Art des Pays-Bas 16ème siècle
Au cours des premières décennies du XVIe siècle, la peinture aux Pays-Bas a subi des changements complexes, à la suite de laquelle ils se sont avérés pour finaliser les principes de l'art du 15ème siècle et se sont développés (cependant, il est incomparablement moins fructueux qu'en Italie. ) les caractéristiques de la relance élevée. Bien que les avantages artistiques de la peinture du XVIe siècle, à l'exception de Bruegel, n'atteignent pas le niveau du 15ème siècle, dans l'historique et l'évolution de l'évolution, son rôle s'est avéré très important. Tout d'abord, il est déterminé par l'approche de l'art à une réflexion directe plus directe de la réalité. Un intérêt autonome dans une réalité spécifique a également été conduit à la découverte de nouveaux chemins et méthodes prometteuses et à réduire les horizons du peintre. Ainsi, concentrer l'idée de la réalité quotidienne, de nombreux peintres sont venus à des solutions dépourvues d'un sens de généralisation large. Cependant, lorsque l'artiste était étroitement lié aux principaux problèmes de temps, qui est sensible dans son travail les principales contradictions de l'ère, ce processus a donné des résultats artistiques extrêmement importants, dont le travail de Peter Bruegel Senior peut servir de Exemple.

Se familiariser avec l'art pictural du XVIe siècle, il est nécessaire de garder à l'esprit la forte augmentation quantitative des produits artistiques et sa pénétration dans le vaste marché, qui se manifeste par l'impact des nouvelles conditions historiques et sociales. En économie, la vie des Pays-Bas du début du siècle est caractérisée par une fleur rapide. L'ouverture de l'Amérique a mis le pays au centre du commerce international. Procédé activement par le processus de déplacement de la boutique artisanale par une manufacture. Production développée. Anvers, à l'est de Brugge, est devenu le plus grand centre de transit et d'opérations monétaires. Dans les villes de Hollande vivaient près de la moitié de la population totale de cette province. Les dirigeants de l'économie ont transmis entre les mains des soi-disant nouveaux visages riches de l'influence n'appartenant pas au patricien urbain, le conseil de la boutique, mais uniquement par leur entreprise et leur richesse. Le développement bourgeois des Pays-Bas a stimulé la vie sociale. La vue du plus grand philosophe, l'enseignant de cette époque Erasma Rotterdamsky est toujours rationalisé et humaniste. Divers astuces protestantes et principalement du calvinisme avec son esprit de rationalisme pratique sont grandement réussi. Le rôle d'une personne dans l'évolution publique est de plus en plus révélé. Les tendances nationales de libération sont améliorées. La protestation et l'insatisfaction des masses sont activées et le dernier siècle est marqué par une hausse puissante - la révolution néerlandaise. Ces faits ont complètement modifié la vision du monde des artistes.

La lache de la duchesse, 1525-1530,
Galerie nationale, Londres

Portrait d'Erasmide Rotterdam,
1517, Galerie nationale, Rome

Portrait d'un notaire, 1520ème,
Galerie nationale, Edimbourg

L'un des plus grands maîtres du premier tiers du siècle - Quentin Massais (né environ 1466 à Louplee, esprit. En 1530 à Anvers). Les premières œuvres de Quentin Massais portent une empreinte distincte d'anciennes traditions. Le premier travail important - Triptyque dédié à Sainte-Anne (1507 - 1509; Bruxelles, Museum). Les scènes sur les côtés extérieures des rabats latéraux se distinguent par un drame restreint. Peu d'images cultivées d'un majestueux, les chiffres sont agrandis et étroitement compilés, l'espace semble compacté. Le démarrage vital a conduit à un fabricant de masse pour créer l'un des premiers de l'art de la nouvelle fois du genre, des peintures domestiques. Nous entendons la photo "J'ai changé avec ma femme" (1514; Paris, Louvre). Dans le même temps, l'intérêt que l'artiste a constamment persisté à l'artiste l'a incité (peut-être le premier aux Pays-Bas) de faire appel à l'art de Leonardo da Vinci ("Maria et Bébé"; Poznan, Museum), bien que vous puissiez Parlez plus sur l'emprunt ou l'imitation.

Le plus grand représentant du nomanisme du premier tiers du siècle était Yang Gossart sur le surnom Mabyuse (né en 1478 près de Utrecht ou de Marezhe, esprit. Entre 1533 et 1536 à Middelburg). Les pochoirs et l'archaïque des premiers travaux (autel à Lisbonne), comme, comme, et sont effectués immédiatement après leur retour d'Italie (autel au Musée national de Palerme, «Wauche Culte» dans la galerie nationale de Londres). Le changement de travail de l'État partie survient au milieu des années 1510, lorsqu'il effectue de nombreuses peintures sur des parcelles mythologiques. Nature Nude apparaît ici et les œuvres ultérieures ne sont pas comme un motif privé, mais comme le contenu principal du travail (Neptune et Amphitrite, 1516, Berlin; "Hercules et Omfala", 1517, Richmond, réunion de cuisine; "Vénus et Amur", Bruxelles, musée; "Dana", 1527, Munich, Pinakotk, ainsi que de nombreuses images d'Adam et Eva).
Un autre grand romancier - Bernard Wang Oreley (environ 1488-1541) du système d'État s'est développé. Déjà dans son début d'autel (Vienne, Musée et Bruxelles, Museum), ainsi que le modèle provincial-néerlandais et les paysages de l'Esprit d'Italiens, nous voyons des éléments d'une histoire détaillée et approfondie. Dans le soi-disant emploi autel (1521; Bruxelles, le musée) d'Orel cherche à la dynamique de la décision générale et à la narration. Des héros à faible congelage de Gosselta, il implique activement. Il utilise de nombreuses pièces observées. De toute urgence, des figures naturalistiquement caractéristiques (image de la méchante ascension) sont adjacentes à des emprunts directs d'échantillons italiens (riche en enfer) et uniquement dans les épisodes secondaires, privés, l'artiste est décidé de les combiner dans une vraie scène de vie (le médecin considère urine mourant).

Parmi les contemporains d'Anvers, nous trouvons des maîtres, même étroitement liés au XVe siècle (Maître de Francfort, Merrison Triptych Master) et des artistes essayant de briser les anciens Canons, introduisant dramatique (Maître "Magdalen" des réunions de Malzi) ou des récits ( Master of Home) Éléments. Indécisivité dans la formulation de nouveaux problèmes est combiné à ces peintres avec un intérêt inconditionnel. Notable plus - Tendances à une image littérale et précise de la nature, expérimentées sur la renaissance du drame sous la forme d'une histoire de tous les jours convaincante et tente d'individualiser les anciennes images lyriques. En règle générale, en règle générale, a caractérisé les artisans les moins radicaux, et il est très important que cette tendance soit décisive pour Bruges, la ville qui est tombée à la fois en économique et culturellement. Ici, presque sans crainte dominait les principes de Gerard David. Ils ont été obéis comme un maître au niveau artistique de fil médiocre et plus grand - Yang (environ 1465-1529) et Adrian Isorebrandt (? - Mind. En 1551). Photos de Isaenbrandt avec leur rythme et leur atmosphère de concentration poétique (Marie sur le fond de sept passions, Bruges, église de Notre-Dame; Portrait masculin, New York, Musée métropolitain) - Peut-être les produits les plus précieux de Bruges. Dans ces rares cas où des artistes ont essayé de briser les limites étroites de la tradition de Bruges (le travail du Lombarde d'Ambrosius Benson, de l'esprit. En 1550), ils se sont inévitablement avérés pour être au pouvoir de l'éclectisme - que des solutions sévères-prosaïques ou , au contraire, pas privé de l'impressionnance du romantisme. À l'exception des romanciers, et compte tenu de la réduction des ménages de leurs décisions de Heredge externe, les Pays-Bas l'art connaissent une période de spécificité active de sa méthode créative, fait référence à une image de réalité directe et auto-concrète.

