Toujours moderne. Art des XX-XXI siècles

"dans le pavillon n°66 "Culture" à VDNKh.

Lors de l'exposition, les visiteurs se familiariseront avec les œuvres des peintres russes - à la fois classiques du début du siècle dernier et artistes brillants la modernité.

L'exposition se compose de trois sections : l'art de la première moitié du XXe siècle, les années 1960-1980 et les temps modernes. La première contient des œuvres qui ont révolutionné les idées sur les tâches de l'art - des œuvres d'artistes russes d'avant-garde. Dans les années 1910 et 1920, ils s’éloignèrent délibérément deécole classique de peinture, expérimente et recherche de nouvelles formes.

Les principales orientations de l'avant-garde russe sont présentées : le néo-impressionnisme dans la version d'Alexandra Ekster, le cézanneisme (« Nature morte » d'Ivan Malyutin), le Cubo-Futurisme (« Portrait d'acteur » de Mikhaïl Le-Dantu), cubisme (« City View » d'Alexey Grishchenko, « Composition. Cubism » de Georgy Noskov) , Suprématisme (« Suprématisme » d'Ivan Klyun).

Les expériences créatives ont commencé à décliner au début des années 1930 après le décret « Sur la restructuration des organisations littéraires et artistiques ». Cette décennie a vu le développement d’un art compréhensible pour le grand public : le réalisme socialiste. Désormais, les peintures sont consacrées à l'industrialisation, aux victoires militaires et au travail. Parmi ceux-ci figurent « Manifestation sur la place Ouritski » de Vasily Vikulov, « Pose d'une voie ferrée à Magnitogorsk » de Kuzma Nikolaev, « Les agriculteurs collectifs accueillent les pétroliers » d'Ekaterina Zernova.

La deuxième partie de l'exposition est consacrée à l'art des années 1960-1980. Au réalisme dans l'esprit des années 1930-1950 (sculptures de Nikolai Tomsky, Lev Kerbel), il y avait ses variations stylistiques, par exemple un style dur (« Dans le placard » de Geliy Korzhev, « Absheron Interior » de Tair Salakhov ). Depuis les années 1970, des techniques sont utilisées : le photoréalisme (« Changement » de Leonid Semeyko, « Expérience dans l'espace » de Lemming Nagel), l'expressionnisme (« Personnages se balançant sur une balançoire » de Natalya Nesterova), le réalisme fantastique et le surréalisme (« L'Or Âge" d'Alexandre Sitnikov, " Famille. Mes contemporains" d'Olga Boulgakova).

Certains artistes font revivre les traditions de l’avant-garde russe. Après des expositions au Manège en 1962 et dans un terrain vague à Belyaev en 1974, qui ont reçu un écho international, cette ligne d'art a commencé à être qualifiée d'alternative et non officielle. Des œuvres dans ce style ont été créées par Vladimir Andreenkov, Boris Orlov, Evgeny Rukhin, Boris Turetsky.

L'exposition de la troisième partie présente des œuvres de la fin du XXe siècle à nos jours. Les artistes utilisent les techniques bien connues de leurs prédécesseurs et créent une nouvelle façon de s'exprimer. Ici, à côté des classiques de l'art contemporain, sont présentées les œuvres de jeunes artistes inspirés par l'esthétique des nouveaux médias. Le XXIe siècle est montré à travers les œuvres d'artistes emblématiques : « Vue de Moscou depuis Madrid » d'Eric Bulatov, « La vie céleste » d'Igor Makarevich, « Amsterdam » de Georgy Guryanov, « Forcissia » d'Irina Nakhova.

Les visiteurs verront également des peintures des collections du Musée d'État et centre d'exposition « ROSIZO », Yaroslavl musée d'art, Musée d'histoire et d'art de Serpoukhov, Musée central d'État histoire moderne Russie, création panrusse organisme public"Union des artistes de Russie", collections privées et galeries moscovites.

En avril 2016, vernissage de l'exposition « Always Modern. L'art des XXe et XXIe siècles », qui présente aux spectateurs les œuvres d'art les plus emblématiques des maîtres russes arts visuels, parmi lesquels se trouvent des classiques reconnus du début du XXe siècle et des contemporains emblématiques de nos jours.

Malgré le fait que les peintures incluses dans l'exposition ont été écrites à différentes années de l'histoire de notre pays et appartiennent à des styles différents directions artistiques, les organisateurs du projet soulignent que les tableaux non seulement ne se contredisent pas, mais même au contraire, ils semblent entrer dans un dialogue.

L'exposition est divisée en trois parties, dont chacune se concentre sur diverses solutions artistiques et recherches stylistiques, les exigences de l'époque et les réponses des auteurs eux-mêmes.

Art de la première moitié du XXe siècle. avant-garde russe

Dans cette section, le public est présenté avec des œuvres artistiques de l'avant-garde russe, qui ont révolutionné la compréhension des tâches des beaux-arts. Ici vous pouvez voir des peintures de G. Noskov, I. Klyun, A. Grishchenko, M. Le-Dantu, I. Malyutin et d'autres dans le style du néo-impressionnisme, du cubisme, de Cézanne, du cubo-futurisme, du suprématisme et d'autres tendances.

Art russe des années 60-80.

Cette section de l'exposition parle d'œuvres d'art des années 1960-80. Dans les beaux-arts soviétiques de ces années-là, parallèlement au réalisme socialiste, il y avait diverses modifications stylistiques - par exemple, le soi-disant « style sévère ». Ici également, les instructions suivantes sont présentées à l'attention du public : art pictural comme l'expressionnisme, le photoréalisme, le surréalisme, réalisme fantastique et d'autres Dans cette section, les visiteurs se familiariseront avec les œuvres de O. Boulgakova, A. Sitnikov, N. Nesterova, L. Nagel, L. Semeyko, T. Salakhov et bien d'autres. etc.

La créativité de nos contemporains

Cette section présente au spectateur les œuvres d'artistes contemporains de la fin du 20e au 21e siècle. Les œuvres incluses dans l'exposition montrent comment, de nos jours, différents styles de peinture sont devenus de véritables outils du langage artistique, et les maîtres eux-mêmes, lorsqu'ils le façonnent, citent oeuvres célébres leurs prédécesseurs et les utiliser dans leur activité créative techniques déjà reconnaissables. Cette section de l'exposition contient des œuvres de tels artistes célèbres modernité, comme I. Makarevich, E. Bulatov, I. Nakhova, G. Guryanov et d'autres.

