La peinture allemande a commencé son développement au début du Moyen Âge sous l'influence de l'art classique de la Rome antique et de Byzance.

A l'époque de la domination gothique, la peinture s'est tournée vers la peinture des vitres, et pendant longtemps elle a été étroitement associée à l'architecture.

La peinture prend une nouvelle direction au XVe siècle sous l'influence de l'école des Flandres, brillamment développée grâce aux frères van Eyck.

Michael Wohlgemut est reconnu comme le premier maître important de l'Allemagne. Il a probablement appris le métier des œuvres de peintres flamands. Albrecht Durer, qui devint plus tard le plus grand artiste d'Allemagne, étudia dans son atelier en 1486-89. Ses peintures montrent la vraie grandeur de la Renaissance

Simultanément avec Dürer, le plus grand artiste a travaillé - Mathis Niethardt, surnommé Grunewald. La richesse coloristique de sa peinture fait également partie des plus hautes réalisations de la culture artistique nationale.

Le développement ultérieur de la peinture a été influencé par le travail d'un portraitiste exceptionnel, maître des scènes mythologiques et religieuses, Lucas Cranach l'Ancien, qui possède un art virtuose des solutions décoratives et un sens délicat du paysage.

Son influence a influencé le travail de toute une galaxie d'artistes, dans lesquels la peinture et le paysage graphique ont joué un rôle important et qui sont connus comme "l'école du Danube".

Le représentant le plus éminent de l'école de peinture du Danube est Albrecht Altdorfer.

Au 17ème siècle artistes allemands empruntant les idéaux du classicisme à d'autres écoles nationales et essayant de les conserver, ils ouvrent leur propre Académie des Arts. Avant son ouverture en 1694, les artistes allemands, afin de recevoir une formation professionnelle, devaient se rendre à l'étranger - en Flandre, en Italie, en Hollande. Par conséquent, l'influence de ces écoles nationales dans les œuvres des peintres allemands est si notable.

Les artistes les plus doués ont essayé de défendre leur originalité, même s'ils ne pouvaient pas complètement renoncer aux échantillons des autres. Les artistes allemands du XVIIe siècle sont devenus une sorte de prophètes dans un pays étranger. En Allemagne même, les talents nationaux n'étaient ni appréciés ni soutenus, l'artiste se trouvait dans une position humiliante et dépendante. Un trait caractéristique de l'art allemand du XVIIe siècle dans son ensemble est l'incohérence, principalement constatée dans l'œuvre de Joachim von Sandrart.

Au XVIIIe siècle, les styles de peinture nationale allemande ont commencé à se développer en parallèle dans divers États germaniques. La Bavière est devenue l'un des principaux centres d'art. Au début, le développement de la peinture nationale s'est déroulé dans le cadre du baroque, puis il s'est rapproché des styles du rococo et du classicisme. Anton Raphael Mengs, le plus grand peintre allemand de l'ère du classicisme, a eu une plus grande influence sur la peinture de le XVIIIe siècle et la peinture ultérieure.

Le premier artiste allemand original et national des temps modernes était originaire de Dantzig, Daniel Chodovetsky, l'un des principaux représentants du réalisme des Lumières.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, les artistes déçus à la fois du réalisme et de l'imitation des maîtres anciens cherchaient de nouveaux thèmes et modes de réalisation.

Karl Blechen est devenu l'un des premiers artistes « industriels » allemands à célébrer la puissance industrielle émergente.

Le plus grand maître du milieu du XIXe siècle était le peintre et graphiste berlinois Adolph von Menzel.

Prisé pour ses vues précises mais pittoresques sur la ville du XIXe siècle, Johann Philip Eduard Gertner.

À la fin du XIXe et au début du XXe siècle, le talent exceptionnel du célèbre impressionniste allemand Lesser Uri s'est manifesté.

Ernst Ludwig Kirchner est entré dans l'histoire de la peinture comme le fondateur de l'un des phénomènes les plus notables de la vie artistique du début du XXe siècle - l'expressionnisme.

Vous pouvez acheter des reproductions de tableaux de peintres peintres allemands dans notre boutique en ligne.

Quelque chose est arrivé au cerveau des Allemands au 20ème siècle... Plus précisément, leur toit a été soufflé. Tous les Bourliouks de l'Union soviétique n'ont pas suscité autant de merveilleux délires.

Max Ernst. Odipe Rex. 1922

César Klein. Plakat zur Wahl der Nationalversammlung: Arbeiter Burger Bauern Soldaten

Christian Rohlfs. Danseurs (Zwei Tanzende). 1913

Ernst Ludwig Kirchner. Vor den Menschen. 1905

Ernst Barlach. Magdeburger Ehrenmal (cénotaphe de Magdebourg). 1929

Fritz Skade. Schlafendes Kind (Enfant, endormi)

George Grosz. Artiste et modèle. 1928

Herbert Bayer. Einsamer Grosstadler (Le Métropolite Solitaire). 1932

Johannes Itten. Spruch. 1921

Lovis Corinthe. Ecce Homo. 1925

Lovis Corinthe. Samson aveuglé. 1912

Max Ernst. Ohne titre

Raoul Hausmann. Le critique d'art. 1919-1920

Werner Scholz. Prostituée

Josef Scharl. L'art pour l'art

Ce qui est drôle, ce sont les peintures (à l'exception de Scholz, dont je ne suis pas sûr et de Sharla - celle plus tard), que les nazis appelaient entartete Kunst - Art dégénéré et qualifié de "non seulement moderniste, anti-classique, mais aussi juif- bolchevique, anti-allemand, et donc dangereux pour la nation et pour toute la race aryenne", en plus de ce que j'ai inclus dans le post, vous pouvez mentionner qu'il y avait Chagall, Kandinsky, Kokoschka, Klee, Munch, des compositeurs Schoenberg et Bartok, et ainsi de suite...

Mais tout cela semble extrêmement amusant à la lumière d'un fait : dans les années trente, de 32 musées en Allemagne, les nazis ont confisqué et emporté environ 650 œuvres, et ont fait une exposition, qui a été inaugurée le 19 juillet 1937 à Munich " Maison des Arts".

Jusqu'en avril 1941, elle a visité 12 autres villes, elle a été visitée par 3 millions de téléspectateurs.

Je crois que c'était un triomphe du sabotage sioniste-bolchevique ! Dans certains endroits, ils écrivent qu'il s'agit d'un record absolu pour une exposition d'art - personne n'a jamais réussi à rassembler plus de monde.

Ceci est juste une image fabuleuse - 1937, Allemagne, l'enfer commence - et parmi toutes ces bannières rouge-blanc-noir - les Allemands eux-mêmes portent et montrent une sélection de haute qualité des plus belles peintures de ceux qui deviendront des classiques de l'avant -garde.

Il est probablement très romantique de supposer que c'est cet acte, conçu comme de la propagande, qui a propagé le virus de l'esthétisme subtil et de la décadence, qui briserait l'esprit de l'ubermensch au bout de cinq ans.

"Joueurs de cartes"

auteur

Paul Cézanne

Pays La France
Des années de vie 1839–1906
Style post-impressionnisme

L'artiste est né dans le sud de la France dans la petite ville d'Aix-en-Provence, mais a commencé à peindre à Paris. Un véritable succès lui est venu après une exposition personnelle organisée par le collectionneur Ambroise Vollard. En 1886, 20 ans avant son départ, il s'installe à la périphérie de sa ville natale. Les jeunes artistes qualifiaient leurs voyages chez lui de « pèlerinage à Aix ».

130x97cm
année 1895
le prix
250 millions de dollars
épuisé en 2012
lors d'une vente aux enchères privée

L'œuvre de Cézanne est facile à comprendre. La seule règle de l'artiste était le transfert direct du sujet ou de l'intrigue sur la toile, de sorte que ses peintures ne perturbent pas le spectateur. Cézanne a combiné deux principales traditions françaises dans son art : le classicisme et le romantisme. A l'aide de textures colorées, il donne à la forme des objets une plasticité étonnante.