Le groupe de soi-disant "manératifs d'Anvers" occupe une position spéciale. (Ce terme est totalement conditionnel et devrait indiquer une certaine personnalité de la personnalité. Nous ne devrions pas être mélangés de maniérisme dans la signification habituelle de ce mot.). La réalité en direct de l'image et la précision de l'image ne les attire pas. Mais les œuvres conditionnelles, rhétoriques et froides des romanciers étaient également extraterrestres. Leur thème préféré est "Culte de Magi". Figures fantastiques sophistiquées, un effet multifigure confus, placé entre les ruines et les paysages architecturaux complexes, enfin, l'abondance d'accessoires et une dépendance presque douloureuse à la multiplicité (caractères, pièces, plans spatiaux) sont des différences caractéristiques dans leurs peintures. À travers tout cela, la poussée des grandes solutions généralisantes, qui restaient le sentiment d'un univers illimitée est deviné. Mais dans ce désir, "Manherista" a invariablement quitté la vie concrète. Sans possibilité de saturer leurs idéaux avec un nouveau contenu, sans que les forces puissent résister aux tendances de leur temps, ils ont créé des œuvres d'art, une fantaisie combinant la réalité et la fiction, la solennité et la fragmentation, le bien-être et l'anecdotisme. Mais le parcours est symptomatique - cela indique que le concrétisé des ménages s'est attiré loin de tous les peintres des Pays-Bas. De plus, de nombreux maîtres (en particulier en Hollande) ont utilisé des techniques "maniités" de manière particulière - de faire revivre leurs compositions narratives et de les signaler plus de drame. De cette façon, Cornelis Engelbrecheste (né en 1468 à Leiden est l'esprit. En 1535 au même endroit; Altari avec un "crucifix" et "deuil" dans le musée Leiden), Jacob Cornelis Wang est Ostzanen (environ 1470-1533). et d'autres.
Enfin, un contact bien connu avec les principes du "maniérisme" est capturé dans les travaux de l'un des plus grands maîtres de son temps de Joachim Patinir (environ 1474-1524), un artiste qui, avec plein droit, peut être considéré parmi Les principaux générateurs de la peinture de paysage européen de la nouvelle fois. La plupart de ses travaux représentent des vues approfondies, notamment des roches, des vallées fluviales, etc., dépourvoiement de la spatialité non harmonieuse. Patinir place également de petites figures de caractères de diverses scènes religieuses dans ses peintures. Vrai, contrairement aux "manurmonts", son évolution est construite sur une convergence constante avec la réalité et les paysages se débarrassent progressivement de la domination d'un sujet religieux ("baptême" à Vienne et au paysage avec vol d'Egypte "à Anvers.

Holy Anthony, 1520s,
Musée des beaux-arts, Bruxelles

Jeu de cartes, 1508-1510,
Galerie nationale, Washington

Saint Jérôme, 1515-1516,
Galerie d'images, Berlin

L'art de Luydensky Lutensky (environ 1489-1533) complète et épuise la peinture du premier troisième siècle. Dans les premières gravures (il a été glorifié comme un maître de gravure et ses activités sont associées aux premiers grands succès de la gravure de coupe aux Pays-Bas), il est non seulement précis dans le transfert de la réalité, mais cherche également à créer une scène holistique et expressif. Dans le même temps, contrairement à ses contemporains néerlandais (par exemple, maîtres d'Alcmara), Luka est réalisée par une expression psychologique aiguë. Ce sont ses feuilles "Magomet avec un moine tué" (1508) et surtout "David et Saul" (environ 1509). L'image de Saul (dans la deuxième des œuvres nommées) se distingue par la complexité exceptionnelle de cette époque: ici et la folie - même la dernière, mais commençait également à laisser l'âme épuisée du roi, de la solitude et du malheur tragique. Luke Leidensky, avec une netteté rare transférant sa réalité environnante, évite les solutions de genre et essaie de monumeriser la réalité. À Korovnice, il atteint une harmonie célèbre - la généralisation de la réalité lui donne les traits de la monumentalité, mais ne conduit pas à la convention. Les dix années suivantes de sa créativité de cette harmonie sont privées. Il est plus organique introduit des observations privées, améliore l'élément narratif de genre, mais le neutralise immédiatement à l'allocation persistante de toute personne agissant - immergée en soi et éteinte de l'environnement domestique. Les dernières œuvres sur Luke Leidensky parlent de la crise mentale: "Maria avec un bébé" (Oslo, Musée) est une idéalisation purement formelle "Guérison des aveugles" (1531; Hermitage) - une combinaison d'exagérations maniantes et de détails ménagers naturalistes.
La créativité de Lutensky Lutensky ferme l'art du premier troisième siècle. Déjà au début des années 1530, la peinture néerlandaise se joint à de nouvelles voies. Pour cette période, le développement rapide des principes réalistes est caractérisé par une activation parallèle du romatismisme et de leur combinaison fréquente. Les 1530-1540 sont des années de réussite de nouveau dans le développement bourgeois du pays. En science est le moment de l'expansion et de la systématisation des connaissances. Dans l'histoire civile - Réforme de la religion dans l'esprit du rationalisme et de l'aspectisme (calvinisme) et lentement, sous l'assurance de l'activité révolutionnaire des masses, les premiers conflits entre la conscience nationale croissante et la domination du pouvoir d'absolutiste ingéniste-absolutiste des habsbourgs.

Dans l'art, le plus remarquable est la distribution généralisée du genre ménager. Les tendances nationales prennent la forme d'un genre à gros brûlants, soit d'une image de petite taille, soit indirectement indirectement, déterminant la nature particulière du portrait et de la peinture religieuse. Le genre grand brûlant a été distribué à Anvers. Ses représentants principaux - Yang Sanders Wang Hemessen (environ 1500-1575) et Marinus van Roymersswale (environ 1493, peut-être 1567) - S'appuyaient sur la tradition de Quentin Massais (diverses options "changé" Roimmerssvale et "Merry Society" de Karlsruhe Hemsena). En substance, ils ont complètement détruit la frontière entre le ménage et le motif religieux. Pour les deux, la grotesque est caractérisée par une incrémentation des observations réelles. Mais les principes d'Hemsse sont plus difficiles - soulignant deux ou trois grandes figures statiques, dans les profondeurs, il place de petites scènes de genre, jouant le rôle de commentaires. Ici, vous pouvez voir une tentative d'impliquer un cas domestique dans une vitalité commune, le désir de donner un fait spécifique une signification plus générale. Ces peintures étroites sur le sujet (changement, filles des maisons publiques) et reflètent le manque total d'une idée de la communauté humaine. Yang Raven (1495-1562) était également une personnalité d'un clergé multiforme, d'ingénieur, de musicien, de ritizeur, gardien des collections d'Adrian VI, etc., mais, en outre, et un très grand peintre. Déjà dans les premiers travaux, il est à l'impossibilité de l'image (autel d'Oberwell, 1520) et à des comparaisons fortes et contrastées de l'homme et du paysage (Altar van Lochorst; Utrecht, Museum). L'idée de la "crucifixion" (Detroit, Institute of Art) est décrite ici. Dans le dramatisme des "crucifixes", il cherche une connexion avec la vie, concentre l'image et l'informe l'audacieuse, provoquant une expressivité.
Pour les deux à trois à trois décennies, l'activation du romatismisme et le gain en informatique, opposant des artistes artistes-réalistes de celui-ci. À son tour, des tendances réalistes acquièrent des personnes, dont les caractéristiques n'étaient devinées que dans les œuvres de maîtres du premier tiers du XVIe siècle. Dans le même temps, si dans les années 1530, le romantisme a connu l'influence la plus forte des principes réalistes, il devrait maintenant être plus susceptible de parler du processus inverse. Le swing le plus élevé Ce processus atteint un étudiant de Lombard, Anvers France Floris (De Vrindt, 1516 / 20-1570). Le voyage de l'artiste en Italie a conduit de nombreuses caractéristiques de sa peinture - à la fois positives et négatives. Le premier devrait inclure davantage de produits biologiques (que, par exemple, la possession de formes généralisées, artistique connu. La seconde inclut principalement des tentatives naïves de rivalité avec Michelangelo, l'engagement envers des canons maniables. Dans de nombreuses œuvres de Floris, des caractéristiques maniantes apparaissent distinctement ("Loading Angels", 1554, Anvers, Musée; "Court Scary Court", 1566, Bruxelles, Musée). Il s'efforce de compositions dans des mouvements riches et riches, effectués par une excitation presque surréaliste. Essentiellement, Floris L'un des premiers au XVIe siècle a tenté de retourner l'art du contenu idéologique. Cependant, l'absence de pensée profonde et une forte communication avec la vie le prive généralement d'une véritable signification. Refuser un affichage spécifique de la réalité, il n'atteint pas une monumentalité héroïque, aucune concentration. L'exemple caractéristique est ses "anges en boucle": le cossage, construit sur les angles les plus complexes, tissés des figures d'idéal et naïf-fiction, cette composition se distingue par une fragilité, une sécheresse inexpressif de couleur et le lieu de travail inapproprié de pièces individuelles ( Une énorme mouche est assise sur la cuisse de l'un des anges apostat). Néanmoins, il est nécessaire de reconnaître que la place de Floris dans l'art néerlandais n'est pas déterminée par ces œuvres. Il doit plutôt être défini comme un maître, exprimant des phénomènes de crise dans l'art 1540-1560.

