Date de naissance : 28 mars 1483
Date de décès : 6 avril 1520
Lieu de naissance : Urbino, Italie

Rafael (Rafael Santi)(1483-1520) - célèbre peintre de la Renaissance, Rafael Santi- architecte.

Raphaël est né le 28 mars 1483 en Italie dans la ville d'Urbino dans la famille du poète et artiste Giovanni Santi. Le futur artiste commence à apprendre des leçons de peinture et de créativité auprès de son père.

Après la mort de son père à l'âge de 17 ans, Raphaël s'installe à Pérouse et entre dans l'atelier de l'artiste P. Perugino. où il a continué développement artistique. Déjà à cette époque paraissaient les premières œuvres de Raphaël, présentant le caractère général de rêverie religieuse inhérent à l'école urbaine.

Période florentine

Après 2 ans, le jeune homme s'installe à Florence, où travaillent des artistes aussi célèbres de la Renaissance que Léonard de Vinci et Fra Bartolomeo. Florence elle-même a pu avoir une forte influence sur le développement du goût artistique de Raphaël. Choisir les œuvres de Léonard de Vinci et Fra Bartolomeo comme norme à suivre.

Ainsi dans les images de Raphaël de la période florentine on retrouve le rendu correct mouvements émotionnels, et la subtilité des teintes de couleur si caractéristiques de l'œuvre de Léonard de Vinci, ainsi que la profondeur de l'impression, la capacité d'organiser des groupes et de refléter une dégénérescence respectueuse, ont été tirées des œuvres de Fra Bartolomeo. Un sens naturel des proportions a permis à Raphaël de prendre de la créativité des autres uniquement ce qui lui était proche et utile.

C'est à Florence que Raphaël dut étudier la médecine et l'anatomie, sans lesquelles l'artiste de l'époque ne pouvait refléter correctement le corps humain.

Les tableaux « Les Trois Grâces », « Le Rêve d'un chevalier », « La Bénédiction du Christ », « Sainte Catherine d'Alexandrie » appartiennent à la période florentine de l'œuvre de Raphaël.

L'époque de la résidence de Raphaël à Florence est considérée comme l'époque des Madones. Il était le seul à cette époque à représenter Madonna comme une mère jeune et tendre. Ont été écrits : « Madone de la Maison de Tempi », « Madone de la Maison de Colonna », « Madone du Baldachino », « Madone du Chardonneret », « Madone des Verts », « Madone de Granduca ». Le duc de Toscane aimait tellement cette dernière qu'après l'avoir acquise, il ne s'en sépara jamais.

Période romaine

Les images de la Madone ont rendu Raphaël si célèbre qu'en conséquence, le Pape lui-même a invité Raphaël à Rome pour participer avec d'autres artistes à la peinture des salles d'apparat du Palais du Vatican. Mais le pape Jules II, appréciant les fresques de Raphaël, expulsa les autres artistes, confiant à Raphaël seul le soin de peindre toutes les salles.

Tâches inhabituelles placé devant Raphaël, la proximité de son idole Michel-Ange, qui commença à cette époque à décorer avec des fresques Chapelle Sixtine, a donné naissance à un esprit de compétition chez Raphaël, et l'architecture classique, la plus révélée à cette époque à Rome, a donné à ses œuvres une réflexion et une clarté divines pour idée artistique.

Dans la Stanza della Segnatura, dans 3 salles, Raphaël a peint une fresque sur tout le volume de chaque mur, mais s'est éloigné des images de saints, représentant des scènes de la culture antique : Les fresques étaient peintes : « Théologie », « Poésie », « Justice » et « L'École d'Athènes », leurs figures semblent flotter au plafond et deviennent le centre des images sur les murs.

Au-dessous de la figure de la théologie se trouve la dispute sur la Sainte Eucharistie, cette dispute a lieu à la fois dans le ciel (Jésus-Christ, Jean-Baptiste, les apôtres, les prophètes, les martyrs sont représentés) et sur terre (les pères de l'Église et les croyants croissants sont rassemblés autour de la autel) et au milieu il y a des médiateurs - les 4 Évangiles apportés par les anges.

Sur la fresque « Poésie », les poètes existants et anciens ont été placés sous sa personnification « Parnassus ». Sur la fresque « Justice » au-dessus de la fenêtre se trouvent des figures de force, de modération et de prudence, et sur les côtés l'Empereur et le Pape, personnification de la justice. Dans L'École d'Athènes, Raphaël a représenté les philosophes grecs Socrate et Héraclite parmi leurs élèves, mettant particulièrement en valeur les images du réaliste Aristote et de l'idéaliste Platon regardant le ciel.

Parallèlement, l'artiste réalise des portraits de ses contemporains : les papes Jules II et Léon X, peints d'une manière si vivante que les contemporains avaient peur de les regarder. Il n'a pas non plus laissé l'image des Madones ; cette période comprend : « Madone au voile », « Madone de la maison d'Alba » et la plus célèbre « Madone Sixtine" Raphaël, tout en restaurant les peintures des temples antiques dans lesquels il participait aux fouilles, introduisit quelques motifs dans ses tableaux.

Depuis 1515, Raphaël était constamment au travail, le Pape nomma Raphaël son chambellan et chevalier de l'éperon d'or. Raphaël s'est lié d'amitié avec de nombreux représentants de la haute société romaine et une foule d'étudiants se rassemblait toujours autour de lui, accrochés à chaque mot.

Raphaël aurait été polyvalent dans sa créativité : selon ses plans, plusieurs églises, villas et palais ont été érigés. Il réalise des croquis pour des sculpteurs et se sculpte même : par exemple, la main de Raphaël appartient à la statue en marbre d'un enfant sur un dauphin, actuellement à l'Ermitage.

Après la mort de Michel-Ange, Raphaël utilisa ses vastes connaissances et poursuivit les travaux commencés par Michel-Ange sur la basilique Saint-Pierre.

Malgré les instructions du pape Léon X, Raphaël ne modifia pas le projet choisi par Michel-Ange et dessina 2 colonnades autour de la cathédrale, dans lesquelles il voulait refléter toute la monumentalité. Rome antique, mais je n'ai pas eu le temps à cause de la mort. Son œuvre fut complétée plus tard par l'architecte L. Bernini.

Raphaël fut le fondateur du portrait au cours des siècles suivants, car... Pour lui, la personne elle-même était importante, comme quelque chose d'inhabituel, qu'il essayait de souligner. L’artiste a su refléter à la fois l’avidité des papes et l’extraordinaire beauté des madones.

6 avril 1520 Raphaël meurt à l'âge de 37 ans des suites d'une phtisie, courante à cette époque, sans avoir achevé la cathédrale Saint-Pierre.

