Dans un livre qui représente l'un des besoins spirituels les plus importants l'homme moderne, le travail de l'artiste, des éditeurs et des imprimeurs est organiquement combiné.
L'artiste d'un livre a la tâche responsable de le réaliser au moyen de arts visuels concept idéologique et artistique, contenu texte littéraire et créer l'aspect artistique et décoratif du livre. Seule une combinaison harmonieuse de ces deux faces du graphisme du livre crée un livre à part entière.
Une caractéristique distinctive du graphisme du livre est son lien étroit avec l'imprimerie, sa dépendance au niveau et à la culture de travail de la production imprimée.
Basé sur les tâches principales du graphisme du livre, il est divisé en conception et illustration du livre. La conception d'un livre comprend sa tenue décorative, sa décoration, les éléments de police dessinés, structure de composition saisie de texte, etc. (couverture, titre de page, titres, etc.). Illustrer un livre (du latin illustratio - image visuelle, description) résout le problème de la divulgation figurative d'un texte littéraire à l'aide de dessins (illustrations de divers types). Réservons d'emblée que cette division est très relative. Dans un bon livre, il est impossible de savoir où se termine le dessin et où commence l’illustration. Nous connaissons des exemples de solutions convaincantes à un projet idéologique et à la construction d'un livre uniquement par le biais du design. Assez souvent dans les éléments de conception (sur la couverture, le titre, la jaquette, etc.) on retrouve un dessin qui permet de révéler le texte littéraire. Les véritables illustrations du livre, avec toute la profondeur de la solution idéologique et figurative, à leur tour, ne perdent pas leur caractère décoratif, ne cessent d'être des éléments de la décoration du livre, en parfaite harmonie avec les caractères, le papier - avec la nature du livre.
Regardez attentivement le travail étonnamment complet et magnifiquement construit de V. Favorsky sur le livre « Petites tragédies » de A. S. Pouchkine. Dans celui-ci, même les plus petits éléments décoratifs ont sens profond, et les illustrations psychologiquement aiguës sont harmonieusement liées au texte et créent un aspect décoratif du livre.
22. M. Doboujinski. Couverture de l'histoire "Les Nuits Blanches" de F. M. Dostoïevski. 1923
Malheureusement, dans notre pays, la pratique consistant à confier l’illustration d’un livre à un artiste et la conception à un autre est encore trop répandue. La collaboration de deux artistes est autorisée dans de rares cas s'il existe une relation créative, une « lecture » unanime d'un texte littéraire et un accord mutuel sur l'œuvre. Il existe des exemples d’une telle collaboration étroite dans notre art. Conception et illustration du livre - un processus créatif réalisé, idéalement, par un seul artiste. Nous combinons les deux côtés de ce processus dans concept - livresque arts graphiques. Nous utilisons les termes « illustration » et « design », car ils reflètent fidèlement les tâches principales du graphisme du livre et aident à comprendre le processus créatif et les éléments d'un livre.
Exister différentes sortes la littérature et Divers types livres. En fonction de leur objectif, du cercle de lecteurs auquel le livre s'adresse et des objectifs qu'il poursuit, dépendront sa diffusion, son format, le degré et la nature de sa conception et de son illustration. Voici quelques exemples des types de livres les plus courants.
La fiction constitue l'une des sections les plus étendues de l'édition de livres. De par sa nature, il est organiquement lié aux beaux-arts ; il est conçu et illustré de manière large et variée.
La littérature politique est généralement publiée dans de grandes éditions de masse dans un court laps de temps. Son contenu correspond à une conception simple et stricte. Les photographies sont souvent utilisées comme matériel d’illustration.
En règle générale, un livre pour enfants se distingue par son design riche, son élégance, ses grands formats et sa police claire et facile à lire. Si dans d'autres types de livres la couleur est utilisée avec parcimonie et seulement dans certains éléments du livre, alors un livre pour enfants, notamment destiné aux jeunes enfants, se distingue par sa richesse de couleurs, ses couvertures colorées et ses nombreuses illustrations en couleurs.
23. D. Dubinsky. Illustration pour l'histoire d'A.P. Tchekhov "Maison avec mezzanine". 1954. Aquarelle noire
Littérature scientifique et technique, la plupart des manuels et dictionnaires se distinguent par une conception très épurée et modeste.
Un groupe spécial est constitué d'éditions spéciales, appelées livres uniques, consacrés à des anniversaires, des événements, des œuvres littéraires marquantes, etc. Ils sont publiés dans des formats inhabituels non standard et en petites éditions. La conception et l'illustration de ces publications sont confiées aux meilleurs artisans. Des matériaux rares et coûteux sont utilisés qui ne sont pas utilisés pour des publications de masse. Ces livres sont également appelés bibliophiliques (bibliophilie - amour des livres).
L’organisme complexe d’un livre se compose de nombreux éléments. Faisons connaissance avec ces éléments dans la solution desquels l'artiste joue un rôle de premier plan.
La couverture (reliure) est une solution artistique à la couverture d'un livre, qui renferme un bloc de livre. Le design de la couverture, qui utilise généralement de la couleur, doit être décoratif, clair et donner une belle apparence au livre. apparence, mais en même temps donner une description précise du livre, révéler sa signification principale, son style et sa structure figurative. La couverture doit contenir des éléments de police qui reflètent les principales données du titre (auteur et titre du livre).
Le titre ou la page de titre est la moitié droite de la première page d'un livre. Le titre contient des éléments de police plus complexes qui expliquent le titre et les informations de publication. Parfois, ces données s'étendent à la page de gauche adjacente - le contre-titre. Cette décision s'appelle un titre d'inversion. Si une illustration est placée sur la page de gauche de la première planche ou si un portrait de l'auteur est imprimé, une telle page est appelée frontispice. Le dessin du titre est relativement rarement utilisé et a davantage une valeur décorative.
Les titres sont des feuilles individuelles qui ouvrent des parties ou des sections d'un livre. Le titre et un simple motif ou dessin ornemental sont placés sur le titre.
Une jaquette (du latin « super » – au-dessus, au-dessus) est le revêtement en papier artistiquement conçu d'un livre au-dessus de la couverture. La tâche principale de la jaquette est d'attirer l'attention sur le livre et de protéger la couverture des dommages pendant un certain temps.
Les illustrations sont des dessins qui révèlent de manière figurative un texte littéraire, subordonné au contenu et au style d'une œuvre littéraire, tout en décorant le livre et en enrichissant sa structure décorative. Les tâches d'illustration sont également partiellement résolues dans les dessins sur la couverture, le titre, les introductions et les fins.
Un casque est une petite composition à caractère ornemental ou en forme d'image, ouvrant une section de texte (le début d'un livre, une partie, un chapitre). L'écran de démarrage est étroitement lié à la bande de cadran et ne devient jamais une illustration.
La fin est un petit dessin ou un motif ornemental qui termine la dernière page d'une section ou le livre entier.
Une initiale (du latin initialis - initiale) est la lettre initiale d'une section du texte d'un livre ou d'un manuscrit créé par un artiste. Le nom russe ancien de l'initiale, la lettre initiale, a été conservé dans la vie quotidienne.
La première page du texte d'un livre, généralement décorée d'une lettrine ou d'une lettrine, est appelée une imposition ou une imposition.
C'est comme ça courte listeéléments du livre. Outre la couverture et le titre obligatoires de chaque livre, tous les autres éléments sont introduits dans la mesure requise par les objectifs, le but du livre, son volume, sa diffusion et l’intention de l’artiste.
Le processus créatif dans l’art du graphisme du livre est complexe et ses spécificités peuvent être mieux vues à travers l’exemple du design et de l’illustration. fiction. L'artiste choisit un auteur et une œuvre qui lui sont particulièrement proches par le concept, la nature de la créativité, le style et lui permettent d'exprimer plus pleinement ses convictions et de révéler ses compétences professionnelles. L'écrivain et l'artiste doivent être liés par l'unité des quêtes créatrices. Une lecture réfléchie d’une œuvre littéraire est le début du travail d’un artiste sur un livre. S'en suit un processus complexe de transformation, la reconstruction créative d'un texte littéraire à l'aide des moyens des beaux-arts. Après avoir profondément approfondi la vision du monde et l'intention de l'écrivain, l'artiste est obligé d'évaluer son œuvre du point de vue d'un contemporain (ce qui est particulièrement difficile lorsqu'on travaille sur des œuvres du passé) et d'exprimer, en utilisant les moyens à sa disposition. disposition, sa propre attitude envers la création de l'écrivain.
En réalisant son travail, l'artiste étudie attentivement l'époque, le style artistique de cette époque, les types de personnes, les meubles, les vêtements, les ornements et les polices de caractères, etc. L'artiste doit capturer l'esprit de l'œuvre littéraire, son style et le refléter dans son travail. Copie superficielle de fonctionnalités externes et techniques artistiques le style de l'époque ne révèle pas encore la profondeur du contenu et relève de la stylisation. Une attitude véritablement créative permet à l’artiste de comprendre plus profondément le travail de l’écrivain, de ressentir plus subtilement le sous-texte de l’œuvre, de ressentir les motivations intérieures cachées et les caractéristiques de style. Après avoir déterminé les moments de l'œuvre qui doivent être soulignés, l'artiste réfléchit aux moyens d'y parvenir, trouve une composition harmonieuse du livre et réalise un croquis (modèle du livre). Souvent, dans les illustrations et le design, l'artiste reflète ces moments qui ne sont littéralement pas contenus dans le texte littéraire. L’implication de l’artiste dans de nouveaux motifs ne contredit pas le contenu du livre, ne nuit pas au concept, mais ne fait que le compléter et l’enrichir. La fiction et l’imagination de l’artiste sont appropriées si elles sont en harmonie avec le style de l’écrivain. Nous connaissons de nombreux exemples de fusion organique des efforts créatifs d'un écrivain et d'un artiste, qui ont donné au monde des valeurs culturelles aussi durables que « Gargantua et Pantagruel » - F. Rabelais et G. Doré, « Hadji Murat » - L. Tolstoï et E. Lanseray, les sonnets de Shakespeare conçus par V. Favorsky et d'autres. Dans chaque cas, la création de l'artiste correspond à l'esprit de l'œuvre, mais chaque artiste conserve la sienne personnalité brillante, votre propre style créatif spécial. Nous reconnaissons toujours le style artistique particulier de merveilleux artistes du livre soviétiques tels que V. Favorsky, D. Shmarinov, N. Kuzmin, V. Konashevich, Yu. Vasnetsov.
