Pourquoi Francesco del Giocondo n'a-t-il pas acheté le portrait de sa femme à Léonard ? Déclaration sensationnelle de scientifiques italiens : les restes de Mona Lisa ont été retrouvés.

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"Mona Lisa", "La Gioconda" ou "Portrait de Lady Lisa del Giocondo" (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) est le tableau le plus célèbre de Léonard de Vinci et peut-être le tableau le plus célèbre au monde. Depuis plus de cinq siècles, Mona Lisa hypnotise le monde avec son sourire, dont de nombreux scientifiques et historiens tentent d'expliquer la nature. Selon les dernières données, le portrait a été peint entre 1503 et 1519. Il existe deux versions du tableau de Léonard, la plus ancienne est en collection privée, peint plus tard - dans l'exposition du Louvre.

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"Mona Lisa", "La Gioconda" ou "Portrait de Lady Lisa del Giocondo" (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) est le tableau le plus célèbre de Léonard de Vinci et peut-être le tableau le plus célèbre au monde. Depuis plus de cinq siècles, Mona Lisa hypnotise le monde avec son sourire, dont de nombreux scientifiques et historiens tentent d'expliquer la nature. Selon les dernières données, le portrait a été peint entre 1503 et 1519.

Il existe deux versions du tableau de Léonard, la première se trouve dans une collection privée et la dernière est exposée au Louvre. Selon une version, le modèle de Léonard n'était pas Lisa Gherardini, mais l'élève de l'artiste Salai, dont l'image se retrouve dans de nombreuses peintures de Léonard, mais la plupart des historiens s'accordent toujours pour dire qu'il s'agit d'un portrait de Lisa Gherardini (Lisa del Giocondo), l'épouse d'un marchand florentin Francesco del Giocondo.

«Mona Lisa» faisait partie des œuvres sélectionnées dont le peintre lui-même ne s'est jamais séparé. Certains experts considèrent La Gioconda comme la quintessence non seulement de l’œuvre de Léonard de Vinci, mais aussi de sa vision du monde et de sa philosophie.

Autres versions

Le mystère de la Joconde

Aujourd’hui, n’importe qui peut commander un portrait à un prix abordable. Cependant, il y a seulement quelques décennies, seules les personnes assez riches pouvaient s’offrir un tel luxe.

À la Renaissance, il était considéré comme prestigieux de pouvoir commander son portrait à un artiste. Un tel service était assez coûteux et, par conséquent, sa présence à l'intérieur soulignait le statut social élevé d'une personne et indiquait de manière convaincante sa richesse matérielle.

La Joconde de Léonard de Vinci, également connue sous le nom de La Joconde, est à juste titre considérée comme le portrait le plus reconnaissable au monde. Chaque année, des milliers de personnes de différents pays venez à Paris et visitez le Louvre pour voir ce chef-d'œuvre par vous-mêmes. Léonard de Vinci a laissé au monde non seulement un portrait de femme, mais une énigme. Le génie n'a laissé aucune trace de son travail, mais de nombreux historiens de l'art conviennent unanimement que l'artiste a commencé à travailler sur la création du portrait en 1503. Il existe une hypothèse selon laquelle le tableau aurait été commandé par un riche marchand florentin qui faisait le commerce de tissus en soie, Francesco del Giocondo et son épouse Lisa. Cependant, pour des raisons inconnues, le portrait n'a pas été livré au client.

Les chercheurs suggèrent que le portrait a été créé en l'honneur d'un événement. Il se peut qu'elle ait été commandée par Francesco del Giocondo pour décorer la nouvelle maison qu'il a achetée en 1503. Ou peut-être que le tableau a été peint en l'honneur de la naissance du deuxième enfant de la famille Giocondo, Andrea, né en décembre 1502, trois ans après la mort de sa fille en 1499.

L'histoire de la création du portrait reste encore un mystère. Il n'existe toujours pas de version suffisamment motivée du type de femme représentée sur la toile et de son existence réelle. Selon les contemporains, Da Vinci ne s'est jamais séparé de lui et l'a même emmené avec lui en France à la cour royale. Ce n'est qu'à sa mort que l'artiste fut contraint de se séparer du portrait et de le donner à son ami et mécène, le roi François Ier, qui ajouta ensuite le tableau à sa collection personnelle.

Le sourire mystérieux de Mona Lisa est devenu un sujet d'inspiration pour de nombreux créatifs. Au premier coup d’œil sur le portrait, il semble que son héroïne sourit coquettement, mais si vous regardez bien, vous remarquerez qu’il n’y a même pas l’ombre d’un sourire sur le visage de la femme.

La Joconde sourit-elle ou pas ? Partiellement. C’est exactement la réponse à cette question donnée par les chercheurs en art les plus célèbres qui étudient la peinture depuis de nombreuses années. Ils suggèrent que lorsqu'un spectateur regarde un portrait, il prête d'abord attention aux yeux de Mona Lisa, et que tout le reste, y compris sa bouche, se situe dans le domaine de la vision périphérique. En vision périphérique, une personne a des détails limités mais peut voir le noir et blanc, ainsi que les ombres et les mouvements. Ainsi, à cause des ombres sur les joues de Mona Lisa et les coins de sa bouche, il semble que ses lèvres soient relevées en un demi-sourire.

Bien entendu, la perception de certaines émotions, ainsi que la beauté, dépend du spectateur, personne ne peut donc dire avec certitude si Mona Lisa sourit sur la photo ou, au contraire, est mélancolique.

Le tableau de Mona Lisa a toujours été une création étonnante de Léonard de Vinci. Beaucoup histoires intéressantes liés à ce travail. Dans cet article, nous vous raconterons quelques faits informatifs sur le tableau de Mona Lisa.

Peinture de Mona Lisa. Des faits qui vous impressionneront :

Les sourcils et les cils de Mona Lisa

Dans le tableau, la Joconde n'a ni cils ni sourcils. Cependant, en 2007, un ingénieur français a utilisé une caméra haute résolution pour découvrir de fins coups de pinceau sur les sourcils et les cils qui avaient disparu avec le temps, probablement à la suite d'une restauration négligente ou simplement estompés.

Il y a une autre "Mona Lisa"

Le musée du Prado en Espagne abrite une deuxième Joconde, probablement peinte par l'un des élèves de Léonard de Vinci. Si vous superposez deux tableaux de La Joconde, un effet 3D apparaît, ce qui fait de ce tableau la première image stéréoscopique de l'histoire.

Pablo Picasso était soupçonné...

Lors du vol de la Joconde en 1911, Pablo Picasso est interrogé comme suspect.

Travail délicat..

En peignant l'image de La Joconde, Léonard de Vinci a créé environ 30 couches, dont beaucoup sont plus fines qu'un cheveu humain.

Une atmosphère détendue

En peignant la Joconde, l'artiste s'est assuré que la modèle était de bonne humeur et qu'elle ne s'ennuyait pas. A cet effet, six musiciens ont été invités à jouer spécialement pour la Joconde, et un fontaine musicale, inventé par De Vinci lui-même.

Diverses grandes œuvres ont également été lues à haute voix et un chat persan et un lévrier étaient présents au cas où le modèle voudrait jouer avec eux.

Le tableau n'a pas été peint sur toile

"Mona Lisa" n'a pas été peinte sur toile, mais sur trois types bois, d'environ un pouce et demi d'épaisseur.

12 longues années...

Léonard de Vinci a inventé les ciseaux, joué de l'alto et a passé 12 ans à peindre les lèvres de Mona Lisa.

Mona Lisa et Napoléon

Le tableau de La Joconde était accroché dans la chambre de Napoléon.

Une tentative de cubisme...

Un designer suédois a créé une réplique de la Joconde à partir de cinquante polygones translucides.

L'arnaque du siècle...

Comme vous le savez, en 1911, le tableau « Mona Lisa » a été volé au Louvre. Le vol a été mené par le fraudeur argentin Eduardo de Valfierno, le tout dans le but de vendre six contrefaçons à six collectionneurs différents à travers le monde. Aucune charge n'a été retenue contre lui, puisqu'il n'était pas formellement impliqué dans l'enlèvement.

Je viens de le sortir du musée...

En 1911, Vincenzo Perugia (employé du Louvre et miroitier) souhaite restituer la Joconde en Italie après que le tableau « ait été capturé par Napoléon ». Pérouse entra au Louvre, ôta le tableau du mur, le transporta jusqu'à l'escalier de service le plus proche, sortit le tableau du cadre, le mit sous sa blouse de travail et quitta le musée comme si de rien n'était.

Insolent...

En 1956, un touriste bolivien a jeté une pierre sur la Joconde et a endommagé le tableau.

Quel est le prix de la Joconde ?

Le coût du tableau de Mona Lisa est estimé à environ 782 millions de dollars.

Mona Lisa de toast..

En 1983, Tadahiko Ogawa a créé une copie de la Joconde composée entièrement de t Ô cuisinière.

Sauver des nazis

Pendant la Seconde Guerre mondiale, la Joconde a été déplacée à deux reprises du Louvre. Et tout cela pour éviter qu’il ne tombe entre les mains des nazis.