Réalisations de Rafael Santi :

1225 – le nombre d'œuvres créées par Raphaël.
Sous son pinceau sont sorties des œuvres telles que «La Madone Sixtine», «Le Transport de la Croix», «Le Triomphe de Galatée», «Les Trois Grâces».
Il s'occupait de décorer le Vatican avec des fresques dans le style de la culture antique : « Théologie », « Philosophie », « Jurisprudence » et « Poésie ».

Dates de la biographie de Rafael Santi :

28 mars 1483 né en Italie
1494 apprentissage de la peinture auprès de l'artiste ombrien P. Perugino
1504 début de la période florentine de créativité, étudiant avec Fra Bartolomeo et Léonard de Vinci.
En 1508, il fut appelé à Rome pour décorer plusieurs salles du Vatican.
1514 nommé surveillant en chef de la construction de la cathédrale Saint-Pierre.
Le 6 avril 1520, il mourut sans avoir terminé la construction.

Faits intéressants sur Rafael Santi :

Grâce à la nature paisible de Raphaël, il n'y avait toujours pas de place pour les querelles et les querelles autour de lui.
Combinant habilement généralisation et réalisme spécifique, ses images de bébés divins sont toujours allégoriques.
Il est l'auteur de croquis appelés « La Bible de Raphaël », croquis écrits sur des sujets de l'Ancien et du Nouveau Testament et qui devaient décorer les loggias du Vatican.

L'idée des idéaux les plus brillants et les plus sublimes de l'humanisme de la Renaissance a été pleinement incarnée dans son œuvre de Raphael Santi (1483-1520). Un jeune contemporain de Léonard, qui vécut une période courte et extrêmement vie riche, Raphaël a synthétisé les réalisations de ses prédécesseurs et a créé son propre idéal de beauté, harmonieusement personne développée entouré d'une architecture ou d'un paysage majestueux. Raphaël est né à Urbino, dans la famille d'un peintre, qui fut son premier professeur. Plus tard, il étudie avec Timoteo della Viti et le Pérugin, maîtrisant à la perfection le style de ce dernier. Du Pérugin, Raphaël adopte cette douceur des lignes, cette liberté de positionner une figure dans l'espace, qui deviennent caractéristiques de ses compositions de maturité. À l'âge de dix-sept ans, il révèle une véritable maturité créative, créant une série d'images pleines d'harmonie et de clarté spirituelle.

Un lyrisme tendre et une spiritualité subtile distinguent l'une de ses premières œuvres - «Madonna Conestabile» (1502, Saint-Pétersbourg, Ermitage), une image éclairée d'une jeune mère représentée sur fond d'un paysage ombrien transparent. La capacité de disposer librement les figures dans l'espace, de les relier entre elles et avec l'environnement se manifeste également dans la composition « Les Fiançailles de Marie » (1504, Milan, Galerie Brera). L'espace dans la construction du paysage, l'harmonie des formes architecturales, l'équilibre et l'intégrité de toutes les parties de la composition témoignent de l'évolution de Raphaël en tant que maître. Haute Renaissance.

À son arrivée à Florence, Raphaël a facilement absorbé les réalisations les plus importantes des artistes de l'école florentine avec son début plastique prononcé et son large champ de réalité. Le contenu de son art demeure thème lyrique lumière l'amour d'une mère, auquel il attache une importance particulière. Elle trouve une expression plus mature dans des œuvres telles que « La Madone au vert » (1505, Vienne, Kunsthistorisches Museum), « La Madone au chardonneret » (Florence, Galerie des Offices), « La Belle jardinière » (1507, Paris, Louvre). Pour l'essentiel, ils varient tous du même type de composition, composée des figures de Marie, de l'Enfant Christ et de Baptiste, formant des groupes pyramidaux sur fond de magnifique paysage rural dans l'esprit des techniques de composition trouvées plus tôt par Léonard. Naturel des mouvements, plasticité douce des formes, douceur des lignes mélodieuses, beauté type idéal Madones, clarté et pureté des fonds de paysages contribuent à révéler la poésie sublime de la structure figurative de ces compositions.

En 1508, Raphaël fut invité à travailler à Rome, à la cour du pape Jules II, un homme puissant, ambitieux et énergique qui cherchait à accroître les trésors artistiques de sa capitale et à attirer à son service les personnalités culturelles les plus talentueuses de l'époque. Au début du XVIe siècle, Rome faisait naître l’espoir d’une unification nationale du pays. Les idéaux d’un ordre national ont créé le terrain pour une croissance créative, pour l’incarnation d’aspirations artistiques avancées. Ici, à proximité du patrimoine antique, le talent de Raphaël s'épanouit et mûrit, acquérant une nouvelle ampleur et des traits d'une grandeur sereine.

Raphaël reçoit une commande pour peindre les salles d'apparat (appelées strophes) du palais du Vatican. Ce travail, qui se poursuivit par intermittence de 1509 à 1517, fit de Raphaël l'un des plus grands maîtres de la littérature italienne. art monumental, qui a résolu avec confiance le problème de la synthèse de l'architecture et de la peinture de la Renaissance. Le don de Raphaël en tant que monumentaliste et décorateur s'est révélé dans toute sa splendeur lors de la peinture des Stanzi della Segnatura (imprimerie). Sur longs murs Cette salle, couverte de voûtes en voile, contient les compositions « Dispute » et « École d'Athènes », sur les plus étroites - « Parnasse » et « Sagesse, Tempérance et Force », personnifiant les quatre domaines de l'activité spirituelle humaine : théologie, philosophie , poésie et jurisprudence. La voûte, divisée en quatre parties, est décorée de figures allégoriques qui forment un système décoratif unique avec des peintures murales. Ainsi, tout l’espace de la pièce était rempli de peinture.

Combinant des images de la religion chrétienne et mythologie païenne a témoigné de la diffusion parmi les humanistes de cette époque des idées de réconciliation de la religion chrétienne avec la culture ancienne et de la victoire inconditionnelle du principe laïc sur l'Église. Même dans la « Disputation » (une dispute entre les pères de l'Église au sujet de la communion), consacrée à la représentation de figures de l'Église, parmi les participants à la dispute, on peut reconnaître les poètes et les artistes italiens - Dante, Fra Beato Angelico et d'autres peintres. et des écrivains. Le triomphe des idées humanistes dans l'art de la Renaissance et son lien avec l'Antiquité est attesté par la composition « L'École d'Athènes », glorifiant l'esprit de beauté et homme fort, science et philosophie anciennes. Le tableau est perçu comme l’incarnation d’un rêve d’un avenir radieux. Du fond de l'enfilade de grandioses travées voûtées surgit un groupe de penseurs antiques, au centre desquels se trouvent le majestueux Platon à la barbe grise et l'Aristote confiant et inspiré, avec un geste de la main pointé vers le sol, les fondateurs de l'idéologie idéaliste et philosophie matérialiste. En bas, à gauche près des escaliers, Pythagore était penché sur un livre, entouré d'étudiants, à droite se trouvait Euclide, et ici, tout au bord, Raphaël se représentait à côté du peintre Sodoma. C'est un jeune homme au visage doux et attrayant. Tous les personnages de la fresque sont unis par une ambiance de haute élévation spirituelle et de profonde réflexion. Ils forment des ensembles indissolubles dans leur intégrité et leur harmonie, où chaque personnage prend précisément sa place et où l'architecture elle-même, dans sa stricte régularité et sa majesté, contribue à recréer l'atmosphère d'un haut lieu de pensée créatrice.

