Artistes japonais du XVIIIe siècle. La peinture japonaise est une forme d'art ancienne

A un très histoire riche; sa tradition est vaste, la position unique du Japon dans le monde influençant largement les styles et techniques dominants des artistes japonais. Fait connu Le fait que le Japon ait été assez isolé pendant des siècles est dû non seulement à la géographie, mais aussi à la propension culturelle japonaise dominante à l'isolement qui a marqué l'histoire du pays. Au cours des siècles de ce que l'on pourrait appeler la "civilisation japonaise", la culture et l'art se sont développés séparément de ceux du reste du monde. Et cela se remarque même dans la pratique de la peinture japonaise. Par exemple, les peintures Nihonga font partie des incontournables de la pratique picturale japonaise. Il est basé sur plus de mille ans de tradition, et les peintures sont généralement créées avec des pinceaux sur votre (papier japonais) ou egina (soie).

Cependant, l'art et la peinture japonais ont été influencés par des pratiques artistiques étrangères. C'était d'abord l'art chinois au XVIe siècle et art chinois et la tradition artistique chinoise, qui a été particulièrement influente à plusieurs égards. Dès le 17ème siècle peinture japonaiseégalement influencé par les traditions occidentales. En particulier, pendant la période d'avant-guerre, qui a duré de 1868 à 1945, la peinture japonaise a été influencée par l'impressionnisme et le romantisme européen. Dans le même temps, les nouveaux mouvements artistiques européens ont également été fortement influencés par les techniques artistiques japonaises. Dans l'histoire de l'art, cette influence est appelée "japonisme", et elle est particulièrement importante pour les impressionnistes, les cubistes et les artistes associés au modernisme.

La longue histoire de la peinture japonaise peut être considérée comme une synthèse de plusieurs traditions qui créent des éléments d'une esthétique japonaise reconnue. Tout d'abord, l'art et les méthodes de peinture bouddhistes, ainsi que la peinture religieuse, ont laissé une marque significative sur l'esthétique des peintures japonaises ; la peinture à l'eau de paysages dans la tradition de la peinture littéraire chinoise est un autre élément important reconnu dans de nombreuses peintures japonaises célèbres; la peinture d'animaux et de plantes, en particulier d'oiseaux et de fleurs, est quelque chose qui est communément associée aux compositions japonaises, tout comme les paysages et les scènes de la vie quotidienne. Enfin, les idées anciennes sur la beauté issues de la philosophie et de la culture du Japon ancien ont eu une grande influence sur la peinture japonaise. Wabi, qui signifie beauté éphémère et dure, sabi (beauté de la patine naturelle et du vieillissement) et yugen (grâce et subtilité profondes) influencent toujours les idéaux dans la pratique de la peinture japonaise.

Enfin, si l'on se concentre sur la sélection des dix chefs-d'œuvre japonais les plus célèbres, il faut mentionner l'ukiyo-e, qui est l'un des genres artistiques les plus populaires au Japon, même s'il appartient à la gravure. Il a dominé dans art japonais du XVIIe au XIXe siècle, avec des artistes appartenant à ce genre produisant des gravures sur bois et des peintures de sujets tels que de belles filles, des acteurs de kabuki et des lutteurs de sumo, ainsi que des scènes d'histoire et contes populaires, scènes et paysages de voyage, flore et faune et même érotisme.

C'est toujours difficile de faire une liste les meilleures photos des traditions artistiques. De nombreuses œuvres étonnantes seront exclues; cependant, cette liste comprend dix des peintures japonaises les plus reconnaissables au monde. Cet article ne présentera que des peintures créées du XIXe siècle à nos jours.

La peinture japonaise a une histoire extrêmement riche. Depuis des siècles Artistes japonais développé un grand nombre de techniques uniques et les styles, qui sont la contribution la plus précieuse du Japon au monde de l'art. L'une de ces techniques est le sumi-e. Sumi-e signifie littéralement "dessin à l'encre", combinant la calligraphie et la peinture à l'encre pour créer une rare beauté de compositions peintes au pinceau. Cette beauté est paradoxale - ancienne mais moderne, simple mais complexe, audacieuse mais discrète, reflétant sans aucun doute la base spirituelle de l'art dans le bouddhisme zen. Les prêtres bouddhistes ont apporté le bloc d'encre dure et le pinceau en bambou au Japon depuis la Chine au VIe siècle, et au cours des 14 derniers siècles, le Japon a développé un riche héritage de peinture à l'encre.

Faites défiler vers le bas et découvrez 10 chefs-d'œuvre de la peinture japonaise

1. Katsushika Hokusai "Rêve de la femme du pêcheur"

L'une des peintures japonaises les plus reconnaissables est Le Rêve de la femme du pêcheur. Il a été peint en 1814 par le célèbre artiste Hokusai. Selon des définitions strictes, ce travail incroyable Hokusai ne peut pas être considéré comme une peinture, car il s'agit d'une gravure sur bois ukiyo-e de Young Pines (Kinoe no Komatsu), qui est un livre shunga en trois volumes. La composition représente un jeune plongeur ama enlacé sexuellement avec une paire de pieuvres. Cette image a été très influente aux XIXe et XXe siècles. L'œuvre a influencé des artistes ultérieurs tels que Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf et Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro écrit un poème nostalgique en regardant la lune"

Tessai Tomioka est le pseudonyme d'un célèbre artiste et calligraphe japonais. Il est considéré comme le dernier artiste majeur de la tradition Bunjing et l'un des premiers artistes majeurs du style Nihonga. Bunjinga était une école de peinture japonaise qui a prospéré à la fin de la période Edo parmi des artistes qui se considéraient comme des lettrés ou des intellectuels. Chacun de ces artistes, dont Tessaia, a développé sa propre propre style et de la technologie, mais ils étaient tous de grands fans de l'art et de la culture chinoise.