Cher lecteur demande :
Et dis-moi ce que c'est " art moderne" ? S'il vous plaît, soyez bref et sans aucune complication, théorie ou concept.

Oui, facilement. En presque deux mots, exactement en une phrase, je peux répondre. À tel point que vous vous en souviendrez immédiatement et que vous ne serez plus jamais confus.

Ainsi, « l’art contemporain » est
l'art créé après les années 1960-1970,
et se démarque clairement de la peinture réaliste classique que l'on a l'habitude de voir dans les musées.

- Non! « L’art moderne », c’est Malevitch, Picasso et toutes les autres conneries incompréhensibles !

« Conneries incompréhensibles » est un bon indice, mais dans ce cas date est également très, très important.
La date compte.
Je vais vous expliquer pourquoi.
Vous vous souvenez lundi dernier, nous avons parlé du sujet ?
Il semblait que rien n'était dit.
...mais un commentateur écrit : "Picasso, Kandinsky, Matisse, Malevitch et autres arts contemporains".
Imaginez que vous écriviez un article sur la musique rock. Et la personne vous répond : "Oui, je n'aime toujours pas votre musique rock moderne, tous ces Beatles, Doors et Queen."
Saurez-vous poursuivre avec lui une conversation intellectuelle à la recherche de la vérité ? et ne pas rire ?

Si vous détestez vraiment quelque chose, il est alors logique de comprendre de quoi il s’agit exactement. - Juifs ou Arabes (et quoi, les mêmes et d'autres Sémites), le twerk ou la danse du ventre (tourner les fesses est mal !), Tolkien ou Strugatsky (toute science-fiction est une poubelle !) et ainsi de suite.

Alors, pour pouvoir me prouver magistralement dans les commentaires que je me trompe, que tous les artistes sont des arnaqueurs, et que les téléspectateurs sont des connards dupés, etc., faisons le plein d'outils de vocabulaire et rappelons que le terme « l’art contemporain » fait référence à ce qui a été créé après les années 1960-70.

- Ouais ! Je suis tellement rétrograde que pour moi l'art contemporain a 100-150 ans, je pense aussi à la littérature, pour moi tout a 100-150 ans- moderne.

Dieu! Comme tu dis ça gentiment ! Cet avis vous va tellement bien ! Juste adorable, « quel adorable imbécile » (c), continue, continue, ça m'intéresse tellement. Et Tchekhov et Kuprin le sont aussi, il s'avère, écrivains modernes Dans ton? Si vous dites « oui », alors je perdrai simplement la tête de plaisir, avec votre charme, j'oublierai mon orientation purement droite et je vous offrirai ma main et mon cœur. C'est tellement inhabituel (votre avis), si intelligent, si subtil !

K. Malevitch. Repos (Société en Chapeau Haut de Forme). 1908
(L'artiste peint ses contemporains, habillés à la mode de leur époque)

- Eh bien, comment alors appeler toute cette barbouillage ?

Je vais vous le dire maintenant. Il y a plusieurs mots corrects...

- Non! Pas besoin! Je ne veux pas comprendre les types de merdes !

Bien.
Déplacez ensuite rapidement le curseur vers le coin supérieur droit de l’écran et cliquez sur la croix à cet endroit.
Fermez l'onglet sans m'ennuyer.
Arrêtons de me faire perdre mon temps.
Car il est dit : « Ne jetez pas de perles devant les pourceaux ». (E.I. Mlkhvts, chapitre IV, p. 15).

Tous ceux qui souhaitent développer leurs muscles d'érudition continuent de lire, puis m'écrivent des questions et des commentaires, enrichis d'un nouveau vocabulaire.

Picasso. Fille sur le ballon. 1905

***
Allons-y chronologiquement.

MODERNISME

Modernisme et « art contemporain » - pas des synonymes.
Le modernisme commence dans les années 1860 (avec les impressionnistes préférés de tous), capture les post-impressionnistes de la fin du XIXe siècle (Cézanne, Van Gogh) et se poursuit jusque dans les années 1960-70, c'est-à-dire avant l'avènement du célèbre moderne.

Mais je ne recommande pas d'utiliser ce mot, pour être honnête.
Parce qu'il y a encore toutes sortes de détails, par exemple, on pense qu'il y avait encore un « modernisme mature » (dans les années 1950-60), puis un « modernisme tardif » (jusqu'à la fin du XXe siècle), et il semble coïncider avec « l’art moderne », mais pas à 100 %. Et il y avait aussi le post-modernisme, et en même temps... Anunafig, oublie ça. N'oubliez pas que ce n'est pas un synonyme.

Henri Matisse. Petite odalisque en robe violette. 1937

Mais maintenant, il y a trois « A »,
distinguer quel décent personne instruite Il est également nécessaire (et tout aussi utile dans la vie réelle de tous les jours) de faire la distinction entre l'Arctique, l'Antarctique et l'Australie.

AVANT-GARDE

Avant-garde (avant-garde) et « art moderne » - pas des synonymes.

Rappelons comment distinguer :
avant-garde ( ce qui est très poli de sa part) a commencé au XXe siècle, dans les années 1900.

Avant-gardes - ce sont les pionniers (découvreurs) de toutes les innovations artistiques.
Ils ont été pionniers (ils ont littéralement marché à l'avant-garde de l'offensive, d'où leur nom) jusque dans les années 1920-1930.
À cette époque, toutes les choses les plus intéressantes avaient été découvertes et l’avant-garde était terminée.

Natalia Gontcharova. Femme espagnole avec un éventail. années 1920.

Tous mes vœux artistes célèbres XXe siècle - artistes majoritairement avant-gardistes. Après cette période, les célébrités sont apparues, mais pas sous forme de mycélium complet, mais une à une.

Si le nom vous est familier et le tableau est célèbre - 80 % de chances que nous parlons de spécifiquement sur le représentant de l’avant-garde.
Picasso, Malévitch, Kandinsky, Natalia Gontcharova, Matisse, Modigliani, c'est tout.

Ce qui est dessiné - ce n'est pas grave, il peut y avoir des personnes tout à fait reconnaissables (avec une légère « distorsion » de point de vue), et figures géométriques. Ils ont écrit dans le un style différent- ici il y a l'abstraction, et le cubisme, et le suprématisme, et le rayonisme, et un tas de tout. Ce mot rassemble tout simplement de grands pionniers. Il s’agit en grande partie d’une caractéristique de l’époque et non d’un style.