La fresque "L'Expulsion d'Eliodore" dans la Strophe d'Heliodoro se distingue par un drame intense. La soudaineté du miracle qui se produit - l'expulsion du voleur du temple par un cavalier céleste - est véhiculée par la diagonale rapide du mouvement principal, l'utilisation d'effets de lumière. Parmi les spectateurs regardant l'expulsion d'Eliodorus, le pape Jules II est représenté. C'est une allusion aux événements contemporains pour Raphaël - l'expulsion des troupes françaises des États pontificaux.

La période romaine de l'œuvre de Raphaël a été marquée par de grandes réalisations dans le domaine du portrait. Les personnages vivants de la « Messe à Bolsena » (fresques de la Strophe d'Eliodoro) acquièrent des traits de portrait nets. Raphaël s'est également tourné vers le genre du portrait dans peinture sur chevalet, montrant ici son originalité, révélant le plus caractéristique et le plus significatif du modèle. Il a peint des portraits du pape Jules II (1511, Florence, Uffizi), du pape Léon X avec le cardinal Ludovico dei Rossi et Giulio dei Medici (vers 1518, ibid.) et d'autres portraits. L'image de la Madone continue d'occuper une place importante dans son art, acquérant des traits de grande grandeur, de monumentalité, de confiance et de force. Telle est la « Madonna della sedia » (« Madone au fauteuil », 1516, Florence, Galerie Pitti) avec sa composition harmonieuse en cercle fermé.

Parallèlement, Raphaël réalise sa plus grande création, « La Madone Sixtine » (1515-1519, Dresde, Galerie d'art), destinée à l'église Saint-Pierre. Sixta à Plaisance. Contrairement aux Madones lyriques antérieures, plus légères, il s’agit d’une image majestueuse, pleine de signification profonde. Les rideaux écartés du haut sur les côtés révèlent Mary marchant facilement à travers les nuages ​​avec un bébé dans les bras. Son regard vous permet de plonger dans le monde de ses expériences. Sérieusement, tristement et anxieusement, elle regarde quelque part au loin, comme si elle prévoyait le sort tragique de son fils. À gauche de la Madone se trouve le pape Sixte, contemplant le miracle avec enthousiasme, à droite se trouve Sainte Barbe, baissant son regard avec révérence. Ci-dessous, deux anges levant les yeux et comme pour nous ramener à l'image principale - la Madone et son bébé enfantin et pensif. Harmonie impeccable et équilibre dynamique de la composition, rythme subtil des contours linéaires fluides, naturel et liberté de mouvement composent la puissance irrésistible de cet ensemble, belle image. La vérité de la vie et les caractéristiques de l'idéal se conjuguent avec la pureté spirituelle du complexe nature tragique Madone Sixtine. Certains chercheurs ont trouvé son prototype dans les traits de « La Dame voilée » (vers 1513, Florence, Galerie Pitti), mais Raphaël lui-même, dans une lettre à son ami Castiglione, a écrit qu'il était basé sur méthode créative réside le principe de sélection et de généralisation des observations de la vie : « Pour peindre une beauté, j'ai besoin de voir beaucoup de beautés, mais à cause du manque... belle femme J’utilise une idée qui me vient à l’esprit. Ainsi, dans la réalité, l'artiste trouve des traits qui correspondent à son idéal, qui s'élève au-dessus du hasard et du transitoire.

Raphaël est décédé à l'âge de trente-sept ans, laissant inachevés les peintures de la Villa Farnesina, les loggias du Vatican et de nombreuses autres œuvres réalisées à partir de cartons et de dessins de ses élèves. Les dessins libres, gracieux et décontractés de Raphaël placent leur créateur parmi les plus grands dessinateurs du monde. Son travail dans le domaine de l'architecture et arts appliqués témoignent de lui comme d'une figure aux multiples talents de la Haute Renaissance, qui a acquis une grande renommée parmi ses contemporains. Le nom même de Raphaël devint plus tard nom commun l'artiste idéal.

De nombreux étudiants italiens et disciples de Raphaël ont élevé la méthode créative de l’enseignant au rang de dogme incontestable, ce qui a contribué à la propagation de l’imitation dans l’art italien et a préfiguré la crise naissante de l’humanisme.

Raphael (en fait Raffaello Santi ou Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio) (26 ou 28 mars 1483, Urbino - 6 avril 1520, Rome), peintre et architecte italien.

Raphaël, le fils du peintre Giovanni Santi, a passé ses premières années à Urbino. En 1500-1504, Raphaël, selon Vasari, étudia avec l'artiste Pérugin à Pérouse.

À partir de 1504, Raphaël travaille à Florence, où il découvre les œuvres de Léonard de Vinci et de Fra Bartolommeo, et étudie l'anatomie et la perspective scientifique.
Déménager à Florence a joué un rôle important dans le développement créatif de Raphaël. Pour l'artiste, la connaissance de la méthode du grand Léonard de Vinci était primordiale.

À la suite de Léonard, Raphaël commence à travailler beaucoup d'après nature, étudiant l'anatomie, la mécanique des mouvements, les poses et les angles complexes, à la recherche de formules de composition compactes et rythmiquement équilibrées.
Les nombreuses images de Madones qu'il a créées à Florence ont valu au jeune artiste une renommée toute italienne.
Raphaël a reçu une invitation du pape Jules II à Rome, où il a pu se familiariser avec les monuments antiques et participer à des fouilles archéologiques. Après avoir déménagé à Rome, le maître de 26 ans a reçu le poste d'« artiste du Siège apostolique » et la mission de peindre les salles d'apparat du palais du Vatican. À partir de 1514, il a dirigé la construction de la cathédrale Saint-Pierre, a travaillé dans le domaine de l'architecture des églises et des palais, en 1515 il fut nommé commissaire aux antiquités, chargé de l'étude et de la protection des monuments antiques, des fouilles archéologiques. Exécutant l'ordre du pape, Raphaël a créé des peintures murales dans les salles du Vatican, glorifiant les idéaux de liberté et de bonheur terrestre de l'homme, l'infinité de ses capacités physiques et spirituelles.

Le tableau « Madonna Conestabile » de Rafael Santi a été réalisé par l'artiste à l'âge de vingt ans.