3. Fujishima Takeji "Lever de soleil sur la mer de l'Est"

Fujishima Takeji était un artiste japonais connu pour son travail dans le développement du romantisme et de l'impressionnisme dans le mouvement artistique Yoga (style occidental) en fin XIX- le début du XXe siècle. En 1905, il se rend en France, où il est influencé par les mouvements français de l'époque, en particulier l'impressionnisme, comme en témoigne son tableau de 1932 Lever de soleil sur la mer de l'Est.

4. Kitagawa Utamaro "Dix types de visages féminins, une collection de beautés dominantes"

Kitagawa Utamaro était un éminent artiste japonais né en 1753 et mort en 1806. Il est de loin le plus connu pour une série intitulée The Ten Types visages féminins. Collection de beautés dirigeantes, thèmes Grand amour Poésie classique" (parfois appelée "Femmes amoureuses", contenant des gravures séparées "Amour nu" et "Amour pensif"). Il est l'un des artistes les plus importants du genre de la gravure sur bois ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai "Tigre"

Kawanabe Kyosai était l'un des artistes japonais les plus célèbres de la période Edo. Son art a été influencé par Tohaku, un peintre Kano du XVIe siècle qui était le seul peintre de son temps à peindre des paravents entièrement à l'encre sur un fond délicat d'or poudré. Bien que Kyosai soit connu comme dessinateur, il a écrit quelques-uns des plus des peintures célèbres dans Histoire du Japon Art XIX siècle. "Tiger" est l'une de ces peintures que Kyosai a utilisées pour créer de l'aquarelle et de l'encre.

6. Hiroshi Yoshida Fuji du lac Kawaguchi

Hiroshi Yoshida est connu comme l'une des figures majeures du style shin-hanga (le shin-hanga est un mouvement artistique au Japon du début du XXe siècle, durant les périodes Taisho et Showa, qui a relancé l'art traditionnel de l'ukiyo-e , qui a pris racine dans les périodes Edo et Meiji (XVII - XIX siècles)). Il a été formé dans la tradition de la peinture à l'huile occidentale, qui a été adoptée au Japon pendant la période Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami est probablement l'artiste japonais le plus populaire de notre époque. Son travail se vend à des prix astronomiques à grandes enchères, et la créativité inspire déjà de nouvelles générations d'artistes non seulement au Japon, mais aussi à l'étranger. L'art de Murakami comprend une gamme de médiums et est généralement décrit comme super plat. Son travail est connu pour son utilisation de la couleur, incorporant des motifs de la culture traditionnelle et populaire japonaise. Le contenu de ses peintures est souvent décrit comme « mignon », « psychédélique » ou « satirique ».

8. Yayoi Kusama "Citrouille"

Yaoi Kusama est également l'un des artistes japonais les plus célèbres. Elle travaille dans une variété de médiums, y compris la peinture, le collage, la sculpture scat, l'art de la performance, l'art environnemental et l'installation, dont la plupart démontrent son intérêt thématique pour la couleur psychédélique, la répétition et le motif. L'une des séries les plus célèbres de ce grand artiste est la série Pumpkin. Une courge régulière à pois jaune vif est représentée contre un filet. Ensemble, tous ces éléments forment un langage visuel qui ne peut être confondu avec le style de l'artiste, et qui a été développé et affiné au cours de décennies de fabrication et de reproduction minutieuses.

9. Tenmyoya Hisashi "L'esprit japonais #14"

Tenmyoya Hisashi est un artiste japonais contemporain connu pour ses peintures néo-nihonga. Il participe au renouveau de la vieille tradition de la peinture japonaise, qui est l'exact opposé de la peinture japonaise moderne. En 2000, il crée également son nouveau style, butouha, qui démontre une attitude forte envers l'autorité. système artistiqueà travers ses peintures. "Japanese Spirit No. 14" a été créé dans le cadre de schéma artistique« BASARA », interprété dans la culture japonaise comme le comportement rebelle de la basse aristocratie durant la période des Royaumes combattants, afin de priver les autorités de la capacité de rechercher image parfaite vie, s'habillant de vêtements pompeux et luxueux et agissant de leur plein gré, ce qui ne correspondait pas à leur classe sociale.

10. Katsushika Hokusai "La grande vague au large de Kanagawa"

Enfin, La Grande Vague de Kanagawa est probablement la peinture japonaise la plus reconnaissable jamais peinte. C'est en fait l'œuvre d'art la plus célèbre créée au Japon. Il représente d'énormes vagues menaçant des bateaux au large de la préfecture de Kanagawa. Bien que parfois confondue avec un tsunami, la vague, comme le nom du tableau l'indique, a très probablement simplement une hauteur anormalement élevée. La peinture est réalisée dans la tradition ukiyo-e.

