Cet article contient une brève description des principaux styles artistiques du XXe siècle. Il sera utile de connaître à la fois les artistes et les designers.

Modernisme (du français moderne moderne)

dans l'art, le nom cumulatif des tendances artistiques qui se sont établies dans la seconde moitié du XIXe siècle sous la forme de nouvelles formes de créativité, où prévalait non pas tant l'adhésion à l'esprit de la nature et de la tradition, mais la libre vision du maître , libre de changer le monde visible à sa guise, suite à une impression personnelle, une idée intérieure ou un rêve mystique (ces courants continuaient largement la lignée du romantisme). L'impressionnisme, le symbolisme et le modernisme étaient ses directions les plus importantes, souvent en interaction active.Dans la critique soviétique, le concept de « modernisme » était anti-historiquement appliqué à tous les mouvements artistiques du XXe siècle qui ne correspondaient pas aux canons du réalisme socialiste. .

Abstractionnisme(art sous le signe des "formes zéro", art non objectif) - direction artistique, formé dans l'art de la première moitié du 20e siècle, refusant totalement de reproduire les formes du réel monde visible. Les fondateurs de l'abstractionnisme sont considérés comme V. Kandinsky, P. Mondrian et K. Malevitch. W. Kandinsky a créé son propre type de peinture abstraite, libérant les taches impressionnistes et "sauvages" de tout signe d'objectivité. Piet Mondrian est venu à son inutilité par la stylisation géométrique de la nature, commencée par Cézanne et les cubistes. Les tendances modernistes du XXe siècle, axées sur l'abstractionnisme, s'écartent complètement des principes traditionnels, niant le réalisme, mais restent en même temps dans le cadre de l'art. L'histoire de l'art avec l'avènement de l'abstractionnisme a connu une révolution. Mais cette révolution n'est pas venue par hasard, mais tout naturellement, et a été prédite par Platon ! Dans son ouvrage ultérieur Philebus, il a écrit sur la beauté des lignes, des surfaces et des formes spatiales en elles-mêmes, indépendamment de toute imitation d'objets visibles, de toute mimesis. Ce genre de beauté géométrique, contrairement à la beauté des formes « irrégulières » naturelles, selon Platon, n'est pas relative, mais inconditionnelle, absolue.

Futurisme- courant littéraire et artistique dans l'art des années 1910. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Une idée artistique importante du futurisme était la recherche d'une expression plastique de la rapidité du mouvement comme signe principal du rythme de la vie moderne. La version russe du futurisme s'appelait kybofuturisme et était basée sur une combinaison des principes plastiques du cubisme français et des installations esthétiques générales européennes du futurisme. Par croisements, décalages, collisions et influx de formes, les artistes ont tenté d'exprimer l'écrasante pluralité d'impressions d'un être contemporain, citadin.

Cubisme- "la révolution artistique la plus complète et la plus radicale depuis la Renaissance" (J. Golding). Artistes: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubisme - (cubisme français, de cube - cube) une direction dans l'art du premier quart du 20e siècle. Le langage plastique du cubisme reposait sur la déformation et la décomposition des objets en plans géométriques, le déplacement plastique de la forme. De nombreux artistes russes ont été fascinés par le cubisme, combinant souvent ses principes avec les techniques d'autres tendances artistiques modernes - le futurisme et le primitivisme. Le cubo-futurisme est devenu une variante spécifique de l'interprétation du cubisme sur le sol russe.

Purisme- (purisme français, du latin purus - propre) pendant peinture française fin des années 1910-20. Les principaux représentants sont l'artiste A.Ozanfan et architecte C.E. Jeanneret (Le Corbusier). Rejetant les tendances décoratives du cubisme et d'autres mouvements d'avant-garde des années 1910, la déformation de la nature qu'ils adoptaient, les puristes s'efforçaient d'un transfert rationnellement ordonné de formes d'objets stables et concises, comme "débarrassées" des détails, à l'image de éléments "primaires". Les œuvres des puristes se caractérisent par la planéité, le rythme doux des silhouettes légères et les contours d'objets du même type (cruches, verres, etc.). N'ayant pas reçu de développement sous forme de chevalet, les principes artistiques essentiellement repensés du purisme se sont partiellement reflétés dans l'architecture moderne, principalement dans les bâtiments de Le Corbusier.

Serréalisme- un mouvement cosmopolite en littérature, peinture et cinéma né en 1924 en France et qui a officiellement mis fin à son existence en 1969. Il a grandement contribué à la formation de la conscience de l'homme moderne. Les principales figures du mouvement André Breton- écrivain, leader et inspirateur idéologique du mouvement, Louis Aragón- l'un des fondateurs du surréalisme, qui, d'une manière bizarre, s'est ensuite transformé en chanteur du communisme, Salvador Dalí- artiste, théoricien, poète, scénariste, qui a défini l'essence du mouvement avec les mots : "Le surréalisme, c'est moi !", un directeur de la photographie hautement surréaliste Luis Buñuel, artiste Juan Miró- "la plus belle plume du chapeau du surréalisme", comme l'appelait Breton, et bien d'autres artistes à travers le monde.

Fauvisme(du français les fauves - sauvage (animaux)) Direction locale dans la peinture au début. 20ième siècle Le nom F. a été donné par dérision à un groupe de jeunes artistes parisiens ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), qui ont participé conjointement à plusieurs expositions en 1905-1907, après leur première exposition en 1905. Le nom a été adopté par le groupe lui-même et s'est solidement établi derrière lui. La direction n'avait pas de programme clairement formulé, de manifeste ou de sa propre théorie et n'a pas duré longtemps, laissant cependant une marque notable dans l'histoire de l'art. Ses participants étaient unis dans ces années par le désir de créer des images artistiques exclusivement à l'aide d'une couleur ouverte extrêmement lumineuse. Développer les réalisations artistiques des postimpressionnistes ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), en s'appuyant sur certains réceptions officielles art médiéval (vitrail, art roman) et gravure japonaise, populaires dans les milieux artistiques français depuis l'époque des impressionnistes, les fauvistes ont cherché à maximiser l'utilisation des possibilités coloristiques de la peinture.

Expressionnisme(de l'expression française - expressivité) - une tendance moderniste dans Art d'Europe occidentale, principalement en Allemagne, le premier tiers du XXe siècle, qui s'est développé au cours d'une certaine période historique - à la veille de la Première Guerre mondiale. La base idéologique de l'expressionnisme était une protestation individualiste contre le monde laid, l'aliénation croissante de l'homme du monde, le sentiment d'être sans abri, l'effondrement et la désintégration de ces principes sur lesquels la culture européenne semblait reposer si fermement. Les expressionnistes ont tendance à graviter vers le mysticisme et le pessimisme. Techniques artistiques caractéristiques de l'expressionnisme: le rejet de l'espace illusoire, le désir d'une interprétation plane des objets, la déformation des objets, l'amour des dissonances colorées nettes, une couleur particulière qui incarne le drame apocalyptique. Les artistes percevaient la créativité comme un moyen d'exprimer des émotions.

Suprématisme(du lat. supremus - le plus haut, le plus haut; premier; dernier, extrême, apparemment, à travers le supremacja polonais - supériorité, suprématie) art d'avant-garde le premier tiers du XXe siècle, dont le créateur, principal représentant et théoricien était un artiste russe Kasimir Malevitch. Le terme lui-même ne reflète pas l'essence du suprématisme. En fait, dans la compréhension de Malevich, il s'agit d'une caractéristique estimée. Le suprématisme est l'étape la plus élevée du développement de l'art sur la voie de la libération de tout ce qui n'est pas artistique, sur la voie de la révélation ultime du non-objectif comme essence de tout art. En ce sens, Malevitch considérait également l'art ornemental primitif comme suprématiste (ou «suprême»). Il a d'abord appliqué ce terme à un grand nombre de ses peintures (39 ou plus) représentant des abstractions géométriques, dont le célèbre "Carré noir" sur fond blanc, "Croix noire", etc., exposées à l'exposition futuriste de Petrograd "zéro- dix" en 1915 C'est derrière ces abstractions géométriques similaires que le nom Suprématisme a été attaché, bien que Malevitch lui-même y ait fait référence dans nombre de ses œuvres des années 20, qui contenaient extérieurement certaines formes d'objets concrets, en particulier des figures de personnes, mais conservaient le « Esprit suprématiste ». Et de fait, les développements théoriques ultérieurs de Malevitch ne permettent pas de réduire le Suprématisme (du moins Malevitch lui-même) aux seules abstractions géométriques, bien qu'elles en constituent, bien sûr, le noyau, l'essence et même (noir et blanc et blanc et blanc). suprématisme) amènent la peinture à la limite de son existence en général comme forme d'art, c'est-à-dire au zéro pictural, au-delà duquel il n'y a plus de peinture proprement dite. Cette voie dans la seconde moitié du siècle a été poursuivie par de nombreuses directions dans les activités artistiques qui ont abandonné les pinceaux, les peintures et les toiles.

russe avant-garde Les années 1910 présentent un tableau plutôt complexe. Elle se caractérise par un changement rapide des styles et des tendances, une abondance de groupes et d'associations d'artistes, chacun proclamant sa propre conception de la créativité. Quelque chose de semblable s'est produit dans Peinture européenne au début du siècle. Cependant, le mélange des styles, le "désordre" des courants et des directions étaient inconnus de l'Occident, où le mouvement vers de nouvelles formes était plus cohérent. De nombreux maîtres de la jeune génération sont passés avec une rapidité extraordinaire de style en style, d'étape en étape, de l'impressionnisme à la modernité, puis au primitivisme, au cubisme ou à l'expressionnisme, en passant par de nombreuses étapes, ce qui était tout à fait atypique pour les maîtres de la peinture française ou allemande. . La situation qui s'est développée dans la peinture russe était en grande partie due à l'atmosphère pré-révolutionnaire du pays. Cela a exacerbé bon nombre des contradictions inhérentes à tout Art européen en général, parce que Les artistes russes ont étudié sur des modèles européens, connaissaient bien diverses écoles et tendances picturales. Une sorte d'"explosion" russe dans vie artistique joué comme ça rôle historique. En 1913, c'est l'art russe qui atteint de nouvelles frontières et de nouveaux horizons. Un phénomène complètement nouveau de non-objectivité est apparu - une ligne au-delà de laquelle les cubistes français n'ont pas osé franchir. Un par un, ils franchissent cette ligne: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

cubofuturisme Tendance locale de l'avant-garde russe (en peinture et en poésie) du début du XXe siècle. Dans les arts visuels, le cubo-futurisme est né sur la base d'une remise en question des trouvailles picturales, du cubisme, du futurisme et du néo-primitivisme russe. Les principales œuvres ont été créées dans la période 1911-1915. Les peintures les plus caractéristiques du cubo-futurisme sont sorties du pinceau de K. Malevich et ont également été écrites par Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Les premières œuvres cubo-futuristes de Malevitch sont exposées lors de la célèbre exposition de 1913. "Target", sur lequel le luchisme de Larionov a également fait ses débuts. En apparence, les œuvres cubo-futuristes ont quelque chose en commun avec les compositions créées à la même époque par F. Leger et sont des compositions semi-objectives constituées de formes colorées volumétriques creuses en forme de cylindre, de cône, de flacon, de coquillage, souvent avec un éclat métallique. Déjà dans les premières œuvres de Malevitch, il y a une tendance notable à passer du rythme naturel aux rythmes purement mécaniques du monde des machines (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portrait de Klyun, 1913).

néoplasticisme- l'une des premières variétés d'art abstrait. Il a été créé en 1917 par le peintre hollandais P. Mondrian et d'autres artistes qui faisaient partie de l'association Style. Le néoplasticisme se caractérise, selon ses créateurs, par le désir d'"harmonie universelle", exprimé dans des combinaisons strictement équilibrées de grandes figures rectangulaires, clairement séparées par des lignes noires perpendiculaires et peintes dans les couleurs locales du spectre principal (avec l'ajout de blanc et tons gris). Néo-plasticisme (Nouvelle plastique) Ce terme est apparu en Hollande au XXe siècle. Piet Mondrian déterminé par lui ses concepts plastiques, systématisés et défendus par le groupe et le magazine "Style" ("De Stiji") fondé à Leiden en 1917. La principale caractéristique du néoplasticisme était l'utilisation stricte des moyens d'expression. Le néoplasticisme ne permet qu'aux lignes horizontales et verticales de construire la forme. Croiser les lignes à angle droit est le premier principe. Vers 1920, on en ajoute un deuxième qui, supprimant le trait et accentuant le plan, limite les couleurs au rouge, bleu et jaune, c'est-à-dire trois couleurs primaires pures auxquelles seuls le blanc et le noir peuvent être ajoutés. A l'aide de cette rigueur, le néoplasticisme entendait dépasser l'individualité pour atteindre l'universalisme et créer ainsi une nouvelle image du monde.