Ainsi, l'artiste du livre est confronté à la tâche de révéler le contenu idéologique et artistique de l'œuvre au moyen des beaux-arts, en préservant l'unité de la structure figurative et décorative du livre avec l'esprit de l'œuvre, le style de l'écrivain. , et donnant une évaluation moderne de l'œuvre littéraire dans sa solution visuelle individuelle.
Un aspect important de l'art du graphisme du livre est la prise en compte obligatoire des caractéristiques de la structure d'impression du livre, de sa nature unique en tant que valeur culturelle et comment les choses se passent. Un artiste de livre doit travailler dans une taille (format) strictement définie et prédéterminée. Il existe certains formats standards les plus rationnels. L'artiste ne peut pas modifier arbitrairement les proportions de la feuille, ce qui crée certaines difficultés, notamment dans la composition. En plus du texte littéraire sous la forme d'un jeu de polices, la conception comprend d'autres éléments de texte obligatoires (titre et données de publication). Apparence livre moderne est composé de nombreux éléments - de la couverture au texte de composition, et il serait correct que l'artiste détermine leur structure. En fonction du format requis, l'artiste détermine le volume du livre, le nombre et le type d'éléments graphiques, leur répartition dans le livre ; il doit lui être clair dans quelle police le texte sera tapé, quelles sont les proportions du barre de composition et marges de page. Tous les éléments visuels du livre sont très étroitement liés à la police de caractères. La création de polices est ancienne et art de haute qualité. De nombreuses générations d'artistes ont travaillé pour créer des polices beau dessin, des proportions parfaites, des polices claires, lisibles et variées. Les originaux à partir desquels les polices sont moulées sont également créés par des artistes. Ce n'est qu'en disposant d'une variété de belles polices que vous pourrez résoudre avec succès les problèmes de conception de livres. Les éléments de police de la couverture, les titres, les jaquettes, les titres et les titres individuels sont généralement dessinés par des artistes. Il est nécessaire de parvenir à leur combinaison harmonieuse avec des polices de caractères et des éléments graphiques. Un artiste du livre doit non seulement connaître les polices et être capable de les utiliser, mais aussi être capable de modifier les polices existantes et d'en créer de nouvelles qui correspondent à son projet, au style du livre et à la nature de l'œuvre littéraire. Soucieux constamment de l'unité typographique et artistique du livre, l'artiste doit connaître au moins les bases de la production typographique et être en contact étroit avec les éditeurs préparant le livre à la publication et les imprimeurs. Tous les éléments graphiques du livre doivent être harmonieusement liés au plan du papier, à la bande de composition. Lorsqu'il travaille, par exemple, sur une illustration, l'artiste doit clairement imaginer comment elle sera combinée avec la bande de composition de la page adjacente, et à quoi ressemblera la diffusion du livre.
Les illustrations originales sont réalisées par l'artiste dans une variété de supports graphiques. À partir de ces originaux, les imprimeurs préparent des formulaires d'impression à l'aide de méthodes photomécaniques, créant ainsi des clichés. Les illustrations en lignes et en tons sont courantes dans les graphiques de livres modernes. Il existe des illustrations exécutées dans un plan volumétrique-spatial et dans une interprétation conventionnellement plane. Une interprétation créative prouve de manière convaincante la légitimité des différents types d'illustrations, si elles sont créées au moyen de l'art graphique, avec ses caractéristiques inhérentes, si ces illustrations sont réalisées de manière réaliste et ne se transforment ni en astuces abstraites ni en image naturaliste.
Le livre a ses propres principes de développement du clair-obscur, des volumes et des perspectives, ses propres échelles et techniques de composition. C'est pourquoi un chevalet graphique ordinaire fonctionne (même s'il est exécuté en thème littéraire), même réduits au format livre, ne pourront servir d’illustrations et ne seront que des reproductions collées dans le livre. Il faut souligner le rôle particulièrement marquant de la gravure sur bois de bout en bout dans l’art du livre. Sa correspondance remarquable avec la nature du livre explique l'utilisation répandue des gravures sur bois dans l'histoire soviétique. art du livre. De belles illustrations et dessins pour de nombreux livres ont été créés par V. Favorsky, A. Goncharov, G. Epifanov, M. Pikov, E. Burgunker et d'autres artistes.
L'histoire du livre est étroitement liée à l'histoire des beaux-arts et du graphisme ; les artistes ont notamment joué un rôle de premier plan dans la création de livres manuscrits. Ils étaient les créateurs de polices, de décorations et de designs. Le dessin destiné au livre est connu en Chine depuis le IVe siècle après JC. e. En Russie, les premiers livres manuscrits contenant des images remontent au Xe siècle. Avec l'invention de l'imprimerie au milieu du XVe siècle et la large diffusion des livres, le rôle de l'artiste s'accroît de plus en plus et ses tâches deviennent plus profondes. Sans pouvoir donner au moins un bref aperçu de l'histoire de l'art du livre, nous nous attarderons sur les principales caractéristiques du graphisme du livre soviétique.
Le livre occupait une place importante dans la vie du peuple soviétique ; il est largement diffusé grands tirages, est devenu accessible à tous. En raison d'une telle ampleur de l'édition de livres et de la croissance sans précédent de la culture populaire, les tâches des artistes du livre sont devenues inhabituellement vastes et responsables. Une compréhension profonde de ces tâches et une grande compétence ont marqué le travail des maîtres de l'ancienne génération - E. Lansere, I. Bilibin, D. Kardovsky, M. Dobuzhinsky, B. Kustodiev, E. Belukha, V. Zamirailo, M. Kirnarsky , D. Mitrokhin et autres . Pour la première fois au monde, ils avaient pour tâche de travailler à la conception et à l'illustration d'un livre de masse destiné à un lecteur multimillionnaire. Après avoir résolu ce problème avec honneur, ils ont créé le style graphique du livre soviétique, ont établi de bonnes traditions et ont montré une profonde compréhension des spécificités du livre. Comme exemple du grand art d'un artiste du livre, nous présentons la couverture de M. Dobujinski des « Nuits Blanches » de F. M. Dostoïevski (les 22). Il est difficilement possible de transmettre plus profondément et avec plus d'âme l'essence même de l'œuvre, son style, sa structure particulière. Les moyens visuels utilisés par l'artiste semblent très simples - la couverture est réalisée en noir sur fond blanc de la feuille, le motif habituel du treillis de Saint-Pétersbourg est repris. Mais ce motif devient symbolique ; il introduit le lecteur dans l'atmosphère de l'œuvre. La conception et les illustrations du livre sont inextricablement liées et indissociables du contenu, de l’organisme tout entier du livre.
Nous sommes à juste titre fiers des artistes dont les œuvres constituent le fonds d'or du graphisme du livre soviétique. Il s'agit de V. Favorsky, D. Shmarinov, E. Kibrik, Ku-kryniksy, D. Dubinsky (ill. 23), N. Kuzmin, K. Rudakov, L. Khizhinsky, S. Pozharsky, L. Brodaty, S. Gerasimov. , A. Goncharov, A. Laptev, M. Pikov et bien d'autres maîtres.
En nous tournant encore et encore vers certaines œuvres littéraires, nous évoquons immédiatement des images vives et profondément ressenties de leurs héros, créées à partir d'illustrations par des artistes soviétiques. Nous nous souviendrons toujours de Kola Bryun-on d'E. Kibrik, du vieux prêteur d'argent de D. Shmarinov (ill. 24), de Chuk et Gek de D. Dubinsky, de la dame de Kukryniksy avec un chien et de bien d'autres images.
24. D. Chmarinov. La vieille prêteuse sur gages. Illustration du roman « Crime et châtiment » de F. M. Dostoïevski. 1935. Aquarelle noire
V. Lebedev, V. Konashevich, A. Kanevsky, A. Pakhomov, Y. Vasnetsov, E. Charushin, T. Mavrina, E. Rachev et d'autres travaillent de manière fructueuse dans les livres pour enfants.
Les graphismes des livres soviétiques modernes se caractérisent par diverses recherches, expériences audacieuses de nombreux maîtres, différents dans leur apparence créative, mais unis dans leur esprit et leurs objectifs. Le travail sur les œuvres de prose et de poésie soviétiques occupe une place prépondérante. Ceci est démontré par les travaux de V. Dvorakovsky, G. Epifanov, S. Telingater, E. Burgunker, M. Taranov, O. Vereisky, V. Zenkovich, T. Tsinberg, A. Kokorin, Yu. Korovin, I. Fomina. , E. Kogan, L. Zusman, A. Livanov, P. Bounine. D. Bisti, A. Vasin et bien d'autres.
Particularitélivre le graphisme est son lien étroit avec l'imprimerie, sa dépendance vis-à-vis du niveau et de la culture du travail dans la production typographique.
