Cours Tretiakov : Peinture de la Renaissance. Artistes de la Renaissance ▲ Artistes célèbres de la Renaissance française

Pour les Européens, la période du Moyen Âge sombre prend fin, laissant la place à la Renaissance. Elle a permis de faire revivre le patrimoine quasiment disparu de l'Antiquité et de créer de grandes œuvres d'art. Les scientifiques de la Renaissance ont également joué un rôle important dans le développement de l’humanité.

Paradigme

La crise et la destruction de Byzance ont conduit à l'apparition de milliers d'émigrants chrétiens en Europe, qui ont emporté des livres avec eux. Ces manuscrits contenaient des connaissances de la période antique, à moitié oubliées à l’ouest du continent. Ils sont devenus la base de l’humanisme, qui a placé au premier plan l’homme, ses idées et son désir de liberté. Au fil du temps, dans les villes où le rôle des banquiers, des artisans, des commerçants et des artisans s'est accru, des centres laïcs de science et d'éducation ont commencé à émerger, qui non seulement n'étaient pas sous l'autorité de l'Église catholique, mais luttaient souvent contre ses diktats.

Peinture de Giotto (Renaissance)

Les artistes du Moyen Âge créaient des œuvres à contenu majoritairement religieux. En particulier, pendant longtemps, le genre principal de la peinture a été la peinture d'icônes. Le premier qui a décidé de représenter sur ses toiles des gens ordinaires, en plus d'abandonner le style d'écriture canonique inhérent à l'école byzantine, fut Giotto di Bondone, considéré comme un pionnier de la Proto-Renaissance. Sur les fresques de l'église San Francesco, située dans la ville d'Assise, il utilise le jeu du clair-obscur et s'écarte de la structure de composition généralement acceptée. Cependant, le principal chef-d'œuvre de Giotto était la peinture de la chapelle Arena de Padoue. Il est intéressant de noter qu'immédiatement après cette commande, l'artiste a été appelé pour décorer l'hôtel de ville. Tout en travaillant sur l’une des peintures, afin d’obtenir la plus grande authenticité dans la représentation du « signe céleste », Giotto a consulté l’astronome Pietro d’Abano. Ainsi, grâce à cet artiste, la peinture a cessé de représenter des personnes, des objets et des phénomènes naturels selon certains canons et est devenue plus réaliste.

Léonard de Vinci

De nombreuses figures de la Renaissance avaient un talent polyvalent. Cependant, aucun d'entre eux ne peut se comparer à Léonard de Vinci en termes de polyvalence. Il s'est distingué comme un peintre, architecte, sculpteur, anatomiste, naturaliste et ingénieur exceptionnel.

En 1466, Léonard de Vinci part étudier à Florence, où, outre la peinture, il étudie la chimie et le dessin, et acquiert également des compétences dans le travail du métal, du cuir et du plâtre.

Déjà les premiers tableaux de l’artiste le distinguaient parmi ses collègues. Au cours de sa longue vie de 68 ans, Léonard de Vinci a créé des chefs-d'œuvre tels que « La Joconde », « Jean-Baptiste », « La Dame à l'hermine », « La Cène », etc.

Comme d’autres personnalités marquantes de la Renaissance, l’artiste s’intéressait aux sciences et à l’ingénierie. On sait notamment que la serrure à pistolet à roue qu'il a inventée a été utilisée jusqu'au 19e siècle. De plus, Léonard de Vinci a créé des dessins d'un parachute, d'une machine volante, d'un projecteur, d'un télescope à deux lentilles, etc.

Michel-Ange

Lorsqu'on aborde la question de ce que les personnages de la Renaissance ont apporté au monde, la liste de leurs réalisations contient nécessairement les œuvres de cet architecte, artiste et sculpteur hors du commun.

Parmi les créations les plus célèbres de Michel-Ange Buonarroti figurent les fresques du plafond de la Chapelle Sixtine, la statue de David, la sculpture de Bacchus, la statue en marbre de la Madone de Bruges, le tableau « Le Tourment de Saint Antoine » et bien d'autres. d'autres chefs-d'œuvre de l'art mondial.

Rafael Santi

L'artiste est né en 1483 et n'a vécu que 37 ans. Cependant, le grand héritage de Raphael Santi le place en tête de tout classement symbolique des « figures marquantes de la Renaissance ».

Parmi les chefs-d'œuvre de l'artiste figurent « Le Couronnement de Marie » pour l'autel d'Oddi, « Portrait de Pietro Bembo », « Dame à la Licorne », de nombreuses fresques commandées pour la Stanza della Segnatura, etc.

Le summum de l'œuvre de Raphaël est considéré comme la « Madone Sixtine », créée pour l'autel de l'église du monastère de Saint-Pierre. Sixta à Plaisance. Cette image fait une impression inoubliable sur quiconque la voit, car la Marie qui y est représentée combine d'une manière incompréhensible les essences terrestres et célestes de la Mère de Dieu.

Albrecht Dürer

Les personnages célèbres de la Renaissance n’étaient pas seulement italiens. Ceux-ci inclus peintre allemand et le maître des gravures Albrecht Dürer, né à Nuremberg en 1471. Ses œuvres les plus significatives sont « l'Autel de Landauer », un autoportrait (1500), le tableau « La Fête des couronnes de roses » et trois « Gravures d'atelier ». Ces derniers sont considérés comme des chefs-d’œuvre de l’art graphique de tous les temps et de tous les peuples.

Titien

Les grandes figures de la Renaissance dans le domaine de la peinture nous ont laissé des images de leurs contemporains les plus célèbres. L'un des portraitistes les plus remarquables de cette période de l'art européen était Titien, originaire de famille célèbre Vecellio. Il a immortalisé sur toile Federico Gonzaga, Charles Quint, Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, l'architecte Giulio Romano et bien d'autres. De plus, ses pinceaux comprennent des toiles sur des sujets de la mythologie antique. La grande estime de l'artiste par ses contemporains est attestée par le fait qu'un jour l'empereur Charles Quint s'est empressé de ramasser un pinceau tombé des mains de Titien. Le monarque a expliqué son action en disant que servir un tel maître est un honneur pour quiconque .

Sandro Botticelli

L'artiste est né en 1445. Au départ, il allait devenir bijoutier, mais il s'est ensuite retrouvé dans l'atelier d'Andrea Verrocchio, qui a étudié avec Léonard de Vinci. Parallèlement à des œuvres à thème religieux, l'artiste a créé plusieurs peintures à contenu profane. Les chefs-d'œuvre de Botticelli comprennent les tableaux "La Naissance de Vénus", "Le Printemps", "Pallas et le Centaure" et bien d'autres.

Dante Alighieri

Les grandes figures de la Renaissance ont laissé leur marque indélébile dans la littérature mondiale. L'un des poètes les plus marquants de cette période est Dante Alighieri, né en 1265 à Florence. A l'âge de 37 ans, il fut expulsé de ville nataleà cause de leur Opinions politiques et erra jusqu'aux dernières années de sa vie.

Même enfant, Dante est tombé amoureux de sa camarade Béatrice Portinari. Ayant mûri, la jeune fille épousa un autre homme et mourut à l'âge de 24 ans. Béatrice est devenue la muse du poète et c’est à elle qu’il a dédié ses œuvres, dont le récit « Nouvelle vie ». En 1306, Dante commença à créer son " Comédie divine", sur lequel il travaille depuis près de 15 ans. Il y expose les vices de la société italienne, les crimes des papes et des cardinaux, et place sa Béatrice au « paradis ».

William Shakespeare

Bien que les idées de la Renaissance soient arrivées assez tard dans les îles britanniques, des œuvres d'art exceptionnelles y ont également été créées.

En particulier, l'un des dramaturges les plus célèbres de l'histoire de l'humanité, William Shakespeare, a travaillé en Angleterre. Ses pièces sont jouées sur les scènes des quatre coins de la planète depuis plus de 500 ans. Sa plume comprend les tragédies « Othello », « Roméo et Juliette », « Hamlet », « Macbeth », ainsi que les comédies « Douzième nuit », « Beaucoup de bruit pour rien » et bien d'autres. De plus, Shakespeare est célèbre pour ses sonnets dédiés à la mystérieuse Dame Noire.

Léon Battista Alberti

La Renaissance a également contribué à changer l’apparence des villes européennes. Pendant cette période super chefs-d'œuvre architecturaux, dont la cathédrale romaine de St. Saint-Pierre, l'escalier Laurentien, la cathédrale de Florence, etc. Avec Michel-Ange, le célèbre scientifique Leon Battista Alberti est l'un des architectes célèbres de la Renaissance. Il a apporté d'énormes contributions à l'architecture, à la théorie de l'art et à la littérature. Ses domaines d'intérêt comprenaient également les problèmes de pédagogie et d'éthique, de mathématiques et de cartographie. Il a créé l’un des premiers ouvrages scientifiques sur l’architecture, intitulé « Dix livres sur l’architecture ». Ce travail a eu une énorme influence sur les générations suivantes de ses collègues.

Vous connaissez désormais les figures culturelles les plus célèbres de la Renaissance, grâce auxquelles la civilisation humaine a atteint nouveau tour de son développement.