"Baptême" officiel orphisme s'est produit au Salon des Indépendants en 1913. Ainsi le critique Roger Allard écrit dans son rapport sur le Salon : "... on constate pour les futurs historiens qu'en 1913 une nouvelle école d'orphisme est née..." ("La Cote" Paris le 19 mars 1913). Il trouve écho chez un autre critique André Varno : "Le Salon de 1913 fut marqué par la naissance d'une nouvelle école de l'école orphique" ("Comoedia" Paris 18 mars 1913). Enfin Guillaume Apollinaire renforça cette affirmation en s'exclamant, non sans fierté : « C'est de l'orphisme. Ici, pour la première fois, cette tendance, que j'avais prédite, s'est manifestée » (« Montjoie ! Supplément Paris du 18 mars 1913 »). En effet, le terme a été inventé Apollinaire(L'orphisme comme culte d'Orphée) et a été annoncé publiquement pour la première fois lors d'une conférence sur la peinture moderne et lu en octobre 1912. Que voulait-il dire ? Lui-même ne semble pas le savoir. De plus, il ne savait pas comment définir les limites de cette nouvelle direction. En fait, la confusion qui règne à ce jour est due au fait qu'Apollinaire confond inconsciemment deux problèmes qui sont liés, bien sûr, mais avant d'essayer de les relier, il aurait dû souligner leurs différences. D'une part, la création Delaunay des moyens expressifs picturaux entièrement basés sur la couleur et, d'autre part, l'expansion du cubisme par l'émergence de plusieurs directions différentes. Après une rupture avec Marie Laurencin à la fin de l'été 1912, Apollinaire se réfugie auprès de la famille Delaunay qui l'accueille avec bienveillance dans leur atelier de la rue Grand-Augustin. Cet été-là, Robert Delaunay et son épouse ont connu une profonde évolution esthétique menant à ce qu'il appellera plus tard la "période destructrice" de la peinture fondée uniquement sur les qualités constructives et spatio-temporelles des contrastes de couleurs.

Postmodernisme (postmoderne, postavant-garde) -

(du lat. post "après" et modernisme), nom collectif des tendances artistiques qui se précisent particulièrement dans les années 1960 et se caractérisent par une révision radicale de la position du modernisme et de l'avant-garde.

expressionisme abstraitétape d'après-guerre (fin des années 40 - 50 du XXe siècle) dans le développement de l'art abstrait. Le terme lui-même a été introduit dans les années 1920 par un critique d'art allemand E. von Sydow (E. von Sydow) pour faire référence à certains aspects de l'art expressionniste. En 1929, l'Américain Barr l'utilisa pour caractériser les premières œuvres de Kandinsky, et en 1947 il qualifia les œuvres "d'expressionniste abstrait" Willem de Kooning Et Goberge. Depuis lors, le concept d'expressionnisme abstrait s'est consolidé derrière un champ assez large, stylistiquement et techniquement varié de la peinture abstraite (et plus tard de la sculpture), qui s'est développé rapidement dans les années 50. aux États-Unis, en Europe, puis dans le monde entier. Les ancêtres directs de l'expressionnisme abstrait sont considérés comme les premiers Kandinsky, expressionnistes, orphistes, en partie dadaïstes et surréalistes avec leur principe d'automatisme mental. La base philosophique et esthétique de l'expressionnisme abstrait était en grande partie la philosophie de l'existentialisme, populaire dans la période d'après-guerre.

Prêt à l'emploi(English ready-made - ready) Le terme a été introduit pour la première fois dans le lexique de l'histoire de l'art par l'artiste Marcel Duchamp pour désigner leurs œuvres, qui sont des objets à usage utilitaire, retirés de l'environnement de leur fonctionnement normal et exposés sans aucune modification sur exposition d'art comme oeuvres d'art. Ready-Made revendiquait un nouveau regard sur la chose et la chose. Un objet qui a cessé de remplir ses fonctions utilitaires et a été inclus dans le contexte de l'espace de l'art, c'est-à-dire est devenu un objet de contemplation non utilitaire, a commencé à révéler de nouvelles significations et mouvements associatifs, inconnus soit de l'art traditionnel, soit de la sphère quotidienne-utilitaire de l'être. Le problème de la relativité de l'esthétique et de l'utilitaire se pose avec acuité. Premier Ready-Made Duchamp exposée à New York en 1913. Le plus tristement célèbre de ses Ready-Made. acier "Roue de bicyclette" (1913), "Sèche-bouteilles" (1914), "Fontaine" (1917) - c'est ainsi qu'un urinoir ordinaire a été désigné.

Pop Art. Après la Seconde Guerre mondiale, une grande couche sociale de personnes s'est formée en Amérique qui gagnait suffisamment d'argent pour acheter des biens qui n'étaient pas particulièrement importants pour eux. Par exemple, la consommation de biens : Coca cola ou jeans Levi's deviennent un attribut important de cette société. Une personne utilisant tel ou tel produit montre son appartenance à une certaine couche sociale. La culture de masse actuelle s'est formée. Les choses sont devenues des symboles, des stéréotypes. Le pop art utilise nécessairement des stéréotypes et des symboles. pop Art(Pop Art) incarne la quête créative des nouveaux américains, qui s'appuie sur les principes créatifs de Duchamp. Ce: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, et d'autres. Le pop art prend l'importance de la culture de masse, il n'est donc pas surprenant qu'il ait pris forme et soit devenu un mouvement artistique en Amérique. Leurs alliés : Hamelton R, Tonne Chine choisi comme autorité Kurt Schweters. Le pop art se caractérise par une œuvre - une illusion de jeu qui explique l'essence de l'objet. Exemple : tarte K. Oldenbourg représenté de diverses manières. Un artiste peut ne pas représenter un gâteau, mais dissiper des illusions, montrer qu'une personne voit pour de vrai. R. Rauschenberg est également original : il a collé diverses photographies sur la toile, les a décrites et a attaché un animal en peluche à l'œuvre. L'une de ses œuvres célèbres est un hérisson en peluche. Sa peinture est également bien connue, où il a utilisé des photographies de Kenedy.

Primitivisme ( art naïf) . Ce concept est utilisé dans plusieurs sens et est en fait identique au concept "art primitif". Dans différentes langues et par différents scientifiques, ces concepts sont utilisés le plus souvent pour désigner le même éventail de phénomènes dans la culture artistique. En russe (ainsi que dans certains autres), le terme "primitif" a un sens quelque peu négatif. Par conséquent, il est plus approprié de se concentrer sur le concept art naïf. Au sens le plus large, cela fait référence aux beaux-arts, qui se distinguent par la simplicité (ou la simplification), la clarté et l'immédiateté formelle du langage pictural et expressif, à l'aide desquelles s'exprime une vision particulière du monde non alourdie par les conventions civilisationnelles. . Le concept est apparu dans la nouvelle culture européenne des derniers siècles, il reflète donc les positions professionnelles et les idées de cette culture, qui se considérait comme le stade de développement le plus élevé. De ces positions, l'art naïf désigne aussi l'art archaïque des peuples anciens (civilisations pré-égyptiennes ou pré-grecques), par exemple l'art primitif ; l'art des peuples en retard dans leur développement culturel et civilisationnel (population indigène d'Afrique, d'Océanie, Indiens d'Amérique) ; l'art amateur et non professionnel à grande échelle (par exemple, les célèbres fresques médiévales de Catalogne ou l'art non professionnel des premiers immigrants américains venus d'Europe) ; de nombreuses œuvres du soi-disant "gothique international"; art folklorique; enfin, l'art des talentueux artistes primitivistes du XXe siècle, qui n'ont pas reçu de formation professionnelle éducation artistique, mais qui ont ressenti en eux le don de la créativité artistique et se sont consacrés à sa réalisation indépendante dans l'art. Certains d'entre eux (français A. Russo, K. Bombois, géorgien N. Pirosmanishvili, croate I. Généraliche, Américain SUIS. Robertson etc.) ont créé de véritables chefs-d'œuvre artistiques qui sont entrés dans le trésor de l'art mondial. L'art naïf en termes de vision du monde et de ses méthodes présentation artistique d'une certaine manière, il se rapproche de l'art des enfants, d'une part, et de la créativité des malades mentaux, d'autre part. Cependant, il diffère essentiellement des deux. La chose la plus proche en termes de vision du monde de l'art des enfants est l'art naïf des peuples archaïques et des indigènes d'Océanie et d'Afrique. Sa différence fondamentale avec l'art des enfants réside dans sa profonde sacralité, son traditionalisme et sa canonicité.

pas d'art(Net Art - du net anglais - réseau, art - art) La forme d'art la plus récente, les pratiques artistiques modernes, se développe dans les réseaux informatiques, en particulier sur Internet. Ses chercheurs en Russie, contribuant à son développement, O. Lyalina, A. Shulgin, estiment que l'essence du Net-art se résume à la création d'espaces de communication et de création sur le Web, offrant à chacun une totale liberté d'être en réseau. Par conséquent, l'essence du Net-art. pas de représentation, mais de communication, et son unité artistique originelle est un message électronique. Il y a au moins trois étapes dans le développement du Net-art, apparu dans les années 80 et 90. 20ième siècle La première était lorsque des artistes Web en herbe ont créé des images à partir de lettres et d'icônes trouvées sur un clavier d'ordinateur. La seconde a commencé lorsque des artistes underground et tous ceux qui voulaient montrer quelque chose de leur travail sont venus sur Internet.

OP-ART(eng. Op-art - une version abrégée de l'art optique - art optique) - un mouvement artistique de la seconde moitié du XXe siècle, utilisant diverses illusions visuelles basées sur les caractéristiques de la perception de figures plates et spatiales. Le courant poursuit la ligne rationaliste du technicisme (modernisme). Elle remonte à l'abstractionnisme dit "géométrique", dont le représentant était V. Vasarely(de 1930 à 1997, il a travaillé en France) - le fondateur de l'op art. Les possibilités de l'Op-art ont trouvé une certaine application dans les graphiques industriels, les affiches et l'art du design. La direction de l'op art (art optique) est née dans les années 50 au sein de l'abstractionnisme, bien que cette fois-ci il s'agisse d'une variété différente - l'abstraction géométrique. Sa diffusion en tant que courant remonte aux années 60. 20ième siècle

Graffiti(graffiti - en archéologie, tout dessin ou lettre rayé sur n'importe quelle surface, du graffiare italien - à gratter) C'est la désignation des œuvres de la sous-culture, qui sont principalement des images grand format sur les murs bâtiments publiques, structures, transport, réalisés à l'aide de différents types de pistolets pulvérisateurs, bombes aérosols avec peinture. D'où l'autre nom "spray art" - Spray-art. Son origine est associée à l'apparition massive des graffitis. dans les années 70. sur les wagons du métro new-yorkais, puis sur les murs des bâtiments publics, store stores. Les premiers auteurs de graffitis. étaient pour la plupart de jeunes artistes au chômage issus de minorités ethniques, principalement des Portoricains, de sorte que certaines des caractéristiques stylistiques de l'Amérique latine sont apparues dans le premier Graffiti art folklorique, et par le fait même de leur apparition sur des surfaces non destinées à cela, leurs auteurs ont protesté contre leur position de spoliation. Au début des années 80. toute une tendance de maîtres presque professionnels G. s'est formée.Leurs vrais noms, auparavant cachés sous des pseudonymes, sont devenus connus ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, VU, DAZE). Certains d'entre eux ont transféré leur technique sur toile et ont commencé à exposer dans des galeries à New York, et bientôt les graffitis sont apparus en Europe.

HYPERRÉALISME(hyperréalisme - anglais), ou photoréalisme (photoréalisme - anglais) - artiste. mouvement en peinture et sculpture, basé sur la photographie, reproduction de la réalité. Tant dans sa pratique que dans ses orientations esthétiques vers le naturalisme et le pragmatisme, l'hyperréalisme se rapproche du pop art. elles sont avant tout unies par un retour au figuratif. Il agit comme une antithèse au conceptualisme, qui non seulement rompt avec la représentation, mais aussi remet en cause le principe même de la réalisation matérielle de l'art. concept.

art de la terre(du land art anglais - art en terre), une direction dans l'art du dernier tiersXXsiècle, basée sur l'utilisation d'un paysage réel comme matériau et objet artistique principal. Les artistes creusent des tranchées, créent d'étranges tas de pierres, peignent des roches, choisissant pour leurs actions des lieux généralement déserts - des paysages vierges et sauvages, s'efforçant ainsi de rendre l'art à la nature. Grâce à son<первобытному>En apparence, de nombreuses actions et objets de ce genre sont proches de l'archéologie, ainsi que de l'art photographique, puisque la majorité du public ne peut les contempler que dans des séries de photographies. Il semble que nous devrons nous réconcilier avec une autre barbarie dans la langue russe. Je ne sais pas si c'est une coïncidence si le terme<лэнд-арт>apparu à la fin années 60 à une époque où, dans les sociétés développées, l'esprit rebelle du corps étudiant dirigeait ses forces pour renverser les valeurs établies.

MINIMALISME(art minimal - anglais : art minimal) - artiste. flux émanant de la transformation minimale des matériaux utilisés dans le processus de créativité, simplicité et uniformité des formes, monochrome, créatif. maîtrise de soi de l'artiste. Le minimalisme se caractérise par le rejet de la subjectivité, de la représentation, de l'illusionnisme. Rejeter le classique créativité et tradition. artistique matériaux, les minimalistes utilisent des matériaux industriels et naturels de géométrie simple. des formes et des couleurs neutres (noir, gris), de petits volumes, en série, des méthodes de production industrielle par convoyeur sont utilisées. Un artefact dans le concept minimaliste de créativité est un résultat prédéterminé du processus de sa production. Ayant reçu le développement le plus complet de la peinture et de la sculpture, le minimalisme, interprété au sens large comme l'économie de l'artiste. fonds, ont trouvé une application dans d'autres formes d'art, principalement le théâtre et le cinéma.

Le minimalisme est né aux États-Unis dans la trans. sol. années 60 Ses origines sont dans le constructivisme, le suprématisme, le dadaïsme, l'abstractionnisme, l'Amer formaliste. peinture des années 1950, pop art. Direct précurseur du minimalisme. est un Amer. artiste F. Stella, qui présenta en 1959-60 une série de « Black Paintings », où prévalaient des lignes droites ordonnées. Les premières œuvres minimalistes apparaissent en 1962-63 Le terme « minimalisme ». appartient à R. Walheim, qui l'introduit par rapport à l'analyse de la créativité M. Duchamp et les artistes pop, minimisant l'intervention de l'artiste dans l'environnement. Ses synonymes sont "cool art", "ABC art", "serial art", "primary structures", "art as a process", "systematic art". peinture". Parmi les minimalistes les plus représentatifs figurent − C. André, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Ils sont unis par le désir d'intégrer l'artefact dans l'environnement, de battre la texture naturelle des matériaux. D. Jade le définit comme "spécifique". objet », différent du classique. travaux plastiques. arts. Indépendant, l'éclairage joue un rôle comme moyen de créer de l'art minimaliste. situations, solutions spatiales originales ; des méthodes informatiques de création d'œuvres sont utilisées.