Basé sur les tâches principales du graphisme du livre, il est divisé endécor Etillustrant livres. La conception d'un livre comprend sa tenue décorative, sa décoration, les éléments de police dessinés à la main, la structure compositionnelle de la composition du texte, etc. (couverture, page de titre, titre, etc.) Illustration de livre (de lat. illustration – image visuelle, description) résout le problème de la divulgation figurative d'un texte littéraire à l'aide de dessins (illustrations de divers types). Faisons immédiatement une réserve sur le fait qu'une telle division est très arbitraire. Dans un bon livre, il est impossible de savoir où se termine le dessin et où commence l’illustration. Nous connaissons des exemples de solutions convaincantes à un projet idéologique et à la construction d'un livre uniquement par le biais du design. Assez souvent dans les éléments de conception (sur la couverture, la page de titre, la jaquette, etc.) on retrouve un dessin qui permet de révéler le texte littéraire. Les véritables illustrations du livre, avec toute la profondeur de la solution idéologique et figurative, à leur tour, ne perdent pas leur caractère décoratif, ne cessent d'être des éléments de la décoration du livre, en parfaite harmonie avec les caractères, le papier - avec le nature du livre.
I. Bilibine. Couverture du livre de J. Kennan "Siberia and Exile". 1906.
Super couverture
L'organisme complexe d'un livre se compose de plusieurséléments . Faisons connaissance avec ces éléments dans la solution desquels l'artiste joue un rôle de premier plan.
Couverture (reliure) - une solution artistique à la couverture d'un livre, qui renferme un bloc-livre. La solution de couverture, qui utilise généralement la couleur, doit être classiquement décorative, claire, donner au livre une belle apparence, mais en même temps donner une description précise du livre, révéler sa signification principale, son style et sa structure figurative. La couverture doit contenir des éléments de police qui reflètent les principales données du titre (auteur et titre du livre).
Exemple de titre.
V. Favorski. Titre de redressement. 1931.
Jaquette ( de lat. super – ci-dessus, ci-dessus) est une couverture papier artistiquement conçue d’un livre au-dessus de la couverture. La tâche principale de la jaquette est d'attirer l'attention sur le livre et de protéger la couverture des dommages pendant un certain temps.
Titre ou page de titre – moitié droite de la première page du livre. Le titre contient des éléments de police plus complexes qui expliquent le titre et les informations de publication. Parfois, ces données s'étendent à la page de gauche adjacente - le contre-titre. Cette décision s'appelle un titre d'inversion. Si une illustration est placée sur la page de gauche de la première planche ou si un portrait de l'auteur est imprimé, une telle page est appeléefrontispice . Le dessin du titre est relativement rarement utilisé et a davantage une valeur décorative.Shmutstitulami Ce sont les feuilles individuelles qui ouvrent des parties ou des sections d’un livre. Il contient un titre et un motif ou un dessin ornemental simple.
N.I. Piskarev. Titre du livre d'A.V. Lunacharsky "Don Quichotte Unbound". 1922.
Illustrations - ce sont des dessins qui révèlent de manière figurative un texte littéraire, subordonné au contenu et au style d'une œuvre littéraire, tout en décorant le livre et en enrichissant sa structure décorative. Les tâches d'illustration sont également partiellement résolues dans les dessins sur la couverture, le titre, les introductions et les fins.
Économiseur d'écran - une petite composition à caractère ornemental ou sous forme d'image, ouvrant une section du texte (le début d'un livre, une partie, un chapitre). L'écran de démarrage est étroitement lié à la bande de cadran et ne devient jamais une illustration.
Fin - un petit dessin ou motif ornemental qui complète la dernière page d'une section ou l'ensemble du livre.
Initial (du latin initialis – initiale) – la lettre initiale de toute section du texte d’un livre, manuscrit, créé par l’artiste. Le nom russe ancien de l'initiale, la lettre initiale, a été conservé dans la vie quotidienne.
La première page du texte d'un livre, généralement décorée d'un en-tête ou d'une lettrine, est appelée une imposition oubande de descente.
Gerasimenko-Jiznevski. Illustration pour l'histoire de V. Bykov "Sign of Trouble". Lithographie.
Ceci est une courte liste des éléments du livre. Outre la couverture et le titre obligatoires de chaque livre, tous les autres éléments sont introduits dans la mesure requise par les objectifs, le but du livre, son volume, sa diffusion et l’intention de l’artiste.
Le processus créatif dans l’art du graphisme du livre est complexe. L'artiste doit capter l'esprit d'une œuvre littéraire, son style et le refléter dans son œuvre. Devant luiil y a une tâche – révéler, par le biais des beaux-arts, le contenu idéologique et artistique de l'œuvre, préserver l'unité de la structure figurative et décorative du livre avec l'esprit de l'œuvre, le style de l'écrivain, et donner une évaluation moderne de l'œuvre littéraire dans sa solution visuelle individuelle.
I. Bilibine. Économiseur d'écran pour le poème "Deux corbeaux" de A.S. Pouchkine. 1910.
I. Bilibine. La fin du poème de A.S. Pouchkine « Deux corbeaux ». 1910.
Un aspect important de l'art du graphisme du livre est la prise en compte obligatoire des caractéristiques de la structure d'impression du livre, de sa nature unique en tant que valeur culturelle et en tant que chose. Un artiste de livre doit travailler dans une taille (format) strictement définie et prédéterminée. Il existe certains formats standards les plus rationnels. L'artiste ne peut pas modifier arbitrairement les proportions de la feuille, ce qui crée certaines difficultés et particularités dans la composition. En fonction du format requis, l'artiste détermine le volume du livre, le nombre et le type d'éléments graphiques, leur répartition dans le livre ; il doit lui être clair dans quelle police le texte sera tapé, quelles sont les proportions du barre de composition et marges de page. Tous les éléments visuels du livre sont très étroitement liés à la police de caractères. Créer des polices est un art ancien et noble. De nombreuses générations d’artistes ont travaillé pour créer des polices avec de beaux designs, des proportions parfaites, des polices claires, lisibles et de style varié. Ce n'est qu'en disposant d'une variété de belles polices que vous pourrez résoudre avec succès les problèmes de conception de livres. Les éléments de police de la couverture, les titres, les jaquettes, les titres et les titres individuels sont généralement dessinés par des artistes. Il est nécessaire de parvenir à leur combinaison harmonieuse avec des polices de caractères et des éléments graphiques. Un artiste du livre doit non seulement connaître les polices et être capable de les utiliser, mais aussi être capable de modifier les polices existantes et d'en créer de nouvelles - correspondant à son plan, au style du livre et à la nature de l'œuvre littéraire. Soucieux constamment de l'unité typographique et artistique du livre, l'artiste doit connaître au moins les bases de la production typographique et être en contact étroit avec les éditeurs préparant le livre à la publication et les imprimeurs. Tous les éléments graphiques du livre doivent être harmonieusement liés au plan du papier, à la bande de composition. Lorsqu'il travaille, par exemple, sur une illustration, l'artiste doit clairement imaginer comment elle sera combinée avec la bande de composition de la page suivante, et à quoi ressemblera la diffusion du livre.
I. Bilibine. Initial. 1921.
Le graphisme du livre moderne se caractérise par diverses recherches, des expériences audacieuses menées par de nombreux maîtres, différents par leur apparence créative.
Une ligne distincte dans l'art du graphisme du livre doit être considéréegraphiques de magazines et de journaux. Les spécificités des périodiques posent des défis particuliers pour le graphisme des magazines et des journaux. Si un livre sert une personne pendant longtemps et est consacré à un sujet spécifique, à une branche de la connaissance, alors les magazines et journaux (périodiques) en évolution rapide contiennent une grande variété de documents, reflétant les tâches de la journée, couvrant les domaines les plus divers. domaines de l’activité humaine. Un journal dure une journée, se lit rapidement et tous ses éléments graphiques doivent immédiatement s'intégrer dans l'esprit, et donc être simples, beaux et clairs, pratiques pour une perception rapide. Le dessin au trait fonctionne mieux dans les journaux. Le magazine contient du matériel de revue, de nature généralisante. Souvent un magazine s'adresse à un cercle précis de lecteurs (un magazine agricole, un magazine de santé, un magazine de mode, etc.). Mais le magazine se caractérise également par une variété de matériaux et une courte durée de vie. Les formats des magazines et la mise en page du texte diffèrent considérablement de ceux des livres. Le dessin du magazine doit être expressif et accrocheur, en bonne harmonie avec les titres et le texte composé. Très bien pour les croquis de journaux. Elles se distinguent des photographies par la capacité de l’artiste à montrer le plus typique, à généraliser un phénomène, à créer une image, un personnage ; d'ailleurs, les dessins s'intègrent bien mieux au décor que les photographies. Aujourd'hui, malheureusement, nos journaux et magazines regorgent souvent de timbres qui peuvent être utilisés facilement et rapidement grâce à la technologie informatique.
V. Zamirailo. Bande de descente. 1921.
Caricature (de la caricature italienne< caricare - charger, exagérer) est un genre satirique particulier de graphiques de journaux et de magazines. La caricature souligne et exagère délibérément les traits caractéristiques et les caractéristiques d'une personne ou d'un événement afin de remplir la tâche d'exposer, de ridiculiser et d'influencer. La caricature indépendante (de chevalet) est relativement rare : elle est presque toujours associée à un journal, un magazine, un livre ou une affiche. Dans la plupart des cas, la caricature est accompagnée d'un texte. Grâce aux publications imprimées, les caricatures sont très largement diffusées.
Il existe des magazines humoristiques spéciaux, des recueils de dessins animés, etc. Tous les artistes ne peuvent pas travailler dans ce genre. Un caricaturiste doit avoir un don particulier, un œil aiguisé, remarquer les plus caractéristiques, la capacité d'exagérer, tout en restant un artiste profond et subtil, sans tomber dans le ridicule superficiel vide et la vulgarité. Dans l'histoire de l'art, il existe de nombreux maîtres « pointus », par exemple O. Daumier, H. Bidstrup, J. Effel, V. Serov, D. Moore, Kukryniksy et bien d'autres.