Mona Lisa avec moustache

« La Joconde à la moustache » est une œuvre appartenant à l'artiste surréaliste Marcel Duchamp. Il a appelé le tableau « L.H.O.O.Q ». , qui signifie « J'ai un cul chaud » en français.

Peinture de Mona Lisa avec moustache

On peut aimer pour toujours...

En 1963, la Joconde est exposée pendant un mois à galerie nationale art. Le tableau était gardé 24 heures sur 24 par des Marines américains et, malgré le fait que les heures de visite de la galerie étaient prolongées, les gens faisaient souvent la queue pendant environ deux heures juste pour avoir un aperçu du tableau.

La plus petite copie de la Joconde

La copie la plus microscopique de la Joconde ne mesure que 30 microns.

Autoportrait

Il existe une version selon laquelle le portrait de Mona Lisa est en fait un autoportrait de Da Vinci vêtu de vêtements pour femmes.

"D'un point de vue médical, on ne sait pas exactement comment cette femme a vécu."

Son sourire mystérieux est captivant. Certains y voient une beauté divine, d’autres y voient des signes secrets, d’autres encore y voient un défi aux normes et à la société. Mais tout le monde est d’accord sur une chose : il y a quelque chose de mystérieux et d’attrayant chez elle. Nous parlons bien sûr de la Joconde, la création préférée du grand Léonard. Un portrait riche en mythologie. Quel est le secret de Mona Lisa ? Il existe d'innombrables versions. Nous avons sélectionné les dix plus courants et les plus intrigants.

Aujourd'hui, ce tableau, mesurant 77x53 cm, est conservé au Louvre derrière une épaisse vitre pare-balles. L'image, réalisée sur une planche de peuplier, est recouverte d'un réseau de craquelures. Il a subi un certain nombre de restaurations peu réussies et s'est sensiblement assombri au cours de cinq siècles. Cependant, plus le tableau vieillit, plus il attire de monde : le Louvre est visité par 8 à 9 millions de personnes par an.

Et Leonardo lui-même ne voulait pas se séparer de la Joconde, et c'est peut-être la première fois dans l'histoire que l'auteur n'a pas donné l'œuvre au client, malgré le fait qu'il ait accepté les honoraires. Le premier propriétaire du tableau - après l'auteur - le roi François Ier de France était également ravi du portrait. Il l'a acheté à De Vinci pour une somme incroyable à l'époque - 4 000 pièces d'or et l'a placé à Fontainebleau.

Napoléon était également fasciné par Madame Lisa (comme il appelait Gioconda) et l'emmena dans ses appartements du palais des Tuileries. Et l'Italien Vincenzo Perugia a volé un chef-d'œuvre du Louvre en 1911, l'a ramené chez lui et s'est caché avec lui pendant deux années entières jusqu'à ce qu'il soit arrêté alors qu'il tentait de remettre le tableau au réalisateur. Galeries des Offices...En un mot, de tout temps le portrait d'une dame florentine a attiré, hypnotisé, ravi...

Quel est le secret de son attrait ?

Version n°1 : classique

On retrouve la première mention de la Joconde chez l'auteur des célèbres Vies, Giorgio Vasari. De son œuvre, nous apprenons que Léonard entreprit de « faire pour Francesco del Giocondo un portrait de Mona Lisa, sa femme, et, après y avoir travaillé pendant quatre ans, le laissa inachevé ».

L'écrivain admire le talent de l'artiste, sa capacité à montrer « les moindres détails que la subtilité de la peinture peut transmettre », et surtout, son sourire, qui « est si agréable qu'il semble que l'on contemple un divin plutôt qu'un être humain." L'historien de l'art explique le secret de son charme en disant que « pendant qu'il faisait le portrait, il (Leonardo) tenait des gens qui jouaient de la lyre ou chantaient, et il y avait toujours des bouffons qui la maintenaient joyeuse et éloignaient la mélancolie que la peinture donne habituellement à les portraits étant peints. Il n'y a aucun doute : Léonard est un maître inégalé, et le couronnement de sa maîtrise est ce portrait divin. À l'image de son héroïne, il y a une dualité inhérente à la vie elle-même : la modestie de la pose se conjugue avec un sourire audacieux, qui devient une sorte de défi à la société, aux canons, à l'art...

Mais est-ce vraiment l'épouse du marchand de soie Francesco del Giocondo, dont le nom est devenu le deuxième prénom de cette mystérieuse dame ? Est-il vrai que l'histoire des musiciens qui ont créé la bonne ambiance pour notre héroïne ? Les sceptiques contestent tout cela, citant le fait que Vasari était un garçon de 8 ans lorsque Leonardo est mort. Il ne pouvait pas connaître personnellement l'artiste ou son modèle, c'est pourquoi il n'a présenté que les informations fournies par l'auteur anonyme de la première biographie de Léonard. Entre-temps, l'écrivain rencontre également des passages controversés dans d'autres biographies. Prenons par exemple l'histoire du nez cassé de Michel-Ange. Vasari écrit que Pietro Torrigiani a frappé un camarade de classe à cause de son talent, et Benvenuto Cellini explique la blessure par son arrogance et son impudence : en copiant les fresques de Masaccio, pendant la leçon, il a ridiculisé chaque image, pour laquelle il a reçu un coup de poing dans le nez de Torrigiani. La version de Cellini est soutenue par le personnage complexe de Buonarroti, sur lequel circulaient des légendes.

Version n°2 : Mère chinoise

Cela a vraiment existé. Des archéologues italiens affirment même avoir retrouvé son tombeau dans le monastère de Sainte-Ursule à Florence. Mais est-elle sur la photo ? Un certain nombre de chercheurs affirment que Léonard a peint le portrait à partir de plusieurs modèles, car lorsqu'il a refusé de donner le tableau au marchand de tissus Giocondo, il est resté inachevé. Le maître a passé toute sa vie à améliorer son travail, en y ajoutant des caractéristiques d'autres modèles, obtenant ainsi un portrait collectif de la femme idéale de son époque.

Le scientifique italien Angelo Paratico est allé plus loin. Il est sûr que Mona Lisa est la mère de Leonardo, qui était en réalité... chinoise. Le chercheur a passé 20 ans à l'Est, étudiant le lien entre les traditions locales et époque italienne Renaissance, et découvre des documents montrant que le père de Léonard, le notaire Piero, avait un riche client et qu'il avait un esclave qu'il avait amené de Chine. Elle s'appelait Katerina - elle est devenue la mère du génie de la Renaissance. C'est précisément par le fait que du sang oriental coulait dans les veines de Léonard que le chercheur explique la fameuse « écriture de Léonard » - la capacité du maître à écrire de droite à gauche (c'est ainsi que les inscriptions étaient faites dans son journal). Le chercheur a également vu des traits orientaux sur le visage du modèle et dans le paysage derrière elle. Paratico suggère d'exhumer la dépouille de Leonardo et de tester son ADN pour confirmer sa théorie.

La version officielle dit que Léonard était le fils du notaire Piero et de la « paysanne locale » Katerina. Il ne pouvait pas épouser une femme sans racines, mais prenait pour épouse une fille d'une famille noble avec une dot, mais elle s'est avérée stérile. Katerina a élevé l'enfant pendant les premières années de sa vie, puis son père a accueilli son fils chez lui. On ne sait presque rien de la mère de Leonardo. Mais en effet, il existe une opinion selon laquelle l'artiste, séparé de sa mère en petite enfance, toute sa vie il a essayé de recréer l'image et le sourire de sa mère dans ses peintures. Cette hypothèse a été formulée par Sigmund Freud dans son livre « Souvenirs d'enfance ». Léonard de Vinci" et a gagné de nombreux partisans parmi les historiens de l'art.

Version n°3 : Mona Lisa est un homme

Les téléspectateurs notent souvent qu'à l'image de Mona Lisa, malgré toute la tendresse et la modestie, il y a une sorte de masculinité, et le visage du jeune mannequin, presque dépourvu de sourcils et de cils, semble enfantin. Le célèbre chercheur de Mona Lisa, Silvano Vincenti, estime que ce n'est pas un hasard. Il est sûr que Léonard s'est posé... en jeune homme vêtu d'une robe de femme. Et ce n'est autre que Salai - un élève de De Vinci, qu'il a peint dans les tableaux "Jean-Baptiste" et "Ange dans la chair", où le jeune homme est doté du même sourire que la Joconde. Mais l’historien de l’art a tiré cette conclusion non seulement parce que ressemblance extérieure modèles, et après avoir étudié des photographies dans haute résolution, ce qui a permis de voir Vincenti dans les yeux des modèles L et S - les premières lettres des noms de l'auteur du tableau et du jeune homme qui y est représenté, selon l'expert.

"Jean-Baptiste" de Léonard de Vinci (Louvre)

Cette version est également soutenue par une relation particulière - Vasari y a également fait allusion - entre le modèle et l'artiste, qui aurait pu lier Léonard et Salai. Da Vinci n'était pas marié et n'avait pas d'enfants. Parallèlement, il existe un document de dénonciation dans lequel une personne anonyme accuse l'artiste de sodomie sur un certain garçon de 17 ans, Jacopo Saltarelli.