Dans ce tableau, le jeune artiste Raphaël crée sa première incarnation remarquable de l'image de la Madone, qui occupe une place extrêmement importante dans son art. L'image d'une jeune et belle mère, généralement si populaire dans l'art de la Renaissance, est particulièrement proche de Raphaël, dont le talent avait beaucoup de douceur et de lyrisme.

Contrairement aux maîtres du XVe siècle, de nouvelles qualités sont apparues dans les peintures du jeune artiste Raphael Santi, lorsqu'une structure de composition harmonieuse ne contraint pas les images, mais est au contraire perçue comme une condition nécessaire au sentiment de naturel et liberté qu'ils génèrent.

Sainte famille 1507-1508. Ancienne Pinacothèque, Munich.

Peinture de l'artiste Raphael Santi « La Sainte Famille » de Canigiani.

Le client de l'œuvre est Domenico Canigianini de Florence. Dans le tableau « La Sainte Famille », le grand peintre de la Renaissance Raphael Santi a représenté la Sainte Famille dans la veine classique de l'histoire biblique : la Vierge Marie, Joseph, l'enfant Jésus-Christ avec sainte Elisabeth et l'enfant Jean-Baptiste.

Cependant, ce n'est qu'à Rome que Raphaël a surmonté la sécheresse et une certaine raideur de son corps. premiers portraits. C'est à Rome que le brillant talent de portraitiste de Raphaël atteint sa maturité.

Dans les "Madones" de Raphaël de l'époque romaine, son humeur idyllique premières œuvres est remplacée par la recréation de sentiments humains et maternels plus profonds, alors que Marie, pleine de dignité et de pureté spirituelle, apparaît comme l'intercesseur de l'humanité au plus profond de l'humanité. œuvre célèbre Raphaël - « Madone Sixtine ».

Le tableau « La Madone Sixtine » de Raphael Santi a été créé à l'origine par le grand peintre comme image d'autel pour l'église de San Sisto (Saint-Sixte) à Plaisance.

Dans le tableau, l'artiste représente la Vierge Marie avec l'Enfant Jésus, le pape Sixte II et sainte Barbe. Le tableau « La Madone Sixtine » est l’une des œuvres d’art les plus célèbres du monde.

Comment l'image de la Madone a-t-elle été créée ? Était-il là pour lui vrai prototype? À cet égard, un certain nombre de légendes anciennes sont associées à la peinture de Dresde. Les chercheurs trouvent des similitudes dans les traits du visage de la Madone avec le modèle de l'un des portraits féminins de Raphaël, la soi-disant « Dame au voile ». Mais pour résoudre ce problème, il faut tout d'abord prendre en compte la célèbre déclaration de Raphaël lui-même tirée d'une lettre à son ami Baldassare Castiglione selon laquelle, en créant l'image d'un parfait beauté féminine il est guidé par une certaine idée, qui naît de nombreuses impressions des beautés que l'artiste a vues dans la vie. En d’autres termes, la base de la méthode créative du peintre Raphael Santi est la sélection et la synthèse d’observations de la réalité.

Au cours des dernières années de sa vie, Raphaël était tellement surchargé d'ordres qu'il confia l'exécution de beaucoup d'entre eux à ses étudiants et assistants (Giulio Romano, Giovanni da Udine, Perino del Vaga, Francesco Penni et autres), se limitant généralement à surveillance générale des travaux.

Raphaël a eu une énorme influence sur le développement ultérieur de la peinture italienne et européenne, devenant, avec les maîtres de l'Antiquité, le plus haut exemple de perfection artistique. L'art de Raphaël, qui a eu une énorme influence sur Peinture européenne Les XVIe-XIXe siècles et, en partie, le XXe siècles ont conservé pendant des siècles le sens d'une autorité artistique indiscutable et d'un exemple pour les artistes et les spectateurs.

Au cours des dernières années de son travail créatif, à partir des dessins de l’artiste, ses élèves ont créé d’immenses cartons sur des thèmes bibliques avec des épisodes de la vie des apôtres. A partir de ces cartons, les maîtres bruxellois étaient censés créer des tapisseries monumentales destinées à décorer la chapelle Sixtine de vacances.

Peintures de Rafael Santi

Le tableau «Ange» de Raphael Santi a été réalisé par l'artiste à l'âge de 17-18 ans au tout début du XVIe siècle.

Cette magnifique œuvre ancienne du jeune artiste fait partie ou fragment du retable de la Baroncha, endommagé par le tremblement de terre de 1789. Le retable « Couronnement du bienheureux Nicolas de Tolentino, vainqueur de Satan » a été commandé par Andrea Baronci pour sa chapelle personnelle dans l'église de San Agostinho à Citta de Castello. En plus du fragment du tableau « L'Ange », trois autres parties de l'autel ont été conservées : « Le Très-Haut Créateur » et « Sainte Vierge Marie» au Musée de Capodimonte (Naples) et un autre fragment «Ange» au Louvre (Paris).

Le tableau « Madonna Granduca » a été peint par l'artiste Rafael Santi après son déménagement à Florence.

Les nombreuses images de Madones créées par le jeune artiste à Florence (« Madone de Granduca », « Madone au Chardonneret », « Madone aux Verts », « Madone à l'Enfant Christ et Jean-Baptiste » ou « Le Beau Jardinier » et d'autres) ont valu à Raphael Santi une renommée entièrement italienne.

Le tableau «Le rêve d'un chevalier» a été peint par l'artiste Rafael Santi dans les premières années de son travail.

Le tableau provient de l’héritage de Borghèse, probablement associé à une autre œuvre de l’artiste, « Les Trois Grâces ». Ces peintures - "Le Rêve d'un chevalier" et "Les Trois Grâces" - sont presque miniatures en termes de taille de composition.

Le thème du « Rêve du chevalier » est une réfraction unique du mythe antique d’Hercule, à la croisée des incarnations allégoriques de la Valeur et du Plaisir. Près du jeune chevalier, représenté endormi sur fond de magnifique paysage, se tiennent deux jeunes femmes. L'un d'eux, en tenue de cérémonie, lui offre une épée et un livre, l'autre une branche fleurie.

Dans le tableau « Les Trois Grâces », le motif même de la composition de trois figures féminines nues est apparemment emprunté à un camée antique. Et bien qu'il y ait encore beaucoup d'incertitudes dans ces œuvres de l'artiste (« Les Trois Grâces » et « Le Rêve d'un chevalier »), elles séduisent par leur charme naïf et leur pureté poétique. Déjà ici, certaines caractéristiques inhérentes au talent de Raphaël ont été révélées : la poésie des images, le sens du rythme et la douce mélodie des lignes.

Bataille de Saint-Georges avec le Dragon 1504-1505. Musée du Louvre, Paris.

Le tableau « La bataille de Saint-Georges avec le dragon » de Raphael Santi a été peint par l'artiste à Florence, après son départ de Pérouse.