Le livre, qui constitue l’un des besoins spirituels les plus importants de l’homme moderne, combine organiquement le travail de l’artiste, des éditeurs et des imprimeurs.
Graphiques de livres- un des types d'art graphique. Il s'agit notamment des illustrations de livres, des vignettes, des coiffes, des initiales, des couvertures, des jaquettes, etc. L'histoire du dessin est largement liée au livre manuscrit depuis l'Antiquité et le Moyen Âge, et le développement de la gravure et de la lithographie a été largement associée au livre imprimé. DANS ancien monde une police est apparue, également liée au graphisme, puisque la lettre elle-même est un signe graphique
Une caractéristique distinctive du graphisme du livre est son lien étroit avec l'imprimerie, sa dépendance au niveau et à la culture de travail de la production imprimée.
Basé sur les tâches principales du graphisme du livre, il est divisé en conception et illustration du livre. La conception d'un livre comprend son ensemble décoratif, sa décoration, les éléments de police dessinés, la structure compositionnelle de la composition du texte, etc. (couverture, page de titre, titres, etc.). Illustrer un livre (du latin illustratio - image visuelle, description) résout le problème de la divulgation figurative d'un texte littéraire à l'aide de dessins (illustrations de divers types).
Les véritables illustrations du livre, avec toute la profondeur de la solution idéologique et figurative, à leur tour, ne perdent pas leur caractère décoratif, ne cessent d'être des éléments de la décoration du livre, en parfaite harmonie avec les caractères, le papier - avec la nature du livre.
L'histoire du livre commence avec les rouleaux de papyrus (de 3 000 avant JC à L'Egypte ancienne), aux premiers siècles après JC. des codex en parchemin (un type de livre moderne) sont apparus - tous deux étaient décorés de dessins et de miniatures. Ce système de conception est développé de manière riche et complexe dans le livre papier du Moyen Âge en Europe et en Asie. L'invention de l'imprimerie au milieu du XVe siècle. a créé un livre européen classique avec une combinaison de caractères et de gravures (d'abord sur bois, du XVIIe siècle sur métal). A 19 ans - début. 20e siècles Le développement rapide de la technologie de reproduction a rapproché le graphisme du livre de l’imprimerie et a créé le métier d’artiste et d’illustrateur du livre.
Un illustrateur travaille sur des illustrations de livres. Un illustrateur ne peut se passer de la connaissance de techniques particulières complexes : eau-forte, aquatine, etc. Même s’il arrive qu’une illustration ne soit qu’un dessin au crayon. Dans son travail, l'illustrateur utilise un ordinateur, le plus souvent avec son aide, il réalise une mise en page du matériel artistique. Un illustrateur doit : être capable de réaliser des croquis (pour qu'ils ne prennent pas trop de temps, mais que le résultat soit clair), calculer sobrement ses points forts, faire face au travail à temps et montrer les croquis au bon moment ; pouvoir proposer deux versions sensiblement différentes du tableau fini, sans que leur création ne devienne un double travail. Et surtout : il doit avoir un style clairement défini et prévisible.
Il est maintenant entouré d'une telle attention publique zélée, de soins et de tutelles si diligents qu'il serait pour le moins étrange de parler d'une sorte de stagnation de ce genre, et plus encore d'une menace sérieuse qui compromet la possibilité même de son existence.
Mais il y a lieu de s’inquiéter du sort des graphismes de livres.
Les tâches de conception sont de plus en plus soumises aux machines et à la monotonie des normes. Les illustrations sont parfois considérées comme quelque chose de dépassé et d'archaïque ; de nombreuses maisons d'édition tentent ouvertement de s'en débarrasser, comme un invité non invité.
L’augmentation sans précédent du nombre de livres publiés et la nécessité d’une diffusion massive sont en soi des phénomènes extrêmement gratifiants. Mais elles ont rapidement conduit à un appauvrissement du principe artistique dans la pratique de l’édition du livre. Le livre devient un « produit », ce qui entraîne inévitablement une standardisation, l’impersonnalité ennuyeuse d’un grand nombre de publications.
De telles tristes qualités s’observent particulièrement clairement, presque entièrement, dans les activités des maisons d’édition du monde capitaliste. Les chercheurs occidentaux écrivent souvent et à juste titre qu’un livre dans les pays capitalistes devient non seulement « une chose parmi les choses », mais aussi un détail totalement insignifiant de la vie quotidienne. La solution artistique originale s’est avérée inutile là-bas, et pas seulement pour les best-sellers et les livres de poche bon marché. Et dans la plupart des publications « amateurs », la tâche de conception se réduit à créer une couverture d'information et un super-publicitaire, qui sont jetés après l'achat. Les véritables publications de fiction destinées aux adultes deviennent de plus en plus rares en Occident.
L'URSS était peut-être le seul pays au monde où les éditions illustrées de prose, de poésie et de théâtre classiques et modernes étaient très nombreuses. Un travail énorme est réalisé pour combiner la production de masse des publications avec leur originalité artistique. Il va sans dire que nous publions également un certain nombre d’œuvres de fiction conçues de manière ennuyeuse, standard ou simplement de mauvais goût. Mais de tels livres ne paraissent pas parce que le lecteur est indifférent à composition artistique livres, et dans certains cas à cause du mauvais travail des maisons d'édition ou des créateurs individuels, en un mot, pour des raisons de nature accessoire plutôt que fondamentale.
Ce problème est réparable. Quelque chose d'autre est bien pire. Ces dernières années, des publications ont commencé à apparaître qui sont manifestement non artistiques, d'ingénierie ou autre. Ces publications ont des partisans parmi les éditeurs, les théoriciens et les spécialistes de la conception de livres.
Il est très approprié à cet égard de réfléchir encore et encore à une question très simple : qu’est-ce qu’un livre et quelle est sa conception ?
Bien entendu, tout livre est avant tout de la littérature. Mais c'est aussi un spectacle. Les impressions visuelles accompagnent le processus de perception d'un livre tout au long de sa durée. Ancêtre formes modernes l'écriture comprenait de la pictographie, du discours figuratif et une série de compositions picturales. L'écriture ultérieure s'est transformée en des combinaisons de signes et de symboles abstraits, presque dépourvus de la capacité d'avoir un effet figuratif (bien que la manière d'écrire ou la reproduction des polices de lettres et de mots l'ait dans une certaine mesure). Mais si l'unité originelle du mot et de l'image s'est effondrée, alors le besoin d'enrichissement visuel du texte, des images, visibles avec les images spéculatives, n'a jamais disparu.
Livre, la plus belle fleur la culture humaine, combine de nombreux débuts créatifs. Le texte est son âme. Mais il y a aussi le corps du livre, la matière de son incarnation visuelle. Il possède sa propre architecture : stéréométrie du volume et du format, façades de reliure, fenêtres de titre, enfilades de pages. Elle a ses propres couleurs et peintures, bien que le plus souvent dans la gamme noir et blanc - les possibilités de nuances et de combinaisons sont ici infinies. Elle a une musique au rythme interne - dans le rapport entre la frappe et les marges blanches, dans l'arrêt du déroulement des lignes avant un paragraphe, dans les pauses entre les chapitres. En un mot, l'incarnation d'une œuvre littéraire dans l'espace (et c'est un livre), au moins par les seuls moyens d'impression, sans ajouts spécifiquement visuels, est un art subtil et complexe, et seule une infime fraction de ses caractéristiques et caractéristiques ont été mentionné ici.
Ainsi, toute publication de fiction non illustrée, outre des problèmes d'ordre purement technique, doit également résoudre des problèmes d'ordre émotionnel et poétique. Ils sont uniques dans chaque cas individuel, ils nécessitent l'âme, la main et l'œil de l'artiste. Il existe des publications réalisées « de manière technique », presque quel que soit leur contenu. Et il y a des livres réalisés par de vrais maîtres du livre inscription, qui s'efforcent de créer des compositions visuelles qui correspondent au sens, à l'ambiance et à la couleur d'un roman ou d'un poème. Les premières éditions diffèrent de la seconde à peu près de la même manière qu'une « âme moyenne » sans visage diffère d'une personne vivante par son individualité particulière et unique et sa richesse infinie de couleurs de vie.
Ils sont entrain de lire un livre. Mais ils regardent toujours le livre.
Les gens ne le regardent pas seulement lorsqu’ils le tiennent dans leurs mains et en feuilletent les pages. Le dos d'un livre acheté pour une bibliothèque personnelle apparaît chaque jour à ses propriétaires. La couverture d'un livre est inévitablement remarquée lorsqu'elle est posée sur la table ; sa décoration intérieure éclate même sous le regard distrait lorsque, ouvert, le livre est posé quelque part dans la pièce.
Le livre fait partie d'un intérieur moderne, c'est un élément constant et indispensable des impressions visuelles qu'une personne de l'époque actuelle reçoit chaque jour.
Il est clair pour chacun que la transformation d’un livre en objet quotidien dans notre vie quotidienne est un phénomène d’ordre social. Combien il y a derrière cette transformation, combien elle est éloquente et significative à sa manière - il n'est pas nécessaire d'en parler en détail.
Mais d’une manière ou d’une autre, ils ne prêtent pas attention à un côté de la question. Peu de gens se rendent compte qu'un signification sociale reçoit non seulement la lecture de livres, mais aussi l'impact émotionnel que cela a sur une personne - jour après jour ! - leur apparence, leur expressivité décorative.