Leonardo avait plusieurs étudiants, dont certains étaient plus que proches, selon plusieurs chercheurs. Freud discute également de l'homosexualité de Léonard, et il étaye cette version par une analyse psychiatrique de sa biographie et du journal du génie de la Renaissance. Les notes de Léonard de Vinci sur Salai sont également considérées comme un argument en sa faveur. Il existe même une version selon laquelle de Vinci a laissé un portrait de Salai (puisque le tableau est mentionné dans le testament de l'étudiant en maîtrise), et de lui le tableau est venu à François Ier.

À propos, le même Silvano Vincenti a avancé une autre hypothèse : que le tableau représente une certaine femme de la suite de Louis Sforza, à la cour de laquelle Léonard a travaillé comme architecte et ingénieur à Milan en 1482-1499. Cette version est apparue après que Vincenti ait vu au dos de la toile le numéro 149. Selon le chercheur, il s'agit de la date à laquelle le tableau a été peint, seul le dernier numéro a été effacé. On pense traditionnellement que le maître a commencé à peindre Gioconda en 1503.

Cependant, il existe de nombreuses autres candidates au titre de Joconde qui rivalisent avec Salai : il s'agit d'Isabella Gualandi, Ginevra Benci, Constanza d'Avalos, la libertine Caterina Sforza, une certaine amante secrète de Laurent de Médicis et même la nourrice de Léonard.

Version n°4 : Gioconda est Léonard

Une autre théorie inattendue, à laquelle Freud a fait allusion, a été confirmée dans les recherches de l'Américaine Lillian Schwartz. La Joconde est un autoportrait, Lilian en est sûre. Artiste et consultante graphique à la School of Visual Arts de New York dans les années 1980, elle compare le célèbre « Autoportrait de Turin » d'un artiste d'âge très moyen avec un portrait de la Joconde et constate que les proportions des visages ( forme de la tête, distance entre les yeux, hauteur du front) étaient les mêmes.

Et en 2009, Lilian, avec l'historienne amateur Lynn Picknett, a fait vivre au public une autre sensation incroyable : elle affirme que le Suaire de Turin n'est rien de plus qu'une empreinte du visage de Léonard, réalisée avec du sulfate d'argent selon le principe de la chambre noire.

Cependant, peu de gens ont soutenu Lilian dans ses recherches - ces théories ne sont pas parmi les plus populaires, contrairement à l'hypothèse suivante.

Version n°5 : un chef-d'œuvre trisomique

Gioconda souffrait de la maladie de Down. C'est la conclusion à laquelle est parvenu le photographe anglais Leo Vala dans les années 1970 après avoir mis au point une méthode pour « retourner » la Joconde de profil.

Au même moment, le médecin danois Finn Becker-Christiansson diagnostiquait à Gioconda une paralysie faciale congénitale. Un sourire asymétrique, selon lui, parle de déviations mentales pouvant aller jusqu'à l'idiotie.

En 1991 sculpteur français Alain Roche a décidé d'incarner la Joconde en marbre, mais cela n'a pas abouti. Il s’est avéré que d’un point de vue physiologique, tout dans le modèle est faux : le visage, les bras et les épaules. Le sculpteur se tourne alors vers le physiologiste, le professeur Henri Greppo, et il fait appel à un spécialiste de la microchirurgie de la main, Jean-Jacques Conte. Ensemble, ils sont arrivés à la conclusion que main droite La mystérieuse femme ne s'appuie pas sur sa gauche, car elle est peut-être plus courte et pourrait être sujette à des convulsions. Conclusion : la moitié droite du corps du mannequin est paralysée, ce qui signifie que le sourire mystérieux n'est aussi qu'un spasme.

Le gynécologue Julio Cruz y Hermida a rassemblé un « dossier médical » complet de Gioconda dans son livre « Un regard sur Gioconda à travers les yeux d'un médecin ». Le résultat était tellement image effrayante qu'on ne sait même pas comment cette femme a vécu. Selon divers chercheurs, elle souffrait d'alopécie (chute de cheveux), d'hypercholestérolémie, d'exposition du collet des dents, de leur déchaussement et de leur perte, et même d'alcoolisme. Elle souffrait de la maladie de Parkinson, d'un lipome (une tumeur graisseuse bénigne sur le bras droit), de strabisme, de cataractes et d'hétérochromie de l'iris (différentes couleurs des yeux) et d'asthme.

Mais qui a dit que Léonard était anatomiquement exact ? Et si le secret du génie résidait précisément dans cette disproportion ?

Version n°6 : un enfant sous le cœur

Il existe une autre version polaire « médicale » : la grossesse. Le gynécologue américain Kenneth D. Keel est sûr que Mona Lisa a croisé les bras sur son ventre par réflexe pour essayer de protéger son bébé à naître. La probabilité est élevée, car Lisa Gherardini a eu cinq enfants (le premier-né s'appelait d'ailleurs Pierrot). Un indice de la légitimité de cette version se trouve dans le titre du portrait : Ritratto di Monna Lisa del Giocondo (italien) - « Portrait de Mme Lisa Giocondo ». Monna est l'abréviation de ma donna - Madonna, Mère de Dieu (bien que cela signifie aussi « ma maîtresse », dame). Les critiques d'art expliquent souvent le génie du tableau précisément parce qu'il représente une femme terrestre à l'image de la Mère de Dieu.

Version n°7 : iconographique

Cependant, la théorie selon laquelle la Joconde est une icône où une femme terrestre a pris la place de la Mère de Dieu est en soi populaire. C'est le génie de l'œuvre et c'est pourquoi elle est devenue un symbole du début nouvelle ère dans l'art. Auparavant, l’art servait l’Église, le gouvernement et la noblesse. Léonard prouve que l'artiste est au-dessus de tout cela, que la chose la plus précieuse est l'idée créatrice du maître. Et la grande idée est de montrer la dualité du monde, et le moyen pour cela est l'image de Mona Lisa, qui allie beauté divine et terrestre.

Version n°8 : Leonardo - créateur de la 3D

Cette combinaison a été réalisée à l'aide d'une technique spéciale inventée par Léonard de Vinci - sfumato (de l'italien - "disparaître comme de la fumée"). C'est cette technique de peinture, où les peintures sont appliquées couche par couche, qui a permis à Léonard de créer une perspective aérienne dans le tableau. L’artiste en a appliqué d’innombrables couches, et chacune était presque transparente. Grâce à cette technique, la lumière est réfléchie et diffusée différemment sur la toile, en fonction de l'angle de vision et de l'angle d'incidence de la lumière. C’est pourquoi l’expression du visage du modèle change constamment.

Les chercheurs arrivent à une conclusion. Une autre avancée technique d'un génie qui a prévu et tenté de mettre en œuvre de nombreuses inventions mises en œuvre des siècles plus tard (avion, char, scaphandre, etc.). Ceci est démontré par la version du portrait stockée dans Musée de Madrid Prado, peint soit par Léonard lui-même, soit par son élève. Il représente le même modèle - seul l'angle est décalé de 69 cm. Ainsi, selon les experts, il y a eu une recherche du point souhaité dans l'image, qui donnera l'effet 3D.

Version n°9 : signes secrets

Signes secrets- un sujet de prédilection des chercheurs de Mona Lisa. Léonard n'est pas seulement un artiste, il est un ingénieur, un inventeur, un scientifique, un écrivain et il a probablement chiffré certains secrets universels dans ses meilleurs tableaux. La version la plus audacieuse et la plus incroyable a été exprimée dans le livre puis dans le film « Da Vinci Code ». Il s’agit bien entendu d’un roman de fiction. Cependant, les chercheurs font constamment des hypothèses tout aussi fantastiques sur la base de certains symboles trouvés dans le tableau.

De nombreuses spéculations proviennent du fait qu'il existe une autre image cachée de la Joconde. Par exemple, la figure d'un ange ou une plume entre les mains d'un mannequin. Il existe également une version intéressante de Valery Chudinov, qui a découvert dans la Joconde les mots Yara Mara - le nom de la déesse païenne russe.

Version n°10 : paysage recadré

De nombreuses versions sont également liées au paysage sur lequel la Joconde est représentée. Le chercheur Igor Ladov y a découvert un caractère cyclique : il semble utile de tracer plusieurs lignes pour relier les bords du paysage. Il ne manque que quelques centimètres pour que tout s'assemble. Mais dans la version du tableau du musée du Prado, il y a des colonnes qui, apparemment, figuraient également dans l'original. Personne ne sait qui a recadré la photo. Si vous les retournez, l'image se transforme en un paysage cyclique, qui symbolise ce que vie humaine(au sens global) enchanté comme tout dans la nature...

Il semble qu’il existe autant de versions de la solution au mystère de la Joconde que de personnes essayant d’explorer le chef-d’œuvre. Il y avait une place pour tout : de l'admiration pour la beauté surnaturelle à la reconnaissance d'une pathologie complète. Chacun trouve quelque chose qui lui est propre dans Mona Lisa et, peut-être, c'est là que se manifestent la multidimensionnalité et la multicouche sémantique de la toile, qui donne à chacun la possibilité d'activer son imagination. Pendant ce temps, le secret de Mona Lisa reste la propriété de cette mystérieuse dame, au léger sourire aux lèvres...