Un reflet particulier des spécificités de la peinture des Pays-Bas de ces années que nous trouvons dans le portrait. Il est distingué en mélangeant et à la moitié des tendances diverses. D'une part, il est déterminé par le développement du portrait de groupe néerlandais. Cependant, bien que la localisation composite des chiffres soit devenue plus libre et que les images de modèles sont plus vivantes, ces œuvres sont loin d'atteindre le genre et la vitalité caractéristique des œuvres de ce type, qui plus tard, dans les années 1580. Dans le même temps, ils perdent déjà leur simple pathologie de la citoyenneté de plus bourgher, typique des 30 et 16ème siècles. (Portraits tardifs D. Jacobs - Par exemple, 1561, Hermitage et Dirk Bentke - 1564 et 1566, Amsterdam). Il est important que le portrait le plus talentueux de cette époque est Antonis Mor (Van Dashorst, 1517/19 -1575/76) - Il s'avère être associé à l'avantage avec des cercles aristocratiques. Une autre chose est la plus créature d'Art Mora Double: il est un maître de solutions psychologiques pointues, mais ils ont des éléments de manhérisme (portrait de Wilhelm Orange, 1556, un portrait de I. Gallus; Cassel), il est le plus grand représentant de Le corpus, le portrait de la cour, mais donne une forte caractéristique socialement peinte avec ses modèles (portraits des gouverneurs de Philippe II aux Pays-Bas Margarita Parm, son conseiller Cardinal Granvella, 1549, Vienne et autres).
L'activation de la crise, de la fin du moteur et de latérisme, les tendances réduites quantitativement le cercle des maîtres d'affaires, mais ont en même temps exposé le début social des œuvres de ceux qui se trouvaient sur les positions de la réflexion objective de la réalité. Peinture de genre réaliste 1550-1560s se tourna vers le reflet direct de la vie des masses et, en substance, pour la première fois, a créé l'image d'une personne du peuple. Ces réalisations sont liées au travail de Peter Artesna (1508 / 09-1575). La formation de son art s'est déroulée dans le sud des Pays-Bas - à Anvers. Là, il a rencontré les principes des romanciers d'Anvers et là-bas en 1535, il a reçu le titre de maître. Ses œuvres des 1540s sont disséquées: les travaux proches des romanciers d'Anvers, sont mélangés avec des phones médicaux et du ménage dans la nature, dans laquelle le concept de Van Amstel est clairement négligé. Et peut-être que seul le "paysan" (1543; Lille, le musée) porte une tentative de monumentaliser un type folk. L'art de l'Arsena était une étape importante dans le développement d'un jet réaliste de l'art néerlandais. Et pourtant, on peut soutenir que ces chemins n'étaient pas les plus prometteurs. En tout état de cause, la créativité de l'étudiant et du neveu de l'Arsena, Joachim Baker (environ 1530 - environ 1574), ayant perdu les caractéristiques limitées de la peinture de l'Arsen, sa signification. La monumentalisation des faits réels individuels a déjà été insuffisante. Avant l'art, il y avait une grande tâche - refléter le principe national, historique en réalité, sans se limiter à l'image de ses manifestations, présentées comme une sorte d'exposition isolée, donnez une interprétation généralisée puissante. Vie. La complexité de cette tâche a été aggravée par caractéristique des caractéristiques de la réconfort relance de la crise des anciennes idées. Un léger sentiment de nouvelles formes de vie fusionné avec la conscience tragique de son imperfection et des conflits dramatiques de développement violemment et spontanément entraînant l'idée de l'innocence d'une personne séparée, les idées précédentes sur la relation entre l'individu et l'environnement social environnant, le monde. En même temps, à ce moment-là, l'art est conscient de la signification et de l'expressivité esthétique de la masse humaine, de la foule. Celui-ci l'un des plus informatifs de l'art des Pays-Bas est associé au travail de la grande artiste flamande Breygel.

Peter Bruegel Sr., selon le surnom, Menzitsky (entre 1525 et 1530-1569) a été formé comme artiste à Anvers (il a étudié à P. Buck Van Alsta), a visité l'Italie (1551-1552), était proche de l'enseignement radical penseurs des Pays-Bas. Le chemin créatif du chemin créatif de Bruegel avec un look mentale, il convient de reconnaître qu'il se concentrait dans son art toutes les réalisations de la peinture des Pays-Bas du pore précédent. Les tentatives infructueuses de la fin du nouveau romatismisme de repousser leur vie sur des formes généralisées, plus de succès, mais les expériences limitées de l'Arsen sur l'exaltation de l'image de la personne sont entrées dans la synthèse de Bruegel. En fait, ce qui nettement au début du siècle, l'envie de concrétisation réaliste de la méthode créative, saupoudrer avec la vision du monde profonde du maître, apporté des fruits ambitieux à l'art néerlandais.
La prochaine génération des peintres des Pays-Bas est nettement différente de Bruegel. Bien que les principaux événements de la révolution des Pays-Bas tombent pour cette période, nous ne trouverons pas la pathèse révolutionnaire dans l'art du dernier tiers du XVIe siècle. Son influence a affecté indirectement dans la formation de la vision du monde reflétant le développement bourgeois de la société. Pour les méthodes artistiques de peinture, de béton pointues et d'approche de la nature sont caractéristiques que les principes du XVIIe siècle sont préparés. Dans le même temps, la décomposition de l'universalité de la Renaissance, de l'universalité dans l'interprétation et de la réflexion des phénomènes de la vie donne à ces nouvelles méthodes les caractéristiques de petites et spirituelles étroites. Les limitations de la perception du monde de différentes manières ont influencé les romans et les flux réalistes de la peinture. Nomanisme, malgré son très répandu, porte tous les signes de dégénérescence. Le plus souvent, il agit dans un aspect maniable, tribunal aristocratique et semble être dévasté à l'interne. Il est plus symptomatique et plus de pénétration croissant dans les romans du genre, le plus souvent des éléments naturalistiquement compris (K. Cornellissen, 1562-1638, Karel Van Mandender, 1548-1606). La célèbre importance ici avait une communication étroite de peintres néerlandais avec flamand, dont beaucoup ont été émigrés du sud des Pays-Bas dans les années 1580 en raison de la Direction des provinces du Nord. Seulement dans de rares cas, combinant des observations naturelles avec la subjectivité aiguë de leur interprétation, les romanciers parviennent à atteindre un effet impressionnant (Abraham Blumart, 1564-1651). Les tendances réalistes trouvent principalement l'expression d'une affichage plus spécifique de la réalité. Extrêmement en ce sens est un phénomène indicatif pour envisager une étroite spécialisation de genres individuels. Il existe également un intérêt pour créer diverses situations de parcelle (elles commencent à jouer un rôle croissant dans le tissu artistique du travail).