En attendant, cet impact est indéniable. Sinon comment?! La nature et les caractéristiques de ce qui est visible quotidiennement influencent dans une certaine mesure le cours des pensées humaines et les nuances de l'humeur. Et dès que les livres sont entrés dans la vie quotidienne de millions de personnes, leurs formes et couleurs visibles, pour ainsi dire, l'expression de leurs visages, deviennent une petite partie, quoique modeste, mais immuable, de l'atmosphère de notre vie, et donc du sentiment de celui-ci. L'un des aspects significatifs du livre moderne est qu'il a pris sa place parmi les objets largement diffusés. culture matérielle. Mais comment est cet endroit ?
C’est ici que se heurtent les concepts de normes industrielles et de principes artistiques uniques de l’impression de livres. Le livre, animé et humanisé par le talent de l'artiste, est repoussé par les pattes mécaniques du livre robot, le livre standard.
La standardisation en général s'adresse désormais aux individus. Des maisons identiques et même des villes sont construites ; La double similitude des appartements dans les immeubles neufs a longtemps été une source de triste humour ; des milliers et des milliers de détails quotidiens se répètent invariablement partout.
Lorsqu'une personne crée sa propre maison, il lui devient de plus en plus difficile de révéler et d'affirmer son individualité et ses goûts. Mais créer son propre petit monde est l’une des formes les plus courantes de créativité humaine ; quand elle disparaît, c’est la civilisation tout entière qui s’appauvrit. Et le désir d’individu unique et spécial, qui s’est si fortement accru au cours des dernières décennies, est compréhensible.
Qui, sinon le livre, l'idée aux mille visages et constamment renouvelée de la culture humaine, de ses traditions les plus élevées et les plus brillantes, peut aider dans cette lutte dramatique pour la préservation de la personnalité, pour la possibilité de sa révélation, de son affirmation de soi ? Non seulement par son contenu, mais aussi en tant qu'objet, en tant que spectacle, un livre est capable d'introduire dans n'importe quel foyer un reflet vivant de la quête singulièrement originale de la pensée humaine. Chaque publication peut ressembler (je souligne - ressembler) à un îlot de créativité humaine dans la mer inondée de la vie quotidienne. Et la collection de livres de la maison est déjà tout un archipel, avec à chaque fois un contour original et bizarre des rivages, car la sélection est faite selon ses propres goûts et porte le cachet de l'individualité.
Je me souviens des publications de la Bibliothèque populaire publiées dans les toutes premières années post-révolutionnaires. Ils ont été imprimés presque sur du papier d'emballage, techniquement primitif, mais littéralement tous les numéros de cette série bon marché ont été superbement conçus par les plus grands maîtres du graphisme du livre de ces années (dont B. Kustodiev, A. Benois, M. Dobuzhinsky, D. Mitrokhin, B. Konashevich, S. Chekhonin, N. Kupreyanov, V. Lebedev). Dans un document spécial, le Département de littérature et d'édition du Commissariat du peuple à l'éducation a exigé qu'une attention particulière soit accordée à « l'apparence de ces publications ».
Bien entendu, ce n’est pas accidentel. La révolution cherchait à faire de chaque livre une fête, un joyeux triomphe des libres puissances créatrices de l’homme. Sans l'artiste, ces vacances semblaient tout simplement impensables. À l’époque de la famine, personne ne considérait que les illustrations ou les ornements et les décorations des livres étaient des « excès ». Il semblait à la génération d'Octobre que le graphisme du livre (réel, créé par la main vivante d'un artiste) faisait partie des éléments fondamentaux de la culture, dont la maîtrise était l'une des tâches les plus importantes d'une nouvelle société démocratique.
De telles idées, qui ont absorbé Meilleures caractéristiques expérience spirituelle de plusieurs siècles, constitue la base d'une longue tradition d'édition de livres soviétique.
Ceci est naturel et révélateur à divers égards. L'expansion du lectorat qui frappe par son ampleur, la nécessité d'une augmentation colossale des produits imprimés de longues années n'a pas du tout conduit à l'appauvrissement des principes figuratifs et de la beauté visuelle des livres.
La simplicité et la modestie sont devenues monnaie courante dans nos livres, mais même les limites les plus sévères de l'imprimerie ont toujours prévu le travail de l'artiste - le créateur du dessin. Le refuser signifie offenser mortellement le lecteur, s'écarter des conceptions sur le livre, son objectif culturel et sa vocation de vie qui étaient fermement et fermement établies parmi nous au cours des années révolutionnaires.
Et si maintenant, alors que nos capacités actuelles d’édition de livres ne sont tout simplement pas comparables aux précédentes, il y a eu une certaine tendance à « manger des artistes », alors, évidemment, il s’agit d’une question temporaire et instable.
La production imprimée s'améliore d'année en année, mais les éléments fondamentaux de l'expressivité artistique des publications de livres restent inchangés et traditionnels.
Il est important de s’assurer de la viabilité de cette tradition séculaire et de savoir si elle n’a pas perdu son sens à notre époque.
Nous devons parler plus en détail et en détail des problèmes d'illustration pour la fiction. C’est à leur propos que les polémiques modernes prennent leurs formes les plus aiguës. Après tout, tous les autres détails de la conception visuelle des livres, avec un certain degré de tolérance, peuvent toujours être considérés comme des variétés de la conception artistique et typographique de la publication, pour ainsi dire, de l'esthétique typographique. L’illustration - on ne peut rien y faire - dépasse complètement ses frontières, est une forme d’art totalement autonome et ne s’interface avec une publication de livre qu’à l’aide d’un « docking » spécial, pour reprendre le terme désormais populaire.
Est-il juste de dire que dans le monde moderne, l’illustration est une mort naturelle, ayant perdu son utilité et étant devenue un archaïsme inutile ? Affirmer que les grands maîtres des beaux-arts occidentaux ne s’intéressent pas à l’illustration serait contredire des évidences. Il suffit de rappeler qu'au cours du dernier demi-siècle, des maîtres aussi remarquables que Pablo Picasso, Henri Matisse, Aristide Maillol, Georges Rouault, Raoul Dufy, Frans Masereel, Hans Erni, Georg Gross, Ernst Barlach, Oskar Kokoschka, Paul Klee, se sont produits dans ce genre : Josef Hegenbarth, Jose Venturelli, Renato Guttuso, Werner Klemke, Josef Lada. Le travail dans un livre n'est pas un épisode fortuit pour ces artistes : Picasso, par exemple, a conçu plus de soixante-dix livres ; Matisse, le créateur de nouveaux types de publications d'art et de livres, uniquement entre 1944 et 1952. a réalisé des compositions d'illustration et de design pour onze livres, etc. Aucun d'entre eux ne considérait l'art de l'illustration et du design comme une sorte de genre de second ordre. Ainsi, Matisse (dans l'article « Comment j'ai fait mes livres ») disait : « Je ne vois aucune différence entre créer un livre et créer un tableau »1. On pourrait citer des dizaines de déclarations de ce genre.
Dans ce cas, pourquoi le livre illustré pour adultes connaît-il aujourd’hui une ère de déclin en Occident ? ?
Exclusivement pour des raisons non artistiques. Ce n'est pas rentable pour le marché, les illustrations ne sont pas incluses dans les normes de vente modernes des livres.
Mais il existe un argument contre les illustrations, qui semble assez théorique, comme une généralisation de certains traits de la vie spirituelle de notre temps. Les opposants aux livres illustrés soutiennent que les gens d’aujourd’hui reçoivent des informations de base sur le monde à la radio, à la télévision et dans la presse périodique. D’où les caractéristiques déterminantes de l’objectif du livre dans les conditions de la civilisation actuelle : la communication avec les sphères la pensée abstraite et perception associative.
Ajoutons à cela que parfois même les écrivains les plus talentueux et les plus influents, estimant que l'artiste d'un livre ne doit pas entrer directement en contact avec son contenu, ont une attitude nihiliste à l'égard de l'illustration. Rappelons les célèbres jugements de Yu. N. Tynyanov, exprimés par lui dans les années vingt dans le livre « Archaïstes et innovateurs », ou la récente déclaration du prosateur intelligent et subtil V. A. Kaverin dans les pages de la « Gazette littéraire » :
". .. il y a un abîme entre les moyens de représentation verbaux et picturaux. Est-il possible de le surmonter ? Oui, mais dans un cas : l'artiste doit se « libérer » complètement de l'œuvre, en consacrant ses énergies à la création du livre comme un tout artistique. .. Un dessin explicatif n’explique le plus souvent rien, mais parle seulement de l’attitude de l’artiste envers l’œuvre. N'est-il pas plus correct de suivre le chemin qu'emprunte un artiste lorsqu'il « décore » un livre ? .. il reste beaucoup à l'artiste : la combinaison harmonieuse du dessin avec le texte, la police et le format - tout ce qui fait d'un livre un objet d'art.
Ces mots contiennent tout un programme d'attitude envers l'art de l'illustration. À mon avis, le programme est défectueux. Mais vous ne pouvez pas l’ignorer, tout comme les tentatives visant à opposer les exigences de la civilisation moderne aux traditions séculaires de l’illustration de livres. C'est pourquoi il est nécessaire de parler clairement des principes et caractéristiques originaux de l'art de l'illustration.
Il est souvent traité comme quelque chose de secondaire, émettant de la lumière réfléchie. Il semblerait que cela soit tout à fait logique et justifié. En fait, l'illustrateur recrée les personnages déjà représentés dans le livre, raconte les événements capturés dans le texte - en un mot, l'artiste est là prend la route, qui est posé par l'écrivain. C’est pourquoi on compare parfois un illustrateur à un traducteur.
Mais la similitude entre traduction littéraire et illustration artistique est très relative.
Un poète ou un prosateur étranger et son traducteur travaillent dans les limites d'une même forme d'art ; ils disposent du même matériau pour construire des images : le mot. La traduction la meilleure et la plus parfaite n’est qu’une version de l’original dans une autre langue, et non une œuvre d’art complètement nouvelle.