Une série de cinq tableaux "Les joueurs de cartes" a été écrite dans les années 1890-1895. Leur intrigue est la même - plusieurs personnes sont passionnées par le poker. Les œuvres ne diffèrent que par le nombre de joueurs et la taille de la toile.

Quatre tableaux sont conservés dans des musées en Europe et en Amérique (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Fondation Barnes et Courtauld Institute of Art), et le cinquième, jusqu'à récemment, était un ornement de la collection privée de l'armateur milliardaire grec. Georg Embirikos. Peu de temps avant sa mort, à l'hiver 2011, il décide de la mettre en vente. Le marchand d'art William Aquavella et le galeriste de renommée mondiale Larry Gagosian sont devenus des acheteurs potentiels de l'œuvre "gratuite" de Cézanne, offrant environ 220 millions de dollars pour cela. En conséquence, le tableau est allé à la famille royale de l'État arabe du Qatar pour 250 millions. Le plus grand contrat d'art de l'histoire de la peinture a été conclu en février 2012. Cela a été rapporté dans Vanity Fair par la journaliste Alexandra Pearce. Elle a découvert le coût de la peinture et le nom du nouveau propriétaire, puis l'information a pénétré les médias du monde entier.

En 2010, le Musée arabe d'art contemporain et le Musée national du Qatar ont ouvert au Qatar. Maintenant, leurs collections se reconstituent. Peut-être que la cinquième version de The Card Players a été acquise par le cheikh à cette fin.

Le pluspeinture chèredans le monde

Propriétaire
Cheikh Hamad
ben Khalifa al-Thani

La dynastie al-Thani dirige le Qatar depuis plus de 130 ans. Il y a environ un demi-siècle, d'énormes réserves de pétrole et de gaz ont été découvertes ici, ce qui a instantanément fait du Qatar l'une des régions les plus riches du monde. Grâce à l'exportation d'hydrocarbures, ce petit pays a le plus gros PIB par habitant. Cheikh Hamad bin Khalifa al-Thani en 1995, alors que son père était en Suisse, avec le soutien des membres de sa famille a pris le pouvoir. Le mérite du dirigeant actuel, selon les experts, réside dans une stratégie claire pour le développement du pays, dans la création d'une image réussie de l'État. Le Qatar a désormais une constitution et un Premier ministre, et les femmes ont obtenu le droit de vote aux élections législatives. D'ailleurs, c'est l'émir du Qatar qui a fondé la chaîne d'information Al-Jazeera. Les autorités de l'État arabe accordent une grande attention à la culture.

2

"Numéro 5"

auteur

Jackson Pollock

Pays Etats-Unis
Des années de vie 1912–1956
Style expressionisme abstrait

Jack Sprinkler - un tel surnom a été donné à Pollock par le public américain pour une technique de peinture spéciale. L'artiste a abandonné le pinceau et le chevalet et a versé de la peinture sur la surface de la toile ou du panneau de fibres tout en se déplaçant continuellement autour et à l'intérieur. Dès son plus jeune âge, il affectionne la philosophie de Jiddu Krishnamurti, dont le message principal est que la vérité se révèle lors de l'"effusion" libre.

122x244cm
1948 année
le prix
140 millions de dollars
épuisé en 2006 année
sur la vente aux enchères Sotheby's

La valeur du travail de Pollock n'est pas dans le résultat, mais dans le processus. Ce n'est pas par hasard que l'auteur a appelé son art « peinture d'action ». Avec sa main légère, il est devenu le principal trésor de l'Amérique. Jackson Pollock a mélangé de la peinture avec du sable, du verre brisé et a écrit avec un morceau de carton, un couteau à palette, un couteau et une cuillère. L'artiste était si populaire que dans les années 1950, des imitateurs ont été trouvés même en URSS. La peinture "Numéro 5" est reconnue comme l'une des plus étranges et des plus chères au monde. L'un des fondateurs de la société DreamWorks, David Geffen, l'a acquis pour une collection privée, et l'a vendu en 2006 aux enchères de Sotheby's pour 140 millions de dollars au collectionneur mexicain David Martinez. Cependant, le cabinet d'avocats a rapidement publié un communiqué de presse au nom de son client indiquant que David Martinez n'était pas le propriétaire du tableau. Une seule chose est sûre : le financier mexicain collectionne en effet depuis peu des œuvres d'art contemporain. Il est peu probable qu'il ait raté un "gros poisson" comme la goberge "numéro 5".

3

"Femme III"

auteur

Willem de Kooning

Pays Etats-Unis
Des années de vie 1904–1997
Style expressionisme abstrait

Né aux Pays-Bas, il émigre aux États-Unis en 1926. En 1948, une exposition personnelle de l'artiste a lieu. Les critiques d'art ont apprécié les compositions complexes et nerveuses en noir et blanc, reconnaissant le grand artiste moderniste en leur auteur. La majeure partie de sa vie, il a souffert d'alcoolisme, mais la joie de créer un nouvel art se ressent dans chaque œuvre. De Kooning se distingue par l'impulsivité de la peinture, des traits larges, c'est pourquoi parfois l'image ne rentre pas dans les limites de la toile.

121x171cm
1953 année
le prix
137 millions de dollars
épuisé en 2006 année
lors d'une vente aux enchères privée

Dans les années 1950, les peintures de de Kooning représentaient des femmes aux yeux vides, aux seins massifs et aux traits du visage laids. Woman III est la dernière entrée de la série à être mise aux enchères.

Depuis les années 1970, le tableau est conservé au Musée d'art moderne de Téhéran, mais après l'introduction de règles morales strictes dans le pays, ils ont tenté de s'en débarrasser. En 1994, l'œuvre a été exportée d'Iran, et 12 ans plus tard, son propriétaire David Geffen (le même producteur qui a vendu le tableau de Jackson Pollock "Numéro 5") a donné la photo au millionnaire Stephen Cohen pour 137,5 millions de dollars. Il est intéressant de noter que Geffen a commencé en un an à vendre sa collection de peintures. Cela a donné lieu à de nombreuses rumeurs, par exemple, que le producteur a décidé d'acheter le journal Los Angeles Times.

Lors de l'un des forums d'art, une opinion a été exprimée sur la similitude de "Femme III" avec la peinture de Léonard de Vinci "La Dame à l'hermine". Derrière le sourire à pleines dents et la silhouette informe de l'héroïne, le fin connaisseur de la peinture discernait la grâce d'une personne de sang royal. Ceci est également attesté par la couronne mal tracée couronnant la tête de la femme.

4

"Portrait d'AdèleBloch-Bauer I"

auteur

Gustav Klimt

Pays L'Autriche
Des années de vie 1862–1918
Style moderne

Gustav Klimt est né dans la famille d'un artiste graveur et était le deuxième de sept enfants. Les trois fils d'Ernest Klimt sont devenus artistes, et seul Gustav est devenu célèbre dans le monde entier. Il a passé la majeure partie de son enfance dans la pauvreté. Après la mort de son père, il était responsable de toute la famille. C'est à cette époque que Klimt développe son style. Tout spectateur se fige devant ses toiles : sous les fines touches d'or, un érotisme franc est bien visible.

138x136cm
année 1907
le prix
135 millions de dollars
épuisé en 2006 année
sur la vente aux enchères Sotheby's

Le destin du tableau, qui s'appelle la « Joconde autrichienne », pourrait facilement devenir la base d'un best-seller. Le travail de l'artiste est devenu la cause du conflit entre tout l'État et une dame âgée.

