Peinture de la Renaissance en bref. Artistes de la Renaissance et leurs peintures

Les peuples d’Europe ont cherché à faire revivre les trésors et les traditions perdus à cause des guerres d’extermination sans fin. Les guerres ont emporté de la surface de la terre les hommes et les grandes choses qu’ils avaient créées. L'idée de faire revivre la haute civilisation ancien monde a donné vie à la philosophie, à la littérature, à la musique, à l'essor des sciences naturelles et - surtout - à l'épanouissement de l'art. L’époque exigeait des gens forts et instruits qui n’avaient peur d’aucun travail. C’est parmi eux que l’émergence de ces quelques génies que l’on appelle les « titans de la Renaissance » est devenue possible. Ceux-là mêmes que nous appelons uniquement par leur nom.

La Renaissance était avant tout italienne. Il n’est donc pas surprenant que ce soit en Italie que l’art ait atteint son apogée et son épanouissement au cours de cette période. C'est ici que se trouvent des dizaines de noms de titans, de génies, d'artistes grands et tout simplement talentueux.

MUSIQUE DE LEONARDO.

Quel chanceux ! – beaucoup diront de lui. Il était doté d'une santé rare, beau, grand et avait les yeux bleus. Dans sa jeunesse, il portait des boucles blondes et son air fier lui rappelait le Saint-Georges de Donatell. Il avait une force courageuse et une valeur masculine inouïes. Il chantait à merveille et composait des mélodies et des poèmes devant son public. Joué sur n'importe quel instrument de musique De plus, il les a créés lui-même.

Pour l’art de Léonard de Vinci, les contemporains et les descendants n’ont jamais trouvé de définitions autres que « brillant », « divin » et « grand ». Les mêmes mots font référence à ses révélations scientifiques : il a inventé un char, une excavatrice, un hélicoptère, un sous-marin, un parachute, une arme automatique, un casque de plongée, un ascenseur, a résolu les problèmes les plus complexes d'acoustique, de botanique, de médecine, de cosmographie. , a créé un projet de théâtre circulaire, inventé un siècle plus tôt , que Galilée, le pendule de l'horloge, a dessiné les skis nautiques actuels, a développé la théorie de la mécanique.

Quel chanceux ! - beaucoup diront de lui et commenceront à se souvenir de ses princes et rois bien-aimés, qui cherchaient à le connaître, des spectacles et des vacances qu'il inventait en tant qu'artiste, dramaturge, acteur, architecte et s'y amusait comme un enfant.

Cependant, Leonardo, l'irrépressible centenaire, était-il heureux, dont chaque jour donnait aux gens et au monde des visions et des idées ? Il prévoyait le sort terrible de ses créations : la destruction de la Cène, la fusillade du monument à Francesca Sforza, le faible commerce et le vol ignoble de ses journaux et cahiers d'exercices. Seulement seize au total peintures a survécu jusqu'à ce jour. Peu de sculptures. Mais il y avait beaucoup de dessins, des dessins codés : comme les héros de la science-fiction moderne, il modifiait un détail de son dessin, comme pour qu'un autre ne puisse pas l'utiliser.

Léonard de Vinci a travaillé dans différents types et les genres d'art, mais la peinture lui a valu la plus grande renommée.

L'une des premières peintures de Léonard est la Madone à la Fleur ou Madone Benois. L'artiste agit déjà ici en véritable innovateur. Il brise les frontières parcelle traditionnelle et donne à l'image une signification plus large et universelle, qui est la joie et l'amour maternels. Dans cette œuvre, de nombreuses caractéristiques de l’art de l’artiste se sont clairement manifestées : une composition claire des figures et du volume des formes, un désir de brièveté et de généralisation, une expressivité psychologique.

La suite du thème commencé était le tableau « Madonna Litta », où une autre caractéristique du travail de l’artiste était clairement révélée : un jeu de contrastes. L'achèvement du thème était le tableau "Madonna in the Grotto", qui marquait la solution de composition idéale, grâce à laquelle les figures représentées de la Madone, du Christ et des anges se confondent avec le paysage en un tout unique, doté d'un équilibre et d'une harmonie calmes. .

L’un des sommets de l’œuvre de Léonard est la fresque « La Cène » située dans le réfectoire du monastère de Santa Maria Della Grazie. Ce travail n'est pas seulement incroyable composition globale, mais aussi la précision. Leonardo ne se contente pas de transmettre état psychologique apôtres, mais cela au moment où il atteint un point critique, se transforme en une explosion psychologique et un conflit. Cette explosion est provoquée par les paroles du Christ : « L’un de vous me trahira ». Dans cette œuvre, Léonard a pleinement utilisé la technique de comparaison spécifique des figures, grâce à laquelle chaque personnage apparaît comme une individualité et une personnalité uniques.