Et l'illustrateur doit montrer les images, paysages, scènes, intérieurs décrits dans le livre. Il crée des parallèles visuels avec des images verbales (V.A. Kaverin a tout à fait raison à ce sujet). Et ne serait-ce qu'en raison de cette relation entre le texte et les œuvres graphiques créées à partir de celui-ci, toute illustration s'avère inévitablement être une création complètement nouvelle et existante de manière indépendante.
Personne n'exige du traducteur sa propre interprétation purement personnelle d'un texte étranger (à moins bien sûr qu'on parle de « traductions libres » - il s'agit d'un genre littéraire particulier). Et la nature même de son art oblige l'illustrateur à trouver une interprétation indépendante de l'original littéraire - sans cela, il est tout simplement impensable de créer des dessins.
En créant un parallèle visuel à une source littéraire, l’artiste lui donne essentiellement une nouvelle vie. Il donne non seulement une forme visible à l'apparition des héros, au décor de l'action, à la tournure des événements, mais incarne également son idée d'eux, qui porte toujours l'empreinte de l'époque de la création et personnalité créative auteur des illustrations.
Très souvent, conformément aux particularités de son art, l'illustrateur permet une telle concentration d'images dans les limites d'un même temps et d'un même lieu d'action, qui, peut-être, n'est pas dans un certain passage du texte, mais qui correspond au l'esprit et le caractère de la vie décrite par l'écrivain. En même temps, bien entendu, dans une bonne illustration, il n’y a pas de lien mécanique entre différents événements ou différents tournants dans l’évolution des personnages. Chaque dessin du livre doit raconter l’histoire convaincante d’un moment unique et spécifique. Par conséquent, l'illustrateur doit non seulement raconter l'écrivain, mais, comme s'il le suivait, montrer directement et directement la réalité.
De ce point de vue, les tâches auxquelles est confronté l'illustrateur ne sont absolument pas différentes des tâches résolues par un artiste de tout autre genre des beaux-arts. La nécessité de suivre l'écrivain dans la sélection et la couverture des événements et de la vie des personnages ne détermine pas les limites, mais l'originalité et les difficultés supplémentaires du travail de l'illustrateur.
L’artiste sélectionne parmi les livres anciens et nouveaux ceux qui peuvent non seulement être lus, mais aussi « vus ». Bien entendu, autre chose n'est pas moins important : la valeur, la signification vivante et durable d'un monument littéraire pour les temps modernes (ou l'intérêt du lectorat pour un nouveau livre). On dit à juste titre que les livres, comme les gens, ont leur propre destin. Chaque époque les perçoit à sa manière, et cette perception est captée par l'illustrateur.
Parfois, cependant, il arrivait que des portraits picturaux de héros de livres apparaissent et acquièrent des droits de citoyenneté presque simultanément, voire littéralement en même temps, que la source littéraire elle-même. Par exemple, le bon soldat Švejk de l'écrivain Jaroslav Hasek et Švejk de l'artiste Josef Lada ont vu le jour ensemble et ont acquis une renommée presque égale. Lorsqu'en 1922 la maison d'édition F. Sauer publia pour la première fois « Les aventures du bon soldat Schweik pendant la guerre mondiale » dans une édition séparée, la couverture du livre représentait le même petit homme au sourire bon enfant, vêtu d'une veste confédérée, sournoisement se faisant passer pour un simplet, qui fut bientôt connu de millions de lecteurs. Contemporain et ami de l'écrivain, Lada a basé son travail non seulement sur un prototype littéraire, mais aussi sur les mêmes observations réelles que Hasek. L'artiste avait toutes les raisons d'affirmer : « Je suis sûr que les portraits de tous les principaux personnages J’ai dessiné selon les idées que Jaroslav Hasek avait probablement lorsqu’il écrivait son roman.
Les couturières de Hasek et de Lada se sont si étroitement liées que lorsque, les années suivantes, ce personnage est apparu dans de nouvelles illustrations, sur les écrans de cinéma, dans des drames et même sur scènes d'opéra, alors quelles que soient les situations et les mises en scène inventées par les metteurs en scène et les artistes, le masque et l'apparence de Schweik sont restés en grande partie inchangés : personne n'a essayé de s'éloigner du portrait créé par Josef Lada.
Sinon, le spectateur n’aurait tout simplement pas reconnu et n’aurait pas accepté Schweik.
De la même manière, Don Quichotte et Sancho Panza, représentés par Gustave Doré, ont acquis une réalité physique tout à fait définie dans l'esprit des gens. Créés par l'artiste, ils sont très vite devenus un bien commun, des héros populaires.
Mais un peu plus tard, Honoré Daumier se tourne vers les images du roman de Cervantes. L'apparence physique des personnages centraux de Daumier est, en général, la même que celle de Doré - ici la priorité du célèbre illustrateur ne fait aucun doute. Mais c'est tout. Une grande série de peintures, aquarelles et dessins de Daumier sur les thèmes de « Don Quichotte » ne sont pas des illustrations traditionnelles, comme celle de Dore. Daumier ne recrée que les deux personnages centraux de l'histoire - Don Quichotte et Sancho Panza - ensemble ou séparément, le plus souvent sans aucune précision détaillée. histoire de l'intrigue. Mais quelle immense richesse de sentiment et de pensée possèdent ces œuvres de Daumier ! Comme ils sont proches des idées centrales du roman de Cervantes et en même temps comme ils sont en accord avec les rêves, les idées sur le beau et le noble, les pensées tristes des meilleurs contemporains de l’artiste ! Avec quelle subtilité et passion ils racontent les complexités tragiques de la vie au XIXe siècle !
Voici des voyageurs, formant un couple étrange et bizarre, qui parcourent une région montagneuse et déserte. Ils sont seuls dans ce monde inhospitalier et solitaire, leur chemin est difficile, la lutte est difficile, l'avenir est inconnu. Dans une autre œuvre, Sancho Panza n'est pas représenté comme un amoureux simple et rusé de la vie, comme on le décrit habituellement, mais comme un homme au destin difficile, plongé dans des pensées anxieuses et agitées. Fort, trapu, comme un arbre puissant, à l'ombre duquel il est assis, Sancho Panza est ici une incarnation vivante du principe terrestre, de la sagesse du monde, simple et gentil, et pour cette raison il a connu un sort douloureusement difficile. Peut-être seulement qu'il est limité, impuissant, qu'il lui manque l'envol des rêves, une fantaisie ailée, une impulsion prophétique qui ne tient pas compte de la « prudence » ordinaire - en un mot, des qualités que possède Don Quichotte, dont la silhouette mince et élancée se profile. en abondance si généreuse à l’horizon.
Et dans une autre partie du cycle, les héros semblent changer de place ; au loin, enveloppée d'une brume sensuelle, on peut voir la figure du gros homme Sancho Panza sur un âne, et au premier plan se trouve Don Quichotte fièrement assis sur Rossinante avec une lance et un bouclier dans les mains. Il est majestueux à sa manière, ce chevalier sans crainte ni reproche, chevauchant vaillamment vers de nouveaux exploits. Mais l'artiste ne représente pas seulement avec une dose évidente d'ironie amère les jambes tremblantes, les os saillants d'un cheval à peine tissant et la faiblesse du héros lui-même, maigre et émacié. Don Quichotte apparaît ici comme quelque chose de presque irréel, un mirage, une vision. Les illusions sublimes mais utopiques du chevalier semblaient le transformer en un fantôme, vivant dans une autre dimension que tout ce qui était ordinaire, terrestre. . . Tout cela, bien sûr, est très « à la Cervantes ». Et en même temps, un tel tournant de l'image est directement lié à la triste prise de conscience de l'incompatibilité des nobles pulsions, de la vraie humanité avec le cynisme et la sale prose du bourgeois. monde XIX siècle.
Il est curieux qu'un siècle plus tard, dans le dessin « Don Quichotte et Sancho Panza » de 1955, Pablo Picasso fasse clairement écho à Daumier. Seulement ici, le grotesque tragique a une amertume encore plus grande. Le Don Quichotte de Picasso (dans ce dessin comme dans d'autres sur le même thème) n'est qu'une ombre fantomatique et absurde d'espoirs et d'illusions lointains devenus poussière.
. . . Il arrive (bien que relativement rarement) que le rôle d’illustration dans un poème, un roman ou une histoire soit « confié » à l’œuvre de l’artiste, créée bien avant le texte littéraire donné. Ainsi, Goethe a placé sur la couverture de la première édition de son « Faust » en 1790 (qui ne contenait que des fragments de la première partie du poème encore inachevé) une gravure de I. X. Lips d'après la célèbre eau-forte de Rembrandt de 1652, représentant un personnage médiéval. scientifique dans son bureau (depuis lors, la gravure est traditionnellement appelée « Faust », bien qu'il n'y ait aucune preuve que Rembrandt s'est appuyé sur vieille légendeà propos du faiseur de miracles-alchimiste).
Enfin, l’histoire de l’art connaît aussi des illustrations qui, dès leur naissance, étaient incomparablement plus significatives que les œuvres qu’elles accompagnaient. Qui, par exemple, se souvient et relit aujourd'hui les écrivains français des années quarante du siècle dernier, les auteurs des soi-disant « essais physiologiques » - Clair, Alois, Philippon et autres ? Mais les illustrations de leurs livres, réalisées par Honoré Daumier, vivront des siècles.
