Peintures de Claude Lorrain avec descriptions. Chefs-d'œuvre mondiaux de la peinture

Claude Lorrain est né le 28 mai 1600 à Chamagne, France. Depuis son enfance, le garçon rêvait de devenir pâtissier. Étudier à l'école était difficile pour lui. Et après avoir étudié pendant un certain temps, il abandonne ses études pour maîtriser les techniques de confiserie.

En 1613, il atterrit à Rome. Ne connaissant pas l'italien, il s'engage comme domestique dans la maison du peintre paysagiste Agostino Tassi, qui devient son premier professeur. Grâce à lui, Claude a appris quelques techniques et compétences techniques.

De 1617 à 1621, Lorrain vécut à Naples et étudia avec un autre artiste, l'Allemand Gottfried Waltz. Quatre ans plus tard, l'artiste retourne dans son pays natal où il commence à peindre des décors architecturaux dans des œuvres commandées à Claude Deruet, peintre de la cour du duc de Lorraine.

En 1639, le roi espagnol Philippe IV commanda à Lorrain sept œuvres, dont deux paysages avec des ermites. Parmi les autres clients figuraient le pape Urbain VIII et le cardinal Bentivoglio.

Cinq ans plus tard, Claude Lorrain débute Liber veritatis, sorte de catalogue où il dessine chacun de ses tableaux et note le nom du propriétaire. Cet ouvrage manuscrit regroupe 195 œuvres de l'artiste. Le livre est conservé au British Museum de Londres.

Claude Lorrain peint L'Enlèvement d'Europe en 1655. Il illustre une intrigue de la mythologie grecque antique, qui raconte l'histoire d'Europe, la fille du roi Agénor, qui a été kidnappée par le dieu du tonnerre Zeus, se transformant en taureau blanc. Ce mythe était très populaire.

De nombreux artistes de l'époque l'ont transmis à leur manière : certains se sont fixés pour objectif de restituer la scène du kidnapping le plus fidèlement possible : dynamique et passionnante, tandis que d'autres ont été attirés par l'environnement qui les entoure. Claude Lorrain appartenait à la deuxième catégorie. Comme dans le tableau « Matin », les personnages de ce tableau jouent un rôle mineur. La base est l'image de la nature et son unité avec l'homme.

La dernière œuvre de Lorrain, « Paysage avec Oskanius tirant sur un cerf », située au musée d'Oxford, a été achevée l'année de la mort de l'artiste et est considérée comme un véritable chef-d'œuvre.

Son talent était admiré par les papes et les cardinaux, les aristocrates et les diplomates, les rois et les marchands les plus riches. Les peintures de Lorrain sont bibliques, mythologiques ou pastorales motifs de l'intrigue complètement subordonné à l'image du beau, nature majestueuse. Pour lui, la nature était un exemple d'univers sublime et parfait, dans lequel règnent la paix et une proportionnalité claire.

Œuvres de Claude Lorrain

"Port de mer" (vers 1636), Louvre
« Paysage avec Apollon et Marsyas » (vers 1639), Musée A. S. Pouchkine
"Le départ de St. Ursula" (1646), Londres, National Gallery
"Paysage avec Acis et Galatée" (1657), Dresde
"Paysage avec la pénitente Marie-Madeleine"
"Le viol d'Europe"
« Après-midi » (Repos pendant la fuite en Égypte) (1661), Ermitage
"Soirée" (Tobias et l'Ange) (1663), Ermitage
"Matin" (filles de Jacob et Laban) (1666), Ermitage
"Nuit" (La lutte de Jacob avec l'ange) (1672), Ermitage
"Vue du rivage de Délos avec Enée" (1672), Londres, National Gallery
"Ascanius chassant le cerf de Silvina" (1682), Oxford, Ashmolean Museum
"Paysage avec des satyres et des nymphes dansants" (1646), Tokyo, Musée national de l'art occidental
« Paysage avec Acis et Galatée » de la Galerie d'art de Dresde est l'une des peintures préférées de F. M. Dostoïevski ; sa description est contenue notamment dans le roman « Démons ».

Autoportrait de Liber Veritatis Gravure de J. von Sandrart

L’art de voir la nature est aussi difficile que la capacité de lire les hiéroglyphes égyptiens.
Francis Bacon

Vous avez probablement admiré plus d’une fois l’éclairage des paysages de Claude Lorrain, qui semble plus beau et idéal que la lumière de la nature. Alors, c'est la lumière de Rome !
Pavel Mouratov

Les romantiques ont vu la sincérité des sentiments de Claude Lorrain dans sa vision de la nature, la « musicalité » particulière des combinaisons de couleurs et la subtilité de transmettre diverses impressions de la nature. Eugène Delacroix cependant, dans dans une plus grande mesure J'ai été captivé par le talent de Nicolas Poussin. Il pensait que le célèbre contemporain de Claude avait réussi à pénétrer plus profondément dans le monde intime avec ses œuvres. l'âme humaine, l'éveillant à l'empathie pour la beauté particulière des paysages italiens. Mais Claude Lorrain s'avère plus proche du plus grand paysagiste anglais, John Constable. En six conférences sur peinture de paysage, lu par lui en 1836 à la Royal Institution de Worcester, il accorda une grande attention à « Claude », comme l'appelaient les Britanniques.

Jugement de Pâris. 1645

Constable a écrit sur le travail acharné d'un artiste étranger venu à Rome et qui étudiait minutieusement à l'Académie le soir et « travaillait dans les champs » pendant la journée, c'est-à-dire peignait dans la Campanie romaine. Constable croyait que Claude avait atteint la maîtrise de la représentation de personnages, puisque les personnages qu'il peignait lui-même étaient « exécutés sans erreurs », contrairement à ceux représentés dans ses paysages par d'autres maîtres. Constable a toujours défendu son point de vue selon lequel « la peinture ne tolère pas la créativité commune ». Il qualifie Claude Lorrain d'artiste « dont les peintures ont donné aux gens pendant deux siècles une joie inépuisable » et « qui a atteint la perfection dans ses paysages, cette perfection accessible à l'homme ». Parlant des paysages comme de « l’idée originale de la peinture historique », Constable a trouvé dans les œuvres de Claude « la capacité de combiner l’éclat des couleurs avec l’harmonie, la chaleur avec la fraîcheur, l’obscurité avec la lumière ». C'est Constable qui a noté dans ses paysages «presque toujours un soleil brillant», une diversité tonale, un contraste ou une harmonie de lumière et d'ombre, qui résultent de modifications des reflets de la lumière, de changements de couleur sous l'influence de ces reflets et réfractions. Croire qu'« une image est expérience scientifique", et étant un maître du XIXe siècle, Constable a essayé de comprendre en détail la méthode de Claude : " Pour la lumière du soleil, il n'a qu'un jaune et un blanc de plomb, pour les ombres profondes - seulement de l'ombre et de la suie. La transparence est là où le travail de Claude excelle ; transparence, quelle que soit la couleur, car quelle couleur y a-t-il. Constable a également écrit de manière figurée sur le fait que chaque fois propose ses propres tâches à l'artiste. Il est impossible de l'inverser, et l'imitation du style des paysages individuels de Claude Lorrain semble anachronique dans la nouvelle ère. « Je pourrais enfiler un costume Claude Lorrain et sortir avec ; et beaucoup de ceux qui connaissent superficiellement Claude Lorrain s'inclinaient devant moi en ôtant leur chapeau, mais finalement je rencontrais quelqu'un qui le connaissait ; il m’aurait dénoncé et j’aurais été soumis à un mépris bien mérité… »
Constable fut le premier des maîtres du XIXe siècle à ressentir la recherche de Claude du « langage de la lumière » (paroles de Charles Daubigny - E.F.). C'est ce désir de transmettre les nuances les plus subtiles de l'éclairage, qui jouent un rôle si important dans la représentation de la vie vivante et vibrante de la nature, qui a attiré les maîtres du XIXe siècle vers l'héritage de Claude Lorrain. Joseph Melord Turner et les impressionnistes français appréciaient grandement son travail. Théodore Rousseau a copié les tableaux de l'artiste au Louvre. Ses vues de la campagne romaine attirent Camille Corot et Charles Daubigny admire l'habileté de Claude à transmettre l'éclairage du coucher du soleil.
Des opinions complètement différentes ont également été exprimées sur le talent de Claude Lorrain. Par exemple, Eugène Fromentin, auteur du livre Maîtres anciens (1876), classiciste sur vues esthétiques, qui défend le rôle décisif des maîtres hollandais du XVIIe siècle dans le développement du paysage européen, écrit qu'il y a peu d'originalité dans les œuvres du maître français, bien qu'il sache « peindre la lumière ». Fromentin caractérise ainsi Claude Lorrain : « un artiste essentiellement simple d'esprit, même si les gens l'abordent solennellement, ils l'admirent, mais ils n'apprennent pas de lui, et surtout, ils ne s'arrêtent pas à lui et, bien sûr. bien sûr, ils ne reviennent pas vers lui. John Ruskin était également strict dans son évaluation de Claude Lorrain, affirmant qu'il était un peintre aux capacités médiocres et qu'il « ne pouvait bien faire qu'une chose, mais la faire mieux que toutes les autres ». Le critique et historien de l’art anglais pensait également à la possibilité de « représenter le soleil dans le ciel ». Il s’indigne du « caractère artificiel » des paysages de Claude. Peut-être que Ruskin ne connaissait pas très bien la Campanie romaine et n'avait pas senti à quel point l'artiste ressentait profondément « l'âme » de ce « pays » légendaire, commençant au-delà des portes de Rome.
Pour le goût exigeant des spectateurs des XX-XXI siècles, Claude Lorrain reste un classique, un maître inégalé dans la représentation de la beauté et de la grandeur de l'univers, incarnant, comme au cours des deux siècles précédents, le rêve d'un âge d'or. Après tout, avec la main légère d'Ovide, qui divisait la vie de l'humanité en quatre étapes, l'âge d'or a toujours été rêvé dans le passé plutôt que dans le futur. Tout ce qui a été dit des personnes célèbresà propos de Claude Lorrain permet d'imaginer l'ampleur de cet artiste. Son art ne laisse personne indifférent et suscite la réflexion. Mais enfin, il convient de se tourner vers la biographie du « brillant Claude », les étapes de la créativité, les œuvres marquantes et sa méthode de travail.