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Un commentaire:

La peinture classique japonaise a une longue et histoire intéressante. Les beaux-arts du Japon sont présentés dans différents styles et genres, chacun étant unique à sa manière. Les anciennes figurines peintes et les motifs géométriques trouvés sur les cloches en bronze dotaku et les tessons de poterie remontent à 300 après JC.

Orientation bouddhiste de l'art

Au Japon, l'art de la peinture murale était assez bien développé ; au 6ème siècle, les images sur la philosophie du bouddhisme étaient particulièrement populaires. A cette époque, de grands temples étaient construits dans le pays, et leurs murs étaient partout décorés de fresques peintes selon les trames des mythes et légendes bouddhiques. Jusqu'à présent, d'anciens échantillons de peintures murales ont été conservés dans le temple Horyuji près de la ville japonaise de Nara. Les fresques d'Horyuji représentent des scènes de la vie du Bouddha et d'autres dieux. Le style artistique de ces fresques est très proche du concept pictural populaire en Chine sous la dynastie Song.

Style scénique de la dynastie Tang acquis popularité particulière au milieu de la période Nara. Les fresques trouvées dans la tombe de Takamatsuzuka appartiennent à cette période et sont datées d'environ le 7ème siècle après JC. La technique artistique, qui s'est formée sous l'influence de la dynastie Tang, a ensuite formé la base du genre de peinture kara-e. Ce genre a conservé sa popularité jusqu'à l'apparition des premières œuvres dans le style yamato-e. La plupart des fresques et des chefs-d'œuvre picturaux sont d'auteurs inconnus, aujourd'hui de nombreuses œuvres de cette période sont conservées dans le trésor de Sesoin.

L'influence croissante des nouvelles écoles bouddhistes, telles que les Tendai, a influencé une large orientation religieuse. arts visuels Le Japon aux VIIIe et IXe siècles. Au Xe siècle, durant lequel le bouddhisme japonais se développe particulièrement, apparaît le genre des raigozu, "peintures de bienvenue", représentant l'arrivée du Bouddha au Paradis occidental. Les premiers exemples de raigōzu datant de 1053 peuvent être vus au temple Bedo-in, qui est conservé dans la ville d'Uji, préfecture de Kyoto.

Changer de style

Au milieu de la période Heian pour remplacer style chinois kara-e vient le genre yamato-e, qui devient pendant longtemps l'un des genres les plus populaires et les plus recherchés de la peinture japonaise. Le nouveau style pictural s'applique principalement aux paravents et aux portes coulissantes. Au fil du temps, le yamato-e est passé aux rouleaux horizontaux d'emakimono. Les artistes qui ont travaillé dans le genre emaki ont essayé de transmettre dans leurs œuvres toute l'émotivité de l'intrigue choisie. Le rouleau Genji monogatari se composait de plusieurs épisodes reliés entre eux, les artistes de l'époque utilisaient des traits rapides et des couleurs vives et expressives.

E-maki est l'un des exemples les plus anciens et les plus importants d'otoko-e, un genre de peinture. portraits masculins. Portraits de femmes distingué comme un genre distinct d'onna-e. Entre ces genres, en effet, ainsi qu'entre les hommes et les femmes, il existe des différences assez importantes. Le style onna-e est présenté de manière colorée dans la conception du Conte de Genji, où les thèmes principaux des dessins sont des intrigues romantiques, des scènes de la vie de cour. Style homme otoko-e est principalement image artistique batailles historiques et d'autres événements importants dans la vie de l'empire.

L'école d'art classique japonaise est devenue un terrain fertile pour le développement et la promotion des idées. art contemporain Le Japon, qui montre clairement l'influence de la culture pop et de l'anime. L'un des artistes japonais contemporains les plus célèbres peut s'appeler Takashi Murakami, dont le travail est dédié à la représentation de scènes de la vie japonaise dans la période d'après-guerre et au concept de la fusion maximale des beaux-arts et du courant dominant.

D'artistes japonais célèbres école classique les suivants peuvent être nommés.

Shubun tendu

Shubun a travaillé au début du XVe siècle, consacrant beaucoup de temps à l'étude des œuvres des maîtres chinois de l'époque de la dynastie Song, cet homme était aux origines de la beau genre. Shubun est considéré comme le fondateur du sumi-e, la peinture à l'encre monochrome. Il a fait beaucoup d'efforts pour populariser le nouveau genre, le transformant en l'une des principales tendances de la peinture japonaise. Les étudiants de Shubun étaient de nombreux artistes qui devinrent plus tard célèbres, dont Sesshu et le fondateur de la célèbre école d'art Kano Masanobu. De nombreux paysages ont été attribués à Shubun, mais son œuvre la plus célèbre est traditionnellement considérée comme Reading in a Bamboo Grove.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin est l'un des artistes majeurs dans l'histoire de la peinture japonaise, le fondateur et l'un des plus brillants représentants style artistique Rimpa. Korin dans ses œuvres s'est audacieusement écarté des stéréotypes traditionnels, ayant formé son propre style, dont les principales caractéristiques étaient de petites formes et un impressionnisme vif de l'intrigue. Korin est connu pour son habileté particulière à représenter la nature et à travailler avec des compositions de couleurs abstraites. "Fleur de prunier rouge et blanche" est l'une des plus oeuvres célébres Ogata Korina, ses peintures "Chrysanthemums", "Waves of Matsushima" et un certain nombre d'autres sont également connues.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku est le fondateur de l'école d'art japonaise Hasegawa. Pour période au début L'œuvre de Tohaku se caractérise par l'influence de la célèbre école de peinture japonaise Kano, mais au fil du temps, l'artiste a formé son propre style unique. À bien des égards, le travail de Tohaku a été influencé par le travail du maître reconnu Sesshu, Hosegawa se considérait même comme le cinquième successeur de ce grand maître. Le tableau "Pins" de Hasegawa Tohaku reçu renommée mondiale, ses œuvres «Érable», «Pins et plantes à fleurs» et autres sont également connues.