La peinture de genre dans le dernier tiers du siècle rencontre une floraison (qui est également exprimée dans la pénétration mentionnée dans le romancie). Mais ses œuvres sont privées de signification interne. Les traditions de Bruegel sont privées d'une créature profonde (au moins son fils Peter Bruegel Younger, surnommé Hellish, 1564-1638). La scène de genre est généralement ou subordonnée au paysage, telle que Lucas (jusqu'à 1535-1597) et Martin (1535-1612) Valkenborkhov, ou agit sous l'apparence de l'épisode ménager insignifiant de la vie urbaine, reproduit exactement, mais avec certains Arrogance à froid - Martin Van Kleve (1527-1581; "vacances de Saint-Martin", 1579, Hermitage). Le portrait domine également le principe de genre petit, qui a toutefois contribué au développement dans les compositions du groupe des années 1580. La plus importante de ces dernières - «Association ramée du capitaine Rosencranse» (1588; Amsterdam, Reyexmus) de Cornelis Ketyl and Rifle Company (1583; Harlem, Museum) Cornelis Cornelissen. Dans les deux cas, les artistes cherchent à briser l'arithmétique sèche des anciennes constructions de groupe (Ketyl - le défilé solennel du groupe, Corneelissen - ses victimes de ménage). Enfin, au cours des dernières années, le XVIe siècle existe de nouveaux types de portraits de groupe d'entreprises, par exemple "des régents" et "anatomie" de Peter et de l'art Peters.
La peinture de paysage est un tout plus déroutant - il y avait une forte broyage sur des espèces de peintures distinctes. Mais les méchants et incroyablement surchargés d'œuvres de Ruiland Savere (1576/78-1679) et plus puissantes Giliss van Koninksloo (1544-1606) et Romantic-spatial iOS de mère (1564-1635) et imprégné de l'émotion subjective de Abraham Bloumrt - tous bien que de différents degrés de différentes manières, reflètent la croissance du début personnel de la perception de la nature. Les caractéristiques du genre, du paysage et des solutions de portrait ne leur permettent pas de parler de leur signification interne. Ils n'appartiennent pas au nombre de grands phénomènes de beaux-arts. S'ils les évaluent corrélent au travail des grands Pays-Bas peintres des XVe et XVIe siècles, ils semblent être des preuves apparentes de la fracturation complète du plus de principes de la Renaissance. Cependant, la peinture du dernier tiers du XVIe siècle a pour nous une large mesure intérêt indirecte - comme une étape de transition et comme la racine générale, à partir desquelles les écoles nationales de Flandre et des Pays-Bas du XVIIe siècle.

R. Klimov

Les premières manifestations de l'art de la renaissance aux Pays-Bas sont le début du 15ème siècle.

Pays-Bas (en réalité flamand) Masters au cours du 14ème siècle. Nous avons apprécié une grande gloire en Europe occidentale et beaucoup d'entre eux ont joué un rôle important dans le développement de l'art d'autres pays (en particulier la France). Cependant, presque tous ne quittent pas le canal de l'art médiéval. Et une approximation la moins perceptible du nouveau pore dans la peinture. Artistes (par exemple, Melchior Bruedllam, env. 1360-après 1409) au mieux, le nombre de pièces observées dans la nature est multipliée dans leurs œuvres, mais leur régénération mécanique ne contribue pas au réalisme de l'ensemble.

La sculpture reflétait beaucoup les aperçus de la nouvelle conscience. À la fin du 14ème siècle. Claus Skuer (Mind. 1406) a pris la première tentative de casser les canons traditionnels. Les statues du duc de Philippe de l'audacieux et de son épouse sur le portail de la tombe des Dukes de Bourgogne dans le monastère de Dijon de Shanmol (1391-1397) se distinguent par un portrait inconditionnel convaincant. Le placement d'eux sur les côtés du portail, devant la statue de Notre-Dame, situé dans le centre, indique le désir du sculpteur de combiner toutes les figures et de créer une sorte de scène de l'opposition. Dans la cour du même monastère, Slachre avec son neveu et son étudiant Klaus de Verve (env. 1380-1439) ont créé la composition de Golgotha \u200b\u200b(1395-1406), qui nous a été décorées avec des statues dont le (le -Chaque bien des prophètes) se distingue par la puissance des formes et une idée dramatique. La statue de Moïse, qui fait partie de ce travail, peut être attribuée au nombre de réalisations les plus importantes de la sculpture européenne de leur temps. Des œuvres de Slutuer et de Verve, les figures des posterkers de la tombe de Philip Brevoy (1384-1411; Dijon sont également (1384-1411; Dijon. Musée et Paris, Klanie Museum), qui se caractérise par des actes. expressivité accrue dans le transfert d'émotions.

Néanmoins, ni Claus Syluer, ni Klaus de Verva, ne peuvent être honorés par la Renhantine Renaissance. Certaines exagérées de l'expression, la responsabilité excessive des solutions de portrait et une individualisation très faible de l'image sont forcées de les voir plutôt que les prédécesseurs que les procureurs du nouvel art. En tout état de cause, le développement des tendances de la Renaissance aux Pays-Bas a procédé par d'autres chemins. Ces chemins ont été décrits à la miniature des Pays-Bas du début du 15ème siècle.

Les miniaturistes néerlandais en 13-14 siècles. utilisé la renommée la plus large; Beaucoup d'entre eux sont allés au-delà du pays et ont eu un impact très fort sur les maîtres, par exemple en France. Et juste dans le domaine des miniatures, un monument d'un tournant a été créé - la soi-disant Turin-Milan toutes les heures.

On sait que son client était Jean, le duc de Berrhi, et que le travail sur elle a commencé peu de peu après 1400 g. Mais pas encore terminé, cette police de Chassa a changé de propriétaire et travaillait sur elle a été retardée jusqu'à la seconde moitié du 15ème siècle. En 1904, pendant le feu de la bibliothèque nationale de Turin, la majeure partie de sa part a brûlé.

Selon la perfection artistique et dans sa signification pour l'art des Pays-Bas, un groupe de draps créé, comme apprécié, dans les années 20 des Pays-Bas, est alloué parmi la miniature du personnage. 15 V. L'auteur leur a appelé la province et Jan Wang Eykov ou conditionnellement appelé la tête du personnage.

Ces miniatures sont de manière inattendue. Le Maître représente des collines verdoyantes avec des filles de marche, de la mer avec des agneaux blancs d'ondes, de villes lointaines et de cavalcades d'élégants coureurs. Les nuages \u200b\u200bflottent à travers le ciel; Les serrures sont reflétées dans les eaux calmes de la rivière, le service sous les cris brillants de l'Église, la chambre est née autour du nouveau-né. L'artiste a pour but de transférer la beauté sans fin, vivante et tout-récapitueuse de la Terre. Mais en même temps, il n'essaie pas de subordonner l'image du monde avec un concept idéologique strict, car ses contemporains italiens l'ont fait. Il n'est pas limité à la récréation d'une scène plastique. Les personnes dans ses compositions ne reçoivent pas le rôle dominant et ne se détachent pas du milieu de paysage, représentaient toujours avec une observation aiguë. Dans le baptême, par exemple, les acteurs sont représentés au premier plan et pourtant le spectateur perçoit la scène de son paysage: une vallée de la rivière avec un château, des arbres et de petites figures de Christ et de John. Une rare pour son temps est la fidélité de la nature marquée toutes les nuances de couleur et par leur réglementation, ces miniatures peuvent être considérées comme un phénomène exceptionnel.