Claude Jelle (1600-1682) est né près de Lunéville en Champagne dans le domaine du duc de Lorraine. D'où l'origine de son surnom - Claude Lorrain. De lui-même, il disait : « Claude Jelle, surnommé Le Lorrain ». Des informations assez rares sur sa biographie ont été conservées dans les œuvres d'auteurs faisant autorité du XVIIe siècle - J. von Sandrart, mentionné précédemment, ainsi que F. Baldinucci, G. Baglione, J.P. Bellori, Félibien. Ce dernier était plus attiré par un autre « sommet » de l'art français du XVIIe siècle : Poussin. Au XVIIe siècle, Claude Lorrain est mentionné par L. Pascoli, le comte d'Argenville et L. Lanzi. Au XIXe siècle, l’Anglais J. Smith dresse un catalogue assez complet des peintures de l’artiste, le classant parmi les maîtres européens les plus célèbres.
"Claude Jelle, surnommé Le Lorrain" - c'est ainsi que Claude Lorrain s'est signé dans trois lettres survivantes (archives Fürstenberg, Poorglitz). Ils sont adressés au comte Friedrich von Waldenstein et concernent l'exécution de deux toiles pour le client. Outre ces lettres, selon les deux chercheurs étrangers modernes les plus célèbres de l’œuvre de Claude Lorrain, M. Roethlisberger et M. Kitson, les informations les plus fiables sur l’artiste se trouvent dans les œuvres de I. von Sandrart et F. Baldinucci.
Une source importante pour restituer les faits de sa biographie et déterminer les étapes de son travail est l'album de dessins Liber Veritatis (1636-1650, British Museum, Londres). Il contient 195 dessins de Claude Lorrain tirés de ses peintures. L'artiste les a créés afin d'éviter les contrefaçons (ce qui est aussi une preuve de sa popularité) et d'enregistrer ses œuvres en mémoire. Les feuilles sont datées et signées ; les noms des clients des tableaux y sont indiqués. Le portrait de Claude Lorrain pour cette série a été réalisé d'après les dessins de I. von Sandrart. On connaît également le portrait de l'artiste réalisé par Joshua Boydell (d'après un dessin de Lorrain lui-même) pour la publication de Liber Veritatis (1777, Londres). L’histoire des dessins parvenus au British Museum est assez intéressante, longue et déroutante. L’album a été hérité par la fille de l’artiste, Agnese, et après sa mort, il est allé à son neveu. Puis il émigre de France vers les Flandres et se retrouve à nouveau dans la patrie de Claude Lorrain, où Desailers d'Argenville, célèbre collectionneur et amateur d'art, l'achète à un Marchand. Il proposa d'acheter les dessins au roi, mais celui-ci refusa ; dans les années 1770, ils furent achetés par le deuxième duc de Devonshire et, en 1837, ils furent exposés dans sa galerie. Ce n’est que plus tard que le British Museum devint propriétaire de ce trésor national.
Claude Jelle était apparemment le troisième ou quatrième enfant de la famille. Son premier mentor dans l’apprentissage du métier est considéré comme son frère aîné, sculpteur sur bois. Vers 1613, Claude arrive à Rome, où il commence à travailler sous la direction du peintre Agostino Tassi (1565-1644), dont l'atelier réalise des commandes de peintures de palais. Selon Filippo Baldinucci, il a visité Naples (années inconnues), où il a travaillé avec le peintre Goffredo Walls. Le départ de Claude Lorrain pour Nancy, capitale du duché de Lorraine, remonte à 1625 ou 1627, où il séjourna environ un an et demi, collaborant avec Claude Darouet à l'exécution des fresques de l'église des Carmes. En 1627, l'artiste quitte Nancy et rentre à Rome le 18 octobre.

Le viol d'Europe. 1655

Selon les informations de Baldinucci et Zandrart, le premier peintures Claude Lorrain à Rome a peint les murs de deux palais vers 1627 - le palais Muti-Papazziuri (aujourd'hui palais Balestra-Crescenzi) sur la Piazza Santi Apostoli et le palais Crescenzi sur la Piazza della Rotonda. Les fresques des deux n'ont pas survécu et ne sont connues que par des descriptions. L'artiste a reçu la commande de peindre le premier palais grâce à son ami Claude Mellen, qui y a réalisé les fresques du plafond. Pour la famille Muti, comme en témoigne Baldinucci, Claude Lorrain a peint des cassone (coffres de mariage) destinés à une autre maison (non conservée) de ces clients, située sur la Piazza di Spagna près de l'église de Santa Trinita dei Monti. Joachim von Sandrart mentionne que dans le Palazzo Crescenzi l'artiste a peint sept « paysages avec des ruines » (trois en ovales, quatre en quadrifolia), les décorant d'une frise représentant des putti. Des frises similaires ont déjà été exécutées par Agostino Tassi et ses élèves dans les peintures du palais du Quirinal et du palais Doria Pamphilj à Rome. Le style de Tassi, disciple du paysagiste flamand Paul Bril (1554-1626) et travaillant à Rome à partir de la fin du XVIIe siècle, eut une influence significative sur Claude Lorrain. Malheureusement, c'est tout ce que l'on sait de ses premières œuvres à Rome. Il s'installe sur la Via Margutta, près de la Place d'Espagne et de l'église de Santa Trinita dei Monti, située parmi les jardins de la Villa Médicis. Dans ce quartier vivaient les artistes étrangers venus dans la Ville éternelle dans le premier tiers du XVIIe siècle.
Rome, recouverte de la gloire des chefs-d'œuvre antiques, et la nature de l'Italie, imprégnée de la lumière du soleil du sud, ont enchanté Claude Lorrain. Comme beaucoup de ses compatriotes, il rejoint le courant dominant des maîtres de « l’école romaine », composée d’artistes des pays du Nord et du Sud arrivés ici dans le premier tiers du XVIIe siècle. Ils étaient attirés par l'ébullition vie artistique dans la Ville Eternelle, super patrimoine artistique de nombreuses époques - l'Antiquité, le Moyen Âge, la Renaissance, la naissance des idéaux du Nouvel Âge. Les maîtres des pays du Nord fuyaient le fléau des guerres de religion qui régnaient dans leur patrie. Pour les Français, rester en Italie, c'est acquérir une liberté de création. Dans les années 1620-1630, ils n'étaient pas attirés par Paris, qui n'était pas encore le centre culture européenne, ce qu'elle sera sous le Roi Soleil Louis XIV (1638-1715). Mais sous le père de ce roi (Louis XIII), qui dirigeait le pays depuis 1610, une voie était déjà clairement tracée vers le renforcement du pouvoir du monarque, vers la subordination inconditionnelle de toute politique artistique à la glorification de l'absolutisme. L'Ordre des Jésuites a acquis une force particulière en canonisant les noms de saint Ignace de Loyola et de son disciple saint François Xavier. L'Ordre a construit deux belles églises - Sant Andrea al Quirinale et Il Gesu (église de la Mère du Christ), et a patronné les activités missionnaires des Jésuites. Le style baroque, dans l’esthétique duquel il y avait un désir d’étonner l’imagination du spectateur avec des formes et des images inhabituelles, répondait le plus fidèlement aux tâches de la Contre-Réforme. O Maîtres talentueux du savant Bologne - les frères Carracci, Domenichino, Guercino, Guido Reni étaient les créateurs les plus célèbres de ces peintures baroques. Ils y combinèrent habilement leurs impressions tirées des œuvres des maîtres de la Renaissance (Raphaël, Corrège,
Michel-Ange), passion pour les classiques anciens. Les peintures qu'ils ont exécutées avec leurs couleurs vives, leurs manières et leur éclat rappelaient performance théatrale, s'élevant au-dessus du spectateur comme dans le ciel.
Les entreprises de construction des Jésuites servaient à exalter le pouvoir des pontifes Ville Eternelle. Et les papes eux-mêmes - Paul V Borghèse (1605-1621), Urbain VIII Barberini (1622-1654), Alexandre VII Chigi (1655-1667), Innocent IX Odescalchi (1676-1689), qui dirigèrent successivement le trône, patronnèrent les artistes et architectes, étaient des mécènes et des collectionneurs. Les artisans romains rêvaient de gagner la faveur particulière des papes et des représentants des familles nobles, qui cherchaient à renforcer leur importance par la construction de palais et de villas. Le cardinal Francesco Barberini est devenu le patron de Nicolas Poussin, et le cardinal Pietro Aldobrandini était connu comme un admirateur de la douce grâce des images du Bolognese Guido Reni.