K. Petrov-Vodkine. "Baigner le cheval rouge" 1912.
et c'est aussi avant-gardiste, mais c'est difficile de cracher dessus. La particularité de Petrov-Vodkine (outre les chevaux mutants) est une perspective particulièrement déformée, comme s'il filmait en grand angle).

ABSTRACTIONNISME

Art abstrait et « art moderne » - pas des synonymes.

Alors l'avant-garde a commencé / top, top, top / très vite certains artistes d'avant-garde ont inventé l'abstraction, les autres vaquaient à leurs occupations / puff-puff-puff le train avance / l'avant-garde est finie / puff-puff-puff/ et les abstractionnistes peignent toujours les leurs. Le XXe siècle bat son plein, la Seconde Guerre mondiale, la crise des missiles de Cuba, Lennon a été tué, Eltsine est tombé d'un pont. Et les abstractionnistes peignent encore leurs propres abstractions, même s’il est clair que les maîtres ont depuis longtemps été dépassés.

Cependant, les mandalas sont dessinés depuis des milliers d’années, mais ils ne deviennent jamais obsolètes.

C'est-à-dire:
un artiste abstrait peut être un représentant de « l'art moderne », ou peut-être un artiste d'avant-garde (Malevitch, Kandinsky).

Rappelons-nous : si l'image contient des formes géométriques, des points, des lignes, et qu'il n'y a rien qui rappelle des membres humains ou d'autres réalités, alors c'est de l'abstractionnisme.

Robert Delaunay. Rythme n°3. 1938

Abstraction = non objectif = art non figuratif.

La part du lion de ceux qui s'indignent de « l'art moderne » s'indignent précisément de cette inutilité et de cette abstraction.
Cependant, l’art moderne est traité de manière tout à fait calme avec des choses comme celle-ci.

Vinogradov + Dubossarski. "Alien 2". 2010

ACTIONNISME

Mais l'actionnisme - Il s’agit certes d’art contemporain, mais seulement d’une assez petite partie.
De plus, l’écrasante majorité de ceux qui sont indignés par l’art moderne escaladent le mur précisément à cause de l’actionnisme.

Souvenons-nous - actionnisme, la même racine que le mot action.
C'est alors que l'artiste abandonne la peinture et décide de se lancer dans la 3D, en monde réel, faire des performances
(les historiens de l'art, pour être honnête, pensent que « l'actionnisme » et la « performance » sont des choses légèrement différentes, et qu'il y a aussi du « qui se passe », mais nous étudions ici l'ABC, pas les mathématiques supérieures, alors oubliez ça encore).

Yoko Ono et John Lennon. "LA GUERRE EST FINIE! (Si vous le voulez)." 1969. (photo d'une représentation au cours de laquelle le couple a passé une semaine dans un lit d'hôtel, recevant des journalistes, donnant des interviews et protestant contre les guerres)

Ainsi, un tel artiste se promène dans la ville (souvent nu), représentant quelque chose...
Ce qui est particulièrement exaspérant, bien sûr, c’est la joie avec laquelle les médias commencent à le vanter sous tous les angles. Eh bien, qu'est-ce qui les intéresse, juste pour collecter des clics, mais voici une image tellement gloutonne.
Négligence. Ne nourris pas ce monstre avec tes émotions - médias de masse.
Pourquoi avez-vous besoin de ces performances ? Ils ne sont pas faits pour vous et, par conséquent, vous ne vivez pas pour les contempler. Laissez-le goûter par quelqu'un qui le comprend comme les escargots ou les cuisses de grenouilles, et qui est censé se spécialiser.

Il existe une astuce pour ne pas gaspiller votre santé mentale avec ces « fous » - il suffit de rayer le mot « artiste » de votre définition mentale de ces personnes.
Considérez-les comme des mimes de rue sur l’Arbat, c’est toujours clair : le travail des gens est de faire quelque chose avec leur corps et d’attirer l’attention.

Ici c’est pareil : en réalité, c’est déjà un mini-théâtre d’un seul acteur, assez choquant. Considérez qu’ils ont simplement oublié de changer de nom et que, pour une raison quelconque, ils s’appellent toujours « artistes ». Voici les Pussy Riot - Pourquoi ne vous exaspèrent-ils pas autant que Pavlensky ? à part avoir de jolis seins. Parce qu’ils se qualifiaient de « groupe punk rock » et non d’« artistes ».
Selon la loi du genre, les comportements choquants sont pardonnables pour les punks et les rockers.

Imaginez que ce ne soit pas Pavlensky, mais Ozzy Osbourne.

Alors, il devient plus clair pourquoi il met le feu aux portes ? Eh bien, c'est tout, oubliez-le.

Mieux vaut aller au musée pour voir les artistes d'avant-garde des années 1900-1920, ils sont très beaux.

Alexandre Volkov. "Salon de thé à la grenade" 1924

Les trois concepts énumérés commençant par la lettre «A» sont peut-être la principale chose qui évoque des émotions chez le spectateur. Il y a beaucoup plus à apprendre sur les 20e et 21e siècles, mais c'est là la clé.
Vous savez maintenant quels mots utiliser correctement pour jurer sur des œuvres que vous n’aimez pas.

Et enfin, pour tout confondre complètement :
il existe une opinion selon laquelle « l'art contemporain » - c'est banal tout ce qui se fait en ce moment, ces jours-ci. Y compris Tsereteli, Shilov et les ouvriers de l'usine de Palekh pour avoir peint les boîtes correspondantes. (C'est vrai, ce n'est que ce qui est fabriqué spécifiquement au 21e siècle).
Mais cet « art contemporain » incompréhensible et laid devrait s’appeler « art contemporain », une translittération de l’anglais. Mais ce n'est qu'une démonstration.