Concepts et termes de base sur le sujet : moderne, modernisme, fauvisme, cubisme, surréalisme, abstractionnisme, suprématisme, constructivisme, installation, éclectisme, cinématographie, télévision, art de masse et d'élite.

Plan d'étude thématique :

1. Nouveaux types d'art, tendances et styles artistiques.

Résumé questions théoriques :

Le XXe siècle est le siècle du triomphe de la science et de l'intellect humain, le siècle des paradoxes et des bouleversements. Il a résumé un certain résultat du développement de la culture mondiale. Au cours de ce siècle, la culture a rompu les liens de l'isolement régional ou national et est devenue internationale. La culture artistique mondiale intègre les valeurs culturelles de presque toutes les nations.

Un phénomène caractéristique du XXe siècle a été un affaiblissement notable de ces mécanismes sociaux - les mécanismes de continuité dans la culture. Un individu distinct s'efforce de devenir indépendant, indépendant des traditions culturelles, des coutumes, des règles établies d'étiquette, de comportement, de communication. Dans le même temps, la liberté intérieure est de plus en plus remplacée par la liberté extérieure, l'indépendance de l'esprit - par l'indépendance du corps, ce qui conduit progressivement à une diminution de la spiritualité, du niveau de culture.

Une description figurative de l'art du XXe siècle a été donnée par F. Nietzsche, arguant que "l'art nous est donné pour ne pas mourir de la vérité".

Modernisme(nouveau, dernier, moderne) - un ensemble d'écoles esthétiques de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, qui se caractérisent par une rupture avec les traditions du réalisme.

Proche de ce concept avant-garde. Il rassemble les variétés les plus radicales du modernisme. Ces concepts sont souvent pris comme synonymes. Dans notre pays, le modernisme et l'avant-garde ont été vivement critiqués - par opposition au "réalisme socialiste". Habituellement, ces concepts étaient interprétés comme un indicateur de la crise de la culture bourgeoise. Cependant, ce point de vue de classe ne résiste pas à l'examen. Les tendances modernistes et avant-gardistes caractérisent l'art contemporain.

S'exprimant contre les normes et les traditions de l'esthétique précédente, luttant pour innover à tout prix le modernisme dans ses manifestations extrêmes détruit le sens de la créativité artistique et choque souvent. Mais dans leur les meilleurs échantillons le modernisme a considérablement enrichi la culture artistique de l'humanité.

Ortega y Gasset : « Les Nouveaux Artistes ont tabou toute tentative d'instiller « l'humain » dans l'art. La personnalité est surtout rejetée par l'art nouveau. De tous côtés, nous arrivons à la même chose : fuir l'homme.

C'est Ortega qui est l'auteur de l'hypothèse la plus curieuse sur la loi générale du développement de l'art mondial. Il croyait que l'art suivait la philosophie changé en fonction de l'évolution du point de vue de l'artiste sur le monde qui l'entoure- d'une vision matérielle-concrète du monde, à travers sa perception subjective - à la domination idées pures et abstractions.

L'art se bat toujours pour que l'humanité mène à travers toutes les vicissitudes de l'histoire sa principale conquête : la spiritualité. Car avec la défaite et la mort de la spiritualité, l'homme lui-même est également affecté et périt, n'ayant plus aucune différence avec les animaux. C'est dans cette perspective qu'il faut considérer ce qu'il est advenu de l'art du XXe siècle.

Au 20ème siècle, il y a eu un départ des traditions, dans un certain sens, et la mise au rebut des traditions dans l'art. Mais cela ne signifie pas que le réalisme et les principes réalistes de représentation ont été abolis par ce siècle.

L'avant-garde est une constellation hétéroclite d'écoles, de directions, de courants, qui étourdit par une cascade de couleurs et une diversité d'images. L'impression de chaos, due au changement rapide de goût. N'importe quelle formule "Si cela n'a jamais été fait, alors cela doit être fait."

Fauvisme. L'un des premiers représentants Le fauvisme a déterminé le passage de la préparation de l'avant-garde à l'avant-garde actuelle.

L'essentiel est d'obtenir une énergie de peinture maximale.

A. Matisse- L'artiste français, fondateur du fauvisme, a cherché à renouveler l'art décoratif dont la clarté et l'équilibre joyeux, selon lui, doivent être transmis au spectateur.

L'art léger et gai de Matisse. Les œuvres les plus célèbres de Matisse sont "Danse" et "Musique" (panneaux peints par lui en 1908 sur ordre de S.I. Shchukin) pour la décoration du manoir moscovite d'un célèbre philanthrope (maintenant transféré à l'Ermitage).

Expressionnisme- L'art de crier. Peinture "Le Cri" par E. Munch. "Il n'y a jamais eu un tel temps, secoué par une telle horreur, une telle peur mortelle. Le monde n'a jamais été aussi stupide. L'homme n'a jamais été aussi petit. Il n'avait jamais été aussi timide. Jamais la joie n'a été aussi morte. Le besoin crie, l'homme appelle son âme, le temps devient le cri du besoin. L'art joint son cri dans le noir, il crie au secours, il appelle l'esprit. C'est l'expressionnisme » (V. Turchin).

Expressionnisme : de la peinture à la politique, de la philosophie à la musique, de l'architecture au cinéma, du théâtre à la sculpture.

Le cubisme est la création de formes. Le désir de géométriser un objet, rendre sa forme architecturale. Les débuts du cubisme dans les oeuvres de Georges Braque et Pablo Picasso.

Représentants du cubisme en Russie: K. Malevich, L. Popova, D. Burliuk (sociétés "Jack of Diamonds", "Donkey's Tail", etc.).

P. Picasso est un génie artistique universel. artiste espagnol, sculpteur - le plus grand créateur XXe siècle. 15 mille tableaux, le fondateur du cubisme.

« Guernica » est un chef-d'œuvre de la peinture de Picasso, une peinture difficile à percevoir et à analyser, où la réalité s'exprime dans le langage d'associations subjectives complexes.

L'un des dessins les plus célèbres de Picasso est la colombe de la paix.

Extrêmes incompatibles (réalisme et modernisme) dans l'œuvre de Picasso.

Art abstrait. Première peinture abstraite : A.Alphonse"Girls in the Snow" - papier vierge attaché à une tablette en carton. L'art abstrait traditionnel commence en 1910 (avec l'avènement du premier belles aquarelles V. Kandinsky).

Dans le terme art abstrait - une dualité profonde, quand il y a un soupçon à la fois d'art et d'alternative. Il s'agit d'un art non objectif basé sur l'abstraction d'images picturales à partir d'objets spécifiques. Les œuvres des abstractionnistes sont une combinaison de formes géométriques, de taches de couleur, de lignes. L'art abstrait se caractérise par deux tendances : l'abstraction des images de la nature à un point tel qu'elles cessent de refléter la réalité ; des formes d'art pures qui n'ont aucun lien avec la réalité.

Le premier artiste abstrait était V. Kandinsky. Parmi les artistes et sculpteurs qui ont développé cette direction : P. Mondrian, K. Malevich, K. Brynkushi et autres.

Surréalisme(Superréalisme) en tant que tendance artistique s'est formée en France dans les années 20 du XXe siècle. Cette créativité est au-delà du contrôle de l'esprit. Le poète français André Breton a publié le Manifeste du surréalisme.

Selon les principes du surréalisme, l'artiste doit s'appuyer sur l'inconscient associé aux rêves, hallucinations, délires, souvenirs d'enfance. Et la tâche de l'artiste est d'atteindre l'infini et l'éternel à l'aide de moyens artistiques. Les surréalistes construisent leurs œuvres comme quelque chose d'illogique, de paradoxal, d'inattendu, comme une irréalité particulière.

Le plus grand représentant du surréalisme était Salvador Dalí.

Dali a cherché à créer une photographie de l'inconscient, à capturer de manière fiable ses rêves, car c'était cette vie spontanée du «moi» humain qui n'était pas contrôlée de l'extérieur, qui semblait à l'artiste être une véritable réalité. Il crée généralisé images artistiques, construit des compositions complexes et strictement réfléchies du "chaos" des visions douloureuses.

Pour recréer une telle image du monde, où tout est séparé par la décomposition, l'énorme pouvoir d'un esprit sobre est nécessaire pour organiser d'une manière ou d'une autre ce flux d'être absurde et sans signification. « La seule différence entre moi et un fou, c'est que je ne suis pas fou », dira un jour Dali.

Pop Art- l'art populaire, conçu pour un public de masse, facilement diffusé et produit en masse, sentant le gros business. Le pop art est une sorte d'"art hors de l'art". Les compositions pop art utilisent souvent de vrais objets ménagers (boîtes de conserve, vieux objets, journaux) et leurs copies mécaniques (photographies, mannequins, coupures de bandes dessinées). Leur combinaison aléatoire est élevée au rang d'art.

Les artistes du pop art ont été attirés par le monde de la culture de masse qui les entourait, conçu pour la consommation de millions de personnes, lorsque les valeurs esthétiques et sociales étaient assimilées à la consommation, banale, souvent sans âme. Ils ont détruit la hiérarchie des images et des intrigues. Ils pourraient également apprécier Léonard de Vinci et Mickey Mouse, la peinture et la technologie, le hack et l'art, le kitsch et l'humour.

Le pop art a toujours un esprit de masse et d'implication. Le pop art a été le premier grand courant de l'avant-garde, qui s'est socialisé, implanté dans la société. Le pop art est entré dans le cinéma, dans la publicité, d'où il est issu, dans la mode, dans un mode de vie comportemental. Il s'agit d'un laisser-aller délibéré dans l'habillement, sa diversité, l'utilisation de sacs plastiques promotionnels comme sacs, etc.

Travaux de laboratoire- non fourni.

Cours pratiques- non fourni.

Tâches d'épanouissement :

1. Préparez un message "La variété des styles et des tendances dans l'art du début du XXe siècle".

2. Préparez une galerie de photos de reproductions avec des exemples artistiques du fauvisme, du cubisme, du surréalisme, de l'abstractionnisme, du suprématisme.

Forme de contrôle du travail indépendant :

- enquête orale,

Vérification des notes, des messages, des galeries de photos.

Questions pour la maîtrise de soi

"Joueurs de cartes"

Auteur

Paul Cézanne

Un pays France
Années de vie 1839–1906
Style post-impressionnisme

L'artiste est né dans le sud de la France dans la petite ville d'Aix-en-Provence, mais a commencé à peindre à Paris. Un vrai succès lui est venu après une exposition personnelle organisée par le collectionneur Ambroise Vollard. En 1886, 20 ans avant son départ, il s'installe en périphérie ville natale. Les jeunes artistes appelaient ses voyages "un pèlerinage à Aix".

130x97cm
1895
prix
250 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères privées

L'œuvre de Cézanne est facile à comprendre. La seule règle de l'artiste était le transfert direct du sujet ou de l'intrigue sur la toile, de sorte que ses peintures ne perturbent pas le spectateur. Cézanne a combiné dans son art deux grandes traditions françaises : le classicisme et le romantisme. A l'aide de textures colorées, il a donné à la forme des objets une étonnante plasticité.

Une série de cinq tableaux "Card Players" a été écrite en 1890-1895. Leur intrigue est la même - plusieurs personnes jouent au poker avec enthousiasme. Les œuvres ne diffèrent que par le nombre de joueurs et la taille de la toile.

Quatre tableaux sont conservés dans des musées en Europe et en Amérique (le Musée d'Orsay, le Metropolitan Museum of Art, la Fondation Barnes et le Courtauld Institute of Art), et le cinquième, jusqu'à récemment, était une parure de la collection privée du L'armateur milliardaire grec George Embirikos. Peu avant son décès, à l'hiver 2011, il décide de le mettre en vente. Acheteurs potentiels Le travail "gratuit" de Cézanne était le marchand d'art William Aquavella et le galeriste de renommée mondiale Larry Gagosian, qui ont offert environ 220 millions de dollars pour cela. En conséquence, le tableau est allé à la famille royale de l'État arabe du Qatar pour un million de 250. Le plus grand contrat d'art de l'histoire de la peinture a été conclu en février 2012. Cela a été rapporté à Vanity Fair par la journaliste Alexandra Pierce. Elle a découvert le coût de la peinture et le nom du nouveau propriétaire, puis l'information a pénétré dans les médias du monde entier.

En 2010, le Musée arabe d'art moderne et le Musée national du Qatar ont ouvert leurs portes au Qatar. Aujourd'hui, leurs collections s'agrandissent. Peut-être que la cinquième version de The Card Players a été acquise par le cheikh à cette fin.

Le plusimage chèredans le monde

Propriétaire
Cheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

La dynastie al-Thani a gouverné le Qatar pendant plus de 130 ans. Il y a environ un demi-siècle, d'énormes réserves de pétrole et de gaz ont été découvertes ici, ce qui a instantanément fait du Qatar l'une des régions les plus riches du monde. Grâce à l'exportation d'hydrocarbures, ce petit pays a enregistré le plus gros PIB par habitant. Le cheikh Hamad bin Khalifa al-Thani a pris le pouvoir en 1995, alors que son père était en Suisse, avec le soutien de membres de sa famille. Le mérite du dirigeant actuel, selon les experts, réside dans une stratégie claire pour le développement du pays, créant une image réussie de l'État. Aujourd'hui, le Qatar a une constitution et un premier ministre, et les femmes ont obtenu le droit de vote dans élections parlementaires. Soit dit en passant, c'est l'émir du Qatar qui a fondé la chaîne d'information Al Jazeera. Les autorités de l'État arabe accordent une grande attention à la culture.

