Dans les manuels de théorie de la littérature, les catégories nommées sont placées dans différentes sections thématiques, même si en raison de leur spécificité, elles doivent être situées dans un seul bloc scientifique : méthode artistique - direction - flux. Cependant, par exemple, L.I. Timofeev n'est uni que par « la méthode et la direction », P.K. Volynsky propose d'étudier « le style, la direction littéraire et la méthode artistique », N.A. Gulyaev combine « méthode artistique, direction, style », G.N. Pospelov construit sa propre triade, composée de « styles, systèmes artistiques et mouvements littéraires ». Dans le même temps, le scientifique a recommandé d'abandonner la convergence des catégories « direction » et « flux », qui sont souvent utilisées comme concepts synonymes.
La méthode artistique, la direction et le mouvement littéraire ont le droit d'exister, et la séquence hiérarchique indique le degré de signification esthétique de chaque catégorie : d'abord la méthode, puis la direction, le niveau le plus bas appartient au mouvement littéraire.
Terme; la différence entre la méthode artistique et la méthode créative ; réalisme et romantisme - catégories esthétiques méthode
Le terme « méthode » (gr. - chemin ; au sens de chemin de la connaissance) n'est pas seulement utilisé dans la critique littéraire ; la sélection des objets étudiés est caractéristique de toute science. Des disciplines précises découvrent et expliquent les lois de la nature, en contournant l’évaluation émotionnelle de la personnalité du scientifique. L'art sans l'application de la personnalité de l'artiste perd son sens.
Dans les dictionnaires de référence et les développements scientifiques, les mots et expressions « méthode artistique » et « méthode créative» comme nominations d'une seule série. En attendant, ils diffèrent par leur signification et nécessitent une clarification et une canonisation.
La « méthode artistique » se caractérise par un système stable et répétitif, une manière de sélectionner le matériau et sa mise en œuvre par un large groupe d'écrivains. La dominante idéologique et esthétique de la méthode artistique est considérée comme son fonctionnement stable à toutes les époques historiques et littéraires ; elle n'épuise pas sa signification dans une période historique particulière.
La science littéraire doit séparer la catégorie de « méthode artistique » de la notion de « méthode créative ». L'idée d'une « méthode créative » est associée exclusivement à la pratique d'un écrivain individuel, à son individualité et à sa manière stylistique unique. Ainsi, la « méthode artistique » est une catégorie esthétique, et la « méthode créative » se caractérise par un paradigme au sens étroit.
La théorie littéraire a identifié deux types de méthodes artistiques : a) réalistes ; b) romantique. Concernant le réalisme, tous les scientifiques l'acceptent sans condition (à l'exception des modernistes qui se sont affranchis de la dictature du réalisme). La situation du romantisme est beaucoup plus compliquée. Certains critiques l'attribuent à une méthode, d'autres à un mouvement littéraire. Nous incluons le romantisme dans le système de méthode artistique.
le réalisme comme méthode artistique
La coïncidence et le décalage entre la vérité de la vie et la vérité de l'art ; personnages et circonstances typiques ; des formes fiables et conditionnellement allégoriques de reflet de la vie ; fidélité aux détails; techniques empruntées à l'art moderniste
Réalisme (latin - matériel) en fiction fonctionne depuis plusieurs milliers d'années. L.I. Timofeev et d'autres experts dans le domaine du réalisme ont construit la typologie suivante littérature réaliste: réalisme antique, réalisme médiéval, réalisme Renaissance, réalisme pédagogique. Comme on le voit, le réalisme existe depuis longtemps et n'a reçu son statut terminologique que dans la première moitié du XIXe siècle. Les spécialistes de la littérature ont attiré l'attention sur la coïncidence de l'écriture artistique d'écrivains qui ont vécu et travaillé en des moments différents, et étaient unis par une vision du monde, des thèmes et le pathos de leur créativité communs. Cette identité a servi de base à la définition de la méthode artistique.
Le réalisme se caractérise par ce que les critiques ont appelé « la vérité de la vie ». Cette méthode révèle la réalité réelle, mais en beaucoup plus claire et plus belle qu’elle. Le plus souvent, une œuvre réaliste interprétée dans différents genres, notamment dans le roman, crée l'illusion d'être, image vivante tout ce qui se passe. Il ne faut cependant pas surestimer cette illusion à deux égards.
I. Il ne faut pas penser que l’art réaliste reproduit le monde qui nous entoure, qu’une image véridique remplace la vie, comme les actualités documentaires. L'intrigue tirée de l'existence terrestre ne répète la réalité que dans son apparence, mais l'authenticité artistique est significativement accessible et pittoresque.
II. La méthode artistique peut consister en des formes d'authenticité factuelle. Pourtant, le réalisme n’est pas seulement plausible. Dans certaines de ses expériences, il n’est pas étranger aux formes allégoriques conventionnelles. Il arrive que vérité et crédibilité coïncident, mais il arrive aussi que la vérité surgisse sur de fausses bases. Quels sont les personnages typiques et les circonstances typiques ? Il faut ici rappeler la shakespearienisation du monde artistique. Le réalisme présuppose la fidélité de l'artiste aux détails, à son tour, plus précisément - personnages historiques les personnages sont réalisés de telle manière qu'ils deviennent socialement et historiquement authentiques. Ainsi, la vie dans "Dead Souls" est fragmentée dans les moindres détails, et ces détails reçoivent un sens général. L'auteur a utilisé le microcosme dans lequel il a établi les lois du macrocosme, cela s'est manifesté par la capacité de voir le grand dans le petit. La méthode réaliste examine la vie passée et présente. À une époque, le soi-disant réalisme socialiste tentait, violant les lois de l'art, d'inclure dans son système des images utopiques du bonheur futur pour tous, ignorant le passé et la tragédie du présent. Nous savons comment tout cela s'est terminé. Une qualité tout aussi importante de cette méthode artistique est que l’art de maîtriser la réalité, qui pousse sur son sol, est sur le point d’être qualifié de « recherche scientifique ». C'est sur la base du réalisme que se développent les relations les plus efficaces et les transitions mutuelles entre la science et l'art ; la vérité de la vie dépeinte par l'écrivain s'élève presque toujours jusqu'aux sommets de l'encyclopédisme. En même temps, l’étude artistique des activités de la société et de l’homme peut être en avance sur l’étude scientifique : les sociologues ont glané plus d’informations dans les romans de Balzac que dans les écrits des économistes de l’époque ; le physicien qui crée la théorie de la relativité s'inspire de la découverte d'un écrivain, et non des travaux d'un brillant mathématicien allemand. L'historicisme de l'art réaliste élargit la capacité de l'auteur à pénétrer dans l'esprit de l'époque et dans le monde microcosmique de l'âme humaine (Grigory Skovoroda).
Le genre roman se transforme en une forme spécifique recherche scientifique société, puisqu'une logique particulière de l'ensemble réaliste est ici à l'œuvre, une logique qui présuppose une large sphère d'intersection contradictoire de vérité et de fiction, poétique et scientifique. Balzac a découvert un abîme de secrets économiques. Ses romans sont un outil pour étudier la vie au niveau d'un scientifique-économiste. Sa force réside dans le fait qu'il a été un artiste brillant et c'est là le secret de ses connaissances économiques. Hippolyte Taine considérait la littérature comme un instrument subtil et précis qui enregistre et évalue les processus et les changements les plus imperceptibles survenant dans l'organisme social.
Dans une œuvre réaliste, d'une part, la situation forme le caractère typique du héros, et le système d'événements est en quelque sorte un développement logique du personnage ; deuxièmement, la nature sociale des circonstances fiables est active, agissant à la fois comme environnement externe et comme relations sociales ; troisièmement, les détails artistiques sont reproduits fidèlement.
Au XXe siècle, le réalisme comme méthode artistique assimile les catégories de la littérature moderniste, élargit ses thématiques grâce aux acquis techniques (aviation, cinéma, téléphone...), utilise des techniques narratives inhabituelles pour les époques passées (« iceberg », « flux de conscience »), et crée de nouvelles formes de genres (roman musical, roman-scénario, best-seller, thriller, blockbuster, gonzo, bande dessinée, kitsch...).
La critique littéraire classique du XXe siècle a identifié plusieurs types universels de réalisme, parmi lesquels se distinguent les suivants : a) le réalisme critique du XIXe siècle ; b) le réalisme du XXe siècle, qui a réduit l'intensité du pathos accusateur franc ; c) les systèmes typologiques du réalisme opérant à différentes époques historiques et littéraires ; d) le réalisme magique, qui n'est pas une méthode artistique, mais seulement une branche de celle-ci, et se rapproche le plus des mouvements littéraires. La méthode artistique apparaît comme une unité historiquement conditionnée et régulièrement récurrente dans le travail d'une partie importante d'écrivains réunis par une interprétation commune des problèmes, un idéal esthétique et un processus de vie.
Dans la théorie du réalisme, certains doutes sont soulevés par la catégorie du « typique », qui semble aller à l'encontre de l'individualisation, privant la méthode artistique du droit à l'exclusivité. Le comportement d'Hamlet, de Don Quichotte ou du vieux Santiago est-il vraiment si typique ? Le typique dans la méthodologie n’exclut pas le facteur unique, historiquement et esthétiquement inimitable.
Au final, nous proposons une formule conventionnelle et mémorisable de la méthode artistique : vérité de vie + philosophie + esthétique. Cette synthèse apporte un réalisme à la vie artistique de tous les temps.
Le romantisme comme méthode artistique
Variétés terminologiques ; exceptionnel comme modèle pour maîtriser la vie ; historicisme artistique; ironie romantique ; personnalité romantique
Les opinions des spécialistes de la littérature sur le romantisme diffèrent radicalement. Un groupe de scientifiques classe le romantisme comme une méthode artistique, tandis qu'un autre voit dans cette catégorie des éléments d'un mouvement littéraire. Tous deux justifient minutieusement leurs conclusions, il n'y aura donc aucune erreur si vous suivez l'une des versions scientifiques acceptables.
Le romantisme est né en Europe de l'Ouestà la fin du XVIIIe - début XIX siècles simultanément dans toutes les littératures de cette région culturelle. La condition préalable à l'activation du romantisme était une protestation contre l'esthétique du classicisme et du réalisme éducatif sans prétention.
Le concept de « romantisme comme antithèse du réalisme » a été avancé par A.N. Sokolov. Si dans le réalisme fonctionnent « des personnages typiques et des circonstances typiques », alors dans le romantisme se forment de manière autonome des circonstances exceptionnelles dans lesquelles se manifestent les personnages exceptionnels des héros littéraires.
Le romantisme reflète la vie à l'aide de fantaisie, de grotesque, de symbole, d'hyperbole. La biographie du personnage reste pratiquement sous-développée et mystérieuse, sa position est considérablement schématisée. Selon sa vision du monde, le héros n'accepte pas la réalité qui l'entoure ; il proteste, se rebelle contre les circonstances personnelles, sociales et cosmiques. Les écrivains romantiques manifestent un vif intérêt pour l'histoire. Grâce au romantisme, le genre du roman historique est apparu et le terme « historicisme artistique » est entré dans l’usage scientifique. Cette méthode a établi deux types d'historicisme : a) au centre de l'œuvre il y a un héros - une personnalité historique qui se retrouve dans des conditions farfelues ; b) personnage principal fictif, mais il opère dans des événements historiques spécifiques.
Les fondements de la théorie du romantisme ont été créés par des scientifiques allemands au XIXe siècle. Ainsi, dans les travaux des représentants de l'école de Jena (les frères Schlegel, Tieck, Novalis, Fichte), le concept d'ironie romantique s'est développé. Cela se résume à plusieurs points : a) l’ironie aide à s’élever au-dessus de la misère de la vie ; b) affirme la vertu du génie ; c) révèle une activité spirituelle supérieure.
Les théoriciens de l'école de Iéna classaient la personnalité romantique selon un certain nombre de caractéristiques exceptionnelles. Pour Novalis, le personnage idéal est un héros passif, statique et contemplatif ; Fichte a sa propre vision du « je » romantique - c'est une nature pensante, ses qualités exceptionnelles ne sont en aucun cas données au départ, elles se réalisent dans le processus de réflexion ; F. Schlegel voit dans le « je » romantique un créateur, un artiste, et ce n'est que dans cette perspective que le héros peut revendiquer une personnalité unique ; La coche indique la possibilité d'une dégradation du « je » lorsqu'il descend dans la vie quotidienne, donc le héros doit être un génie, un fou ; Wackenroder a défendu le droit d'une personne romantique de créer exclusivement pour lui-même ou pour un petit cercle d'admirateurs d'art.
Les représentants de l'école romantique de Heidelberg (les frères Grimm, Brentano) ont prêté attention au problème des circonstances romantiques, qui se composent de plusieurs indicateurs.