Ainsi, "Portrait d'Adèle Bloch-Bauer I" met en scène une aristocrate, l'épouse de Ferdinand Bloch. Sa dernière volonté était de transférer le tableau à la Galerie nationale autrichienne. Cependant, Bloch dans son testament a annulé le don et la toile a été expropriée par les nazis. Plus tard, la galerie a à peine acheté l'Adèle d'or, mais l'héritière est apparue - Maria Altman, la nièce de Ferdinand Bloch.

En 2005, le procès très médiatisé "Maria Altman contre la République autrichienne" a commencé, à la suite duquel la photo "est partie" avec elle à Los Angeles. L'Autriche a pris des mesures sans précédent : des négociations étaient en cours pour des prêts, la population a donné de l'argent pour racheter le portrait. Le bien n'a jamais vaincu le mal : Altman a relevé le prix à 300 millions de dollars. Au moment du procès, elle avait 79 ans, et elle est entrée dans l'histoire comme la personne qui a changé la volonté de Bloch-Bauer en faveur d'intérêts personnels. Le tableau a été acquis par Ronald Lauder, propriétaire de la New Gallery à New York, où il se trouve encore à ce jour. Pas pour l'Autriche, Altman a réduit le prix à 135 millions de dollars pour lui.

5

"Pousser un cri"

auteur

Edvard Munch

Pays Norvège
Des années de vie 1863–1944
Style expressionnisme

Le premier tableau de Munch, devenu célèbre dans le monde entier - "La Sick Girl" (existe en cinq exemplaires) - est dédié à la sœur de l'artiste, décédée de la tuberculose à l'âge de 15 ans. Munch a toujours été intéressé par le sujet de la mort et de la solitude. En Allemagne, sa peinture lourde et maniaque a même provoqué un scandale. Cependant, malgré les intrigues déprimantes, ses peintures ont un magnétisme particulier. Prenez "Scream", par exemple.

73,5x91cm
année 1895
le prix
119,992 millions de dollars
vendu dans 2012 année
sur la vente aux enchères Sotheby's

Le nom complet du tableau est Der Schrei der Natur (traduit de l'allemand - "le cri de la nature"). Le visage d'une personne ou d'un extraterrestre exprime le désespoir et la panique - les mêmes émotions sont ressenties par le spectateur lorsqu'il regarde une image. L'une des œuvres clés de l'expressionnisme met en garde contre des thèmes devenus aigus dans l'art du XXe siècle. Selon une version, l'artiste l'a créé sous l'influence d'un trouble mental, dont il a souffert toute sa vie.

Le tableau a été volé deux fois dans différents musées, mais il a été restitué. Le Scream, qui avait subi des dommages mineurs après le vol, a été restauré et était à nouveau prêt à être exposé au musée Munch en 2008. Pour les représentants de la culture pop, l'œuvre est devenue une source d'inspiration: Andy Warhol a créé une série de ses copies-impressions et le masque du film "Scream" est réalisé à l'image et à la ressemblance du héros de l'image.

Sur un sujet, Munch a écrit quatre versions de l'œuvre : celle d'une collection privée, réalisée au pastel. Le milliardaire norvégien Petter Olsen l'a mis aux enchères le 2 mai 2012. L'acheteur était Léon Black, qui n'a pas regretté le montant record du "Scream". Fondateur d'Apollo Advisors, L.P. et Lion Advisors, L.P. connu pour son amour de l'art. Black est le mécène du Dartmouth College, du Museum of Modern Art, du Lincoln Art Center, du Metropolitan Museum of Art. Il possède la plus grande collection de peintures d'artistes contemporains et de maîtres classiques des siècles passés.

6

"Nu sur fond de buste et de feuilles vertes"

auteur

Pablo Picasso

Pays Espagne, France
Des années de vie 1881–1973
Style cubisme

De naissance, il est espagnol, mais par son esprit et son lieu de résidence, c'est un vrai français. Picasso a ouvert son propre studio d'art à Barcelone alors qu'il n'avait que 16 ans. Puis il partit pour Paris et y passa la plus grande partie de sa vie. C'est pourquoi il y a un double accent dans son nom de famille. Le style inventé par Picasso est basé sur le déni de l'opinion selon laquelle un objet représenté sur toile ne peut être vu que sous un seul angle.

130x162cm
année 1932
le prix
106,482 millions de dollars
épuisé en 2010 année
sur la vente aux enchères Christie's

Au cours de son travail à Rome, l'artiste rencontre la danseuse Olga Khokhlova, qui deviendra bientôt sa femme. Il mit fin au vagabondage, emménagea avec elle dans un luxueux appartement. À ce moment-là, la reconnaissance avait trouvé un héros, mais le mariage était détruit. L'un des tableaux les plus chers au monde a été créé presque par accident - pour un grand amour, qui, comme toujours avec Picasso, a été de courte durée. En 1927, il s'intéresse à la jeune Marie-Thérèse Walther (elle a 17 ans, il en a 45). À l'insu de sa femme, il part avec sa maîtresse dans une ville proche de Paris, où il peint un portrait représentant Marie-Thérèse à l'image de Daphné. La toile a été acquise par le marchand new-yorkais Paul Rosenberg et vendue à Sidney F. Brody en 1951. Les époux Brody n'ont montré la photo au monde qu'une seule fois parce que l'artiste a eu 80 ans. Après le décès de son mari, Mme Brody en mars 2010 a mis la pièce aux enchères chez Christie's. En six décennies, le prix a augmenté plus de 5 000 fois ! Un collectionneur inconnu l'a acheté pour 106,5 millions de dollars. En 2011, une "exposition de peinture unique" a eu lieu en Grande-Bretagne, où elle a été publiée pour la deuxième fois, mais le nom du propriétaire est encore inconnu.

7

"Huit Elvis"

auteur

Andy Warhole

Pays Etats-Unis
Des années de vie 1928-1987
Style
pop Art

"Le sexe et les fêtes sont les seuls endroits où vous devez apparaître en personne", a déclaré Andy Warhol, l'artiste pop art emblématique, cinéaste, l'un des fondateurs du magazine Interview. Il a travaillé avec Vogue et Harper's Bazaar, conçu des pochettes d'albums et conçu des chaussures pour I. Miller. Dans les années 1960, apparaissent des peintures représentant les symboles de l'Amérique : la soupe Campbell et le Coca-Cola, Presley et Monroe - qui font de lui une légende.

358x208cm
1963 année
le prix
100 millions de dollars
épuisé En 2008
lors d'une vente aux enchères privée

Les années 60 de Warhol - c'était le nom de l'ère du pop art en Amérique. En 1962, il travaille à Manhattan dans le studio Fabrika, où se réunissent tous les bohèmes de New York. Ses représentants éminents : Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote et d'autres personnalités célèbres dans le monde. Parallèlement, Warhol s'essaye à la technique de la sérigraphie, c'est-à-dire la répétition multiple d'une même image. Il a utilisé cette méthode lors de la création de "Eight Elvis": le spectateur semble voir des images d'un film où la star prend vie. Il y a tout ce que l'artiste a tant aimé : une image publique gagnant-gagnant, une couleur argentée et une prémonition de la mort comme message principal.

Il y a aujourd'hui deux marchands d'art qui font la promotion du travail de Warhol sur le marché mondial : Larry Gagosian et Alberto Mughrabi. Le premier a dépensé 200 millions de dollars en 2008 pour acquérir plus de 15 œuvres de Warhol. Le second achète et revend ses tableaux comme des cartes de Noël, mais en plus cher. Mais pas eux, mais un modeste consultant en art français Philippe Segalo a aidé l'amateur d'art romain Annibale Berlingieri à vendre Eight Elvis à un acheteur inconnu pour un montant record pour Warhol - 100 millions de dollars.