« La bataille de Saint-Georges avec le dragon » est basée sur un récit biblique populaire au Moyen Âge et à la Renaissance.

Le retable « Madone d'Ansidei » de Raphael Santi a été peint par l'artiste à Florence ; le jeune peintre n'avait pas encore 25 ans.

Licorne, animal mythique avec un corps de taureau, de cheval ou de chèvre et une longue corne droite sur le front.

La licorne est un symbole de pureté et de virginité. Selon la légende, seule une jeune fille innocente peut apprivoiser la féroce licorne. Le tableau « Dame à la licorne » a été peint par Raphael Santi d'après une peinture populaire à l'époque de la Renaissance et du maniérisme. intrigue mythologique, que de nombreux artistes ont utilisé dans leurs peintures.

Le tableau « La Dame à la licorne » a été gravement endommagé dans le passé, mais a maintenant été partiellement restauré.

Peinture de Raphael Santi « Madone dans la verdure » ou « Marie et l'Enfant et Jean-Baptiste ».

À Florence, Raphaël crée le cycle de la Madone, marquant le début d'une nouvelle étape dans son œuvre. Parmi les plus célèbres d'entre elles, la « Madone aux Verts » (Vienne, Musée), la « Madone au Chardonneret » (Uffizi) et la « Madone au Jardinier » (Louvre) représentent une sorte de variantes d'un motif commun - le image d'une belle jeune mère avec l'enfant Christ et le petit Jean-Baptiste sur fond de paysage. Ce sont également des variations d'un thème - le thème de l'amour maternel, lumineux et serein.

Tableau du retable "Madonna di Foligno" de Raphael Santi.

Dans les années 1510, Raphaël travaille beaucoup dans le domaine de la composition d’autels. Un certain nombre de ses œuvres de ce genre, dont la Madone de Foligno, nous conduisent à la plus grande création de sa peinture de chevalet : la Madone Sixtine. Ce tableau a été réalisé entre 1515 et 1519 pour l'église Saint-Sixte de Plaisance et se trouve aujourd'hui à la galerie d'art de Dresde.

Le tableau "Madonna di Foligno" dans sa structure de composition est similaire à la célèbre "Madonna Sixtine", à la seule différence que dans le tableau "Madonna di Foligno", il y a plus personnages et l'image de la Madone se distingue par un isolement interne particulier - son regard est occupé par son enfant - l'enfant Christ.

Le tableau « Madonna del Impannata » de Rafael Santi a été créé par le grand peintre presque en même temps que la célèbre « Madone Sixtine ».

Dans le tableau, l'artiste représente la Vierge Marie avec les enfants le Christ et Jean-Baptiste, sainte Elisabeth et sainte Catherine. Le tableau "Madonna del Impannata" témoigne de l'amélioration continue du style de l'artiste, de la complication des images par rapport aux douces images lyriques de ses Madones florentines.

Le milieu des années 1510 fut l'époque des meilleurs portraits de Raphaël.

Castiglione, comte Baldassare (Castiglione ; 1478-1526) - diplomate et écrivain italien. Né près de Mantoue, il servit dans diverses cours italiennes, fut ambassadeur du duc d'Urbino dans les années 1500 auprès d'Henri VII d'Angleterre et à partir de 1507 en France auprès du roi Louis XII. En 1525, déjà à un âge assez avancé, il fut envoyé par le nonce papal en Espagne.

Dans ce portrait, Raphaël s'est révélé être un coloriste hors pair, capable de percevoir la couleur dans ses nuances complexes et ses transitions tonales. Le portrait de la Dame au Voile diffère du portrait de Baldassare Castiglione par ses remarquables qualités coloristiques.

Les chercheurs de l'artiste Raphael Santi et les historiens de la peinture de la Renaissance en trouvent des modèles dans les traits portrait d'une femme La ressemblance de Raphaël avec le visage de la Vierge Marie dans son célèbre tableau "La Madone Sixtine".

Jeanne d'Aragon 1518 Musée du Louvre, Paris.

Le client du tableau est le cardinal Bibbiena, écrivain et secrétaire du pape Léon X ; le tableau était destiné à être un cadeau au roi de France François Ier. Le portrait n'a été commencé que par l'artiste, et on ne sait pas avec certitude lequel de ses élèves (Giulio Romano, Francesco Penni ou Perino del Vaga) l'a terminé.

Jeanne d'Aragon (? -1577) - fille du roi napolitain Federigo (plus tard déposé), épouse d'Ascanio, le prince Taliacosso, célèbre pour sa beauté.

L'extraordinaire beauté de Jeanne d'Aragon a été glorifiée par les poètes contemporains dans de nombreuses dédicaces poétiques, dont le recueil comprenait un volume entier, publié à Venise.

La peinture de l’artiste représente une version classique du chapitre biblique de l’Apocalypse de Jean le Théologien ou de l’Apocalypse.
« Et il y eut une guerre dans le ciel : Michel et ses anges combattirent contre le dragon, et le dragon et ses anges combattirent contre eux, mais ils ne résistèrent pas, et il n'y avait plus de place pour eux dans le ciel. Et le grand dragon fut précipité, cet ancien serpent, appelé le diable et Satan, qui séduit le monde entier, il fut précipité sur la terre, et ses anges furent précipités avec lui..."

Fresques de Raphaël

La fresque de l'artiste Raphael Santi « Adam et Eve » porte également un autre nom : « La Chute ».

La taille de la fresque est de 120 x 105 cm. Raphaël a peint la fresque « Adam et Ève » au plafond de la chambre du pontife.

La fresque de l'artiste Raphael Santi « L'École d'Athènes » porte également un autre nom : « Conversations philosophiques ». La taille de la fresque, la longueur de la base est de 770 cm. Après avoir déménagé à Rome en 1508, Raphaël fut chargé de peindre les appartements du pape - les soi-disant strophes (c'est-à-dire les pièces), qui comprennent trois pièces au deuxième étage du Palais du Vatican et de la salle adjacente. Le programme idéologique général des cycles de fresques dans les strophes, tel que conçu par les clients, était censé servir à la glorification de l'autorité. église catholique et son chef - le grand prêtre romain.

Outre des images allégoriques et bibliques, des fresques individuelles représentent des épisodes de l'histoire de la papauté ; certaines compositions comprennent des portraits de Jules II et de son successeur Léon X.

Le client du tableau « Le Triomphe de Galatée » est Agostino Chigi, un banquier de Sienne ; La fresque a été peinte par l'artiste dans la salle des banquets de la villa.

La fresque de Raphael Santi "Le Triomphe de Galatée" représente la belle Galatée se déplaçant rapidement à travers les vagues sur une coquille tirée par des dauphins, entourée de tritons et de naïades.