Pendant les temps difficiles pour l'Italie, l'éphémère « âge d'or » de la Renaissance italienne a commencé - la soi-disant Haute Renaissance, le point culminant de l'épanouissement de l'art italien. La Haute Renaissance coïncide ainsi avec la période de lutte acharnée des villes italiennes pour leur indépendance. L'art de cette époque était imprégné d'humanisme, de foi dans les pouvoirs créateurs de l'homme, dans les possibilités illimitées de ses capacités, dans la structure raisonnable du monde, dans le triomphe du progrès. Dans l'art, les problèmes du devoir civique, des hautes qualités morales, des actes héroïques, l'image d'un héros beau, harmonieusement développé, fort d'esprit et de corps qui a réussi à s'élever au-dessus du niveau de la vie quotidienne sont apparus. La recherche d'un tel idéal a conduit l'art à la synthèse, à la généralisation, à la révélation de schémas généraux de phénomènes, à l'identification de leurs relations logiques. Art Haute Renaissance abandonne les particuliers et les détails insignifiants au nom d'une image généralisée, au nom du désir d'une synthèse harmonieuse des beaux aspects de la vie. C'est l'une des principales différences entre la Haute Renaissance et la première.

Léonard de Vinci (1452-1519) fut le premier artiste à incarner clairement cette différence. Le premier professeur de Léonard fut Andrea Verrocchio. La figure d'un ange dans le tableau du professeur « Baptême » démontre déjà clairement la différence dans la perception de l'artiste du monde de l'ère passée et de l'ère nouvelle : pas de planéité frontale de Verrocchio, la plus belle modélisation coupée du volume et une spiritualité extraordinaire de l'image. . Les chercheurs datent la « Madone à la fleur » (« Madone Benois », comme on l’appelait auparavant, du nom des propriétaires) au moment du départ de Verrocchio de l’atelier. Durant cette période, Léonard fut sans doute pendant quelque temps influencé par Botticelli. Des années 80 du 15ème siècle. Deux compositions inachevées de Léonard ont survécu : « L'Adoration des Mages » et « Saint. Jérôme." Probablement au milieu des années 80, « Madonna Litta » a également été créée en utilisant l'ancienne technique de la tempera, à l'image de laquelle le type de beauté féminine de Léonard s'exprimait : des paupières lourdes à moitié baissées et un sourire subtil confèrent au visage de la Madone une spiritualité particulière.

Combinant des principes scientifiques et créatifs, possédant une pensée à la fois logique et artistique, Léonard a passé toute sa vie engagé dans la recherche scientifique ainsi que dans les beaux-arts ; distrait, il semblait lent et laissait derrière lui peu d’art. À la cour de Milan, Léonard a travaillé comme artiste, technicien scientifique, inventeur, mathématicien et anatomiste. D'abord un excellent travail, qu'il a interprété à Milan, était "Madonna of the Rocks" (ou "Madonna of the Grotto"). Il s'agit de la première composition d'autel monumentale de la Haute Renaissance, intéressante également parce qu'elle exprime pleinement les caractéristiques du style d'écriture de Léonard.

La plus grande œuvre de Léonard à Milan, la plus haute réalisation de son art, fut la peinture du mur du réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazie sur le thème de la Cène (1495-1498). Christ dans dernière fois rencontre ses élèves au dîner pour leur annoncer la trahison de l'un d'entre eux. Pour Léonard, l’art et la science existaient indissociablement. Tout en étant engagé dans l'art, il a fait des recherches scientifiques, des expériences, des observations, il est passé par la perspective dans le domaine de l'optique et de la physique, par des problèmes de proportions - dans l'anatomie et les mathématiques, etc. « La Cène » complète toute une étape dans la vie de l'artiste. recherche scientifique. C'est aussi une nouvelle étape dans l'art.

Léonard a pris congé de ses études d'anatomie, de géométrie, de fortification, de bonification des terres, de linguistique, de versification et de musique pour travailler sur « Le Cheval », un monument équestre dédié à Francesco Sforza, pour lequel il est principalement venu à Milan et qu'il a achevé en taille réelle. au début des années 90 en terre battue. Le monument n'était pas destiné à être incarné dans le bronze : en 1499 les Français envahissent Milan et les arbalétriers gascons abattent le monument équestre. En 1499 commencent les années d’errance de Léonard : Mantoue, Venise et, enfin, la ville natale de l’artiste, Florence, où il peint le carton « Saint-Pierre ». Anna avec Marie sur ses genoux », à partir de laquelle il réalise une peinture à l'huile à Milan (où il revint en 1506)

À Florence, Léonard commença un autre tableau : un portrait de la femme du marchand del Giocondo, Mona Lisa, qui devint l'un des tableaux les plus célèbres au monde.

Le portrait de Mona Lisa Gioconda est une étape décisive vers le développement de l'art de la Renaissance

Pour la première fois, le genre du portrait se met au même niveau que les compositions religieuses et religieuses. thèmes mythologiques. Malgré toutes les similitudes physionomiques indéniables, les portraits du Quattrocento se distinguaient par une contrainte sinon externe, du moins interne. La majesté de la Joconde est véhiculée par la simple juxtaposition de sa figure volumineuse et fortement poussée jusqu'au bord de la toile, avec un paysage de rochers et de ruisseaux visibles comme de loin, fondant, séduisant, insaisissable et donc, malgré toute la réalité du motif, fantastique.

En 1515, sur proposition du roi de France François Ier, Léonard part définitivement pour la France.

Léonard était le plus grand artiste de son temps, un génie qui a ouvert de nouveaux horizons artistiques. Il a laissé peu d’œuvres, mais chacune d’elles constitue une étape dans l’histoire de la culture. Leonardo est également connu comme un scientifique polyvalent. Ses découvertes scientifiques, par exemple ses recherches dans le domaine des avions, intéressent notre époque de l'astronautique. Des milliers de pages des manuscrits de Léonard, couvrant littéralement tous les domaines de la connaissance, témoignent de l'universalité de son génie.

Idées art monumental La Renaissance, dans laquelle se confondent les traditions de l'Antiquité et l'esprit du christianisme, trouve son expression la plus vivante dans l'œuvre de Raphaël (1483-1520). Dans son art, deux tâches principales ont trouvé une solution mature : la perfection plastique corps humain, exprimant l'harmonie intérieure de manière globale personnalité développée, dans lequel Raphaël a suivi l'Antiquité, et une composition complexe à plusieurs figures qui transmet toute la diversité du monde. Raphaël a enrichi ces possibilités, atteignant une liberté étonnante dans la représentation de l'espace et du mouvement de la figure humaine, une harmonie impeccable entre l'environnement et l'homme.

Aucun des maîtres de la Renaissance n'a perçu l'essence païenne de l'Antiquité aussi profondément et naturellement que Raphaël ; Ce n'est pas pour rien qu'il est considéré comme l'artiste qui a le mieux relié les traditions anciennes à l'art d'Europe occidentale de l'ère moderne.

Rafael Santi est né en 1483 dans la ville d'Urbino, l'un des centres de culture artistique d'Italie, à la cour du duc d'Urbino, dans la famille d'un peintre et poète de la cour, qui fut le premier professeur du futur maître.

Période au début L'œuvre de Raphaël se caractérise parfaitement par un petit tableau en forme de tondo « Madonna Conestabile », avec sa simplicité et son laconisme de détails strictement sélectionnés (malgré la timidité de la composition) et le lyrisme particulier, inhérent à toutes les œuvres de Raphaël, subtil et un sentiment de paix. En 1500, Raphaël quitte Urbino pour Pérouse pour étudier dans l'atelier du célèbre artiste ombrien Pérugin, sous l'influence duquel furent écrits Les Fiançailles de Marie (1504). Le sens du rythme, la proportionnalité des masses plastiques, les intervalles spatiaux, la relation entre les figures et le fond, la coordination des tons de base (dans « Fiançailles », ce sont l'or, le rouge et le vert en combinaison avec un doux fond de ciel bleu) créent l'harmonie. qui apparaît déjà dans premières œuvres Raphaël et le distingue des artistes de l'époque précédente.

Tout au long de sa vie, Raphaël a recherché cette image dans la Madone ; ses nombreuses œuvres interprétant l'image de la Madone lui ont valu une renommée mondiale. Le mérite de l'artiste, tout d'abord, est qu'il a su incarner toutes les nuances les plus subtiles des sentiments dans l'idée de maternité, combiner lyrisme et émotivité profonde avec une grandeur monumentale. Cela est visible dans toutes ses Madones, à commencer par la jeune et timide « Madone Conestabile » : dans la « Madone aux Verts », « Madone au chardonneret », « Madone au fauteuil » et surtout au sommet de l'esprit et du savoir-faire de Raphaël. - dans la « Madone Sixtine ».

« La Madone Sixtine » est l'une des œuvres les plus parfaites de Raphaël en termes de langage : la figure de Marie et l'Enfant, strictement découpées sur le ciel, sont unies par un rythme de mouvement commun avec les figures de Saint-Pierre. Les barbares et le pape Sixte II, dont les gestes s'adressent à la Madone, ainsi que les vues de deux anges (plutôt des putti, si caractéristiques de la Renaissance), figurent dans la partie inférieure de la composition. Les figures sont également unies par une couleur dorée commune, comme si elles personnifiaient le rayonnement divin. Mais l'essentiel est le type de visage de la Madone, qui incarne la synthèse de l'ancien idéal de beauté avec la spiritualité de l'idéal chrétien, si caractéristique de la vision du monde de la Haute Renaissance.

La Madone Sixtine est une œuvre tardive de Raphaël.

Au début du XVIe siècle. Rome devient le principal centre culturel de l'Italie. L'art de la Haute Renaissance atteint son apogée dans cette ville, où, par la volonté des papes protecteurs Jules II et Léon X, travaillent simultanément des artistes tels que Bramante, Michel-Ange et Raphaël.