Paysage avec Jacob, Laban et ses filles. 1654 Assemblée nationale Chesworth House, Londres

Lors de l'arrivée (ou plutôt du retour) de Claude Lorrain à Rome en 1627, le nom du peintre lombard Caravage n'était pas encore oublié. Des artistes de nombreux pays sont devenus des adeptes fidèles de ses innovations : des techniques spéciales de transmission de l'éclairage qui révèlent l'énergie spirituelle interne des images, une plasticité puissante des figures et des objets représentés et un intérêt pour le type populaire commun. Ses disciples seront nombreux parmi les maîtres français. L'influence du Caravage était également évidente dans le développement peinture domestique, nature morte, c’est-à-dire des genres considérés comme « faibles » par rapport aux peinture historique(peintures sur les thèmes religieux, historiques et histoires mythologiques). Le paysage devient de plus en plus indépendant dans la hiérarchie des genres, mais ne peut rivaliser avec la peinture historique.
Mais la « magie de Rome » et Campagna, qui personnifiaient « l’éternité » de Rome, inextricablement liée à son image, ont inspiré les artistes à travailler dans le paysage. Son paysage a suscité l'admiration pour l'histoire de la Ville éternelle, captivant l'imagination avec des souvenirs historiques ressuscités. Les vues idéales de la campagne romaine ont été véhiculées dans leurs dessins et peintures par des artistes italiens hollandais et flamands qui ont travaillé en Italie. Des toiles au personnel biblique et mythologique dans des paysages à l'éclairage nocturne mystérieux ont été créées par l'Allemand Adam Elsheimer. Les traditions de la peinture paysagère du Nord et de l'Italie se sont transmises par les artels des maîtres, à la fin du XVIe siècle - début XVIe 1er siècle, qui travaillèrent ensemble aux peintures de villas et de palais. Parmi eux se trouvaient des maîtres talentueux de la peinture paysagère - Paul et Matthias Bril, les Italiens Antonio Tempesta et le professeur de Claude Lorrain, Agostino Tassi. Le pape Paul V Borghèse appréciait la peinture de paysage et invitait les maîtres italiens et nordiques à peindre les chambres du nouveau palais du Vatican, où ils représentaient des figures de saints, d'ermites et de bâtiments architecturaux dans des paysages. Sous l'influence des maîtres du Nord, dans la première décennie du XVIIe siècle, la peinture de paysage est née par l'Italien Annibale Carracci, l'un des peintres les plus talentueux de la famille bolognaise Carracci.
Le mot « bucolique » provient d’un genre de poésie ancienne qui glorifie le monde pastoral idéalisé, la vie rurale dans sa simplicité. Les origines du mot bucolique se trouvent dans un chant folklorique de berger, d'où sa douce mélodie. Les paysages de Claude Lorrain, dans lesquels sont représentés les personnages, rappellent aussi un certain rêve onirique L'Ancien Testament ou de la mythologie, les héros de l'Enéide de Virgile ou des Métamorphoses d'Ovide. Et il est difficile de dire si les sentiments de ces personnages littéraires trouvent écho dans le motif du paysage, ou s'ils évoquent eux-mêmes, par leur présence dans les peintures, l'histoire « éternelle » du paysage romain, apparaissant en unité poétique avec lui. Ils vivent dans un univers créé par l’imagination de l’artiste, dans lequel le véritable paysage italien est immédiatement reconnaissable. Les ports de Claude Lorrain nous rappellent la côte maritime de la Campanie, l'ancienne Ostie, le bord de mer de Castel Fusano, où il aimait capturer des instants de lumière méridionale et changeante ou, selon les mots de Virgile, « l'obscurité qui vole rapidement de la nuit." Dans les scènes de « débarquement » ou de « navigation » souvent représentées par l'artiste, on retrouve des épisodes de l'Énéide sur l'arrivée du prince troyen Énée et de ses amis soit sur l'île de Délos, soit en Sicile, soit à Carthage, sur les rivages de l'Afrique. Et partout il reproduit les navires « à double aviron » décrits par le poète romain, c'est-à-dire avec des rames des deux côtés. Parmi les bâtiments architecturaux qui jouent un rôle important dans ses paysages, les arcs de triomphe romains, le Panthéon, le temple de la Sibylle à Tivoli et la Villa Médicis, près de laquelle il vivait, sont facilement reconnaissables. Un certain Elysée, où vivent ses personnages, évoque immédiatement l'image de la Campanie romaine avec ses vallées, ses collines, ses montagnes au loin, parmi lesquelles coule pittoresquement le Tibre, ses chemins forestiers se croisent aux carrefours, ses villas sont dispersées, ses ruines aqueducs, vieux ponts, ruines d'édifices couverts de lierre, Les silhouettes d'arbres puissants s'assombrissent. Et tout cet endroit enchanté est enveloppé d'une brume brumeuse spéciale qui adoucit la forme. Derrière les monts Sabine ou Alban se lève le Soleil, cette « torche phébéenne », comme l'appelle Virgile dans l'Énéide. Et sur fond de surface illimitée de la mer, absorbant sa lumière, apparaissent des images de Troyens errant le long de son rivage, voyageant sous les auspices des dieux. Je ne peux m’empêcher de vouloir appeler sublimement cette mer « pontus », comme l’appelait le poète romain. Diverses images de l'Énéide, reproduits dans les tableaux de Claude Lorrain, ne constituent pas une intrigue dans ses toiles, ce sont simplement des figures sur le fond du paysage, qui sont en quelque sorte un « fond », mais lui donnant une sonorité poétique . Dans les œuvres de l’artiste, tout est compositionnel aussi réfléchi que l’alternance de syllabes longues et courtes dans chacun des six pieds du poème. Pour Claude Lorrain, c'est de la « peinture sonore » en peinture, comme pour Virgile, c'est en mots. C'est la même capacité la plus élevée à transmettre l'image de la nature, son humeur émotionnelle.

Paysage avec le Temple de la Sibylle à Tivoli. 1644

En Italie, Claude Lorrain n'est pas devenu l'auteur de doctrines artistiques, comme Nicolas Poussin, féru d'esthétique antique, qui a créé un traité sur les modes (« Dorien strict », « Lydien triste », « Ionien joyeux », comme appelait Aristote). eux. - E.F), c'est-à-dire les modes musicaux d'un certain son émotionnel, qu'il a incarné dans la peinture.
Il n’était pas enclin à une telle théorisation rationnelle, mais les paysages créés par Claude Lorrain contiennent également une certaine « musicalité » en transmettant le sentiment de l’artiste à partir du motif du paysage. Ils sont construits selon le principe d'un paysage classique : avec des plans clairement alternés, le premier sombre et le deuxième et troisième plus clair. Les arbres et l’architecture créent des coulisses, comme s’ils fournissaient une « zone de scène » aux personnages au premier plan. Mais les personnages ne sont pas un « répertoire » de ses peintures, représentés sur fond d’espace paysager profond ; ils sont plutôt son diapason, tout comme le choix d’un motif naturel, et ensemble ils donnent naissance à une certaine ambiance unifiée. Le style pictural de l’artiste, basé sur la recherche des relations les plus fines et des dégradés de tons (valeurs) qui véhiculent les effets de lumière, sert également à révéler cette perception subtile de la nature.
Comme chez d'autres grands maîtres du XVIIe siècle, le dessin occupe une grande place dans le processus de l'œuvre de Claude Lorrain. Ce type de graphisme était encore associé à la peinture et les dessins avaient rarement une signification indépendante. Les dessins de l'artiste sont variés. Environ 1 200 d'entre eux ont survécu, parmi lesquels, pour la plupart, des esquisses (compositions graphiques préparatoires) de peintures dans lesquelles se développaient l'intrigue, la construction de l'espace, la représentation des poses et les plis des vêtements ; dans une moindre mesure - des croquis d'après nature, dans lesquels il cherchait à capturer le motif du paysage qu'il aimait, l'effet de la lumière et de l'ombre ; ainsi que des dessins de l'album Liber Veritatis. Claude Lorrain n'est cependant pas seulement un dessinateur de talent : à partir des années 1630, il pratique la gravure, créant de véritables chefs-d'œuvre grâce à la technique de l'eau-forte. Son patrimoine graphique comprend donc également des dessins pour gravures.
Le dessin était une « école » pour l’artiste et un matériel auxiliaire pour peinture. Marcel Roethlisberger appelait ses compositions d'esquisses préparatoires « petites peintures », exécutées de manière rapide et sommaire, mais avec une logique de composition clairement réfléchie, anticipant la future toile. Les dessins de Claude Lorrain, exécutés sur place, sont également dotés d'un charme tout particulier. Joachim von Sandrart rapporte cependant que l'artiste les a peu utilisés pour peindre, mais Filippo Baldinucci mentionne que ces croquis étaient pour lui le matériau le plus précieux dans son travail. Ces croquis, captivants par leur nouvelle perception de la nature de l'Italie, ont été réalisés lors de voyages à travers la Campanie. Les dessins étaient réalisés sur papier blanc, bleu ou légèrement teinté à la plume, au pinceau, au bistre, à la craie noire, parfois l'artiste utilisait de la gouache blanche, grise ou rose pour représenter des rehauts de couleurs ensoleillées. Derrière tout le strict classicisme des deux esquisses préparatoires - Vue d'un lac aux environs de Rome et Vue du port : débarquement sur la rive d'Énée (vers 1640) on sent l'immédiateté de la vision de la nature, la capacité de transmettre le véritable souffle de vie de la nature de la Campanie romaine. La tonalité des spots est subordonnée avec souplesse à la transmission des reflets de la lumière sur le feuillage des arbres, sur la surface de l'eau du lac, capturée depuis le mont Monte Mario, et à l'atmosphère aérée d'une chaude journée ensoleillée près d'un réservoir.
Claude Lorrain a vécu à Rome, comme mentionné précédemment, d'abord dans la via Margutta et, à partir des années 1650, dans la via Paolina (Babuino), près de l'église de Sant'Anastasio, mais invariablement dans le même quartier près de la Piazza di Spagna. Selon les biographes de l'artiste, il n'avait pas d'assistants, même si dans les années 1630-1640, il peignait six à sept tableaux par an. Seul le nom d'un certain Angeluccio est mentionné, qui l'a peut-être aidé, ainsi que celui d'un domestique - Giovanni Domenico Desideri, qui jusqu'en 1658 servait l'artiste dans les tâches ménagères. En 1653, Claude Lorrain eut une fille, Agnès, qui vécut avec son père jusqu'à ses vieux jours, et ses neveux, Jean et Joseph Jelle, l'aidèrent également. En 1633, Claude Lorrain devient membre de l'Académie romaine de Saint-Luc, et en 1643, déjà très célèbre, membre des Virtuoses de la congrégation du Panthéon. Il a toujours eu de nombreux clients, parmi lesquels les biographes mentionnent les cardinaux Massimi et Bentivoglio, les princes Chigi, Altieri, Colonna, Pallavicini, le pape Urbain VIII lui-même, qui aimait les peintures à motifs pastoraux, le cardinal Médicis, qui était amiral de la flotte toscane et appréciait les vues de ports représentant des villas Médicis. Les œuvres de l’artiste ont été achetées par la noblesse anglaise, son travail a été suivi par l’envoyé français de Louis XIV à Rome et l’agent d’art en Italie, Louis d’Anglois, qui a acquis ses œuvres. L'archevêque de Montpellier achète également des œuvres de Lorrain.
Le prince Lorenzo Onofrio Colonna, maréchal du royaume des Deux-Siciles, fut l'un des plus ardents admirateurs du talent de Claude Lorrain.