1.L'art de la Russie à la fin du XXe siècle. La dernière décennie du XXe siècle en Russie a été riche en événements politiques et économiques qui ont radicalement changé la situation du pays. L'effondrement de l'Union en 1991 et un changement de cap politique, la transition vers des relations de marché et une orientation claire vers le modèle occidental développement économique enfin, affaiblissement, jusqu'à annulation complète, contrôle idéologique- tout cela au début des années 90 a contribué au fait que l'environnement culturel a commencé à changer rapidement. La libéralisation et la démocratisation du pays ont contribué au développement et à l'établissement de nouvelles tendances et orientations dans l'art domestique. L'évolution de l'art dans les années 1990 en Russie se produit avec l'émergence de tendances inhérentes au postmodernisme, avec l'émergence d'une nouvelle génération de jeunes artistes travaillant dans des directions telles que : le conceptualisme, infographie, néoclassicisme liés au développement des technologies informatiques en Russie. Issu de l'éclectisme classique, le « nouveau néoclassicisme russe » est devenu un « diamant aux multiples facettes », combinant diverses directions qui n'appartenaient pas aux « classiques » avant l'ère du modernisme. Néoclassicisme est une direction artistique dans laquelle les artistes font revivre les traditions classiques de la peinture, du graphisme, de la sculpture, mais en même temps ils utilisent activement les dernières technologies. Historien et théoricien de l'art britannique Edward Lucy Smith a qualifié le néoclassicisme russe de « premier phénomène frappant de la culture russe qui a influencé le monde » processus artistique après Kazimir Malevitch." Le néoclassicisme exigeait une attitude envers l'Antiquité différente de celle des classiques. La vision historique de la culture grecque a rendu oeuvres antiques non pas un idéal historique absolu, mais spécifique, donc l'imitation des Grecs a reçu un sens différent : dans la perception de l'art antique, ce n'était pas sa normativité qui passait au premier plan, mais la liberté, la conditionnalité des règles qui deviendront plus tard la canon, vrai vie personnes. D.V. Sarabianov considère le néoclassicisme comme une sorte de « complication » de la modernité. Avec la même probabilité, le néoclassicisme peut être considéré à la fois comme un mouvement moderne et indépendant. Dans le travail des « nouveaux artistes », il n'y a pas de modernité pure ni de néoclassicisme séparé ; ils apparaissent toujours interconnectés ; les artistes de la nouvelle académie combinent plusieurs courants des beaux-arts : avant-garde, postmodernisme, classicisme dans « l'espace du collage ». . Les œuvres des « nouveaux artistes » sont éclectiques, mêlant infographie, gravure, peinture et photographie. Les artistes ont transféré les œuvres finies au format numérique, mis en évidence les fragments nécessaires et créé des collages, restituant magistralement les costumes et les décors de l'Antiquité. La combinaison des méthodes traditionnelles avec les capacités des programmes d'infographie s'est élargie potentiel créatif artistes. Des collages ont été assemblés à partir du matériau numérisé, des effets artistiques spéciaux leur ont été appliqués et ils ont été déformés, créant des compositions illusoires. La plupart représentants éminents Le néoclassicisme pétersbourgeois du début des années 90 était O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Néoclassicisme Toberluts est l'une des manifestations du romantisme. Ses œuvres personnifient les sentiments humains, les rêves, la noblesse, quelque chose d'enthousiaste et adressé à un idéal irréaliste. . L'artiste elle-même devient l'héroïne de ses œuvres. En termes de stylistique, l’œuvre d’O. Toberluts peut être définie comme un néoclassicisme transmis par la conscience postmoderne, comme un monde éclectique dans lequel les temples anciens, les intérieurs de la Renaissance, les moulins hollandais et les costumes du designer K. Goncharov sont représentés comme une touche de modernité. Les possibilités illimitées de l’infographie confèrent aux œuvres d’O. Tobreluts un caractère fantastique et surnaturel. Utiliser la technologie informatique E. Sheff retourne soit à la Grèce antique, soit à la Rome antique, créant des images dans ses collages mythologie ancienne. Dans la serie "Les mythes de Ludwig" l'artiste a utilisé des photographies Sculptures grecques, des structures architecturales, leur imposant les effets de l'Antiquité. À l'aide de la technologie informatique, l'artiste restaure l'état originel du Colisée et organise des excursions fascinantes autour de celui-ci. Peinture numérique Choûtova représente l'équivalent émotionnel de ses nombreux passe-temps. Vous y trouverez et Classiques grecs, et des échos de la recherche ethnographique, ainsi que des éléments de la sous-culture de la jeunesse. Ainsi, on peut noter que la fin du 20e siècle a été un tournant non seulement politique et politique. la vie économique La Russie, mais aussi l'art. Dans les années 90, une direction puissante dans les beaux-arts, le « nouveau néoclassicisme russe », a été créée. Le développement de la technologie informatique en Russie a élargi le potentiel créatif des artistes ; de nouveaux artistes, utilisant les nouvelles technologies, ont créé œuvres classiques. L'essentiel n'est pas la technique et la technologie, mais l'esthétique. L'art contemporain peut aussi être classique. 2.L'art de la Russie au début du XXIe siècle. L'une des caractéristiques des beaux-arts au tournant des XXe et XXIe siècles est qu'ils se sont libérés de la censure, de l'influence de l'État, mais pas de l'influence de l'État. économie de marché. Si à l'époque soviétique artistes professionnels ont bénéficié d'un ensemble de garanties sociales, leurs tableaux ont été achetés pour des expositions et des galeries nationales, ils ne peuvent désormais compter que sur leurs propres forces. Mais la peinture russe n'est pas morte et ne s'est pas transformée en un semblant d'Europe occidentale et Art américain, il continue de se développer sur la base des traditions russes. L'art contemporain est exposé par des galeries d'art contemporain, des collectionneurs privés, des sociétés commerciales, des organismes publics d'art, des musées d'art moderne, des studios d'art ou par les artistes eux-mêmes dans des espaces gérés par des artistes. Les artistes contemporains reçoivent un soutien financier sous forme de subventions, de récompenses et de prix, ainsi que des fonds provenant de la vente de leurs œuvres. En ce sens, la pratique russe est quelque peu différente de la pratique occidentale. Les musées, biennales, festivals et foires d'art contemporain deviennent progressivement des outils d'attraction de capitaux et d'investissements. affaires de voyage ou fait partie de la politique gouvernementale. Les collectionneurs privés fournissent grande influence pour tout le système de l’art contemporain. En Russie, le musée non étatique d'art contemporain Erarta à Saint-Pétersbourg possède l'une des plus grandes collections d'art contemporain. Orientations de l'art contemporain : Art non spectaculaire- une direction de l'art moderne qui rejette le divertissement et la théâtralité. Un exemple d'un tel art est la performance Artiste polonais Pavel Althamer « Script Outline », à l'exposition « Manifesta » en 2000. En Russie, il propose sa propre version de l'art non spectaculaire Anatoly Osmolovsky. Art de rue.(Anglais) art de rue- street art) sont des beaux-arts dont la particularité est un style urbain prononcé. La majeure partie du street art est constituée de graffitis (alias spray art), mais on ne peut pas supposer que le street art est du graffiti. Le street art comprend également des affiches (non commerciales), des pochoirs, diverses installations sculpturales, etc. art de rue Chaque détail, petite chose, ombre, couleur, ligne est important. L'artiste crée son propre logo stylisé - un « signe unique » et le représente dans des zones du paysage urbain. Le plus important dans le street art n'est pas de s'approprier le territoire, mais d'impliquer le spectateur dans le dialogue et de montrer un programme d'intrigue différent. La dernière décennie a été marquée par diverses orientations prises par le street art. Admiratifs de l'ancienne génération, les jeunes écrivains sont conscients de l'importance de développer propre style. Ainsi, de plus en plus de nouvelles branches émergent, prédisant un avenir riche pour le mouvement. Les formes nouvelles et variées du street art dépassent parfois en portée tout ce qui a été créé auparavant. Aérographe - un des techniques de peinture beaux-arts qui utilisent un aérographe comme outil pour appliquer un colorant liquide ou en poudre à l’aide d’air comprimé sur n’importe quelle surface. Une bombe de peinture en aérosol peut également être utilisée. En raison de l'utilisation généralisée de l'aérographe et de l'émergence grande quantité Couleurs différentes et compositions, l'aérographe a reçu un nouvel élan de développement. De nos jours, l'aérographe est utilisé pour créer des peintures, des retouches photo, de la taxidermie, du modélisme, de la peinture textile, de la peinture murale, de l'art corporel, de la peinture sur les ongles, de la peinture de souvenirs et de jouets et de la peinture de vaisselle. Il est souvent utilisé pour appliquer des motifs sur des voitures, des motos, d'autres équipements, dans l'impression, dans le design, etc. Grâce à une fine couche de peinture et à la possibilité de la pulvériser en douceur sur la surface, il est possible d'obtenir d'excellents effets décoratifs, tels que des transitions de couleurs douces, la tridimensionnalité, le réalisme photographique de l'image résultante, l'imitation d'une texture rugueuse avec une douceur de surface idéale.