Raphaël peint les deux premières strophes. Dans la Stanza della Segnatura (salle des signatures, des sceaux), il a peint quatre fresques-allégories des principales sphères de l'activité spirituelle humaine : la philosophie, la poésie, la théologie et la jurisprudence (« L'École d'Athènes », « Parnassus », « Disputa »). , « Mesure, Sagesse et Force » ». Dans la deuxième salle, appelée « Strophe d'Eliodore », Raphaël a peint des fresques sur des scènes historiques et légendaires glorifiant les papes : « L'Expulsion d'Eliodore »

Il était courant que l’art du Moyen Âge et du début de la Renaissance représente les sciences et les arts sous la forme de figures allégoriques individuelles. Raphaël a résolu ces thèmes sous forme de compositions à plusieurs figures, représentant parfois de véritables portraits de groupe, intéressantes tant par leur individualisation que par leur typicité.

Les étudiants ont également aidé Raphaël à peindre les loggias du Vatican adjacentes aux chambres du Pape, peintes d'après ses croquis et sous sa supervision avec des motifs d'ornements anciens, tirés principalement de grottes antiques récemment découvertes (d'où le nom de « grotesques »).

Raphaël a interprété des œuvres de divers genres. Son don de décorateur, mais aussi de metteur en scène et de conteur, se manifeste pleinement dans une série de huit cartons pour tapisseries de la Chapelle Sixtine sur des scènes de la vie des apôtres Pierre et Paul (« Une pêche miraculeuse », pour exemple). Ces peintures tout au long des XVIe-XVIIIe siècles. servi comme une sorte de standard pour les classiques.

Raphaël fut aussi le plus grand portraitiste de son époque. (« Le pape Jules II », « Léon X », l'ami de l'artiste l'écrivain Castiglione, la belle « Donna Velata », etc.). Et dans ses portraits, en règle générale, l'équilibre et l'harmonie internes prédominent.

À la fin de sa vie, Raphaël était chargé de manière disproportionnée d'une variété d'œuvres et de commandes. Il est même difficile d’imaginer que tout cela puisse être réalisé par une seule personne. Il fut une figure centrale de la vie artistique de Rome ; après la mort de Bramante (1514), il devint l'architecte en chef de la cathédrale Saint-Pierre. Pierre, responsable fouilles archéologiquesà Rome et ses environs et la protection des monuments antiques.

Raphaël mourut en 1520 ; sa mort prématurée était inattendue pour ses contemporains. Ses cendres sont enterrées au Panthéon.

Le troisième plus grand maître de la Haute Renaissance - Michel-Ange - a largement survécu à Léonard et Raphaël. La première moitié de sa carrière créative s'est déroulée à l'apogée de l'art de la Haute Renaissance, et la seconde pendant la Contre-Réforme et le début de la formation de l'art baroque. Parmi la brillante galaxie des artistes de la Haute Renaissance, Michel-Ange a surpassé tout le monde par la richesse de ses images, son pathétique civique et sa sensibilité aux changements d'humeur du public. D'où l'incarnation créative de l'effondrement des idées de la Renaissance.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) En 1488, à Florence, il commença à étudier attentivement la sculpture ancienne. Son relief « Bataille des Centaures » est déjà une œuvre de la Haute Renaissance dans son harmonie intérieure. En 1496, le jeune artiste part pour Rome, où il crée ses premières œuvres qui lui valent la renommée : « Bacchus » et « Pieta ». Littéralement capturé par les images de l’Antiquité. « Pieta » ouvre toute une série d'œuvres du maître sur ce sujet et le met en avant parmi les premiers sculpteurs d'Italie.

De retour à Florence en 1501, Michel-Ange, au nom de la Signoria, entreprit de sculpter la figure de David à partir d'un bloc de marbre endommagé devant lui par un sculpteur malchanceux. En 1504, Michel-Ange acheva la célèbre statue, que les Florentins appelaient le « Géant » et placée devant le Palazzo Vecchia, l'hôtel de ville. L'inauguration du monument s'est transformée en une fête nationale. L'image de David a inspiré de nombreux artistes du Quattrocento. Mais Michel-Ange le représente non pas comme un garçon, comme dans Donatello et Verrocchio, mais comme un jeune homme dans la pleine épanouissement de ses forces, et non pas après une bataille, avec une tête de géant à ses pieds, mais avant la bataille, en ce moment. de la plus haute tension de force. Dans la belle image de David, dans son visage sévère, le sculpteur a transmis le pouvoir titanesque de la passion, la volonté inflexible, le courage civil et le pouvoir illimité d'un homme libre.

En 1504, Michel-Ange (comme déjà mentionné à propos de Léonard) commence à travailler sur la peinture de la « Salle des Cinq-Cents » du Palais Signoria.

En 1505, le pape Jules II invita Michel-Ange à Rome pour construire son tombeau, mais refusa ensuite l'ordre et commanda une peinture moins grandiose du plafond de la chapelle Sixtine du palais du Vatican.

Michel-Ange a travaillé seul à la peinture du plafond de la chapelle Sixtine, de 1508 à 1512, peignant une superficie d'environ 600 mètres carrés. m (48x13 m) à une hauteur de 18 m.

Michel-Ange a consacré la partie centrale du plafond à des scènes de l'histoire sacrée, depuis la création du monde. Ces compositions sont encadrées par la même corniche peinte, mais créant l'illusion de l'architecture, et sont séparées, elles aussi, par des baguettes pittoresques. Des rectangles pittoresques soulignent et enrichissent la véritable architecture du plafond. Sous la corniche pittoresque, Michel-Ange a peint des prophètes et des sibylles (chaque personnage mesure environ trois mètres), dans des lunettes (arcs au-dessus des fenêtres), il a représenté des épisodes de la Bible et les ancêtres du Christ comme de simples personnes engagées dans les affaires quotidiennes.

Neuf compositions centrales déroulent les événements des premiers jours de la création, l'histoire d'Adam et Ève, inondation mondiale, et toutes ces scènes, en fait, sont un hymne à la personne qui lui est inhérente. Peu de temps après l'achèvement des travaux de la Sixtine, Jules II mourut et ses héritiers revinrent à l'idée d'une pierre tombale. En 1513-1516. Michel-Ange représente la figure de Moïse et des esclaves (captifs) pour cette pierre tombale. L'image de Moïse est l'une des plus puissantes dans l'œuvre du maître mature. Il a investi en lui le rêve d'un leader sage et courageux, plein de force, d'expression et de volonté titanesques, si nécessaires alors à l'unification de sa patrie. Les figures d'esclaves n'étaient pas incluses dans la version finale de la tombe.

De 1520 à 1534, Michel-Ange a travaillé sur l'une des œuvres sculpturales les plus significatives et les plus tragiques - sur le tombeau des Médicis (église florentine de San Lorenzo), exprimant toutes les expériences qui sont arrivées au maître lui-même, à sa ville natale et à l'ensemble du pays dans son ensemble. Depuis la fin des années 20, l’Italie a été littéralement déchirée par des ennemis extérieurs et intérieurs. En 1527, des soldats mercenaires ont vaincu Rome, les protestants ont pillé les sanctuaires catholiques. ville Eternelle. La bourgeoisie florentine renverse les Médicis, qui régnaient à nouveau à partir de 1510

Dans un pessimisme sévère, dans un état de religiosité de plus en plus profonde, Michel-Ange travaille sur le tombeau des Médicis. Il a lui-même construit une extension de l'église florentine de San Lorenzo - une pièce petite mais très haute, couverte d'un dôme, et a décoré deux murs de la sacristie (son intérieur) avec des pierres tombales sculpturales. Un mur est décoré de la figure de Lorenzo, l'autre de Giuliano, et en dessous, à leurs pieds, se trouvent des sarcophages décorés d'images sculpturales allégoriques - symboles du temps qui s'écoule rapidement : « Matin » et « Soir » dans la pierre tombale de Lorenzo, « Nuit ». et « Jour » sur la pierre tombale de Giuliano.

Les deux images - Lorenzo et Giuliano - n'ont pas de ressemblance avec un portrait, c'est pourquoi elles diffèrent de solutions traditionnelles XVe siècle.

Paul III, immédiatement après son élection, a commencé à exiger avec persistance que Michel-Ange réalise ce plan, et en 1534, interrompant les travaux sur le tombeau, qu'il n'acheva qu'en 1545, Michel-Ange partit pour Rome, où il commença son deuxième travail en Chapelle Sixtine- au tableau « Le Jugement dernier » (1535-1541), création grandiose qui exprimait la tragédie du genre humain. Les caractéristiques du nouveau système artistique apparaissent encore plus clairement dans cette œuvre de Michel-Ange. Le jugement créateur, le Christ punisseur est placé au centre de la composition, et autour de lui dans un mouvement circulaire rotatif sont représentés les pécheurs se jetant en enfer, les justes montant au ciel et les morts sortant de leurs tombes pour le jugement de Dieu. Tout est plein d’horreur, de désespoir, de colère, de confusion.

Peintre, sculpteur, poète, Michel-Ange était aussi un brillant architecte. Il a achevé l'escalier de la Bibliothèque Laurentienne florentine, conçu la place du Capitole à Rome, érigé la Porte Pie (Porta Pia) et depuis 1546, il travaille à la cathédrale Saint-Pierre. Peter, commencé par Bramante. Michel-Ange possède le dessin et le dessin du dôme, qui ont été exécutés après la mort du maître et qui constituent toujours l'un des principaux éléments dominants du panorama de la ville.