Paysage avec personnages dansants. 1648

Peut-être, non sans son patronage, l'artiste a reçu une commande à la fin des années 1630 pour peindre sept tableaux représentant des scènes de l'Ancien Testament et des paysages avec des figures de saints ou d'ermites pour le palais du roi Philippe IV d'Espagne Buen Retiro. Baldinucci cite cependant comme intermédiaire le nom de Giovanni Battista Crescenzi, un collectionneur italien qui quitta l'Italie pour Madrid et y occupa le poste de majordome de la famille royale à la cour. C'est lui qui fut chargé de décorer les intérieurs du palais et du jardin du Buen Retiro construits entre 1631 et 1637. Cette première série significative de peintures de Claude Lorrain comprenait des peintures : Paysage avec la Madeleine pénitente (1637), Paysage marin avec un ermite (1637), Paysage avec la prière de saint Antoine (1637), La découverte de Moïse (1639), Le Enterrement de sainte Séraphina (1639-1640), Paysage avec le départ de sainte Paule d'Ostie (1639), Paysage avec Tobie et l'Ange (1639), aujourd'hui conservés au musée du Prado.
Les figures d'ermites et de saints sont inscrites dans le paysage représentant faune et rappellent les œuvres de Paul Briel et d'Agostino Tassi, qui n'ont pas cherché à en exprimer la grandeur. Dans une plus large mesure, les sujets peuvent être considérés comme développés dans des toiles : La Découverte de Moïse, L'Enterrement de sainte Séraphine, Paysage avec Tobius et l'Ange, Paysage avec le départ de sainte Paule d'Ostie. Toutes les peintures ont un format vertical, ce qui permet de représenter l'espace paysager comme s'il s'ouvrait à la visualisation, principalement en profondeur, là où la source de lumière abondante se situe à l'horizon. L'histoire de la chrétienne Séraphina de Syrie, qui a converti la Sabine romaine, dont elle était l'esclave, et a été exécutée pour cela (la scène de l'enterrement de la sainte dans un sarcophage en pierre est présentée au premier plan), fait écho à l'histoire de l'Ancien Testament. sur le sauvetage du bébé Moïse, qui a été trouvé dans un panier au bord du Nil par la fille du pharaon égyptien, qui a ordonné l'extermination de tous les enfants mâles des Juifs. Panneaux Vie moderne organiquement combiné par l'artiste avec des éléments qui personnifient les sujets légendaires des peintures. Mais le contour du Colisée visible dans la brume du tableau L'Enterrement de Sainte Séraphine est plus cohérent avec l'intrigue sur l'histoire du martyre accepté par les chrétiens pour leur foi que la crue du Tibre et l'aqueduc romain représentés sur la toile. le récit biblique La découverte de Moïse et de l'aqueduc romain, contre lequel se déroule la scène. De nombreux biographes affirment que Claude Lorrain n'aimait pas peindre lui-même des figures humaines dans des scènes bibliques et mythologiques, le confiant à d'autres maîtres (on les appelle différents noms). Mais les personnages et le paysage apparaissent toujours dans une relation figurative profonde, même dans les toiles de cette première série de peintures. Dans le tableau Paysage avec Tobius et un ange, le paysage joue, comme toujours, un rôle important. L'artiste a présenté l'apparence de l'archange Raphaël Tobias non pas comme le dit le texte de l'Ancien Testament (c'est-à-dire sous la forme d'un voyageur), mais sous la forme d'un archange avec des ailes. Leur rencontre a lieu au bord d'une rivière dont le cours est dirigé au loin, comme pour symboliser le long voyage qui attend Tobias et l'archange qui le protège au nom de la guérison de la cécité de l'aîné Tobie, Le père de Tobiah.
Les caprices architecturaux joueront toujours un rôle important dans les paysages de Claude Lorrain. Dans le tableau Le Départ de Sainte Paola d'Ostie, des bâtiments forment les coulisses sur lesquelles se déroule la scène de l'aristocrate romaine Paola montant à bord du bateau qui part du port d'Ostie. Au loin, un navire l'attend dont les contours se fondent dans la brume de la lumière du matin. Il l'emmènera à Bethléem chez saint Jérôme, qui convertit Paola au christianisme. Les scènes de « navigation » et de « débarquement » ont permis à l'artiste de créer ses propres ports fantastiques, dans lesquels il a combiné ses monuments préférés de l'architecture italienne de différentes époques. Sur la toile Port avec la Villa Médicis au coucher du soleil (1637), il représente la Villa Médicis. Dans les scènes du poème d'Ovide, la villa personnifiait toujours les bâtiments de la mystérieuse Carthage, d'où partit Énée depuis le royaume de la reine Didon, jeté là par la volonté des dieux. Dans le tableau Port avec la Villa Médicis au coucher du soleil, réalisé pour un cardinal de cette noble famille toscane, Claude Lorrain peint un navire debout au port sous le pavillon de l'Ordre de Saint-Étienne, fondé par la famille Médicis en 1562 pour combattre les hérétiques. en Méditerranée. Par la suite, l'artiste introduira souvent dans ses tableaux la silhouette exquise du Temple de la Sibylle de Tivoli, dominant la nature sauvage de la Campanie, comme figée autour de lui dans une paix solennelle (Paysage avec le Temple de la Sibylle de Tivoli, 1630-1635). Et de manière tout à fait inattendue, dans le « cadre » des coulisses du port du tableau Vue du port avec le Capitole (1636), apparaît le Palais des Conservateurs, partie intégrante du Capitole romain, donnant au port un aspect particulièrement majestueux.
Dans les œuvres des années 1630, Paysage avec des bergers (1630), Paysage avec une rivière (1630), Vue de Campo Vacchino (1636) ont encore une forte influence. artistes du nord. Les petites figures humaines rappellent les œuvres des maîtres de la bambocciata, et les motifs des ruines antiques pittoresques sur lesquelles sont construites les habitations modernes, ainsi que l'image des animaux paissant dans les vallées, sont des paysages d'italianistes hollandais et flamands. Claude Lorrain a su poétiser davantage de telles histoires. Le petit cours d’eau représenté sur la toile Paysage avec rivière semble ressembler au ruisseau Alamone, entouré de chênes et de collines, transportant ses eaux dans la nuit froide de la Campanie, décrit de manière si figurative dans les Métamorphoses d’Ovide. Mais, comme les maîtres du Nord, l'artiste aimait représenter des bergers et des animaux au pâturage sur toile, dans des dessins et dans des gravures comme partie intégrante et caractéristique du paysage de la Campanie romaine. De véritables chefs-d'œuvre de son graphisme sont les gravures A Herd at a Watering Place (1635) et Bootes (1636) de la collection Etat de l'Ermitageà Saint-Pétersbourg. Au total, une quarantaine de feuilles réalisées selon cette technique lui sont attribuées. Dans ses gravures, Claude Lorrain réalise les plus beaux dégradés de tons argentés, traduisant avec eux l'atmosphère aérienne des différents moments de la journée, la lumière du soleil levant ou couchant sur le feuillage des plantes, l'éclat du soleil sur les peaux mouillées. d'animaux. Pour améliorer la densité des tons, il a utilisé des traits de configurations diverses (pointillés, longs ou courts, croisés) et de multiples gravures (dans lesquelles les parties terminées étaient vernies) créaient des transitions plus intenses de taches de lumière et d'ombre. Les gravures de Claude sont toujours exécutées avec un talent graphique particulier.