Dans l'une des premières fresques exécutées par Raphaël, La Dispute, qui représente une conversation sur le sacrement du sacrement, les motifs cultes étaient les plus importants. Le symbole de la communion lui-même - l'hostie (hostie) - est installé sur l'autel au centre de la composition. L'action se déroule sur deux plans : sur terre et au ciel. En bas, sur une estrade à gradins, les pères de l'Église, les papes, les prélats, le clergé, les anciens et les jeunes étaient situés des deux côtés de l'autel.

Parmi les autres participants, on peut reconnaître Dante, Savonarole et le pieux moine-peintre Fra Beato Angelico. Au-dessus de toute la masse des personnages dans la partie inférieure de la fresque, comme une vision céleste, apparaît la personnification de la Trinité : Dieu le Père, en dessous de lui, dans un halo de rayons dorés, est le Christ avec la Mère de Dieu et Jean le Baptiste, encore plus bas, comme pour marquer le centre géométrique de la fresque, est une colombe en sphère, symbole de l'esprit saint, et sur les côtés les apôtres sont assis sur des nuages ​​flottants. Et tout ce grand nombre de figures, avec une composition si complexe, est distribué avec une telle habileté que la fresque laisse une impression d'une clarté et d'une beauté étonnantes.

Prophète Isaïe 1511-1512. Saint-Agostinho, Rome.

La fresque de Raphaël représente le grand prophète biblique de l'Ancien Testament au moment de la révélation de la venue du Messie. Isaïe (IXe siècle avant JC), prophète hébreu, zélé champion de la religion de Yahweh et dénonciateur de l'idolâtrie. Le livre biblique du prophète Isaïe porte son nom.

L'un des quatre grands prophètes de l'Ancien Testament. Pour les chrétiens, la prophétie d’Isaïe concernant le Messie (Emmanuel ; ch. 7, 9 - « …voici, la Vierge sera enceinte et enfantera un fils, et ils lui donneront le nom d’Emmanuel ») revêt une signification particulière. La mémoire du prophète est vénérée dans l'Église orthodoxe le 9 mai (22 mai), dans l'Église catholique le 6 juillet.

Fresques et dernières peintures Raphaël

La fresque « La délivrance de l'apôtre Pierre de prison », qui représente la libération miraculeuse de l'apôtre Pierre de prison par un ange (une allusion à la libération du pape Léon X de la captivité française alors qu'il était légat du pape), constitue un témoignage très forte impression.

Sur les plafonniers des appartements pontificaux - Stanza della Segnatura, Raphaël a peint les fresques « La Chute », « La Victoire d'Apollon sur Marsyas », « L'Astronomie » et une fresque sur la célèbre histoire de l'Ancien Testament « Le Jugement de Salomon ».
Il est difficile de trouver dans l’histoire de l’art un autre ensemble artistique qui donnerait l’impression d’une telle richesse figurative en termes de conception idéologique et visuelle-décorative que les strophes du Vatican de Raphaël. Murs recouverts de fresques à plusieurs figures, plafonds voûtés au riche décor doré, avec inserts de fresques et de mosaïques, sol beau motif- tout cela pourrait créer une impression de surcharge, sans le grand ordre inhérent au plan général de Rafael Santi, qui apporte la clarté et la visibilité nécessaires à ce complexe artistique complexe.

Avant dernières années Tout au long de sa vie, Raphaël accorde une grande attention à la peinture monumentale. L’une des œuvres les plus importantes de l’artiste est la peinture de la Villa Farnesina, qui appartenait au plus riche banquier romain Chigi.

Au début des années 10 du XVIe siècle, Raphaël peint la fresque « Le Triomphe de Galatée » dans le hall principal de cette villa qui appartient à son les meilleures œuvres.

Les mythes sur la princesse Psyché parlent du désir de l'âme humaine de fusionner avec l'amour. Pour sa beauté indescriptible, les gens vénéraient plus Psyché qu'Aphrodite. Selon une version, une déesse jalouse a envoyé son fils, la divinité de l'amour Cupidon, pour susciter chez la fille une passion pour les personnes les plus laides, cependant, lorsqu'il a vu la beauté, le jeune homme a perdu la tête et a oublié celui de sa mère. commande. Devenu époux de Psyché, il ne lui permit pas de le regarder. Elle, brûlante de curiosité, alluma une lampe la nuit et regarda son mari, sans remarquer une goutte d'huile chaude tombant sur sa peau, et Cupidon disparut. Finalement, par la volonté de Zeus, les amoureux s'unirent. Apulée dans les Métamorphoses raconte le mythe de l'histoire romantique de Cupidon et Psyché ; les voyages de l'âme humaine, aspirant à rencontrer son amour.

Le tableau représente Fornarina, l'amante de Rafael Santi, de son vrai nom Margherita Luti. Le vrai nom de Fornarina a été établi par le chercheur Antonio Valeri, qui l'a découvert dans un manuscrit d'une bibliothèque florentine et dans une liste de religieuses d'un monastère, où la novice a été identifiée comme la veuve de l'artiste Raphaël.

Fornarina est l'amante et modèle légendaire de Raphaël, de son vrai nom Margherita Luti. Selon de nombreux critiques d'art de la Renaissance et historiens de l'œuvre de l'artiste, Fornarina est représentée dans deux tableaux célèbres de Rafael Santi : « Fornarina » et « La Dame voilée ». On pense également que Fornarina, selon toute vraisemblance, a servi de modèle pour créer l'image de la Vierge Marie dans le tableau "La Madone Sixtine", ainsi que dans quelques autres. images féminines Raphaël.

Transfiguration du Christ 1519-1520. Pinacothèque du Vatican, Rome.

Le tableau a été créé à l'origine comme une image d'autel cathédraleà Narbonne, commandée par le cardinal Jules de Médicis, évêque de Narbonne. Les contradictions des dernières années de l'œuvre de Raphaël se reflétaient le plus dans l'immense composition d'autel "La Transfiguration du Christ" - elle fut achevée après la mort de Raphaël par Giulio Romano.

Cette image est divisée en deux parties. La partie supérieure montre la transformation réelle - cette partie plus harmonieuse du tableau a été réalisée par Raphaël lui-même. Ci-dessous se trouvent les apôtres essayant de guérir un garçon possédé.

C’est le tableau d’autel « La Transfiguration du Christ » de Raphael Santi qui est devenu pendant des siècles un modèle incontestable pour les peintres académiques.
Raphaël meurt en 1520. Sa mort prématurée était inattendue et marqua profondément ses contemporains.

Raphael Santi figure à juste titre parmi les plus grands maîtres de la Haute Renaissance.