Sujets et questions des cours de séminaire ;

Sujet 1. Concepts de base de la critique d'art et de l'histoire de l'art.

Des questions:

1. Le problème de la classification des types d'art.

2. La notion d'« œuvre d'art ». Origine et tâche oeuvre d'art. Travail et art.

3. L'essence, les buts, les tâches de l'art.

4.Fonctions et signification de l'art.

5. La notion de « style ». Le style artistique et son époque.

6.Classification des arts.

7. Histoire de l'émergence et du développement de la critique d'art.

Questions à débattre :

1. Il existe 5 définitions connues de l’art. Quelle est la caractéristique de chacun d’eux ? À quelle définition adhérez-vous ? Pouvez-vous formuler votre définition de l’art ?

2. Quel est le but de l’art ?

3. Comment définir une œuvre d’art ? Comment cohabitent « œuvre d’art » et « œuvre artistique » ? Expliquer le processus d'émergence d'une œuvre d'art (selon I. Ten). Quelle est la tâche d'une œuvre d'art (selon P.P. Gnedich) ?

4. Énumérez 4 fonctions principales de l'art (selon I.P. Nikitina) et quatre

compréhension possible du sens de l’art.

5. Définir le sens du concept « style ». Quels styles d’art européen connaissez-vous ? Qu'est-ce que le « style artistique », » espace artistique»?

6. Énumérer et donner une brève description des types d'art : arts spatiaux, temporels, spatio-temporels et spectaculaires.

7. Quel est le sujet de l'étude de l'histoire de l'art ?

8. Selon vous, quel est le rôle des musées, des expositions, des galeries et des bibliothèques dans l’étude des œuvres d’histoire de l’art ?

9. Caractéristiques de la pensée ancienne sur l'art : informations survivantes sur les premiers exemples de littérature sur l'art (« Le Canon » de Polyclète, les traités de Duris, Xénocrate). Tendance « topographique » dans la littérature sur l'art : « Description de la Grèce » de Pausanias. Description des œuvres d'art de Lucian. Le concept pythagoricien de « l’espace » comme un tout harmonieux, soumis aux lois de « l’harmonie et du nombre » et sa signification pour les débuts de la théorie de l’architecture. L'idée d'ordre et de proportionnalité en architecture et en urbanisme. Images d'une cité idéale dans les œuvres de Platon (le sixième livre des Lois, le dialogue Critias) et d'Aristote (le septième livre de la Politique). Comprendre l'art dans la Rome antique. " Histoire naturelle» Pline l'Ancien (1er siècle après JC) comme source principale informations sur l'histoire de l'art ancien. Traité de Vitruve : une exposition systématique du classique théorie de l'architecture.

10. Le sort des traditions anciennes au Moyen Âge et caractéristiques idées médiévales sur l'art : Vues esthétiques du Moyen Âge (Augustin, Thomas d'Aquin), l'idée esthétique directrice : Dieu est la source de la beauté (Augustin) et sa signification pour théorie artistique et de la pratique. L'idée d'un "prototype". Particularités littérature médiévale sur l'art. Manuels de prescription pratiques et technologiques : « Guide des peintres » du mont Athaon de Dionysius Furnagrafiot, « Sur les peintures et les arts des Romains » d'Héraclius, « Schedula » (Schedula – Étudiant) de Théophile. Description des monuments architecturaux dans les chroniques et vies des saints.

11.La Renaissance comme tournant dans l’histoire du développement art européen et l'histoire de l'art. Nouvelle attitude envers l'Antiquité (étude des monuments antiques). Le développement d'une vision laïque du monde et l'émergence de la science expérimentale. Formation d'une tendance à l'interprétation historique et critique des phénomènes artistiques : « Commentaires » de Lorenzo Ghiberti Traités sur des questions particulières - urbanisme (Filarete), proportions en architecture (Francesco di Giorgio), perspective en peinture (Piero della Francesca). Compréhension théorique du tournant de la Renaissance dans le développement de l'art et expérience de l'étude humaniste du patrimoine antique dans les traités de Léon Baptiste Alberti (« De la statue », 1435, « De la peinture », 1435-36, « De l'architecture » ), Léonard de Vinci (« Traité de la peinture », publié à titre posthume), Albrecht Dürer (« Quatre livres sur les proportions humaines », 1528). Critique de la théorie architecturale de Vitruve dans « Dix livres sur l'architecture » (1485) de Léon Baptiste Alberti. L'Académie de la Valeur de Vitruve et ses activités d'étude et de traduction de l'œuvre de Vitruve. Traité de Giacomo da Vignola « La règle des cinq ordres de l'architecture » (1562). « Quatre livres sur l'architecture » (1570) d'Andrea Palladio est un épilogue classique de l'histoire de l'architecture de la Renaissance. Le rôle de Palladio dans le développement des idées architecturales du baroque et du classicisme. Palladio et le palladianisme.