Cependant, ce sont toutes des exceptions. Ils sont intéressants et remarquables, ils doivent être pris en compte, mais il ne fait aucun doute que les principes le plus souvent caractéristiques du rapport entre les œuvres littéraires et leurs illustrations se développent différemment. En règle générale, la signification originale et primordiale de l’œuvre de l’écrivain, créée dans un passé lointain ou très récent, est préservée à tous égards. Et dans l'écrasante majorité des cas, la tâche principale de l'artiste n'est pas d'une manière ou d'une autre « d'approfondir » ou de « compléter » l'œuvre de l'écrivain, mais de comprendre avec le plus d'intégralité et de fidélité le sens, l'esprit, les images du livre et donnez-leur une interprétation graphique convaincante.
Observant strictement l'exactitude historique de l'image, les illustrateurs s'intéressent souvent principalement non pas tant au développement spécifique de l'intrigue, à ses détails, à ses rebondissements, etc., mais à l'incarnation généralisée des qualités humaines concentrées dans des images individuelles. L'interprétation et l'évaluation de ces qualités sont généralement associées à artiste contemporain idéaux, visions esthétiques et sociales.
Ainsi, l’une des illustrations de V. A. Favorsky pour les « Petites tragédies » de A. S. Pouchkine – « Mozart et Salieri » – repose sur une comparaison contrastée de deux personnages profondément différents. Favorsky s'est clairement éloigné de l'image traditionnelle de Mozart en tant que garçon joyeux aux ailes légères, heureux favori des muses, qui, avec une générosité insouciante, confère à tous ceux qui l'entourent l'éclat de son génie ensoleillé. L'artiste a montré Mozart dans une pensée profonde et triste, concentrée, égocentrique. Il s'est oublié, et les sons du « Requiem », solennels et éclairés, naissent au plus profond de son âme.
Salieri est choqué. Il est mortellement blessé non seulement par l’envie du talent virtuose de Mozart et de la beauté magique de ses compositions, mais surtout par cette rayonnante pureté de son monde intérieur. Salieri, captivé par les passions vaines, le jeu avide des espoirs et des désirs égoïstes, est inaccessible à cette musique au cœur pur, infiniment belle dans son humanité sincère.
Il semble que le « principe mozartien » ainsi compris, l’affirmation de la beauté comme victoire de la justice, de la pureté spirituelle et des impulsions humaines lumineuses, soit également inhérent à la poésie de Pouchkine et à sa poésie. idéaux moraux nos contemporains. Un artiste merveilleux, le plus grand des illustrateurs graphiques soviétiques, doté d'une sage maturité de perspicacité créatrice, a trouvé ici un lien vivant entre les époques, une unité interne des images du génie de la poésie classique russe et des idées sur le bel homme de nos jours. .
Un illustrateur de classiques doit toujours chercher des indices dans son expérience personnelle et vivante. Sans eux, aucune connaissance littéraire ne peut prendre vie, sans eux même les connaissances les plus puissantes et les plus fantaisie créative ne pourra pas ouvrir la voie à une image artistique véridique. Non seulement les classiques du XIXe siècle, mais même Homère ne peuvent être illustrés si vous ne comprenez pas ce qui est précieux et cher en lui pour nous, gens du XXe siècle. Après tout, objectivement, la chose la plus importante et la plus essentielle dans les œuvres littéraires classiques est l'éternel, éternellement beau, toujours vivant et moderne. Qu'y a-t-il de plus significatif chez Othello que sa nature passionnée, véridique et immensément confiante ? Chez Natasha Rostova - son charme pur et juvénile ? Dans Levinson de Fadeev - la démocratie la plus profonde, en chair et en os, le dévouement à la révolution ?
Si l'artiste est capable de montrer tout cela, ce qui est tout à fait compréhensible, vivant et aujourd'hui pour nous, il réussira à résoudre sa tâche principale. S'il échoue, ni la parfaite reproduction du décor historique, ni les costumes dans le goût de l'époque, ni l'habileté la plus virtuose du dessin ou de l'aquarelle ne sauveront l'affaire. Dans l’art de l’illustration, la vérité de l’histoire se révèle avant tout à travers la vérité des personnages. En même temps, il va de soi que l’illustrateur ne peut pas montrer la passion « en général », la jeunesse « en tant que telle », le fera « dans sa pure expression ». Des contours d'images spécifiques, toujours uniques, sont clairement définis dans une œuvre littéraire, et l'illustrateur est tenu de respecter strictement ces contours. Mais la chair des images, l’essence des personnages, est toujours directement et directement liée à la compréhension et à la perception de celles-ci par les contemporains et concitoyens de l’artiste.
Rien ne peut refléter plus clairement et plus visiblement les changements dans cette compréhension et cette perception que l’illustration. Et sa valeur augmente d'autant plus qu'elle, l'illustration, existe dans le livre à côté du texte et arrive simultanément au lecteur avec lui.
Si nous parlons d'écoles d'illustration et d'art du design, alors dans le monde moderne, le graphisme du livre soviétique (dans son ensemble) n'a pas d'égal, et cela peut être la source de notre légitime fierté : nous avons préservé et développé l'un des plus précieux traditions de la culture humaine, et précisément à une époque où elle est menacée de décadence et de mort.
Sans aucun doute, l’industrie de l’imprimerie, comme toute autre, doit avoir son propre solutions d'ingénierie, normes techniques, votre propre conception - c'est incontestable, c'est absolument obligatoire.
Mais un livre en tant qu’œuvre d’art ne peut pas être livré au pouvoir d’un tapis roulant industriel impersonnel, encore moins à un modèle de marché. Cela causerait des dommages énormes et irréparables à la vie spirituelle des gens. Il n'y a pas de livre sans artiste ! Il ne peut y avoir de publications à part entière dignes de la vie culturelle de notre époque sans une solution imaginative, sans le charme vivant et émouvant de l'unicité individuelle !
J'aimerais croire que les amateurs de livres des générations futures, ces glorieux excentriques, romantiques et rêveurs, iront à la recherche des belles publications de nos jours quelque part dans les ruines des quais de la Seine ou de la Liteiny Prospekt, et non dans les décharges urbaines , où celles consultées à la hâte par les lecteurs et privées de « sources d'information » de tout intérêt figuratif et de toute valeur visuo-artistique...
Le livre, qui constitue l’un des besoins spirituels les plus importants de l’homme moderne, combine organiquement le travail de l’artiste, des éditeurs et des imprimeurs.
L'artiste du livre a la tâche responsable d'incarner le concept idéologique et artistique, le contenu du texte littéraire et de créer l'apparence artistique et décorative du livre par le biais des beaux-arts. Seule une combinaison harmonieuse de ces deux faces du graphisme du livre crée un livre à part entière.
Une caractéristique distinctive du graphisme du livre est son lien étroit avec l'imprimerie, sa dépendance au niveau et à la culture de travail de la production imprimée.
Basé sur les tâches principales du graphisme du livre, il est divisé en conception et illustration du livre. La conception d'un livre comprend son ensemble décoratif, sa décoration, les éléments de police dessinés, la structure compositionnelle de la composition du texte, etc. (couverture, page de titre, titres, etc.). Illustrer un livre (du latin illustratio - image visuelle, description) résout le problème de la divulgation figurative d'un texte littéraire à l'aide de dessins (illustrations de divers types). Réservons d'emblée que cette division est très relative. Dans un bon livre, il est impossible de savoir où se termine le dessin et où commence l’illustration. Nous connaissons des exemples de solutions convaincantes à un projet idéologique et à la construction d'un livre uniquement par le biais du design. Assez souvent dans les éléments de conception (sur la couverture, le titre, la jaquette, etc.) on retrouve un dessin qui permet de révéler le texte littéraire. Les véritables illustrations du livre, avec toute la profondeur de la solution idéologique et figurative, à leur tour, ne perdent pas leur caractère décoratif, ne cessent d'être des éléments de la décoration du livre, en parfaite harmonie avec les caractères, le papier - avec la nature du livre.
Regardez attentivement le travail étonnamment complet et magnifiquement construit de V. Favorsky sur le livre « Petites tragédies » de A. S. Pouchkine. Dans ce document, même les plus petits éléments décoratifs ont une signification profonde, et les illustrations psychologiquement poignantes sont harmonieusement liées au texte et créent l'aspect décoratif du livre.
Malheureusement, dans notre pays, la pratique consistant à confier l’illustration d’un livre à un artiste et la conception à un autre est encore trop répandue. La collaboration de deux artistes est autorisée dans de rares cas s'il existe une relation créative, une « lecture » unanime d'un texte littéraire et un accord mutuel sur l'œuvre. Il existe des exemples d’une telle collaboration étroite dans notre art. La conception et l’illustration d’un livre sont un processus créatif unique, réalisé idéalement par un seul artiste. Nous combinons les deux aspects de ce processus dans le concept de graphisme de livre. Nous utilisons les termes « illustration » et « design », car ils reflètent fidèlement les tâches principales du graphisme du livre et aident à comprendre le processus créatif et les éléments d'un livre.
Il existe différents types de littérature et différents types de livres. En fonction de leur objectif, du cercle de lecteurs auquel le livre s'adresse et des objectifs qu'il poursuit, dépendront sa diffusion, son format, le degré et la nature de sa conception et de son illustration. Voici quelques exemples des types de livres les plus courants.
La fiction constitue l'une des sections les plus étendues de l'édition de livres. De par sa nature, il est organiquement lié aux beaux-arts ; il est conçu et illustré de manière large et variée.
La littérature politique est généralement publiée dans de grandes éditions de masse dans un court laps de temps. Son contenu correspond à une conception simple et stricte. Les photographies sont souvent utilisées comme matériel d’illustration.
En règle générale, un livre pour enfants se distingue par son design riche, son élégance, ses grands formats et sa police claire et facile à lire. Si dans d'autres types de livres la couleur est utilisée avec parcimonie et seulement dans certains éléments du livre, alors un livre pour enfants, notamment destiné aux jeunes enfants, se distingue par sa richesse de couleurs, ses couvertures colorées et ses nombreuses illustrations en couleurs.