Peinture de Raphaël Santi

La Renaissance a été une époque de plus grande croissance artistique, où de nombreux merveilleux peintres, sculpteurs et architectes travaillaient en Italie.
L'œuvre de Raphael Santi fait partie de ces phénomènes de la culture européenne qui sont non seulement couverts de renommée mondiale, mais qui ont également acquis une signification particulière - les repères les plus élevés de la vie spirituelle de l'humanité. Depuis cinq siècles, son art est perçu comme l'un des exemples de perfection esthétique.
Le génie de Raphaël s'est révélé dans la peinture, le graphisme et l'architecture. Les œuvres de Raphaël représentent l'expression la plus complète et la plus vivante de la ligne classique, du principe classique de l'art de la Haute Renaissance. Raphaël a créé une « image universelle » d'une belle personne, parfaite physiquement et spirituellement, incarnant l'idée de la beauté harmonieuse de l'existence.

La peinture de Raphaël reflétait le style, l'esthétique et la vision du monde de l'époque, l'ère de la Haute Renaissance. Raphaël est né pour exprimer les idéaux de la Renaissance, le rêve de personne merveilleuse et un monde merveilleux.

Raphaël (plus précisément Raffaello Santi) est né le 6 avril 1483 dans la ville d'Urbino. Il reçoit ses premières leçons de peinture auprès de son père, Giovanni Santi. Quand Raphaël avait 11 ans, Giovanni Santi est mort et le garçon est resté orphelin (il a perdu le garçon 3 ans avant la mort de son père). Apparemment, au cours des 5 à 6 années suivantes, il a étudié la peinture avec Evangelista di Piandimeleto et Timoteo Viti, petits maîtres provinciaux.
L’environnement spirituel qui entourait Raphaël depuis son enfance était extrêmement bénéfique. Le père de Raphaël était l'artiste de la cour et poète du duc d'Urbino, Federigo da Montefeltro. Maître au talent modeste, mais homme instruit, il a inculqué à son fils l'amour de l'art.

Les premières œuvres de Raphaël que nous connaissons ont été interprétées vers 1500 - 1502, alors qu'il avait 17-19 ans. Il s'agit de compositions miniatures « Les Trois Grâces » et « Le Rêve du Chevalier ». 2,3 Ces choses simples, encore timides et étudiantes, sont empreintes d'une poésie subtile et d'une sincérité de sentiment. Dès les premiers pas de sa créativité, le talent de Raphaël se révèle dans toute son originalité, sa propre thématique artistique se dessine.

En 1502, apparaît la première Madone de Raphaël - « Madonna Solly » 4

Peu à peu, Raphaël développe son propre style et crée ses premiers chefs-d'œuvre - « Les Fiançailles de la Vierge Marie avec Joseph » (1504), « Le Couronnement de Marie » (vers 1504) pour l'autel d'Oddi. 5,6

En plus de grandes peintures d'autel, il peint de petits tableaux : « Madonna Conestabile » (1502-1504), « Saint Georges terrassant le dragon » (vers 1504-1505) et des portraits - « Portrait de Pietro Bembo » (1504-1506) 7,8,9 . Le thème de la Madone est particulièrement proche du talent lyrique de Raphaël, et ce n’est pas un hasard s’il deviendra l’un des principaux de son art. Les compositions représentant la Vierge à l'Enfant ont apporté à Raphaël une grande renommée et popularité. Les Madones fragiles, douces et rêveuses de la période ombrienne ont été remplacées par des images plus terrestres et pleines de sang, leur monde intérieur est devenu plus complexe, riche en nuances émotionnelles. Raphaël a créé nouveau genre l'image de la Vierge à l'Enfant - à la fois monumentale, stricte et lyrique, a donné à ce sujet une importance sans précédent.

Florence

Fin 1504, il s'installe à Florence. Il y rencontre Léonard de Vinci, Michel-Ange, Bartolomeo della Porta et bien d'autres maîtres florentins. Étudie attentivement les techniques de peinture de Léonard de Vinci et de Michel-Ange. Un dessin de Raphaël d'après le tableau perdu de Léonard de Vinci « Léda et le cygne » et un dessin de « Saint-Pierre ». Matthieu" Michel-Ange. "...les techniques qu'il a vues dans les œuvres de Léonard et de Michel-Ange l'ont obligé à travailler encore plus dur afin d'en tirer des bénéfices sans précédent pour son art et sa manière." dix

« Portrait de dame à la licorne » (1505-1506, Rome, Galerie Borghèse) figurait dans le catalogue du musée du XVIIIe siècle sous le nom de « Sainte Catherine » ;

en effet : les mains de la femme étaient croisées différemment, un manteau couvrait ses épaules, et il y avait une roue cassée et une branche de palmier – emblèmes du martyre du saint. Lors de la restauration en 1935, les rayons X ont révélé que ces éléments avaient été attribués à une autre main, et lorsque la couche supérieure a été retirée, le tableau est apparu dans sa forme originale et banale. " Sainte famille avec un agneau" (Madrid, Prado), avec la date - 1507, - une incarnation presque complète des études de Léonard et, enfin, "La Sainte Famille" (aujourd'hui dans l'ancienne Pinacothèque de Monaco), exécutée en 1507-1508 pour Domenico Canigiani, gendre de Lorenzo Nasi . 11,12

Comme la licorne et le collier du tableau précédent, la décoration du Portrait de Maddalena Doni (1506, Florence) symbolise la chasteté. image caractéristique personnes Dans « Portrait d'une dame à la licorne » (Rome, Galerie Borghese), « Portraits des époux Doni » (Florence, Galerie Pitti), « Enceinte » (Florence, Galerie Pitti) et, enfin, « Muette » (Urbino, Galerie Nationale des Marches) Sanzio travaille les poses, donne aux visages une expression digne, sévère, calme, parfois un peu triste, conçoit soigneusement les costumes. 13. 14

Madones florentines

À Florence, Raphaël a créé une vingtaine de Madones. Bien que les intrigues soient standards : soit la Madone tient l'Enfant dans ses bras, soit il joue à côté de Jean-Baptiste, toutes les Madones sont individuelles et se distinguent par un charme maternel particulier (apparemment mort précoce mère a laissé une profonde empreinte dans l’âme de Raphaël).