Michel-Ange est mort à Rome à l'âge de 89 ans. Son corps a été transporté de nuit à Florence et enterré dans la plus ancienne église de sa ville natale de Santa Croce. L'importance historique de l'art de Michel-Ange, son impact sur ses contemporains et sur les époques ultérieures ne peuvent guère être surestimés. Certains chercheurs étrangers l'interprètent comme le premier artiste et architecte du baroque. Mais il est surtout intéressant en tant que porteur des grandes traditions réalistes de la Renaissance.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, surnommé Giorgione (1477-1510), est un disciple direct de son professeur et un artiste typique de la Haute Renaissance. Il fut le premier sur le sol vénitien à se tourner vers des thèmes littéraires et des sujets mythologiques. Le paysage, la nature et le beau corps humain nu sont devenus pour lui un sujet d'art et un objet de culte.

Déjà dans la première œuvre connue, « Madone de Castelfranco » (vers 1505), Giorgione apparaît comme un artiste pleinement confirmé ; L'image de la Madone est pleine de poésie, de rêverie réfléchie, imprégnée de cette humeur de tristesse caractéristique de toutes les images féminines de Giorgione. Au cours des cinq dernières années de sa vie, l'artiste a créé ses meilleures œuvres, exécutées selon la technique de l'huile, la principale de l'école vénitienne de l'époque. . Dans le tableau « L’Orage » de 1506, Giorgione représente l’homme comme une partie de la nature. Une femme allaitant un enfant, un jeune homme avec un bâton (que l'on peut confondre avec un guerrier avec une hallebarde) ne sont unis par aucune action, mais sont unis dans ce paysage majestueux par une humeur commune, un état d'esprit commun. L’image de « Vénus endormie » (vers 1508-1510) est imprégnée de spiritualité et de poésie. Son corps s’écrit facilement, librement, avec grâce, ce n’est pas sans raison que les chercheurs parlent de la « musicalité » des rythmes de Giorgione ; ce n'est pas sans charme sensuel. "Concert rural" (1508-1510)

Titien Vecellio (1477?-1576) - le plus grand artiste Renaissance vénitienne. Il a créé des œuvres à la fois mythologiques et histoires chrétiennes, a travaillé dans le genre du portrait, son talent coloriste est exceptionnel, son inventivité compositionnelle est inépuisable et son heureuse longévité lui a permis de laisser derrière lui un riche héritage créatif qui a eu une immense influence sur ses descendants.

Déjà en 1516, il devint le premier peintre de la république, dès les années 20 - l'artiste le plus célèbre de Venise

Vers 1520, le duc de Ferrare lui commande une série de tableaux dans lesquels Titien apparaît comme un chanteur de l'Antiquité, capable de ressentir et surtout d'incarner l'esprit du paganisme (« Bacchanales », « Fête de Vénus », « Bacchus et Ariane »).

De riches patriciens vénitiens ont chargé Titien de créer des retables et il a créé d'immenses icônes : « L'Assomption de Marie », « Madone de Pesaro ».

"La Présentation de Marie au Temple" (vers 1538), "Vénus" (vers 1538)

(portrait de groupe du pape Paul III avec ses neveux Ottavio et Alexandre Farnèse, 1545-1546)

Il écrit encore beaucoup sur des sujets antiques (« Vénus et Adonis », « Le Berger et la Nymphe », « Diane et Actéon », « Jupiter et Antiope »), mais se tourne de plus en plus vers des thèmes chrétiens, vers des scènes de martyre dans lesquelles des païens la gaieté, l'harmonie ancienne est remplacée par une attitude tragique (« La Flagellation du Christ », « Marie-Madeleine pénitente », « Saint Sébastien », « Lamentation »),

Mais à la fin du siècle, les caractéristiques de l'imminence nouvelle ère en art, une nouvelle direction artistique. Cela se voit dans le travail de deux artistes majeurs de la seconde moitié de ce siècle : Paolo Véronèse et Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, surnommé Véronèse (il est né à Vérone, 1528-1588), était destiné à devenir le dernier chanteur de la Venise festive et jubilatoire du XVIe siècle.

: « Fête dans la Maison de Lévi » « Mariage à Cana de Galilée » pour le réfectoire du monastère de San Giorgio Maggiore

Jacopo Robusti, connu dans l’art sous le nom de Tintoret (1518-1594) (« tintoret »-teinturier : le père de l’artiste était teinturier sur soie). "Le Miracle de Saint-Marc" (1548)

(« Le Sauvetage d'Arsinoé », 1555), « Introduction au Temple » (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro à Piombino, Villa Rotonda à Vicence, achevées après sa mort par des étudiants selon ses plans, de nombreux bâtiments à Vicence). Le résultat de son étude de l'Antiquité fut les livres « Antiquités romaines » (1554), « Quatre livres sur l'architecture » (1570-1581), mais l'Antiquité était pour lui un « organisme vivant », selon la juste observation du chercheur.

La Renaissance hollandaise en peinture commence avec le "Retable de Gand" des frères Hubert (mort en 1426) et Jan (vers 1390-1441) van Eyck, achevé par Jan van Eyck en 1432. Van Eyck a amélioré technologie pétrolière: l'huile a permis de transmettre de manière plus complète l'éclat, la profondeur, la richesse du monde objectif qui a attiré l'attention des artistes hollandais, sa sonorité colorée.

Parmi les nombreuses Madones de Jan van Eyck, la plus célèbre est la « Madone du chancelier Rollin » (vers 1435).

(« L'homme à l'œillet » ; « L'homme au turban », 1433 ; portrait de l'épouse de l'artiste Margaret van Eyck, 1439

L'art hollandais doit beaucoup à la résolution de ces problèmes à Rogier van der Weyden (1400?-1464) : « La Descente de Croix » est une œuvre typique de Weyden.

Dans la seconde moitié du XVe siècle. rend compte de l'œuvre d'un maître au talent exceptionnel, Hugo van der Goes (vers 1435-1482) « La Mort de Marie ».

Jérôme Bosch (1450-1516), créateur de sombres visions mystiques, dans lesquelles il se tourne également vers l'allégorie médiévale, « Le Jardin des Délices »

L’apogée de la Renaissance hollandaise fut sans aucun doute l’œuvre de Pieter Bruegel l’Ancien, surnommé Moujitski (1525/30-1569) (« Cuisine des maigres », « Cuisine des gros »). cycle « Les Saisons » (autre titre - « Chasseurs dans la neige », 1565), « La Bataille du Carnaval et du Carême » (1559).

Albrecht Dürer (1471-1528).

« La Fête du Rosaire » (un autre nom est « La Vierge au Rosaire », 1506), « Le Cavalier, la Mort et le Diable », 1513 ; "St. Jérôme" et "Mélancolie",

Hans Holbein le Jeune (1497-1543), "Le Triomphe de la Mort" ("Danse de la Mort") portrait de Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renaissance Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (vers 1420-1481), Portrait de Charles VII

Jean Clouet (c. 1485/88-1541), fils de François Clouet (c. 1516-1572) - le plus artiste majeur France 16ème siècle portrait d'Élisabeth d'Autriche, vers 1571, (portrait d'Henri II, de Marie Stuart, etc.)

7 août 2014

Étudiants universités d'art et les personnes intéressées par l'histoire de l'art savent qu'au tournant des XIVe et XVe siècles, il y a eu un changement radical dans la peinture - la Renaissance. Vers les années 1420, tout le monde devint soudainement meilleur en dessin. Pourquoi les images sont-elles soudainement devenues si réalistes et détaillées, et pourquoi la lumière et le volume sont-ils apparus dans les peintures ? Personne n’y a pensé pendant longtemps. Jusqu'à ce que David Hockney prenne une loupe.

Découvrons ce qu'il a découvert...

Un jour, il regardait les dessins de Jean Auguste Dominique Ingres, chef de file de l'école académique française du XIXe siècle. Hockney s'est intéressé à voir ses petits dessins à plus grande échelle et les a agrandis sur un photocopieur. C'est ainsi qu'il découvre la face secrète de l'histoire de la peinture depuis la Renaissance.

Après avoir photocopié les petits dessins d'Ingres (environ 30 centimètres), Hockney était étonné de leur réalisme. Et il lui semblait aussi que les vers d’Ingres étaient quelque chose pour lui.
rappeler. Il s'est avéré qu'elles lui rappelaient les œuvres de Warhol. Et Warhol a fait cela : il a projeté une photo sur une toile et l'a décrite.

A gauche : détail du dessin d'Ingres. À droite : dessin de Warhol représentant Mao Zedong

Des trucs intéressants, dit Hockney. Apparemment, Ingres a utilisé Camera Lucida - un appareil qui est une structure avec un prisme monté, par exemple, sur un support sur une tablette. Ainsi, l'artiste, regardant son dessin d'un œil, voit l'image réelle, et de l'autre, le dessin lui-même et sa main. Le résultat est une illusion d'optique qui vous permet de transférer avec précision des proportions réelles sur papier. Et c'est précisément la « garantie » du réalisme de l'image.

Dessiner un portrait à l'aide d'une camera lucida, 1807

Puis Hockney s’est sérieusement intéressé à ce type de dessins et de peintures « optiques ». Dans son atelier, lui et son équipe ont accroché aux murs des centaines de reproductions de peintures créées au fil des siècles. Des œuvres qui semblaient « réelles » et d’autres qui ne l’étaient pas. En les classant par époque de création et région - nord en haut, sud en bas, Hockney et son équipe ont constaté un changement radical dans la peinture au tournant des XIVe et XVe siècles. En général, tous ceux qui connaissent ne serait-ce qu'un peu l'histoire de l'art le savent : la Renaissance.