(1503-06) Léonard de Vinci, Louvre

Date de naissance: Citoyenneté:

Italie

Date de décès: Conjoint:

Francesco del Giocondo

Enfants:

Pierrot, Camilla, Andrea, Gioconda et Marietta

Plusieurs siècles après sa mort, son portrait, la Joconde, a acquis une reconnaissance mondiale et est aujourd'hui considérée comme l'une des plus grandes œuvres d'art de l'histoire. L'image suscite l'intérêt des chercheurs et des amateurs et est devenue l'objet de spéculations les plus diverses. La correspondance finale entre Lisa del Giocondo et Mona Lisa a été établie en 2005.

Biographie

Enfance

Remarques

Littérature

En anglais

• Pallanti, Giuseppe Mona Lisa révélée : la véritable identité du modèle de Léonard. - Florence, Italie : Skira, 2006. - ISBN 88-7624-659-2
• Sassoon, Donald (2001). "Mona Lisa : la fille la plus connue du monde entier" . Journal de l'atelier d'histoire(Presse universitaire d'Oxford) 2001 (51) : Résumé. DOI : 10.1093/hwj/2001.51.1. ISSN1477-4569.

Liens

Catégories :

• Personnalités par ordre alphabétique
• Né le 15 juin
• Né en 1479
• Né à Florence
• Décès le 15 juillet
• Mort en 1542
• Décédé à Florence
• Léonard de Vinci

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Voyez ce qu'est « Lisa del Giocondo » dans d'autres dictionnaires :

La demande pour "La Gioconda" est redirigée ici ; voir aussi d'autres significations. Ce terme a d'autres significations, voir Mona Lisa (significations)... Wikipédia

Léonard de Vinci Mona Lisa, 1503 1505 Ritratto di Monna Lisa del Giocondo Bois, huile. 76,8 × 53 cm Louvre, Paris « Mona Lisa » (italien ... Wikipédia

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- « MONA LISA » (« Mona Lisa »), « Gioconda » (« Gioconda »), titres acceptés du portrait de Léonard de Vinci (voir LEONARDO DA VINCI) (vers 1503, Louvre, Paris), censé représenter le La Joconde florentine du Giocondo. Idéal sublime... ... Dictionnaire encyclopédique

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Je veux chanter au sourire
Mona Lisa.
O n a - l'énigme de la renaissance -
Depuis des siècles .
Et il n'y a pas de beau sourire rouge,
S o to r i l i
E GRAND MAÎTRE MODÈLE -
La femme d'un cosaque.

Il a g o t a l a n t u v i d e l v n e,
simple citoyen,
QU'IL A BEAUCOUP VU
Toujours ,
Belle déesse émouvante,
P o n i l t a i n u
Femmes et mères, en un coup d'oeil
Dans les yeux

Elle sourit modestement
SE RENCONTRE
L o u e m a t e r i n s t a
premier appel
Et il n'y a rien autour,
outre les secrets,
CE QUE JE VIV
en nutrition.

« Mona Lisa », alias « Gioconda » ; (Italien : Mona Lisa, La Gioconda, français : La Joconde), titre complet - Portrait de Mme Lisa del Giocondo, italienne. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) est un tableau de Léonard de Vinci, situé au Louvre (Paris, France), l'un des plus oeuvres célébres peinture du monde, qui serait un portrait de Lisa Gherardini, épouse du marchand de soie florentin Francesco del Giocondo, peint vers 1503-1505.

Cela fera bientôt quatre siècles que la Joconde prive de la raison tous ceux qui, en ayant assez vu, se mettent à en parler.

Le titre complet du tableau est italien. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo - «Portrait de Mme Lisa Giocondo». En italien, ma donna signifie « ma dame » (cf. anglais « milady » et français « madame »), dans une version abrégée cette expression a été transformée en monna ou mona. La deuxième partie du nom du mannequin, considéré comme le nom de famille de son mari - del Giocondo, en italien a également sens direct et se traduit par « joyeux, jouant » et, par conséquent, la Gioconda - « joyeux, jouant » (cf. avec la plaisanterie anglaise).

Le nom « La Joconde » est mentionné pour la première fois en 1525 dans la liste de l'héritage de l'artiste Salai, héritier et élève de Léonard de Vinci, qui a laissé le tableau à ses sœurs de Milan. L'inscription le décrit comme le portrait d'une dame nommée La Gioconda.

Même les premiers biographes italiens de Léonard de Vinci ont écrit sur la place qu’occupait ce tableau dans l’œuvre de l’artiste. Leonardo n'a pas hésité à travailler sur la Joconde - comme ce fut le cas pour de nombreuses autres commandes, mais, au contraire, s'y est consacré avec une sorte de passion. Tout le temps qu’il lui restait après avoir travaillé sur « La Bataille d’Anghiari » lui était consacré. Il y consacra beaucoup de temps et, laissant l'Italie âge mûr, emporta avec lui en France parmi quelques autres tableaux sélectionnés. Da Vinci avait une affection particulière pour ce portrait et a également beaucoup réfléchi au cours du processus de création ; dans le « Traité de la peinture » ​​et dans les notes sur les techniques de peinture qui n'y étaient pas incluses, on peut trouver de nombreuses indications qui, sans aucun doute, se rapportent à «La Joconde» "

Le message de Vasari


"L'Atelier de Léonard de Vinci" dans une gravure de 1845 : Gioconda est divertie par des bouffons et des musiciens

Selon Giorgio Vasari (1511-1574), auteur de biographies d'artistes italiens qui a écrit sur Léonard en 1550, 31 ans après sa mort, Mona Lisa (abréviation de Madonna Lisa) était l'épouse d'un Florentin nommé Francesco del Giocondo. del Giocondo), sur le portrait duquel Léonard a passé 4 ans, mais l'a laissé inachevé.

« Leonardo a entrepris de faire un portrait de Mona Lisa, sa femme, pour Francesco del Giocondo et, après y avoir travaillé pendant quatre ans, il l'a laissé inachevé. Cette œuvre est aujourd'hui en possession du roi de France à Fontainebleau.
Cette image donne à celui qui voudrait voir dans quelle mesure l'art peut imiter la nature l'occasion de comprendre cela de la manière la plus simple, car elle reproduit tous les moindres détails que la subtilité de la peinture peut transmettre. Par conséquent, les yeux ont cet éclat et cette humidité qui sont habituellement visibles chez une personne vivante, et autour d'eux se trouvent tous ces reflets rougeâtres et ces poils qui ne peuvent être représentés qu'avec la plus grande subtilité de l'artisanat. Les cils, fabriqués de la même manière que les cheveux poussent réellement sur le corps, là où ils sont plus épais et là où ils sont plus fins, et situés selon les pores de la peau, ne pourraient pas être représentés avec plus de naturel. Le nez, avec ses jolis trous, rosés et délicats, semble vivant. La bouche, légèrement ouverte, avec les bords reliés par les lèvres écarlates, avec la physicalité de son apparence, ne ressemble pas à de la peinture, mais à de la vraie chair. Si vous regardez bien, vous pourrez voir le pouls battre dans le creux du cou. Et on peut vraiment dire que cette œuvre a été écrite de telle manière qu’elle plonge tout artiste arrogant, quel qu’il soit, dans la confusion et la peur.
À propos, Léonard a eu recours à la technique suivante : comme Mona Lisa était très belle, en peignant le portrait, il tenait des gens qui jouaient de la lyre ou chantaient, et il y avait toujours des bouffons qui la gardaient joyeuse et éliminaient la mélancolie qu'elle véhicule habituellement. peindre des portraits réalisés. Le sourire de Léonard dans cette œuvre est si agréable qu'il semble que l'on contemple un être divin plutôt qu'humain ; le portrait lui-même est considéré comme une œuvre extraordinaire, car la vie elle-même ne pourrait être différente.

Ce dessin de la Hyde Collection à New York pourrait être de Léonard de Vinci et constitue une esquisse préliminaire pour un portrait de la Joconde. Dans ce cas, il est curieux qu’il ait d’abord eu l’intention de lui mettre une magnifique branche entre les mains.

Très probablement, Vasari a simplement ajouté une histoire sur les bouffons pour divertir les lecteurs. Le texte de Vasari contient également une description précise des sourcils absents du tableau. Cette inexactitude ne pourrait survenir que si l'auteur décrivait l'image de mémoire ou à partir des histoires d'autrui. Alexey Dzhivelegov écrit que l'indication de Vasari selon laquelle « le travail sur le portrait a duré quatre ans est clairement exagérée : Léonard n'est pas resté aussi longtemps à Florence après son retour de César Borgia, et s'il avait commencé à peindre le portrait avant de partir pour César, Vasari aurait probablement, je dirais qu'il l'a écrit pendant cinq ans. Le scientifique écrit également sur l'indication erronée du caractère inachevé du portrait - « le portrait a sans aucun doute mis beaucoup de temps à être peint et a été achevé, quoi qu'en dise Vasari, qui dans sa biographie de Léonard l'a stylisé comme un artiste qui, dans principe, n'a pu achever aucun travail majeur. Et non seulement elle était terminée, mais c’est l’une des œuvres les plus soignées de Léonard.

