle cinématographique de l’histoire, organisé par les frères Lumière en 1895, était « L’arrivée d’un train ». Des locomotives à vapeur, une gare et des rails font l'objet d'une série de sept tableaux, "Gare Saint-Lazare" de Monet, exposés en 1877.

Pierre Auguste Renoir (1841-1919), avec C. Monet et A. Sisley, crée le noyau du mouvement impressionniste. Durant cette période, Renoir travaille au développement d'une peinture vibrante et colorée. style artistique avec un coup de pinceau plumeux (connu sous le nom de style irisé de Renoir) ; crée de nombreux nus sensuels (« Baigneuses »). Dans les années 80, il s’oriente de plus en plus vers la clarté classique des images dans son travail. Renoir aimait par-dessus tout peindre des images d'enfants et de jeunesse et des scènes paisibles. La vie parisienne("Fleurs", "Jeune homme se promenant avec des chiens dans la forêt de Fontainebleau", "Vase de fleurs", "Baignage dans la Seine", "Lisa au parapluie", "Dame dans un bateau", "Cavaliers dans le Bois de Boulogne", "Bal au Moulin de la Galette", "Portrait de Jeanne Samary" et bien d'autres). Son œuvre se caractérise par des paysages clairs et transparents, des portraits, glorifiant beauté sensuelle et la joie d'être. Mais Renoir avait la pensée suivante : « Depuis quarante ans, je vais vers la découverte que la reine de toutes les couleurs est la peinture noire. » Le nom Renoir est synonyme de beauté et de jeunesse de cette époque vie humaine quand fraîcheur spirituelle et épanouissement force physique sont en parfaite harmonie.

2. L'impressionnisme dans les œuvres de C. Pissarro, C. Monet, E. Degas, A. Toulouse-Lautrec

Camille Pissarro (1830-1903) - représentant de l'impressionnisme, auteur de paysages clairs et aux couleurs pures ("Terre labourée"). Ses peintures se caractérisent par une palette douce et sobre. DANS période tardive créativité tournée vers l'image de la ville - Rouen, Paris (Boulevard Montmartre, Opéra Passage à Paris). Dans la seconde moitié des années 80. influencé par le néo-impressionnisme. Cela fonctionnait également comme un horaire.

Claude Monet (1840-1926) est l'un des principaux représentants de l'impressionnisme, auteur de paysages aux couleurs subtiles, remplis de lumière et d'air. Dans les séries de toiles « Meules de foin » et « Cathédrale de Rouen », il a cherché à capturer les états fugaces et instantanés de l'environnement lumière-air à différents moments de la journée. Du nom du paysage Impression de Monet. Le soleil levant est apparu et le nom du mouvement est impressionnisme. Plus tard, des traits du décorativisme sont apparus dans les travaux de C. Monet.

L'écriture créative d'Edgar Degas (1834-1917) se caractérise par une observation d'une précision impeccable, le dessin le plus strict, des couleurs pétillantes et d'une beauté exquise. Il est devenu célèbre pour sa composition angulaire librement asymétrique, sa connaissance des expressions faciales, des poses et des gestes des gens. différents métiers, caractéristiques psychologiques précises : « Danseuses bleues », « Étoile », « Toilettes », « Repasseuses », « Repos des danseuses ». Degas est un merveilleux maître du portrait. Sous l'influence d'E. Manet il s'installe à genre de tous les jours, représentant la foule des rues parisiennes, les restaurants, les courses de chevaux, les danseuses de ballet, les blanchisseuses, la grossièreté des bourgeois suffisants. Si les œuvres de Manet sont lumineuses et gaies, chez Degas elles sont colorées de tristesse et de pessimisme.

L'œuvre d'Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) est également étroitement liée à l'impressionnisme. Il a travaillé à Paris, où il a peint des danseuses, des chanteuses de cabaret et des prostituées dans son propre style, distingué couleurs vives, audace de composition et technique brillante. Grand succès utilisé ses affiches lithographiques.

3. Impressionnisme dans la sculpture et la musique

Contemporain et allié des impressionnistes, le grand sculpteur français Auguste Rodin (1840-1917). Son art dramatique, passionné, héroïquement sublime glorifie la beauté et la noblesse de l'homme, il est imprégné d'impulsions émotionnelles (le groupe « Kiss », « Thinker », etc.) il se caractérise par le courage des quêtes réalistes, la vitalité des images , et une modélisation picturale énergétique. La sculpture a une forme fluide, acquérant un caractère apparemment inachevé, ce qui rend son œuvre similaire à l'impressionnisme et permet en même temps de créer l'impression de la naissance douloureuse de formes à partir de matière élémentaire amorphe. Le sculpteur combinait ces qualités avec un dessin dramatique et un désir de réflexion philosophique (« L'Âge de bronze", "Citoyens de Calais"). L'artiste Claude Monet l'a appelé le plus grand des grands. Rodin a écrit les mots : « La sculpture est l'art des dépressions et des convexités. »