I. Environnement romantique. Il ne devient exceptionnel que lorsqu’il est indigène, national et, mieux encore, médiéval indigène. Il est ici fortement suggéré d'étudier le folklore en utilisant des méthodes scientifiques (certification du matériel collecté ; informations sur le support de stockage ; lieu de collection des œuvres de la littérature orale ; qualification pédagogique du gardien de la sagesse populaire).
II. La course comme indicateur de circonstances exceptionnelles. La race fait naître en elle un homme de génie, et en même temps elle doit être élevée au rang de culte. L'attention est portée aux conditions généalogiques, qui déterminent également les circonstances.
III. L'esprit des ancêtres, l'appel du sang des défunts (les morts tiennent les vivants) s'efforce de remplir son devoir envers ses contemporains. La substance invisible forme également un environnement romantique.
IV. La doctrine de la couleur locale. Son essence se résume à ce qui suit : l'écrivain est obligé de voir et de transmettre les signes uniques inhérents uniquement à cette nation, cette époque, cette petite patrie. Le rôle de l'espace exotique dans la formation d'une personnalité brillante est pris en compte.
Réalisme critique du XIXe siècle. caractérisé par de tels indicateurs qui le rapprochent du réalisme antique, médiéval, de la Renaissance et des Lumières. Une typologie similaire est établie dans le romantisme - romantisme antique, romantisme médiéval... Ce type de créativité est objectivement caractéristique de toutes les époques. Mais la mesure de leur objectivité (historicisme) est différente. Ils comprennent différemment l’essence des processus sociaux.
Les circonstances de type romantique recrée l'esprit de l'époque avec ses formes symboliques, soulignant les tendances idéales ou laides de l'époque, ouvre et plonge dans le monde que pourrait devenir la réalité. D'où l'abondance de symbolisme, d'actions limitées et discrètes qui tendent à recréer du pathétique - points culminants. L’intrigue fantastique-légendaire est également subordonnée à ces mêmes tâches.
DANS type romantique circonstances, il est également nécessaire d’introduire un élément visible. Nous parlons du rôle de l'auteur, qui est toujours de capturer, captiver le lecteur afin de l'infecter de ses aspirations, de ses idées sur une personne réelle et vrai vie. Il est souvent difficile de distinguer un héros idéalisé de l'auteur : il est une partie de son âme, un porte-parole d'idées. En parlant de subjectivité, il faut se rappeler qu'elle, comme la subjectivité dans les paroles, doit être séparée du subjectivisme. Le subjectif du romantisme est aussi objectif : il inclut dans sa sphère tout ce qu'on appelle le sort du cœur, l'histoire de l'âme humaine. On peut dire que le romantisme est un pur lyrisme, un élan vers le noble et l'idéal. Le lyrisme romantique se développe sur une base poétique idéale. Cependant, tout lyrisme n’est pas romantique. Il est donc extrêmement difficile de filmer une œuvre romantique. Les travaux de A. Dovzhenko et S. Parajanov peuvent être qualifiés de réussis à cet égard. Le cinéma poétique est constamment à la recherche de son paradigme. Il y a un artiste romantique au vrai sens du terme, et il y a des écrivains qui vision artistique grandit sur la base de la « sublation » du principe sublime.
Dans la seconde moitié du XXe siècle, un nouvel enseignement est apparu : le néo-romantisme. Le réalisme est également mis à jour, mais la méthode artistique (réalisme et romantisme) est déterminée par des caractéristiques stables et historiquement stables.
La critique littéraire dogmatique divise le romantisme en plusieurs types : « progressiste », « révolutionnaire », « réactionnaire », « religieux ». Ces candidatures ont perdu leur signification scientifique.
Le romantisme en tant que méthode artistique a clarifié les défauts de l'esthétique des contemplateurs matérialistes et a commencé à cultiver le problème du facteur subjectif dans le processus littéraire. Un écrivain romantique, comme un réaliste, est obligé de ne pas « imiter » la nature, mais de la transformer de manière créative, non pas de copier les phénomènes de la vie, mais d'exprimer ses sentiments et ses idéaux à travers le prisme de l'esthétique de l'exceptionnel.
LA DIRECTION LITTÉRAIRE COMME RÉALITÉ ESTHÉTIQUE
Baroque, classicisme, sentimentalisme, naturalisme, symbolisme, réalisme socialiste, existentialisme, modernisme
Les mouvements littéraires se développent sur une base philosophique et un idéal esthétique acceptables, ce qui a permis d'assurer une vie relativement longue à l'art. Ils fonctionnent pendant un siècle, et seulement après cela, ils perdent leur sens et s'éloignent du processus artistique, devenant un fait historique et littéraire.
Dans les manuels du XXe siècle, l'histoire de la lutte des « Vissarions » frénétiques contre les tendances littéraires avec la victoire incontestable de la méthode artistique réaliste (et romantique) a été étudiée de manière intrusive. En effet, des combats houleux impliquant des politiciens « vigilants » et des critiques « en civil » ont eu lieu autour des mouvements littéraires, mais la théorie littéraire a établi qu’après 70 à 100 ans d’activité, les mouvements littéraires eux-mêmes quittent l’arène esthétique. Et c'est naturel. La raison en est qu'une catégorie telle que « la vérité de la vie » a été perdue dans sa formule. Le modèle du mouvement littéraire préserve la plateforme philosophique et l’esthétique. Nous proposons le schéma suivant, tout à fait compréhensible : philosophie + esthétique = direction littéraire.
Les mouvements littéraires ont commencé à apparaître à l'époque où la pensée esthétique atteignait son plus haut développement et les artistes commençaient à s'unir selon le type de créativité et les croyances esthétiques communes. Plusieurs mouvements artistiques peuvent fonctionner au cours d’une même époque littéraire. Les plus célèbres sont le baroque, le sentimentalisme, le classicisme, le naturalisme, le symbolisme, le réalisme socialiste, l'existentialisme et le modernisme.
LE BAROQUE COMME DÉVELOPPEMENT LITTÉRAIRE
Terme; berceau du baroque; base philosophique (humanisme antique et théologisme médiéval) ; Thème baroque et poétique
Le terme « baroque » (en italien - étrange, bizarre ; en portugais - « perrola baroque » - une perle de forme irrégulière) est en train d'être clarifié et sa signification est remplie d'un nouveau sens. Au XXe siècle, l'origine de cette candidature commence à être associée à la désignation latine « mnémotechnique » du quatrième type de la deuxième figure d'un syllogisme scolastique. Initialement, ce mot était utilisé pour décrire le « mauvais goût » par rapport à l’art apparu après la Renaissance. Le statut scientifique du terme « baroque » a commencé à être établi par les philologues d’Europe occidentale au XVIIIe siècle ; son statut a été largement documenté par les historiens de l’art et les théoriciens de l’architecture. Le « baroque » est devenu largement connu dans la science littéraire dans la seconde moitié du XIXe siècle (G. Carducci, E. Porembovich).
L'histoire de la formation du baroque littéraire commence au milieu du XVIe siècle en Italie et se développe jusqu'à la fin du XVIIe siècle. Au XVIIe siècle, cette tendance s'épanouit dans la poésie et le théâtre espagnols ; en même temps, le « baroque ukrainien » s'affirme clairement, sur les traditions sur lesquelles se base l'œuvre de N.V. Gogol, V. Narezhny et d'autres écrivains de « l'école ukrainienne ». Les théoriciens américains R. Welleck et O. Warren ont écrit à ce sujet : « Le style baroque s'est répandu dans l'art de toute l'Europe de l'Est, y compris l'Ukraine », touchant à peine la littérature moscovite (Welleck R. et Warren O. Theory of Literature, p. 71) . C'est le Rozviyany Morok !
Les genres littéraires dans lesquels le baroque s'est le plus pleinement manifesté sont associés aux noms de grands écrivains : en Italie - la poésie de T. Tasso et D. Marino, les contes de fées de D. Basile (« Pentameron ») ; en Espagne - les sonnets de Gongora, les tragédies de Calderon, les drames de Tirso de Molineux, les satires de Quevedo, un roman picaresque (M. Aleman "Guzman", L. Velez de Guevara "Le Démon boiteux"); en Angleterre - la poésie de John Donne, le drame de D. Webster ; en Allemagne - les tragédies d'A. Gryphius, les paroles de Fleming, le roman populaire de Grimmelshausen ; en France - l'œuvre d'Agrippa d'Aubigné, C. Sorel ; en Pologne - la poésie de V. Pototsky ; en Ukraine - les paroles et traités scientifiques des poètes-théologiens Ioannikiy Galatovsky, Anthony Radivilovsky, M. Sakovich, la dramaturgie de Théophane Propokovitch.
La base philosophique du courant « bizarre » est l’humanisme antique et le théologisme médiéval. La synthèse mythologie païenne et le symbolisme chrétien a permis de créer des chefs-d'œuvre artistiques en art et en littérature.
Poétique baroque. Utilisant le grotesque et la mythologie, enveloppant des événements irréels dans des rêves allégoriques, les écrivains incluent dans le système d'antithèses des phénomènes tels que l'ascétisme et l'hédonisme, la fantaisie abstraite et le concret réaliste, fait historique et le caractère déclaratif de son interprétation. Il est significatif que les dessins narratifs stylistiques impressionnent également par leurs techniques d'opposition. Simplicité vulgaire et complexité exquise, fluidité et présentation statique des événements, pittoresque et décoratif, ornementalisme et intégrité des peintures représentées, naturel et théâtralité coexistent ici. Les partisans du mouvement littéraire baroque surchargent volontairement le texte d'emblèmes, de figures comparatives raffinées et simples. Les auteurs ont accordé une grande attention au discours métaphorique, il était généralement construit selon les schémas de l'esprit baroque.
Dans les genres poétiques, les poètes utilisaient traditionnellement des formules toutes faites, qui étaient réinterprétées de manière polémique et créaient un espace de dialogue créatif. Les écrivains démontrent des connaissances encyclopédiques et utilisent du matériel extra-littéraire unique et exotique.
Dans l’art et la littérature baroques, les leitmotivs de la tristesse, du manque de foi et de la fragilité de la vie sont maîtrisés et les idées de malheur tragique sont cultivées. Les héros littéraires traversent un chemin de souffrance douloureuse, se retrouvent dans un monde fermé du terrible, de l'inévitable, du fragile. La topographie artistique est localisée par des châteaux, des tours et des rochers sombres.
Le mal sombre est maîtrisé par les genres suivants : tragédie de la peur, drame satirique, sonnets tristes et fatals. Le baroque ignore dans une certaine mesure la fiction (romans et récits) en raison du chronotope narratif épique, qui n'est pas en mesure de transmettre la dynamique des passions douloureuses qui ont frappé les héros littéraires.
CLASSICISME DE DIRECTION LITTÉRAIRE
Terme; le berceau du classicisme ; le rationalisme comme base philosophique de la direction ; théorie et poétique du classicisme : trois unités ; conflit entre devoir et sentiments
Le classicisme (du latin - exemplaire) en tant que mouvement littéraire est apparu en Italie au XVIe siècle. C’est à cette époque que renaît le théâtre antique, servant de contrepoids au drame médiéval « barbare ». Par conséquent, le classicisme a reçu son incarnation la plus complète, tout d'abord dans arts du théâtre. Imitant le drame antique, que l'on qualifiait à juste titre de classique, parfait, exemplaire, le classicisme utilise l'expérience des maîtres de scène antiques.
Cette tendance s'est manifestée universellement et de manière vivante au XVIIe siècle en France, où l'absolutisme a commencé à dominer, établissant un équilibre dans la société entre aristocrates et représentants de la classe moyenne. La montée du classicisme en France est associée à des prérequis socio-idéologiques. La direction littéraire devient le résultat des efforts de la politique étatique (royale). L'élite dirigeante a approuvé financièrement le travail des écrivains, des poètes, des dramaturges avec des prix compétitifs et des pensions à vie, les travailleurs culturels ont reçu des récompenses, des titres honorifiques et d'autres incitations.
La base du classicisme artistique est la philosophie du rationalisme de Descartes. Il a mis la raison au premier plan, grâce à quoi la vérité a été obtenue non pas par l'expérience, mais par des constructions spéculatives.
Le fondateur du classicisme esthétique français était Malherbe, qui prônait la pureté de la langue littéraire française sans la domination des provincialismes et des langues classiques « mortes ». La créativité artistique doit obéir à la volonté organisatrice unique de l'esprit, conduisant l'artiste à la clarté, à la précision, à la noble simplicité (R. Samarin). Le sonnet de Malherbe « Au cardinal Richelieu » est considéré comme programmatique à cet égard ; l'auteur développe un motif odique pour faire l'éloge du personnage principal. Les actions du cardinal sont exagérées, il est doté d'une « grande âme », le héros a accompli un « grand travail » et conduit avec confiance la France vers un avenir radieux, alors que la France elle-même est devenue sensiblement plus jeune au cours de cette période. Le roi, grâce à Richelieu, va conquérir le monde entier. Le sonnet contient l'idéologie du classicisme artistique.