Kano Eitoku (1543-1590)

Le style de l'école de Kano a dominé les beaux-arts du Japon pendant environ quatre siècles, et Kano Eitoku est peut-être l'un des plus célèbres et des représentants éminents cette école d'art. Eitoku était favorisé par les autorités, le patronage d'aristocrates et de riches mécènes ne pouvait que contribuer au renforcement de son école et à la popularité de cette œuvre, sans doute très artiste talentueux. Le paravent coulissant à huit panneaux "Cypress", peint par Eitoku Kano, est un véritable chef-d'œuvre et un excellent exemple l'étendue et la puissance du style Monoyama. D'autres œuvres du maître ne sont pas moins intéressantes, telles que «Oiseaux et arbres des quatre saisons», « Lions chinois”,“ Ermites et Fée ”et bien d'autres.

Katsushika Hokusaï (1760-1849)

Hokusai est le plus grand maître du genre ukiyo-e (gravure sur bois japonaise). Le travail de Hokusai a reçu une reconnaissance mondiale, sa renommée dans d'autres pays n'est pas comparable à la popularité de la plupart des artistes asiatiques, son travail "La grande vague de Kanagawa" est devenu quelque chose comme carte de visite Les beaux-arts japonais sur la scène artistique mondiale. Me débrouiller tout seul manière créative Hokusai a utilisé plus de trente pseudonymes, après soixante l'artiste s'est entièrement consacré à l'art, et c'est cette période qui est considérée comme la période la plus fructueuse de son travail. Le travail de Hokusai a influencé le travail des maîtres impressionnistes et postimpressionnistes occidentaux, y compris le travail de Renoir, Monet et van Gogh.

La peinture japonaise est la forme d'art la plus ancienne. Il comprend diverses formes, genres et contenus divers.

peinture japonaise est la plus ancienne forme d'art. Il comprend diverses formes, genres et contenus divers. L'art élégant présente le monde avec des images qui sont des écrans, des peintures murales, des rouleaux de soie ou de papier, des éventails, peintures de chevalet et gravures.

La peinture japonaise se distingue par une grande variété de genres et de styles. La première place dans la peinture japonaise, ainsi que dans la littérature, est occupée par la nature. Elle est présentée comme la gardienne du principe divin. La peinture japonaise trouve son origine dans l'art chinois, ses genres sont donc très proches de ceux du Céleste Empire. De nos jours, de nombreux artistes japonais préfèrent étudier en Chine.

Peindre au Japon a plusieurs étapes dans son histoire. Chacun d'eux a ses propres caractéristiques et particularités.

Le stade initial de développement est considéré comme la période allant du milieu du VIIe siècle à la fin du VIIIe siècle, appelée Nara. Durant cette période, le temple Horyuji a été peint, c'est un excellent témoignage de l'influence sur culture japonaise Traditions indiennes et chinoises.

La période suivante du développement de la peinture japonaise s'appelle heian. Il est célèbre pour l'épanouissement actif de la peinture des temples et des exemples d'art de l'image profane. Au cours de cette période, des illustrations ont été créées pour des romans et des histoires destinées à divertir les nobles messieurs.

Point final Kamakura(occupe une période allant de la fin du XIIe siècle à la première moitié du XIVe siècle), qui occupait la période allant de la fin du XIIe siècle à la première moitié du XIVe siècle, se caractérise par un changement de style , la recherche de nouvelles manières de représenter la vie. L'ambiance de la peinture japonaise change radicalement. Auparavant, les peintures véhiculaient une atmosphère optimiste, légère et joyeuse. Au cours de cette période, un grand pas a été franchi vers une image réaliste, tout en donnant à l'image un caractère presque militaire. Sujets caractéristiques de la peinture - scènes de bataille des mythes et de l'histoire, des scènes religieuses Tradition bouddhiste. L'image des portraits d'hommes d'État importants est répandue.

Pendant la période Muromachi(la période allant de la première moitié du XIVe siècle à la seconde moitié du XVIe siècle), la tendance qui a glorifié la peinture japonaise dans le monde entier est mise en avant. La philosophie du bouddhisme zen a eu une influence significative sur la peinture, ce qui a permis à l'art du paysage de gagner en popularité. La technique monochrome a reçu une élégance particulière. Durant cette période, la peinture japonaise est influencée par la Chine. Le plus connu artiste japonais A cette époque, Toyo Oda, spécialisé dans la peinture de paysages, crée les premières toiles lors de ses voyages dans l'Empire du Milieu. Il a développé la direction déjà à la maison.