Peut-être ont-ils utilisé la même caméra-lucida ? Il a été breveté en 1807 par William Hyde Wollaston. Bien qu'en fait, un tel dispositif ait été décrit par Johannes Kepler en 1611 dans son ouvrage Dioptrice. Alors peut-être ont-ils utilisé un autre appareil optique – une camera obscura ? On le connaît depuis l'époque d'Aristote et c'est une pièce sombre dans laquelle la lumière entre par un petit trou et ainsi dans la pièce sombre on obtient une projection de ce qui se trouve devant le trou, mais inversée. Tout irait bien, mais l'image obtenue lorsqu'elle est projetée par un sténopé sans objectif, pour le moins, n'est pas de haute qualité, elle n'est pas claire, elle nécessite beaucoup de lumière vive, sans parler de la taille de la projection. Mais jusqu'au XVIe siècle, il était presque impossible de fabriquer des objectifs de haute qualité, car il n'existait à cette époque aucun moyen d'obtenir un verre d'une telle qualité. Les affaires, pensait Hockney, qui à cette époque était déjà aux prises avec le problème du physicien Charles Falco.

Il existe cependant un tableau de Jan Van Eyck, un maître brugeois, peintre flamand du début de la Renaissance, qui contient un indice. Le tableau s'appelle "Portrait du couple Arnolfini".

Jan Van Eyck "Portrait du couple Arnolfini" 1434

Le tableau brille tout simplement par une énorme quantité de détails, ce qui est assez intéressant, car il n'a été peint qu'en 1434. Et le miroir est un indice sur la façon dont l'auteur a réussi à faire un si grand pas en avant dans le réalisme de l'image. Et aussi un chandelier - incroyablement complexe et réaliste.

Hockney débordait de curiosité. Il a obtenu une copie d'un tel lustre et a essayé de le dessiner. L’artiste a été confronté au fait qu’une chose aussi complexe est difficile à mettre en perspective. Un autre point important était la matérialité de l’image de cet objet métallique. Lors de la représentation d'un objet en acier, il est très important de positionner les reflets de la manière la plus réaliste possible, car cela donne un grand réalisme. Mais le problème avec ces reflets est qu'ils bougent lorsque l'œil du spectateur ou de l'artiste bouge, ce qui signifie qu'ils ne sont pas du tout faciles à capturer. Et une représentation réaliste du métal et des reflets est également une caractéristique distinctive des peintures de la Renaissance ; auparavant, les artistes n'avaient même pas essayé de le faire.

En recréant exactement modèle 3D lustres, l'équipe de Hockney s'est assurée que le lustre du tableau "Portrait du couple Arnolfini" était dessiné avec précision en perspective avec un seul point de fuite. Mais le problème était que des instruments optiques aussi précis qu’une chambre noire avec un objectif n’existaient qu’environ un siècle après la création du tableau.

Fragment du tableau de Jan Van Eyck "Portrait du couple Arnolfini" 1434

Le fragment agrandi montre que le miroir du tableau « Portrait du couple Arnolfini » est convexe. Cela signifie qu'il y avait aussi des miroirs au contraire - concaves. De plus, à cette époque, de tels miroirs étaient fabriqués de cette manière: une sphère de verre était prise et son fond était recouvert d'argent, puis tout sauf le fond était coupé. L’arrière du miroir n’était pas obscurci. Cela signifie que le miroir concave de Jan Van Eyck pourrait être le même miroir représenté dans le tableau, juste du côté inverse. Et tout physicien sait qu’un tel miroir, lorsqu’il est réfléchi, projette une image de ce qui est réfléchi. C'est là que son ami physicien Charles Falco a aidé David Hockney dans ses calculs et ses recherches.

Un miroir concave projette sur la toile une image de la tour à l'extérieur de la fenêtre.

La partie claire et ciblée de la projection mesure environ 30 centimètres carrés, ce qui correspond exactement à la taille des têtes de nombreux portraits de la Renaissance.

Hockney esquisse la projection d'un homme sur toile

C'est la taille, par exemple, du portrait du « Doge Leonardo Loredan » de Giovanni Bellini (1501), du portrait d'homme de Robert Campin (1430), du portrait actuel de Jan Van Eyck « un homme au turban rouge ». » et de nombreux autres premiers portraits hollandais.

Portraits de la Renaissance

La peinture était un travail bien rémunéré et, bien entendu, tous les secrets d’affaires étaient gardés dans la plus stricte confidentialité. Il était bénéfique pour l'artiste que tous les non-initiés croyaient que les secrets étaient entre les mains du maître et ne pouvaient être volés. L'entreprise était fermée aux étrangers - les artistes étaient membres de la guilde, et elle comprenait également une variété d'artisans - depuis ceux qui fabriquaient des selles jusqu'à ceux qui fabriquaient des miroirs. Et dans la Guilde de Saint-Luc, fondée à Anvers et mentionnée pour la première fois en 1382 (des guildes similaires s'ouvrirent alors dans de nombreuses villes du nord, et l'une des plus importantes était la guilde de Bruges, la ville où vivait Van Eyck), il y avait aussi des maîtres fabriquant des miroirs. .

C'est ainsi que Hockney a recréé la façon dont un lustre complexe d'un tableau de Van Eyck pourrait être peint. Il n'est pas du tout surprenant que la taille du lustre projeté par Hockney corresponde exactement à la taille du lustre du tableau « Portrait du couple Arnolfini ». Et bien sûr, les reflets sur le métal - sur la projection, ils restent immobiles et ne changent pas lorsque l'artiste change de position.

Mais le problème n'est pas encore complètement résolu, car l'avènement de l'optique de haute qualité, nécessaire pour utiliser une chambre noire, était dans 100 ans et la taille de la projection obtenue à l'aide d'un miroir est très petite. Comment peindre des tableaux de plus de 30 centimètres carrés ? Ils ont été créés comme un collage – à bien des égards, c’était comme une vision sphérique avec de nombreux points de fuite. Hockney l'a compris parce qu'il a lui-même réalisé de telles images - il a réalisé de nombreux collages de photos qui obtiennent exactement le même effet.

Près d'un siècle plus tard, dans les années 1500, il devint enfin possible d'obtenir et de traiter correctement le verre : de grandes lentilles apparurent. Et ils pourraient enfin être insérés dans une chambre obscure, dont le principe de fonctionnement était connu depuis l'Antiquité. La camera obscura avec objectif a été une révolution incroyable dans arts visuels, puisque désormais la projection pourrait être de n'importe quelle taille. Et encore une chose, maintenant l'image n'était plus "grand angle", mais à peu près d'aspect normal - c'est-à-dire à peu près la même qu'elle est aujourd'hui lorsqu'elle est photographiée avec un objectif avec distance focale 35-50mm.

Cependant, le problème lié à l’utilisation d’un sténopé avec un objectif est que la projection vers l’avant de l’objectif est une image miroir. Cela a mené à un grand nombre gauchers en peinture aux premiers stades de l'utilisation de l'optique. Comme dans ce tableau des années 1600 du musée Frans Hals, où un couple gaucher danse, un vieil homme gaucher leur fait signe du doigt et un singe gaucher regarde sous la robe de la femme.

Tout le monde sur cette photo est gaucher

Le problème est résolu en installant un miroir vers lequel la lentille est dirigée, obtenant ainsi la projection correcte. Mais apparemment, un bon miroir, lisse et grand, coûtait très cher, donc tout le monde ne l'avait pas.

Un autre problème était la concentration. Le fait est que certaines parties de l’image, à un endroit de la toile sous les rayons de projection, étaient floues et floues. Dans les œuvres de Jan Vermeer, où l'utilisation de l'optique est assez évidente, ses œuvres ressemblent généralement à des photographies, on peut aussi remarquer des endroits flous. Vous pouvez même voir le motif produit par l’objectif – le fameux « bokeh ». Comme ici, par exemple, dans le tableau « La Laitière » (1658), le panier, le pain qu'il contient et le vase bleu sont flous. Mais l’œil humain ne peut pas voir « flou ».

Certaines parties de l'image sont floues

Et à la lumière de tout cela, il n’est pas du tout surprenant que bon ami John Vermeer était Antony Phillips van Leeuwenhoek, scientifique et microbiologiste, ainsi que maître unique, qui a créé ses propres microscopes et lentilles. Le scientifique est devenu l'intendant posthume de l'artiste. Cela suggère que Vermeer a représenté son ami sur deux toiles - "Géographe" et "Astronome".

Afin de voir n'importe quelle partie mise au point, vous devez changer la position de la toile sous les rayons de projection. Mais dans ce cas, des erreurs de proportions sont apparues. Comme vous pouvez le voir ici : l'énorme épaule de "Anthéa" de Parmigianino (vers 1537), la petite tête de "Lady Genovese" d'Anthony Van Dyck (1626), les immenses jambes d'un paysan dans un tableau de Georges de La Tour .

Erreurs de proportions

Bien entendu, tous les artistes utilisaient les objectifs différemment. Certains étaient destinés à des croquis, d'autres étaient composés de différentes parties - après tout, il était désormais possible de faire un portrait et de terminer tout le reste avec un autre modèle ou même avec un mannequin.

Il n'y a presque aucun dessin laissé par Velazquez. Cependant, son chef-d'œuvre est resté : un portrait du pape Innocent X (1650). Il y a un merveilleux jeu de lumière sur le manteau du pape – évidemment en soie. Blikov. Et pour écrire tout cela d’un seul point de vue, il a fallu beaucoup d’efforts. Mais si vous faites une projection, toute cette beauté ne s'enfuira nulle part - les reflets ne bougent plus, vous pouvez écrire exactement avec ceux larges et coups rapides comme Vélasquez.