8

"Orange,Rouge jaune"

auteur

Marc Rothko

Pays Etats-Unis
Des années de vie 1903–1970
Style expressionisme abstrait

L'un des créateurs de la peinture sur champ de couleur est né à Dvinsk, en Russie (aujourd'hui Daugavpils, en Lettonie), dans une famille nombreuse d'un pharmacien juif. En 1911, ils ont émigré aux États-Unis. Rothko a étudié au département d'art de l'Université de Yale, a remporté une bourse, mais des sentiments antisémites l'ont contraint à abandonner ses études. Malgré tout, les critiques d'art ont idolâtré l'artiste et les musées l'ont hanté toute sa vie.

206x236cm
1961 année
le prix
86 882 millions de dollars
épuisé en 2012
sur la vente aux enchères Christie's

Les premières expériences artistiques de Rothko étaient d'orientation surréaliste, mais au fil du temps, il a simplifié l'intrigue en taches de couleur, les privant de toute objectivité. Au début, ils avaient des nuances vives, et dans les années 1960, ils sont devenus bruns, violets, s'épaississant au noir au moment de la mort de l'artiste. Mark Rothko a mis en garde contre la recherche de sens dans ses peintures. L'auteur a voulu dire exactement ce qu'il a dit : seulement une couleur qui se dissout dans l'air, et rien d'autre. Il a recommandé de regarder les œuvres à une distance de 45 cm, afin que le spectateur soit "dessiné" en couleur, comme un entonnoir. Attention : observer selon toutes les règles peut conduire à l'effet de la méditation, c'est-à-dire venir progressivement la conscience de l'infini, l'immersion totale en soi, la relaxation, la purification. La couleur dans ses peintures vit, respire et a un fort impact émotionnel (ils disent parfois - la guérison). L'artiste a déclaré : « Le spectateur doit pleurer en les regardant », et il y a vraiment eu de tels cas. Selon la théorie de Rothko, à ce moment-là, les gens vivent la même expérience spirituelle que lui en travaillant sur une peinture. Si vous avez réussi à le comprendre à un niveau aussi subtil, vous ne devriez pas être surpris que les critiques comparent souvent ces œuvres d'art abstrait à des icônes.

L'œuvre « Orange, Red, Yellow » exprime toute l'essence de la peinture de Mark Rothko. Son coût initial aux enchères Christie's à New York est de 35 à 45 millions de dollars. Un acheteur inconnu a proposé un prix double de l'estimation. Le nom de l'heureux propriétaire du tableau, comme c'est souvent le cas, n'a pas été divulgué.

9

"Triptyque"

auteur

Francis Bacon

Pays
Royaume-Uni
Des années de vie 1909–1992
Style expressionnisme

Les aventures de Francis Bacon, homonyme complet et, de plus, lointain descendant du grand philosophe, ont commencé lorsque son père l'a renié, incapable d'accepter les penchants homosexuels de son fils. Bacon se rend d'abord à Berlin, puis à Paris, puis ses traces se brouillent dans toute l'Europe. Au cours de sa vie, ses œuvres ont été exposées dans les principaux centres culturels du monde, notamment le musée Guggenheim et la galerie Tretiakov.

147,5x198 cm (chacun)
1976 année
le prix
86,2 millions de dollars
épuisé En 2008
sur la vente aux enchères Sotheby's

Des musées prestigieux cherchaient à posséder les peintures de Bacon, mais le public anglais primitif n'était pas pressé de débourser pour un tel art. Le légendaire Premier ministre britannique Margaret Thatcher a dit de lui : « La personne qui peint ces images horribles.

L'artiste lui-même considérait l'après-guerre comme la période de départ de son œuvre. De retour du service, il reprend la peinture et réalise les principaux chefs-d'œuvre. Avant la participation de « Triptyque, 1976 » à la vente aux enchères, l'œuvre la plus chère de Bacon était « Étude pour un portrait du pape Innocent X » (52,7 millions de dollars). Dans "Triptyque, 1976", l'artiste dépeint l'intrigue mythique de la poursuite d'Oreste par les furies. Bien sûr, Oreste est Bacon lui-même, et les furies sont ses tourments. Pendant plus de 30 ans, le tableau a fait partie d'une collection privée et n'a pas participé à des expositions. Ce fait lui donne une valeur particulière et, par conséquent, augmente sa valeur. Mais qu'est-ce que quelques millions pour un connaisseur d'art, et même généreux en russe ? Roman Abramovich a commencé à créer sa collection dans les années 1990, en cela il a été considérablement influencé par son amie Dasha Zhukova, qui est devenue une galeriste à la mode dans la Russie moderne. Selon des données non officielles, l'homme d'affaires possède des œuvres d'Alberto Giacometti et Pablo Picasso, achetées pour des montants dépassant les 100 millions de dollars. En 2008, il remporte le Triptyque. Soit dit en passant, en 2011, une autre œuvre précieuse de Bacon a été acquise - "Trois croquis pour un portrait de Lucian Freud". Des sources cachées disent que Roman Arkadievich est redevenu l'acheteur.

10

"Étang aux nénuphars"

auteur

Claude Monet

Pays La France
Des années de vie 1840–1926
Style impressionnisme

L'artiste est reconnu comme l'ancêtre de l'impressionnisme, qui a « breveté » cette méthode dans ses toiles. La première oeuvre marquante fut le tableau "Petit déjeuner sur l'herbe" (version originale de l'oeuvre d'Edouard Manet). Dans sa jeunesse, il dessine des bandes dessinées, et s'initie à la vraie peinture lors de ses voyages le long de la côte et en plein air. A Paris, il mène une vie de bohème et ne l'abandonne pas même après avoir servi dans l'armée.

210x100cm
année 1919
le prix
80,5 millions de dollars
épuisé En 2008
sur la vente aux enchères Christie's

Outre le fait que Monet était un grand artiste, il était également passionné par le jardinage, adorait la faune et les fleurs. Dans ses paysages, l'état de nature est momentané, les objets semblent brouillés par le mouvement de l'air. L'impression est renforcée par de grands traits, à partir d'une certaine distance, ils deviennent invisibles et se fondent dans une image texturée en trois dimensions. Dans la peinture de feu Monet, le thème de l'eau et de la vie en elle occupe une place particulière. Dans la ville de Giverny, l'artiste avait son propre étang, où il cultivait des nénuphars à partir de graines spécialement apportées par lui du Japon. Lorsque leurs fleurs ont fleuri, il a commencé à peindre. La série "Nénuphars" se compose de 60 œuvres que l'artiste a peintes pendant près de 30 ans, jusqu'à sa mort. Sa vision s'est détériorée avec l'âge, mais il ne s'est pas arrêté. Selon le vent, la saison et la météo, la vue sur l'étang changeait constamment, et Monet a voulu saisir ces changements. Grâce à un travail minutieux, une compréhension de l'essence de la nature lui est venue. Certaines des peintures de la série sont conservées dans les plus grandes galeries du monde : National Museum of Western Art (Tokyo), Orangerie (Paris). La version du prochain « Étang aux nénuphars » est passée entre les mains d'un acheteur inconnu pour un montant record.

11

fausse étoile t

auteur

Jasper John

Pays Etats-Unis
Année de naissance 1930
Style pop Art

En 1949, Jones entre dans une école de design à New York. Avec Jackson Pollock, Willem de Kooning et d'autres, il est reconnu comme l'un des principaux artistes du XXe siècle. En 2012, il a reçu la Médaille présidentielle de la liberté, la plus haute distinction civile des États-Unis.