Boileau est à juste titre appelé le théoricien du mouvement littéraire du classicisme. Dans son traité poétique « L’Art poétique » (1674), il établit les règles des genres littéraires et introduit la méthode philosophique de Descartes dans l’art. Boileau a soutenu que l’esprit crée une vision du monde belle, élevée et prometteuse. Par « raison », il entendait un attachement à l’esthétique antique qui s’était « perdue » au Moyen Âge. À mesure que « l’esprit » fonctionne, cet écart entre les cultures diminue. Dans le même temps, la rationalité devient la propriété non seulement de l'élite dirigeante, mais aussi des citoyens vivant entourés de bibliothèques, de théâtres, les établissements d'enseignement. Boileau a appelé les poètes à étudier et à glorifier la couche culturelle urbaine, la qualifiant de fierté de la nation.
Le concept de « trois unités » devient le summum des enseignements du classicisme. Les théoriciens de cette tendance croyaient que les artistes anciens créaient leurs chefs-d'œuvre selon des règles qu'ils connaissaient à l'avance : ils devaient être découverts, étudiés puis appliqués avec succès dans leur travail. Des expériences dans ce sens ont conduit les classiques à l'idée que la haute tragédie et la basse comédie reposent sur trois unités esthétiques : le temps, le lieu, l'action. La durée des événements du drame ne doit pas dépasser une journée (24 heures), il n'y a donc pas de longues excursions dans le passé ni de prévisions vers l'avenir. Le lieu où se déroulent les actions est localisé et statique : là où commencent les histoires dramatiques, elles s'arrêtent là ; les déplacements dans l'espace n'étaient pas autorisés ; les décorations imitant la couleur de l'espace n'ont pas changé. L'unité de l'action est liée au schéma événementiel émouvant du drame ; elle était subordonnée à une image, une histoire, un fait représentés. Les classiques n'autorisaient pas les branches d'intrigue dans les pièces de théâtre.
Les théoriciens classiques ont partagé genres littéraires en haut et en bas. Ils comprenaient parmi les premiers la tragédie, l’ode, l’épopée, le mythe et les genres de poésie spirituelle (religieuse). Les genres « élevés » développaient des thèmes d’importance nationale ou historique. Les genres « bas » - comédie, satire, fable, conte de fées, croquis de paysage - devraient maîtriser la vie privée, les préoccupations quotidiennes des « simples mortels » et des personnes appartenant aux couches moyennes de la société. On note l'attitude dédaigneuse des classiques envers des genres tels que le burlesque, le réalisme quotidien, les scènes de carnaval et les chansons. Tous étaient classés comme formes d’art légères et grossières. (Rappelez-vous que le réalisme socialiste a également interdit et persécuté des genres tels que le sonnet, le ghazal et la poésie spirituelle). L'esthétique rationaliste nie la fantaisie, à l'exception de mythologie ancienne, qui appartenait à la littérature « raisonnable » (sage). Les genres élevés se concentrent sur des sujets littéraires anciens, les genres moyens se concentrent sur les « nouveaux » - le roman, l'épopée - les formes lyriques, les genres bas - les fabliaux, les farces, les anecdotes. La haute esthétique n'accepte pas le principe subjectif des genres bas, qui supplante l'esthétique rationnelle.
Les classiques ont créé la doctrine des héros littéraires. Dans l’épopée et la tragédie, les porteurs du bien et du mal étaient des rois, des généraux et des personnages historiques ; les héros des comédies étaient des citadins, des commerçants, des avocats et des bourgeois ; acteurs la satire et la farce sont devenues populaires. Les personnalités des personnages étaient statiques : le héros idéal conserve sa position du début à la fin ; les représentants du principe obscur ne changent pas non plus et ne fixent pas leur destin négatif.
Le problème du conflit a été résolu sous l'aspect de la confrontation idéologique entre la raison et les sentiments, le choc des intérêts personnels et étatiques. Les désirs privés sont passés au second plan, la préférence a été donnée à la patrie et au dirigeant de l'État.
Les points de vue des classiques sur la catégorie de la beauté dans l'art. La source de la beauté, selon l’enseignement de Boileau, était et reste l’harmonie de l’Univers ; elle repose sur l’activité spirituelle. Ici se développe l'idée de « l'imitation de la nature », une sorte d'analogue à l'ancienne « mimesis », et seule la justice devrait dominer dans l'art et la société. Boileau affirmait : « Il n’y a rien de plus beau que la nature. »
Le classicisme en tant que mouvement littéraire a dominé en France au XVIIe siècle ; il a fait des apparitions sporadiques dans d'autres littératures au XVIIIe siècle.
LE SENTIMENTALISME COMME TENDANCE LITTÉRAIRE
Terme; enseignement philosophique de P. Gassendi, Berkeley, Huma ; culte des sentiments ; genres de littérature du sentimentalisme
Certains scientifiques attribuent le sentimentalisme (sentiment français) à un mouvement littéraire (KLE, M.L. Tronskaya), d'autres pensent à juste titre que, sur la base de caractéristiques esthétiques, ce phénomène a fonctionné comme un mouvement littéraire. La désignation terminologique a été consolidée par Laurence Stern, en la mettant dans le titre du roman « Voyage sentimental ». Et dans cette direction littéraire, la « vérité de la vie » est remplacée par la doctrine philosophique du sensationnalisme ; La chronique de l’existence du sentimentalisme dans l’art s’étend également sur près d’un siècle.
L'Angleterre est le berceau du sentimentalisme. Le sentimentalisme au XVIIIe siècle agissait comme une déclaration de valeurs personnelles et de l'importance des sentiments humains. L'idée de la primauté de l'humeur a ouvert la perspective d'un approfondissement de l'expression psychologique de soi et d'une nouvelle compréhension de la nature : le paysage s'est avéré être non seulement une forme d'admiration, mais aussi un objet d'empathie, qui a obligé les écrivains à écrire des mots chargés d’émotion qui ont radicalement changé le sens de la beauté, même au niveau lexical. Le sentimentalisme donne la préférence aux personnes dignes de confiance formes de genre(épistole, idylle, voyage, confession, poème, notes). Les écrivains sentimentalistes se sont basés sur la méthode créative de S. Richardson.
Le sentimentalisme anglais a utilisé la doctrine philosophique du sensationnalisme (latin - sentiment, sensation) de Berkeley et Hume, qui reconnaissait les sensations humaines comme point de départ. Il convient ici de mentionner le philosophe français du XVIIe siècle P. Gassendi, qui a étudié l'expérience sensorielle comme principale source de connaissance universelle. L’ouvrage « Code of Philosophy » déclare qu’il n’y a rien dans l’esprit « qui ne soit dans les sentiments ».
La première contribution au sentimentalisme littéraire a été apportée par poète anglais John Thomson, qui a introduit les rêves d'une idylle rurale dans l'intrigue de son poème didactique « Les Saisons » (1730). Des esquisses lyriques d'images subjectives de la nature sont données dans la poésie de E. Jung (« Pensées nocturnes »), T. Gray (« Élégie »), O. Goldsmith (« Village abandonné »). Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, les sentimentalistes anglais se tournent vers les genres en prose. Ce sont des romans créés par S. Richardson, L. Stern, T. Smollett. Les prosateurs utilisent les thèmes et les intrigues des légendes médiévales, qui ont contribué à la création du « roman gothique », dont le précurseur était Anne Radcliffe (1764 - 1823). La base éventuelle du nouveau genre était marquée par les meurtres, le « squelette dans le placard », les fantômes mystérieux, les loups-garous et les vampires. Les romans d'Anna Radcliffe «Les mystères d'Udolf» et «L'Italien» ont apporté une popularité particulière à Anna, dans laquelle un monde d'horreur et de mystère a été créé, où un héros-méchant agit avec une forte volonté et des passions indomptables.
L'existentialisme comme tendance littéraire
Terme; philosophie de la sirène Kierkegaard ; postulats de l'existentialisme artistique
Le terme « existentialisme » (du latin – existence) reflète le désir de comprendre la vie humaine telle qu'elle est donnée à la conscience.
Le système philosophique de cette direction a été formé au 19ème siècle et son créateur était la scientifique danoise Siren Kirkegaard (1813 - 1855). Cet enseignement était une sorte d'antithèse de la philosophie de l'idéal des choses. Pour S. Kierkegaard, les choses tournent au mal, elles torturent et imposent leur volonté à une personne. Les principales caractéristiques de l'existentialisme existaient même à l'époque de la conscience mythologique d'Homo sapiens. L'intérêt pour la philosophie de l'existence ne s'estompe pas, bien au contraire, il s'intensifie au XXIe siècle.
L'existentialisme en tant que mouvement littéraire trouve son origine au XXe siècle. Les écrivains français ont apporté une contribution significative à l'esthétique et à la philosophie de cet enseignement, parmi lesquels se distinguent J.-P. Sartre et A. Camus.
Brèves informations sur la vie et l'œuvre de Siren Kirkegaard. Il est né à Copenhague. Dans sa jeunesse, son père accusa le Tout-Puissant d'injustice, puis abandonna la rébellion romantique et devint un grand marchand et un citoyen obéissant à Dieu. Dans son enfance, Siren commence à s'engager dans l'introspection, sentant la division de son âme entre rébellion et soumission. Des parents stricts ont donné à leur fils une éducation religieuse. Il était considéré comme un enfant tardif : son père avait 56 ans et sa mère 44 ans. À l'âge de dix-sept ans, Siren entra à la faculté de théologie de l'Université de Copenhague et, en 1841, il prêcha son premier sermon dans l'église luthérienne. Les épisodes biographiques de Kierkegaard présentés ici feront par la suite l'objet d'une étude approfondie par de nombreux scientifiques. On croyait que la discorde mentale et autre sort philosophe sont associés à sa naissance tardive ; il était essentiellement le fils d’un vieil homme.
Point biographique suivant : Siren a vu la mort de ses frères et sœurs. Sur les sept enfants, seuls deux ont survécu. Il est significatif que dans les journaux du scientifique, qui comptent quatorze volumes, il n'y ait que des entrées sur le père, quant à la mère, il n'y a même pas de mention d'elle. Et cette circonstance mystérieuse est interprétée à sa manière par les historiens existentialistes. Ainsi, August Wetter dans son livre « La piété comme passion » explique le complexe d'attachement au père et d'indifférence à la mère par le fait qu'il y a eu une violation de la catégorie du bonheur biologique : le fils doit hériter du maternel, et la fille - les principes paternels. Et à titre d'exemple, les noms des «heureux» dans leurs œuvres de Goethe et Kant et des «malheureux» - Nietzsche, Schopenhauer sont donnés, parmi lesquels Kierkegaard est également inclus. Plus tard, ce schéma biographiste prendra sa place dans les enseignements de S. Freud, qui créera sa théorie des complexes d'Œdipe et d'Electre.
Les œuvres de S. Kirkegaard « Tout ou rien » (traduit par « Soit - Ou »), « Peur et tremblement », « Répétition », « Miettes philosophiques », « Le concept de peur », « Les étapes du chemin de vie » , "La vie" est devenue célèbre. et le pouvoir de l'amour", "La maladie et la mort".
Le système philosophique de S. Kierkegaard, maîtrisé avec succès par les écrivains occidentaux du XXe et du début du XXIe siècle, vise à comprendre l'homme, avec ses impulsions et ses structures comportementales, les sentiments de désespoir qui engloutissent souvent un mortel.
Décrivons les postulats déterminants de l’existentialisme.
I. Le monde est immuable, et l'homme en lui est une créature dénuée de sens, sur terre il est un étranger (A. Camus). L’espace n’a aucun but, et la douleur et la souffrance humaines ne signifient rien pour l’univers. Il y a eu une aliénation de l'homme par rapport à la nature : en fait, selon S. Kierkegaard, une telle proximité n'a jamais existé. Ce n’est pas une invention de philosophe. Tournons-nous vers Omar Khayyam : « Nous partirons sans laisser de trace, ni nom ni signe. Ce monde durera des milliers d'années. Nous n’étions pas là avant et nous ne le serons pas après. Il n’y a aucun mal ni avantage à en tirer.
II. La tragédie de la solitude humaine. La cause de la tragédie réside dans la conscience que l’homme est mortel, il comprend sa limite, sa finitude. La philosophie de la solitude et de l'existence tragique s'inscrit dans la sphère suivante : cercle - centre - périphérie. Dieu est placé dans le cercle ; c'est lui qui sépare l'individu (périphérie) de la société (centre). Sa formule de solitude (le livre « Soit - Ou ») repose sur l'antithèse : « Ici, je peux être, mais je ne veux pas ; Je veux être là, mais je ne peux pas ; ici et là, je suis malheureux. Du pain grillé presque géorgien.