Un fait intéressant est que dans sa description, Vasari admire le talent de Léonard pour transmettre les phénomènes physiques, et non la similitude entre le modèle et le tableau. Il semble que ce soit cette caractéristique « physique » du chef-d’œuvre qui ait laissé une profonde impression sur les visiteurs de l’atelier de l’artiste et qui soit parvenue à Vasari près de cinquante ans plus tard.

Le tableau était bien connu des amateurs d'art, même si Léonard quitta l'Italie pour la France en 1516, emportant le tableau avec lui. Selon des sources italiennes, il fait depuis partie de la collection du roi de France François Ier, mais on ne sait pas exactement quand et comment il l'a acquis et pourquoi Léonard ne l'a pas restitué au client.

Peut-être que l'artiste n'a pas vraiment terminé le tableau à Florence, mais l'a emporté avec lui en partant en 1516 et a appliqué le trait final en l'absence de témoins qui pourraient en parler à Vasari. Si tel est le cas, il l'acheva peu avant sa mort en 1519. (En France, il vivait au Clos Luce, non loin du château royal d'Amboise).

En 1517, le cardinal Luigi d'Aragona rendit visite à Léonard dans son atelier français. Une description de cette visite fut faite par le secrétaire du cardinal Antonio de Beatis : « Le 10 octobre 1517, Monseigneur et d'autres comme lui rendirent visite à messire Léonard de Vinci, un florentin. , dans un des lieux reculés d'Amboise, un vieillard à barbe grise, âgé de plus de soixante-dix ans, le plus excellent artiste de notre temps, montra à Son Excellence trois tableaux : l'un d'une dame florentine, peint d'après nature à la demande de Frère Laurent le Magnifique Julien de Médicis, un autre de saint Jean-Baptiste dans sa jeunesse et le troisième de sainte Anne avec Marie et l'enfant Christ ; tous extrêmement beaux. Du maître lui-même, car son droit la main était paralysée à ce moment-là, on ne pouvait plus s'attendre à de nouveaux bon travail" Selon certains chercheurs, « une certaine dame florentine » désigne la « Joconde ». Il est possible, cependant, qu'il s'agisse d'un autre portrait dont aucune preuve ni copie n'a survécu, de sorte que Giuliano Médicis ne pouvait avoir aucun lien avec la Joconde.


Un tableau d'Ingres du XIXe siècle montre, de manière exagérément sentimentale, le chagrin du roi François sur le lit de mort de Léonard de Vinci.

Problème d'identification du modèle

Vasari, né en 1511, ne pouvait pas voir Gioconda de ses propres yeux et fut contraint de se référer aux informations fournies par l'auteur anonyme de la première biographie de Léonard. C'est lui qui écrit sur le marchand de soie Francesco Giocondo, qui a commandé à l'artiste un portrait de sa troisième épouse. Malgré les propos de ce contemporain anonyme, de nombreux chercheurs ont douté de la possibilité que la Joconde ait été peinte à Florence (1500-1505), car la technique sophistiquée pourrait indiquer une création ultérieure du tableau. On a également avancé qu'à cette époque, Léonard était tellement occupé à travailler sur "La Bataille d'Anghiari" qu'il avait même refusé d'accepter l'ordre du marquis de Mantoue Isabelle d'Este (cependant, il entretenait une relation très difficile avec cette dame).

L'œuvre d'un disciple de Léonard est une représentation d'un saint. Peut-être que son apparence représente Isabelle d'Aragon, duchesse de Milan, l'une des candidates au rôle de Mona Lisa.

Francesco del Giocondo, une importante popola florentine, épousa pour la troisième fois à l'âge de trente-cinq ans en 1495 une jeune Napolitaine de la noble famille Gherardini - Lisa Gherardini, nom complet Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini (15 juin 1479 - 15 juillet 1542, soit vers 1551).

Bien que Vasari fournisse des informations sur l’identité de la femme, l’incertitude est restée longtemps à son sujet et de nombreuses versions ont été exprimées :
Caterina Sforza, fille illégitime du duc de Milan Galeazzo Sforza
Isabelle d'Aragon, duchesse de Milan
Cecilia Gallerani (modèle d'un autre portrait de l'artiste - « Dame à l'hermine »)
Constanza d'Avalos, qui portait également le surnom de "La Joyeuse", c'est-à-dire La Gioconda en italien. Venturi en 1925 suggéra que « La Gioconda » est un portrait de la duchesse de Costanza d'Avalos, veuve de Federigo del Balzo, glorifiée dans un petit poème d'Eneo Irpino, qui mentionne également son portrait peint par Léonard. Constance était la maîtresse de Julien de Médicis.
Pacifica Brandano - une autre maîtresse de Giuliano Medici, mère du cardinal Ippolito Medici (selon Roberto Zapperi, le portrait de Pacifica a été commandé par Giuliano Medici pour sa légitimation ultérieure fils illégitime, impatient de revoir sa mère, qui à ce moment-là était déjà décédée. Dans le même temps, selon le critique d'art, le client, comme d'habitude, a laissé à Léonard une totale liberté d'action).
Isabelle Gualanda
Juste femme idéale
Un jeune homme habillé en femme (par exemple Salai, l'amant de Léonard)
Autoportrait de Léonard de Vinci lui-même
Portrait rétrospectif de la mère de l'artiste Catherine (1427-1495) (suggéré par Freud, puis par Serge Bramly, Rina de "Firenze).

Cependant, la version sur la correspondance du nom généralement accepté de la photo avec la personnalité du modèle en 2005 aurait trouvé une confirmation définitive. Des scientifiques de l'Université de Heidelberg ont étudié les notes en marge du tome, dont le propriétaire était un fonctionnaire florentin, connaissance personnelle de l'artiste Agostino Vespucci. Dans les notes en marge du livre, il compare Léonard au célèbre peintre grec ancien Apelle et note que « Da Vinci travaille actuellement sur trois tableaux, dont un portrait de Lisa Gherardini ». Ainsi, Mona Lisa s'est réellement avérée être l'épouse du marchand florentin Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. Le tableau, comme le prouvent les scientifiques dans ce cas, a été commandé par Léonard pour la nouvelle maison de la jeune famille et pour commémorer la naissance de leur deuxième fils, nommé Andrea.

Selon l'une des versions avancées, « Mona Lisa » est un autoportrait de l'artiste


Une note en marge prouvait l'identification correcte du modèle de la Joconde.

Le tableau rectangulaire représente une femme vêtue de vêtements sombres, se tournant à demi-tournée. Elle est assise sur une chaise, les mains jointes, une main posée sur l'accoudoir et l'autre sur le dessus, se tournant presque pour faire face au spectateur. Les cheveux séparés, lisses et posés à plat, visibles à travers un voile transparent drapé dessus (selon certaines hypothèses - un attribut du veuvage), tombent sur les épaules en deux fines mèches légèrement ondulées. Une robe verte à fins volants, avec des manches plissées jaunes, découpées sur un décolleté blanc. La tête est légèrement tournée.

Le critique d'art Boris Vipper, décrivant le tableau, souligne que des traces de la mode du Quattrocento sont perceptibles sur le visage de Mona Lisa : ses sourcils et ses cheveux sur le dessus de son front sont rasés.

La copie de La Joconde de la Wallace Collection (Baltimore) a été réalisée avant que les bords de l'original ne soient rognés, et permet de voir les colonnes manquantes.

Fragment de la Joconde avec les restes de la base de la colonne

Le bord inférieur du tableau coupe la seconde moitié de son corps, le portrait est donc presque à mi-longueur. La chaise sur laquelle est assise le modèle se dresse sur un balcon ou une loggia dont la ligne de parapet est visible derrière ses coudes. On pense qu'auparavant, l'image aurait pu être plus large et accueillir deux colonnes latérales de la loggia, à partir desquelles ce moment il reste deux bases de colonnes dont des fragments sont visibles le long des bords du parapet.

La loggia surplombe une nature sauvage et désolée avec des ruisseaux sinueux et un lac entouré de montagnes aux sommets enneigés qui s'étendent jusqu'à une ligne d'horizon élevée derrière la silhouette. « Mona Lisa est représentée assise sur une chaise sur fond de paysage, et la juxtaposition même de sa figure, très proche du spectateur, avec le paysage visible de loin, comme une immense montagne, confère à l'image une grandeur extraordinaire. La même impression est favorisée par le contraste entre la tactilité plastique accrue de la figure et sa silhouette lisse et généralisée avec un paysage semblable à une vision s'étendant dans le brouillard avec des rochers bizarres et des canaux d'eau serpentant parmi eux.

Le portrait de Gioconda est l'un des meilleurs exemples du genre du portrait de la Haute Renaissance italienne.

Boris Vipper écrit que, malgré les traces du Quattrocento, « avec ses vêtements avec une petite découpe sur la poitrine et ses manches à plis amples, tout comme avec sa posture droite, sa légère rotation du corps et son doux geste des mains, Mona Lisa appartient entièrement à l’ère du style classique. Mikhaïl Alpatov souligne que « Gioconda s'inscrit parfaitement dans un rectangle strictement proportionnel, sa demi-figure forme un tout, ses mains jointes donnent à son image une image complète. Maintenant, bien sûr, il ne saurait être question des boucles fantaisistes de la première « Annonciation ». Cependant, si adoucis que soient tous les contours, la mèche ondulée des cheveux de Mona Lisa est en harmonie avec le voile transparent, et le tissu suspendu jeté sur son épaule trouve un écho dans les méandres doux de la route lointaine. En tout cela, Léonard démontre sa capacité à créer selon les lois du rythme et de l’harmonie.