137,2x170,8 cm
1959 année
le prix
80 millions de dollars
épuisé en 2006 année
lors d'une vente aux enchères privée

Comme Marcel Duchamp, Jones a travaillé avec des objets réels, les représentant sur toile et en sculpture, en totale conformité avec l'original. Pour son travail, il utilise des objets simples et compréhensibles par tous : une bouteille de bière, un drapeau ou des cartes. Il n'y a pas de composition claire dans le tableau Faux départ. L'artiste semble jouer avec le spectateur, signant souvent " à tort " les couleurs dans l'image, renversant le concept même de couleur : " Je voulais trouver un moyen de représenter la couleur afin qu'elle puisse être déterminée par une autre méthode ". Son plus explosif et "peu sûr", selon les critiques, le tableau a été acquis par un acheteur inconnu.

12

"Assisenusur le divan"

auteur

Amédée Modigliani

Pays Italie, France
Des années de vie 1884–1920
Style expressionnisme

Depuis l'enfance, Modigliani était souvent malade; au cours d'un délire fiévreux, il a reconnu son destin d'artiste. Il étudie le dessin à Livourne, Florence, Venise et en 1906 il part pour Paris, où son art s'épanouit.

65x100cm
année 1917
le prix
68,962 millions de dollars
épuisé en 2010 année
sur la vente aux enchères Sotheby's

En 1917, Modigliani rencontre Jeanne Hébuterne, 19 ans, qui devient son modèle et plus tard son épouse. En 2004, l'un de ses portraits s'est vendu 31,3 millions de dollars, le record le plus récent pour Sitting Nude on the Sofa en 2010. Le tableau a été acquis par un acheteur inconnu au prix maximum pour Modigliani pour le moment. Les ventes actives d'œuvres n'ont commencé qu'après la mort de l'artiste. Il meurt dans la misère, atteint de tuberculose, et le lendemain, Jeanne Hébuterne, enceinte de neuf mois, se suicide également.

13

"Aigle sur un pin"

auteur

Qi Baishi

Pays Chine
Des années de vie 1864–1957
Style gohua

Un intérêt pour la calligraphie a conduit Qi Baishi à peindre. À 28 ans, il devient l'élève de l'artiste Hu Qingyuan. Il a reçu le titre de « Grand artiste du peuple chinois » par le ministère de la Culture de Chine, et en 1956, il a reçu le Prix international de la paix.

10x26cm
1946 année
le prix
65,4 millions de dollars
épuisé en 2011
sur la vente aux enchères gardien de la Chine

Qi Baishi s'intéressait à ces manifestations du monde autour desquelles beaucoup n'attachent pas d'importance, et c'est sa grandeur. Une personne sans éducation est devenue un professeur et un créateur exceptionnel en histoire. Pablo Picasso a dit à son sujet : « J'ai peur d'aller dans votre pays, car il y a Qi Baishi en Chine. La composition "Aigle sur un pin" est reconnue comme la plus grande œuvre de l'artiste. En plus de la toile, il comprend deux rouleaux hiéroglyphiques. Pour la Chine, le montant pour lequel la pièce a été achetée représente un record - 425,5 millions de yuans. Le rouleau de l'ancien calligraphe Huang Tingjian a été vendu à lui seul pour 436,8 millions de dollars.

14

"1949-A-№1"

auteur

Clifford Still

Pays Etats-Unis
Des années de vie 1904–1980
Style expressionisme abstrait

À 20 ans, il visite le Metropolitan Museum of Art de New York et est déçu. Plus tard, je me suis inscrit à un cours de ligue artistique étudiante, mais je suis parti 45 minutes après le début de la leçon - il s'est avéré que "pas pour lui". La première exposition personnelle a fait écho, l'artiste s'est retrouvé, et avec elle la reconnaissance

79x93cm
1949 année
le prix
61,7 millions de dollars
épuisé en 2011
sur la vente aux enchères Sotheby's

Toutes ses oeuvres, qui sont plus de 800 toiles et 1600 oeuvres sur papier, sont encore léguées à la ville américaine, où un musée qui porte son nom sera ouvert. Denver est devenue une telle ville, mais seule la construction a coûté cher aux autorités, et pour son achèvement, quatre œuvres ont été mises aux enchères. Il est peu probable que les œuvres de Still soient à nouveau mises aux enchères, ce qui a fait grimper leur prix d'avance. Le tableau "1949-A-No.1" a été vendu pour un montant record pour l'artiste, bien que les experts aient prévu la vente pour un maximum de 25 à 35 millions de dollars.

15

"Composition suprématiste"

auteur

Kazimir Malevitch

Pays Russie
Des années de vie 1878–1935
Style suprématisme

Malevitch a étudié la peinture à l'école d'art de Kiev, puis à l'Académie des arts de Moscou. En 1913, il commence à peindre des peintures géométriques abstraites dans un style qu'il appelle le suprématisme (du latin « domination »).

71x 88,5 cm
année 1916
le prix
60 millions de dollars
épuisé En 2008
sur la vente aux enchères Sotheby's

Au musée de la ville d'Amsterdam, le tableau a été conservé pendant environ 50 ans, mais après une dispute de 17 ans avec les proches de Malevitch, le musée l'a donné. L'artiste a écrit cette œuvre en un an avec le "Manifeste du suprématisme", alors Sotheby`s a annoncé avant même la vente aux enchères qu'elle ne rentrerait pas dans une collection privée pour moins de 60 millions de dollars. Et ainsi c'est arrivé. Il vaut mieux le regarder d'en haut : les personnages sur la toile ressemblent à une vue de la terre vue du ciel. D'ailleurs, quelques années plus tôt, les mêmes proches avaient exproprié une autre "Composition suprématiste" du musée du MoMA afin de la vendre aux enchères Phillips pour 17 millions de dollars.

16

"Baigneurs"

auteur

Paul Gauguin

Pays La France
Des années de vie 1848–1903
Style post-impressionnisme

Jusqu'à l'âge de sept ans, l'artiste a vécu au Pérou, puis est revenu en France avec sa famille, mais des souvenirs d'enfance le poussent constamment à voyager. En France, il a commencé à peindre avec des peintures, était ami avec Van Gogh. Il a même passé plusieurs mois avec lui à Arles, jusqu'au moment où Van Gogh lui a coupé l'oreille lors d'une querelle.

93,4x60,4 cm
1902 année
le prix
55 millions de dollars
épuisé en 2005
sur la vente aux enchères Sotheby's

En 1891, Gauguin organise une vente de ses peintures afin d'utiliser le produit pour aller à l'intérieur de l'île de Tahiti. Il y crée des œuvres dans lesquelles se fait sentir un lien subtil entre la nature et l'homme. Gauguin vivait dans une hutte au toit de chaume, et un paradis tropical s'épanouissait sur ses toiles. Sa femme était une tahitienne de 13 ans, Tehura, ce qui n'a pas empêché l'artiste d'entrer dans des relations de promiscuité. Ayant contracté la syphilis, il partit pour la France. Cependant, Gauguin y était à l'étroit, et il retourna à Tahiti. Cette période est appelée « la deuxième tahitienne » - c'est alors que fut peint le tableau « Baigneuses », l'un des plus luxueux de son œuvre.

17

"Des jonquilles et une nappe dans les tons bleu et rose"

auteur

Henri Matisse

Pays La France
Des années de vie 1869–1954
Style fauvisme

En 1889, Henri Matisse est victime d'une crise d'appendicite. Alors qu'il se remettait de l'opération, sa mère lui a acheté des peintures. Au début, par ennui, Matisse a copié des cartes postales en couleurs, puis - les œuvres de grands peintres qu'il a vues au Louvre, et au début du 20ème siècle il a inventé un style - le fauvisme.