Hockney reproduit le tableau de Velazquez

Par la suite, de nombreux artistes purent s’offrir une camera obscura, et celle-ci cessa d’être grand secret. Canaletto a activement utilisé l'appareil photo pour créer ses vues de Venise et ne l'a pas caché. Ces peintures, de par leur exactitude, nous permettent de parler de Canaletto en tant que documentariste. Grâce à Canaletto, vous pouvez voir bien plus que belle photo, mais aussi l'histoire elle-même. Vous pouvez voir à quoi ressemblait le premier pont de Westminster à Londres en 1746.

Canaletto "Pont de Westminster" 1746

L'artiste britannique Sir Joshua Reynolds possédait une camera obscura et n'en a apparemment parlé à personne, car son appareil photo se plie et ressemble à un livre. Aujourd'hui, il se trouve au London Science Museum.

Camera obscura déguisée en livre

Enfin, au début du XIXe siècle, William Henry Fox Talbot, utilisant une camera lucida - celle dans laquelle il faut regarder d'un seul œil et dessiner avec les mains, jura, décidant qu'il fallait mettre fin une fois pour toutes à un tel inconvénient tout, et est devenu l'un des inventeurs de la photographie chimique, et plus tard un vulgarisateur qui l'a rendue massive.

Avec l'invention de la photographie, le monopole de la peinture sur le réalisme du tableau a disparu ; aujourd'hui, la photographie est devenue un monopole. Et ici, enfin, la peinture s'est libérée de l'objectif, poursuivant le chemin d'où elle s'est détournée dans les années 1400, et Van Gogh est devenu le précurseur de tout l'art du 20e siècle.

A gauche : Mosaïque byzantine du XIIe siècle. À droite : Vincent Van Gogh, Portrait de Monsieur Trabuc, 1889.

L’invention de la photographie est la meilleure chose qui soit arrivée à la peinture dans toute son histoire. Il n'est plus nécessaire de créer exclusivement des images réelles, l'artiste devient libre. Bien sûr, il a fallu un siècle au public pour rattraper les artistes dans leur compréhension de la musique visuelle et cesser de penser que des gens comme Van Gogh étaient « fous ». Dans le même temps, les artistes ont commencé à utiliser activement les photographies comme « matériel de référence" Puis sont apparus des gens comme Vassily Kandinsky, l’avant-garde russe, Mark Rothko, Jackson Pollock. Après la peinture, l'architecture, la sculpture et la musique se libèrent également. Certes, l'école académique russe de peinture est coincée dans le temps, et aujourd'hui, dans les académies et les écoles, il est toujours considéré comme une honte d'utiliser la photographie comme aide, et l'exploit le plus élevé est considéré comme la capacité purement technique de peindre de la manière la plus réaliste possible. à mains nues.

Grâce à un article du journaliste Lawrence Weschler, présent lors des recherches de David Hockney et Falco, un autre fait intéressant: Le portrait du couple Arnolfini par Van Eyck est le portrait d'un marchand italien de Bruges. M. Arnolfini est florentin et, en outre, il est un représentant de la banque Médicis (pratiquement les maîtres de Florence à la Renaissance, ils sont considérés comme des mécènes de l'art de cette époque en Italie). Qu'est-ce que cela signifie? Le fait qu'il aurait facilement pu emporter avec lui le secret de la guilde de Saint-Luc - le miroir - à Florence, où, comme on le croit dans l'histoire traditionnelle, a commencé la Renaissance, et les artistes de Bruges (et, par conséquent, d'autres maîtres ) sont considérés comme des « primitivistes ».

La théorie de Hockney-Falco suscite de nombreuses controverses. Mais il y a certainement une part de vérité là-dedans. Quant aux critiques d’art, aux critiques et aux historiens, il est difficile d’imaginer combien d’ouvrages scientifiques sur l’histoire et l’art se sont révélés être un non-sens total, mais cela change toute l’histoire de l’art, toutes leurs théories et leurs textes.

Les faits liés à l'utilisation de l'optique n'enlèvent rien aux talents des artistes - après tout, la technologie est un moyen de transmettre ce que veut l'artiste. Et vice versa, le fait que ces peintures contiennent la réalité la plus réelle ne fait que leur ajouter du poids - après tout, c'est exactement à cela que ressemblaient les gens de cette époque, les choses, les locaux, les villes. Ce sont les vrais documents.

Renaissance (Renaissance). Italie. 15-16ème siècle. Le capitalisme primitif. Le pays est dirigé par de riches banquiers. Ils s'intéressent à l'art et à la science.
Les riches et les puissants rassemblent autour d’eux les talentueux et les sages. Poètes, philosophes, artistes et sculpteurs discutent quotidiennement avec leurs mécènes. Pendant un moment, il sembla que le peuple était gouverné par des sages, comme le voulait Platon.
Ils se souvenaient des anciens Romains et Grecs. Qui a également construit une société de citoyens libres. Où la valeur principale, ce sont les gens (sans compter les esclaves, bien sûr).
La Renaissance ne consiste pas seulement à copier l’art des civilisations anciennes. C'est un mélange. Mythologie et christianisme. Réalisme de la nature et sincérité des images. Beauté physique et beauté spirituelle.
Ce n'était qu'un éclair. La période de la Haute Renaissance dure environ 30 ans ! Des années 1490 à 1527 Depuis le début de l'apogée de la créativité de Léonard. Avant le sac de Rome.

Le mirage d’un monde idéal s’est rapidement estompé. L'Italie s'est avérée trop fragile. Elle fut bientôt asservie par un autre dictateur.
Mais ces 30 années ont déterminé les principales caractéristiques Peinture européenne 500 ans d'avance ! Jusqu'à impressionnistes.
Réalisme de l'image. L'anthropocentrisme (quand une personne est personnage principal et héros). Perspective linéaire. Peinture à l'huile. Portrait. Paysage…
Incroyablement, au cours de ces 30 années, plusieurs maîtres brillants ont travaillé en même temps. Qui, à d’autres moments, naissent une fois tous les 1000 ans.
Léonard, Michel-Ange, Raphaël et Titien sont les titans de la Renaissance. Mais on ne peut manquer de mentionner leurs deux prédécesseurs. Giotto et Masaccio. Sans quoi il n’y aurait pas de Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto de Bondogni. Fragment du tableau «Cinq maîtres de la Renaissance florentine». Début du 16ème siècle. Persienne, Paris.

14ème siècle Proto-Renaissance. Son personnage principal est Giotto. C’est un maître qui à lui seul a révolutionné l’art. 200 ans avant la Haute Renaissance. Sans lui, l’ère dont l’humanité est si fière n’aurait guère eu lieu.
Avant Giotto, il y avait des icônes et des fresques. Ils ont été créés selon les canons byzantins. Des visages au lieu de visages. Chiffres plats. Non-respect des proportions. Au lieu d’un paysage, il y a un fond doré. Comme par exemple sur cette icône.

Guido de Sienne. Adoration des Mages. 1275-1280 Altenburg, Musée Lindenau, Allemagne.

Et soudain, des fresques de Giotto apparaissent. Ils ont des chiffres volumineux. Personnes des gens nobles. Triste. Triste. Surpris. Vieux et jeunes. Différent.

Giotto. Lamentation du Christ. Fragment

Giotto. Baiser de Judas. Fragment

Giotto. Sainte Anne

Fresques de Giotto dans l'église des Scrovegni à Padoue (1302-1305). À gauche : Lamentation du Christ. Milieu : Baiser de Judas (fragment). À droite : Annonciation de Sainte-Anne (Mère Marie), fragment.
L'œuvre principale de Giotto est le cycle de ses fresques de la chapelle des Scrovegni à Padoue. Lorsque cette église fut ouverte aux paroissiens, des foules de personnes y affluèrent. Parce qu'ils n'ont jamais rien vu de pareil.
Après tout, Giotto a fait quelque chose de sans précédent. C'était comme s'il traduisait des histoires bibliques dans un langage simple et compréhensible. Et ils sont devenus beaucoup plus accessibles aux gens ordinaires.

Giotto. Adoration des Mages. 1303-1305 Fresque de la chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie.

C’est précisément ce qui caractérisera de nombreux maîtres de la Renaissance. Images laconiques. Émotions vives des personnages. Le réalisme.
Entre l'icône et le réalisme de la Renaissance."
Giotto était admiré. Mais ses innovations n’ont pas été développées davantage. La mode du gothique international est arrivée en Italie.
Ce n'est qu'après 100 ans qu'apparaîtra un maître, digne successeur de Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportrait (fragment de la fresque « Saint Pierre en chaire »). 1425-1427 Chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Début du XVe siècle. La dite Début de la Renaissance. Un autre innovateur entre en scène.
Masaccio fut le premier artiste à utiliser perspective linéaire. Il a été conçu par son ami l'architecte Brunelleschi. Désormais, le monde représenté est devenu semblable au monde réel. L’architecture des jouets appartient au passé.

Masaccio. Saint Pierre guérit avec son ombre. 1425-1427 Chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Il adopte le réalisme de Giotto. Cependant, contrairement à son prédécesseur, il connaissait déjà bien l’anatomie.
Au lieu de personnages en blocs, Giotto a des gens magnifiquement bâtis. Tout comme les anciens Grecs.

Masaccio. Baptême des néophytes. 1426-1427 Chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine à Florence, Italie.

Masaccio. Expulsion du Paradis. 1426-1427 Fresque de la chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Masaccio a vécu Pas longue vie. Il est mort, comme son père, de façon inattendue. A 27 ans.
Cependant, il avait de nombreux adeptes. Les maîtres des générations suivantes se rendirent à la chapelle Brancacci pour étudier ses fresques.
Ainsi, les innovations de Masaccio furent reprises par tous les grands titans de la Haute Renaissance.