La Joconde est devenue très sombre, ce qui est considéré comme le résultat de la tendance inhérente de son auteur à expérimenter avec la peinture, à cause de laquelle la fresque de la Cène est pratiquement morte. Les contemporains de l'artiste ont cependant réussi à exprimer leur admiration non seulement pour la composition, le dessin et le jeu du clair-obscur, mais aussi pour la couleur de l'œuvre. On suppose, par exemple, que les manches de sa robe étaient à l'origine rouges - comme le montre la copie du tableau du Prado.

L'état actuel du tableau est assez mauvais, c'est pourquoi les services du Louvre ont annoncé qu'ils ne le donneraient plus aux expositions : « Des fissures se sont formées dans le tableau, et l'une d'elles s'arrête à quelques millimètres au-dessus de la tête de la Joconde. .»

La macrophotographie permet de voir un grand nombre de craquelures (fissures) à la surface du tableau

Comme le note Dzhivelegov, au moment de la création de La Joconde, la maîtrise de Léonard « était déjà entrée dans une phase d'une telle maturité, lorsque toutes les tâches formelles de composition et autres étaient posées et résolues, lorsque Léonard commença à sentir que seul le Les dernières tâches de la technique artistique, les plus difficiles, méritaient d'être accomplies. Et lorsqu'il a trouvé en la personne de Mona Lisa un modèle qui satisfaisait ses besoins, il a essayé de résoudre certains des problèmes les plus graves et les plus difficiles. technique de peinture, qui n’ont pas encore été résolus par eux. Il voulait, à l'aide de techniques qu'il avait déjà développées et testées auparavant, notamment avec l'aide de son célèbre sfumato, qui avait donné auparavant des effets extraordinaires, faire plus qu'il n'avait fait auparavant : créer visage vivant une personne vivante et reproduire les traits et l’expression de ce visage de manière à révéler pleinement le monde intérieur d’une personne.

Boris Vipper pose la question « par quels moyens cette spiritualité a été atteinte, cette étincelle éternelle de conscience à l'image de la Joconde, il faut alors citer deux moyens principaux. L'un d'entre eux est le merveilleux sfumato de Leonard. Pas étonnant que Léonard aimait dire que « le modelage est l’âme de la peinture ». C’est le sfumato qui crée le regard humide de Gioconda, son sourire léger comme le vent et la douceur caressante incomparable du toucher de ses mains. Sfumato est une brume subtile qui enveloppe le visage et la silhouette, adoucissant les contours et les ombres. Pour cela, Léonard préconisait de placer, comme il le dit lui-même, « une sorte de brouillard » entre la source lumineuse et les corps.

Rothenberg écrit que « Leonardo a réussi à introduire dans sa création ce degré de généralisation qui lui permet d'être considéré comme une image de l'homme de la Renaissance dans son ensemble. Ce haut degré de généralisation se reflète dans tous les éléments du langage pictural du tableau, dans ses motifs individuels - dans la façon dont le voile léger et transparent, couvrant la tête et les épaules de Mona Lisa, unit les mèches de cheveux soigneusement dessinées et petits plis de la robe pour former un contour globalement lisse ; elle est palpable dans la douceur incomparable du modelé du visage (dont, selon la mode de l’époque, on ôtait les sourcils) et des mains belles et lisses.

Paysage derrière la Joconde

Alpatov ajoute que « dans la brume doucement fondante enveloppant le visage et la silhouette, Léonard a réussi à faire ressentir la variabilité illimitée des expressions faciales humaines. Bien que les yeux de Gioconda regardent le spectateur attentivement et calmement, grâce à l'ombre de ses orbites, on pourrait penser qu'ils froncent légèrement les sourcils ; ses lèvres sont comprimées, mais près de leurs coins il y a des ombres subtiles qui font croire qu'à chaque minute elles vont s'ouvrir, sourire et parler. Le contraste même entre son regard et le demi-sourire sur ses lèvres donne l'idée de l'incohérence de ses expériences. (...) Léonard a travaillé dessus pendant plusieurs années, en veillant à ce qu'il ne reste pas un seul trait net, pas un seul contour angulaire dans l'image ; et bien que les bords des objets y soient clairement perceptibles, ils se dissolvent tous dans les transitions les plus subtiles de la pénombre à la pénombre.

Les critiques d'art soulignent le caractère organique avec lequel l'artiste a combiné caractéristique du portrait personnalité avec un paysage plein d'ambiance particulière, et à quel point cela a augmenté la dignité du portrait

Une première copie de la Joconde du Prado montre à quel point une image de portrait perd lorsqu'elle est placée sur un fond sombre et neutre.

Whipper considère le paysage comme le deuxième médium qui crée la spiritualité d'une peinture : « Le deuxième médium est la relation entre la figure et l'arrière-plan. Le paysage fantastique et rocheux, comme vu à travers l'eau de mer, du portrait de Mona Lisa a une autre réalité que sa figure elle-même. La Joconde a la réalité de la vie, le paysage a la réalité d'un rêve. Grâce à ce contraste, Mona Lisa semble incroyablement proche et tangible, et nous percevons le paysage comme le rayonnement de ses propres rêves.

Le chercheur en art de la Renaissance Viktor Grashchenkov écrit que Léonard, notamment grâce au paysage, a réussi à créer non pas le portrait d'une personne spécifique, mais une image universelle : « Dans ce image mystérieuse il a créé quelque chose de plus qu'un portrait de l'inconnue florentine Mona Lisa, la troisième épouse de Francesco del Giocondo. Apparence et la structure mentale d'une personne particulière sont véhiculées par lui avec une synthèse sans précédent. Ce psychologisme impersonnel correspond à l’abstraction cosmique du paysage, presque totalement dépourvu de tout signe de présence humaine. Dans le clair-obscur fumé, non seulement tous les contours de la figure et du paysage ainsi que toutes les nuances de couleurs sont adoucis. Dans les transitions subtiles de la lumière à l’ombre, presque imperceptibles à l’œil, dans la vibration du « sfumato » de Leonard, toute la précision de l’individualité et ses état psychologique. (…) « La Gioconda » n'est pas un portrait. Il s'agit d'un symbole visible de la vie même de l'homme et de la nature, unis en un tout et présenté de manière abstraite à partir de sa forme concrète individuelle. Mais derrière le mouvement à peine perceptible qui, comme de légères ondulations, parcourt la surface immobile de ce monde harmonieux, se cache toute la richesse des possibilités de l’existence physique et spirituelle. »

En 2012, une copie de « La Joconde » du Prado a été effacée, et sous les enregistrements ultérieurs, il y avait un fond de paysage - la sensation de la toile change immédiatement.

« Mona Lisa » est conçue dans des tons brun doré et rougeâtre au premier plan et vert émeraude en arrière-plan. "Transparentes, comme le verre, les couleurs forment un alliage, comme si elles étaient créées non pas par la main d'une personne, mais par cette force interne de la matière, qui donne naissance à des cristaux de forme parfaite à partir d'une solution." Comme beaucoup d'œuvres de Léonard, cette œuvre s'est assombrie au fil du temps et ses relations entre les couleurs ont quelque peu changé, mais même aujourd'hui, les comparaisons réfléchies dans les tons des œillets et des vêtements et leur contraste général avec le ton « sous-marin » bleu-vert de l'œuvre le paysage est clairement perçu.

Le portrait féminin antérieur de Léonard, "La Dame à l'hermine", bien qu'il s'agisse d'une belle œuvre d'art, dans sa structure figurative plus simple, appartient à une époque antérieure.

"Mona Lisa" est considérée comme l'une des meilleures œuvres dans le genre du portrait, qui a influencé les œuvres de la Haute Renaissance et, indirectement à travers elles, tout le développement ultérieur de ce genre, qui « doit toujours revenir à la Joconde comme un modèle inaccessible, mais obligatoire ».

Les historiens de l'art notent que le portrait de Mona Lisa fut une étape décisive vers le développement de la Renaissance art du portrait. Rotenberg écrit : « bien que les peintres du Quattrocento aient laissé un certain nombre d'œuvres importantes de ce genre, leurs réalisations en matière de portrait étaient, pour ainsi dire, disproportionnées par rapport aux réalisations des principaux genres picturaux - dans des compositions sur des thèmes religieux et mythologiques. L’inégalité du genre du portrait se reflétait déjà dans l’« iconographie » même des images de portrait. Les portraits actuels du XVe siècle, malgré leur indéniable similitude physionomique et le sentiment de force intérieure qu'ils dégageaient, se distinguaient également par la contrainte externe et interne. Toute cette richesse sentiments humains et les expériences qui caractérisent la Bible et images mythologiques peintres du XVe siècle, n'était généralement pas la propriété de leurs portraits. Des échos en sont visibles dans les portraits antérieurs de Léonard lui-même, réalisés par lui au cours des premières années de son séjour à Milan. (...) En comparaison, le portrait de Mona Lisa est perçu comme le résultat d'un gigantesque changement qualitatif. Pour la première fois, l'image du portrait, dans son importance, est devenue comparable à l'image la plus images lumineuses d'autres genres picturaux."