Littérature scientifique et technique, la plupart des manuels et dictionnaires se distinguent par une conception très épurée et modeste.
Un groupe spécial est constitué de publications spéciales, dites livres uniques, consacrées aux anniversaires, aux événements, aux œuvres littéraires marquantes, etc. Ils sont produits dans des formats non standards inhabituels et en petites éditions. La conception et l'illustration de ces publications sont confiées aux meilleurs artisans. Des matériaux rares et coûteux sont utilisés qui ne sont pas utilisés pour des publications de masse. Ces livres sont également appelés bibliophiliques (bibliophilie - amour des livres).
L’organisme complexe d’un livre se compose de nombreux éléments. Faisons connaissance avec ces éléments dans la solution desquels l'artiste joue un rôle de premier plan.
La couverture (reliure) est une solution artistique à la couverture d'un livre, qui renferme un bloc de livre. La solution de couverture, qui utilise généralement la couleur, doit être classiquement décorative, claire, donner au livre une belle apparence, mais en même temps donner une description précise du livre, révéler sa signification principale, son style et sa structure figurative. La couverture doit contenir des éléments de police qui reflètent les principales données du titre (auteur et titre du livre).
Le titre ou la page de titre est la moitié droite de la première page d'un livre. Le titre contient des éléments de police plus complexes qui expliquent le titre et les informations de publication. Parfois, ces données s'étendent à la page de gauche adjacente - le contre-titre. Cette décision s'appelle un titre d'inversion. Si une illustration est placée sur la page de gauche de la première planche ou si un portrait de l'auteur est imprimé, une telle page est appelée frontispice. Le dessin du titre est relativement rarement utilisé et a davantage une valeur décorative.
Une initiale (du latin initialis - initiale) est la lettre initiale d'une section du texte d'un livre ou d'un manuscrit créé par un artiste. Le nom russe ancien de l'initiale, la lettre initiale, a été conservé dans la vie quotidienne.
La première page du texte d'un livre, généralement décorée d'une lettrine ou d'une lettrine, est appelée une imposition ou une imposition.
Ceci est une courte liste des éléments du livre. Outre la couverture et le titre obligatoires de chaque livre, tous les autres éléments sont introduits dans la mesure requise par les objectifs, le but du livre, son volume, sa diffusion et l’intention de l’artiste.
Le processus créatif dans l’art du graphisme du livre est complexe et ses spécificités peuvent être mieux apprises à partir de l’exemple de la conception et de l’illustration de la fiction. L'artiste choisit un auteur et une œuvre qui lui sont particulièrement proches par le concept, la nature de la créativité, le style et lui permettent d'exprimer plus pleinement ses convictions et de révéler ses compétences professionnelles. L'écrivain et l'artiste doivent être liés par l'unité des quêtes créatrices. Une lecture réfléchie d’une œuvre littéraire est le début du travail d’un artiste sur un livre. S'en suit un processus complexe de transformation, la reconstruction créative d'un texte littéraire à l'aide des moyens des beaux-arts. Après avoir profondément approfondi la vision du monde et l'intention de l'écrivain, l'artiste est obligé d'évaluer son œuvre du point de vue d'un contemporain (ce qui est particulièrement difficile lorsqu'on travaille sur des œuvres du passé) et d'exprimer, en utilisant les moyens à sa disposition. disposition, sa propre attitude envers la création de l'écrivain.
En réalisant son travail, l'artiste étudie attentivement l'époque, le style artistique de cette époque, les types de personnes, les meubles, les vêtements, les ornements et les polices de caractères, etc. L'artiste doit capturer l'esprit de l'œuvre littéraire, son style et le refléter dans son travail. La copie superficielle des caractéristiques extérieures et des techniques artistiques du style de l'époque ne révèle pas encore la profondeur du contenu et relève de la stylisation. Une attitude véritablement créative permet à l’artiste de comprendre plus profondément le travail de l’écrivain, de ressentir plus subtilement le sous-texte de l’œuvre, de ressentir les motivations intérieures cachées et les caractéristiques de style. Après avoir déterminé les moments de l'œuvre qui doivent être soulignés, l'artiste réfléchit aux moyens d'y parvenir, trouve une composition harmonieuse du livre et réalise un croquis (modèle du livre). Souvent, dans les illustrations et le design, l'artiste reflète ces moments qui ne sont littéralement pas contenus dans le texte littéraire. L’implication de l’artiste dans de nouveaux motifs ne contredit pas le contenu du livre, ne nuit pas au concept, mais ne fait que le compléter et l’enrichir. La fiction et l’imagination de l’artiste sont appropriées si elles sont en harmonie avec le style de l’écrivain. Nous connaissons de nombreux exemples de fusion organique des efforts créatifs d'un écrivain et d'un artiste, qui ont donné au monde des valeurs culturelles aussi durables que « Gargantua et Pantagruel » - F. Rabelais et G. Doré, « Hadji Murat » - L Tolstoï et E. Lanceray, les sonnets de Shakespeare conçus par V. Favorsky et autres. Dans chaque cas, la création de l’artiste correspond à l’esprit de l’œuvre, mais chacun des artistes conserve sa propre individualité lumineuse, son propre style créatif particulier. Nous reconnaissons toujours le style artistique particulier de merveilleux artistes du livre soviétiques tels que V. Favorsky, D. Shmarinov, N. Kuzmin, V. Konashevich, Yu. Vasnetsov. Un aspect important de l'art du graphisme du livre est la prise en compte obligatoire des caractéristiques de la structure d'impression du livre, de son caractère unique en tant que valeur culturelle et en tant que chose. Un artiste de livre doit travailler dans une taille (format) strictement définie et prédéterminée. Il existe certains formats standards les plus rationnels. L'artiste ne peut pas modifier arbitrairement les proportions de la feuille, ce qui crée certaines difficultés, notamment dans la composition. En plus du texte littéraire sous la forme d'un jeu de polices, la conception comprend d'autres éléments de texte obligatoires (titre et données de publication). L'apparence d'un livre moderne est composée de nombreux éléments - de la couverture à la composition, et il serait correct que l'artiste détermine leur structure. En fonction du format requis, l'artiste détermine le volume du livre, le nombre et le type d'éléments graphiques, leur répartition dans le livre ; il doit lui être clair dans quelle police le texte sera tapé, quelles sont les proportions du barre de composition et marges de page. Tous les éléments visuels du livre sont très étroitement liés à la police de caractères. Créer des polices est un art ancien et noble. De nombreuses générations d’artistes ont travaillé pour créer des polices avec de beaux designs, des proportions parfaites, des polices claires, lisibles et de style varié. Les originaux à partir desquels les polices sont moulées sont également créés par des artistes. Ce n'est qu'en disposant d'une variété de belles polices que vous pourrez résoudre avec succès les problèmes de conception de livres. Les éléments de police de la couverture, les titres, les jaquettes, les titres et les titres individuels sont généralement dessinés par des artistes. Il est nécessaire de parvenir à leur combinaison harmonieuse avec des polices de caractères et des éléments graphiques. Un artiste du livre doit non seulement connaître les polices et être capable de les utiliser, mais aussi être capable de modifier les polices existantes et d'en créer de nouvelles qui correspondent à son projet, au style du livre et à la nature de l'œuvre littéraire. Soucieux constamment de l'unité typographique et artistique du livre, l'artiste doit connaître au moins les bases de la production typographique et être en contact étroit avec les éditeurs préparant le livre à la publication et les imprimeurs. Tous les éléments graphiques du livre doivent être harmonieusement liés au plan du papier, à la bande de composition. Lorsqu'il travaille, par exemple, sur une illustration, l'artiste doit clairement imaginer comment elle sera combinée avec la bande de composition de la page adjacente, et à quoi ressemblera la diffusion du livre.
Les illustrations originales sont réalisées par l'artiste dans une variété de supports graphiques. À partir de ces originaux, les imprimeurs préparent des formulaires d'impression à l'aide de méthodes photomécaniques, créant ainsi des clichés. Les illustrations en lignes et en tons sont courantes dans les graphiques de livres modernes. Il existe des illustrations exécutées dans un plan volumétrique-spatial et dans une interprétation conventionnellement plane. Une interprétation créative prouve de manière convaincante la légitimité des différents types d'illustrations, si elles sont créées au moyen de l'art graphique, avec ses caractéristiques inhérentes, si ces illustrations sont réalisées de manière réaliste et ne se transforment ni en astuces abstraites ni en image naturaliste.
Le livre a ses propres principes de développement du clair-obscur, des volumes et des perspectives, ses propres échelles et techniques de composition. C'est pourquoi les œuvres graphiques ordinaires sur chevalet (même exécutées sur un thème littéraire), même si elles sont réduites au format livre, ne peuvent servir d'illustrations et ne seront que des reproductions collées dans un livre. Il faut souligner le rôle particulièrement marquant de la gravure sur bois de bout en bout dans l’art du livre. Sa correspondance remarquable avec la nature du livre explique l'utilisation répandue des gravures sur bois dans l'art du livre soviétique. L'histoire du livre est étroitement liée à l'histoire des beaux-arts et du graphisme ; les artistes ont notamment joué un rôle de premier plan dans la création de livres manuscrits. Ils étaient les créateurs de polices, de décorations et de designs. Le dessin destiné au livre est connu en Chine depuis le IVe siècle après JC. e. En Russie, les premiers livres manuscrits contenant des images remontent au Xe siècle. Le livre a occupé une place importante dans la vie du peuple soviétique, il se vend en grande quantité et est devenu accessible à tous. En raison d'une telle ampleur de l'édition de livres et de la croissance sans précédent de la culture populaire, les tâches des artistes du livre sont devenues inhabituellement vastes et responsables.
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