12. Les principales étapes de la formation de la critique historique de l'art à l'époque moderne : de Vasari à Winckelmann : « Biographies des peintres, sculpteurs et architectes les plus remarquables » de Giorgio Vasari (1550, 1568) comme œuvre marquante dans l'histoire de la formation des sciences de l'histoire de l'art. « Le Livre des Artistes » de Karel Van Mander comme continuation des récits de vie de Vasari basés sur le matériau de la peinture hollandaise.

13. Penseurs du XVIIIe siècle sur les problèmes de formation du style dans l'art, sur les méthodes artistiques, la place et le rôle de l'artiste dans la société : Le rationalisme dans l'histoire de l'art. Théorie classique de Nicolas Poussin. Le programme théorique du classicisme dans « L'Art poétique » de Nicolas Boileau (1674) et « Conversations sur les peintres les plus célèbres, anciens et nouveaux » d'A. Feliben (1666-1688).

14. Siècle des Lumières (XVIIIe siècle) et problèmes théoriques et méthodologiques de l'art. Formation d’écoles nationales au sein théorie générale art. Le développement de la critique d'art en France. Le rôle des Salons dans la vie artistique française. Les avis sur les salons comme formes principales littérature critique sur les beaux-arts. Conflits sur les tâches de la critique d'art (évaluer la créativité ou éduquer le public). Caractéristiques de l'histoire de l'art allemand. Contributions à la théorie des beaux-arts par Gotthold Ephraim Lessing. Traité « Laocoon » (1766) et le problème des frontières de la peinture et de la poésie. Introduction du concept de « beaux-arts » au lieu de « beaux-arts » (en déplaçant l'accent de la beauté vers la vérité et en soulignant la fonction visuelle-réaliste de l'art). L'importance des activités de Johann Joachim Winckelmann pour le développement science historique sur l'art. Le concept winckelmannien de l'art ancien et la périodisation de son développement.

15. Les origines de la pensée russe sur l'art. Informations sur les artistes et les monuments artistiques dans les chroniques médiévales russes et les sources épistolaires. Poser des questions sur l'art dans la vie socio-politique du XVIe siècle. (Cathédrale Stoglavy de 1551 et autres cathédrales) comme preuve de l'éveil de la pensée critique et de la lutte de divers courants idéologiques.

16. Un changement radical dans l'art russe du XVIIe siècle : la formation des rudiments d'une vision laïque du monde et la première connaissance des formes européennes culture artistique. La formation de la pensée artistique et théorique. Chapitre « Sur l'écriture d'icônes » dans la « Vie » d'Avvakum. « Essai sur l'art » de Joseph Vladimirov (1665-1666) et « Un mot pour la peinture soignée des icônes » de Simon Ouchakov (1666-1667) sont les premiers ouvrages russes sur la théorie de l'art.

17. Formation active de nouvelles formes laïques de culture au XVIIIe siècle. Remarques

J. von Staehlin est la première tentative de création d'une histoire de l'art russe.

18. Nouvelle compréhension romantique de l'art dans articles critiques K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbecker, V.F. Odoevski, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. Histoire de l'art de la fin du XIXe au XXe siècle : tentatives de synthèse des réalisations de l'école formelle avec les concepts de ses critiques - « science structurelle » sur les styles artistiques. Approche sémiotique en histoire de l'art. Caractéristiques de l'étude sémiotique des œuvres des beaux-arts dans les œuvres de Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Ouspenski. La variété des méthodes d'étude de l'art dans la science russe moderne. Principes d'analyse d'une œuvre d'art et approche problématique de l'étude de l'histoire de l'art dans les œuvres de M. Alpatov (« Problèmes artistiques de l'art de la Grèce antique », « Problèmes artistiques Renaissance italienne"). La synthèse approches méthodologiques(formel-stylistique, iconographique, iconologique, sociologique) par V. Lazarev. Méthode de recherche historique comparée dans les œuvres de D. Sarabyanov (« La peinture russe du XIXe siècle parmi les écoles européennes. Expérience de recherche comparée »). Approche systématique de l'art et de ses caractéristiques.

1. Alekseev V.V. Qu’est-ce que l’art ? Sur la manière dont les peintres, graphistes et sculpteurs représentent le monde. – M. : Art, 1991.

2. Valérie P. À propos de l'art. Collection. – M. : Art, 1993.

3. Fouet B.R. Une introduction à l'étude historique de l'art. – M. : Beaux-Arts, 1985.

4.Vlasov V.G. Styles dans l'art - Saint-Pétersbourg : 1998.

5.Zis A.Ya. Types d'art. – M. : Connaissance, 1979.

6.Kon-Wiener. Histoire des styles d'arts visuels. – M. : Svarog et K, 1998.

7.Melik-Pachaev A.A. Dictionnaire-ouvrage de référence moderne sur l'art. – M. : Olympe – AST, 2000.

8. Yanson H.V. Fondements de l'histoire de l'art. – M. : Art, 2001.

Sujet 2. Art du monde antique. Art de l'ère du système communal primitif et Orient ancien.

Des questions:

1. Périodisation de l'art société primitive. Caractéristique art primitifépoques : Paléolithique, Mésolithique, Néolithique, Bronze.

2. Le concept de syncrétisme dans l'art primitif, ses exemples.

3. Modèles généraux et principes de l'art de l'Orient ancien.

4.L'art de la Mésopotamie antique.

5.L'art des anciens Sumériens.

6. L'art de l'ancienne Babylonie et de l'Assyrie.

Questions à débattre :

1. Donnez brève revue périodisation de l'art primitif. Quelles sont les caractéristiques de l’art de chaque période ?

2. Décrire les principales caractéristiques de l'art primitif : syncrétisme, fétichisme, animisme, totémisme.

3. Comparez les canons de la représentation de l'homme dans l'œuvre artistique de l'Orient ancien (Égypte et Mésopotamie).