Le "Portrait de dame" de Lorenzo Costa a été peint dans les années 1500-06 - à peu près aux mêmes années que la "Mona Lisa", mais en comparaison, il montre une inertie étonnante.

Lazarev est d'accord avec lui : « Il n'y a pratiquement aucun autre tableau au monde sur lequel les critiques d'art écriraient un tel abîme d'absurdités que cette célèbre œuvre de Léonard. (...) Si Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, la vertueuse matrone et épouse d'un des citoyens florentins les plus respectés, entendait tout cela, elle serait sans doute sincèrement surprise. Et Leonardo aurait été encore plus surpris, s'étant fixé ici une tâche beaucoup plus modeste et, en même temps, beaucoup plus difficile : donner une telle image visage humain, qui dissoudrait enfin en soi les derniers vestiges de la statique quattrocentiste et de l’immobilité psychologique. (...) Et donc, le critique d'art qui soulignait l'inutilité de déchiffrer ce sourire avait mille fois raison. Son essence réside dans le fait qu'il s'agit là d'une des premières tentatives de l'art italien pour représenter la nature. condition mentale pour lui-même, comme une fin en soi, sans motivations religieuses et éthiques supplémentaires. Ainsi, Léonard a réussi à faire revivre son modèle à tel point qu'en comparaison, tous les portraits plus anciens ressemblent à des momies gelées.

Raphaël, "Fille à la licorne", v. 1505-1506, Galerie Borghèse, Rome. Ce portrait, peint sous l'influence de La Joconde, est construit selon le même schéma iconographique - avec un balcon (également à colonnes) et un paysage.

Dans son travail innovant, Léonard a transféré le centre de gravité principal sur le visage du portrait. En même temps, il utilisait ses mains comme un puissant moyen de caractérisation psychologique. En rendant le portrait générationnel au format, l'artiste a pu démontrer un plus large éventail de techniques artistiques. Et la chose la plus importante dans la structure figurative d'un portrait est la subordination de tous les détails à l'idée directrice. « La tête et les mains sont incontestablement le centre du tableau, auquel le reste de ses éléments sont sacrifiés. Le paysage fabuleux semble briller à travers les eaux de la mer, il semble si lointain et intangible. Son objectif principal n'est pas de détourner l'attention du spectateur du visage. Et le même rôle est destiné à être joué par le vêtement, qui tombe dans les moindres plis. Léonard évite délibérément les draperies lourdes, qui pourraient obscurcir l'expressivité de ses mains et de son visage. Ainsi, il oblige ces derniers à jouer avec une force particulière, d’autant plus grande que le paysage et la tenue vestimentaire sont modestes et neutres, assimilés à un accompagnement calme et à peine perceptible.

Les étudiants et disciples de Léonard ont créé de nombreuses répliques de la Joconde. Certains d'entre eux (de la collection Vernon, États-Unis ; de la collection Walter, Baltimore, États-Unis ; et aussi depuis quelque temps la Joconde d'Isleworth, Suisse) sont considérés comme authentiques par leurs propriétaires, et le tableau du Louvre est considéré comme une copie. Il y a aussi l’iconographie de la « Joconde nue », présentée en plusieurs versions (« Belle Gabrielle », « Monna Vanna », l’Ermitage « Donna Nuda »), apparemment réalisées par les propres élèves de l’artiste. Un grand nombre d'entre eux ont donné lieu à une version non démontrable selon laquelle il existait une version de Mona Lisa nue, peinte par le maître lui-même.

« Donna Nuda » (c'est-à-dire « Donna nue »). Artiste inconnu, fin du XVIe siècle, Ermitage

Réputation du tableau

"Mona Lisa" derrière une vitre pare-balles au Louvre et les visiteurs du musée se pressent à proximité

Bien que la Joconde ait été très appréciée des contemporains de l’artiste, sa renommée s’est ensuite estompée. On ne s'est pas particulièrement souvenu de l'image jusqu'à ce que milieu du 19ème siècle, lorsque des artistes proches du mouvement symboliste commencent à la louer, l'associant à leurs idées sur la mystique féminine. Le critique Walter Pater a exprimé son opinion dans son essai de 1867 sur Léonard de Vinci, décrivant la figure du tableau comme une sorte d'incarnation mythique de l'éternelle féminine, qui est « plus vieille que les rochers entre lesquels elle est assise » et qui est « morte plusieurs fois ». et appris les secrets de l'au-delà." .

La renommée du tableau est liée à sa mystérieuse disparition au début du XXe siècle et à son heureux retour au musée quelques années plus tard (voir ci-dessous, section Vol), grâce auquel il n'a pas quitté les pages des journaux.

Contemporain de son aventure, le critique Abram Efros écrivait : « … le gardien du musée, qui ne quitte plus le tableau depuis son retour au Louvre après l'enlèvement en 1911, ne garde aucun portrait de Francesca. del Giocondo, mais l'image d'une créature mi-humaine mi-serpent, souriante ou sombre, dominant l'espace froid, nu et rocheux qui s'étend derrière lui.

La Joconde est aujourd’hui l’une des peintures les plus célèbres de l’art d’Europe occidentale. Sa réputation retentissante est associée non seulement à ses hautes qualités artistiques, mais aussi à l'atmosphère de mystère qui entoure cette œuvre.

L’un des mystères est lié à la profonde affection que l’auteur éprouvait pour cette œuvre. Diverses explications ont été proposées, par exemple une explication romantique : Léonard est tombé amoureux de Mona Lisa et a délibérément retardé son travail pour rester plus longtemps avec elle, et elle l'a taquiné avec son sourire mystérieux et l'a amené aux plus grandes extases créatives. Cette version est considérée comme une simple spéculation. Dzhivelegov estime que cet attachement est dû au fait qu'il y a trouvé le point d'application de plusieurs de ses quêtes créatives (voir la section Technique).

Sourire de Joconde

Léonard de Vinci. "Jean le Baptiste". 1513-1516, Persienne. Cette image a aussi son propre mystère : pourquoi Jean-Baptiste sourit-il et pointe-t-il vers le haut ?

Léonard de Vinci. "Sainte Anne avec la Vierge et l'Enfant Christ" (fragment), v. 1510, Persienne.
Le sourire de Mona Lisa est l'un des mystères les plus célèbres du tableau. Ce léger sourire vagabond se retrouve dans de nombreuses œuvres tant du maître lui-même que des Léonardesques, mais c'est dans La Joconde qu'il atteint sa perfection.

Le spectateur est particulièrement fasciné par le charme démoniaque de ce sourire. Des centaines de poètes et d'écrivains ont écrit sur cette femme, qui semble sourire de manière séduisante ou figée, regardant froidement et sans âme dans l'espace, et personne n'a défait son sourire, personne n'a interprété ses pensées. Tout, même le paysage, est mystérieux, comme un rêve, tremblant, comme une brume de sensualité avant la tempête (Muter).

Grashchenkov écrit : « La variété infinie des sentiments et des désirs humains, des passions et des pensées opposées, lissées et fusionnées, ne résonne dans l'apparence harmonieusement impartiale de Gioconda qu'avec l'incertitude de son sourire, émergeant et disparaissant à peine. Ce mouvement fugace et insignifiant des coins de sa bouche, comme un écho lointain fusionné en un seul son, nous apporte de l’infini la polyphonie colorée de la vie spirituelle d’une personne.
Le critique d'art Rotenberg estime qu'« il existe peu de portraits dans tout l'art mondial qui soient égaux à la Joconde en termes de pouvoir d'expression de la personnalité humaine, incarnée dans l'unité du caractère et de l'intellect. C’est précisément l’extraordinaire charge intellectuelle du portrait de Léonard qui le distingue de photos de portraits Quattrocento. Cette caractéristique est perçue avec d'autant plus d'acuité qu'elle se rapporte à un portrait féminin, dans lequel le caractère du modèle se révélait auparavant dans une tonalité figurative complètement différente, à prédominance lyrique. Le sentiment de force émanant de « Mona Lisa » est une combinaison organique de calme intérieur et de sentiment de liberté personnelle, l'harmonie spirituelle d'une personne basée sur la conscience de sa propre signification. Et son sourire lui-même n'exprime aucune supériorité ou dédain ; elle est perçue comme le résultat d’une confiance en soi sereine et d’une maîtrise de soi totale.