Le deuxième summum de la créativité de Leonard fut le célèbre portrait de Mona Lisa, ou La Joconde. Cette œuvre a marqué le début du genre portrait psychologique V art européen. Lors de sa création, le grand maître a utilisé avec brio tout l'arsenal des moyens d'expression artistique : contrastes nets et demi-teintes douces, immobilité figée et fluidité et variabilité générales, les nuances et transitions psychologiques les plus fines. Tout le génie de Léonard réside dans le regard étonnamment vivant de la Joconde, son aspect mystérieux et sourire mystérieux, une brume mystique recouvrant le paysage. Cette œuvre est l’un des chefs-d’œuvre les plus rares de l’art.

Tous ceux qui ont vu « La Joconde » rapportée du Louvre à Moscou se souviennent des moments de leur surdité totale près de cette petite toile, de la tension du meilleur en eux-mêmes. Gioconda semblait être un « Martien », un représentant de l'inconnu - probablement l'avenir, et non le passé de la tribu humaine, l'incarnation de l'harmonie, dont le monde ne se lasse pas et ne se lassera jamais de rêver.

On peut en dire beaucoup plus sur lui. Surpris que ce ne soit pas une fiction ou un fantasme. Par exemple, vous vous souvenez de la façon dont il a proposé de déplacer la cathédrale de San Giovanni - un tel travail nous étonne, nous, habitants du XXe siècle.

Léonard a dit : " Bon artiste doit être capable d'écrire deux choses principales : une personne et une représentation de son âme. Ou est-ce dit de « Colombine » de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg ? Certains chercheurs l’appellent, et non la toile du Louvre, « La Gioconda ».

Boy Nardo, tel était son nom dans Vinci : le fils illégitime d'un notaire littéraire qui considérait les meilleures créatures sur Terre d'oiseaux et de chevaux. Bien-aimé de tous et solitaire, qui pliait des épées d'acier et peignait des pendus. Il invente un pont sur le Bosphore et une ville idéale, plus belle que celles du Corbusier et de Niemeyer. Il a chanté avec un doux baryton et a fait sourire la Joconde. Dans l’un de ses derniers carnets, cet homme chanceux écrivait : « Il me semblait que j’apprenais à vivre, mais j’apprenais à mourir. » Cependant, il a ensuite résumé la situation : « Une vie bien vécue est une longue vie. »

Est-il possible d'être en désaccord avec Leonardo ?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli est né à Florence en 1445 dans la famille d'un tanneur de cuir.

Premier dans le temps œuvre originale L’œuvre de Botticelli est considérée comme « L’Adoration des Mages » (vers 1740), où les principales propriétés de sa manière originale – la rêverie et la poésie subtile – se reflétaient déjà pleinement. Il était doué d'un sens inné de la poésie, mais une nette touche de tristesse contemplative le parcourait littéralement dans tout. Même saint Sébastien, tourmenté par les flèches de ses bourreaux, semble pensif et détaché de lui.

À la fin des années 1470, Botticelli se rapproche du cercle du souverain de facto de Florence, Lorenzo Médicis, surnommé le Magnifique. Dans les luxueux jardins de Lorenzo, se rassemblait une société de personnes, probablement les plus éclairées et les plus talentueuses de Florence. Il y avait là des philosophes, des poètes et des musiciens. Une atmosphère d'admiration pour la beauté régnait, et non seulement la beauté de l'art était valorisée, mais aussi la beauté de la vie. En tant que prototype art parfait Et vie idéale L’Antiquité a été considérée, mais perçue, à travers le prisme de strates philosophiques ultérieures. Sans aucun doute, sous l'influence de cette atmosphère, le premier grande image Botticelli "Primavera (Printemps)". C’est une allégorie onirique, exquise et merveilleusement belle du cycle éternel, du renouvellement constant de la nature. Il est imprégné d’un rythme musical complexe et fantaisiste. La figure de Flore, décorée de fleurs, grâces dansantes dans le jardin d'Eden, ils représentaient des images d'une beauté jamais vue à cette époque et produisaient donc une impression particulièrement captivante. Le jeune Botticelli prend immédiatement une place de choix parmi les maîtres de son temps.

C’est la grande réputation du jeune peintre qui lui valut une commande de fresques bibliques pour la chapelle Sixtine du Vatican, qu’il créa au début des années 1480 à Rome. Il a écrit « Scènes de la vie de Moïse », « Le châtiment de Coré, Dathan et Abiron », démontrant une étonnante compétence de composition. Le calme classique des bâtiments anciens, contre lesquels Botticelli oppose l'action, contraste fortement avec le rythme dramatique des personnages et des passions représentés ; le mouvement des corps humains est complexe, déroutant, saturé de force explosive ; on a l'impression d'ébranler l'harmonie, l'impuissance du monde visible face à la pression rapide du temps et de la volonté humaine. Les fresques de la Chapelle Sixtine expriment pour la première fois la profonde anxiété qui habite l’âme de Botticelli, et qui se renforce au fil du temps. Ces mêmes fresques reflètent l'étonnant talent de portraitiste de Botticelli : chacun des nombreux visages peints est tout à fait original, unique et inoubliable...