Pour les miniatures du personnage de Turin-Milan (et plus large - pour la peinture 20s. 15 Century) Il est très caractéristique que l'artiste attire l'attention qui n'a pas beaucoup d'attention sur l'organisation mince et raisonnable du monde, mais à sa longueur spatiale naturelle. Essentiellement, les caractéristiques de la vision du monde artistique sont assez spécifiques, qui n'ont pas d'analogies dans l'art européen moderne.

Pour le peintre italien, le XVe siècle, une figure gigantesque d'une personne, comme il était jeté son ombre sur tout, tout était subordonné à lui-même. À son tour, l'espace a été interprété avec un rationalisme souligné: il avait des frontières clairement définies, les trois dimensions étaient clairement exprimées dedans, et elle a servi d'environnement idéal pour les figures humaines. Les Pays-Bas ne sont pas enclins à voir le centre de l'univers chez les gens. Une personne pour lui n'est qu'une partie de l'univers, peut-être et la plus précieuse, mais pas existante à l'extérieur. Le paysage de ses œuvres ne se transforme jamais en arrière-plan et l'espace est privé de l'ordre calculé.

Ces principes ont témoigné à l'ajout d'un nouveau type de vision du monde. Et ce n'est pas par hasard que leur développement soit sorti pour les limites étroites des miniatures, a conduit à la mise à jour de toutes les peintures néerlandaises et de la floraison d'une version spéciale de la Renaissance.

Les premiers travaux pittoresques, qui, comme les miniatures du caractère de Turin, peuvent déjà être classés comme des monuments de la Renaissance précoce, ont été créés par le gouverneur des frères et Jan Wang Eyk.

Les deux sont le gouverneur (esprit en 1426) et Yang (env. 1390-1441) - un rôle décisif dans la formation de la Renaissance des Pays-Bas. À propos de la province n'est presque rien inconnu. Yang était, apparemment, une personne très éduquée, il a étudié la géométrie, la chimie, la cartographie, a effectué certaines instructions diplomatiques du duc bourguignon de Philip Wind, au service qui a été organisé au Portugal. Sur les premières étapes de la Renaissance aux Pays-Bas, il est possible de juger des œuvres pittoresques des frères, fabriquées dans les années 20, et parmi elles, telles que "Miroivent d'épouses de l'épouse du cercueil" (peut-être partie du polyptique; Rotterdam, Le musée de Bumans-van Bainteningen), "Madonna à l'église" (Berlin), "Saint-Ouest Jérôme "(Detroit, Art Institute).

Dans la peinture de Yana van Eyka "Madonna à l'église", des observations spécifiques internes occupent une très grande place. L'art européen précédent n'a pas connu de telles images vitales du monde réel. L'artiste dessine les détails sculpturales avec soin, n'oublie pas près de la statue de Madonna dans la barrière de l'autel pour allumer les bougies, note la fissure du mur et les grandes contours de l'Arkbutan montrent en dehors de la fenêtre. L'intérieur est alimenté par une lumière dorée légère. La lumière glisse sur les arches de l'église, les lapins solaires tombent sur la plaque du sol, coule couramment dans la porte ouverte à lui.

Cependant, dans cet intérieur vital, le maître met la figure de Marie, la tête des deuxième fenêtres de niveau. II, néanmoins, un tel alignement non à l'échelle de la figure et de l'architecture n'impressionne pas les impressions, car dans la photo de Van Eyki domine pas tout à fait la même relation et les mêmes relations que dans la vie. La lumière qui l'imprègne est réelle, mais elle donne également la photo des caractéristiques de sublime illumination et raconte les peintures de l'intensité super justete du son. Ce n'est pas par hasard que l'echo de la couleur roule de la couleur Echo de Blue Raincoat - ces deux couleurs clignotent dans la couronne de Marie, entrelacées dans les attaques d'anges, visibles dans les profondeurs de l'église, s'allument sous des voûtes et sur des crucifixes, barrière d'autel couronnée , de sorte que des étincelles dans le verre taché lointain de la cathédrale.

Dans l'art néerlandais des années 20. 15 V. La plus grande précision dans le transfert de la nature et des objets d'utilisation humaine est combinée à un sens accru de la beauté, et surtout de la couleur, son coloré d'une vraie chose. Couleur légère, son émotion intérieure profonde et une sorte de pureté solennelle prive des œuvres des années 20. Quels que soient les événements quotidiens - même dans les cas où une personne est décrite dans un cadre de ménage.

Si l'activité du début réel des travaux des années 1420. Il est un signe général de leur nature de la Renaissance, l'accent indispensable de la merveilleuse illumination de l'ensemble des témoignages terrestres à la particularité parfaite de la Renaissance aux Pays-Bas. Cette qualité des Pays-Bas peignant a reçu une expression synthétique puissante dans le travail central de la Renaissance du Nord - dans les célèbres frères Alttar Altar van Van Eyk.

Gent autel (Gand, église de Saint-Bavon) -gandiose, construction naturelle (3 435 x 4,435). Sur une forme fermée, il s'agit d'une composition du littoral, dont le niveau inférieur occupe les images des statues de deux John - le baptiste et l'évangélique, sur les côtés desquels sont les clients qui se trouvent - Iodokus Waid et Elizabeth noyé; Le niveau supérieur est attribué à la scène "Annonciation", qui est marquée des figures de Siville et des prophètes mettant fin à la composition.

Le niveau inférieur due à l'image des personnes réelles et de la naturalité, la tangibilité des statues plus que la partie supérieure, est associée au milieu dans lequel se trouve le spectateur. La gamme de couleurs de ce niveau semble dense, lourde. Au contraire, "Annonciation" semble être plus détachée, sa saveur nivelée et l'espace n'est pas fermé. L'artiste rétracte les héros - l'ange évangélique et le remerciement rapide à Maria - aux bords de la scène. Et tout l'espace de la pièce libère, remplit la lumière. Cette lumière est encore plus dans "la Madonne dans l'église", a une nature de deux voies - cela fait le début du sublime, mais il est également poète le confort propre de l'habillement à domicile habituel. Et comme pour la preuve de l'unité des deux ces aspects de la vie - universel, élevé et réel, domestique - les panneaux centraux de "Annonciation", pèsent sur la perspective lointaine de la ville et de l'image des détails touchants du ménage fait maison - Lavabo avec une serviette suspendue. L'artiste évite diligemment l'espace limité. Lumière, même la lumière, il continue à l'extérieur de la pièce, à l'extérieur des fenêtres et où il n'y a pas de fenêtre, il se révèle être un approfondissement ou une niche, et où il n'y a pas de niche - la lumière tombe autour du lapin ensoleillé, répétant Fenêtre mince lits superposés sur le mur.

Hollande. 17ème siècle. Le pays connaît une floraison sans précédent. Le soi-disant "âge d'or". À la fin du XVIe siècle, plusieurs provinces du pays ont obtenu l'indépendance de l'Espagne.

Maintenant, les Pays-Bas Simplystan sont allés à leur chemin. Et la Flandre catholique (la Belgique actuelle) sous l'aile d'Espagne - sa propre.

En Hollande indépendante, la peinture religieuse presque personne n'avait besoin. L'Église protestante n'a pas approuvé le luxe de la décoration. Mais cette circonstance "jouée sur la main" de la peinture laïque.

L'amour pour ce genre d'art s'est réveillé littéralement tous les résidents du nouveau pays. Le néerlandais voulait voir sa propre vie sur les images. Et les artistes se sont volontairement marchés pour les rencontrer.

Jamais n'a jamais décrit la réalité environnante. People ordinaire, chambres ordinaires et le petit-déjeuner le plus ordinaire du citoyen.