2

"Numéro 5"

Auteur

Jackson Pollock

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1912–1956
Style expressionisme abstrait

Jack the Sprinkler - un tel surnom a été donné à Pollock par le public américain pour sa technique de peinture particulière. L'artiste a abandonné le pinceau et le chevalet et a versé la peinture sur la surface de la toile ou du panneau de fibres de bois lors d'un mouvement continu autour et à l'intérieur de ceux-ci. Dès son plus jeune âge, il affectionne la philosophie de Jiddu Krishnamurti, dont le message principal est que la vérité se révèle lors d'un "effusion" libre.

122x244cm
1948
prix
140 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Sotheby's

La valeur du travail de Pollock n'est pas dans le résultat, mais dans le processus. L'auteur n'a pas accidentellement appelé son art "action painting". Avec sa main légère, il est devenu le principal atout de l'Amérique. Jackson Pollock a mélangé de la peinture avec du sable, du verre brisé, et a écrit avec un morceau de carton, un couteau à palette, un couteau, une pelle. L'artiste était si populaire que dans les années 1950, il y avait même des imitateurs en URSS. Le tableau "Numéro 5" est reconnu comme l'un des plus étranges et des plus chers au monde. L'un des fondateurs de DreamWorks, David Geffen, l'a acheté pour une collection privée et l'a vendu en 2006 chez Sotheby's pour 140 millions de dollars au collectionneur mexicain David Martinez. Cependant, le cabinet d'avocats a rapidement publié un communiqué de presse au nom de son client indiquant que David Martinez n'était pas le propriétaire du tableau. Une seule chose est certaine : le financier mexicain a en effet récemment collectionné des œuvres d'art contemporain. Il est peu probable qu'il ait raté un tel gros poisson", comme le "Numéro 5" de Pollock.

3

"Femme 3"

Auteur

Willem de Kooning

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1904–1997
Style expressionisme abstrait

Originaire des Pays-Bas, il a émigré aux États-Unis en 1926. En 1948, une exposition personnelle de l'artiste a lieu. Les critiques d'art appréciaient les compositions complexes et nerveuses en noir et blanc, reconnaissant en leur auteur un grand artiste moderniste. Pendant la majeure partie de sa vie, il a souffert d'alcoolisme, mais la joie de créer un nouvel art se ressent dans chaque œuvre. De Kooning se distingue par l'impulsivité de la peinture, les traits larges, c'est pourquoi parfois l'image ne rentre pas dans les limites de la toile.

121x171cm
1953
prix
137 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères privées

Dans les années 1950, des femmes aux yeux vides, aux seins massifs et aux traits laids apparaissent dans les peintures de de Kooning. "Femme III" est devenue dernier ouvrage de cette série, les enchères.

Depuis les années 1970, le tableau est conservé au Musée d'art moderne de Téhéran, mais après l'introduction de règles morales strictes dans le pays, ils ont cherché à s'en débarrasser. En 1994, l'œuvre a été sortie d'Iran et 12 ans plus tard, son propriétaire David Geffen (le même producteur qui a vendu "Number 5" de Jackson Pollock) a vendu la peinture au millionnaire Stephen Cohen pour 137,5 millions de dollars. Il est intéressant de noter qu'en un an, Geffen a commencé à vendre sa collection de peintures. Cela a donné lieu à de nombreuses rumeurs : par exemple, que le producteur aurait décidé de racheter le Los Angeles Times.

Lors de l'un des forums d'art, une opinion a été exprimée sur la similitude de "Femme III" avec le tableau de Léonard de Vinci "Dame à l'hermine". Derrière le sourire à pleines dents et la silhouette informe de l'héroïne, le connaisseur en peinture discerne la grâce d'une personne de sang royal. En témoigne également la couronne mal tracée couronnant la tête d'une femme.

4

"Portrait d'AdèleBloch-Bauer I"

Auteur

Gustave Klimt

Un pays L'Autriche
Années de vie 1862–1918
Style moderne

Gustav Klimt est né dans la famille d'un graveur et était le deuxième de sept enfants. Trois fils d'Ernest Klimt sont devenus artistes, et seul Gustav est devenu célèbre dans le monde entier. Il a passé la majeure partie de son enfance dans la pauvreté. Après la mort de son père, il était responsable de toute la famille. C'est à cette époque que Klimt développe son style. Devant ses toiles, tout spectateur se fige : sous les fines touches d'or, l'érotisme franc est bien visible.

138x136cm
1907
prix
135 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Sotheby's

Le destin du tableau, qui s'appelle la "Mona Lisa autrichienne", pourrait facilement devenir la base d'un best-seller. Le travail de l'artiste est devenu la cause du conflit de tout l'État et d'une dame âgée.

Ainsi, le « Portrait d'Adele Bloch-Bauer I » représente une aristocrate, l'épouse de Ferdinand Bloch. Sa dernière volonté était de transférer le tableau à la Galerie nationale autrichienne. Cependant, Bloch a annulé la donation dans son testament et les nazis ont exproprié le tableau. Plus tard, la galerie a à peine racheté la Golden Adele, mais l'héritière est apparue - Maria Altman, la nièce de Ferdinand Bloch.

En 2005, le procès très médiatisé "Maria Altman contre la République d'Autriche" a commencé, à la suite duquel la photo "est partie" avec elle à Los Angeles. L'Autriche a pris des mesures sans précédent : des prêts ont été négociés, la population a donné de l'argent pour acheter le portrait. Le bien n'a jamais vaincu le mal : Altman a augmenté le prix à 300 millions de dollars. Au moment du procès, elle avait 79 ans et elle est entrée dans l'histoire comme la personne qui a changé la volonté de Bloch-Bauer en faveur d'intérêts personnels. Le tableau a été acheté par Ronald Lauder, propriétaire de la New Gallery à New York, où il se trouve encore aujourd'hui. Pas pour l'Autriche, pour lui Altman a réduit le prix à 135 millions de dollars.

5

"Crier"

Auteur

Edvard Munch

Un pays Norvège
Années de vie 1863–1944
Style expressionnisme

Premier tableau de Munch, devenu célèbre dans le monde entier, "La petite malade" (existe en cinq exemplaires) est dédié à la sœur de l'artiste, décédée de la tuberculose à l'âge de 15 ans. Munch a toujours été intéressé par le thème de la mort et de la solitude. En Allemagne, sa peinture lourde et maniaque fait même scandale. Cependant, malgré les intrigues déprimantes, ses peintures ont un magnétisme particulier. Prenez au moins "Scream".

73,5x91cm
1895
prix
119,992 millions de dollars
vendu dans 2012
aux enchères Sotheby's

Le nom complet du tableau est Der Schrei der Natur (traduit de l'allemand par « le cri de la nature »). Le visage d'une personne ou d'un extraterrestre exprime le désespoir et la panique - le spectateur ressent les mêmes émotions en regardant l'image. L'une des œuvres phares de l'expressionnisme met en garde contre des thèmes devenus aigus dans l'art du XXe siècle. Selon une version, l'artiste l'a créé sous l'influence d'un trouble mental, dont il a souffert toute sa vie.

Le tableau a été volé deux fois dans différents musées, mais il a été restitué. Légèrement endommagé après le vol, Le Cri a été restauré et était prêt à être présenté à nouveau au Musée Munch en 2008. Pour les représentants de la culture pop, le travail est devenu une source d'inspiration: Andy Warhol a créé une série de ses estampes-copies, et le masque du film "Scream" a été réalisé à l'image et à la ressemblance du héros de l'image.

Pour une parcelle, Munch a écrit quatre versions de l'œuvre : celle d'une collection privée est réalisée au pastel. Le milliardaire norvégien Petter Olsen l'a mis aux enchères le 2 mai 2012. L'acheteur était Leon Black, qui n'a pas regretté "Scream" un montant record. Fondateur d'Apollo Advisors, L.P. et Lion Advisors, L.P. connu pour son amour de l'art. Black est un mécène du Dartmouth College, du Museum of Modern Art, du Lincoln Art Center, Musée de la capitale arts. Il possède la plus grande collection de peintures artistes contemporains et les maîtres classiques des siècles passés.

6

"Nu sur fond de buste et feuilles vertes"

Auteur

Pablo Picasso

Un pays Espagne, France
Années de vie 1881–1973
Style cubisme

D'origine il est Espagnol, mais d'esprit et de lieu de résidence c'est un vrai Français. Picasso a ouvert son propre studio d'art à Barcelone alors qu'il n'avait que 16 ans. Puis il se rendit à Paris et y passa la majeure partie de sa vie. C'est pourquoi il y a un double accent dans son nom de famille. Le style inventé par Picasso repose sur le déni de l'opinion selon laquelle l'objet représenté sur la toile ne peut être vu que sous un seul angle.

130x162cm
1932
prix
106,482 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Christie's

Au cours de son travail à Rome, l'artiste a rencontré la danseuse Olga Khokhlova, qui est rapidement devenue sa femme. Il mit fin au vagabondage, s'installa avec elle dans un luxueux appartement. À ce moment-là, la reconnaissance avait trouvé un héros, mais le mariage était détruit. L'un des tableaux les plus chers au monde a été créé presque par accident - par grand amour, qui, comme toujours avec Picasso, a été de courte durée. En 1927, il s'intéresse à la jeune Marie-Thérèse Walter (elle a 17 ans, il en a 45). En secret de sa femme, il part avec sa maîtresse pour une ville proche de Paris, où il peint un portrait représentant Marie-Thérèse à l'image de Daphné. Le tableau a été acheté par le marchand new-yorkais Paul Rosenberg et vendu en 1951 à Sidney F. Brody. Les Brody n'ont montré le tableau au monde qu'une seule fois, et uniquement parce que l'artiste avait 80 ans. Après la mort de son mari, Mme Brody a mis l'œuvre aux enchères chez Christie's en mars 2010. En six décennies, le prix a augmenté de plus de 5 000 fois ! Un collectionneur inconnu l'a acheté pour 106,5 millions de dollars. En 2011, une «exposition d'une peinture» a eu lieu en Grande-Bretagne, où elle a vu le jour pour la deuxième fois, mais le nom du propriétaire est encore inconnu.

7

"Huit Elvis"

Auteur

Andy Warhol

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1928-1987
Style
pop Art

"Le sexe et les fêtes sont les seuls endroits où vous devez apparaître en personne", a déclaré l'artiste pop culte, réalisateur et l'un des fondateurs du magazine Interview, le designer Andy Warhol. Il a travaillé avec Vogue et Harper's Bazaar, conçu des pochettes de disques et conçu des chaussures pour I.Miller. Dans les années 1960, apparaissent des peintures représentant les symboles de l'Amérique : la soupe Campbell et Coca-Cola, Presley et Monroe - qui font de lui une légende.

358x208cm
1963
prix
100 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères privées

Les années 60 de Warhol - la soi-disant ère du pop art en Amérique. En 1962, il travaille à Manhattan au Factory Studio, où se retrouve toute la bohème de New York. Ses représentants les plus brillants : Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote et d'autres personnalités célèbres dans le monde. Parallèlement, Warhol s'essaie à la technique de la sérigraphie - répétitions multiples d'une même image. Il a également utilisé cette méthode lors de la création de "Eight Elvises": le spectateur semble voir des images d'un film où la star prend vie. Tout ce que l'artiste a tant aimé est ici : une image publique gagnant-gagnant, une couleur argentée et une prémonition de la mort comme message principal.

Deux marchands d'art font aujourd'hui la promotion de l'œuvre de Warhol sur le marché mondial : Larry Gagosian et Alberto Mugrabi. Le premier en 2008 a dépensé 200 millions de dollars pour acheter plus de 15 œuvres de Warhol. Le second achète et revend ses toiles comme des cartes de Noël, seulement plus chères. Mais ce n'était pas eux, mais l'humble consultant en art français Philippe Segalo qui a aidé le connaisseur d'art romain Annibale Berlinghieri à vendre les Huit Elvis à un acheteur inconnu pour un record de Warhol de 100 millions de dollars.

8

"Orange,Rouge jaune"

Auteur

Marc Rothko

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1903–1970
Style expressionisme abstrait

L'un des créateurs de la peinture sur champ de couleur est né à Dvinsk, en Russie (aujourd'hui Daugavpils, en Lettonie), dans une famille nombreuse d'un pharmacien juif. En 1911, ils ont émigré aux États-Unis. Rothko a étudié au département d'art de l'Université de Yale, a obtenu une bourse, mais les sentiments antisémites l'ont forcé à abandonner ses études. Malgré tout, les critiques d'art ont idolâtré l'artiste, et les musées l'ont poursuivi toute sa vie.

206x236cm
1961
prix
86,882 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Christie's

Les premières expériences artistiques de Rothko étaient d'orientation surréaliste, mais au fil du temps, il a simplifié l'intrigue pour colorer les taches, les privant de toute objectivité. Au début, ils avaient des teintes vives, et dans les années 1960, ils étaient remplis de brun, de violet, s'épaississant au noir au moment de la mort de l'artiste. Mark Rothko a mis en garde contre toute recherche de sens dans ses peintures. L'auteur a voulu dire exactement ce qu'il a dit : seulement la couleur qui se dissout dans l'air, et rien de plus. Il recommandait de regarder les œuvres à une distance de 45 cm, afin que le spectateur soit « entraîné » dans la couleur, comme dans un entonnoir. Attention : regarder en respectant toutes les règles peut conduire à l'effet de la méditation, c'est-à-dire que la prise de conscience de l'infini vient progressivement, l'immersion complète en soi, la relaxation, la purification. La couleur de ses peintures vit, respire et a un fort impact émotionnel (on dit parfois qu'elle guérit). L'artiste a déclaré: "Le spectateur devrait pleurer en les regardant" - et il y a vraiment eu de tels cas. Selon la théorie de Rothko, en ce moment, les gens vivent la même expérience spirituelle qu'il a eue en travaillant sur l'image. Si vous avez réussi à le comprendre à un niveau aussi subtil, alors ne soyez pas surpris que ces œuvres d'abstractionnisme soient souvent comparées par les critiques à des icônes.