Paysage avec personnages dansants

La vue de Campo Vacchino (1636) a été peinte pour le collectionneur Philippe de Bethune, ambassadeur de France à Rome. Cela indique que les aristocrates français, dès les années 1630, s'intéressaient à tout ce qui était créé par leur compatriote en Italie. Les petits personnages au premier plan, présentés parmi les ruines du Forum Bovin (Campo Vacchino), sont peints à la manière des maîtres de la bambocciata. En 1639, Claude Lorrain fut chargé de commander les deux premières toiles de la collection de Louis XIV lui-même - Port de mer au coucher du soleil et Fête champêtre (Paysage avec paysans dansants, tous deux - 1639, Louvre, Paris). Si la vue du port est traditionnelle pour ses scènes de « navigations » et de « débarquements » des années 1630, alors la scène avec des villageois dansants apparaît pour la première fois chez l'artiste. Ils s'amusent sur fond d'un large panorama de la Campanie, l'aqueduc romain est visible au loin et eux-mêmes sont associés aux faunes et aux nymphes vivant parmi les forêts de chênes du Latium, que Virgile a décrites dans l'Énéide. Claude Lorrain se tournera à plusieurs reprises vers la représentation de scènes avec de joyeux paysans ou un faune et des nymphes dansant dans une danse en rond dans les années 1640 (Paysage avec des paysans dansants, 1640, collection du duc de Bedford, Woburn ; Paysage avec un satyre dansant et des personnages , 1641, Museum of Art, Toledo, Ohio ; Paysage avec des personnages dansants, 1648, Galerie Doria Pamphili, Rome). Tous ces tableaux ont été peints pour divers clients nobles d'Italie et d'Angleterre et répondaient apparemment aux goûts de l'époque. Nicolas Poussin peint également des « bacchanales » dans les années 1630, imitant la palette du Titien. Mais exécuté avec une aisance coloristique inspirée à la manière des maîtres école vénitienne Les « bacchanales » de Poussin portent encore en elles une grande organisation réfléchie de la composition, faisant penser aux œuvres des Bolognais. Les scènes de Claude Lorrain sont moins classiques. L'élément débridé de la nature libre, le bonheur sans nuages ​​en son sein, qu'ils sont conçus pour transmettre, sont incarnés par un artiste qui n'est pas plus proche de l'artificialité des Bologneses, mais du plus grand naturel et spontanéité de la vision de la nature de les maîtres du Nord. Ses images n’ont pas la sensualité des héros des « bacchanales » de Poussin. Par leur caractère divertissant, ils ressemblent aux personnages des maîtres de la bambocciata. Les paysans ou figures mythologiques de Claude Lorrain sont une sorte de fusion de ses observations naturelles et de réminiscences littéraires associées à l’image de la campagne romaine elle-même, scènes des Métamorphoses, transformées par l’imagination de l’artiste.
Deux tableaux peints pour le pape Urbain VIII - Paysage avec vue de Castel Gandolfo (1639) et Paysage avec le port de Santa Marinella (1639) se trouvent aujourd'hui dans différentes collections de musées. Les deux ont une forme octogonale qui subordonne organiquement la structure de la composition. Dans les deux toiles, les personnages au premier plan offrent des vues sur l'immensité de la périphérie de Rome - Castel Gandolfo et Santa Marinella (située près de Civitavecchia). Peut-être est-ce Claude Lorrain qui fut le premier peintre qui, au XVIIe siècle, prévoyait la recherche des paysagistes romantiques du XIXe siècle, qui seraient attirés par le motif du « saut » pour le regard du spectateur, lorsqu'il le transfère des figures du premier plan à l'espace indivis de la vue représentée. La configuration de la toile semble « couper » les scènes, ce qui renforce également l'impression de profondeur du paysage de Campanie.
Dans les années 1640-1650, Claude Lorrain était déjà un peintre célèbre à Rome. Il a continué à travailler intensément, se tournant vers ses thèmes favoris, créant souvent des variations de la même intrigue, mais trouvant toujours quelque chose de nouveau. solution compositionnelle. Ainsi, le thème du « départ » est développé dans les peintures des années 1640 : Paysage avec le départ de sainte Ursule (1641), Le Départ de Cléopâtre à Tarsia (1643), Le Départ de la reine de Saba (1648). Dans les trois cas, il modifie les bâtiments architecturaux servant de coulisses, les mâts des frégates attendant le départ des héroïnes, et varie les nuances de l'éclairage des scènes et le nombre de personnages sur le rivage. Ces sujets n'ont pas attiré l'artiste à cause du récit ou de l'opportunité de montrer le luxe, par exemple, de la cour du roi Salomon, à laquelle est arrivée la reine de Saba, ou la splendeur et la fête de l'ambiance. reine égyptienne Cléopâtre, se rendant à Tarsia chez son amant, le commandant romain Marc Antoine. L'artiste ne se soucie pas trop des détails historiques : par exemple, la reine de Saba est représentée arrivant à Salomon avec une caravane de chameaux ; tous les attributs caractéristiques de Sainte Ursule ne sont pas pris en compte (à l'exception de la bannière avec une croix rouge sur fond blanc). Mais il est attiré par la possibilité d'imaginer des scènes en arrière-plan paysage marin avec des portiques majestueux de bâtiments, des mâts de navires, un grand nombre de personnages - des pêcheurs chargeant des bateaux, des groupes pittoresques de compagnons d'héroïnes à voile. La toile Paysage avec le départ de Sainte Ursule a été peinte pour Fausto Poli, qui a servi dans la famille aristocratique romaine Barberini et a reçu le rang de cardinal sous le pape Urbain VIII. Le pape a commandé une paire de tableaux pour ce tableau, Paysage avec saint Georges (1643), qui était également conservé dans le palais de ce célèbre collectionneur. Légende médiévale d'Ursula, fille du roi chrétien de Bretagne, qui accepta d'épouser Conon (fils du roi païen d'Angleterre) à la condition qu'il soit baptisé à Rome, et qui pour cela voyagea d'Angleterre à Rome, où elle fut reçue par le pape Cyriaque et, là où elle fut baptisée Conon, fut très populaire au XVe siècle. Au XVIIe siècle, ce sujet de l'époque paléochrétienne n'attirait plus les peintres. L'histoire d'Ursula était dramatique, car elle et dix compagnons, lors d'un voyage à Cologne, furent tuées par une flèche tirée de l'arc du chef barbare Attila le Hun, qui rêvait de faire d'elle sa femme, mais fut refusé par le jeune. Femme chrétienne. Pour Claude Lorrain, cette légende était associée à Rome, et il a présenté la scène sur fond d'un port pittoresque, dans la représentation duquel, comme toujours, il a atteint une harmonie de composition exceptionnelle, une unité vivante de paysage et de personnages, et combiné fiction et un haut degré de spécificité. Claude Lorrain a également fait preuve d'une vive imagination poétique dans la toile Paysage avec Saint Georges, présentant un jeune guerrier dans un paysage, comme pour ressusciter le thème de l'exploit chevaleresque, de la victoire sur les infidèles, qui attirait les maîtres de la Renaissance. Dans les deux tableaux, il y a des notes de rappel de la Terre Sainte, de libération des infidèles associées aux personnalités de sainte Ursule et de saint Georges. Peut-être s'agissait-il d'une sorte d'hommage aux idées de la Contre-Réforme, ou peut-être simplement d'une réminiscence des cycles de peintures monumentales vus par Vittore Carpaccio, capturés par cet artiste au début XVIe siècle sur les murs des confréries philanthropiques (scuola) de Venise.
Pour les clients français, dans les années 1640, Claude Lorrain peint à nouveau des tableaux représentant le Temple de la Sibylle à Tivoli, en variant légèrement la composition des toiles, mais, comme toujours, cette merveilleuse structure des architectes antiques donne à ses paysages une poésie particulière (Vue Imaginaire de Tivoli, 1642 ; Paysage avec un temple des Sibylles à Tivoli, 1644), évoquant les souvenirs de l'éternité de la Campanie avec son feuillage de soie bruissant de pins, de lauriers, d'eucalyptus, de chênes et d'oliviers.
L'intrigue est également liée au thème de Rome et de la Campanie. grande image Femmes troyennes incendiant les navires (1643). Les épouses troyennes, épuisées par les sept années d'errance de leurs maris qui ont fui Troie, mise à sac par les Grecs, à l'instigation de Junon, tentent d'incendier les navires afin d'empêcher Énée de poursuivre son voyage. Selon Virgile, le prince troyen se maria avec la tribu italienne des Latins et fonda la Ville éternelle. Une fois de plus, le thème du « prendre le large » reçoit une interprétation poétique de Claude Lorrain. L'unité de l'eau, le ciel, le long duquel courent les nuages ​​​​poussés par Éole, et l'atmosphère humide de l'air près de la côte maritime sont véhiculées par l'artiste avec une excellente habileté picturale. Je me souviens des vers du troisième chant de l'Énéide :
La route vers l'Italie est ici, la traversée est la plus courte le long des vagues.
Pendant ce temps le soleil se couche
les montagnes sombres sont ombragées...

Paysage avec Psyché et le palais de Cupidon

Le tableau a été peint pour le cardinal Girolamo Farnèse, nonce du pape Urbain VIII. Les chercheurs de l'œuvre de l'artiste ont tendance à supposer que Claude Lorrain a fait ici une sorte de parallèle entre les difficultés de la carrière du cardinal et le « pieux Enée » (comme Virgile appelle le héros), qui a subi les coups du sort en raison des intentions contradictoires. des dieux.
Dans la toile Paysage avec Céphale et Procris (1645), Claude Lorrain se tourne à nouveau vers une intrigue littéraire qui donne une certaine ambiance à son paysage. Le tableau faisait partie d'une série de cinq œuvres créées pour le prince Camillo Pamphilj, propriétaire d'un palais sur le Corso à Rome et d'une villa en France. Cette intrigue des Métamorphoses d'Ovide était souvent choisie par les maîtres baroques, mais ils étaient attirés par son aspect dramatique - le moment de la mort de Procris bien-aimé de Céphale, Céphale affligé, Aurore volant victorieusement au-dessus d'eux, troublant le bonheur serein de deux amoureux. cœurs. «Quoi de plus beau que la façon dont Claude a transmis cette histoire passionnante», écrira plus tard John Constable, admirant la solution paysagère lyrique de l'intrigue. Cependant, Claude Lorrain présente également un moment assez tragique où Procris sort de sa cachette (sur l'île de Crète, elle se cachait dans les buissons, doutant de la fidélité de son mari à cause d'une fausse calomnie contre lui) et Céphale, entendant un bruissant, lui lança une lance, tuant sa bien-aimée. L'artiste a transformé cette scène en une allégorie, envoûtante par sa poésie : Procris est représenté sous un arbre couvert de lierre, symbolisant l'amour qui ne meurt pas même avec la mort. La biche au sommet de la colline, dans les rayons du soleil levant, semble expliquer la raison de l’erreur fatale de Céphale. Le paysage de Campanie et l'intrigue de la toile "Paysage avec Apollon gardant les troupeaux d'Admète et Mercure volant ses vaches", faisant partie d'une série de toiles pour le prince Pamphilj, font également écho de manière lyrique et subtile au paysage de Campanie.
Claude Lorrain s'est également tourné vers des scènes des Métamorphoses d'Ovide dans des peintures créées au milieu des années 1640 - Paysage avec le châtiment de Marcyas (1645) et le Jugement de Pâris (1645). Dans les peintures basées sur le mythe de Marcia le Silène de la suite de Bacchus, qui défiait le dieu Apollon lui-même dans un concours d'instruments de musique, les maîtres baroques soulignaient généralement la cruauté de la scène. Apollon a puni Marsyas, qui était fier de son talent à jouer de la flûte, et a participé à un concours avec lui en jouant de la lyre (kithara). Il vainquit Silène, et les muses qui jugeaient leur différend laissèrent à Dieu le choix du châtiment. Marsyas a été attaché à un pin et écorché vif. La scène représentée dans le paysage ne peut pas être qualifiée de bucolique ; la coloration du paysage est assez sombre, faisant écho à ce qui se passe. Ce tableau anticipe déjà en partie les œuvres à plusieurs figures de l’artiste des années 1650-1670 et son intérêt pour les thèmes au contenu « héroïque ». Les grandes figures de trois déesses - Vénus, Junon et Minerve, ainsi que Pâris, choisissant la plus belle d'entre elles, semblent assez statiques sur la toile du Jugement de Pâris, anticipant certains traits de l'œuvre ultérieure de l'artiste. Les chercheurs pensent que la pose du personnage de Paris a été empruntée par Claude Lorrain à une gravure de Marc Antonio Raimondi ou au Paysage avec Jean-Baptiste du Domenichino (Fitzwilliam Museum, Cambridge).
restait néanmoins fidèle au paysage bucolique. Pâris et la nymphe des fontaines et des ruisseaux Oénon, qu'il quitta pour le bien d'Hélène, l'épouse du roi troyen, sont représentés à l'ombre des arbres.
L'histoire du prince troyen Pâris est à nouveau ressuscitée par l'artiste dans le tableau Paysage avec Pâris et Oenone (1648). Il a été peint par paire sur la toile de l'intrigue de l'Iliade d'Homère : Ulysse rend Chryséis à son père (1644). Le client des deux tableaux était l'ambassadeur de France à Rome, le duc Roger de Plessis de Lincourt. Il était un célèbre collectionneur et possédait dans sa collection des œuvres de Poussin et des maîtres de l'Italie du Nord. C'est peut-être lui qui a commandé les deux tableaux pour le cardinal de Richelieu. Claude Lorrain dans la toile Paysage avec Pâris et Œnone aux couronnes duveteuses. Comme dans le tableau Paysage avec Céphale et Procris, les figures des deux amoureux sont présentées sur fond de paysage de la Campanie romaine, dont l'éclairage doux fait écho à l'intrigue lyrique.
La grande toile Paysage avec Parnasse (1652), commandée par le cardinal Camillo Astalli pour le pape Innocent X, est l'une de ces œuvres de Claude Lorrain dans lesquelles, à partir de la fin des années 1640, de nouveaux traits commencent à apparaître, particulièrement clairement manifestés dans les années 1660. -Années 1670. e années. La photo s’est avérée froide et impartiale. Le paysage ne le considère que comme un arrière-plan pour les personnages et non comme une expression de sentiments les plus intimes.
Parmi les principaux mécènes de l'artiste, Filippo Baldinucci cite également le cardinal Fabio Chigi, élu pape Alexandre VII en 1655.