65,2x81cm
année 1911
le prix
46,4 millions de dollars
épuisé en 2009
sur la vente aux enchères Christie's

Le tableau « Jonquilles et une nappe en bleu et rose » a longtemps appartenu à Yves Saint Laurent. Après la mort du couturier, toute sa collection d'art passa entre les mains de son ami et amant Pierre Berger, qui décida de la mettre aux enchères chez Christie's. La perle de la collection vendue était le tableau « Jonquilles et une nappe dans les tons bleu et rose », peint sur une nappe ordinaire au lieu de toile. À titre d'exemple du fauvisme, il est rempli de l'énergie de la couleur, les couleurs semblent exploser et crier. Issu de la célèbre série de peintures peintes sur nappe, cette œuvre est aujourd'hui la seule à figurer dans une collection privée.

18

" Fille endormie "

auteur

RoyLee

htenstein

Pays Etats-Unis
Des années de vie 1923–1997
Style pop Art

L'artiste est né à New York, et après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, il est parti pour l'Ohio, où il a suivi des cours d'art. Le Liechtenstein a obtenu sa maîtrise en beaux-arts en 1949. Son intérêt pour la bande dessinée et son sens de l'ironie ont fait de lui un artiste culte du siècle dernier.

91x91cm
1964 année
le prix
44 882 millions de dollars
épuisé en 2012
sur la vente aux enchères Sotheby's

Un jour, le chewing-gum est tombé entre les mains du Liechtenstein. Il redessine l'image de l'encart à la toile et devient célèbre. Cette histoire de sa biographie contient tout le message du pop art : la consommation est un nouveau dieu, et il n'y a pas moins de beauté dans l'emballage du chewing-gum que dans Mona Lisa. Ses peintures ressemblent à des bandes dessinées et à des dessins animés : le Liechtenstein a simplement agrandi l'image finie, peint des trames, utilisé la sérigraphie et la sérigraphie. Le tableau "La fille endormie" a appartenu pendant près de 50 ans aux collectionneurs Béatrice et Philippe Gersh, dont les héritiers l'ont vendu aux enchères.

19

"La victoire. Boogie Woogie"

auteur

Pierre Mondrian

Pays Pays-Bas
Des années de vie 1872–1944
Style néoplasticisme

L'artiste a changé son vrai nom - Cornelis - en Mondrian lorsqu'il s'est installé à Paris en 1912. Avec l'artiste Theo van Doosburg, il a fondé le mouvement « néoplasticisme ». Le langage de programmation Piet porte le nom de Mondrian.

27x127cm
1944 année
le prix
40 millions de dollars
épuisé en 1998
sur la vente aux enchères Sotheby's

L'artiste le plus "musical" du XXe siècle vivait des natures mortes à l'aquarelle, même s'il est devenu célèbre en tant qu'artiste néoplastique. Il a déménagé aux États-Unis dans les années 1940 et y a passé le reste de sa vie. Le jazz et le New York sont ce qui l'a le plus inspiré ! Tableau « Victoire. Boogie Woogie en est le meilleur exemple. Les carrés soignés « signature » ​​ont été obtenus grâce à l'utilisation de ruban adhésif, le matériau préféré de Mondrian. En Amérique, on l'appelait « l'immigrant le plus célèbre ». Dans les années 60, Yves Saint Laurent sort les célèbres robes Mondrian avec un imprimé dans une grande cage colorée.

20

"Composition n°5"

auteur

BasilicKandinsky

Pays Russie
Des années de vie 1866–1944
Style avant-garde

L'artiste est né à Moscou et son père était originaire de Sibérie. Après la révolution, il a essayé de coopérer avec le gouvernement soviétique, mais s'est vite rendu compte que les lois du prolétariat n'étaient pas créées pour lui, et non sans difficultés a émigré en Allemagne.

275x190cm
année 1911
le prix
40 millions de dollars
épuisé en 2007
sur la vente aux enchères Sotheby's

Kandinsky a été l'un des premiers à abandonner complètement la peinture d'objet, pour laquelle il a reçu le titre de génie. Pendant le nazisme en Allemagne, ses peintures ont été classées comme « art dégénéré » et n'ont été exposées nulle part. En 1939, Kandinsky accepte la nationalité française, à Paris il participe librement au processus artistique. Ses tableaux « sonnent » comme des fugues, tant étaient appelés « compositions » (le premier a été écrit en 1910, le dernier - en 1939). « Composition n°5 » est l'une des œuvres phares de ce genre : « Le mot « composition » sonnait comme une prière pour moi », a déclaré l'artiste. Contrairement à de nombreux adeptes, il a planifié ce qu'il représenterait sur une immense toile, comme s'il écrivait des partitions.

21

"Etude d'une femme en bleu"

auteur

Fernand Léger

Pays La France
Des années de vie 1881–1955
Style Cubisme-Post-impressionnisme

Léger a reçu une formation d'architecte puis a fréquenté l'École des Beaux-Arts de Paris. L'artiste se considérait comme un disciple de Cézanne, était un apologiste du cubisme et, au XXe siècle, il avait également du succès en tant que sculpteur.

96,5x129,5cm
année 1912-1913
le prix
39,2 millions de dollars
épuisé En 2008
sur la vente aux enchères Sotheby's

David Normann, président du département international d'impressionnisme et de modernisme chez Sotheby's, estime que le montant énorme payé pour "La Dame en bleu" est pleinement justifié. Le tableau appartient à la célèbre collection de Léger (l'artiste a peint trois tableaux sur un même sujet, le dernier d'entre eux est aujourd'hui en mains privées. - NDLR), et la surface de la toile a été conservée dans sa forme originale. L'auteur a lui-même donné cette œuvre à la galerie Der Sturm, puis elle s'est retrouvée dans la collection d'Hermann Lang, collectionneur allemand de modernisme, et appartient désormais à un acquéreur inconnu.

22

« Scène de rue. Berlin"

auteur

Ernst LudwigKirchner

Pays Allemagne
Des années de vie 1880–1938
Style expressionnisme

Pour l'expressionnisme allemand, Kirchner est devenu une personne emblématique. Cependant, les autorités locales l'accusent d'adhésion à « l'art dégénéré », ce qui affecte tragiquement le sort de ses tableaux et la vie de l'artiste, qui se suicide en 1938.

95x121cm
année 1913
le prix
38 096 millions de dollars
épuisé en 2006 année
sur la vente aux enchères Christie's

Après avoir déménagé à Berlin, Kirchner a créé 11 croquis de scènes de rue. Il a été inspiré par l'agitation et la nervosité de la grande ville. Vendu en 2006 à New York, l'angoisse de l'artiste est particulièrement vive : les gens dans une rue de Berlin ressemblent à des oiseaux - gracieux et dangereux. C'était la dernière œuvre de la célèbre série vendue aux enchères, le reste est conservé dans les musées. En 1937, les nazis ont brutalement traité Kirchner : 639 de ses œuvres ont été retirées des galeries allemandes, détruites ou vendues à l'étranger. L'artiste n'a pas pu survivre à cela.

23

"ReposDanseur"

auteur

Edgar Degas

Pays La France
Des années de vie 1834–1917
Style impressionnisme

L'histoire de Degas en tant qu'artiste commence lorsqu'il travaille comme copiste au Louvre. Il rêvait de devenir "célèbre et inconnu", et il a finalement réussi. A la fin de sa vie, sourd et aveugle, Degas, 80 ans, continue de fréquenter les expositions et les ventes aux enchères.

64x59cm
année 1879
le prix
37 043 millions de dollars
épuisé En 2008
sur la vente aux enchères Sotheby's

"Les ballerines n'ont toujours été qu'une excuse pour moi pour représenter des tissus et capturer le mouvement", a déclaré Degas. Les scènes de la vie des danseurs semblent avoir été épiées : les filles ne posent pas pour l'artiste, mais s'intègrent simplement dans l'atmosphère captée par le regard de Degas. The Resting Dancer a été vendu pour 28 millions de dollars en 1999, et moins de 10 ans plus tard, il a été acheté pour 37 millions de dollars - c'est aujourd'hui l'œuvre la plus chère d'un artiste jamais mise aux enchères. Degas fait très attention aux montures, les dessine lui-même et interdit de les changer. Je me demande quel cadre est installé sur le tableau vendu ?