Le réalisme a prospéré. Jusqu'au 20ème siècle, il sera un concurrent digne de l'académisme avec ses nymphes et ses déesses grecques.

Ces artistes appellent le "petit" néerlandais. Pourquoi? Les images étaient de petite taille, car elles ont été créées pour les petites maisons. Donc, presque toutes les images de Jan Vermeer dans une hauteur de pas plus d'un demi-mètre.

Mais j'aime plus une autre version. Aux Pays-Bas au XVIIe siècle, il a vécu et a travaillé le grand maître, le «grand» néerlandais. Et tous les autres que ceux par rapport à lui étaient "petits".

Bien sûr, nous parlons de Rembrandte. De lui et commence.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrait âgé de 63 ans. 1669 National London Gallery

Rembrandt a pu faire l'expérience de la gamme plus large des émotions au cours de sa vie. Par conséquent, dans son début de travail tellement amusant et bravadas. Et tant de sentiments complexes - dans le plus tard.

Ici, il est jeune et déçu de la photo "Le fils aveugle de taverne". Sur les genoux - la femme bien-aimée Saskovia. Il est un artiste populaire. Commandes pour la rivière.

Rembrandt. Le fils prodigue dans la taverne. 1635 Galerie des vieux maîtres, Dresde

Mais tout cela disparaîtra après environ 10 ans. Sasquia mourra de consommer. La popularité va se dissoudre sous forme de fumée. La grande maison avec une collection unique sera prise pour des dettes.

Mais le même Rembrandt apparaîtra, qui restera sur le siècle. Grands sentiments de héros. Leurs pensées les plus intimes.

2. France Hals (1583-1666)

France Hals. Autoportrait. 1650 Musée métropolitain, New York

France Hals est l'un des plus grands portraits de tous les temps. Par conséquent, je le considérerais également au «gros» néerlandais.

En Hollande, à cette époque, il était coutumier de commander des portraits de groupe. Tant d'œuvres similaires sont apparues avec l'image des personnes travaillant ensemble: les flèches de la même guilde, les médecins d'une ville, gérant la maison de retraite.

Dans ce genre, Hals alloua surtout. Après tout, la plupart de ces portraits étaient comme un jeu de cartes. Les gens sont assis à la table avec la même expression du visage et regardent simplement. Hals avait différemment.

Regardez son portrait de groupe de la "Flèche Guilde de Saint-Ouest George.

France Hals. Flèches guild hild George. 1627 Musée de France Hals, Garel, Pays-Bas

Ici, vous ne trouverez pas une seule répétition dans la position ou l'expression du visage. Dans le même temps, il n'y a pas de chaos. Il y a beaucoup de personnages, mais personne ne semble être superflu. En raison de la placement surprenant des chiffres.

Oui, et dans un seul portrait, Hals a dépassé de nombreux artistes. Ses modèles sont naturels. Les personnes de la plus haute société de ses peintures sont dépourvues de magnifies de manière artificielle et le modèle du bas n'a pas l'air humilié.

Et ses héros sont très émouvants: ils sourient, rient, gestes. Comme, par exemple, c'est un "gitan" avec un look lâche.

France Hals. Gitan. 1625-1630

Hals, comme Rembrandt, la vie finie dans la pauvreté. Pour la même raison. Son réalisme est venu contre les goûts des clients. Qui voulaient que leur apparence embellisse. Hals n'est pas allé chez Frank Flattery et a donc signé une phrase - "Oblivion".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Autoportrait. 1668 Galerie Royale Mauritstashais, La Haye, Pays-Bas

Terboro était un sorcier d'un genre à domicile. Des plus riches et non des bourgeeurs discutent lentement, les dames lisent des lettres et le pionnier regarde le courage. Deux ou trois figures de près.

C'était ce maître qui a travaillé les canons du genre à domicile. Ce qui a ensuite emprunté par Yang Vermeer, Peter de Heh et de nombreux autres «petits» néerlandais.

Gerard Terboro. Verre de limonade. 1660s. State Hermitage, Saint-Pétersbourg

"Le verre de limonade" est l'une des œuvres de Terborch. Cela peut voir un autre avantage de l'artiste. Image incroyablement réaliste de tissu robe.

Il y a Terboro et un travail inhabituel. Ce qui parle de son désir d'aller au-delà des exigences des clients.

Son "moulin" montre la vie des habitants les plus pauvres de la Hollande. Nous sommes habitués à voir des cours confortables et des chambres propres sur les images de «petit» néerlandais. Mais Terboro a osé montrer de la Hollande disgracieuse.

Gerard Terboro. Broyeur. 1653-1655 Musées du gouvernement Berlin

Comme vous le comprenez, ces œuvres n'étaient pas en demande. Et ils sont un phénomène rare même à Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Atelier d'artiste. 1666-1667 Musée d'histoire de l'art, Vienne

Ce que Yang Vermeer a regardé, il n'est pas connu de manière fiable. Il est seulement évident qu'il s'est décrit dans la peinture "Atelier de l'artiste". Vrai du dos.

Il est donc surprenant que de nouveaux faits de la vie du maître soient récemment connus. Il est relié à son chef-d'œuvre "Delft Street".

Jan Vermeer. Streft Streft. 1657 Musée du gouvernement à Amsterdam

Il s'est avéré que l'enfance du Vermeer est passée dans cette rue. La maison représentée appartenait à sa tante. Elle leva ses cinq enfants en lui. Il est peut-être assis sur le seuil avec la couture et deux de ses enfants jouent sur le trottoir. Vermeer lui-même vivait dans la maison en face.

Mais plus souvent, il a décrit la situation interne de ces maisons et de leurs habitants. Il semblerait que les parcelles de peintures soient très simples. Voici une femme miliante, une ville sécurisée, vérifie le travail de mes échelles.

Jan Vermeer. Femme avec des poids. 1662-1663 Galerie d'art nationale, Washington

Qu'est-ce que Vermeer se démarque parmi des milliers d'autres "petits" néerlandais?

Il était un maître léger inégalé. Dans la photo "Femme avec poids", la lumière enveloppe doucement la face de l'héroïne, du tissu et des murs. Donner une spiritualité insupportable représentée.

Et les compositions des peintures Vermeer sont soigneusement récupérées. Vous ne trouverez pas d'excès de détails. Il suffit de retirer l'un d'entre eux, la peinture "Crumble" et la magie s'en va.

Tout cela a été donné à Vermeleu pas facile. Une telle superbe qualité nécessitait des travaux laborieux. Total 2-3 images par an. En conséquence, l'incapacité de nourrir la famille. Vermeer a travaillé comme concessionnaire artistique, vendant le travail d'autres artistes.

5. Peter de Heh (1629-1684)

Peter de Heh. Autoportrait. 1648-1649 Reyexmuseum, Amsterdam

Hoha souvent comparé au vermete. Ils travaillaient à la fois, même il y avait une période dans une ville. Et dans un genre - domestique. Chez Hoha, nous voyons également une ou deux figures dans les cours ou chambres hollandaises confortables.

Les portes ouvertes et les fenêtres rendent l'espace de ses peintures multicouches et divertissantes. Et les chiffres sont inscrits dans cet espace très harmonieusement. Comme, par exemple, dans sa photo "le serviteur avec une fille dans la cour".

Peter de Heh. La femme de ménage avec la fille dans la cour. 1658 Galerie nationale de Londres

Jusqu'au 20ème siècle, Hech était très élevé. Mais les petites œuvres de son concurrent de Vermeer sont rares qui ont remarqué.

Mais au 20ème siècle, tout a changé. Slava Hoha célibataire. Cependant, ses réalisations de peinture sont difficiles à ne pas reconnaître. Peu de personnes, qui pourraient combiner compétente l'environnement et les gens.

Peter de Heh. Joueurs sur la carte dans la chambre du soleil. 1658 Royal Art Assembly, Londres

Veuillez noter que dans une maison modeste sur les "lecteurs des cartes" peut accrocher une image dans un cadre de note.