Paysage avec l'arrivée d'Énée dans le Latium. 1675

L'intrigue des Métamorphoses d'Ovide sur l'enlèvement d'Europe, la fille du roi phénicien Agénor, par Zeus, transformé en taureau blanc, a souvent attiré les artistes par sa poésie. Fabio Chigi était un connaisseur de littérature et de peinture, attiré les meilleurs maîtres pour son œuvre, la galerie du Palais du Quirinale a été peinte par le célèbre Pietro da Cortona sur sa commande. La toile de Claude Lorrain n'est pas conçue comme une pastorale. Cela acquiert un son proche du récit d’Ovide. Mais le paysage n'est pas surchargé de personnages, de nature et personnages mythologiques sont dans une relation figurative profonde. La lumière jaillissant de l'horizon unit doucement le premier plan et l'arrière-plan, fusionnant les silhouettes légères des figures de l'Europe et de ses amis, la surface calme de la mer et la distance transparente du ciel.
La toile Bataille sur le pont, qui représente la bataille entre les empereurs Constantin et Maxence, est interprétée dans une veine différente, « héroïque ». Les maîtres baroques représentaient souvent des scènes de batailles ; les classiques aimaient aussi peindre des scènes de campagnes militaires, comme Charles Lebrun, qui représentait les batailles d'Alexandre le Grand, ou ses partisans, qui glorifient les campagnes militaires de Louis XIV. À propos du dernier article de Denis Diderot XVIIIe siècle diront qu’ils ont « presque complètement détruit l’art ». Illustre critique français J'adorais quand les peintres représentaient un grand champ de bataille et exigeaient d'eux une riche imagination. Peut-être n'aurait-il pas aimé la scène de la bataille sur le pont dans le tableau de Claude : malgré toute sa majesté, en tant qu'événement historique, la bataille ne signifie rien dans le grand paysage panoramique de Campagna et ressemble à un « détail » du décor de la composition globale de la toile. La bataille ne perturbe pas le cours paisible de la vie. Les paysans représentés au premier plan élèvent tranquillement des moutons, et les deux plans (le paysage et la bataille au loin) apparaissent dans l’image comme la modernité et l’histoire, toujours présentes dans la vision de l’artiste.
Depuis le milieu des années 1650, Claude Lorrain se tourne souvent vers les récits de l'Ancien Testament. Parfois, les personnages de ses paysages ressemblent à du staffage, bien que l'artiste tente d'aborder des thèmes au contenu dramatique, comme par exemple dans les peintures jumelées Adoration du veau d'or (1653, Kunsthalle, Karlsruhe) et Paysage avec Jacob, Laban et ses Filles (1654), peintes pour le collectionneur romain, le cardinal Carlo Cardelli.
Mais les meilleures œuvres de Claude Lorrain des années 1650 sont pleines d'une haute spiritualité, d'une profonde perception émotionnelle de la beauté de la nature. Il s'agit du tableau Paysage avec Galatée et Acis (1657) de la collection de la Galerie d'art de Dresde. Typiquement, les maîtres des XVIe et XVIIe siècles aimaient représenter certaines scènes de ce beau mythe : le triomphe de la nymphe des mers Galatée, portée dans une coquille, entourée de tritons ; fuite du Cyclope Polyphème des amoureux - Galatée et le jeune homme Acis, fils de la divinité forestière Pan ; Pan assis sur un rocher, amoureux de Galatée et jouant une chanson d'amour à la flûte ; Polyphème, prêt à lancer un rocher sur Acis depuis une falaise qui l'a tué. Les maîtres baroques des XVIIe et XVIIIe siècles ont écrit sur ces sujets une musique pleine de pathétique et de drame. Claude Lorrain a présenté une scène de rencontre entre deux amoureux réfugiés dans une grotte contre un terrible monstre sicilien. A gauche, la scène de Galatée arrivant sur l'île en quittant le bateau. L'amour de Galatée et d'Acis est symbolisé par Cupidon jouant avec deux colombes blanches.
Le soleil qui se lève à l'horizon avec sa lumière donne naissance à un chemin ensoleillé qui traverse la mer jusqu'aux deux amoureux. Rien dans cette scène idyllique ne préfigure la mort dramatique d'Acis. La scène est représentée dans un espace extraordinaire, depuis ce refuge tranquille baigné par les eaux de l'île de Sicile, une vue s'ouvre sur l'infini de la mer. Le paysage donne lieu à un sentiment de grandeur de la nature, faisant écho aux sentiments élevés d'Acis et de Galatée.
La période des années 1660-1670 fut assez difficile dans la vie de l'artiste. Il atteint le sommet de la maîtrise et ne cesse de créer de véritables chefs-d'œuvre, mais sa palette devient plus sombre et monotone, ses paysages plus froids. L'élaboration d'une intrigue, nécessitant une augmentation du nombre de personnages, commence à occuper une place croissante dans ses peintures. Les biographes contemporains appelleront le style tardif de Claude Lorrain « grande manière ». John Constable, qui respectait profondément le talent de l'artiste français, le qualifie de « froid », « noir ou vert ». Parlant beaucoup et avec admiration de Claude Lorrain dans ses conférences, il affirmait néanmoins : « ... il semble que l'artiste essaie de compenser par la grandeur du thème et de l'interprétation la perte de cette haute habileté qui, à la fin de sa vie, lorsqu'il a abandonné son précédente observation infatigable de la nature, l'a quitté " Dans les années 1660-1670, Claude Lorrain était très malade et ne pouvait plus créer six ou sept, mais seulement deux ou trois tableaux par an ; ses neveux Jean et Joseph Jelle lui apportèrent une grande aide.