La renommée croissante de Raphaël entraîna une augmentation des commandes de Madones ; il créa la « Madone de Granduca » (1505), la « Madone aux œillets » (vers 1506) et la « Madone sous le dais » (1506-1508). Les meilleures œuvres de cette période comprennent « Madonna Terranuova » (1504-1505), « Madonna with the Goldfinch » (1506), « Madonna and Child and John the Baptist (The Beautiful Gardener) » (1507-1508). 15,16

Vatican

Dans la seconde moitié de 1508, Raphaël s'installe à Rome (où il passera le reste de sa vie) et devient l'artiste officiel de la cour papale. Il fut chargé de peindre à fresque la Stanza della Segnatura. Pour cette strophe, Raphaël a peint des fresques reflétant quatre types d'activité intellectuelle humaine : la théologie, la jurisprudence, la poésie et la philosophie - « Dispute » (1508-1509), « Sagesse, tempérance et force » (1511) et le plus remarquable « Parnassus ». (1509 -1510) et « l'École d'Athènes » (1510-1511). 17-20

Le Parnasse représente Apollon avec neuf muses, entouré de dix-huit poètes grecs, romains et italiens célèbres. « Ainsi, sur le mur qui fait face au Belvédère, où se trouvent le Parnasse et la source de l'Hélicon, il peint sur le sommet et les pentes de la montagne un bosquet ombragé de lauriers, dans la verdure duquel on sent le tremblement des feuilles, se balançant sous le souffle le plus doux des vents, tandis que dans l'air il y a une infinité de nombreux amours nus, avec l'expression la plus charmante sur leurs visages, arrachent branches de laurier, les tressant en couronnes, dispersées par eux sur toute la colline, où tout est recouvert d'un souffle véritablement divin - à la fois la beauté des figures et la noblesse du tableau lui-même, qui étonne quiconque le regarde attentivement. comment un génie humain a pu, malgré toutes ses imperfections peindre simplement, faire en sorte que, grâce à la perfection du dessin, l'image picturale semble vivante.

"L'École d'Athènes" est une composition brillamment exécutée à plusieurs figures (environ 50 personnages), qui présente des philosophes antiques, dont beaucoup Raphaël a donné les traits de ses contemporains, par exemple, Platon est peint à l'image de Léonard de Vinci, Héraclite à l'image de Michel-Ange, et debout au bord droit, Ptolémée ressemble beaucoup à l'auteur de la fresque. "Il représente les sages du monde entier, discutant les uns avec les autres de toutes les manières... Parmi eux, il y a Diogène avec son bol, allongé sur les marches, figure très réfléchie dans son détachement et digne d'éloges pour sa beauté et pour les vêtements qui lui conviennent si bien... La beauté des astrologues et des géomètres mentionnés ci-dessus, qui dessinent toutes sortes de figures et de signes sur des tablettes avec des compas, est vraiment inexprimable.

Dans la strophe d'Eliodoro, « L'expulsion d'Eliodore du Temple » (1511-1512), « Messe à Bolsena » (1512), « Attila sous les murs de Rome » (1513-1514) ont été créés, mais le plus réussi fut la fresque « La libération de l'apôtre Pierre de prison » (1513-1514) 21 . « L'artiste n'a pas montré moins d'habileté et de talent dans la scène où St. Pierre, libéré de ses chaînes, sort de prison accompagné d'un ange... Et comme cette histoire est représentée par Raphaël au-dessus de la fenêtre, tout le mur apparaît plus sombre, puisque la lumière aveugle le spectateur qui regarde la fresque. La lumière naturelle tombant de la fenêtre rivalise si bien avec les sources de lumière nocturne représentées qu'il semble que vous voyiez vraiment sur le fond de l'obscurité nocturne à la fois la flamme fumante d'une torche et le rayonnement d'un ange, transmis si naturellement et si à vrai dire, on ne dirait jamais qu'il ne s'agit que de peinture - telle est la conviction avec laquelle l'artiste a incarné l'idée la plus difficile. En effet, sur l'armure, on peut discerner ses propres ombres tombantes, ses reflets et la chaleur enfumée de la flamme, se détachant sur le fond d'une ombre si profonde qu'on peut vraiment considérer Raphaël comme le professeur de tous les autres artistes, qui ont réalisé une telle similitude dans la représentation de la nuit que la peinture n'avait jamais atteinte auparavant."

En 1513-1516, Raphaël, à la demande du pape, se lança dans la production de cartons avec des scènes de la Bible pour dix tapisseries destinées à la Chapelle Sixtine. Le carton le plus réussi est « Wonderful Catch » (au total, sept cartons ont survécu à ce jour). 22

Madones romaines

A Rome, Raphaël peint une dizaine de Madones. La Madone d'Alba (1510), la Madone de Foligno (1512), la Madone au Poisson (1512-1514) et la Madone au Fauteuil (vers 1513-1514) se distinguent par leur majesté.

La création la plus parfaite de Raphaël était la célèbre « Madone Sixtine » (1512-1513). )23 . Ce tableau a été commandé par le Pape. La Madone Sixtine est véritablement symphonique. L'entrelacement et la rencontre des lignes et des masses de cette toile étonne par son rythme et son harmonie internes. Mais le plus phénoménal dans cette grande toile, c'est la mystérieuse capacité du peintre à rassembler toutes les lignes, toutes les formes, toutes les couleurs dans une correspondance si merveilleuse qu'elles ne servent qu'à une seule, la volonté principale de l'artiste : nous faire regarder, regarder inlassablement. dans les yeux tristes de Marie.

DANS 1515-1516 Pendant des années, il crée avec ses élèves des cartons pour tapis destinés à décorer la Chapelle Sixtine pendant les vacances.

La dernière œuvre est « Transfiguration"(1518-1520) - réalisé avec une participation importante des étudiants et achevé par eux après la mort du maître. 24

Caractéristiques de la créativité de Raphaël

Ce qui frappe dans l’œuvre de Raphael Santi, c’est avant tout l’imagination créatrice inépuisable de l’artiste, dont on ne retrouve une telle perfection chez personne d’autre. L'index des peintures et dessins individuels de Raphaël couvre 1225 numéros ; dans toute cette masse de ses œuvres on ne trouve rien de superflu, tout respire la simplicité et la clarté, et ici, comme dans un miroir, le monde entier se reflète dans sa diversité. Même ses madones plus haut degré sont différents : à partir d'une idée artistique - l'image d'une jeune mère avec un enfant - Raphaël a pu extraire tant d'images parfaites dans lesquelles elle pourrait se manifester. Une autre caractéristique distinctive de l'œuvre de Raphaël est la combinaison de tous les dons spirituels dans une merveilleuse harmonie. . Raphaël n'a rien de dominant, tout se combine dans un équilibre extraordinaire, dans une beauté parfaite. La profondeur et la force du concept, la symétrie naturelle et l'exhaustivité des compositions, la répartition remarquable de la lumière et de l'ombre, la véracité de la vie et du caractère, la beauté de la couleur, la compréhension du corps nu et des drapés - tout est harmonieusement combiné. dans son travail. Cet idéalisme multiforme et harmonieux de l'artiste de la Renaissance, ayant absorbé presque tous les mouvements, ne s'y soumet pas dans sa puissance créatrice, mais crée son propre original, le revêt de formes parfaites, fusionnant la piété chrétienne du Moyen Âge et de la l'étendue de la vision de l'homme nouveau avec le réalisme et la plasticité du monde gréco-romain. Parmi la grande foule de ses disciples, peu d’entre eux dépassaient la simple imitation. Giulio Romano, qui prit une part significative dans les œuvres de Raphaël et acheva la Transfiguration, fut Meilleur étudiant Raphaël.