4. Quelles sont les caractéristiques des arts visuels de la Mésopotamie antique ?

5.Parlez de l'architecture de la Mésopotamie à l'aide de l'exemple de monuments spécifiques :

la ziggourat d'Etemenniguru à Ur et la ziggourat d'Etemenanki à la Nouvelle Babylone.

6.Parlez de la sculpture de la Mésopotamie à l'aide de l'exemple de monuments spécifiques : murs le long de la route processionnelle, porte d'Ishtar, reliefs du palais d'Assurnasirpal à

7. Quel est le thème des images sculpturales en relief de la Mésopotamie ?

8. Quels étaient les noms des premiers monuments architecturaux babyloniens ? Comment c'était pour eux

but?

9. Quelle est la particularité de la cosmogonie de la culture sumérienne-akkadienne ?

10. Énumérez les réalisations dans l'art de la civilisation sumérienne-akkadienne.

1. Vinogradova N.A. Art traditionnel de l'Orient. – M. : Art, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Histoire courte arts Vol. 1 : De l'Antiquité au XVIe siècle. Essais. – M. : Art, 1985.

3. Art de l'Orient ancien (Monuments de l'art mondial). – M. : Art, 1968.

4.Art L'Egypte ancienne. Peinture, sculpture, architecture, arts appliqués. – M. : Beaux-Arts, 1972.

5.Art Ancien monde. – M. : 2001.

6.Histoire de l'art. Les premières civilisations. – Barcelone-Moscou : OSEANO – Beta Service, 1998.

7. Monuments de l'art mondial. Numéro III, première série. Art de l'Orient ancien. – M. : Art, 1970.

8. Pomerantseva N.A. Fondements esthétiques de l'art de l'Egypte ancienne. – M. : Art, 1985.

9. Stolyar après J.-C. L'origine des beaux-arts. – M. : Art, 1985.

Arts et artisanats populaires russes.

Siècle.

Sculpture sur bois. Les meubles, la vaisselle, les outils étaient fabriqués en bois et des cabanes étaient érigées. Les gens ont développé de nombreuses techniques de sculpture : géométrique, à consoles, traversante, en relief, etc. Les toits des cabanes paysannes étaient couronnés d'une sculpture monumentale représentant un cheval et un oiseau. Plats en bois sculpté et évidé(bols, récipients figurés, piquets - bols profonds avec couvercle).

Peinture sur bois et liber. Ils peignaient des plats, des rouets, des armoires, des berceaux, des coffres et des traîneaux. Il y avait deux peintures : picturale et graphique. Parmi les plus pittoresques – la peinture de Khokhloma Peinture à l'huile sur des ustensiles en bois tourné. Cuillères, bols, bols Khokhloma

Sculpture sur os. Dans la mer Blanche, un matériau a été extrait - la défense de morse, qui a contribué au succès de la sculpture sur os. Les principales techniques de décoration des produits sont la gravure et le relief plat. Ils représentaient des animaux, des scènes entières de chasse, de consommation de thé, de marche, histoires bibliques. Ils peignaient des tabatières, des boîtes diverses, tantôt en forme de chaussures, tantôt de cœurs, de peignes, de cercueils, d'éventails. Des produits bon marché sont fabriqués pour la vie paysanne - peignes, cercueils en forme de tours, boucles d'oreilles.

Céramique. Ils font de la poterie et fabriquent des jouets. Les plats polis noirs de couleur noir bleuâtre, obtenus par exposition à une flamme enfumée, sont décorés par polissage - continu ou ornemental. Bols, pichets, lave-mains. Formulaires simples les plats vernissés sont égayés par des émaux coulants colorés, verts, rouge-brun, qui s'étalent lors de la cuisson. Les plats en majolique de Gjel sont des produits en argile colorée, recouverts d'une composition vitreuse opaque - l'émail. Ils représentent des maisons, des oiseaux, des animaux, des arbres, de l'herbe, des fleurs.

Jouet. Un des les plus grands centres Troitse-Sergiev Possad a commencé à produire des jouets en bois peint. Sergiev sifflets, oiseaux, patins, poupées. En 2ème mi-temps 19ème siècle Le jouet en majolique de Gjel s'est répandu. Il était moulé à la main ou sous forme de double-feuille. Jouet en argile– des femmes en jupes coniques, des cavaliers, des oiseaux. . Ils étaient célèbres Jouets Viatka (colonie de Dymkovo) - messieurs d'argile sur un cheval coiffés d'un chapeau, dames importantes, porteurs d'eau, oiseaux, animaux semi-fables.

Tissus, broderies, dentelles. Tissage à la main– les femmes tissaient de la toile, du lin et des tissus à motifs sur un métier à tisser. Matière : lin, chanvre, coton. Les tissus étaient décorés de motifs tissés et de tissus imprimés. La base tissage à la main– tissage par comptage de fils : vertical et horizontal. Les chemises, les tabliers, les serviettes et les draps étaient décorés de tissus à motifs. Talon imprimé- une méthode d'application d'un motif sur un tissu à l'aide d'une planche sculptée préalablement enduite de peinture. Broderie décoration de vêtements de fête et articles ménagers– serviettes, foulards, nappes. Coiffes de mariage décorées de broderies dorées. Dentelle dans les vêtements de fête et les articles ménagers, il est utilisé avec la broderie. La première technique dense et simple est la dentelle Mikhaïlovski (elle était tissée à partir de fils de lin ou de coton durs). La célèbre dentelle de Vologda (éléments du motif - une fleur ressemblant à une marguerite, un oiseau stylisé - une paonne, disposé avec une tresse - une vilyushka).

Architecture de la Biélorussie.