La tendance ci-dessus a été activement développée et complétée au cours des deux périodes suivantes dans le développement de la peinture japonaise - Monoyama Et edo. La technique monochrome était une option plus sophistiquée. Soigneusement travaillé et peint les détails. Les artistes n'avaient pas peur des expériences et ont commencé à appliquer les techniques utilisées auparavant dans la peinture sur rouleaux et écrans, en peinture murale. Les paysages et les scènes de foule ont commencé à être complétés par des histoires psychologiques qui montrent le héros à un moment fort stress émotionnel. En plus de la peinture traditionnelle au Japon, la gravure sur bois s'est activement répandue. Elle se divise en deux types : la gravure théâtrale et la gravure d'écriture courante. Le maître le plus célèbre des estampes théâtrales est Choshusai Syaraku. La gravure de la vie quotidienne a été activement développée dans les travaux de Suzuki Harunobu et Kitagawa Utamaro.

Il est peu probable que Yayoi Kusama soit en mesure de répondre à ce qui a constitué la base de sa carrière d'artiste. Elle a 87 ans, son art est reconnu dans le monde entier. De grandes expositions de son travail auront bientôt lieu aux États-Unis et au Japon, mais elle n'a pas encore tout dit au monde. « C'est toujours en route. Je vais créer cela à l'avenir", déclare Kusama. Elle est appelée l'artiste la plus titrée du Japon. De plus, elle est l'artiste vivante la plus chère : en 2014, son tableau "White No. 28" a été vendu 7,1 millions de dollars.

Kusama vit à Tokyo et est volontairement interné dans un hôpital psychiatrique depuis près de quarante ans. Une fois par jour, elle quitte ses murs pour peindre. Elle se lève à trois heures du matin, incapable de dormir et voulant faire bon usage de son temps au travail. "Maintenant, je suis vieux, mais je vais encore créer plus de travaux et le meilleur travail. Plus que je ne l'ai fait dans le passé. J'ai l'esprit plein d'images », dit-elle.

(Total 17 photos)

Yayoi Kusama lors d'une exposition de son travail à Londres en 1985. Photo : NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

De neuf à six heures, Kusama travaille dans son studio de trois étages sans se lever de fauteuil roulant. Elle peut marcher mais elle est trop faible. Une femme travaille sur une toile disposée sur des tables ou fixée au sol. L'atelier regorge de nouvelles peintures, d'œuvres lumineuses parsemées de petites taches. L'artiste appelle cela "l'auto-silence" - une répétition sans fin qui étouffe le bruit dans sa tête.

Avant les Praemium Imperiale Art Awards 2006 à Tokyo. Photo : Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

De l'autre côté de la route s'ouvrira bientôt nouvelle galerie, et un autre musée de son art est en construction au nord de Tokyo. De plus, deux grandes expositions de son travail s'ouvrent. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, une rétrospective de ses 65 ans de carrière, a ouvert ses portes au Hirshhorn Museum de Washington le 23 février et se poursuivra jusqu'au 14 mai, après quoi elle se rendra à Seattle, Los Angeles, Toronto et Cleveland. L'exposition comprend 60 peintures de Kusama.

Ses pois couvrent tout, des robes Louis Vuitton aux bus en elle ville natale. Le travail de Kusama est régulièrement vendu pour des millions de dollars et se retrouve partout dans le monde - de New York à Amsterdam. Les expositions d'œuvres de l'artiste japonais sont si populaires que des mesures sont nécessaires pour prévenir les bousculades et les émeutes. Par exemple, dans l'exposition Hirschhorn, les billets sont vendus pendant un certain temps afin de réguler en quelque sorte le flux de visiteurs.

Présentation du design conjoint de Louis Vuitton et Yayoi Kusama à New York en 2012. Photo : Agence Billy Farrell/REX/Shutterstock

Mais Kusama a encore besoin d'une approbation extérieure. Lorsqu'on lui a demandé dans une interview si elle avait atteint son objectif de devenir riche et célèbre il y a des décennies, elle a déclaré avec surprise: «Quand j'étais petite, il m'était très difficile de convaincre ma mère que je voulais devenir artiste. Est-ce vraiment vrai que je suis riche et célèbre ?"

Kusama est né à Matsumoto, dans les montagnes du centre du Japon, en 1929 dans une famille riche et conservatrice qui vendait des plants. Mais ce n'était pas un foyer heureux. Sa mère méprisait son mari infidèle et envoya le petit Kusama pour l'espionner. La fille a vu son père avec d'autres femmes, ce qui lui a causé une aversion pour le sexe toute sa vie.

Vitrine Louis Vuitton dessinée par Kusama en 2012. Photo : Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Enfant, elle a commencé à avoir des hallucinations visuelles et auditives. La première fois qu'elle a vu une citrouille, elle a imaginé qu'elle lui parlait. La future artiste a fait face à des visions en créant des motifs répétitifs pour noyer les pensées dans sa tête. Même dans un tel jeune âge l'art est devenu pour elle une sorte de thérapie, qu'elle appellera plus tard "médecine de l'art".