Paysage avec Parnasse. Fragment

Deux paysages peints dans les années 1660 - Matin (1666) et Midi (1651 ou 1661) de la collection de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg peuvent lui être attribués les meilleures œuvres, créé à la fin de la période de créativité. Le magnifique talent coloristique de l’artiste se révèle dans ces toiles, qui traduisent les couleurs bleu argenté légèrement froides de la nature de Campanie à l’aube et leurs tons plus chauds et plus riches pendant les heures de paix claire de midi. Les grands arbres et les ruines antiques sont immergés soit dans les ombres sombres créées par la lumière du matin, soit dans la brume transparente et lumineuse de la lumière du jour. Contrairement à Nicolas Poussin, qui en créativité tardiveÉgalement attiré par la représentation des différents moments de la journée, Claude Lorrain ne cherche pas à corréler chaque étape de la vie de la nature avec la scène biblique, à comparer visuellement l'existence de la nature et de l'homme. Mais il s'efforce également de comprendre les schémas de sa vie changeante, que la nature de Campagna personnifie pour lui. Et seul le regard d'un artiste comme Claude Lorrain est capable de ressentir aussi profondément dans ce paysage, comme résistant aux conquêtes de la civilisation, une compréhension historique particulière du temps. Dans ces tableaux, la nature personnifie l'instant présent et la durée de l'éternité, vit son vie intérieure, provoquant une réponse émotionnelle dans l'âme de ceux qui veulent comprendre les lois de son existence.
Dans ses peintures basées sur des scènes des Métamorphoses d'Ovide, Claude Lorrain choisit des scènes rares, incarnant, comme dans les scènes de l'Énéide, les souhaits de ses clients. Ainsi, dans la toile Paysage avec Psyché et le palais de Cupidon (1664), écrite pour le prince Lorenzo Onofrio Colonna, maréchal du royaume des Deux-Siciles, il dépeint une intrigue inhabituelle tirée du beau conte de Lucius Apulée et des Métamorphoses d'Ovide. Le palais de l'Amour semble majestueux, dans lequel le messager de Vénus n'a visité Psyché que la nuit. Ce palais a disparu lorsque Cupidon en colère a accusé Psyché de curiosité et de désir de le voir dormir la nuit, selon le contenu des deux sources littéraires. Dans la toile de Claude Lorrain, le palais ressemble au palais Doria-Pamphili du Corso avec sa puissante colonnade, mais dans la brume fondante, il ressemble encore à une sorte de mirage. Une allégorie glorifiant la famille du client était le tableau Paysage avec le père de Psyché sacrifiant au temple d’Apollon (1663), également basé sur une intrigue des Métamorphoses. Elle a été commandée par le prince Gasparo Palizzi degli Albertoni, marié à Laura Altieri, issue de la famille du pape Clément X Altieri. Le Pontife accorda à Gasparo le titre de prince et le poste de gardien du Château Saint-Ange, et nomma son père maréchal de sa flotte. La famille Albertoni semble remercier la famille Altieri et son principal mécène. Claude Lorrain fait également référence à l'allégorie de la glorification de la famille du pape Clément X Altieri dans le tableau Paysage avec l'arrivée d'Énée dans le Latium (1675). Le chant VIII de l'Énéide parle de l'arrivée du prince troyen dans la ville de Pallenteum sur l'Aventin. L'artiste a présenté la scène de l'arrivée d'Énée avec ses amis sur un bateau « à plusieurs rames » vers les côtes du pays des Latins, où le héros se liera avec eux et deviendra le fondateur de Rome, les dirigeants spirituels de qui sont aujourd'hui des papes, dotés du pouvoir divin, comme des empereurs Rome antique, qu'Ovide a glorifié dans son poème immortel. Et la toile Paysage avec la nymphe Egeria pleurant Numu (1669), basée sur un complot des Métamorphoses, était une allégorie glorifiant la famille du prince Colonna, qui possédait des terres près du lac Nemi dans les monts Alban dans la région du Latium. La nymphe de la source Egeria était vénérée comme amante et conseillère dans affaires du gouvernement le deuxième roi de la Rome antique Numa Pompilius, Sabine de naissance. La nymphe est représentée pleurant son amant dans le bosquet sacré de Diane, au bord du lac Nemi.
Les peintures basées sur une intrigue de l'Énéide - Paysage avec Enée à Délos (1672) et Vue de Carthage avec Didon, Enée et leur suite (1676) - avec un grand nombre de personnages semblent éloquentes. La toile Paysage avec Énée à Délos représente la scène de l'arrivée du prince troyen de Thrace sur l'île, où il est chaleureusement accueilli par le roi Apius. La toile a été peinte pour un collectionneur français et le temple, qui rappelle le Panthéon, ressemble à une « rareté romaine ». Des vers de l'Énéide continuent sans cesse d'exciter l'imagination de l'artiste vieillissant :
Je m'y précipite ; épuisé
île de refuge
Paisible accepte; Après être descendus, nous honorons la ville d'Apollon.

Paysage avec la voile de Sainte Ursule. 1641

Les toiles - Paysage avec Apollon et la Sibylle de Cumes (1665) sur une intrigue de l'Énéide et Paysage avec Persée et l'histoire de l'origine du corail sur une intrigue des Métamorphoses suggèrent qu'en des années plus tard Tout au long de sa vie, Claude Lorrain a conservé la capacité de poétiser le monde naturel. Les deux paysages sont pleins d’ambiance lyrique. Dans l'un d'eux se trouvent des figures d'Énée et de la Sibylle de Cumes, dans l'autre des nymphes, des Amours et Persée, occupés à ramasser des coraux au bord de la mer. Enée, qui rendit visite à la prophétesse dans le sanctuaire de Cumes, la pria de pouvoir revoir le visage de son père. Les maîtres du XVIIe siècle, dans lesquels cette intrigue est devenue particulièrement populaire, ont représenté la Sibylle de Cumes sous la forme d'une vieille femme décrépite, puisqu'Apollon l'a dotée de longévité, mais ne lui a pas accordé la jeunesse éternelle car elle n'a pas répondre à son amour. Claude Lorrain a présenté la Sibylle jeune fille. Son un corps mince fait écho aux colonnes d'un temple antique, rappelant le Temple de la Sibylle de Tivoli. Enée et la Sibylle sont illuminées par les reflets vacillants de la lumière du soleil couchant, formant, comme dans le tableau Paysage avec Galatée et Acis, un chemin solaire courant le long de l'eau. La légende sur l’origine du corail est également véhiculée avec poésie. Le corail rouge méditerranéen était considéré comme un talisman et était utilisé pour fabriquer des bijoux. Selon le mythe, il s'est formé à partir d'algues fossilisées au moment où Persée coupa la tête de Méduse, sauvant ainsi Andromède d'elle. Les Amours, les nymphes, Persée, le cheval blanc ailé du prince au pâturage personnifient le mythe associé aux ressources naturelles de l'Italie. Ses paysages avec le bord de la mer et les pins clairs poussant sur un rocher aux formes bizarres en forme d’arc ont fait naître dans l’imagination de l’artiste le désir de donner une incarnation figurative similaire à ce mythe.
Les toiles de Claude Lorrain Paysage avec Moïse et le Buisson ardent (1664), Paysage avec Ézéchiel pleurant les ruines de Tyr (1667), Paysage avec Abraham, Agar et Ismaël (1668), Paysage avec « Noli te Tangere » (1681) sont basées sur scènes de l’Ancien Testament et de l’Évangile. Le terme « héroïque », parfois appliqué aux derniers paysages de l’artiste, peut difficilement être considéré comme correct. Après tout, pour Claude Lorrain, l'intrigue (contrairement aux œuvres de Poussin) n'était qu'un diapason pour transmettre avant tout l'ambiance, même dans les tableaux des années 1660-1670. Dans ses œuvres, il n'y a pas de correspondance aussi réfléchie (comme chez Poussin) pour transmettre l'exaltation épique des images de l'homme et de la nature, personnifiant ses actions. Dans les paysages de Claude Lorrain, même avec un style plus développé base de tracé et avec une construction plus classique et stricte de la composition, le paysage ne ressemble pas à un cadre rationnel pour les scènes. Son Moïse sur la toile Paysage avec Moïse et le buisson ardent n'est pas l'incarnation de la volonté et de la raison (comme Poussin). Il s’agit simplement d’un personnage inspiré du paysage de la Campanie romaine, plein d’un sentiment d’éternité biblique. L'artiste a représenté Moïse sous la forme d'un jeune berger, s'occupant des troupeaux de son beau-père près du mont Horeb et se précipitant, surpris, vers le buisson ardent, d'où le Seigneur l'appelait, lui prédisant sa mission héroïque de sauver les fils d'Israël. du pharaon égyptien. La toile a été peinte pour l'envoyé français à Rome, Louis d'Anglois de Bourlemont, tout comme le couple - Paysage avec Ézéchiel pleurant les ruines de Tyr. Le client, devenu évêque de la ville de Bordeaux en 1680, les appréciait beaucoup.
Et encore moins héroïque est le paysage avec une scène de l'Ancien Testament - Paysage avec Abraham, Agar et Ismaël, où les figures du patriarche juif Abraham, de la concubine Agar et de leur fils Ismaël, que l'aîné envoie au désert de Bethsabée parce que de la colère de sa femme Sarah, sont présentés presque dans une interprétation de genre.
Claude Lorrain suit très scrupuleusement le texte de l'Évangile de Jean dans le tableau Paysage avec « Noli te tangere ». Cette œuvre tardive est peut-être la preuve la plus claire de son talent exceptionnel de peintre paysagiste. Les petites figures de Marie-Madeleine, de Jésus-Christ ressuscité, de ses deux disciples debout près de la haie, d'un ange vêtu de blanc assis devant un tombeau ouvert, sont véhiculées dans une profonde unité figurative avec le paysage. L'imagination de Claude Lorrain transforma la vue de la Campanie en Jérusalem visible au loin derrière les murs de la forteresse et le mont Golgotha ​​​​s'élevant à droite derrière le tombeau. Ces « visions » bibliques rappellent beaucoup le village légèrement bas de Campanie et la colline visible derrière le tombeau, semblables aux sépultures des martyrs chrétiens, souvent trouvées à l'extérieur des portes de la Ville éternelle, notamment le long de la rivière Appienne. Chemin. Des arbres minces aux cimes claires semblent servir de rideau de théâtre, derrière lequel apparaissent les « visions » bibliques de l’artiste sur la Campanie romaine.
Dans l'un des derniers tableaux - Sea Harbour at Sunrise, Claude Lorrain ne cesse d'admirer la lumière matinale du soleil levant, transformant lentement les contours stricts d'une frégate près du rivage et de l'arc de triomphe romain, illuminant uniformément la surface de la mer. . Revenant à son thème de prédilection, l'image du port, il s'amuse à observer toutes les métamorphoses de la lumière du soleil. L'esprit de la poésie de Virgile, élève des philosophes épicuriens, était proche de Claude Lorrain, qui aimait sans cesse et avec enthousiasme la nature de l'Italie, devenue sa deuxième patrie. C'est pourquoi les vers de l'Énéide sont si en accord avec l'œuvre de ce peintre hors du commun :
Heureux celui qui pourra comprendre tous les secrets de la nature.

Les artistes les plus célèbres qui ont travaillé dans le genre du paysage sont Léonard de Vinci, Rembrandt Harmens van Rijn, Raphael Santi, Vincent Willem van Gogh et d'autres. Un des représentants éminents Le peintre paysagiste classique est l'artiste français Claude Lorrain.

Genre paysage

Le paysage est un genre d'art qui reflète la beauté de la nature et du monde environnant dans sa forme originale ou modifiée, transformée par l'homme. Un rôle particulier dans les peintures est joué par la perspective, la composition, la manière de représenter la lumière et même l'air - tous ces aspects ensemble créent l'ambiance générale du tableau et permettent de ressentir les émotions que le peintre voulait transmettre au spectateur.

Biographie. premières années

Claude Lorrain (de son vrai nom Jelle) est né vers date exacte naissance inconnue. Son lieu de naissance est le duché de Lorraine, dans le nord-est de la France, désormais considéré comme faisant partie de la région Grand Est.

Dans les années 1600 en France, le classicisme était la principale direction artistique. La principale caractéristique du classicisme est un retour aux images de l'Antiquité : une construction équilibrée, souvent claire et des formes claires d'objets.