L'œuvre "Orange, Rouge, Jaune" exprime l'essence de la peinture de Mark Rothko. Son coût initial aux enchères de Christie's à New York est de 35 à 45 millions de dollars. Un acheteur inconnu a proposé un prix le double de l'estimation. Le nom de l'heureux propriétaire du tableau, comme c'est souvent le cas, n'a pas été dévoilé.

9

"Triptyque"

Auteur

Francis Bacon

Un pays
Grande Bretagne
Années de vie 1909–1992
Style expressionnisme

Les aventures de Francis Bacon, homonyme à part entière et, de surcroît, descendant lointain du grand philosophe, ont commencé lorsque son père l'a renié, incapable d'accepter les penchants homosexuels de son fils. Bacon se rend d'abord à Berlin, puis à Paris, puis ses traces se confondent dans toute l'Europe. Même de son vivant, ses œuvres ont été exposées dans les principaux centres culturels du monde, notamment le musée Guggenheim et la galerie Tretiakov.

147,5x198 cm (chacun)
1976
prix
86,2 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Sotheby's

Des musées prestigieux s'efforçaient de posséder des peintures de Bacon, mais le public anglais primitif n'était pas pressé de débourser pour un tel art. La légendaire Premier ministre britannique Margaret Thatcher a dit de lui : « L'homme qui peint ces images horribles.

Période de départ dans son travail, l'artiste lui-même considérait l'après-guerre. De retour du service, il reprend la peinture et crée les principaux chefs-d'œuvre. Avant la participation de "Triptyque, 1976" à la vente aux enchères, l'œuvre la plus chère de Bacon était "Étude pour un portrait du pape Innocent X" (52,7 millions de dollars). Dans "Triptyque, 1976", l'artiste a représenté intrigue mythique persécution d'Oreste par les furies. Bien sûr, Oreste est Bacon lui-même, et les furies sont ses tourments. Pendant plus de 30 ans, le tableau était dans une collection privée et n'a pas participé à des expositions. Ce fait lui donne une valeur particulière et, par conséquent, augmente le coût. Mais qu'est-ce que quelques millions pour un connaisseur d'art, et même généreux en russe ? Roman Abramovich a commencé à créer sa collection dans les années 1990, en cela il a été considérablement influencé par sa petite amie Dasha Zhukova, qui est devenue la Russie moderne galeriste de mode. Selon des données non officielles, l'homme d'affaires possède des œuvres d'Alberto Giacometti et de Pablo Picasso, achetées pour des montants dépassant les 100 millions de dollars. En 2008, il devient propriétaire du Triptyque. Soit dit en passant, en 2011, une autre œuvre précieuse de Bacon a été acquise - "Trois esquisses pour un portrait de Lucian Freud". Des sources cachées disent que Roman Arkadievich est redevenu l'acheteur.

10

"Étang aux nénuphars"

Auteur

Claude Monet

Un pays France
Années de vie 1840–1926
Style impressionnisme

L'artiste est reconnu comme le fondateur de l'impressionnisme, qui a "breveté" cette méthode dans ses toiles. La première œuvre significative fut le tableau "Petit déjeuner sur l'herbe" (la version originale de l'œuvre d'Edouard Manet). Dans sa jeunesse, il a dessiné des caricatures, et vraie peinture pris lors de ses voyages le long de la côte et à l'extérieur. A Paris, il mène une vie de bohème et ne la quitte pas même après avoir servi dans l'armée.

210x100cm
1919
prix
80,5 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Christie's

Outre le fait que Monet était un grand artiste, il s'adonnait aussi avec enthousiasme au jardinage, adorait faune et fleurs. Dans ses paysages, l'état de nature est momentané, les objets semblent floutés par le mouvement de l'air. L'impression est renforcée par de grands traits, à partir d'une certaine distance, ils deviennent invisibles et se fondent dans une image texturée en trois dimensions. Dans la peinture de feu Monet, une place particulière est occupée par le thème de l'eau et de la vie en elle. Dans la ville de Giverny, l'artiste possédait son propre étang, où il faisait pousser des nénuphars à partir de graines qu'il avait spécialement apportées du Japon. Lorsque leurs fleurs ont fleuri, il a commencé à peindre. La série des Nymphéas se compose de 60 œuvres que l'artiste a peintes pendant près de 30 ans, jusqu'à sa mort. Sa vision s'est détériorée avec l'âge, mais il ne s'est pas arrêté. En fonction du vent, de la saison et du temps, la vue sur l'étang changeait constamment et Monet voulait capturer ces changements. Grâce à un travail minutieux, une compréhension de l'essence de la nature lui est venue. Certaines des peintures de la série sont conservées dans les plus grandes galeries du monde : National Museum art occidental(Tokyo), Orangerie (Paris). La version du prochain "L'étang aux nénuphars" est passée entre les mains d'un acheteur inconnu pour un montant record.

11

Fausse étoile t

Auteur

Jasper Johns

Un pays Etats-Unis
Année de naissance 1930
Style pop Art

En 1949, Jones entre à l'école de design de New York. Avec Jackson Pollock, Willem de Kooning et d'autres, il est reconnu comme l'un des principaux artistes du XXe siècle. En 2012, il a reçu la médaille présidentielle de la liberté, la plus haute distinction civile aux États-Unis.

137,2x170,8cm
1959
prix
80 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères privées

Comme Marcel Duchamp, Jones a travaillé avec des objets réels, les représentant sur toile et en sculpture en pleine conformité avec l'original. Pour ses œuvres, il a utilisé des objets simples et compréhensibles pour tous : une bouteille de bière, un drapeau ou des cartes. Il n'y a pas de composition claire dans l'image False Start. L'artiste semble jouer avec le spectateur, signant souvent "incorrectement" les couleurs dans l'image, bouleversant le concept même de couleur : "Je voulais trouver un moyen de représenter la couleur afin qu'elle puisse être déterminée par un autre méthode." Son tableau le plus explosif et "précaire", selon les critiques, a été acquis par un acheteur inconnu.

12

"Assisenusur le divan"

Auteur

Amédée Modigliani

Un pays Italie, France
Années de vie 1884–1920
Style expressionnisme

Modigliani fut souvent malade dès l'enfance, lors d'un délire fébrile, il reconnut son destin d'artiste. Il étudie le dessin à Livourne, Florence, Venise, et en 1906 il part pour Paris, où son art s'épanouit.

65x100cm
1917
prix
68,962 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Sotheby's

En 1917, Modigliani rencontre Jeanne Hebuterne, 19 ans, qui deviendra son modèle puis sa femme. En 2004, un de ses portraits s'est vendu 31,3 millions de dollars, dernier record avant la vente de Nu assis sur un canapé en 2010. Le tableau a été acheté par un acheteur inconnu au prix maximum de Modigliani en ce moment. Ventes actives les travaux n'ont commencé qu'après la mort de l'artiste. Il mourut dans la misère, atteint de tuberculose, et le lendemain, Jeanne Hébuterne, enceinte de neuf mois, se suicida également.

13

"Aigle sur un pin"

Auteur

Qi Baishi

Un pays Chine
Années de vie 1864–1957
Style guohua

L'intérêt pour la calligraphie a conduit Qi Baishi à peindre. À l'âge de 28 ans, il devient l'élève de l'artiste Hu Qingyuan. Le Ministère de la Culture de Chine lui a décerné le titre de "Grand Artiste du Peuple Chinois", en 1956 il a reçu le Prix International de la Paix.

10x26cm
1946
prix
65,4 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Gardien de la Chine

Qi Baishi s'est intéressé à ces manifestations du monde environnant, auxquelles beaucoup n'attachent pas d'importance, et c'est sa grandeur. Un homme sans éducation est devenu un professeur et un créateur exceptionnel dans l'histoire. Pablo Picasso disait de lui : "J'ai peur d'aller dans votre pays, car il y a Qi Baishi en Chine." La composition "Eagle on a Pine Tree" est reconnue comme la plus grande œuvre de l'artiste. En plus de la toile, il comprend deux rouleaux hiéroglyphiques. Pour la Chine, le montant pour lequel le produit a été acheté est un record - 425,5 millions de yuans. Seul le rouleau de l'ancien calligraphe Huang Tingjian a été vendu pour 436,8 millions de dollars.

14

"1949-A-#1"

Auteur

Clifford Encore

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1904–1980
Style expressionisme abstrait

À l'âge de 20 ans, il visite le Metropolitan Museum of Art de New York et est déçu. Plus tard, il s'est inscrit à un cours de ligue des arts pour étudiants, mais est parti 45 minutes après le début du cours - il s'est avéré que ce n'était «pas le sien». La première exposition personnelle a fait écho, l'artiste s'est retrouvé, et avec lui la reconnaissance

79x93cm
1949
prix
61,7 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

Toutes ses oeuvres, qui sont plus de 800 toiles et 1600 oeuvres sur papier, sont encore léguées à la ville américaine, où un musée qui porte son nom sera ouvert. Denver est devenue une telle ville, mais seule la construction a coûté cher aux autorités, et quatre œuvres ont été mises aux enchères pour l'achever. Il est peu probable que les œuvres de Still soient à nouveau mises aux enchères, ce qui a augmenté leur prix à l'avance. La peinture "1949-A-No.1" s'est vendue pour un montant record pour l'artiste, bien que les experts aient prédit la vente d'un maximum de 25 à 35 millions de dollars.

15

"Composition suprématiste"

Auteur

Kasimir Malevitch

Un pays Russie
Années de vie 1878–1935
Style Suprématisme

Malevich a étudié la peinture à l'école d'art de Kyiv, puis à l'Académie des arts de Moscou. En 1913, il commence à peindre des peintures géométriques abstraites dans un style qu'il appelle Suprématisme (du latin « domination »).

71 x 88,5 cm
1916
prix
60 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Sotheby's

Le tableau a été conservé au musée de la ville d'Amsterdam pendant environ 50 ans, mais après une dispute de 17 ans avec les proches de Malevich, le musée l'a donné. L'artiste a peint cette œuvre la même année que Le Manifeste du suprématisme, donc Sotheby's avant même la vente aux enchères a annoncé qu'elle n'irait pas dans une collection privée pour moins de 60 millions de dollars. Et c'est arrivé. Il vaut mieux la regarder d'en haut : les figures sur la toile ressemblent à une vue aérienne de la terre. Soit dit en passant, quelques années plus tôt, les mêmes parents ont exproprié une autre "composition suprématiste" du musée du MoMA afin de la vendre à Phillips pour 17 millions de dollars.

16

"Baigneurs"

Auteur

Paul Gauguin

Un pays France
Années de vie 1848–1903
Style post-impressionnisme

Jusqu'à l'âge de sept ans, l'artiste vit au Pérou, puis revient en France avec sa famille, mais des souvenirs d'enfance le poussent sans cesse à voyager. En France, il commence à peindre, se lie d'amitié avec Van Gogh. Il passera même plusieurs mois avec lui à Arles, jusqu'à ce que Van Gogh se coupe l'oreille lors d'une querelle.

93,4x60,4cm
1902
prix
55 millions de dollars
vendu en 2005
aux enchères Sotheby's

En 1891, Gauguin organisa une vente de ses tableaux afin d'utiliser le produit pour pénétrer profondément dans l'île de Tahiti. Il y crée des œuvres dans lesquelles on peut sentir le lien subtil entre la nature et l'homme. Gauguin vivait dans une hutte au toit de chaume et un paradis tropical fleurissait sur ses toiles. Sa femme était une tahitienne Tehura de 13 ans, ce qui n'a pas empêché l'artiste de se livrer à la promiscuité. Ayant contracté la syphilis, il partit pour la France. Cependant, Gauguin y était à l'étroit, et il retourna à Tahiti. Cette période est appelée la "seconde tahitienne" - c'est alors que fut peint le tableau "Baigneuses", l'un des plus luxueux de son œuvre.

17

"Des jonquilles et une nappe en bleu et rose"

Auteur

Henri Matisse

Un pays France
Années de vie 1869–1954
Style Fauvisme

En 1889, Henri Matisse a une crise d'appendicite. Lorsqu'il s'est remis de l'opération, sa mère lui a acheté de la peinture. D'abord, par ennui, Matisse a copié des cartes postales colorées, puis - les œuvres de grands peintres qu'il a vues au Louvre, et au début du XXe siècle, il a inventé un style - le fauvisme.

65.2x81cm
1911
prix
46,4 millions de dollars
vendu en 2009
aux enchères Christie's

Le tableau « Jonquilles et une nappe en bleu et rose » a longtemps appartenu à Yves Saint Laurent. Après la mort du couturier, toute sa collection d'art passe entre les mains de son ami et amant Pierre Berger, qui décide de la mettre aux enchères chez Christie's. La perle de la collection vendue était le tableau "Des jonquilles et une nappe en bleu et rose", peint sur une nappe ordinaire au lieu de toile. Comme exemple de fauvisme, il est rempli de l'énergie de la couleur, les couleurs semblent exploser et crier. De la série bien connue des peintures sur nappes, cette œuvre est aujourd'hui la seule qui se trouve dans une collection privée.