III. L'homme et la peur. La catégorie de la peur a été cultivée depuis des temps immémoriaux par toutes les religions du monde, les institutions de pouvoir et la famille. Le philosophe danois a atteint un autre niveau d’interprétation de la peur et du tremblement. Dans son ouvrage « Maladie et mort », il écrit : « Il n'y a personne au monde qui ne tomberait pas dans le désespoir pour une raison quelconque, qui ne connaîtrait pas au moins un peu de désespoir, il n'y a personne au plus profond de qui il ne serait pas " Il y a une sorte d'anxiété qui se cache." , de l'anxiété, de la discorde, une sorte de peur de l'inconnu ou de quelque chose dont il ne veut même pas se rendre compte. La théorie de la peur peut être énoncée sous une forme condensée. La peur et l'appréhension concernent la matière créatrice. Même si l'enfant ne connaît pas la peur, il perçoit le monde localement : la chambre, les jouets, les parents. Tout cela n'est qu'un aveuglement, un voile, puisque l'enfant durant cette période n'a pas encore développé sa personnalité. Dès que l'âme a laissé entrer la peur en elle et que chaque personne se souvient de ce moment et de cet événement, elle l'accompagnera jusqu'à sa mort. Et maintenant, les frontières de son monde s’étendent jusqu’à atteindre des proportions cosmiques. La peur devient l’impulsion la plus importante de la créativité.
IV. Conscience individuelle. Une personne, selon les enseignements de l'existentialisme, ne prend pas en compte les désirs, la moralité et le bonheur des autres. Le développement inévitable et spontané d'une idée ne dépend pas de l'activité ou de la société ; l'esprit universel se manifeste spontanément chez les hommes. Leurs actions, pensées, destins sont incontrôlables, bien qu'ils se perçoivent comme les créateurs de leur propre bonheur. Le peuple et l’individu ne créent pas l’histoire ; c’est « l’histoire de l’idée » qui s’organise, subordonnant génération après génération à sa volonté inévitable. Une seule vie devient une aventure pour chaque individu dans l'océan de la vie.
VI. La théorie de la rébellion. S. Kierkegaard rejette les préalables historiques, sociaux et religieux à toute protestation collective. Il n’y a pas ici de positions sur « inférieur » et « supérieur ». Le scientifique a paradoxalement orienté le problème vers le biologisme. Les soulèvements, les actions militaires, les cataclysmes sociaux et nationaux sont l'essence des besoins physiologiques naturels de la nature humaine. L'activation des événements ressemble à ceci : la personne la plus timide, la plus faible et la plus opprimée doit se rebeller une fois dans sa vie. C'est un axiome. Et une année, un mois, un jour, une heure viennent où le désir de protester embrasse beaucoup et alors le chaos et les émeutes commencent. À cet égard, aucune idée, même la meilleure, ne sera sûre tant qu’il y aura une personne qui osera déclarer ouvertement son « non ». C’est pourquoi les nouveaux enseignements et idées philosophiques doivent être traités avec une extrême prudence.
VII. L'influence démoniaque d'une personne sur une autre. Cette thèse n'a pas perdu de son importance dans la philosophie et la littérature du XXIe siècle. Il est difficile d’expliquer l’attachement des gens, quelle force secrète les attire ou les repousse, toujours sur le plan psychologique. S. Kirkegaard s'est concentré sur deux points de cette problème mondial. Le premier point est « La musique comme moyen de sensibilité démoniaque ». Cette idée est illustrée à partir du matériau du Don Juan littéraire. Dans le livre « Le concept de peur », S. Kierkegaard arrive à la conclusion que le thème de Don Juan est né d'une vision chrétienne du monde et qu'il est impensable dans les cultures païennes ou orientales. Le scientifique a écrit : « On ne sait pas exactement quand est née l’idée de Don Juan : la seule certitude est qu’elle appartient au christianisme et, à travers le christianisme, au Moyen Âge. » Le christianisme, contrairement au paganisme antique, a introduit dans le monde une sensibilité et une anxiété érotiques. En le niant et en l’interdisant, les théologiens ont créé pour la première fois un précédent inconnu du paganisme. L’interdiction de la sensualité suscite un intérêt mondial à son égard. Et Don Juan affirme cette idée, qui trouve probablement son origine dans l'Ève biblique. Cela conduit à l’idée du démoniaque : j’interdis, donc je permets. Le monde antique ne connaissait pas la sensualité exacerbée car elle n’était pas interdite par le polythéisme. Par conséquent, le païen ne connaît pas les relations tendues entre amants : pour lui, c'est un début naturel et naturel. Entré en conflit avec le monde spirituel, l’amour au Moyen Âge prend forme sous une image démoniaque et agit comme une tentation. S. Kirkegaard estime que Don Juan est un séducteur par nature. Son amour n’est pas spirituel, mais sensuel et donc faux. La passion de Don Juan ne s'adresse pas à une seule personne, mais à tout le monde, c'est-à-dire qu'une personne séduit tout le monde. Et bien que héros grecs et les dieux dans leurs aventures amoureuses ressemblent aux actes de Don Juan, mais l'idée même de tentations amoureuses est complètement étrangère à la littérature classique, puisque le principe érotique est dépourvu du principe démoniaque. Dans les temps anciens, le corps humain n’était pas un objet pécheur, c’était un livre secret et il servait de sujet de « lecture » et de recherche. Dans l'essai « Silhouettes », S. Kierkegaard complète l'image de Don Juan, montrant le pouvoir destructeur de son génie érotique (l'Orient, notons-le au passage, a freiné son Don Juan avec l'institution du harem). La forme d'expression la plus acceptable de l'idée de Don Juan est la musique. L'opéra « Don Juan » de Mozart (l'œuvre « Musical - Érotique » de S. Kierkegaard) nous a permis de conclure : « La musique est une manifestation démoniaque de la volupté (voir aussi : Malis Y.G. La Légende de Don Juan d'un point de vue biologique. - Saint-Pétersbourg, 1908).
Le deuxième point expliquant la nature de l’attraction démoniaque est souligné plus spécifiquement par S. Kierkegaard : « La culpabilité tragique comme source d’esthétisme démoniaque ». La catégorie de « culpabilité tragique » a été développée dans l’esthétique d’Aristote. S. Kierkegaard aborde le problème en se tournant vers figure historique Néron.
Au XXe siècle, les écrivains français ont élargi le concept de l'influence démoniaque d'une personne sur une autre. Ce problème occupe une place de choix dans les travaux de J.-P. Sartre, A. Camus, O.G. Marcel, M. Proust. Ainsi, J.-P. Sartre établit les lois de l'attraction et de la répulsion, nées au niveau du bourreau biologique et de sa victime : là où apparaissent deux personnes, les relations entre le leader et le suiveur, le vampire et le donateur, le bourreau et commence la victime. Dans ce cas, le côté provocateur, et c'est le paradoxe de l'existentialisme, est la victime : le bourreau devient la victime de sa victime.
Dans le traité « Être et non-être » J.-P. Sartre a esquissé un autre type de démoniaque. Il croit qu'il y a un certain appel, un rapprochement mystérieux entre l'assassin et la femme déchue, la prostituée. Chacun des porteurs de leur culpabilité, aussi éloignés soient-ils, se retrouveront et leurs chemins se croiseront. C'est ainsi que la magie démoniaque inconnaissable s'est décrétée, par exemple, dans le destin de Raskolnikov et Sonya Marmeladova. Ces intrigues sont exploitées avec succès par le cinéma français et américain. Les héros de Shakespeare, soumis à la tragédie de l'inceste, tombèrent dans la zone démoniaque.
Jean-Paul Sartre a mis en avant l'une des catégories les plus mystérieuses de l'existentialisme : « Une personne regrettera d'être née. Et la personne regrettera de ne pas être née. Cependant, cette absurdité philosophique de l’existence était connue de la littérature ancienne et médiévale. Ainsi, dans les 242 rubai d'Omar Khayyam, le motif du bonheur de la non-naissance sonnait :
Dans ce monastère qui a deux portes,
Depuis des temps immémoriaux, nous avons reçu du désir et de la perte,
C'est donc bien pour ceux qui ne sont pas nés du tout,
Il n'a pas mesuré notre tristesse avec son âme.
Dans ce rubai est créée une réalité démoniaque, que les existentialistes désignent comme « sortie du temps », « sortie de l’espace » et « non-entrée dans l’espace-temps humain ». L'opportunité se présente de sortir d'un moment historique donné ou de se retrouver dans un autre espace avec ses labyrinthes inconnus. Les héros de A. Platonov (les histoires « Dzhan » et « Taksir ») s'inscrivent également dans les traditions de l'existentialisme. Voici un exemple de dialogue existentiel :
- "C'est bon pour ceux qui sont morts dans leur mère", a déclaré Gulchatay.
- - Dans ton ventre ? - a demandé Nazar. - Pourquoi tu ne m'as pas laissé là ? Je serais mort et je n’existerais plus maintenant, et tu mangeais, buvais et pensais à moi comme si j’étais vivant.
Esquissons brièvement les concepts d'existentialisme de J.-P. Sartre et A. Camus. Dans le traité scientifique « Être et non-être » (1943), l'auteur du roman « Nausée » considère les catégories suivantes : le caractère aléatoire et l'absurdité de l'existence ; impuissance de l'esprit (cependant, cette pensée a été exprimée par l'Ecclésiaste - « Car dans beaucoup de sagesse il y a beaucoup de tristesse ; et celui qui augmente la connaissance augmente la tristesse ») ; la fragilité de l'existence et l'inévitabilité de la mort font naître l'idée de l'absurde (il est absurde que nous soyons nés, il est absurde que nous mourrions) ; anxiété constante face à « l’ombre de la mort ». D’où « mélancolie », « vertiges », « nausées ». L'homme dans monde absurde se retrouve abandonné, faible et solitaire (« Une créature fragile, perdue dans l'océan douloureux du fini, solitaire et faible, sur laquelle le néant tombe à chaque instant ») ; le hasard et l'absurdité de l'existence (« L'homme n'a pas été interrogé à ce sujet. On dirait qu'il a été jeté ici. Qui ? - Personne. Pour quoi ? Si simple, pour rien »); confusion de l'esprit, il est incapable de comprendre ce qui est bien et ce qui ne va pas (« Il n'y a pas de vérité parmi nous... La dualité et l'incohérence nous entourent et nous nous cachons de nous-mêmes »), la seule vérité est « mon existence personnelle » ; l'être est aussi hostile à l'homme (« L'être est un désordre visqueux, épais, en fermentation » ; « L'être en soi est excessif, aveuglant, visqueux ; il menace toujours de piéger »). J. - P. Sartre fait référence à la parole de Zarathoustra selon laquelle « ce n’est que dans le désert que l’ermite trouve la révélation ». Le principal signe d'existence pour l'auteur du livre « Être et non-existence » est l'anxiété constante, générée par « l'ombre de la mort ».
Un autre lauréat français prix Nobel Albert Camus dans le traité philosophique « Le mythe de Sisyphe » prouve l'idée de l'absurdité de l'existence. Sisyphe A. Camus diffère du mythique en ce que lui, condamné à un travail éternel et dénué de sens (ne voit pas les résultats de son travail), trouve une consolation dans sa propre inflexibilité et au mépris des circonstances, il ne se rebelle pas, la prochaine ascension vers le sommet est perçu comme la conquête de plusieurs hauteurs, qui « peuvent remplir le cœur d’une personne » et donc « il faut imaginer Sisyphe heureux ».
De nombreux ouvrages ont été écrits sur la philosophie de l'existentialisme, parmi lesquels les livres suivants se distinguent sans aucun doute par leur signification profonde : Gaidenko P.P. La tragédie de l'esthétisme (M. : Art, 1970), Kossak Jerzy. L'existentialisme en philosophie et en littérature (M. : Politizdat, 1980), Evnina E.M. Roman français moderne (Moscou : Académie des sciences de l'URSS, 1962).
La philosophie de l'existence, établie et découverte par Siren Kierkegaard, a assuré au mouvement littéraire une stabilité dans le processus artistique. Beaucoup de ses représentants ont reçu le prix Nobel. Et pourtant, l'existentialisme ne pourra pas se développer en méthode artistique et se doter de vie éternelle en art, bien que la littérature et la culture occidentales utilisent avec succès et de manière productive les découvertes philosophiques de S. Kierkegaard.
AUTRES DIRECTIONS LITTÉRAIRES
Naturalisme; symbolisme; le réalisme socialiste ; modernisme
Le naturalisme (latin - nature) en tant que mouvement littéraire s'est formé en France dans la seconde moitié du XIXe siècle et s'est répandu dans les pays européens et aux États-Unis. La méthodologie du naturalisme se distingue par la plus grande fiabilité de la représentation des événements, des personnages et des destins des héros. Et tout cela passe par la physiologie et l’environnement socio-matériel.