Très jeune, Claude Lorrain a perdu ses deux parents et, après avoir reçu de son frère les compétences de base en dessin, à l'âge de 13 ans, lui et ses proches ont déménagé en Italie.

Éducation et vie plus tard

En Italie, Lorrain obtient un emploi de domestique dans la maison de l'artiste Agostino Tassi. Le service chez Tassi a apporté à Claude Lorrain de nombreux avantages : de lui, le futur artiste a appris de nombreuses techniques techniques des beaux-arts. De plus, Lorren a adopté l'expérience de Gottfried Wels.

L'artiste a vécu presque toute sa vie en Italie ; Claude Lorrain n'a passé que quelques années (1625-1627) à Nancy (ville où il a conçu des voûtes d'églises et commandé des fonds pour des peintures à d'autres artistes).

Jusqu'à l'âge de 42 ans, Lorrain peint des fresques et se consacre à la gravure. Dans la seconde moitié de sa vie, l'artiste se concentre sur les paysages de chevalet, cessant d'accepter des commandes de gravures et de fresques.

Les paysages de Claude Lorrain ont été achetés par de nombreux personnalités célèbres de cette époque - les rois, les princes, les ambassadeurs et même le pape.

Le peintre est décédé à 82 ans à Rome.

Peinture "Matin"

Le tableau "Matin" de Claude Lorrain a été peint et est actuellement exposé à l'Ermitage de Moscou. L'artiste y réalise sa vision d'une des scènes bibliques - la rencontre de Jacob et Rachel.

Le tableau montre Jacob s'occupant d'un troupeau de moutons et des filles de Laban. Puisqu'il s'agit d'un paysage, la majeure partie de la zone est occupée par la réalité environnante - de grands arbres au centre de l'image, un temple de style ancien et le ciel sur près des deux tiers de la toile. Les trois figures humaines ne sont présentées ci-dessous qu'en petite partie. Ils n'ont pas été rédigés par Lorrain lui-même, mais par son collègue Philippe Lauri.

Le tableau est conçu dans des couleurs calmes et claires – un paysage classique typique. La lumière joue un rôle particulier. On devine que l’action se déroule le matin sans même en connaître le nom. Le soleil lui-même n'est pas visible, il est caché derrière les arbres, mais ses rayons traversent les nuages.

La matinée n’a pas été choisie par hasard. Il symbolise les sentiments qui naissent entre Jacob et Rachel. Tout cela fait de « Morning » le plus subtil et œuvre lyrique Claude Lorrain.

"Le viol d'Europe"

Claude Lorrain peint L'Enlèvement d'Europe en 1655. Il illustre une intrigue de la mythologie grecque antique, qui raconte l'histoire d'Europe (la fille du roi Agénor), qui a été kidnappée par le dieu du tonnerre Zeus, se transformant en taureau blanc.

Ce mythe était très populaire à la Renaissance. De nombreux artistes de cette époque l'ont transmis à leur manière : certains se sont fixés pour objectif de transmettre la scène de l'enlèvement le plus fidèlement possible - dynamique et passionnante, tandis que d'autres ont été attirés par l'environnement.

Claude Lorrain appartenait à la deuxième catégorie. Comme dans le tableau « Matin », les personnages de ce tableau jouent un rôle mineur. La base est l'image de la nature et son unité avec l'homme.

Lors de la construction d’une composition, l’artiste utilise des lignes pour retenir le regard du spectateur et le diriger vers les parties souhaitées de l’image : vers les montagnes, le rivage de la baie et les navires. Les couleurs principales sont le vert foncé et le bleu clair, se fondant harmonieusement les unes dans les autres. Le premier plan et l’arrière-plan sont indissociables, réunis en un seul espace sans limites rempli d’air et de lumière.

La toile est empreinte d'un lyrisme profond et évoque chez le spectateur une triste réflexion sur des choses belles et nobles.

"Paysage avec la pénitente Marie-Madeleine"

La date de création du tableau « Paysage avec la pénitente Marie-Madeleine » est 1637.

Marie-Madeleine est l'une des disciples de Jésus dans le Nouveau Testament, la première à voir le Christ ressuscité et son ascension au ciel. Dans l'Orthodoxie, Marie-Madeleine est appelée la porteuse de myrrhe, et dans le catholicisme - la prostituée repentante, car avant de rencontrer Jésus-Christ, elle a mené une vie prodigue, mais grâce à lui elle s'est repentie et a suivi son enseignement.

Le tableau de Claude Lorrain illustre ce propos. Il représente Marie elle-même, agenouillée devant le crucifix et se tournant vers Dieu avec sa confession.

Le tableau utilise des techniques typiques d'un paysage classique - des couleurs douces et délicates caractéristiques de Claude Lorrain, des arbres en coulisses, donnant à la toile une symétrie, une transition en douceur du premier plan vers l'arrière-plan.

La figure de Marie-Madeleine n'est pas située au centre, elle est légèrement décalée. Sa silhouette est éclairée d'une faible lueur, mettant en valeur l'héroïne sur le fond sombre des arbres et créant un effet unique. performance théatrale. La nature est montrée comme harmonieuse et parfaite. L'image a l'air expressive et spirituelle. Actuellement, il est conservé au Musée du Prado, situé en Espagne, à Madrid.

Claude Lorrain (1600-1682)- Peintre français, maître du paysage classique. Mais ses peintures vont au-delà de l'académisme : elles sont animées par la lumière, travaillées à tel point que chaque feuille et chaque brin d'herbe sur les toiles deviennent aussi réels que la verdure du monde réel.

L’œuvre de Lorrain fascine, apaise et plonge dans une atmosphère particulière, où le présent rencontre le passé et où la notion de temps disparaît progressivement. Cela doit se produire parce que les sujets des peintures sont souvent littéraires, ils ne sont pas liés à l'histoire, aux dates et sont dépourvus de détails secs. Bien entendu, des sujets historiques ont également été pris comme base, mais ils se sont perdus dans la beauté du paysage.

Claude Lorrain est né dans une famille paysanne et il lui a fallu un long chemin pour améliorer ses compétences. L'artiste a eu la chance de travailler sur de très différentes œuvres: certains d'entre eux ont vraiment contribué à développer des talents, tandis que d'autres s'apparentaient davantage à un travail de routine. Lorrain était graveur, étudiait l'architecture et la perspective, décorait la voûte de l'église, travaillait sur des « fresques paysagères » et s'essayait avec succès au métier de graveur ( la gravure est un type de gravure sur métal - env. éd.).

Mais il étudie surtout l'art et les secrets de la peinture de paysage. Souvent, les « protagonistes » des œuvres lorraines étaient les ports maritimes, baignés par les rayons du soleil. « L'arrivée de Cléopâtre à Tarse » (1642) est un tableau qui raconte apparemment l'arrivée de la reine Cléopâtre dans la ville de Tarse. Mais le spectateur qui voit la toile a le droit de douter que dans cette œuvre l'intrigue historique soit plus importante que le paysage.

Le soleil sur la photo ressemble à de l'or, le ciel ravit par une variété de nuances et l'architecture semble ciselée, majestueuse et grandiose. Quant aux personnages, ils ne font, comme l'intérieur des peintures d'autres artistes, que compléter la composition. Le ballon est régi par un paysage rempli d'air et de lumière.

Travail incroyablement délicat - «Matin» (1666). Cela touche les profondeurs de l’âme, comme cela se produit lorsque vous observez la nature vivante et réalisez à quel point elle est belle et parfaite. Dans ce cas, vous ressentez ces sentiments en regardant la toile. Et il ne s’agit pas seulement d’admiration pour la nature, c’est d’admiration pour le monde projeté par Lorrain et le talent de l’artiste.

Il n’est pas surprenant que le peintre ait déjà eu de nombreux admirateurs de son vivant. Parmi ses clients figuraient même le roi d'Espagne Philippe IV et le pape Urbain VIII.

Claude Lorrain (1600, Champagne - 1682, Rome), de son vrai nom Claude Jelle, surnommé également Lorrain, habitant de Lorraine. Vers 1613, il s'installe à Rome, où il devient l'élève de l'architecte Agostino Tassi. De 1619 à 1624 il poursuit ses études à Naples auprès du maître du paysage urbain Gottfried Waltz, puis part en France pendant deux ans. En 1634, il fut accepté comme membre de l’Académie romaine et devint bientôt un paysagiste de premier plan. Dans ses œuvres, il se concentre sur les paysages idylliques d'Annibale Carracci et des habitants de Rome. Artistes néerlandais. Puis la peinture de Nicolas Poussin se rapproche de lui. Cependant, contrairement à sa manière de représenter des paysages héroïques, Lorrain développe son propre style lyrique-réaliste. Le travail de ces artistes constitue le summum de la peinture baroque romaine mature.

De célèbres tableaux

Arrivée de Cléopâtre à Tarsos, vers 1642. Huile sur toile, 117*148 cm Musée du Louvre, Paris.
Dans les années 40, Lorrain consacre de plus en plus de place dans ses œuvres aux thèmes historiques, mythologiques et histoires bibliques, qui ne servent souvent que de prétexte pour créer une composition. Cette pièce, avec sa vue panoramique sur le port, offre des vues sur l'horizon lointain. Les bâtiments construits selon les modèles des architectes anciens semblent irréels, tout comme les personnes travaillant ou discutant.

Paysage avec Apollon et Mercure, vers 1643. Huile sur toile, 55*45 cm, Galerie Doria Pamphili, Rome.
Le tableau représente la légende mythique de l'enlèvement du troupeau d'Admète par les dieux. Captivé par la musique, Apollon ne remarque pas comment le rusé Mercure vole son troupeau. L'humeur enthousiaste d'Apollon est véhiculée de manière expressive à travers un paysage imprégné de lumière. Ce n'est que dans quelques œuvres d'autres créateurs que la théorie artistique du baroque - la peinture comme poésie silencieuse - a trouvé une dimension aussi brillante et réflexion totale, comme dans ce tableau lyrique de Lorrain.

Claude Lorrain. Paysages célèbres. mise à jour : 27 janvier 2018 par : Gleb