Architecture des temps modernes début 1990. Les années 2000 sont caractérisées par des recherches innovantes. Des changements s'opèrent dans le concept d'urbanisme : le développement de la structure de planification des villes passe par la transition vers le système « ville-banlieue ». Le rôle de la construction de bâtiments résidentiels de faible hauteur et individuels augmente. Les routes de contournement se sont répandues, permettant de contourner la ville (Logoisk, Kobryn, Gomel). La sculpture et les couleurs se sont généralisées (monuments aux princes David à Daivd-Gorodok, Boris à Borisov, F. Skoryna, M. Gusovsky et K. Turovsky dans la cour de BSU). Depuis le début 2000 la formation de l'apparence artistique des villes biélorusses est réalisée à l'aide de moyens graphiques et d'éclairages décoratifs, qui servent de guide dans l'espace, remplissent des fonctions d'information et ouvrent de nouvelles facettes esthétiques des bâtiments et des structures (bâtiments des avenues Indépendance, Partizansky, Pobediteley - à Minsk, la cathédrale Pierre et Paul et le palais Rumyantsev - Paskevich à Gomel, la Stèle de la Victoire à Mozyr), le temple au nom de la Vénérable Princesse Euphrasinie de Polotsk à Minsk, l'église de la Sainte Épiphanie à Grodno. Du neuf matériaux de construction des verres teintés et miroir sont utilisés ( Palais de glaceà Minsk, Gomel, Grodno, Zhlobin, Vitebsk), le bâtiment principal de la gare ferroviaire, le centre de bureaux du 21e siècle à Minsk, le bâtiment de la Bibliothèque nationale à Minsk. Les conceptions modernes sont basées sur une combinaison cadres métalliques et les vitrages extérieurs et les murs remplissant une fonction utilitaire et décorative. En raison de la variété des matériaux de construction, la construction de logements est réalisée à l'aide de structures en béton armé, de panneaux et de briques. Les immeubles résidentiels de grande hauteur, de faible hauteur et individuels construits selon des conceptions standard sont en train d'être relancés. En 1992-1997, un camp résidentiel pour militaires a été créé dans la ville. Quartier Ross Volkovysky. La construction de bâtiments résidentiels individuels de type cottage dans les zones suburbaines (villages de Borovlyany, Novinki, région de Minsk) s'est généralisée. L'architecture des cottages incarne les motifs du baroque, du classicisme, du modernisme, du gothique, architecture populaire. En 2000, un ensemble commémoratif dédié aux soldats des gardes-frontières a été construit à Grodno, ainsi qu'une pancarte architecturale « Aux partisans biélorusses à Minsk ». La construction du bâtiment principal de la gare de Minsk, architectes - Kramarenko, Vinogradov, a reçu le Prix d'État B. 2004.

À monuments architecturaux comprennent : le château de Mir, le château de Nesvizh, le château de Grodno, le canal Aginsky, le mur de la forteresse de Grodno, l'église de l'Annonciation à Vitebsk, le château de Lida, l'église Thérèse de Shchuchin.

Les beaux-arts de la fin du 20e siècle et du début du 21e siècle.

Dans la 2e moitié des années 80 du 20e siècle, toutes les grandes orientations des beaux-arts du 20e siècle ont pris forme. - début du XXIe siècle : peinture d'église, y compris la peinture d'icônes (N. Mukhin, V. Balabanov, I. Glazunov, E. Maksimov, V. Shilov) ; « l'école du croquis » de peinture, caractérisée par le paysage russe traditionnel (V. Sidorov, V. Shcherbakov, V. Telin, V. Polotnov) ; avant-garde (Zlotnikov, Yankilevsky, Nasedkin) ; Postmoderne russe (Dubov, Kislitsin, Markelova, Tereshchenko) ; " art contemporain" Une particularité des beaux-arts au tournant des XXe et XXIe siècles. c'est qu'elle s'est libérée de la censure, de l'influence de l'État, mais pas de l'économie de marché. Si à l'époque soviétique les artistes professionnels bénéficiaient d'un ensemble de garanties sociales, leurs tableaux étaient achetés pour des expositions et des galeries nationales, mais ils ne peuvent désormais compter que sur leurs propres forces.

En 1947, l'Académie des Arts est créée. Dans les années 50, un système strict fut mis en place. Un artiste étudiant dans une université doit passer par plusieurs étapes.

Étape 1 – diplômé d’une école d’art

Étape 2 – terminer école d'art ou un institut.

Terminez votre formation avec une grande image thématique. Puis il devient membre du syndicat des artistes. Présentant périodiquement ses nouvelles œuvres à l'exposition officielle. Le principal client des œuvres artistiques des maîtres était l'État. À la fin des années 50, des immeubles de grande hauteur avec des flèches surplombaient Moscou. On les appelait « High-Rise ». Ils étaient 7. 1967 La tour de télévision Astana est construite à Moscou. Projet automobile de Nikitine 1907-1973, cet architecte a participé à la construction des complexes du Palais de la Culture à Varsovie, du monument « La patrie appelle ! » tour de télévision et le restaurant Seventh Heaven. Des complexes résidentiels rappelant la culture postmoderne de l’Occident ont commencé à apparaître. Puis, à Moscou, l'architecture en blocs a été remplacée par une variété de formes et de styles de matériaux (verre). Construit dans un style high-tech à Minsk bibliothèque nationale 2002. Le style moscovite est particulièrement populaire - la cathédrale restaurée du Christ-Sauveur, qui figure en tête de liste des plus grandes. Mais le projet le plus ambitieux à Moscou est « CITY » avec des dizaines de gratte-ciel. Au 21e siècle, un immeuble de 25 étages est en construction. Le complexe Khatyn est en cours de restauration (Silikhanov, Zankovich). "Forteresse de Brest" - Volchok, Sysoev, Zankovich, Nazarov, des sculpteurs ont participé - Bobyl, Bembel. Vablio commence à se répandre dans la peinture. Il s'agit d'un genre de dessins ironiques, qui comprend un écho verbal du film populaire de Gugarev et de son œuvre « Night Watch ». La période suivante est l'égocentrisme. L'innovation et le conformisme, c'est lorsque l'œuvre retrace la métaphore et le concept qui ont remplacé domaines thématiques. A. Bosolyga - "Prière". Au XXIe siècle, le christianisme revient, l'icône renaît, les temples et les églises sont restaurés. Dans l’école moderne du XXIe siècle, il n’y a aucune influence de l’art d’Europe occidentale. Dans un graphique, une droite libre est jeu intellectuel lignes. Yu. Podoline « Lusterka ». Au 21e siècle, les petites formes de cartes postales, de publicités, d'affiches et graphiques de livre. Le graphique apparaît en couleur. L'infographie est en cours de développement. Dans cette direction : Borozna, Yakovenko. Le graphisme imprimé a fragilisé son développement par la lithographie, réalisée sur des plaques métalliques. Auteur Zventsov « Fondamentaux du graphisme ». Renaître photo artistique et a un fort impact sur les graphiques. L'art intuitif se développe.