Le créateur du naturalisme artistique était Emile Zola, cependant, ses professeurs - les frères Jules et Edmond Goncourt - remettaient constamment en question la priorité de l'auteur du « Ventre de Paris ». E. Zola a exposé les principes théoriques de ce mouvement littéraire dans son ouvrage « Le roman expérimental » (1880) et dans plusieurs ouvrages critiques. Il s’oppose à la fiction artistique et affirme avec constance le droit de l’écrivain à dépeindre tous les aspects physiologiques et sociaux. activité humaine. E. Zola a recommandé de remplacer la fiction artistique par l'authenticité protocolaire, de travailler sous la dictée de la vie, de ne pas inventer d'histoires, mais de les sortir de la rue, des marchés et des problèmes familiaux.
Les représentants du naturalisme ont supprimé l'auréole attrayante de l'idéal et ont nié la fonction éducative de la littérature. Parfois, le naturalisme était appelé « réalisme scientifique » (les frères Goncourt), reprenant dans ce concept les mots de G. Flaubert : « Je crois que le grand art doit être scientifique et impersonnel » et le regard de l'écrivain doit être tourné vers la réalité brute, qui serait jeter le voile du faux du pathos poétique. Cette approche des tâches de la littérature a permis d'évaluer objectivement la dignité humaine. Les événements représentés doivent obéir au scénario du « flux de la vie ».
Les partisans du naturalisme pensaient que la société devait être étudiée de la même manière qu'un naturaliste étudie les lois de la nature. Quant à la doctrine de la « théorie de l’environnement », ici nous parlons de sur l'environnement quotidien (bytovisme).
La base philosophique du naturalisme était l'enseignement du scientifique français Auguste Comte (1798 - 1857) sur le positivisme ; il a créé la théorie des trois étapes de l'évolution intellectuelle de l'humanité : a) théologique ; b) métaphysique ; c) scientifique. O. Comte estime que l'artiste doit explorer « l'homme moyen », un représentant des masses noires ; il s'oppose également à la fiction et représente le typique comme quelque chose entre la statistique et la photographie. Les raisons de l'ascension et de la chute d'un héros littéraire doivent être recherchées et étudiées dans son hérédité.
Le symbolisme (français, du grec - signe, symbole) fait référence à la « littérature européenne - direction artistique..." (KLE, vol. 6, colonne 831). Le terme « symbolisme » a été largement utilisé par J. Mores, qui a étayé sa signification esthétique dans le « Manifeste du symbolisme » (1886). Il a formulé les buts et objectifs de cette direction : « La poésie du symbolisme s'efforce d'incarner l'Idée sous une forme tangible, qui, cependant, n'est pas une fin en soi, mais, servant l'expression de l'Idée, conserve une position subordonnée. » En France, sont publiés les magazines programmes « Symbolisme », « Pages sur l'Art », « Journal Blanc ». Le symbolisme français trouve ses racines dans la poésie de Charles Baudelaire.
La base philosophique du symbolisme est l'enseignement de A. Schopenhauer (1788 - 1860) (« Le monde comme volonté et idée ») et d'E. Hartmann (1842 - 1906) (« Philosophie du subconscient »). L'enseignement du symbolisme se résumait à la recherche d'un sens profond dans les choses ordinaires et quotidiennes, dans lesquelles le secret de l'Idée est caché et ne peut être connu qu'à travers l'art, la musique et la poésie. Le sens du mystère de l’auteur (article « Mystère en poésie » de Stéphane Mallarmé, 1896) devient la muse du processus créatif.
Les symbolistes ont établi leur lien avec la religion du Moyen Âge ; ils ont vu dans l'art antique une méthodologie similaire dans la manière de transmettre l'abstrait à travers le concret (le symbole du pouvoir est Zeus, le signe de la force est Hercule).
Le sujet de l'idéalisation chez les symbolistes était la « non-existence », le « néant », la suggestion verbale et musicale (S. Mallarmé). Les symbolistes créés nouvel uniforme le vers, appelé « vers libre » ; découvre « l'alchimie des voyelles » (le sonnet « Les voyelles » d'A. Rimbaud), perfectionne les traditions de Charles Baudelaire dans le domaine de l'odorisme et du synesthésisme : la poétique de l'arôme, des couleurs, des sons, des goûts. Le mouvement littéraire symbolique s'est clairement déclaré à nouveau dans les années 20 du 20e siècle.
Le réalisme socialiste comme mouvement littéraire. Dans l’ex-Union soviétique, le réalisme socialiste était cultivé comme « l’étape la plus élevée et qualitativement nouvelle de l’histoire de l’art mondial » (N.A. Gulyaev). La critique littéraire dogmatique a élevé cette tendance au rang de méthode artistique, lui prédisant l'immortalité. « Littérature du réalisme socialiste » G.N. Pospelov l'a également perçu comme une étape dans le développement de la littérature mondiale ; L.I. Timofeev a théoriquement étayé l'idée selon laquelle le « réalisme socialiste » représente sans aucun doute une « méthode artistique » ; enfin, « le rôle dirigeant du parti dans le développement de la littérature du réalisme socialiste » est affirmé (P.K. Volynsky). Pendant soixante-dix ans de développement théorique, le réalisme socialiste a été propagé et présenté comme la méthode artistique suprême. Une puissante machine idéologique totalitaire a œuvré pour confirmer cette idée : d'une part, un système d'incitations dans le domaine de la théorie et pensée artistique(commandes, récompenses, voyages à l'étranger, conditions familiales et de vie préférentielles) ; de l'autre, l'appareil coercitif le plus sévère et même l'élimination physique des dissidents qui s'écartaient des lignes directrices d'une image « véridique » et historiquement spécifique de la réalité dans son développement révolutionnaire obligatoire. Cependant, cela n’a pas fonctionné. Le temps a confirmé que la fausse méthode artistique (autoproclamée) ignore la « vérité de la vie », puisqu’elle représente une réalité cérémoniale (« Marchez, Russie ! », « Danse, Russie ! »), qu’elle pourrait en fait ne pas être; impose la philosophie des dirigeants sages. Selon tous les indicateurs esthétiques et idéologiques, cette « roue sanglante » représente un mouvement littéraire. Dans l’histoire de l’introduction forcée du réalisme socialiste, il y a des échos avec classicisme XVII Cependant, au siècle dernier, les rois ne se sont pas permis de détruire autant de figures littéraires et artistiques. Objectivement, le réalisme socialiste s’était déjà épuisé dans les années 80 du XXe siècle, indépendamment de l’idéologie de la « perestroïka ». Ce pari était une violation de la vérité de la vie et de la vérité artistique.
Le modernisme comme mouvement littéraire. Le terme « modernisme » (français – moderne, nouveau) a commencé à être introduit dans l’art et la littérature au XXe siècle. Au début, cette direction a suscité une forte opposition dans presque tous les pays. Il est donc difficile de parler d'une approche sérieuse de l'étude du modernisme. Puis les passions critiques ont commencé à s’apaiser progressivement et à la fin du XXe siècle, la science littéraire a commencé à être tolérante à l’égard du modernisme et du postmodernisme. Il s'agit d'un phénomène complexe, de grande ampleur dans le sens où il inclut à la fois des mouvements littéraires (naturalisme, symbolisme, réalisme socialiste) et des mouvements littéraires (tachisme, dadaïsme, art abstrait, imagisme, futurisme...). Comme matériel pédagogique sur ce problème, nous pouvons recommander le livre en deux volumes de S.E. Mozhnyagun « Sur le modernisme », qui apporte des réponses à la question : « Qu'est-ce que le modernisme ? » dans les chapitres suivants : « Le modernisme comme méthode créative », « Le modernisme comme vision du monde », « Théorie de l'empathie », « Courant de conscience », « Mots et choses », « Vérités éternelles de l'idéalisme... ».
TENDANCES LITTÉRAIRES
Futurisme, imagisme, tachisme, dadaïsme, surréalisme, acméisme...
Les mouvements littéraires ne se développent que sur une base esthétique, excluant de leur programme la « vérité de la vie » et la plate-forme philosophique, ils restent donc de courte durée dans le système du processus artistique, et il ne faut pas mener une « lutte décisive » avec eux ; ils fonctionnent et sortent du processus littéraire selon la loi de l'art. Les mouvements littéraires forment de petits groupes actifs d'écrivains, liés par leur type de créativité, qui adhèrent à leurs propres concepts esthétiques et promeuvent leurs programmes dans des articles, des manifestes et des chartes. Cependant, cette énergie des individus ne résiste pas à l’épreuve du temps.
Des mouvements littéraires émergent et prennent forme au XXe siècle. Une condition préalable à l’émergence de certains mouvements est le rejet des consignes idéologiques et philosophiques. Lorsqu’on étudie la polyphonie des courants, il faut tenir compte du fait que la nature intellectuelle se développe de manière dynamique et se manifeste sous diverses formes selon les époques. Les théoriciens de la littérature devraient abandonner leur attitude agressive et extrêmement négative envers les tendances et les tendances. Les convictions réduisent la valeur du processus artistique global. Un critique littéraire est obligé d'enquêter, de comprendre et d'expliquer pourquoi les « mauvais » mouvements littéraires apparaissent à côté du « bon » réalisme, et pour quelle raison dans un lieu étranger au réalisme. environnement créatif il y a tellement d’artistes brillants et talentueux.
Les mouvements et tendances littéraires reproduisent également la réalité, mais leur vision de la « vérité de la vie » est réfractée à travers le prisme des similitudes et des différences observées dans la technique d'écriture elle-même, dans les types expérimentaux de généralisation, de style et d'expérimentation de genre.
L'imagisme (anglais Imajo - image) en tant que mouvement est apparu au début du XXe siècle. Ses théoriciens étaient le critique anglais T. E. Hume, qui créa le club « School of Imagism » en 1909, ainsi que d'éminents écrivains - R. Aldington, T. S. Eliot, D. G. Lawrence, J. Joyce. La méthode Imagiste se distinguait par sa technique de combinaison de métaphores et d'images. Après avoir créé un « catalogue d'images », les imagistes ont ouvert la liberté du vers comme une synthèse de rythmes et de couleurs, à l'aide de laquelle le mystère du « monde chaotique » peut s'exprimer (KLE, vol. 3, colonne 107) .
Le surréalisme (français - superréalisme) appartient au mouvement d'avant-garde né en France dans les années 10 du XXe siècle. Le terme « surréalisme » a été créé par le poète G. Apollinaire dans la pièce « Les Larmes de Tirésias » (1918). Il croyait que le premier surréaliste était celui qui avait inventé la roue. « En s'étendant du marquis de Sade, J. Nerval et plus loin en passant par A. Rimbaud... jusqu'à P. Reverdy, le surréalisme s'appuie sur la tradition de la rébellion romantique-anarchique dans la pensée artistique... » En 1924, l'écrivain A. Breton a publié le « Manifeste du surréalisme », qui soutient que la créativité artistique est liée à une « révélation mourante », une « prophétie tragique » et à la solitude totale de l'homme. Le surréalisme fournit des recommandations sur la manière dont une « personne ordinaire » peut « se transformer en clairvoyant, ainsi qu’un certain nombre de techniques d’écriture permettant d’enregistrer des points du subconscient ». Pour les surréalistes, la catégorie de la beauté consiste en une combinaison de combinaisons « étonnantes » de choses et de concepts incompatibles (mais tout à fait concrets) » dans la nature morte suivante : « Beau, comme une rencontre fortuite sur la table d'autopsie d'un parapluie et d'un machine à coudre." Ce genre d’amalgame « crée une atmosphère d’arbitraire magique ». A noter que des techniques similaires ont déjà été découvertes par des poètes orientaux dans le genre ghazal (« des rivières sanglantes de larmes » coulent des yeux d'un amant. Voir : Mikhailichenko B.S. Techniques de l'abstractionnisme et du surréalisme dans le portrait ghazal-sonnet / Philologie Masulakhoi. - Samarkand : SamSU, 2003. - pp. 134-139). Les surréalistes utilisent « l’écriture automatique », un enregistrement rapide des premiers mots, impressions et fragments de discours qui leur viennent à l’esprit. Des « textes automatiques » sont apparus dans la nouvelle poésie (KLE, vol. 7. - Chronique. 313-317). Salvador Dali a acquis une renommée mondiale en peinture.