Œuvre de Yayoi Kusama exposée au Whitney Museum of Modern Art en 2012. Photo : Agence Billy Farrell/REX/Shutterstock

La mère de Kusama était fermement opposée au désir de sa fille de devenir artiste et a insisté pour que la fille suive la voie traditionnelle. « Elle ne me laissait pas dessiner. Elle voulait que je me marie", a déclaré l'artiste dans une interview. Elle a jeté mon travail. Je voulais me jeter sous un train. Chaque jour, je me battais avec ma mère, et donc mon esprit était endommagé.

En 1948, après la fin de la guerre, Kusama se rend à Kyoto pour étudier la peinture traditionnelle japonaise nihonga avec des règles strictes. Elle détestait cette forme d'art.

L'une des pièces de l'exposition de Yayoi Kusama au Whitney Museum of Modern Art en 2012. Photo : Agence Billy Farrell/REX/Shutterstock

Lorsque Kusama vivait à Matsumoto, elle a trouvé un livre de Georgia O'Keeffe et a été émerveillée par ses peintures. La jeune fille s'est rendue à l'ambassade américaine à Tokyo pour trouver un article sur O'Keeffe dans l'annuaire et connaître son adresse. Kusama lui a écrit une lettre et envoyé quelques dessins, et à sa grande surprise, l'artiste américain lui a répondu.

« Je n'arrivais pas à croire ma chance ! Elle était si gentille qu'elle a répondu à l'explosion soudaine des sentiments d'un modeste filles japonaises, qu'elle n'avait jamais rencontré ni même entendu parler de sa vie », a écrit l'artiste dans son autobiographie, Infinity Net.

Yayoi Kusama dans une vitrine qu'elle a conçue pour Louis Vuitton à New York en 2012. Photo : Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Malgré les avertissements d'O'Keeffe selon lesquels les jeunes artistes américains traversent une période difficile, sans parler des jeunes filles célibataires du Japon, Kusama était imparable. En 1957, elle réussit à obtenir un passeport et un visa. Elle a cousu des dollars dans ses robes pour contourner les contrôles de change stricts d'après-guerre.

La première étape était Seattle, où elle a organisé une exposition dans une petite galerie. Puis Kusama est allée à New York, où elle a été amèrement déçue. "Contrairement au Matsumoto d'après-guerre, New York était à tous points de vue un endroit maléfique et violent. Pour moi, c'était trop stressant et je me suis vite embourbé dans la névrose. Pour aggraver les choses, Kusama s'est retrouvée dans une pauvreté totale. Une vieille porte lui servait de lit, et elle pêchait des têtes de poisson et des légumes pourris dans les poubelles pour en faire de la soupe.

Installation Infinity Mirror Room - Love Forever ("Chambre aux miroirs de l'infini - amour pour toujours"). Photo : Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Cette situation difficile a incité Kusama à s'immerger encore plus dans son travail. Elle a commencé à créer ses premières peintures de la série Infinity Web, recouvrant d'immenses toiles (l'une d'elles atteignait 10 mètres de haut) avec des vagues fascinantes de petites boucles qui semblaient sans fin. L'artiste elle-même les décrit ainsi : « Des filets blancs enveloppant les points noirs de la mort silencieuse sur fond d'obscurité désespérée du néant.

Installation de Yayoi Kusama lors de l'inauguration du nouveau bâtiment du Garage Museum of Contemporary Art au Gorky Central Park of Culture and Culture à Moscou en 2015. Photo : David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Cette répétition obsessionnelle-compulsive a aidé à chasser la névrose, mais elle n'a pas toujours sauvé. Kusama a constamment souffert d'épisodes de psychose et s'est retrouvé dans un hôpital de New York. Ambitieuse et déterminée, et assumant avec bonheur le rôle d'une femme asiatique exotique dans un kimono, elle a rejoint la foule de personnes influentes dans le domaine des arts et a interagi avec des artistes établis tels que Mark Rothko et Andy Warhol. Kusama a déclaré plus tard que Warhol avait imité son travail.

Kusama a rapidement acquis une certaine renommée et a exposé dans des galeries bondées. De plus, la notoriété de l'artiste est devenue scandaleuse.

Dans les années 1960, alors que Kusama était obsédée par le motif à pois, elle a commencé à organiser des événements à New York : elle a incité les gens à se déshabiller dans des endroits comme parc central et le pont de Brooklyn, et ont peint leurs corps avec des pois.

Aperçu sur Exposition Art Bâle à Hong Kong en 2013. Photo : Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Des décennies avant l'émergence du mouvement Occupy Wall Street, Kusama a organisé un événement dans le quartier financier de New York, affirmant qu'elle voulait "détruire les hommes de Wall Street à pois". À peu près à la même époque, elle a commencé à couvrir divers objets - une chaise, un bateau, une voiture - avec des renflements d'apparence phallique. "J'ai commencé à faire des pénis pour guérir mon aversion sexuelle", a écrit l'artiste, décrivant comment cela processus créatif a progressivement transformé le terrible en quelque chose de familier.

Installation Passing Winter à la Tate Gallery de Londres. Photo : James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama n'a jamais été mariée, bien qu'en vivant à New York, elle ait eu une relation de type mariage avec l'artiste Joseph Cornell pendant dix ans. "Je n'aimais pas le sexe, et il était impuissant, donc nous étions très bons l'un pour l'autre", a-t-elle déclaré dans une interview à Art Magazine.