Dans les années 1480, de retour à Florence, Botticelli continue à travailler sans relâche, mais la clarté paisible de la Primera est déjà loin derrière lui. Au milieu de la décennie, il écrit son célèbre "Naissance de Vénus". Les chercheurs notent dans travaux ultérieurs maître d'un moralisme et d'une exaltation religieuse qui lui étaient inhabituels auparavant.

Les dessins de Botticelli des années 90 sont peut-être plus significatifs que la peinture tardive - illustrations pour " Comédie divine»Dante. Il peignait avec un plaisir évident et non dissimulé ; les visions du grand poète sont transmises avec amour et soin par les proportions parfaites de nombreuses figures, l'organisation réfléchie de l'espace, l'ingéniosité inépuisable dans la recherche d'équivalents visuels du mot poétique...

Malgré les tempêtes et les crises mentales, Botticelli resta jusqu'au bout un grand artiste, maître de son art (il mourut en 1510). En témoigne clairement la noble sculpture du visage dans le « Portrait de jeune homme », une caractéristique expressive du modèle qui ne laisse aucun doute sur sa taille. la dignité humaine, le dessin solide du maître et son regard amical.

La Renaissance est un phénomène phénoménal dans l’histoire de l’humanité. Jamais plus il n’y a eu d’éclosion aussi brillante dans le domaine de l’art. Sculpteurs, architectes et artistes de la Renaissance (leur liste est longue, mais nous aborderons les plus célèbres), dont les noms sont connus de tous, ont donné au monde une valeur inestimable Des personnes uniques et exceptionnelles qui se sont montrées non pas dans un domaine, mais dans plusieurs immediatement.

Peinture du début de la Renaissance

L'époque de la Renaissance a une temporalité relative. Cela a commencé en Italie - 1420-1500. À l’heure actuelle, la peinture et l’art en général ne sont pas très différents du passé récent. Cependant, des éléments empruntés à l’Antiquité classique commencent à apparaître pour la première fois. Et ce n'est que dans les années suivantes que les sculpteurs, architectes et artistes de la Renaissance (dont la liste est très longue), sous l'influence des conditions de vie modernes et des tendances progressistes, abandonnèrent finalement les fondements médiévaux. Ils embarquent avec audace meilleurs échantillons art ancien pour leurs œuvres, tant en général que dans les détails individuels. Leurs noms sont connus de beaucoup ; concentrons-nous sur les personnalités les plus marquantes.

Masaccio - le génie de la peinture européenne

C'est lui qui a contribué énorme contribution dans le développement de la peinture, devenant un grand réformateur. Le maître florentin est né en 1401 dans une famille d'artisans artistiques, le sens du goût et l'envie de créer étaient donc dans son sang. À l'âge de 16-17 ans, il s'installe à Florence, où il travaille dans des ateliers. Donatello et Brunelleschi, grands sculpteurs et architectes, sont à juste titre considérés comme ses professeurs. La communication avec eux et les compétences adoptées ne pouvaient qu'affecter le jeune peintre. Dès le début, Masaccio emprunte une nouvelle compréhension de la personnalité humaine, caractéristique de la sculpture. Le deuxième maître possède les bases : les chercheurs considèrent comme la première œuvre fiable le « Triptyque de San Giovenale » (sur la première photo), découvert dans une petite église près de la ville natale de Masaccio. L'œuvre principale sont les fresques consacrées à l'histoire de la vie de Saint-Pierre. L'artiste a participé à la création de six d'entre eux, à savoir : « Le Miracle du Statir », « Expulsion du Paradis », « Baptême des Néophytes », « Distribution des biens et mort d'Ananias », « Résurrection du Fils de Théophile ». », « Saint Pierre guérit les malades avec son ombre » et « Saint Pierre en chaire ».