Dadaïsme (français - "cheval", en langage des enfants« cheval », plus précisément, babillage incohérent de bébé) est considéré comme un mouvement littéraire moderniste. Il est né en Suisse en 1916. Son créateur est considéré comme le poète français, roumain de naissance, T. Tzara. Les dadaïstes se sont réunis dans l'un des cabarets de Zurich et ont taquiné le public avec leurs performances scandaleuses. Ils croyaient que « l’art est mort » parce que l’homme a un instinct non pas de créateur, mais de destructeur. La faute en revient à la civilisation qui, avec son régime alimentaire, a créé des conditions tragiques. Les dadaïstes appelaient donc à un retour à la société primitive, ce qui correspondait à la philosophie de « l’éternel retour ». Les dadaïstes tuaient le « bon goût » avec des sonnets vulgaires et des poèmes onomatopées (« Gadyi beri bimba... »). Il s'agit d'une sorte de rébellion contre la littérature classique monumentale, où toutes les places sont déjà prises, et avec leur modèle inaccessible, elles entravent l'énergie créatrice des jeunes artistes. Peut-être que cette circonstance explique le déni par L. Tolstoï des génies de l'art et de la littérature (voir : KLE, vol. 2, colonne 498 ; Mozhnyagun S. « Sur le modernisme. » - M. : Art, 1974. - P. 51- 53).
Le futurisme (du latin futur) est né en Italie en 1909. Son leader reconnu est F. Marinetti, à qui on reproche sa collaboration avec l'élite dirigeante. Dans leur manifeste, les futuristes proclament la naissance d’un nouvel art, en phase avec la culture « gratte-ciel-industriel-automobile ». Les artistes du mot idéalisent la technologie hautement développée, l’industrie et l’image de « l’homme mécanique ». L’objet de l’art pour les futuristes étaient les guerres mondiales et locales ; elles étaient interprétées à la lumière de la « seule hygiène du monde ». Les futuristes ont rejeté les normes linguistiques et ont créé leur propre discours poétique « abstrus ».
Nous proposons un diagramme qui illustre des images de la méthode artistique, des tendances et des tendances littéraires
Le processus littéraire (lat. processus - mouvement vers l'avant) signifie transition créativité artistique d'un état qualitatif passé à un nouvel état qualitatif dans un domaine spécifique époque historique. Le processus littéraire comprend presque toutes les catégories esthétiques étudiées par la science littéraire : genres, méthodes, orientations, tendances, genres, systèmes de versification, styles,... questions contradictoires et logiques posées par la réalité. Cela prend en compte les traditions littéraires nationales, les caractéristiques sociales, culturelles et historiques du patrimoine spirituel mondial, le degré de conscience, l'éducation et la culture. Voir : théories de I. Taine et F. Brunetier.
Le mouvement en avant se produit sur la base de la réalisation et de l'approfondissement du travail des prédécesseurs, du développement évolutif et « accéléré » de l'art verbal.
La méthode créative correspond à l'activité cognitive-évaluative (le côté de l'art).
Méthode créative– il s’agit d’un système de principes de base de connaissance/maîtrise/évaluation artistique de la réalité. Les principes sont développés sous l’influence de la conception du monde et de l’homme de l’auteur, qui, à son tour, se développe sous l’influence d’une époque particulière.
Les méthodes peuvent être productives (formant un système artistique), par exemple le romantisme, et improductives (formant un seul mouvement littéraire), par exemple le sentimentalisme..
La catégorie de méthode créative est associée à la notion de mise en scène. La méthode se développe précisément dans le cadre de la mise en scène. Direction– c'est un phénomène historique et littéraire, il est local (il y a certains délais, étapes de développement (apparition, épanouissement, extinction)). Et la méthode peut se développer et continuer à exister même après un déclin de direction : elle est universelle. Par exemple : la méthode romantique est caractéristique de la première période de créativité de nombreux écrivains (des éléments et principes distincts de la méthode peuvent être utilisés).
Trois méthodes créatives de base-classique, romantique et réaliste.
Principes généraux:
1) P. mise en œuvre créative. La relation entre la réalité esthétiquement assimilée et la manière dont elle est recréée dans une œuvre d'art (c'est-à-dire entre la réalité primaire et secondaire) est caractérisée. Manifestations : degré de plausibilité et de fantaisie. ( méthode réaliste: plausibilité maximum, classiciste méthode: degré maximum de conventionnalité (noms de famille parlants, trait de caractère dominant)) ; degré de « développement personnel » mince. la réalité, le diktat de l'auteur sur elle ( réel. méthode: degré élevé de développement personnel, la réalité peut échapper au contrôle de l'auteur ; ROM.: diktat complet et libre arbitre de l'auteur, haut degré d'expression de soi ; classique: la dictature de l'auteur, mais pas la subjectivité, pas sa propre pensée, mais plutôt l'idéologie, la position civique qu'exprime l'auteur).
2) P. évaluation esthétique.La relation entre l'idéal esthétique et la réalité est caractérisée. Elle se manifeste dans la gravitation de l’idéal esthétique vers l’un des pôles (vers la normativité spéculative ou la causalité socio-historique). Classique: la normativité mène ; réel.: causalité socio-historique dominante, l'idéal naît de la vie elle-même et ne peut s'exprimer en un seul personnage ; généralement incarné dans 2 images presque opposées ; ROM.: l'idéal de l'auteur est l'image du personnage principal.
3) P. généralisation artistique. La relation entre l'image et l'essence qui y est incarnée est caractérisée. Elle se manifeste par la typification (l'incarnation de traits caractéristiques de la réalité) ou la généralisation (l'incarnation de l'idée de l'auteur). L'image d'un héros de son temps - typification , rhum. héros– généralisation.
Méthode artistique (créative) est une collection des plus principes généraux assimilation esthétique de la réalité, qui se répète constamment dans le travail de l'un ou l'autre groupe d'écrivains formant une direction, une tendance ou une école.
O.I. Fedotov note que « le concept de « méthode créative » diffère peu du concept de « méthode artistique » qui lui a donné naissance, bien qu'ils aient essayé de l'adapter pour exprimer un sens plus large - comme moyen d'étudier la vie sociale ou comme base principes (styles) de mouvements entiers.
Le concept de méthode artistique est apparu dans les années 1920, lorsque les critiques de l'Association russe des écrivains prolétariens (RAPP) ont emprunté cette catégorie à la philosophie, cherchant ainsi à justifier théoriquement le développement de leur mouvement et de leur profondeur littéraire. la pensée créativeécrivains « prolétariens ».
La méthode artistique a un caractère esthétique, elle représente des formes générales historiquement déterminées de pensée figurative chargée d'émotion.
Les objets d'art sont les qualités esthétiques de la réalité, c'est-à-dire « la large signification sociale des phénomènes de la réalité, entraînés dans la pratique sociale et portant l'empreinte des forces essentielles » (Yu. Borev). Le sujet de l’art est compris comme un phénomène historiquement changeant, et les changements dépendront de la nature de la pratique sociale et de l’évolution de la réalité elle-même. La méthode artistique est analogue à l'objet d'art. Ainsi, les changements historiques dans la méthode artistique, ainsi que l'émergence d'une nouvelle méthode artistique, peuvent s'expliquer non seulement par des changements historiques dans le sujet de l'art, mais aussi par des changements historiques dans les qualités esthétiques de la réalité. L'objet d'art contient la base vitale de la méthode artistique. La méthode artistique est le résultat d'une réflexion créative sur un objet d'art, qui est perçu à travers le prisme de la vision philosophique et politique générale de l'artiste. « La méthode ne nous apparaît toujours que dans son incarnation artistique spécifique - dans la matière vivante de l'image. Cette question de l’image naît de l’interaction personnelle et intime de l’artiste avec le monde concret qui l’entoure, qui détermine tout le processus artistique et mental nécessaire à la création d’une œuvre d’art » (L.I. Timofeev)
La méthode créative n’est rien d’autre qu’une projection d’images dans un cadre historique spécifique. Ce n'est qu'en lui que la perception figurative de la vie reçoit sa mise en œuvre concrète, c'est-à-dire se transforme en un système spécifique et organiquement émergé de personnages, de conflits et de scénarios.
La méthode artistique n'est pas un principe abstrait de sélection et de généralisation des phénomènes de la réalité, mais une compréhension historiquement déterminée de celle-ci à la lumière des questions fondamentales que la vie pose à l'art à chaque nouvelle étape de son développement.
La diversité des méthodes artistiques à une même époque s'explique par le rôle de la vision du monde, qui agit comme un facteur essentiel dans la formation d'une méthode artistique. A chaque période du développement de l'art, on assiste à l'émergence simultanée de diverses méthodes artistiques selon la situation sociale, puisque l'époque sera considérée et perçue par les artistes de différentes manières. La similitude des positions esthétiques détermine l'unité de la méthode d'un certain nombre d'écrivains, qui est associée à la communauté des idéaux esthétiques, à la similitude des personnages, à l'homogénéité des conflits et des intrigues et à la manière d'écrire. Par exemple, K. Balmont, V. Bryusov, A. Blok sont associés au symbolisme.
La méthode de l'artiste se ressent à travers style ses œuvres, c'est-à-dire par la manifestation individuelle de la méthode. Puisque la méthode est une manière de penser artistique, la méthode représente le côté subjectif du style, car Cette méthode de pensée figurative donne lieu à certaines idées idéologiques - caractéristiques artistiques art. Le concept de méthode et le style individuel de l'écrivain sont liés l'un à l'autre comme le concept de genre et d'espèce.
Interaction méthode et style :
variété de styles au sein d’une même méthode créative. Ceci est confirmé par le fait que les représentants de l'une ou l'autre méthode n'adhèrent à aucun style ;
l'unité stylistique n'est possible que dans le cadre d'une seule méthode, puisque même la similitude extérieure des œuvres d'auteurs voisins d'une même méthode ne permet pas de les classer dans un style unique ;
influence inverse du style sur la méthode.
La pleine utilisation des techniques stylistiques des artistes qui adhèrent à une méthode est incompatible avec l'adhésion cohérente aux principes de la nouvelle méthode.
Parallèlement au concept de méthode créative, le concept apparaît également direction ou type de créativité, qui, sous une grande variété de formes et de relations, se manifesteront dans n'importe quelle méthode qui se présentera au cours du processus de développement de l'histoire de la littérature, car ils expriment les propriétés générales du reflet figuratif de la vie. Dans leur ensemble, les méthodes forment des mouvements littéraires (ou orientations : romantisme, réalisme, symbolisme, etc.).
La méthode détermine uniquement la direction travail créatif l'artiste, et non ses propriétés individuelles. La méthode artistique interagit avec la personnalité créatrice de l'écrivain
La notion de « style » n'est pas identique à la notion "l'individualité créatrice de l'écrivain". Le concept d'« individualité créatrice » est plus large que ce qu'exprime le concept étroit de « style ». Un certain nombre de propriétés se manifestent dans le style des écrivains, qui dans leur ensemble caractérisent l'individualité créatrice des écrivains. Le résultat concret et réel de ces propriétés en littérature est le style. Un écrivain développe son propre style individuel basé sur l'une ou l'autre méthode artistique. On peut dire que l'individualité créatrice de l'écrivain est une condition nécessaire au développement ultérieur de chaque méthode artistique. On peut parler d'une nouvelle méthode artistique lorsque de nouveaux phénomènes individuels se créent individus créatifs les écrivains deviennent communs et représentent une qualité nouvelle dans leur totalité.
16. Processus littéraire- il s'agit d'un ensemble de changements généralement significatifs dans la vie littéraire (tant dans le travail des écrivains que dans la conscience littéraire de la société), c'est-à-dire dynamique de la littérature dans les grandes époques historiques. Étapes du développement historique de la littérature : 1) « période archaïque », où, bien sûr, la tradition folklorique est influente, 2) le milieu du 1er millénaire avant JC. - milieu du XVIIIe siècle V. – marqué par la prédominance du traditionalisme de la conscience artistique et de la « poétique du style et du genre » ; 3) à la troisième étape, qui a commencé avec l'ère des Lumières et du romantisme, la « conscience artistique créatrice individuelle » apparaît. Au cours du processus d'évolution historique, à certains stades de développement de la société, les littératures de différentes nations présentent certains traits communs causés par la similitude de la vie sociale, et en même temps elles ont des caractéristiques nationales découlant de la culture unique de chaque nation.
Un mouvement littéraire est constitué des œuvres d'écrivains d'un pays et d'une époque particuliers qui ont pris conscience des principes créatifs, qui se reflètent dans la création d'un programme esthétique qui exprime les aspirations idéologiques et créatives de ces écrivains.
Le premier mouvement littéraire est apparu en France à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, lorsque pour la première fois dans l'histoire un groupe d'écrivains a pris conscience de ses principes créateurs. Cette direction s'appelait « classicisme ». Dans le 19ème siècle (surtout dans son premier tiers) le développement de la littérature se fait sous le signe du romantisme, qui oppose le rationalisme classique et le rationalisme des Lumières. Dans le 19ème siècle une nouvelle communauté littéraire et artistique, désignée par le mot réalisme, se renforce. Dans le dernier tiers du XXe siècle. un phénomène artistique tel que le postmodernisme est apparu dans la littérature, dans la culture de laquelle, comme l'a noté V. Kuritsyn, « la dépendance classique du signifiant à l'égard du signifié a été rompue ».