18

"Fille endormie"

Auteur

RoyLee

chtenstein

Un pays Etats-Unis
Années de vie 1923–1997
Style pop Art

L'artiste est né à New York et, après avoir obtenu son diplôme, il est allé dans l'Ohio, où il a suivi des cours d'art. En 1949, Liechtenstein a obtenu son diplôme de maîtrise en beaux-arts. L'intérêt pour la bande dessinée et la capacité d'ironie ont fait de lui un artiste culte du siècle dernier.

91x91cm
1964
prix
44,882 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Sotheby's

Une fois, le chewing-gum est tombé entre les mains du Liechtenstein. Il a redessiné l'image de l'encart sur la toile et est devenu célèbre. Cette intrigue de sa biographie contient tout le message du pop art : la consommation est le nouveau dieu, et dans un emballage de chewing-gum moins de beauté que dans Mona Lisa. Ses peintures rappellent les bandes dessinées et les dessins animés: Lichtenstein a simplement agrandi l'image finie, dessiné des trames, utilisé la sérigraphie et la sérigraphie. Le tableau "Sleeping Girl" a appartenu aux collectionneurs Beatrice et Philip Gersh pendant près de 50 ans, dont les héritiers l'ont vendu aux enchères.

19

"La victoire. Boogie Woogie"

Auteur

Piet Mondrian

Un pays Pays-Bas
Années de vie 1872–1944
Style néoplasticisme

De son vrai nom - Cornelis - l'artiste a changé pour Mondrian lorsqu'il s'est installé à Paris en 1912. Avec l'artiste Theo van Doesburg, il a fondé le mouvement néoplastique. Le langage de programmation Piet porte le nom de Mondrian.

27x127cm
1944
prix
40 millions de dollars
vendu en 1998
aux enchères Sotheby's

Le plus "musical" des artistes du XXe siècle vivait des natures mortes à l'aquarelle, même s'il s'est fait connaître comme artiste néoplastique. Il a déménagé aux États-Unis dans les années 1940 et y a passé le reste de sa vie. Jazz et New York - c'est ce qui l'a le plus inspiré ! Tableau "Victoire. Boogie Woogie en est le meilleur exemple. Des carrés soignés "de marque" ont été obtenus grâce à l'utilisation de ruban adhésif - le matériau préféré de Mondrian. En Amérique, il était appelé "l'immigrant le plus célèbre". Dans les années 60, Yves Saint Laurent réalise les célèbres robes "Mondrian" à grands carreaux colorés.

20

"Composition n° 5"

Auteur

BasilicKandinsky

Un pays Russie
Années de vie 1866–1944
Style avant-garde

L'artiste est né à Moscou et son père était originaire de Sibérie. Après la révolution, il tente de coopérer avec les autorités soviétiques, mais se rend vite compte que les lois du prolétariat n'ont pas été créées pour lui, et émigre en Allemagne non sans difficultés.

275x190cm
1911
prix
40 millions de dollars
vendu en 2007
aux enchères Sotheby's

Kandinsky a été l'un des premiers à abandonner complètement la peinture d'objet, pour laquelle il a reçu le titre de génie. Pendant le nazisme en Allemagne, ses peintures ont été classées comme "art dégénéré" et n'ont été exposées nulle part. En 1939, Kandinsky prend la nationalité française, à Paris il participe librement au processus artistique. Ses peintures « sonnent » comme des fugues, c'est pourquoi beaucoup sont appelées « compositions » (la première a été écrite en 1910, la dernière en 1939). "Composition n°5" est l'une des œuvres phares de ce genre : "Le mot "composition" sonnait comme une prière pour moi", a déclaré l'artiste. Contrairement à de nombreux adeptes, il a prévu ce qu'il représenterait sur une immense toile, comme s'il écrivait des notes.

21

"Étude d'une femme en bleu"

Auteur

Fernand Léger

Un pays France
Années de vie 1881–1955
Style cubisme-postimpressionnisme

Léger a reçu une formation d'architecte, puis a été étudiant à l'École des beaux-arts de Paris. L'artiste se considérait comme un disciple de Cézanne, était un apologiste du cubisme et, au XXe siècle, il avait également du succès en tant que sculpteur.

96,5x129,5cm
1912-1913
prix
39,2 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Sotheby's

David Normann, président de Sotheby's International Impressionism and Modernism, estime que l'énorme somme versée pour La Dame en bleu est entièrement justifiée. Le tableau appartient à la célèbre collection Léger (l'artiste a peint trois tableaux sur une seule parcelle, le dernier d'entre eux est aujourd'hui entre des mains privées. - NDLR), et la surface de la toile a été conservée dans sa forme d'origine. L'auteur a lui-même donné cette œuvre à la galerie Der Sturm, puis elle s'est retrouvée dans la collection d'Hermann Lang, un collectionneur allemand de modernisme, et appartient désormais à un acheteur inconnu.

22

"Scène de rue. Berlin"

Auteur

Ernst LudwigKirchner

Un pays Allemagne
Années de vie 1880–1938
Style expressionnisme

Pour l'expressionnisme allemand, Kirchner est devenu une personne marquante. Cependant, les autorités locales l'accusent d'adhérer à "l'art dégénéré", ce qui affectera tragiquement le sort de ses peintures et la vie de l'artiste, qui se suicidera en 1938.

95x121cm
1913
prix
38,096 millions de dollars
vendu en 2006
aux enchères Christie's

Après avoir déménagé à Berlin, Kirchner a créé 11 croquis de scènes de rue. Il a été inspiré par l'agitation et la nervosité de la grande ville. Dans le tableau, vendu en 2006 à New York, l'angoisse de l'artiste est particulièrement aiguë : les gens dans une rue de Berlin ressemblent à des oiseaux - gracieux et dangereux. Elle était la dernière œuvre de la célèbre série, vendue aux enchères, le reste est conservé dans des musées. En 1937, les nazis traitent brutalement Kirchner : 639 de ses œuvres sont saisies dans des galeries allemandes, détruites ou vendues à l'étranger. L'artiste n'a pas pu survivre à cela.

23

"ReposDanseur"

Auteur

Edgar Degas

Un pays France
Années de vie 1834–1917
Style impressionnisme

L'histoire de Degas en tant qu'artiste commence avec le fait qu'il travaille comme copiste au Louvre. Il rêvait de devenir "célèbre et inconnu", et à la fin il a réussi. À la fin de sa vie, sourd et aveugle, Degas, 80 ans, continue d'assister aux expositions et aux ventes aux enchères.

64x59cm
1879
prix
37,043 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Sotheby's

"Les ballerines n'ont toujours été pour moi qu'un prétexte pour représenter les tissus et capturer le mouvement", a déclaré Degas. Les scènes de la vie des danseuses semblent être épiées : les filles ne posent pas pour l'artiste, mais s'inscrivent simplement dans l'atmosphère captée par le regard de Degas. The Resting Dancer s'est vendu pour 28 millions de dollars en 1999, et moins de 10 ans plus tard, il a été acheté pour 37 millions de dollars - aujourd'hui c'est le plus travail coûteux artiste jamais mis aux enchères. Degas accordait beaucoup d'attention aux cadres, il les dessinait lui-même et interdisait d'en changer. Je me demande quel cadre est installé sur le tableau vendu ?

24

"Peinture"

Auteur

Juan Miró

Un pays Espagne
Années de vie 1893–1983
Style art abstrait

Pendant la guerre civile espagnole, l'artiste était du côté des républicains. En 1937, il fuit le pouvoir fasciste pour Paris, où il vit dans la misère avec sa famille. Pendant cette période, Miro peint le tableau "Help Spain!", Attirant l'attention du monde entier sur la domination du fascisme.

89x115cm
1927
prix
36,824 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Sotheby's

Le deuxième nom du tableau est "Blue Star". L'artiste l'a écrit la même année lorsqu'il a annoncé: «Je veux tuer la peinture» et s'est moqué sans pitié des toiles, grattant la peinture avec des ongles, collant des plumes sur la toile, recouvrant l'œuvre d'ordures. Son objectif était de démystifier les mythes sur le mystère de la peinture, mais, ayant fait face à cela, Miro a créé son propre mythe - une abstraction surréaliste. Sa "Peinture" fait référence au cycle des "images-rêves". Quatre acheteurs se sont battus pour l'obtenir lors de la vente aux enchères, mais un appel téléphonique incognito a réglé le différend et "La peinture" est devenue la peinture la plus chère de l'artiste.

25

"Rose bleue"

Auteur

Yves Klein

Un pays France
Années de vie 1928–1962
Style peinture monochrome

L'artiste est né dans une famille de peintres, mais a étudié les langues orientales, la navigation, le métier de doreur de cadres, le bouddhisme zen et bien plus encore. Sa personnalité et ses bouffonneries impudentes étaient bien plus intéressantes que les peintures monochromes.

153x199x16cm
1960
prix
36,779 millions de dollars
vendu en 2012
à la vente aux enchères Christie's

La première exposition d'œuvres unies jaune, orange, rose n'a pas suscité l'intérêt du public. Klein a été offensé et la fois suivante, il a présenté 11 toiles identiques, peintes avec de l'outremer mélangé à une résine synthétique spéciale. Il a même breveté cette méthode. La couleur est entrée dans l'histoire sous le nom de "International Klein Blue". L'artiste a également vendu le vide, créé des peintures en exposant du papier à la pluie, en mettant le feu à du carton, en réalisant des impressions d'un corps humain sur toile. En un mot, j'ai expérimenté du mieux que j'ai pu. Pour créer la "Rose Bleue", j'ai utilisé des pigments secs, des résines, des galets et une éponge naturelle.

26

"À la recherche de Moïse"

Auteur

Sir Lawrence Alma-Tadema

Un pays Grande Bretagne
Années de vie 1836–1912
Style néoclassicisme

Sir Lawrence lui-même a ajouté le préfixe "alma" à son nom de famille afin d'apparaître en premier dans les catalogues d'art. Dans l'Angleterre victorienne, ses peintures étaient si demandées que l'artiste a été nommé chevalier.

213,4x136,7cm
1902
prix
35,922 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

Le thème principal de l'œuvre d'Alma-Tadema était l'antiquité. Sur les photos, il a essayé de les moindres détails dépeignent l'ère de l'Empire romain, pour cela il a même engagé des fouilles archéologiques sur la péninsule des Apennins, et dans sa maison de Londres, il a reproduit l'intérieur historique de ces années. Les histoires mythologiques sont devenues pour lui une autre source d'inspiration. L'artiste fut très demandé de son vivant, mais après sa mort il fut vite oublié. Désormais, l'intérêt revit, comme en témoigne le coût du tableau "A la recherche de Moïse", sept fois supérieur à l'estimation d'avant-vente.

27

"Portrait d'un fonctionnaire nu endormi"

Auteur

Lucien Freud

Un pays Allemagne,
Grande Bretagne
Années de vie 1922–2011
Style peinture figurative

L'artiste est le petit-fils de Sigmund Freud, le père de la psychanalyse. Après l'établissement du fascisme en Allemagne, sa famille a émigré au Royaume-Uni. Les œuvres de Freud se trouvent dans la Wallace Collection à Londres, où aucun artiste contemporain n'a auparavant exposé.

219.1x151.4cm
1995
prix
33,6 millions de dollars
vendu En 2008
aux enchères Christie's

Au revoir artistes de la mode Le 20ème siècle a créé des "taches de couleur sur le mur" positives et les a vendues pour des millions, Freud a peint des peintures extrêmement naturalistes et les a vendues encore plus. "Je capture les cris de l'âme et la souffrance de la chair qui se flétrit", a-t-il déclaré. Les critiques pensent que tout cela est "l'héritage" de Sigmund Freud. Les peintures ont été si activement exposées et vendues avec succès que les experts ont eu un doute : ont-elles des propriétés hypnotiques ? Vendu aux enchères, "Portrait d'un fonctionnaire nu endormi", selon le Sun, a été acquis par le connaisseur de la beauté et milliardaire Roman Abramovich.

28

"Violon et guitare"

Auteur

Xun gris

Un pays Espagne
Années de vie 1887–1927
Style cubisme

Né à Madrid, où il est diplômé de l'École des Arts et Métiers. En 1906, il s'installe à Paris et entre dans le cercle des artistes les plus influents de l'époque : Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, travaille également avec Serge Diaghilev et sa troupe.

5x100cm
1913
prix
28,642 millions de dollars
vendu en 2010
aux enchères Christie's

Gris, selon ses propres mots, était engagé dans «l'architecture plane et colorée». Ses peintures sont pensées avec précision : il n'a pas laissé un seul trait accidentel, ce qui rend la créativité liée à la géométrie. L'artiste a créé sa propre version du cubisme, même s'il avait un grand respect pour Pablo Picasso, le père fondateur du mouvement. Le successeur lui dédie même sa première œuvre cubiste, Hommage à Picasso. Le tableau "Violon et Guitare" est reconnu comme exceptionnel dans l'oeuvre de l'artiste. De son vivant, Gris était connu, plébiscité par les critiques et les historiens de l'art. Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées du monde et sont conservées dans des collections privées.

29

"PortraitChamps d'Eluard»

Auteur

Salvador Dalí

Un pays Espagne
Années de vie 1904–1989
Style surréalisme

"Le surréalisme, c'est moi", a déclaré Dali lorsqu'il a été expulsé du groupe surréaliste. Au fil du temps, il est devenu l'artiste surréaliste le plus célèbre. Le travail de Dali est partout, pas seulement dans les galeries. Par exemple, c'est lui qui a imaginé l'emballage de Chupa-Chups.