3. Léonard de Vinci (1452-1519)

Léonard de Vinci. Autoportrait. 1512 Bibliothèque royale de Turin, Italie.

Léonard de Vinci est l'un des titans de la Renaissance. Ce qui a eu un impact considérable sur le développement de la peinture.
C'est lui qui a lui-même élevé le statut de l'artiste. Grâce à lui, les représentants de cette profession ne sont plus de simples artisans. Ce sont des créateurs et des aristocrates de l'esprit.
Léonard a fait une percée principalement dans le domaine du portrait.
Il pensait que rien ne devait détourner l'attention de l'image principale. Le regard ne doit pas vagabonder d’un détail à l’autre. C'est ainsi qu'apparaissent ses célèbres portraits. Laconique. Harmonieux.

Léonard de Vinci. Dame à l'hermine. 1489-1490 Musée Czertoryski, Cracovie.

La principale innovation de Léonard est d'avoir trouvé un moyen de rendre les images... vivantes.
Avant lui, les personnages des portraits ressemblaient à des mannequins. Les lignes étaient claires. Tous les détails sont soigneusement dessinés. Le dessin peint ne pouvait pas être vivant.
Mais ensuite Léonard a inventé la méthode sfumato. Il a ombré les lignes. J'ai rendu la transition de la lumière à l'ombre très douce. Ses personnages semblent recouverts d'une brume à peine perceptible. Les personnages ont pris vie.

Léonard de Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 Persienne, Paris.

Depuis, le sfumato fera partie du vocabulaire actif de tous les grands artistes de demain.
On pense souvent que Léonard, bien sûr, est un génie. Mais il ne savait pas comment finir quoi que ce soit. Et souvent, je ne finissais pas mes tableaux. Et beaucoup de ses projets sont restés sur papier (en 24 volumes d'ailleurs). Et en général, il se lançait soit dans la médecine, soit dans la musique. Et à une époque, je m'intéressais même à l'art de servir.
Cependant, pensez par vous-même. 19 tableaux. Et c'est le plus grand artiste de tous les temps. Et certains ne sont même pas proches de la grandeur. Parallèlement, ayant peint 6 000 toiles dans sa vie. Il est évident qui a la plus grande efficacité.

4. Michel-Ange (1475-1564)

Danièle de Volterra. Michel-Ange (fragment). 1544 Musée d'art métropolitain de New York.

Michel-Ange se considérait comme un sculpteur. Mais il était maître universel. Comme ses autres confrères de la Renaissance. Son héritage pictural n’en est donc pas moins grandiose.
Il est reconnaissable principalement à ses personnages physiquement développés. Parce qu'il incarne un homme parfait. Dans lequel la beauté physique signifie la beauté spirituelle.
C’est pourquoi tous ses héros sont si musclés et résilients. Même les femmes et les personnes âgées.

Michel-Ange. Fragment de la fresque "Le Jugement dernier"

Michel-Ange. Fragments de la fresque du Jugement dernier dans la Chapelle Sixtine, Vatican.
Michel-Ange peignait souvent le personnage nu. Et puis il a ajouté des vêtements par-dessus. Pour que le corps soit le plus sculpté possible.
Il a peint lui-même le plafond de la Chapelle Sixtine. Même s'il s'agit de plusieurs centaines de chiffres ! Il n’autorisait même personne à frotter la peinture. Oui, c'était un solitaire. Posséder un caractère cool et querelleur. Mais surtout, il n'était pas satisfait de... lui-même.

Michel-Ange. Fragment de la fresque « La Création d'Adam ». 1511 Chapelle Sixtine, Vatican.

Michel-Ange a vécu une longue vie. Ayant survécu au déclin de la Renaissance. Pour lui, c'était une tragédie personnelle. Ses œuvres ultérieures sont pleines de tristesse et de chagrin.
En général, le parcours créatif de Michel-Ange est unique. Ses premières œuvres sont une célébration du héros humain. Libre et courageux. Dans les meilleures traditions la Grèce ancienne. Comment s'appelle David ?
DANS dernières années la vie est des images tragiques. Pierre volontairement grossièrement taillée. C’est comme si nous regardions des monuments dédiés aux victimes du fascisme du XXe siècle. Regardez sa Pietà.

Michel-Ange. David

Michel-Ange. Pietà Palestrina

Sculptures de Michel-Ange à l'Académie des Beaux-Arts de Florence. À gauche : David. 1504 À droite : La Pietà de Palestrina. 1555
Comment est-ce possible? Un artiste dans une vie a traversé toutes les étapes de l'art, de la Renaissance au XXe siècle. Que devraient faire les générations suivantes ? Eh bien, suivez votre propre chemin. Se rendre compte que la barre est placée très haute.

5. Raphaël (1483-1520)

Raphaël. Autoportrait. 1506 Galerie des Offices, Florence, Italie.

Raphaël n'a jamais été oublié. Son génie a toujours été reconnu. Et pendant la vie. Et après la mort.
Ses personnages sont dotés d'une beauté sensuelle et lyrique. Ce sont ses Madones qui sont à juste titre considérées comme les plus belles images féminines jamais créées. Leur beauté extérieure reflète et beauté spirituelle héroïnes. Leur douceur. Leur sacrifice.

Raphaël. Madone Sixtine. 1513 Galerie des Maîtres Anciens, Dresde, Allemagne.

Fiodor Dostoïevski a prononcé les célèbres mots « La beauté sauvera le monde » spécifiquement à propos de la Madone Sixtine. C'était son tableau préféré.
Cependant, les images sensorielles ne sont pas les seules point fort Raphaël. Il a réfléchi très soigneusement aux compositions de ses peintures. C'était un architecte hors pair en peinture. De plus, il a toujours trouvé la solution la plus simple et la plus harmonieuse pour organiser l’espace. Il semble qu’il ne puisse en être autrement.

Raphaël. Ecole d'Athènes. 1509-1511 Fresque des Stances du Palais Apostolique, Vatican.

Raphaël n'a vécu que 37 ans. Il est mort subitement. D'un rhume et erreur médicale. Mais son héritage est difficile à surestimer. De nombreux artistes idolâtraient ce maître. Multipliant ses images sensuelles dans des milliers de ses toiles.

6. Titien (1488-1576).

Titien. Autoportrait (fragment). 1562 Musée du Prado, Madrid.

Titien était un coloriste hors pair. Il a également beaucoup expérimenté en matière de composition. En général, c'était un innovateur audacieux et brillant.
Tout le monde l’aimait pour l’éclat de son talent. Appelé « Le Roi des Peintres et le Peintre des Rois ».
En parlant de Titien, je veux mettre un point d'exclamation après chaque phrase. Après tout, c'est lui qui a apporté du dynamisme à la peinture. Pathétique. Enthousiasme. Couleur vive. Éclat de couleurs.

Titien. Ascension de Marie. 1515-1518 Église de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venise.

À la fin de sa vie, il avait développé technique inhabituelle des lettres. Les coups sont rapides. Épais. Pâteux. J'ai appliqué la peinture soit avec un pinceau, soit avec mes doigts. Cela rend les images encore plus vivantes et respirantes. Et les intrigues sont encore plus dynamiques et dramatiques.

Titien. Tarquin et Lucrèce. 1571 Musée Fitzwilliam, Cambridge, Angleterre.

Cela ne vous rappelle rien ? Bien sûr, c'est la technique de Rubens. Et la technique des artistes du XIXème siècle : Barbizons et Impressionnistes. Titien, comme Michel-Ange, passera par 500 ans de peinture au cours de sa vie. C'est pourquoi c'est un génie.

***
Les artistes de la Renaissance sont des artistes d'un grand savoir. Pour laisser un tel héritage, il fallait en savoir beaucoup. Dans le domaine de l'histoire, de l'astrologie, de la physique, etc.
Par conséquent, chaque image d’eux nous fait réfléchir. Pourquoi est-ce représenté ? Quel est le message crypté ici ?
Par conséquent, ils n’ont presque jamais commis d’erreurs. Parce qu’ils ont soigneusement réfléchi à leur futur travail. Utiliser toutes vos connaissances.
Ils étaient plus que des artistes. C'étaient des philosophes. Nous expliquer le monde à travers la peinture.
C’est pourquoi ils nous intéresseront toujours profondément.

Sandro Botticelli(1er mars 1445 - 17 mai 1510) - un homme profondément religieux, a travaillé dans toutes les grandes églises de Florence et dans la chapelle Sixtine du Vatican, mais est resté dans l'histoire de l'art principalement comme auteur de poésies grand format des toiles sur des sujets inspirés de l'Antiquité classique - "Printemps" et "Naissance de Vénus". .

Pendant longtemps Botticelli était dans l'ombre des géants de la Renaissance qui ont travaillé après lui jusqu'à ce qu'il soit redécouvert au milieu du XIXe siècle par les préraphaélites britanniques, qui vénéraient la linéarité fragile et la fraîcheur printanière de ses toiles matures comme le point culminant du développement de son art. art mondial.

Né dans la famille d'un riche citadin, Mariano di Vanni Filipepi. Reçu une bonne éducation. Il a étudié la peinture avec le moine Filippo Lippi et a adopté de lui cette passion pour représenter des motifs touchants qui distinguent peintures historiques Lippi. Puis il travaille pour le célèbre sculpteur Verrocchio. En 1470, il organisa son propre atelier.