Les étapes du processus littéraire sont généralement considérées comme correspondant aux étapes de l’histoire humaine qui se sont manifestées le plus clairement et le plus complètement dans les pays d’Europe occidentale et particulièrement clairement dans les pays romans. A cet égard, on distingue les littératures anciennes, médiévales et modernes avec leurs propres étapes (après la Renaissance - le baroque, le classicisme, les Lumières avec sa branche sentimentaliste, le romantisme et enfin le réalisme, avec lequel le modernisme coexiste et rivalise avec succès au XXe siècle ) .
Les scientifiques ont parfaitement compris les différences entre la littérature des temps modernes et les écrits qui les ont précédés. La situation est plus compliquée avec la distinction entre littératures anciennes et médiévales. Elle ne pose pas de problème par rapport à l’Europe occidentale (l’Antiquité grecque et romaine sont fondamentalement différentes de la culture médiévale des pays plus « septentrionaux »), mais elle suscite des doutes et des controverses lorsqu’on se réfère à la littérature d’autres régions, notamment orientales. . Et la littérature dite ancienne russe était essentiellement une écriture de type médiéval.
Les scientifiques s'éloignent de l'évaluation apologétique habituelle de la Renaissance de l'Europe occidentale et révèlent sa dualité. D'une part, la Renaissance a enrichi la culture avec le concept de liberté totale et d'indépendance de l'individu, l'idée de confiance inconditionnelle dans les capacités créatrices de l'homme, d'autre part, la Renaissance « philosophie de la chance nourrie<…>esprit d'aventurisme et d'immoralité.
Dans l’article collectif de 1994, « Catégories de poétique dans le changement des époques littéraires », trois étapes de la littérature mondiale sont identifiées et caractérisées.
La première étape est la « période archaïque », où la tradition folklorique exerce sans aucun doute une influence. La conscience artistique mythopoétique prévaut ici et il n'y a toujours pas de réflexion sur l'art verbal, et donc pas de critique littéraire, pas d'ateliers théoriques, pas de programmes artistiques et créatifs. Tout cela n'apparaît qu'à la deuxième étape du processus littéraire, qui a commencé avec vie littéraire La Grèce ancienne milieu du 1er millénaire avant JC et qui dura jusqu'au milieu du XVIIIe siècle. Cette très longue période a été marquée par la prédominance du traditionalisme de la conscience artistique et de la « poétique du style et du genre » : les écrivains étaient guidés par des formes de discours préfabriquées qui répondaient aux exigences de la rhétorique (à ce sujet, voir pp. 261-262). , et dépendaient des canons du genre. Dans le cadre de cette deuxième étape, on distingue à son tour deux étapes dont la frontière était la Renaissance (ici, notons-le, nous parlons avant tout de la culture artistique européenne). A la deuxième de ces étapes, qui remplace le Moyen Âge, la conscience littéraire fait un pas de l'impersonnel au personnel (bien que toujours dans le cadre du traditionalisme) ; la littérature devient plus laïque.
Et enfin, à la troisième étape, qui a commencé avec l'ère des Lumières et du romantisme, la « conscience artistique créatrice individuelle » apparaît. Désormais domine la « poétique de l’auteur », libérée de la toute-puissance des prescriptions de genre de la rhétorique. Ici, comme jamais auparavant, la littérature « se rapproche extrêmement de l'existence immédiate et concrète de l'homme, s'imprègne de ses préoccupations, de ses pensées, de ses sentiments et est créée selon ses normes » ; l'ère des styles d'auteur individuels approche ; Le processus littéraire est étroitement lié « simultanément à la personnalité de l’écrivain et à la réalité qui l’entoure ». Tout cela se produit dans le romantisme et le réalisme du XIXe siècle et, dans une large mesure, dans le modernisme du siècle dernier. Nous nous tournerons vers ces phénomènes du processus littéraire.
Que signifie la notion de « méthode artistique » en littérature ? Quelles sont ses caractéristiques distinctives ? Quelle méthode vos écrivains préférés ont-ils suivis ou suivis ? Voulez-vous distinguer le symbolisme de l’acméisme ? Cet article est pour toi! Il pose les bases qui vous aideront à vous sentir en confiance dans le vaste espace littéraire.
Qu'est-ce que la méthode artistique ?
C'est l'un des plus notions importantes dans l'art. Signifie la totalité notes globales, vision du monde et perception de certaines choses par les écrivains. Ainsi, diverses tendances littéraires sont apparues. La nature de la vision de la réalité environnante dépend de la méthode à laquelle adhère le créateur.
Les adeptes d'une certaine méthode artistique (créative) sont unis par l'idée d'idéaux vie humaine, le bien et le mal, et sur l'art en général. Ils ciblent différents public cible Par conséquent, l’existence de multiples méthodes littéraires est extrêmement importante car elles satisfont les besoins spirituels de personnes ayant des mentalités différentes.
Caractéristiques distinctives
La principale caractéristique de la méthode artistique est la variété de ses formes. En littérature, il existe un grand nombre de directions et leurs « mélanges », à l'aide desquels nous pouvons regarder le sujet et le phénomène différemment. Le classicisme, le romantisme, le réalisme, le sentimentalisme, le naturalisme, le modernisme, le symbolisme, l'acméisme, le futurisme, l'impressionnisme, l'expressionnisme, l'existentialisme, le postmodernisme sont les principales directions qui ont leur propre force et leur propre caractère.
Quelles méthodes artistiques existent en littérature ?
Chaque écrivain, bien sûr, a son propre style d'expression de pensées, contrairement à quiconque, mais il est étroitement lié à une direction spécifique qui lui est proche.
Passons du général au particulier et comprenons les principales méthodes artistiques de la littérature, du XVIIe siècle à la fin du XXe.
Mouvements classiques des XVIIe et XVIIIe siècles
Le classicisme est apparu pour la première fois au XVIIe siècle. Caractérisé par une moralité éducative, une simplicité de présentation, une division claire en positif et héros négatifs, « trois unités » : le lieu, le temps et l’action. Des écrivains aussi célèbres que J. Racine, M. Lomonossov et G. Derzhavin ont travaillé dans cette direction. Vous pouvez retrouver les principales caractéristiques du classicisme dans « Ode à la capture de Khotin ».
Au XVIIIe siècle, J. Rousseau, I. Goethe et N. Karamzin ont écrit dans la direction littéraire suivante : le sentimentalisme. Dans ce sens, il est important de décrire l’état du monde intérieur du personnage, son angoisse mentale et ses émotions sincères. Vous pouvez mieux connaître cette direction en lisant « Pauvre Lisa ».
Le romantisme apparaît au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. L'amour, les sentiments, les désirs, la souffrance, l'évasion de la réalité oppressante - tout cela est incroyablement joliment décrit dans leurs œuvres par D. Byron, V. Hugo, M. Lermontov. "Le Démon" est une œuvre vibrante qui vous donnera une compréhension complète de cette direction.
La vie quotidienne au 19ème siècle
Le réalisme, apparu au XIXe siècle, décrit un héros typique dans une situation typique pour l'homme moyen à travers un vocabulaire familier. Cette direction a été subtilement ressentie par Charles Dickens, O. de Balzac, L. Tolstoï, F. Dostoïevski, A. Tchekhov, I. Tourgueniev. « Pères et Fils » est un roman révélateur qui, sans mensonge ni faux-semblant, racontera la différence entre les générations et leurs perceptions ; c'est l'essence du réalisme.
Le naturalisme est une méthode artistique née en fin XIX siècle. se distingue par une représentation précise et objective du destin, de la vie quotidienne et du caractère humain. Les représentants de cette tendance, tels que M. Saltykov-Shchedrin et N. Nekrasov, pensaient qu'il n'y avait pas de sujets de présentation indignes, même les expériences humaines typiques sont un véritable art. « Qui vit bien en Russie » est un poème sur les réalités de la vie paysanne et destin difficile- un représentant incontestable du naturalisme.
Méthodes accrocheuses et inhabituelles de présentation des pensées du XIXe au début du XXe siècle
Le modernisme est un nom général pour des mouvements tels que le symbolisme, l'impressionnisme, l'acméisme, le futurisme et l'expressionnisme. Pour avoir une idée du modernisme, caractérisons toutes les tendances ci-dessus.
- Le symbolisme est né dans les années 1870 ; il se distingue des autres mouvements par sa vision figurative, la signification secrète des objets et des phénomènes et l'utilisation de mots aux sens multiples. Par exemple, Z. Gippus, V. Bryusov, K. Balmont, A. Blok ont écrit dans cette direction intéressante et inhabituelle. « Pharmacie, rue, lanterne » est un poème qui mérite d'être lu ou de rafraîchir votre mémoire pour comprendre l'essence du symbolisme.
- L'acméisme est une méthode artistique qui n'a été suivie que par nos compatriotes, par exemple O. Mandelstam, A. Akhmatova, N. Gumilyov. Dans ce sens, il n'y a aucune ambiguïté, les mots ont un sens précis et les images sont clairement vues ; En utilisant le pouvoir du mot littéraire, les écrivains ont repensé les processus de la vie qui comportent des défauts. "Le roi aux yeux gris" - il faut se plonger dans ce poème pour comprendre la logique des poètes de ce mouvement.
- Le futurisme est la direction dans laquelle ont travaillé les créateurs russes et italiens. Cette tendance accrocheuse est apparue au début du 20ème siècle. Des décisions choquantes et audacieuses et une construction non standard du poème, par exemple avec une échelle, comme l'éminent représentant de cette tendance V. Mayakovsky. A côté de lui, I. Severyanin, V. Khlebnikov, D. Burliuk ont créé et brisé l'idée de l'art classique dans ce sens. "Pourrais-tu?" - un poème extravagant, insolite, inspirant, absolument futuriste.
- L'impressionnisme dans la littérature est apparu à la fin du XIXe siècle ; les écrivains de cette direction ont décrit en détail les sentiments, les expériences et les émotions et ont transformé des moments de la vie en art. Les représentants les plus brillants de cette tendance peuvent être considérés comme G. de Maupassant et M. Proust. "Dear Friend" est une œuvre émouvante et légère, après lecture dont vous deviendrez certainement fan de l'impressionnisme.
- Au début du XXe siècle, l'expressionnisme sombre s'est répandu en Allemagne. Les thèmes principaux de cette direction sont la mort, la destruction, la perte et la laideur de la réalité environnante. F. Kafka et E. Zamyatin ont été les plus clairement capables de transmettre l'essence de cette direction. «Nous» est la dystopie la plus forte de notre compatriote, qui ne suscite pas de sentiment de dépression, mais révèle pleinement tous les thèmes de l'expressionnisme ci-dessus.
Regards modernes sur la littérature depuis le milieu du XXe siècle
Au cœur de l'existentialisme, apparu au milieu du XXe siècle en France, se trouvent les idées sur la solitude et la tragédie de l'existence, l'insignifiance des idéaux humains. J.P. Sartre et A. Camus ont pu mettre cela sur papier avec beaucoup de confiance et de clarté. "The Fall" est un livre dans lequel vous ne trouverez pas de rebondissements dans l'intrigue, mais les dialogues subtils et intelligents vous feront tomber amoureux de l'existentialisme.
La plupart direction moderne- le postmodernisme - est apparu dans la seconde moitié du XXe siècle, il se distingue par un maximalisme d'exécution, une ironie et une attitude satirique face à ce qui se passe. H. Murakami, V. Nabokov, K. Vonnegut voyaient le monde à travers un prisme satirique. L'ouvrage "Slaughterhouse-Five" est écrit dans les meilleures traditions du postmodernisme, il vous plongera dans de profondes réflexions sur la valeur de la vie et ses points de vue sur celle-ci.
L'importance des mouvements littéraires pour l'homme moderne
Le pouvoir des mots peut amener une personne à voir certaines choses différemment. La lecture des œuvres d'écrivains adhérant à différentes méthodes artistiques fera de vous une personne aux multiples facettes, capable d'agir de manière critique et avec différents côtés regardez n’importe quelle situation.
Chaque écrivain a des caractéristiques créatives spécifiques (dans le choix des sujets, la représentation des individus, des groupes sociaux individuels, dans l'originalité des techniques artistiques et du langage de l'œuvre). Par exemple, la manière d'exprimer les pensées d'A.S. Pouchkine et L.N. Il est difficile de confondre Tolstoï. C'est de là qu'est né le concept le style de l'auteur(le style est un bâton pointu et une spatule à l'autre extrémité pour écrire sur une tablette cirée).