Les artistes italiens de la Renaissance étaient des gens qui se consacraient entièrement à l'art, sans prêter attention aux problèmes quotidiens ordinaires, ce qui les conduisait parfois à une existence pauvre. Masaccio ne fait pas exception : le brillant maître meurt très tôt, à l'âge de 27-28 ans, laissant derrière lui de grandes œuvres et un grand nombre de dettes.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Il s'agit d'un représentant de l'école de peintres padouane. Il a reçu les bases de son métier de son père adoptif. Le style s'est formé sous l'influence des œuvres de Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello et de la peinture vénitienne. Cela a déterminé les manières quelque peu dures et dures d'Andrea Mantegna par rapport aux Florentins. Il était un collectionneur et un connaisseur d'œuvres culturelles de la période antique. Grâce à son style pas comme les autres, il est devenu célèbre en tant qu'innovateur. Son plus oeuvres célébres: « Christ mort », « Triomphe de César », « Judith », « Bataille des divinités marines », « Parnasse » (photo), etc. De 1460 jusqu'à sa mort, il travailla comme peintre de la cour des ducs de Gonzague.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Botticelli est un pseudonyme, son vrai nom est Filipepi. Il n’a pas choisi d’emblée la voie d’un artiste, mais a d’abord étudié l’artisanat de la joaillerie. Premièrement travail indépendant(plusieurs Madones) l'influence de Masaccio et Lippi se fait sentir. Plus tard, il se fit également un nom comme portraitiste ; la majeure partie des commandes provenait de Florence. Le caractère raffiné et sophistiqué de ses œuvres avec des éléments de stylisation (généralisation des images à l'aide de techniques conventionnelles - simplicité de forme, couleur, volume) le distingue des autres maîtres de l'époque. Contemporain de Léonard de Vinci et du jeune Michel-Ange, il a laissé une marque éclatante sur l'art mondial (« La Naissance de Vénus » (photo), « Printemps », « L'Adoration des Mages », « Vénus et Mars », « Noël » , etc.). Sa peinture est sincère et sensible, et son parcours de vie est complexe et tragique. La perception romantique du monde à un jeune âge a cédé la place au mysticisme et à l'exaltation religieuse à l'âge adulte. Les dernières années de sa vie, Sandro Botticelli a vécu dans la pauvreté et l'oubli.

Piero (Pietro) de la Francesca (1420-1492)

Peintre italien et autre représentant du début de la Renaissance, originaire de Toscane. Le style de l'auteur s'est formé sous l'influence de l'école de peinture florentine. En plus de son talent d'artiste, Piero della Francesca possédait des capacités exceptionnelles dans le domaine des mathématiques et y consacra les dernières années de sa vie, en essayant de les relier au grand art. Le résultat fut deux traités scientifiques : « De la perspective dans la peinture » et « Le livre des cinq corps réguliers ». Son style se distingue par la solennité, l'harmonie et la noblesse des images, l'équilibre de la composition, des lignes et une construction précises et une gamme douce de couleurs. Piero della Francesca possédait une connaissance étonnante de l'aspect technique de la peinture et des particularités de la perspective de l'époque, ce qui lui valut une grande autorité parmi ses contemporains. Les œuvres les plus célèbres : « L'Histoire de la reine de Saba », « La Flagellation du Christ » (photo), « Autel de Montefeltro », etc.

Peinture de la Haute Renaissance

Si la Proto-Renaissance et première époque a duré respectivement près d'un siècle et demi et un siècle, alors cette période ne couvre que quelques décennies (en Italie de 1500 à 1527). Ce fut un éclair brillant et éblouissant qui donna au monde toute une galaxie de personnes formidables, polyvalentes et brillantes. Toutes les branches de l’art allaient de pair, c’est pourquoi de nombreux maîtres étaient aussi des scientifiques, des sculpteurs, des inventeurs et pas seulement des artistes de la Renaissance. La liste est longue, mais l'apogée de la Renaissance a été marquée par les travaux de L. da Vinci, M. Buanarotti et R. Santi.

Le génie extraordinaire de Da Vinci

C’est peut-être la personnalité la plus extraordinaire et la plus marquante de l’histoire du monde. culture artistique. Il était un homme universel au sens plein du terme et possédait les connaissances et les talents les plus polyvalents. Artiste, sculpteur, théoricien de l'art, mathématicien, architecte, anatomiste, astronome, physicien et ingénieur, tout cela tourne autour de lui. De plus, dans chacun des domaines, Léonard de Vinci (1452-1519) s'est montré un innovateur. Seules 15 de ses peintures, ainsi que de nombreux croquis, ont survécu à ce jour. Possédant une énergie vitale étonnante et une soif de connaissances, il était impatient et fasciné par le processus d'apprentissage lui-même. Très jeune (20 ans), il se qualifie comme maître de la Guilde de Saint-Luc. Ses œuvres les plus importantes sont la fresque "La Cène", les peintures "Mona Lisa", "La Madone Benois" (photo ci-dessus), "La Dame à l'hermine", etc.

Les portraits d'artistes de la Renaissance sont rares. Ils préféraient laisser leurs images dans des peintures aux multiples visages. Ainsi, la controverse autour de l’autoportrait de Léonard de Vinci (photo) se poursuit encore aujourd’hui. Il existe des versions selon lesquelles il l'a fait à l'âge de 60 ans. Selon le biographe, artiste et écrivain Vasari, le grand maître mourait dans les bras de son ami proche Le roi François Ier dans son château du Clos-Lucé.