24

"Peinture"

auteur

Juan Miró

Pays Espagne
Des années de vie 1893–1983
Style art abstrait

Pendant la guerre civile espagnole, l'artiste était du côté des républicains. En 1937, il fuit le régime fasciste pour Paris, où il vit dans la misère avec sa famille. Au cours de cette période, Miro peint le tableau "Aidez l'Espagne!", Attirant l'attention du monde entier sur la domination du fascisme.

89x115cm
année 1927
le prix
36 824 millions de dollars
épuisé en 2012
sur la vente aux enchères Sotheby's

Le deuxième nom du tableau est "Blue Star". L'artiste l'a écrit la même année, lorsqu'il a annoncé: "Je veux tuer la peinture" et s'est moqué sans pitié des toiles, grattant la peinture avec des clous, collant des plumes sur la toile, recouvrant l'œuvre de détritus. Son objectif était de démystifier les mythes sur le mystère de la peinture, mais ayant fait face à cela, Miro a créé son propre mythe - une abstraction surréaliste. Sa "Peinture" appartient au cycle des "images de rêve". Lors de la vente aux enchères, quatre acheteurs se sont battus pour cela, mais un appel téléphonique incognito a résolu le différend et "Painting" est devenu le tableau le plus cher de l'artiste.

25

"Rose bleue"

auteur

Yves Klein

Pays La France
Des années de vie 1928–1962
Style peinture monochrome

L'artiste est né dans une famille de peintres, mais a étudié les langues orientales, la voile, le métier de doreur de cadres, le bouddhisme zen et bien plus encore. Sa personnalité et ses pitreries effrontées étaient bien plus intéressantes que les peintures monochromes.

153x199x16cm
Année 1960
le prix
36 779 millions de dollars
vendu en 2012
aux enchères Christie's

La première exposition d'œuvres unies jaunes, oranges, roses n'a pas suscité l'intérêt du public. Klein s'en offusqua et présenta la fois suivante 11 toiles identiques, teintes avec de l'outremer mélangé à une résine synthétique spéciale. Il a même breveté cette méthode. La couleur est entrée dans l'histoire sous le nom de "bleu international de Klein". L'artiste vendait aussi du vide, créait des peintures, substituait le papier sous la pluie, mettait le feu au carton, réalisait des empreintes d'un corps humain sur toile. En un mot, il expérimenta du mieux qu'il put. Pour créer la « Rose Bleue », j'ai utilisé des pigments secs, des résines, des galets et de l'éponge naturelle.

26

" A la recherche de Moïse "

auteur

Sir Lawrence Alma-Tadema

Pays Royaume-Uni
Des années de vie 1836–1912
Style néoclassicisme

Sir Lawrence a ajouté le préfixe « alma » à son nom de famille lui-même, pour apparaître en premier dans les catalogues d'art. Dans l'Angleterre victorienne, ses peintures étaient si demandées que l'artiste a reçu le titre de chevalier.

213,4x136,7cm
1902 année
le prix
35 922 millions de dollars
épuisé en 2011
sur la vente aux enchères Sotheby's

Le thème principal de l'œuvre d'Alma-Tadema était l'antiquité. Dans les peintures, il a essayé de représenter l'ère de l'Empire romain dans les moindres détails, pour cela il a même été engagé dans des fouilles archéologiques sur la péninsule des Apennins, et dans sa maison de Londres, il a reproduit l'intérieur historique de ces années. Les intrigues mythologiques sont devenues une autre source d'inspiration pour lui. L'artiste était très demandé de son vivant, mais après sa mort, il fut vite oublié. Désormais, l'intérêt renaît, comme en témoigne le coût du tableau "À la recherche de Moïse", sept fois plus élevé que l'estimation d'avant-vente.

27

"Portrait d'un fonctionnaire nu endormi"

auteur

Lucien Freud

Pays Allemagne,
Royaume-Uni
Des années de vie 1922–2011
Style peinture figurative

L'artiste est le petit-fils de Sigmund Freud, le père de la psychanalyse. Après l'établissement du fascisme en Allemagne, sa famille a émigré au Royaume-Uni. Les œuvres de Freud sont dans la Wallace Collection à Londres, où aucun artiste contemporain n'a exposé auparavant.

219,1x151,4 cm
année 1995
le prix
33,6 millions de dollars
épuisé En 2008
sur la vente aux enchères Christie's

Alors que les artistes à la mode du 20e siècle créaient des « taches de couleur sur le mur » positives et les vendaient pour des millions, Freud peignait des peintures extrêmement naturalistes et les vendait encore plus chères. "Je capture les cris de l'âme et la souffrance de la chair qui se fane", a-t-il déclaré. Les critiques pensent que c'est tout "l'héritage" de Sigmund Freud. Les peintures ont été si activement exposées et vendues avec succès que les experts ont eu des doutes : ont-elles des propriétés hypnotiques ? Vendu aux enchères "Portrait d'un officiel nu endormi", selon la publication Sun, a été acquis par le connaisseur de la beauté et milliardaire Roman Abramovich.

28

"Violon et Guitare"

auteur

N.-É.on pleure

Pays Espagne
Des années de vie 1887–1927
Style cubisme

Né à Madrid, où il est diplômé de l'École des Arts et Métiers. En 1906, il s'installe à Paris et entre dans le cercle des artistes les plus influents de l'époque : Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, travaillent également avec Sergueï Diaghilev et sa troupe.

5x100cm
année 1913
le prix
28,642 millions de dollars
épuisé en 2010 année
sur la vente aux enchères Christie's

Gris, selon ses propres termes, était engagé dans une « architecture plate et colorée ». Ses tableaux sont pensés avec précision : il n'a laissé aucun coup de pinceau accidentel, ce qui rend la créativité proche de la géométrie. L'artiste a créé sa propre version du cubisme, bien qu'il ait beaucoup respecté Pablo Picasso, le père fondateur de la direction. Le successeur lui a même dédié sa première œuvre dans le style du cubisme "Hommage à Picasso". Le tableau "Violon et Guitare" est reconnu comme exceptionnel dans l'œuvre de l'artiste. Au cours de sa vie, Gris était célèbre, traité avec bonté par les critiques et les critiques d'art. Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées du monde et sont conservées dans des collections privées.

29

"PortraitChamps Eluard"

auteur

Salvador Dalí

Pays Espagne
Des années de vie 1904–1989
Style surréalisme

"Le surréalisme, c'est moi", a déclaré Dali lorsqu'il a été exclu du groupe surréaliste. Au fil du temps, il est devenu le peintre surréaliste le plus célèbre. Le travail de Dali est partout, pas seulement dans les galeries. Par exemple, c'est lui qui a inventé le packaging des Chupa-Chups.

25x33cm
année 1929
le prix
20,6 millions de dollars
épuisé en 2011
sur la vente aux enchères Sotheby's

En 1929, le poète Paul Eluard et sa femme russe Gala viennent rendre visite au grand provocateur et bagarreur Dali. Cette rencontre a été le début d'une histoire d'amour qui a duré plus d'un demi-siècle. Le tableau "Portrait de Paul Eluard" a été peint juste lors de cette visite historique. "Je sentais qu'il était de mon devoir de capturer le visage du poète, de l'Olympe duquel j'avais kidnappé l'une des muses", a déclaré l'artiste. Avant de rencontrer Gala, il était vierge et était dégoûté à l'idée d'avoir des relations sexuelles avec une femme. Le triangle amoureux a existé jusqu'à la mort d'Eluard, après quoi il est devenu un duo Dali-Gala.