Kusama est devenue de plus en plus célèbre pour ses bouffonneries : elle a proposé de coucher avec le président américain Richard Nixon s'il mettait fin à la guerre du Vietnam. "Décorons-nous les uns les autres de pois", lui écrit-elle dans une lettre. L'intérêt direct pour son art s'est estompé, elle est tombée en disgrâce et les problèmes d'argent ont recommencé.

Yayoi Kusama lors d'une rétrospective de son travail au Whitney Museum of Modern Art de New York en 2012. Photo : Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

La nouvelle des escapades de Kusama a atteint le Japon. Elle a commencé à être qualifiée de "catastrophe nationale" et sa mère a déclaré qu'il valait mieux que sa fille meure d'une maladie dans son enfance. Au début des années 1970, un Kusama appauvri et raté est retourné au Japon. Elle a été inscrite dans un hôpital psychiatrique, où elle vit toujours, et a sombré dans l'obscurité artistique.

En 1989, le Center for Contemporary Art de New York organise une rétrospective de son travail. Ce fut le début d'un lent mais regain d'intérêt pour l'art de Kusama. Elle a rempli une salle de miroir de citrouilles pour une installation qui a été présentée à la Biennale de Venise en 1993, et en 1998 a eu une exposition majeure au MoMa Museum of Modern Art à New York. C'est ici qu'elle a organisé une fois un happening.

À l'exposition My Eternal Soul au National Art Center de Tokyo, février 2017. Photo : Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Au cours des dernières années, Yayoi Kusama est devenu un phénomène international. Galerie contemporaine La Tate de Londres et le Whitney Museum de New York ont ​​organisé de grandes rétrospectives qui ont attiré des foules immenses et ont rendu son motif à pois emblématique très reconnaissable.

À l'exposition My Eternal Soul au National Art Center de Tokyo, février 2017. Photo : Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

L'artiste ne va pas arrêter de travailler, mais elle a commencé à penser à sa mortalité. « Je ne sais pas combien de temps je peux survivre même après la mort. Il y a une génération future qui suit mes traces. Ce sera un honneur pour moi si les gens aiment regarder mon travail et s'ils sont touchés par mon art.

À l'exposition My Eternal Soul au National Art Center de Tokyo, février 2017. Photo : Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Malgré la commercialisation de son art, Kusama réfléchit à la tombe de Matsumoto - et non au caveau familial, dont elle a déjà hérité de ses parents - et comment ne pas en faire un sanctuaire. « Mais je ne suis pas encore en train de mourir. Je pense que je vivrai encore 20 ans », dit-elle.

À l'exposition My Eternal Soul au National Art Center de Tokyo, février 2017. Photo : Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Qui couvre de nombreuses techniques et styles. Tout au long de son histoire, il a subi un grand nombre de changements. De nouvelles traditions et genres ont été ajoutés, et les principes japonais originaux sont restés. Ainsi que histoire incroyable La peinture japonaise est également prête à présenter de nombreux faits uniques et intéressants.

Japon ancien

Les premiers styles apparaissent dans les plus anciens période historique pays avant JC. e. À l'époque, l'art était assez primitif. Tout d'abord, en 300 av. e., il y avait divers figures géométriques qui ont été faites sur la poterie avec des bâtons. Une telle découverte par les archéologues comme ornement sur des cloches en bronze appartient à une époque ultérieure.

Un peu plus tard, déjà en 300 après JC. e., apparaissent dessins rupestres, qui sont beaucoup plus diversifiés que l'ornement géométrique. Ce sont déjà des images à part entière avec des images. Ils ont été trouvés à l'intérieur des cryptes, et probablement les personnes qui y sont peintes ont été enterrées dans ces lieux de sépulture.

Au 7e siècle après J. e. Le Japon adopte le script qui vient de Chine. A peu près à la même époque, les premières toiles viennent de là. La peinture apparaît alors comme une sphère artistique à part entière.

edo

Edo est loin d'être la première et non la dernière peinture, mais c'est elle qui a apporté beaucoup de nouveautés à la culture. Tout d'abord, c'est la luminosité et la brillance qui ont été ajoutées à la technique habituelle, réalisée dans les tons noirs et gris. Sotasu est considéré comme l'artiste le plus en vue de ce style. Il a créé peintures classiques mais ses personnages étaient très colorés. Plus tard, il passe à la nature, et la plupart des paysages sont réalisés sur fond de dorure.

Deuxièmement, pendant la période Edo, l'exotisme, le genre namban, est apparu. Il utilisait des techniques européennes et chinoises modernes, qui étaient entrelacées avec des styles japonais traditionnels.

Et troisièmement, l'école Nang apparaît. Dans ce document, les artistes imitent d'abord complètement ou même copient les œuvres de maîtres chinois. Ensuite, une nouvelle branche apparaît, appelée bunjing.

Période de modernisation

La période Edo remplace la période Meiji, et maintenant la peinture japonaise est forcée d'entrer dans une nouvelle étape de développement. À cette époque, des genres tels que le western et autres devenaient populaires dans le monde entier, de sorte que la modernisation de l'art est devenue une situation courante. Cependant, au Japon, un pays où tout le monde vénère les traditions, en temps donné les choses étaient très différentes de ce qui s'est passé dans d'autres pays. Ici, la concurrence entre techniciens européens et locaux s'intensifie.