Raphaël Santi (1483-1520)

Artiste et architecte originaire d'Urbino. Son nom dans l'art est invariablement associé à l'idée de beauté sublime et d'harmonie naturelle. Pour assez courte vie(37 ans) il réalise de nombreux tableaux, fresques et portraits de renommée mondiale. Les sujets qu'il représentait étaient très divers, mais il fut toujours attiré par l'image de la Mère de Dieu. C'est à juste titre que Raphaël est appelé le « maître des Madones », notamment celles qu'il a peintes à Rome. Il a travaillé au Vatican de 1508 jusqu'à la fin de sa vie en tant qu'artiste officiel à la cour papale.

Très doué, comme beaucoup d'autres grands artistes de la Renaissance, Raphaël était également architecte et a également travaillé fouilles archéologiques. Selon une version, le dernier hobby serait en lien direct avec mort prématurée. Vraisemblablement, il a contracté la fièvre romaine lors des fouilles. Le grand maître a été enterré au Panthéon. La photo est son autoportrait.

Michel-Ange Buoanarroti (1475-1564)

L'homme de 70 ans était brillant, il a laissé à ses descendants des créations impérissables non seulement de peinture, mais aussi de sculpture. Comme d'autres grands artistes de la Renaissance, Michel-Ange a vécu à une époque pleine de événements historiques et des chocs. Son art est une merveilleuse note finale de toute la Renaissance.

Le maître a placé la sculpture au-dessus de tous les autres arts, mais par la volonté du destin, il est devenu un peintre et un architecte hors pair. Son œuvre la plus ambitieuse et la plus extraordinaire est le tableau (photo) du palais du Vatican. La superficie de la fresque dépasse 600 mètres carrés et contient 300 figures humaines. La scène la plus impressionnante et la plus familière est la scène du Jugement dernier.

Les artistes italiens de la Renaissance avaient des talents aux multiples facettes. Ainsi, peu de gens savent que Michel-Ange était aussi un excellent poète. Cette facette de son génie s'est pleinement manifestée vers la fin de sa vie. Environ 300 poèmes ont survécu à ce jour.

Peinture de la fin de la Renaissance

La dernière période couvre la période de 1530 à 1590-1620. Selon l'Encyclopedia Britannica, la Renaissance en tant que période historique s'est terminée avec la chute de Rome en 1527. À peu près à la même époque, la Contre-Réforme triomphait dans le sud de l'Europe. Le mouvement catholique regardait avec prudence toute pensée libre, y compris la glorification de la beauté du corps humain et la résurrection de l'art de la période antique, c'est-à-dire tout ce qui constituait les piliers de la Renaissance. Cela a abouti à un mouvement spécial - le maniérisme, caractérisé par la perte de l'harmonie du spirituel et du physique, de l'homme et de la nature. Mais même en cette période difficile, certains artistes célèbres La Renaissance a créé ses chefs-d'œuvre. Parmi eux figurent Antonio da Correggio (considéré comme le fondateur du classicisme et du palladianisme) et Titien.

Titien Vecellio (1488-1490 - 1676)

Il est à juste titre considéré comme un titan de la Renaissance, aux côtés de Michel-Ange, Raphaël et de Vinci. Avant même d’avoir 30 ans, Titien avait acquis la réputation de « roi des peintres et peintre des rois ». L'artiste a principalement peint des tableaux sur des thèmes mythologiques et bibliques ; il est en outre devenu célèbre comme un excellent portraitiste. Les contemporains croyaient qu’être capturé par le pinceau d’un grand maître signifiait acquérir l’immortalité. Et c’est effectivement le cas. Les ordres adressés à Titien provenaient des personnes les plus vénérées et les plus nobles : papes, rois, cardinaux et ducs. Voici quelques-unes de ses œuvres les plus célèbres : « Vénus d'Urbino », « L'Enlèvement d'Europe » (photo), « Porter la croix », « Couronne d'épines », « Madone de Pesaro », « Femme au miroir ». ", etc.

Rien n'est répété deux fois. L’époque de la Renaissance a donné à l’humanité des personnalités brillantes et extraordinaires. Leurs noms sont inscrits en lettres d’or dans l’histoire mondiale de l’art. Architectes et sculpteurs, écrivains et artistes de la Renaissance, la liste est très longue. Nous n’avons évoqué que les titans qui ont marqué l’histoire et apporté les idées des Lumières et de l’humanisme au monde.

Renaissance - traduit du français signifie "Renaissance". C’est exactement ce qu’ils appelaient une époque entière, symbolisant l’épanouissement intellectuel et artistique de la culture européenne. La Renaissance a commencé en Italie au début du XIVe siècle, marquant la fin de l'ère du déclin culturel et du Moyen Âge), fondée sur la barbarie et l'ignorance, et, en se développant, elle a atteint son apogée au XVIe siècle.

Pour la première fois, un historiographe, peintre et auteur d'ouvrages sur la vie d'origine italienne a écrit sur la Renaissance artistes célèbres, sculpteurs et architectes du début du XVIe siècle.