Cela parle une nouvelle fois sur la façon dont la peinture néerlandaise ordinaire était populaire. Les peintures ont été décorées avec chaque maison: la maison du riche hamburger et un citoyen modeste, et même un paysan.

6. Murs Yang (1626-1679)

Yang Walls. Autoportrait avec luth. 1670s. Musée de Tissen-Bornemis, Madrid

Yang Walls, peut-être, le «petit» le plus joyeux. Mais aimer la morale. Il représentait souvent des tavernes ou des maisons pauvres dans lesquelles il y avait un vice.

Ses personnages principaux - promenades et dames de comportement facile. Il voulait divertir le spectateur, mais l'avertit impuditement de la vie vicieuse.

Yang Walls. Kavardak. 1663 Musée d'histoire de l'art, Vienne

Il y a un mur et un travail plus calme. Comme, par exemple, la "toilette du matin". Mais ici, l'artiste surprend le spectateur des articles trop franches. Ici et des traces de la gomme en bas, et pas une nocturne vide. Oui, et en quelque sorte pas du tout par la façon dont le chien se trouve juste sur l'oreiller.

Yang Walls. Toilette du matin. 1661-1665 Reyexmuseum, Amsterdam

Mais malgré tout le frivolisme, les solutions de couleur du mur sont très professionnelles. Dans ce cas, il était supérieur à de nombreux "petits néerlandais". Regardez à quel point le stockage rouge est parfaitement combiné avec une veste bleue et un tapis beige brillant.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1682)

Portrait d'un raisdale. Lithographie du livre du 19ème siècle.

Le quinzième siècle était un tournant dans le développement de la culture du nord de l'Europe. Sa société publique a changé, sous l'influence de nouvelles forces progressistes, le monde médiéval a commencé à s'effondrer. Ce processus, qui a débuté auparavant, en Italie, saisit dans les XV et XVI siècles du pays, situé au nord des Alpes Pays-Bas, en Allemagne, en France. Cela a donné une raison d'appeler la culture des pays calpiens par la Renaissance du Nord.

La formation de la culture de la Renaissance en Allemagne et l'empereur allemand allemand soutenu d'Autriche et de Suisse ont eu lieu dans le contexte de contradictions politiques, sociales et spirituelles complexes. Au XVe siècle, l'Allemagne était un conglomérat d'entités territoriales individuelles, de principautés, d'évêques, de villes "impériales" et "libres". Leur emplacement géographique en Europe centrale a renforcé les relations économiques et culturelles des terres allemandes avec les pays voisins. L'invention d'environ 1445 par John Guttenberg de la machine imprimée a contribué au développement de l'éducation, à la diffusion de connaissances scientifiques et techniques. Au milieu du XVe siècle, l'humanisme est originaire d'Italie, a été reconnu dans les milieux de l'université allemande. Cependant, le pays était toujours un style de vie médiéval assez fort. L'artiste en Allemagne pour sa position depuis longtemps restait artisanal, les lois de l'atelier et la volonté des clients le maîtrisent, qui réglaient de manière rigide le travail de l'artiste, combattait la liberté de recherche.

L'Église catholique avait un pouvoir énorme dans un pays fragmenté. Sa richesse, sa politique, le comportement des clergenes a provoqué une manifestation qui a été exprimée dans la propagation des mouvements religieux appelés à revenir à la "foi sincère de la foi des premiers chrétiens". Les principaux efforts vis-à-vis de l'humanisme répandus en Allemagne envoyés contre l'Église allun-russe. Les forces ont été accumulées dans le pays, laissant au début du XVIIe siècle à la Réforme (1517-1555).

Depuis le XIVe siècle, de nouvelles formes de sculptures sculptées et de peintures de chevalets, soi-disant autels ont commencé à se propager en Europe occidentale. Ils représentaient les plis monumentaux placés dans l'abside de l'église derrière le trône. Les images sur une carvnot ou une autel pittoresque ont été associées à la liturgie et laissée à illustrer davantage le culte et à adorer les bogomollettes.

Altari étaient en trois parties (triptyque) et beaucoup (polyptique). Dans la partie centrale du pliage, l'image principale a été placée - l'image de Christ ou de la mère de Dieu, sur la ceinture latérale en mouvement - scènes de gospel ou saints. Les jours de semaine, un tel autel a été fermé, les images étaient donc placées sur le côté extérieur de la ceinture. En Allemagne, où il y avait beaucoup de forêts, les autels étaient à l'origine principalement sculptés, tandis que les chiffres étaient brillamment peints. Par la suite est apparu des plis picturaux.

Au cours des siècles suivants, à la suite de guerres religieuses, la sécularisation des possessions de l'église, après la fermeture des monastères, Altari a épuisé, souvent de manière tout à fait différente. Des parties séparées d'entre elles se sont avérées lors de diverses réunions, musée et privé. C'est précisément ces parties disparates des autels principalement représentés dans l'assemblage du musée du XVe siècle, formé dans les possessions des empereurs allemands.

La plupart des œuvres du XVe siècle nous ont atteint de manière anonyme. Le nom du propriétaire d'un atelier pittoresque est apparu dans l'accord conclu avec elle. L'artiste lui-même pour différentes considérations, y compris pieux, n'a pas mis sa signature. Le grand autel a été créé par les efforts de l'ensemble de l'atelier, tandis que chaque peintre avait son tracé de travail: le maître principal a créé la composition, a souvent écrit les visages des personnages principaux. Il y avait des spécialistes dans des parties individuelles de l'image, des costumes, des objets et des décorations décrits, des détails du paysage. Dans le même temps, l'écriture de chaque atelier a été distinguée par l'unité et l'originalité. Cela permet aux chercheurs basés sur une analyse stylistique et d'autres techniques de recherche pour unir le travail à partir de là. Le cercle de telles œuvres est combinée sous le nom conditionnel: par titre ou emplacement du plus important pour ce maître, ou par une technique pittoresque spécifique.

Un style de vie aux Pays-Bas au XIXe siècle au XVIème siècle est plus important. Son impact ressenti non seulement des contemporains allemands et français, sa respiration a été ressentie dans la citadelle de la Renaissance - en Italie. "Milnage Lands" (donc traduit le nom du pays) sur la côte de la mer du Nord dans la partie inférieure de Shelda, Maas, Reina (territoire de la Belgique moderne, aux Pays-Bas, au Luxembourg et en partie au nord-est de la France). L'Europe, où les villes et le commerce se développaient intensivement, c'est né la production fabriquée. Le pays a atteint le plus grand succès au début du XVIe siècle, lorsque des pistes commerciales après l'ouverture de l'Amérique sont passées au nord de l'Europe.

Cependant, la vie politique des Pays-Bas pendant cette période était inhabituellement tendue. En 1516, le pays est devenu une partie de l'empire de Habsbourg, qui possédait le trône espagnol. Changements progressifs, la croissance de la conscience de soi de la personnalité humaine, la propagation de l'humanisme est entrée en contradiction avec la domination étrangère, est dominée par le catholicisme, dans lequel les Espagnols ont assisté au soutien de leur pouvoir. L'oppression inrogène a conduit aux catastrophes des masses. La lutte antipodiale a commencé aux Pays-Bas la nature des mouvements protestants aux Pays-Bas et dans les années 60 du XVIe siècle, il s'est transformé en une lutte armée ouverte. Cela a fait le processus artistique aux Pays-Bas du complexe du XVIe siècle et divers, les tendances paneuropéennes ont acquis une couleur nationale prononcée ici.

L'art des Pays-Bas est présenté dans le musée principalement par les œuvres du XVIe siècle.