Le gouvernement à ce stade donne sa préférence aux jeunes artistes qui servent de grandes attentes pour améliorer les compétences dans les styles occidentaux. Par conséquent, ils les envoient dans des écoles en Europe et en Amérique.

Mais ce n'était qu'au début de la période. Le fait est que critiques notables assez critiqué art occidental. Pour éviter un grand émoi autour de cette question, les styles et techniques européens ont commencé à être interdits dans les expositions, leur affichage s'est arrêté, ainsi que leur popularité.

L'émergence des styles européens

Vient ensuite la période Taisho. A cette époque, de jeunes artistes partis étudier dans des écoles étrangères reviennent dans leur pays d'origine. Naturellement, ils apportent avec eux de nouveaux styles de peinture japonaise, très proches des peintures européennes. L'impressionnisme et le post-impressionnisme apparaissent.

À ce stade, de nombreuses écoles sont formées dans lesquelles les anciens styles japonais sont ravivés. Mais il n'est pas possible de se débarrasser complètement des tendances occidentales. Il est donc nécessaire de combiner plusieurs techniques afin de plaire à la fois aux amateurs de classiques et aux amateurs de peinture européenne moderne.

Certaines écoles sont financées par l'État, grâce auxquelles de nombreuses traditions nationales sont préservées. Les commerçants privés, en revanche, sont obligés de suivre l'exemple des consommateurs qui veulent quelque chose de nouveau, ils en ont assez des classiques.

Peinture de la Seconde Guerre mondiale

Après le début de la guerre, la peinture japonaise est restée à l'écart des événements pendant un certain temps. Il s'est développé séparément et indépendamment. Mais ça ne pouvait pas durer éternellement comme ça.

Au fil du temps quand situation politique le pays se dégrade, des personnalités élevées et respectées attirent de nombreux artistes. Certains d'entre eux, même au début de la guerre, commencent à créer dans des styles patriotiques. Les autres n'entament ce processus que sur ordre des autorités.

En conséquence, les beaux-arts japonais pendant la Seconde Guerre mondiale n'ont pas pu se développer particulièrement. Par conséquent, pour la peinture, on peut l'appeler stagnant.

Suibokuga éternel

La peinture japonaise sumi-e, ou suibokuga, signifie "dessin à l'encre". Cela définit le style et la technique cet art. Il vient de Chine, mais les Japonais ont décidé de lui donner leur propre nom. Et au départ la technique n'avait aucun côté esthétique. Il était utilisé par les moines pour s'améliorer tout en étudiant le zen. De plus, au début, ils dessinaient des images, et plus tard, ils entraînaient leur concentration en les regardant. Les moines croyaient que les lignes strictes, les tons vagues et les ombres aidaient à l'amélioration - tout ce qu'on appelle le monochrome.

La peinture à l'encre japonaise, malgré la grande variété de peintures et de techniques, n'est pas aussi compliquée qu'il y paraît à première vue. Il est basé sur seulement 4 parcelles :

1. Chrysanthème.
2. Orchidée.
3. Branche de prunier.
4. Bambou.

Un petit nombre de parcelles ne rend pas le développement de la technologie rapide. Certains maîtres croient que l'apprentissage dure toute une vie.

Malgré le fait que le sumi-e soit apparu il y a longtemps, il est toujours en demande. De plus, aujourd'hui, vous pouvez rencontrer les maîtres de cette école non seulement au Japon, mais elle est également répandue bien au-delà de ses frontières.

Période moderne

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, l'art au Japon n'a prospéré qu'en grandes villes, villageoises et villageois avaient assez de soucis. Pour la plupart, les artistes ont tenté de tourner le dos aux pertes de la guerre et de dépeindre la vie urbaine moderne avec tous ses embellissements et caractéristiques sur toile. Les idées européennes et américaines ont été adoptées avec succès, mais cet état de fait n'a pas duré longtemps. De nombreux maîtres ont progressivement commencé à s'en éloigner vers les écoles japonaises.

Il est toujours resté à la mode. Par conséquent, la peinture japonaise moderne ne peut différer que par la technique d'exécution ou les matériaux utilisés dans le processus. Mais la plupart des artistes ne perçoivent pas bien les diverses innovations.

Sans parler de la mode sous-cultures modernes comme l'anime et les styles similaires. De nombreux artistes tentent de brouiller la frontière entre les classiques et ce qui est demandé aujourd'hui. Pour l'essentiel, cet état de choses est dû au commerce. Les classiques et les genres traditionnels ne sont pas réellement achetés, il n'est donc pas rentable de travailler en tant qu'artiste dans votre genre préféré, vous devez vous adapter à la mode.

Conclusion

Sans aucun doute, la peinture japonaise est un trésor des beaux-arts. Peut-être que le pays en question est resté le seul à ne pas suivre les tendances occidentales, à ne pas s'adapter à la mode. Malgré de nombreux coups lors de l'arrivée de nouvelles techniques, les artistes du Japon ont tout de même réussi à défendre traditions nationales dans de nombreux genres. C'est probablement pourquoi, à l'époque moderne, les peintures réalisées dans des styles classiques sont très appréciées lors d'expositions.