Initialement, le terme « Renaissance » désignait une certaine période (le début du XIVe siècle) de formation d'une nouvelle vague d'art. Mais au fil du temps, ce concept a acquis une interprétation plus large et a commencé à désigner toute une ère de développement et de formation d'une culture opposée à la féodalité.

La période de la Renaissance est étroitement associée à l'émergence de nouveaux styles et techniques de peinture en Italie. Il y a un intérêt à images anciennes. La laïcité et l’anthropocentrisme font partie intégrante des sculptures et des peintures de cette époque. L'époque de la Renaissance remplace l'ascèse qui caractérisait l'époque médiévale. Un intérêt pour tout ce qui est mondain, pour la beauté illimitée de la nature et, bien sûr, pour l'homme vient. Les artistes de la Renaissance ont abordé la vision du corps humain avec point scientifique vision, ils essaient de tout régler dans les moindres détails. Les images deviennent réalistes. La peinture est pleine de style unique. Elle a établi les canons de base du goût en art. Un nouveau concept de vision du monde appelé « humanisme » se répand largement, selon lequel l'homme est considéré comme la valeur la plus élevée.

Période Renaissance

L'esprit d'épanouissement s'exprime largement dans les peintures de cette époque et remplit la peinture d'une sensualité particulière. La Renaissance relie la culture à la science. Les artistes ont commencé à considérer l’art comme une branche du savoir, étudiant en profondeur la physiologie humaine et le monde qui l’entoure. Cela a été fait afin d'afficher de manière plus réaliste la vérité sur la création de Dieu et les événements qui se déroulent sur leurs toiles. Une grande attention a été accordée à la représentation de sujets religieux, qui ont acquis un contenu terrestre grâce à l'habileté de génies tels que Léonard de Vinci.

Il y a cinq étapes dans le développement de l'art de la Renaissance italienne.

International (tribunal) gothique

Né au début du XIIIe siècle, le gothique de cour (ducento) se caractérise par un excès de couleurs, de faste et de prétention. Le principal type de peintures est la miniature représentant des scènes d’autel. Les artistes utilisent des peintures à la détrempe pour créer leurs peintures. La Renaissance est riche de représentants célèbres de cette période, comme par exemple les peintres italiens Vittore Carpaccio et Sandro Botticelli.

Période pré-Renaissance (Proto-Renaissance)

L'étape suivante, considérée comme anticipant la Renaissance, est appelée la Proto-Renaissance (trecento) et se produit à la fin du XIIIe - début du XIVe siècle. En lien avec le développement rapide de la vision humaniste du monde, la peinture de cette période historique révèle monde intérieur une personne, son âme, a un profond signification psychologique, mais a en même temps une structure simple et claire. Les intrigues religieuses passent au second plan, les intrigues laïques deviennent principales, et le personnage principal est une personne avec ses sentiments, ses expressions faciales et ses gestes. Les premiers portraits apparaissent Renaissance italienne, prenant la place des icônes. Les artistes célèbres de cette période sont Giotto, Pietro Lorenzetti.

Début de la Renaissance

Au début commence l’étape du début de la Renaissance (quattrocento), symbolisant l’épanouissement de la peinture avec l’absence de sujets religieux. Les visages des icônes prennent une apparence humaine et le paysage, en tant que genre en peinture, occupe une niche à part. Le fondateur de la culture artistique du début de la Renaissance est Mosaccio, dont le concept est basé sur l'intellectualité. Ses peintures ont un grand réalisme. Les grands maîtres ont exploré le linéaire et perspective aérienne, l'anatomie et les connaissances utilisées dans leurs créations, dans lesquelles vous pouvez voir l'espace tridimensionnel correct. Les représentants du début de la Renaissance sont Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

Haute Renaissance, ou « Âge d'Or »

À partir de la fin du XVe siècle commence l’étape de la haute Renaissance (cinquecento) qui dure relativement peu de temps, jusqu’au début du XVIe siècle. Venise et Rome en sont devenues les centres. Les artistes élargissent leurs horizons idéologiques et s'intéressent à l'espace. L’homme apparaît comme un héros, parfait tant spirituellement que physiquement. Les figures de cette époque sont Léonard de Vinci, Raphaël, Titien Vecellio, Michelangelo Buonarrotti et d'autres. Grand artiste Léonard de Vinci était un « homme universel » et il était en recherche constante vérité. Être impliqué dans la sculpture, le théâtre, divers expériences scientifiques, il parvient à trouver du temps pour peindre. La création "Madonna of the Rocks" reflète clairement le style clair-obscur créé par le peintre, où la combinaison de la lumière et de l'ombre crée un effet tridimensionnel, et la célèbre "La Giaconda" est réalisée selon la technique du "smuffato", créant le illusion de brume.