Boris Vipper souligne que l'absence de sourcils et le front rasé mentionnés ci-dessus renforcent peut-être involontairement l'étrange mystère de son expression faciale. Il écrit en outre à propos du pouvoir du tableau : « Si nous nous demandons quel est le grand pouvoir attractif de Mona Lisa, son effet hypnotique vraiment incomparable, alors il ne peut y avoir qu'une seule réponse : dans sa spiritualité. Les interprétations les plus ingénieuses et les plus opposées ont été mises dans le sourire de « La Gioconda ». Ils voulaient y lire de la fierté et de la tendresse, de la sensualité et de la coquetterie, de la cruauté et de la pudeur. L'erreur résidait, premièrement, dans le fait qu'ils recherchaient à tout prix des propriétés spirituelles individuelles et subjectives à l'image de la Joconde, alors qu'il ne fait aucun doute que Léonard aspirait à une spiritualité typique. Deuxièmement, et c'est peut-être encore plus important, ils ont essayé d'attribuer un contenu émotionnel à la spiritualité de Mona Lisa, alors qu'en réalité elle a des racines intellectuelles. Le miracle de la Joconde réside précisément dans le fait qu'elle pense ; que, devant une planche jaunie et craquelée, on sent irrésistiblement la présence d’un être doué d’intelligence, un être avec qui on peut parler et de qui on peut attendre une réponse.

Lazarev l'a analysé en tant que scientifique de l'art : « Ce sourire n'est pas tant une caractéristique individuelle de Mona Lisa, mais une formule typique de revitalisation psychologique, une formule qui traverse comme un fil rouge toutes les images de jeunesse de Léonard, une formule qui s'est ensuite transformée en , entre les mains de ses étudiants et disciples, dans le cachet traditionnel. Comme les proportions des figures de Léonard, elles sont construites sur les mesures mathématiques les plus fines, sur la stricte considération des valeurs expressives des différentes parties du visage. Et pour autant, ce sourire est absolument naturel, et c’est justement là la puissance de son charme. Il enlève du visage tout ce qui est dur, tendu et figé ; il le transforme en un miroir d’expériences spirituelles vagues et indéfinies ; dans sa légèreté insaisissable, il ne peut être comparé qu’à une ondulation qui coule dans l’eau. »

Son analyse a attiré l’attention non seulement des historiens de l’art, mais aussi des psychologues. Sigmund Freud écrit : « Celui qui imagine les peintures de Léonard se souvient d'un sourire étrange, captivant et mystérieux caché sur ses lèvres. images féminines. Le sourire figé sur ses lèvres allongées et frémissantes est devenu caractéristique de lui et est le plus souvent qualifié de « léonardien ». C'est dans l'apparence particulièrement belle de la Mona Lisa del Gioconda florentine qu'elle captive et plonge le spectateur dans la confusion. Ce sourire nécessitait une interprétation, mais il trouva une variété d'interprétations, dont aucune ne fut satisfaisante. (...) L'hypothèse selon laquelle deux éléments différents étaient combinés dans le sourire de Mona Lisa est née parmi de nombreux critiques. Ainsi, dans l’expression du visage de la belle Florentine, ils ont vu l’image la plus parfaite de l’antagonisme qui régit la vie amoureuse d’une femme, de retenue et de séduction, de tendresse sacrificielle et de sensualité imprudemment exigeante qui absorbe un homme comme quelque chose d’étranger. (...) Leonardo, en la personne de Mona Lisa, a réussi à reproduire le double sens de son sourire, la promesse d'une tendresse sans limite et d'une menace inquiétante.»


Le philosophe A.F. Losev écrit à son sujet de manière très négative : ... « Mona Lisa » avec son « sourire démoniaque ». « Après tout, il suffit de regarder attentivement les yeux de Gioconda et on peut facilement remarquer qu’en fait, elle ne sourit pas du tout. Ce n'est pas un sourire, mais un visage prédateur aux yeux froids et une claire connaissance de l'impuissance de la victime dont Gioconda veut prendre possession et dans laquelle, en plus de la faiblesse, elle compte aussi sur l'impuissance face au mal. sentiment qui s’est emparé d’elle.

Le découvreur du terme microexpression, le psychologue Paul Ekman (le prototype du Dr Cal Lightman de la série télévisée Lie to Me), écrit sur l'expression faciale de Mona Lisa, l'analysant du point de vue de sa connaissance des expressions faciales humaines. : « les deux autres types [de sourires] combinent un sourire sincère avec une expression caractéristique dans les yeux. Un sourire charmeur, bien qu'en même temps le séducteur détourne les yeux de l'objet de son intérêt, pour ensuite lui jeter à nouveau un regard sournois, qui, lui aussi, est immédiatement détourné dès qu'il est remarqué. L'impression inhabituelle de la célèbre Joconde réside en partie dans le fait que Léonard saisit sa nature précisément au moment de ce mouvement ludique ; tournant la tête dans un sens, elle regarde dans l'autre - vers l'objet de son intérêt. Dans la vie, cette expression faciale est éphémère : un regard furtif ne dure qu'un instant.

Histoire de la peinture à l'époque moderne

Au moment de sa mort en 1525, l'assistant (et peut-être l'amant) de Léonard, Salai, était en possession, selon des références dans ses papiers personnels, d'un portrait de femme intitulé "La Gioconda" (quadro de una dona aretata), qui lui avait été léguée par son professeur. Salai a laissé le tableau à ses sœurs qui vivaient à Milan. La manière dont, dans ce cas, le portrait est arrivé de Milan en France reste un mystère. On ne sait pas non plus qui et quand exactement a coupé les bords du tableau avec des colonnes qui, selon la plupart des chercheurs, sur la base d'une comparaison avec d'autres portraits, existaient dans la version originale. Contrairement à une autre œuvre tronquée de Léonard - «Portrait de Ginevra Benci», dont la partie inférieure a été tronquée parce qu'elle a été endommagée par l'eau ou le feu, dans ce cas, les raisons étaient probablement de nature compositionnelle. Il existe une version selon laquelle Léonard de Vinci lui-même l'a fait.


Foule au Louvre près du tableau, nos jours

Le roi François Ier aurait acheté le tableau aux héritiers de Salai (pour 4 000 écus) et l'aurait conservé dans son château de Fontainebleau, où il resta jusqu'à l'époque de Louis XIV. Ce dernier la transporta au château de Versailles, puis Révolution française elle a fini au Louvre. Napoléon accrocha le portrait dans sa chambre au palais des Tuileries, puis il retourna au musée.

Vol

1911 Mur vide où était accrochée la Joconde
La Joconde n'aurait été connue que des connaisseurs depuis longtemps arts visuels, sinon pour son histoire exceptionnelle, qui lui a assuré une renommée mondiale.

Vincenzo Pérouse. Feuille d'une affaire pénale.

Le 21 août 1911, le tableau est volé par un employé du Louvre. Maître italien sur les miroirs de Vincenzo Peruggia (italien : Vincenzo Peruggia). Le but de cet enlèvement n'est pas clair. Peut-être que Pérouse voulait rendre La Joconde dans sa patrie historique, estimant que les Français l'avaient « kidnappée » et oubliant que Léonard lui-même avait apporté le tableau en France. La perquisition policière n'a pas abouti. Les frontières du pays ont été fermées et l'administration du musée a été licenciée. Le poète Guillaume Apollinaire a été arrêté parce qu'il était soupçonné d'avoir commis un crime, puis relâché. Pablo Picasso était également soupçonné. Le tableau n'a été retrouvé que deux ans plus tard en Italie. De plus, le coupable était le voleur lui-même, qui a répondu à une annonce dans le journal et a proposé de vendre La Gioconda au directeur de la Galerie des Offices. On suppose qu'il avait l'intention d'en faire des copies et de les faire passer pour l'original. Pérouse, d'une part, a été loué pour son patriotisme italien, d'autre part, il a été condamné à une courte peine de prison.

Finalement, le 4 janvier 1914, le tableau (après des expositions dans des villes italiennes) revient à Paris. Pendant ce temps, la Joconde est restée sur les couvertures des journaux et des magazines du monde entier, ainsi que sur les cartes postales, il n'est donc pas surprenant que la Joconde ait été copiée plus souvent que tout autre tableau. Le tableau est devenu un objet de culte en tant que chef-d'œuvre des classiques mondiaux.

Vandalisme

En 1956, la partie inférieure du tableau fut endommagée lorsqu'un visiteur y jeta de l'acide. Le 30 décembre de la même année, un jeune Bolivien, Hugo Ungaza Villegas, lui lance une pierre et endommage la couche de peinture au niveau de son coude (la perte sera ensuite constatée). Après cela, la Joconde a été protégée par du verre pare-balles, ce qui l'a protégée contre d'autres attaques graves. Pourtant, en avril 1974, une femme, bouleversée par la politique du musée à l'égard des handicapés, a tenté de pulvériser de la peinture rouge avec un pot alors que le tableau était exposé à Tokyo, et le 2 avril 2009, une femme russe, qui n'avait pas reçu citoyen français, jeta une coupe d'argile au verre. Ces deux cas n’ont pas nui au tableau.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, pour des raisons de sécurité, le tableau fut transporté du Louvre au château d'Amboise (lieu de mort et de sépulture de Léonard), puis à l'abbaye de Loc-Dieu et enfin au musée Ingres de Montauban, d'où il a été remis à sa place en toute sécurité après la victoire.

Au XXe siècle, le tableau ne quitte quasiment jamais le Louvre, visitant les États-Unis en 1963 et le Japon en 1974. Sur le chemin du Japon vers la France, le tableau a été exposé au Musée. A. S. Pouchkine à Moscou. Les voyages n’ont fait que consolider le succès et la renommée du film.