25x33cm
1929
prix
20,6 millions de dollars
vendu en 2011
aux enchères Sotheby's

En 1929, le poète Paul Eluard et son épouse russe Gala viennent rendre visite au grand provocateur et bagarreur Dali. Cette rencontre a été le début d'une histoire d'amour qui a duré plus d'un demi-siècle. Le tableau "Portrait de Paul Eluard" a été peint justement lors de cette visite historique. "Je sentais qu'on m'avait confié le devoir de capturer le visage du poète, dont j'ai volé l'une des muses de l'Olympe", a déclaré l'artiste. Avant de rencontrer Gala, il était vierge et était dégoûté à l'idée d'avoir des relations sexuelles avec une femme. Le triangle amoureux a existé jusqu'à la mort d'Eluard, après quoi il est devenu le duo Dali-Gala.

30

"Anniversaire"

Auteur

Marc Chagall

Un pays Russie, France
Années de vie 1887–1985
Style avant-garde

Moishe Segal est né à Vitebsk, mais en 1910, il émigre à Paris, change de nom et se rapproche des principaux artistes d'avant-garde de l'époque. Dans les années 1930, lorsque les nazis prennent le pouvoir, il part aux États-Unis avec l'aide d'un consul américain. Il ne rentre en France qu'en 1948.

80x103cm
1923
prix
14,85 millions de dollars
vendu en 1990
aux enchères Sotheby's

Le tableau « Jubilee » est reconnu comme l'un des les meilleures oeuvres artiste. Il a toutes les caractéristiques de son travail : les lois physiques du monde sont gommées, le sentiment d'un conte de fées est préservé dans le décor de la vie petite-bourgeoise, et l'amour est au centre de l'intrigue. Chagall n'a pas tiré les gens de la nature, mais seulement de la mémoire ou de la fantaisie. Le tableau "Jubilee" représente l'artiste lui-même avec sa femme Bela. Le tableau a été vendu en 1990 et n'a pas été enchéri depuis. Fait intéressant, le New York Museum of Modern Art MoMA conserve exactement le même, uniquement sous le nom de "Birthday". Soit dit en passant, il a été écrit plus tôt - en 1915.

brouillon préparé
Tatiana Palasova
note compilée
selon la liste www.art-spb.ru
tmn magazine №13 (mai-juin 2013)

Art des XX - XXI siècles.

Peinture Comme l'art contemporain, la peinture contemporaine sous sa forme actuelle s'est formée dans les années 60-70 du XXe siècle. Il y avait des recherches d'alternatives au modernisme, et les principes opposés étaient souvent introduits. Les philosophes français ont introduit le terme "postmodernisme", et de nombreux artistes ont rejoint ce mouvement. L'art conceptuel et le minimalisme sont devenus les phénomènes artistiques les plus notables des années 60 et 70. Dans les années 70 et 80, les gens semblaient fatigués de l'art conceptuel et revenaient peu à peu à la figuration, à la couleur et à la figuration. Le milieu des années 80 a vu l'essor de mouvements culturels de masse tels que le campisme, l'art d'East Village et la néo-pop. La photographie est florissante - de plus en plus d'artistes commencent à s'y tourner comme moyen d'expression artistique. Le processus de l'art pictural a été fortement influencé par le développement de la technologie: dans les années 60 - la vidéo et l'audio, puis - les ordinateurs, et dans les années 90 - l'œuvre Internet de la collection de Viktor Bondarenko

Art réel En Russie dans les années 90, il y avait un terme "art réel", qui, bien que similaire au terme "art contemporain", ne lui est pas identique. Cela signifiait l'innovation dans l'art contemporain dans les idées et les moyens techniques. Elle est vite devenue dépassée, et la question de son entrée dans l'histoire de l'art moderne du 20ème ou 21ème siècle est ouverte. De plusieurs façons art contemporain les caractéristiques de l'avant-garde ont été attribuées, c'est-à-dire l'innovation, le radicalisme, les nouvelles techniques et techniques. Œuvres de la collection de Viktor Bondarenko Valery Koshlyakov "Embankment" Dubossarsky-Vinogradov "Land-champion"

Abstractionnisme L'abstractionnisme (lat. "abstractio" - retrait, distraction) est une direction de l'art non figuratif qui a abandonné la représentation de formes proches de la réalité dans la peinture et la sculpture. L'un des objectifs de l'abstractionnisme est de parvenir à "l'harmonisation", la création de certaines combinaisons de couleurs et de formes géométriques afin d'évoquer diverses associations chez le contemplateur. Mikhail Larionov "Red Rayonism" Wassily Kandinsky "Zershönesbild" Malevitch Kazimir "Grinder"

Le cubisme (cubisme français) est un courant d'avant-garde dans la peinture du XXe siècle, principalement dans la peinture, qui trouve son origine au début du XXe siècle et se caractérise par l'utilisation de formes conditionnelles emphatiquement géométrisées, la volonté de "fendre" le réel objets en primitives stéréométriques. Cubisme Picasso "Les Demoiselles d'Avignon" Juan Gris "Grappes de raisins" Fernand Léger "Les Bâtisseurs" Juan Gris "Le petit déjeuner"

Surréalisme Le surréalisme (surréalisme français - super-réalisme) est une nouvelle direction de la peinture, formée au début des années 1920 en France. Il se distingue par l'utilisation d'allusions et de combinaisons paradoxales de formes. Le concept principal du surréalisme, la surréalité est la combinaison du rêve et de la réalité. Pour ce faire, les surréalistes ont proposé une combinaison absurde et contradictoire d'images naturalistes à travers le collage et la technologie ready-made. Les surréalistes se sont inspirés de l'idéologie de la gauche radicale, mais ils ont proposé de commencer la révolution à partir de leur propre conscience. L'art a été conçu par eux comme le principal instrument de libération. Salvador Dali "La tentation de saint Antoine" Max Ernst "L'ange du foyer ou le triomphe du surréalisme" Rene Magritte "Le fils de l'homme" Wojtek Siudmak "Le monde des rêves et des illusions"

Modern Modern (du français moderne - moderne) ou Art nouveau (art nouveau français, littéralement "art nouveau") est une direction artistique dans l'art, plus populaire dans la seconde moitié du 19e - début du 20e siècle. Son caractéristiques distinctives sont : le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, "naturelles", l'intérêt pour les nouvelles technologies (notamment en architecture), l'épanouissement des arts appliqués. L'Art nouveau s'est efforcé de combiner les fonctions artistiques et utilitaires des œuvres créées, d'impliquer toutes les sphères de l'activité humaine dans la sphère de la beauté. Alphonse Mucha "Danse" Mikhail Vrubel "La Princesse Cygne" A. N. Benois "Mascarade sous Louis XIV" Mikhail Vrubel "Perle"

Art optique Op-art - une version abrégée de l'art optique - art optique) - un mouvement artistique de la seconde moitié du XXe siècle, utilisant diverses illusions visuelles basées sur les caractéristiques de la perception de figures plates et spatiales. Le courant poursuit la ligne rationaliste du technicisme (modernisme). Op art. s'efforce d'atteindre illusion d'optique mouvement d'un objet d'art immobile par influence psychophysiologique sur le public, leur activation. Jacob Agam "Nouveau paysage" Josef Albers "Usine A" Bridget Riley "Big Blue"

Ne représentez pas l'original, mais l'attitude à son égard (Pablo Picasso)

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Directions de l'art contemporain et des musées du monde. Nous manquons tous chroniquement de temps pour "absorber" toutes les informations dans tous les domaines qui nous intéressent, j'ai donc décidé de préparer ce guider vers art contemporain .

Il sera le plus concis possible. Nous aborderons les principaux domaines de l'art contemporain, ainsi que les musées les plus célèbres du monde de l'art contemporain, dans lesquels ils sont représentés. Soit dit en passant, cela peut servir d'incitation supplémentaire pour de nouveaux voyages !

À la fin de l'article, vous trouverez une revue vidéo de l'un des plus musées intéressants —Théâtre-Musée de Salvador Dali à Figueres (Espagne).

Vous apprendrez de l'article:

• où et comment sont apparues chacune des directions de l'art contemporain, ses idées
• qui sont les plus brillants représentants de la direction
• endroits pour voir leur travail

Nous considérerons 50 tendances les plus significatives et lumineuses des 20e et 21e siècles qui est devenu révolutionnaire et a déterminé le cours des événements dans le futur. Il ne sera peut-être pas possible de mettre toutes les informations dans un seul article, vous devez donc le diviser en 3 parties selon les périodes d'origine de chacune des directions art contemporain.

Le guide de l'art contemporain comprendra 3 articles :

• Partie 1. Première moitié du XXe siècle ( considérer dans cet article)

Si vous souhaitez vous plonger dans chacun des domaines de l'art contemporain(chacun a des branches) et voir de nombreuses œuvres de leurs plus brillants représentants, très Je vous recommande d'utiliser GoogleProjet d'art Google. Je recommande également ceux-ci blogs pour avoir une idée de ce qui se passe dans l'art et le design contemporains : But Does It Float, Them Thangs, American Suburb X, M U S E O.

Tendances de l'art contemporain dans la 1ère moitié du XXe siècle. Les musées les plus célèbres du monde de l'art contemporain.

Dans cette partie, nous examinerons ces tendances les plus marquantes de la première moitié du 20e siècle :

1. Modernisme
2. post-impressionnisme
3. avant-garde
4. Fauvisme
5. Abstractionnisme
6. Expressionnisme
7. Cubisme
8. Futurisme
9. cubofuturisme
10. Formalisme
11. Naturalisme
12. Nouvelle matérialité
13. dadaïsme
14. Surréalisme

Le 20ème siècle est le temps des idées les plus inattendues, et parfois même extravagantes. Mais sans eux, l'art a très probablement pris une autre voie de développement. Et cela resterait l'avantage d'un petit nombre d'initiés. Mais les nouvelles tendances de l'art ont "rapproché" l'art de la vie et, pourrait-on dire, l'ont "amené" dans la rue, au passant ordinaire. Ils ont fait de ce passant un co-auteur de leurs œuvres. La capacité de créer et de comprendre l'art est devenue accessible non seulement à l'élite, mais à beaucoup.

La devise de l'art du XXe siècle était les mots "Art - to life"

L'art du geste, le ready-made, les installations sont toujours d'actualité aujourd'hui. Le net-art, le massurréalisme et le super-plat sont des tendances artistiques adaptées à leur époque, car elles s'adressent à l'homme moderne dans un langage qu'il comprend.

Dans notre siècle histoire similaire arrivé au métier de photographe. Grâce à l'avènement de la photographie numérique, d'Internet et des réseaux sociaux, à la disponibilité d'un appareil photo (il vient de devenir un ajout au téléphone), ce domaine d'activité le plus intéressant est désormais accessible à tout le monde. Maintenant, chaque seconde est un photographe talentueux qui a un beau compte avec des photos sur Instagram, Pinterest, Facebook et d'autres réseaux sociaux. En savoir plus sur ce phénomène de notre siècle dans l'article sur le socialisme technologique ().

1. MODERNISME. Artistes modernistes. Une direction novatrice de la fin du XIXe - début du XXe siècle, qui remettait en cause la tradition des images réalistes

Le modernisme est l'ensemble des courants artistiques apparus après 1863 et jusqu'au milieu du XXe siècle. En 1863, s'ouvre à Paris l'exposition du Salon des Misérables, alternative au Salon officiel. Le but du nouvel art était de créer des œuvres non pas avec une image réelle, mais en tenant compte de la vision du monde de l'auteur.

Les artistes modernistes - Chagall, Picasso, Modigliani, Borisov-Musatov, Klimt et d'autres artistes des impressionnistes aux surréalistes ont fait une percée, une révolution dans l'art. Ils croyaient que la vision du monde d'une personne est unique et irremplaçable. Et la tradition de la représentation réaliste dans la sculpture et la peinture est dépassée.

De plus, les dadaïstes ont généralement remis en question la signification et l'essence de l'art. Leurs doutes ont conduit à l'émergence de l'art conceptuel, qui ne discutait pas de l'exécution de l'œuvre, mais de son idée. Les impressionnistes commencent à organiser leurs expositions, un marché de l'art apparaît et l'art devient une forme d'investissement.

2. POSTIMPRESSIONNISME. Le post-impressionnisme en peinture était basé sur l'impressionnisme, mais ne transmettait pas un état, mais un moment séparé

Le post-impressionnisme en peinture est devenu le trait d'union entre le XIXe et le XXe siècle. Cette direction n'appartient ni aux impressionnistes ni aux réalistes. Ces artistes cherchaient un juste milieu, chacun à leur manière, inventant de nouvelles techniques : le pointillisme (Paul Signac, Georges Seurat), le symbolisme (Paul Gauguin et le groupe des Nabis), l'art nouveau linéaire (Henri de Toulouse-Lautrec), le base constructive du sujet (Paul Cézanne), et la préfiguration de l'expressionnisme par Vincent van Gogh.

Regarder. Les artistes post-impressionnistes sont représentés dans de nombreux musées. Peintures de Georges Seurat - au Musée Royal des Beaux-Arts (Bruxelles, Belgique), Emile Bernard - au Musée d'Orsay (Paris, France), Vincent van Gogh - au musée du même nom (Amsterdam, Hollande), Henri de Toulouse-Lautrec - au musée qui porte son nom (Albi, France), Henri Rousseau - au Musée d'art moderne de Moscou (Russie).

3. AVANT-GARDISME. Les tendances les plus innovantes, dont on dénombre 15 au XXe siècle, du fauvisme au Pop Art

Les artistes d'avant-garde ont compris qu'il devenait inutile de peindre le monde tel qu'il est. Impressionner le spectateur, qui croyait au progrès et au surhomme de Nietzsche, n'était possible qu'avec quelque chose d'extravagant. Mais pas les paysages.

Par conséquent, les avant-gardistes ont abandonné absolument tout ce qui était « classique » et avait l'air « beau ». Et maintenant, tout ce qui semblait scandaleux et nécessitait des associations et de l'imagination commençait à être appelé avant-garde. Les avant-gardistes méprisaient les détails parce qu'ils croyaient que le monde était universel.