Fin de la Renaissance

À la fin de la Renaissance, qui tombe sur début du XVIe siècle, la ville de Rome fut capturée et pillée par les troupes allemandes. Cet événement a marqué le début d’une ère d’extinction. Le centre culturel romain a cessé d'être le mécène des personnages les plus célèbres et ceux-ci ont été contraints de partir vers d'autres villes d'Europe. En raison de l'incohérence croissante des points de vue entre la foi chrétienne et l'humanisme à la fin du XVe siècle, le maniérisme est devenu le style prédominant qui caractérise la peinture. La Renaissance touche progressivement à sa fin, car la base de ce style est considérée comme une belle manière qui éclipse les idées sur l'harmonie du monde, la vérité et la toute-puissance de la raison. La créativité devient complexe et prend les traits d'une confrontation entre différentes directions. Des œuvres brillantes appartiennent à des artistes aussi célèbres que Paolo Véronèse, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

L'Italie est devenue centre culturel peinture et a offert au monde des artistes brillants de cette période, dont les peintures évoquent encore aujourd'hui un plaisir émotionnel.

Outre l’Italie, le développement de l’art et de la peinture occupait une place importante dans d’autres pays européens. Ce mouvement a reçu ce nom. Il convient particulièrement de noter la peinture de la France à la Renaissance, qui s'est développée sur son propre sol. La fin de la guerre de Cent Ans a provoqué une prise de conscience universelle et le développement de l’humanisme. Il y a du réalisme, du lien avec savoir scientifique, attirance pour les images de l’Antiquité. Toutes les caractéristiques énumérées le rapprochent de l'italien, mais la présence d'une note tragique dans les peintures constitue une différence significative. Les artistes célèbres de la Renaissance en France sont Enguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet l'Ancien.

7 août 2014

Les étudiants des universités d'art et les personnes intéressées par l'histoire de l'art savent qu'au tournant des XIVe et XVe siècles, il y a eu un changement radical dans la peinture - la Renaissance. Vers les années 1420, tout le monde devint soudainement meilleur en dessin. Pourquoi les images sont-elles soudainement devenues si réalistes et détaillées, et pourquoi la lumière et le volume sont-ils apparus dans les peintures ? À ce sujet pendant longtemps personne n'y a pensé. Jusqu'à ce que David Hockney prenne une loupe.

Découvrons ce qu'il a découvert...

Un jour, il regardait les dessins de Jean Auguste Dominique Ingres, chef de file de l'école académique française du XIXe siècle. Hockney s'est intéressé à voir ses petits dessins à plus grande échelle et les a agrandis sur un photocopieur. C'est ainsi qu'il découvre la face secrète de l'histoire de la peinture depuis la Renaissance.

Après avoir photocopié les petits dessins d'Ingres (environ 30 centimètres), Hockney était étonné de leur réalisme. Et il lui semblait aussi que les vers d’Ingres étaient quelque chose pour lui.
rappeler. Il s'est avéré qu'elles lui rappelaient les œuvres de Warhol. Et Warhol a fait cela : il a projeté une photo sur une toile et l'a décrite.

A gauche : détail du dessin d'Ingres. À droite : dessin de Warhol représentant Mao Zedong

Des trucs intéressants, dit Hockney. Apparemment, Ingres a utilisé Camera Lucida - un appareil qui est une structure avec un prisme monté, par exemple, sur un support sur une tablette. Ainsi, l'artiste, regardant son dessin d'un œil, voit l'image réelle, et de l'autre, le dessin lui-même et sa main. Il s'avère illusion d'optique, vous permettant de transférer avec précision les proportions réelles sur papier. Et c'est précisément la « garantie » du réalisme de l'image.

Dessiner un portrait à l'aide d'une camera lucida, 1807

Puis Hockney s’est sérieusement intéressé à ce type de dessins et de peintures « optiques ». Dans son atelier, lui et son équipe ont accroché aux murs des centaines de reproductions de peintures créées au fil des siècles. Des œuvres qui semblaient « réelles » et d’autres qui ne l’étaient pas. En les classant par époque de création et région - nord en haut, sud en bas, Hockney et son équipe ont constaté un changement radical dans la peinture au tournant des XIVe et XVe siècles. En général, tous ceux qui connaissent ne serait-ce qu'un peu l'histoire de l'art le savent : la Renaissance.