Depuis le XVe siècle, la principale vue sur l'art des Pays-Bas était la peinture. Les traditions des grands maîtres de ce siècle sont restées encore fortes et tôt au cours du siècle prochain. La loyauté envers leurs alliances a été cultivée par des peintres qui ont été regroupés autour de la ville patriarcale de Bruges. Plus diversifié était la vie artistique d'Anvers, un grand centre commercial et artisanal, où des personnes de nationalités et des goûts artistiques ont été rassemblés, où les idées d'humanisme ont été distribuées, la typographie s'est développée. Ici, la recherche a été portée plus attentive, le plus fort a été ressenti par le dévouement de la tradition dégénérée. Le troisième centre d'art était Bruxelles - la résidence du gouverneur.

Outre les compositions religieuses du XVIe siècle, une place importante de l'art néerlandais appartenait à un portrait, développé des arrière-plans paysagers se développent dans un genre pittoresque indépendant - paysage.

Dans l'art néerlandais des deux directions du XVIe siècle sont alloués. On adhère aux traditions nationales, la seconde se concentre largement sur l'art italien moderne. Il a reçu le nom du romancier (de la latin Roma Rome).

Dans la seconde moitié du XVIe siècle, lorsque les Pays-Bas sont devenus l'arène des événements turbulents liés à la guerre de libération contre l'oppression espagnole, italianisant les directions se retirent à l'arrière-plan. Plus vital était l'art qui a fait appel au thème national et à l'image du peuple. À ce moment-là, il y a une formation de nouveaux genres pittoresques - paysage, nature morte, un genre de ménage.

Gershenzon-Chegodaeva N. Pays-Bas Portrait du XVe siècle. Ses origines et son destin. Série: De l'histoire de l'art mondial. M. Art 1972. 198 s. malade. Liaison de publication solide, format encyclopédique.
Gershenzon-Chegodaeva N. M. Pays-Bas Portrait du XVe siècle. Ses origines et son destin.
Le renouveau néerlandais - peut-être que le phénomène est encore plus brillant que l'italien - du moins du point de vue de la peinture. Van Eyke, Bruegel, Bosch, par la suite - Rembrandt ... Les noms, bien sûr, qui ont laissé une marque profonde dans les cœurs des personnes qui ont vu leur toile, que vous sentiez l'admiration pour eux, comme devant les "chasseurs de neige" , ou rejet, comme avant "jardin de plaisir terrestre". Sigor, des tons sombres des maîtres néerlandais sont différents des lumières remplies de la lumière et de la joie des créations de Jotto, Raphaël et Michelangelo. On ne peut que deviner la manière dont la spécificité de cette école a été formée, pourquoi, précisément là-bas, au nord de la Flandre et Brabant prospères, il y avait un puissant centre de culture. Qu'en est-il de cette enveloppe. Regardons des détails, sur ce que nous avons. Notre source est la toile et l'autel des célèbres créateurs de la Nord de la Renaissance, et ce matériau nécessite une approche spéciale. En principe, cela doit être engagé à la jonction des études culturelles, de l'histoire de l'art et de l'histoire.
Une tentative similaire était de la vie de Nataliya Gershenzon-Chegodaeva (1907-1977), la fille de la critique littéraire connue dans notre pays. En principe, la personnalité est assez célèbre, dans ses cercles, tout d'abord, l'excellente biographie de Peter Breygel (1983), son Pérou appartient au travail ci-dessus. Pour être honnête, il s'agit d'une tentative claire d'aller au-delà de l'histoire de l'art classique - pas seulement de raisonner sur les styles artistiques et l'esthétique, mais - essayer de retracer l'évolution de la pensée humaine ...
Quelles sont les caractéristiques des images humaines à l'heure précédente? Les artistes pivotants n'étaient pas suffisants, les moines n'étaient pas toujours talentueux dans l'art du dessin. Par conséquent, souvent des images de personnes dans les miniatures et les peintures se caractérisent par une grande convention. Écrire des photos et toutes les autres images nécessaires à ce que cela devrait être, dans tout ce que j'obéirais aux règles du centenaire du symbolisme pliant. Au fait, c'est pourquoi les pierres tombales (aussi une sorte de portraits) n'ont pas toujours reflété la véritable apparition d'une personne, le montraient plutôt comme il était nécessaire de se souvenir de lui.
Un portrait de l'art néerlandais se brise comme des canons. Qui va? L'auteur considère que les travaux de TELS maîtres ont-ils été Robert, Jan Van Eyk, Rogir van der Wayden, Gogo van der Gus. Ce sont les vrais maîtres de leur entreprise vivant dans leur talent, travaillant à l'ordre. Très souvent, le client était l'Église - dans les conditions de l'analphabétisme de la population, l'art le plus important est considéré ... La peinture, non formée dans la sagesse théologique du citoyen et le paysan aurait dû expliquer les vérités les plus simples sur les doigts, et l'image artistique a reconstitué ce rôle. Il y avait donc de tels chefs-d'œuvre comme le gent autel Jan van Van Eyka.
Les clients étaient riches de TownSpeople - marchands, banquiers, florins, savent. Les portraits, célibataire et groupe sont apparus. Et ici - pour cette période, la percée - la caractéristique intéressante des maîtres a été découverte et l'une des premières c'était entouré par le célèbre philosophe-agnostique Nikola Kozhansky. Non seulement les artistes sont les artistes, créant leurs images, écrivaient une personne non conditionnelle, elles ont toujours réussi à transférer son apparence intérieure. Faites pivoter la tête, la vue, la coiffure, les vêtements, la flexion de la bouche, le geste - tout cela est surprenant et a montré avec précision le caractère d'une personne.
Bien sûr, c'était une innovation, sans aucun doute. Cela a été écrit à ce sujet et la Nikola susmentionnée. L'auteur relie des peintures avec des idées novatrices du philosophe - respect de la personne humaine, la connaissance du monde environnant, la possibilité de sa connaissance philosophique.
Mais ici se pose une question assez raisonnable - est-il possible de comparer le travail d'artistes avec la pensée d'un philosophe séparé? Malgré tout, Nikola Kuzansky Dans tous les cas, Nikola Kuzansky est restée dans la Lon de la philosophie médiévale, dans tous les cas, reposait sur la fabrication de la même scholasticale. Et maîtres artistes? Nous ne savons pratiquement rien à propos de leur vie intellectuelle si elles ont des liens aussi développés les uns avec les autres, et avec des leaders de l'église? C'est une question. Sans aucun doute, ils avaient la continuité de l'autre, mais les sources originales de cette compétence restent un mystère. L'auteur ne s'engage pas dans la philosophie spécialisée, mais plutôt fragmentaire raconte sur le lien entre les traditions des Pays-Bas peignant avec le scholasticisme. Si l'art néerlandais est à l'origine et n'a aucun lien avec les humanités italiennes, où sont venus les traditions artistiques et leurs caractéristiques? Une référence vague aux «traditions nationales»? Quel genre? C'est une question ...
En général, l'auteur est parfait, car il devrait être historien de l'art, raconte des détails de la créativité de chaque artiste et traite assez de manière convaincante la perception esthétique de la personnalité. Mais ce qui concerne les origines philosophiques, les lieux de peinture à la pensée du Moyen Âge - très contour, la réponse à la question à propos des origines n'a pas été trouvée.
Total: Le livre est une très bonne sélection de portraits et d'autres œuvres du début de la Renaissance néerlandaise. Il est tout à fait intéressant de lire sur la manière dont les historiens de l'art fonctionnent avec des matériaux aussi fragiles et ambiguës que la peinture, comme indiqué par les plus petites caractéristiques et des caractéristiques spécifiques du style, comme l'esthétique de l'image avec le temps ... Cependant, le contexte de L'ère est visible, pour ainsi dire, sur une perspective très, très à long terme.
Personnellement, j'étais plus intéressé par la question des origines de cette direction spécifique, idéologique et artistique. Ici, l'auteur n'a pas réussi à répondre de manière convaincante la question. L'historien de l'art a vaincu l'historien, avant nous - tout d'abord le travail historique de l'art, c'est-à-dire pour les grands fans de peinture.