Ce sont les avant-gardistes qui possèdent la devise "L'art - à la vie!". Les domaines clés de l'avant-gardisme sont l'installation, le ready-made, le happening, l'environnement, ainsi que Musique électronique, photographie, cinéma.

Regarder: L'avant-gardisme en peinture est représenté par les œuvres de Marcel Duchamp, Georges Braque, Pablo Picasso, Salvador Dali, Henri Matisse - à l'Ermitage (Saint-Pétersbourg, Russie), le Centre Georges Pompidou (Paris, France), le Musée de Art moderne (New York, États-Unis), Musée Guggenheim (New York, États-Unis).

4. Fauvisme. La direction à laquelle appartenait le groupe d'artistes "Wild Beasts"

Le fauvisme est devenu le courant le plus avant-gardiste de l'art du XXe siècle. De lui à l'abstractionnisme il n'y avait qu'un pas.

Les artistes fauves "sauvages" étaient principalement en couleur. Henri Matisse, le chef du groupe, a utilisé les motifs alors à la mode des estampes japonaises colorées dans ses œuvres. Pour renforcer l'effet, les fauvistes utilisaient assez souvent un contour coloré. Les Wild Ones ont grandement influencé les expressionnistes allemands.

Regarder: Le fauvisme en peinture est représenté au Centre Georges Pompidou (Paris, France), au Musée d'Orsay (Paris, France), au Museum of Modern Art (Baltimore, USA).

5. ABSTRACTIONISME. La première direction artistique de l'histoire de l'art qui a refusé de dépeindre le monde comme réel

Artistes abstraits, les fondateurs de la direction - Kandinsky, Malevich, Mondrian, Delaunay. Ils appelaient l'abstraction une nouvelle étape de la peinture. Il a été avancé que l'abstraction peut désormais créer des formes qui n'existent que dans l'art. Par exemple, le Carré noir de Malevitch peut contenir tout ce qui contient la couleur noire et la forme d'un carré, par exemple toute l'histoire de l'art.

Distinguer abstractionnisme lyrique et géométrique. L'abstraction géométrique comprend le suprématisme de Malevitch, l'orphisme de Delaunay et le néoplasticisme de Mondrian. Au lyrique - les œuvres de Kandinsky, certains expressionnistes (Pollock, Gorka, Mondrian), tachistes (Wols, Fautry, Saura), informels (Tapies, Dubuffet, Schumacher).

Regarder: Musée d'État russe (Saint-Pétersbourg, Russie), Galerie Tretiakov (Moscou, Russie), Musée national d'art et Musée d'art russe de Kiev (Kyiv, Ukraine), Musée d'art moderne (New York, États-Unis).

6. EXPRESSIONNISME. Les artistes expressionnistes ont représenté des images vives avec des scènes mornes.

Egon Schiele. Wally dans un chemisier rouge, genoux levés, 1913

L'expressionnisme en peinture est associé au travail de 2 associations artistiques. The Bridge a été fondé en 1905 par Kirchner, Schmidt-Rotluff et Heckel et The Blue Rider a été fondé en 1911 par Mark et Kandinsky.

Le "pont" s'appuyait sur la sculpture africaine, le gothique allemand et art folklorique, et The Blue Rider sur la cosmologie et les théories mystiques qui les ont conduits à l'abstraction. Le langage expressionniste est des déformations, couleurs vives, images exaltées.

Les deux associations avaient une vision du monde plutôt douloureuse, qui a été poussée à la limite par leurs partisans - Edvard Munch, Max Beckman et James Ensor.

Regarder: Musée Edvard Munch (Oslo, Norvège), des peintures de James Ensor se trouvent au Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers (Belgique).

7. CUBISME. Les artistes cubistes français ont tenté de représenter le monde à l'aide de formes géométriques.

Comme d'autres tendances, le cubisme en peinture s'est développé de formes massives rugueuses à de petites formes, puis s'est lancé tête baissée dans le collage. L'expérience a montré qu'il y a trop peu de figures géométriques simples et qu'elles sont grossières pour représenter le monde. Mais dans les collages, les cubistes pouvaient utiliser des objets brillants, volumineux et texturés et ainsi prolonger la vie de cette tendance pendant un certain temps.

Des déclarations très intéressantes sur le cubisme ont été écrites par ses contemporains, par exemple, le philosophe russe Berdyaev a qualifié le cubisme de "révolution la plus radicale depuis la Renaissance". Hemingway a déclaré: "Pour comprendre le cubisme, vous devez voir à quoi ressemble la terre depuis le hublot d'un avion."

Regarder: Picasso est mieux vu au Musée de son nom (Barcelone, Espagne), Marcoussis, Braque et Léger - au Musée d'Art Moderne (New York, USA), Alexander Archipenko - au Musée d'Art Ukrainien (New York, États-Unis), Museum of Modern Art (New York, États-Unis), National musée d'art(Kyiv, Ukraine).

8. FUTURISME. L'"art du futur" du début du XXe siècle, qui a influencé l'art du futur dans le monde entier.

Pour la première fois dans l'histoire, les artistes ont officiellement renoncé à tout ce qui avait été créé avant eux et ont repris l'image du monde d'une manière nouvelle. Ils croyaient que l'artiste devait se tenir au courant de son temps.

Les artistes futuristes ont peint à la fois des paysages réalistes et des abstractions illustrant la vitesse, l'énergie et le mouvement. Le futurisme en peinture était basé sur les tendances précédentes - le fauvisme (en termes de couleur), le cubisme (en termes de forme).

Les futuristes sont devenus célèbres pour leurs discours et actions provocateurs. Ce sont essentiellement les premières performances et gestes artistiques. Les idées des Italiens ont été reprises par des artistes et des poètes russes et ukrainiens.

Regarder:Œuvres de Giacomo Balla, Fortunato Depero, Umberto Boccioni, Gino Severini - au Musée d'Art Moderne de Trente et Rovereto (Rovereto, Italie), au Musée d'Art Moderne (New York, USA), à la National Gallery of Modern Art (Rome , Italie). Les futuristes russes et ukrainiens peuvent être vus au Musée des Beaux-Arts. Pouchkine (Moscou, Russie), Musée national d'art d'Ukraine (Kyiv, Ukraine), Musée d'art de Dnepropetrovsk (Dnipro, Ukraine).

9. CUBO-FUTURISME. La direction qui a uni de nombreux abstractionnistes d'Europe de l'Est.

Le cubo-futurisme en peinture est devenu un mélange des idées du cubisme, du futurisme et du primitivisme populaire. Le "cubisme russe" n'a vécu que 5 ans, mais grâce à lui des tendances aussi brillantes du siècle dernier que le suprématisme (Malevich), le constructivisme (Lissitzky, Tatlin), l'art analytique (Filonov) sont apparus.

Les artistes cubo-futuristes ont collaboré avec des poètes futuristes (Khlebnikov, Guro, Kruchenykh), dont ils ont reçu de nouvelles idées.

Regarder: Malevitch - à la Galerie municipale d'Amsterdam (Hollande), au Musée d'État russe (Moscou, Russie), à ​​la Galerie Tretiakov (Moscou, Russie), Œuvres de Burliuk, Exter, Goncharova - au Musée national d'art (Kyiv, Ukraine).

10. FORMALISME. Une direction qui impliquait la primauté de la forme sur le sens

Le cubisme, le futurisme, le fauvisme, l'abstractionnisme sont similaires en ce qu'ils dépeignent le monde comme différent de la réalité. De nombreux historiens de l'art allemands ont travaillé sur la théorie du formalisme - Fiedler, Riegl, Wölfflin.Ils ont étayé la forme dominante de l'art, à l'aide de laquelle une "réalité idéale" est créée.

Sur la base de cette idée, une école linguistique de formalisme a émergé en Russie dans les années 1910. Grâce à elle, la critique littéraire est devenue une science d'importance mondiale.

Regarder: Musée Matisse à Nice (France), Musée Picasso à Barcelone (Espagne), Tate Gallery (Angleterre).

11. NATURALISME. Un courant littéraire et artistique né sous l'influence des idées des positivistes

Les artistes naturalistes américains et européens, partisans des idées alors à la mode des positivistes Spencer et Comte, ont commencé à imiter la science, décrivant le monde sans fioritures, sans passion, objectivement. Très vite, ils glissent dans le socialisme et le biologisme : ils se mettent à peindre des portraits de parias, des pathologies, des scènes de violence.

Regarder: Peintures des artistes naturalistes Max Liebermann - à la Kunsthal Art Gallery (Hambourg, Allemagne), Lucian Freud - au Museum of Modern Art (Los Angeles, USA).

Le naturalisme en peinture a influencé le travail d'artistes tels que Degas et Manet. La photographie et la désesthétisation du naturalisme au XXe siècle se manifesteront dans l'hyperréalisme, mais ici elles ont un sens différent. Les artistes hyperréalistes ne cherchent pas à copier la réalité quotidienne. Les objets de leur peinture sont très détaillés et créent l'illusion de la réalité. Faux mais convaincant.

12. NOUVELLE SUBSTANCE. Néoclassicisme - représenté par le travail d'artistes allemands des années 20-30

Le directeur de la galerie de Mannheim qualifie le travail des jeunes talents, qui sont exposés dans sa galerie en 1925, de « nouvelle matérialité ». Ils rejettent les idées de l'expressionnisme et prônent un retour au réalisme de la transmission de la réalité.

Ils pensaient qu'il était nécessaire de représenter photographiquement le monde sur toile, dans toute sa laideur. Mais leur réalisme pourrait plutôt être attribué au grotesque qu'à la vérité.

Les nouveaux matérialistes Georg Gross, Max Beckmann, Otto Disk sont passés maîtres dans les compositions statiques et les formes exagérées.

Regarder: Georg Gross, Otto Disk - à la New National Gallery (Berlin).

13. DADAISME. Un mouvement anti-culturel et anti-guerre nommé par les Français d'après un cheval de bois

Les dadaïstes considéraient que le seul sens de la créativité était la création de quelque chose de drôle, puisque le monde est fou. Les premiers dadaïstes - les habitants de Zurich Gulzenbek, Ball, Janko, Arp organisaient des fêtes bruyantes et joyeuses, publiaient un magazine et donnaient des conférences.

Ils ont eu des partisans à Berlin (ils étaient plus impliqués dans la politique), à ​​Cologne (ils sont devenus célèbres pour l'exposition, accessible uniquement par les toilettes), à Paris (ils ont été emportés par des actions provocatrices). Le principal dadaïste était Marcel Duchamp, l'auteur du concept prêt à l'emploi et le premier casse-cou qui a complété la moustache de Gioconda. Et aussi Picabia, qui expose des créations fantastiques qui sont à la fois une phrase et un hymne à la société industrielle.

Regarder: Les œuvres de Duchamp et Picabia se trouvent au English Victoria and Albert Museum (Londres, Angleterre), au National Museum of Art of Catalonia (Barcelone, ​​Espagne), au Guggenheim Museum (New York, USA), à l'Art Institute of Chicago (ETATS-UNIS).

14. Surréalisme. Une mise en scène puissante de la 1ère moitié du 20ème siècle, qui s'inspire des rêves, des rêves et des hallucinations.

Les artistes surréalistes, qui se disaient des disciples directs des dadaïstes, ont provoqué le public, changé les consciences, bouleversé les traditions.

Initialement, le surréalisme apparaît dans la littérature (revue Littérature et Révolution surréaliste, auteur André Breton). Les artistes ont lu Freud et Bergson et ont considéré le subconscient comme la source de la créativité - rêves, hallucinations.

Les représentants de la première direction du surréalisme en peinture (Ernst, Miro, Masson) ont représenté des images floues. Le second (représentants de Dali, Delvaux, Magritte) - paysages plausibles, précis, mais irréalistes, personnages. La belle tromperie a instantanément conquis le monde. Le surréalisme a donné une impulsion à l'émergence du pop art, des happenings et de l'art conceptuel.

Regarder: Dali Theater Museum à Figueres (Espagne), Rene Magritte Apartment Museum à Bruxelles (Belgique), Metropolitan Museum and Museum of Modern Art (New York, USA), Tate Modern Art Gallery (Londres, UK).

Dans cette partie, nous nous sommes familiarisés avec les tendances les plus marquantes de l'art de la 1ère moitié du XXe siècle. Dans la prochaine publication, nous examinerons les tendances du milieu du siècle dernier.

Résumé

1) De l'article que vous avez appris sur le principal le plus directions lumineuses de l'art de la 1ère moitié du 20ème siècle: Modernisme, Post-impressionnisme, Avant-gardisme, Fauvisme, Abstractionnisme, Expressionnisme, Cubisme, Futurisme, Cubofuturisme, Formalisme, Naturalisme, Nouvelle Matérialité, Dadaïsme, Surréalisme.

2) je pense que tu as il y avait une envie de partir en voyage pour visiter les musées les plus célèbres du monde où tous les domaines de l'art contemporain sont représentés. Même si vous n'avez pas une telle opportunité maintenant, ne vous inquiétez pas, l'essentiel est : rêvez et votre rêve se réalisera ! Vérifié!

Regardez la vidéo d'inspiration de l'extraordinaire, incroyable Musée du théâtre Dali artiste surréaliste Salvador Dalí, situé dans la ville de Figueres, en Catalogne (Espagne). De Barcelone à Figueres, vous pouvez conduire en seulement 53 minutes. Le prix du billet commence à partir de 20 euros. Comment planifier le voyage parfait à Barcelone lire cet article utile .

De tout mon cœur, je vous souhaite de partir en voyage dès que possible pour voir les œuvres de vos maîtres préférés !

Je souhaite à tous de se réjouir et de rêver!

PS.

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