Il adopte la subtilité et la précision des lignes de son deuxième frère, bijoutier. Il étudie quelque temps avec Léonard de Vinci dans l'atelier de Verrocchio. L’originalité du talent de Botticelli est son penchant pour le fantastique. Il fut l'un des premiers à introduire les mythes et allégories antiques dans l'art de son temps et il travailla avec un amour particulier sur des sujets mythologiques. Particulièrement impressionnante est sa Vénus, qui flotte nue sur la mer dans une coquille, et les dieux des vents la couvrent d'une pluie de roses et chassent la coquille jusqu'au rivage.

Les fresques qu'il commença en 1474 dans la chapelle Sixtine du Vatican sont considérées comme la meilleure création de Botticelli. Il a réalisé de nombreuses peintures commandées par les Médicis. Il peint notamment la bannière de Julien de Médicis, frère de Laurent le Magnifique. Dans les années 1470-1480, le portrait devient un genre indépendant dans l’œuvre de Botticelli (« L’Homme à la médaille », vers 1474 ; « Jeune homme », années 1480). Botticelli est devenu célèbre pour son goût esthétique subtil et ses œuvres telles que « L'Annonciation » (1489-1490), « Les Abandonnés » (1495-1500), etc. Au cours des dernières années de sa vie, Botticelli a apparemment abandonné la peinture.

Sandro Botticelli est enterré dans le tombeau familial de l'église d'Ognisanti à Florence. Selon son testament, il a été enterré près de la tombe de Simonetta Vespucci, qui a le plus inspiré Belles images maîtrise

Léonard de Ser Piero da Vinci(15 avril 1452, village d'Anchiano, près de la ville de Vinci, près de Florence - 2 mai 1519 - grand artiste italien (peintre, sculpteur, architecte) et scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, l'un des les plus grands représentants du Haut Art de la Renaissance, un brillant exemple de « l’homme universel ».

Nos contemporains connaissent Léonard avant tout en tant qu'artiste. En outre, il est possible que Léonard de Vinci ait également été sculpteur : des chercheurs de l'Université de Pérouse - Giancarlo Gentilini et Carlo Sisi - affirment que la tête en terre cuite qu'ils ont trouvée en 1990 est la seule œuvre sculpturale de Léonard de Vinci qui soit parvenue à nous. Cependant, Léonard lui-même, à différentes périodes de sa vie, se considérait avant tout comme un ingénieur ou un scientifique. Il a donné beaux-Arts pas beaucoup de temps et j'ai travaillé assez lentement. Par conséquent, le patrimoine artistique de Léonard n’est pas important et un certain nombre de ses œuvres ont été perdues ou gravement endommagées. Cependant, sa contribution à la culture artistique mondiale est extrêmement importante, même dans le contexte de la cohorte de génies produite par la Renaissance italienne. Grâce à ses œuvres, l'art de la peinture s'est développé vers la haute qualité nouvelle étape de son développement. Les artistes de la Renaissance qui ont précédé Léonard ont rejeté de manière décisive de nombreuses conventions. art médiéval. C'était un mouvement vers le réalisme et beaucoup avait déjà été réalisé dans l'étude de la perspective, de l'anatomie, d'une plus grande liberté dans solutions de composition. Mais en termes de peinture, de travail de la peinture, les artistes étaient encore assez conventionnels et contraints. La ligne sur l’image délimitait clairement l’objet et l’image ressemblait à un dessin peint. Le plus conventionnel était le paysage, qui jouait un rôle secondaire. .

Léonard a réalisé et incarné une nouvelle technique de peinture. Sa ligne a le droit d’être floue, car c’est comme ça qu’on la voit. Il a réalisé le phénomène de diffusion de la lumière dans l'air et l'apparition du sfumato - une brume entre le spectateur et l'objet représenté, qui adoucit les contrastes de couleurs et les lignes. En conséquence, le réalisme en peinture a atteint un niveau qualitativement nouveau. . peinture de la renaissance Botticelli Renaissance

Rafael Santi(28 mars 1483 - 6 avril 1520) - grand peintre, graphiste et architecte italien, représentant de l'école ombrienne.

Le fils du peintre Giovanni Santi a suivi une formation artistique initiale à Urbino avec son père Giovanni Santi, mais dès son plus jeune âge, il s'est retrouvé dans l'atelier artiste exceptionnel Pietro Pérugin. C’est le langage artistique et l’imagerie des peintures du Pérugin, avec leur attrait pour une composition symétrique et équilibrée, la clarté des solutions spatiales et la douceur des couleurs et de l’éclairage, qui ont eu une influence primordiale sur le style du jeune Raphaël.

Il faut également préciser que le style créatif de Raphaël comprenait une synthèse des techniques et des découvertes d’autres maîtres. Au début, Raphaël s'est appuyé sur l'expérience du Pérugin, puis, plus tard, sur les découvertes de Léonard de Vinci, Fra Bartolomeo et Michel-Ange. .

Premières œuvres(« Madonna Conestabile » 1502-1503) sont empreints de grâce et de doux lyrisme. Il a glorifié l'existence terrestre de l'homme, l'harmonie des forces spirituelles et physiques dans les peintures des salles du Vatican (1509-1517), atteignant un sens impeccable des proportions, du rythme, des proportions, de l'euphonie des couleurs, de l'unité des figures et majestueux. arrière-plans architecturaux..

A Florence, entré en contact avec les œuvres de Michel-Ange et de Léonard, Raphaël apprit d'eux la représentation anatomiquement correcte du corps humain. A l'âge de 25 ans, l'artiste arrive à Rome, et à partir de ce moment commence la période d'apogée de sa créativité : il réalise des peintures monumentales au Palais du Vatican (1509-1511), dont le chef-d'œuvre incontesté du maître - la fresque « L'École d'Athènes », écrit des compositions d'autel et peintures de chevalet, qui se distingue par l'harmonie de la conception et de l'exécution, travaille comme architecte (Raphaël a même dirigé pendant quelque temps la construction de la cathédrale Saint-Pierre). Dans une recherche inlassable de son idéal, incarné pour l'artiste à l'image de Madonna, il crée sa création la plus parfaite - " Madone Sixtine" (1513), symbole de maternité et d'abnégation. Les peintures et peintures murales de Raphaël furent reconnues par ses contemporains et Santi devint rapidement une figure centrale de la vie artistique de Rome. De nombreuses personnes nobles d’Italie souhaitaient se lier à l’artiste, notamment le cardinal Bibbiena, ami proche de Raphaël. L'artiste est décédé à l'âge de trente-sept ans d'une insuffisance cardiaque. Les peintures inachevées de la Villa Farnesina, des Loggias du Vatican et d'autres œuvres ont été réalisées par les étudiants de Raphaël conformément à ses croquis et dessins.

L'un des plus grands représentants de l'art de la Haute Renaissance, dont les peintures se caractérisent par un équilibre et une harmonie accentués de l'ensemble, une composition équilibrée, un rythme mesuré et une utilisation délicate des capacités des couleurs. Une maîtrise impeccable de la ligne et la capacité de généraliser et de mettre en évidence l'essentiel ont fait de Raphaël l'un des maîtres du dessin les plus remarquables de tous les temps. L'héritage de Raphaël a été l'un des piliers de la formation de l'académisme européen. Les adeptes du classicisme - les frères Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov et bien d'autres artistes - ont vanté l'héritage de Raphaël comme le phénomène le plus parfait de l'art mondial...

Titien Vecellio(1476/1477 ou 1480-1576) - Peintre italien de la Renaissance. Le nom de Titien se classe parmi les artistes de la Renaissance tels que Michel-Ange, Léonard de Vinci et Raphaël. Titien a peint des peintures basées sur la Bible et histoires mythologiques, il devient également célèbre comme portraitiste. Il recevait des ordres des rois et des papes, des cardinaux, des ducs et des princes. Titien n'avait pas trente ans lorsqu'il fut reconnu comme le meilleur peintre de Venise.

Selon son lieu de naissance (Pieve di Cadore dans la province de Belluno), il est parfois appelé da Cadore ; également connu sous le nom de Titien le Divin...

Titien est né dans la famille de Gregorio Vecellio, homme d'État et chef militaire. À l'âge de dix ans, il fut envoyé avec son frère à Venise pour étudier avec le célèbre mosaïste Sebastian Zuccato. Quelques années plus tard, il entre comme apprenti dans l'atelier de Giovanni Bellini. Il a étudié avec Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) et plusieurs autres artistes qui deviendront plus tard célèbres.

En 1518, Titien peint le tableau "L'Ascension de Notre-Dame", en 1515 - Salomé avec la tête de Jean-Baptiste. De 1519 à 1526, il peint plusieurs autels, dont le retable de la famille Pesaro.

Titien a vécu une longue vie. Avant derniers jours il n'a pas arrêté de travailler. Titien a peint son dernier tableau, Lamentation du Christ, pour sa propre pierre tombale. L'artiste mourut de la peste à Venise le 27 août 1576, infecté par son fils alors qu'il s'occupait de lui.

L'empereur Charles Quint convoqua Titien chez lui et l'entoura d'honneur et de respect et dit plus d'une fois : « Je peux créer un duc, mais où puis-je trouver un deuxième Titien ? Lorsqu'un jour l'artiste laissa tomber son pinceau, Charles Quint le ramassa et dit : « C'est un honneur même pour l'empereur de servir Titien. » Les rois d'Espagne et de France invitèrent Titien à vivre à leur cour, mais l'artiste, après avoir exécuté ses commandes, retournait toujours dans sa Venise natale. Un cratère sur Mercure fut nommé en l'honneur de Titien. .