Style appelé - l'originalité idéologique et artistique de l'œuvre de l'écrivain, qui se manifeste dans les particularités des thèmes sens idéologique, les systèmes d'images, les méthodes de leur construction, dans la composition et le langage de l'œuvre. Cette unité des principales caractéristiques idéologiques et artistiques (thèmes, idées, personnages, intrigue, langage), révélées tout au long de l'œuvre créatrice de l'écrivain, est déterminée par l'époque, expérience de la vie, les vues de l’artiste et les caractéristiques de son talent. Le style d'un seul et même auteur peut se développer et changer au fil du temps (les premières et dernières années de A.S. Pouchkine diffèrent considérablement les unes des autres à la fois par leur méthode de création - romantique et réaliste, et par la forme de leurs œuvres - un poète et un prosateur).
Dans le style d'un certain nombre d'écrivains, on retrouve les mêmes caractéristiques - des thèmes communs, similaires dans statut social et les points de vue des héros (par exemple, le thème des personnes « superflues » dans la première moitié du XIXe siècle en Russie, à propos de destin tragique jeunes nobles incompris par la société).
De cette façon, il est formé école littéraire, mise en scène, groupe, mouvement- unité de forme et de contenu, unité de méthode, rapprochant les écrivains les uns des autres. En fonction des spécificités de la situation historique, elle revêt certaines connotations politiques et une certaine finalité politique (par exemple, l’école naturelle des disciples de N.V. Gogol en Russie).
Un niveau de généralité plus élevé est méthode artistique créative. La méthode artistique correspond aux principes communs aux écrivains pour sélectionner les phénomènes de la vie et les décrire. Cela dépend principalement des changements vie publique(réalisme, classicisme, sentimentalisme, romantisme, modernisme, postmodernisme).
Processus littéraire - le processus d'interaction des styles, des tendances, des méthodes, des orientations de la fiction au cours d'une même période historique. La méthode la plus ancienne et la plus célèbre pour représenter la réalité dans la fiction est le réalisme. C'est avec lui que débuta le processus littéraire dans la Grèce antique et Rome antique, à partir de la formation du soi-disant réalisme antique, puis au Moyen Âge on peut parler de réalisme médiéval, la Renaissance donne une impulsion au développement des idées de renouveau dans l'œuvre réaliste de cette période. Le siècle des Lumières permet pour la première fois de parler de l'émergence d'un mouvement littéraire mature avec des lois de la créativité clairement formulées - le classicisme.
Classicisme(du latin classicus - première classe) - un mouvement dans la littérature d'Europe occidentale et de Russie (17-18 siècles) après la fin des guerres de religion. Le classicisme est né d'une imitation d'exemples d'art ancien (classique). Ses représentants sont Racine, Corneille, Boileau, Molière, Sumarokov, Kheraskov, Kantemir, Lomonossov, Trediakovsky, Derzhavin. Ils ont essayé d'attirer l'attention sur le sens du devoir et le patriotisme des héros en décrivant les conflits de la vie.
Le classicisme est un exemple de littérature créée selon des principes normatifs. Basique idées le classicisme est associé à l'idée d'un pouvoir royal absolutiste progressiste, qui exprime en France, pays d'origine du classicisme, les idéaux civils et nationaux, l'idée de la raison civile, que le héros devrait préférer aux autres sentiments humains. La pensée rationnelle et civile du classicisme était associée au journalisme, au didactisme et aux sentiments journalistiques exprimés dans les œuvres.
Le classicisme était associé à la culture de cour noble et aristocratique. Cela a conduit à une certaine limitation de classe - la représentation des gens, de la vie populaire, de la nature n'était pas autorisée, les sujets étaient principalement tirés de l'histoire grecque ou romaine antique.
Toutes les œuvres étaient clairement divisées en haut et en bas, tout comme les genres, la règle des « trois unités » a été introduite - l'unité de temps (l'ensemble du conflit doit être résolu dans les 24 heures), le lieu (l'action s'est déroulée au même endroit) , action (une intrigue, les héros sont porteurs d'une qualité, le rôle des acteurs). Tout cela a conduit à une violation de la vérité de la vie, à la création d’images conventionnelles et farfelues, de personnages schématiques et d’un langage complexe.
Le classicisme russe s'est battu pour l'originalité de la culture russe, la pureté de la langue russe et a reflété des moments importants du développement de la Russie.
Sentimentalisme(du français sentimental - sensible) - un mouvement littéraire dans la littérature russe et occidentale de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle, apparu initialement en Angleterre et reflétant la lutte de la bourgeoisie avec les seigneurs féodaux. Le sentimentalisme contenait une protestation contre les mœurs corrompues de la noble aristocratie ; il s'opposait à la vie des artisans, des marchands, des paysans et à la sympathie pour les personnes opprimées par les seigneurs féodaux.
En tant que direction, elle s'opposait complètement à la rationalité des œuvres du classicisme, contenait une protestation contre les idéaux abstraits de la raison, les contrastant avec des sentiments sincères, essayant de décrire les particularités de la psychologie humaine.
La glorification des principes et des sentiments patriarcaux a conduit à l’idée que les gens ne peuvent être que de nature naturelle. La ville et la culture urbaine contrastaient avec la nature, la campagne et étaient dotées de tous les traits négatifs (débauche, cupidité, manque de principes moraux). À son tour, le village, représenté de manière idyllique et patriarcale, n'a été présenté que du côté positif, sans aucune critique.
Le sentimentalisme était également caractérisé par d'autres caractéristiques. Par exemple, le désir d’historicisme, la glorification du passé de son pays, les personnages des héros étaient représentés principalement à travers des caractéristiques émotionnelles et psychologiques avec l’élimination de toute situation réelle, en dehors des événements réels.
Un style particulier de sentimentalisme s'est développé dans le système linguistique - un style de nature sensible à l'intonation (avec une abondance d'appels et d'exclamations) ; les auteurs abandonnent complètement le « style élevé » du classicisme, mais créent leur propre langage artificiellement sensible.
Dans la littérature russe, le sentimentalisme avait une signification différente base socialeà la fin du XVIIIe siècle (Karamzin, Bogdanovich, Dmitriev, Chalkov, début Joukovski) - exprimaient les sentiments de la noblesse à l'ère du développement bourgeois croissant de la Russie et de l'intensification du mouvement paysan de libération. Les traits caractéristiques de cette tendance russe sont une fausse image de la paysannerie, de la campagne et l’idéalisation du système de servage. Le désir de faire taire le fait de l'exploitation des serfs, l'image conventionnelle du village russe comme lieu de jeu pour les villageois heureux, l'image d'un père-patron et bienfaiteur - un propriétaire terrien, préoccupé par ses serfs ("Vous je serai mon enfant pour toujours, je serai ton père pour toujours") - ce sont tous des traits caractéristiques du sentimentalisme russe.
Il y a aussi eu des moments positifs. Pour la première fois, les serfs et leurs sentiments ont été représentés aux côtés des sentiments des propriétaires terriens (« Et les paysannes savent aimer » - N.M. Karamzin). Cela a eu un impact énorme sur le développement de la littérature russe, car l'attention était portée aux sentiments des gens ordinaires, une représentation de la psychologie humaine.
le romantisme- une méthode créative apparue en Europe occidentale à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle - est généralement considérée comme une réaction aux révolutions bourgeoises en Angleterre et en France, car elle exprimait le mécontentement d'un large public face à la nouvelle réalité bourgeoise. Au lieu du royaume de liberté, d'égalité et de fraternité, pour lequel d'énormes sacrifices ont été consentis, l'esprit de profit, le pouvoir de l'argent et une nouvelle oppression de l'individu commencent à dominer dans la société bourgeoise. Par conséquent, le principe principal de ce mouvement est l’opposition vrai vie un autre monde créé par l'imagination créatrice de l'écrivain. Une œuvre romantique se caractérise par : un héros extraordinaire, submergé par des passions violentes, des circonstances extraordinaires dans lesquelles se déroule l’action, un voile de sous-estimation et de mystère qui enchevêtre le passé du héros.
Il existe deux directions principales du romantisme : passive (conservatrice) et révolutionnaire (progressiste).
Romantisme conservateur(Novalis, Uhland, Chateaubriand, Vigny, Wordsworth, Heine, Schiller, Joukovski, Batyushkov, Delvig) cherchaient à emmener le lecteur dans le monde du rêve, de la fantaisie, du mysticisme ou du passé historique (le Moyen Âge). Dans les œuvres de ces romantiques, il y avait deux types de héros : les rêveurs, vivant uniquement dans le monde de leurs sentiments et âmes personnels, et les natures actives, s'efforçant de raviver les sentiments chevaleresques et les nobles principes de vie.
Romantisme révolutionnaire(Byron, Hugo, Pouchkine, Lermontov, Ryleev, Odoevsky)) ont dépeint la protestation, les passions d'une personne exceptionnelle qui ne se résigne pas aux circonstances de la réalité environnante, luttant, luttant pour la liberté, l'action et une future vie libre .
Dans la littérature russe, le romantisme, apparu au tout début du XIXe siècle (particulièrement répandu après la guerre patriotique de 1812), reflétait le mécontentement de la noblesse russe face aux deux principaux troubles de l'époque : l'autocratie et le servage.
Le réalisme- implique de montrer la réalité, la vie réelle d'une personne, une image véridique historiquement spécifique d'une personne et de la société, une image des connexions et des interactions entre une personne et la société (« la véracité de l'image de personnages typiques dans des circonstances typiques » - F .Angels).
Héros typiques refléter les caractères et les caractéristiques collectives de nombreuses personnes, groupes sociaux (ou héros et images reflétant les tendances typiques du développement de la société). Circonstances typiques- une description des particularités de la vie, des mœurs de cette société et du moment historique où se sont formés les héros.
Il s’agit de la méthode créative la plus ancienne et la plus puissante connue dans l’histoire de la littérature pour représenter la réalité. Éléments sélectionnés du réalisme déjà rencontré dans littérature ancienne 5e-3e siècles avant JC Même si son héros ne se démarque pas encore du lot, il pense comme toute la société (Achille dans Homère).
Ensuite, dans Renaissance(13-16 siècles), au cours de la croissance de la conscience publique, le héros s'est déjà démarqué de la société, il a le sens de la justice et des responsabilités (Hamlet, Don Quichotte), bien qu'il ne soit toujours pas guidé par la classe, mais par des critères moraux (défenseurs de l’humanité contre les imperfections).
À l'époque Éclaircissement(XVIIIe siècle) le principe critique du réalisme se renforce. La jeune bourgeoisie révolutionnaire oppose à la féodalité et à l'idéologie ecclésiale une critique du droit, de la morale et de la religion (Voltaire, Diderot, D.I. Fonvizin). Les défauts de la société s'expliquaient par les défauts du système de mœurs politiques et de vues morales.
Réalisme critique a commencé à prendre forme dans les œuvres de Balzac et de Pouchkine en raison de l'insatisfaction des idées romantiques sur les moyens de changer la vie et de la déception face à la réalité bourgeoise. L'aspiration analytique et le renforcement du principe critique étaient associés à la révélation et au déni des fondements de la société féodale et bourgeoise à travers la représentation de l'homme dans ses diverses relations avec la société. Une personne était ainsi représentée comme une partie et un produit de l'environnement (le caractère, les opinions, le comportement, le mode de vie sont façonnés par la société), mais en même temps, elle luttait pour l'avenir, pour l'idéal.
Dans l'histoire du réalisme, il est arrivé qu'en plus d'une compréhension abstraite et historiquement incorrecte des personnages des personnages, une reproduction correcte, concrète et réaliste de ceux-ci ait été réalisée (N.V. "Dead Souls" de Gogol - il faut distinguer entre la vision du monde de l'artiste et ses vues théoriques.
Modernisme(du français moderne - nouveau, moderne) - diverses tendances de la littérature moderne du 20e siècle ( symbolisme, acméisme, futurisme, imagisme), s'opposant au réalisme. Ils ne se contentent pas du principe de base du réalisme - le reflet de la réalité objective ; ils le considèrent comme une copie naturaliste de la vie.
La base de l’art devrait être la production du moi intérieur du héros, de son monde intérieur, vers l’extérieur. Caractéristiques du modernisme- l'auto-révélation la plus ouverte et la plus libre des auteurs, leur désir persistant d'actualiser le langage artistique, de se concentrer davantage sur l'universel et culturellement et historiquement lointain, plutôt que sur la réalité proche.
Postmodernisme en tant que mouvement littéraire formé dans la seconde moitié du XXe siècle et représente une tentative des auteurs modernes, dirigés par J. Derrida, de comprendre philosophiquement l'histoire de la littérature et de la culture en général à partir de la position déconstruction(c'est-à-dire le rejet) de tout ce qui est stable, stable, inconditionnel. Concept simulacre et le concept postmoderne du désordre total du monde trouve parfois des formes d'expression proches de l'archaïque mythologique, qui permet de transformer des intrigues, des images, des circonstances en de nouvelles œuvres, en les utilisant conformément aux conditions modernes.
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