30

"Anniversaire"

auteur

Marc Shagal

Pays Russie, France
Des années de vie 1887–1985
Style avant-garde

Moishe Segal est né à Vitebsk, mais en 1910 il émigre à Paris, change de nom, se rapproche des principaux artistes d'avant-garde de l'époque. Dans les années 30, lorsque les nazis s'emparent du pouvoir, il part pour les États-Unis avec l'aide du consul américain. Il ne rentre en France qu'en 1948.

80x103cm
année 1923
le prix
14,85 millions de dollars
vendu en 1990
aux enchères de Sotheby's

Le tableau "Jubilé" est reconnu comme l'une des meilleures oeuvres de l'artiste. Il contient toutes les caractéristiques de son œuvre : les lois physiques du monde sont gommées, le sentiment d'un conte de fées dans le décor d'une vie philistine est préservé, et l'amour est au centre de l'intrigue. Chagall n'a pas dessiné les gens de la vie, mais seulement de la mémoire ou du fantasme. Le tableau "Jubilee" représente l'artiste lui-même avec sa femme Bela. Le tableau a été vendu en 1990 et n'a pas été mis aux enchères depuis lors. Fait intéressant, le MoMA Museum of Modern Art de New York stocke exactement la même chose, uniquement sous le nom de "Birthday". Soit dit en passant, il a été écrit plus tôt - en 1915.

brouillon préparé
Tatiana Palasova
évaluation compilée
selon la liste www.art-spb.ru
magazine tmn n°13 (mai-juin 2013)

La plus grande plainte contre les artistes contemporains de tous les temps n'était pas que leur art était laid et incompréhensible. Et le fait que ces artistes sont le plus souvent sans instruction, impatients, ne savent pas lire les livres, et ne veulent pas savoir que tout a déjà été inventé avant eux ; seulement mieux, plus beau et avec une base esthétique plus mince. Et les brillants artistes du passé, sur lesquels ils sont guidés, n'existent pas seulement dans le ciel de l'art, mais sous forme de constellations.

Par exemple, Joseph Beuys appartenait au mouvement New Wilds, dont elle a parlé dans deux textes connexes Nathalie Nikolenko ... Le premier billet est consacré, en effet, au mouvement et à l'histoire des méthodes utilisées par ses représentants dans la recherche de moyens expressifs. En voici des extraits :

A partir des années 60 du 20ème siècle, un intérêt pour l'expressionnisme et le fauvisme renaissait chez les artistes européens, qui prit forme au début des années 80 dans le mouvement New Wilds (le nom rappelle les Fauves - "Old Wilds"). L'objectif du flow est, en s'appuyant sur la créativité de l'ancienne génération de maîtres, de renouveler la vision artistique, en recourant à divers moyens, voire au choc esthétique.

Les artistes allemands et autrichiens qui gravitaient vers l'impulsivité, l'émotivité, s'opposant à la conceptualité et à l'hyperréalisme étaient particulièrement cohérents dans leur recherche de nouveaux moyens d'expression et de nouveaux thèmes. Leur peinture, tout en conservant une figuration, se distingue par une sorte de « lyrisme barbare », comporte beaucoup de signes mystérieux, et se confond souvent avec le style graffiti.

L'exposition de 1982 à Berlin visait à examiner l'héritage artistique du passé du point de vue de la culture postmoderne, et ils voulaient se libérer à travers leur art des limitations répressives de l'intellect dans l'art au cours de la dernière décennie. Ce désir était si obsessionnel que même dans certains articles critiques allemands la direction, New Wilds, est appelée "peinture obsessionnelle"
L'un des artistes et théoriciens les plus influents du postmodernisme du 20e siècle, un participant à l'exposition de 1982 à Berlin était Joseph Beuys (Allemand Joseph Beuys, 1921-1986), un ancien pilote de la Luftwaffe qui était en captivité russe et anglaise, un ancien et professeur licencié à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, opposant de gauche anarcho-utopique

Le deuxième post est une continuation de la liste des artistes Neue Wilde, avec un diaporama supplémentaire avec de la musique psychédélique :

L'expressionnisme et la peinture abstraite étaient les caractéristiques de l'avant-garde allemande au début du XXe siècle, mais l'Allemagne a ensuite perdu non seulement le contexte esthétique moderniste général, mais a également perdu la continuité culturelle pendant la période du national-socialisme. La signification du "New Wild", la génération d'artistes ouest-allemands d'après-guerre - représentants du néo-expressionnisme, est qu'ils ont rendu à l'art européen la renommée mondiale perdue dans la période d'après-guerre, qui est passée pendant un certain temps à l'art américain expressionisme abstrait. Le phénomène New Wilds est une synthèse de l'expressionnisme allemand, de la peinture abstraite et de l'expressionnisme abstrait américain, relancé à une nouvelle étape historique, avec certaines allusions aux traditions romantiques de la culture allemande. Il peut être qualifié avec assurance d'événement marquant dans l'histoire de la culture du 20e siècle.

Continuons notre histoire sur plusieurs "New Wild" - les principaux représentants, à mon avis, de cette tendance dans la peinture.

Hans Peter Adamski (Hans_Peter_Adamski, 1947), artiste et graphiste allemand, éminent représentant des "New Wilds" des années 80 à Cologne, a étudié à Münster et Düsseldorf, a voyagé pendant 5 ans en Inde, en Afghanistan et en Indonésie, a travaillé en Italie , la France et les USA... Il travaille aujourd'hui à l'Académie des Beaux-Arts de Dresde.

Dans l'art allemand, la fin du XIXe siècle est marquée par l'émergence et le développement de courants divers. Le style Art nouveau, particulièrement répandu ici, trouve son expression non seulement dans l'architecture et les arts appliqués, mais aussi dans la peinture et le graphisme, se confondant souvent avec le courant décadent et réactionnaire du symbolisme. Des artistes allemands comme Franz Stuck (1863-1928), Max Klinger (1857-1920) et le Suisse Arnold Becklin (1827-1901), qui vécut en Allemagne, se sont développés sur la voie du symbolisme. L'isolement conscient de la vie sociale moderne, le repli sur le monde des idées abstraites et mystiques et le recours à des sujets fantaisistes ou littéraires tirés par les cheveux sont caractéristiques, bien qu'à des degrés divers, du travail de ces artistes. L'expressivité nerveuse des images, une forme d'expression compliquée sont souvent combinées dans leurs œuvres avec la sécheresse et la minutie naturaliste de l'exécution. La décoration ornementale et la complexité délibérée des compositions et des dessins témoignent de la proximité de ces artistes avec le style Art nouveau. Conventionnel, marqué par les traits d'un effondrement douloureux, l'art des symbolistes était à la fin du XIXe siècle l'expression la plus vive de la crise de la culture bourgeoise de l'Allemagne.
Impressionnisme. Max Liebermann. À la fin des années 1880 et au début des années 1890, l'impressionnisme s'est considérablement développé dans l'art allemand. Le plus grand artiste qui a rejoint ce mouvement était Max Liebermann (1847-1935). Au début de sa carrière, il a développé les traditions de l'art réaliste de Menzel dans les portraits et les peintures de genre. Dans ce dernier, il dépeint principalement la vie folklorique, souvent des scènes de travail. Ils se distinguaient par le réalisme de l'interprétation, le caractère démocratique des images ("Shoemaker's Workshop", 1881, Berlin, National Gallery ; "Cooking canned food", 1880, Leipzig, Museum). Plus tard, à partir du début des années 1890, Lieberman est devenu principalement un peintre de la vie quotidienne dans une société laïque, représentant particulièrement volontiers diverses scènes en plein air. En les interprétant, il suit les décisions et les techniques des impressionnistes français.
Parmi les impressionnistes allemands les plus célèbres se trouve également le peintre et graphiste Lovis Corinth (1858-1925).