Peut-être ont-ils utilisé la même caméra-lucida ? Il a été breveté en 1807 par William Hyde Wollaston. Bien qu'en fait, un tel dispositif ait été décrit par Johannes Kepler en 1611 dans son ouvrage Dioptrice. Alors peut-être ont-ils utilisé un autre appareil optique – une camera obscura ? On le connaît depuis l'époque d'Aristote et c'est une pièce sombre dans laquelle la lumière entre par un petit trou et ainsi dans la pièce sombre on obtient une projection de ce qui se trouve devant le trou, mais inversée. Tout irait bien, mais l'image obtenue lorsqu'elle est projetée par un sténopé sans objectif, c'est un euphémisme, n'est pas de haute qualité, elle n'est pas claire, cela demande beaucoup lumière brillante, sans parler de la taille de la projection. Mais jusqu'au XVIe siècle, il était presque impossible de fabriquer des objectifs de haute qualité, car il n'existait à cette époque aucun moyen d'obtenir un verre d'une telle qualité. Les affaires, pensait Hockney, qui à cette époque était déjà aux prises avec le problème du physicien Charles Falco.

Il existe cependant un tableau de Jan Van Eyck, un maître brugeois, peintre flamand de l'époque. début de la renaissance, - dans lequel l'indice est caché. Le tableau s'appelle "Portrait du couple Arnolfini".

Jan Van Eyck "Portrait du couple Arnolfini" 1434

Le tableau brille tout simplement par une énorme quantité de détails, ce qui est assez intéressant, car il n'a été peint qu'en 1434. Et le miroir est un indice sur la façon dont l'auteur a réussi à faire un si grand pas en avant dans le réalisme de l'image. Et aussi un chandelier - incroyablement complexe et réaliste.

Hockney débordait de curiosité. Il a obtenu une copie d'un tel lustre et a essayé de le dessiner. L’artiste a été confronté au fait qu’une chose aussi complexe est difficile à mettre en perspective. Un de plus point important il y avait la matérialité de l'image de cet objet métallique. Lors de la représentation d'un objet en acier, il est très important de positionner les reflets de la manière la plus réaliste possible, car cela donne un grand réalisme. Mais le problème avec ces reflets est qu'ils bougent lorsque l'œil du spectateur ou de l'artiste bouge, ce qui signifie qu'ils ne sont pas du tout faciles à capturer. ET image réaliste le métal et l'éblouissement - ça aussi caractéristique peintures de la Renaissance, avant cela, les artistes n'avaient même pas essayé de le faire.

En recréant un modèle 3D précis du lustre, l'équipe de Hockney s'est assurée que le lustre du portrait d'Arnolfini était dessiné avec précision en perspective avec un seul point de fuite. Mais le problème était que des instruments optiques aussi précis qu’une chambre noire avec un objectif n’existaient qu’environ un siècle après la création du tableau.

Fragment du tableau de Jan Van Eyck "Portrait du couple Arnolfini" 1434

Le fragment agrandi montre que le miroir du tableau « Portrait du couple Arnolfini » est convexe. Cela signifie qu'il y avait aussi des miroirs au contraire - concaves. De plus, à cette époque, de tels miroirs étaient fabriqués de cette manière: une sphère de verre était prise et son fond était recouvert d'argent, puis tout sauf le fond était coupé. L’arrière du miroir n’était pas obscurci. Cela signifie que le miroir concave de Jan Van Eyck pourrait être le même miroir représenté dans le tableau, juste du côté inverse. Et tout physicien sait qu’un tel miroir, lorsqu’il est réfléchi, projette une image de ce qui est réfléchi. C'est là que son ami physicien Charles Falco a aidé David Hockney dans ses calculs et ses recherches.

Un miroir concave projette sur la toile une image de la tour à l'extérieur de la fenêtre.

La partie claire et ciblée de la projection mesure environ 30 centimètres carrés, ce qui correspond exactement à la taille des têtes de nombreux portraits de la Renaissance.

Hockney esquisse la projection d'un homme sur toile

C'est la taille, par exemple, du portrait du « Doge Leonardo Loredan » de Giovanni Bellini (1501), du portrait d'homme de Robert Campin (1430), du portrait actuel de Jan Van Eyck « un homme au turban rouge ». » et de nombreux autres premiers portraits hollandais.

Portraits de la Renaissance

La peinture était un travail bien rémunéré et, bien entendu, tous les secrets d’affaires étaient gardés dans la plus stricte confidentialité. Il était bénéfique pour l'artiste que tous les non-initiés croyaient que les secrets étaient entre les mains du maître et ne pouvaient être volés. L'entreprise était fermée aux étrangers - les artistes étaient membres de la guilde, et elle comprenait également une variété d'artisans - depuis ceux qui fabriquaient des selles jusqu'à ceux qui fabriquaient des miroirs. Et dans la Guilde de Saint-Luc, fondée à Anvers et mentionnée pour la première fois en 1382 (des guildes similaires s'ouvrirent alors dans de nombreuses villes du nord, et l'une des plus importantes était la guilde de Bruges, la ville où vivait Van Eyck), il y avait aussi des maîtres fabriquant des miroirs. .

C'est ainsi que Hockney a recréé la façon dont un lustre complexe d'un tableau de Van Eyck pourrait être peint. Il n'est pas du tout surprenant que la taille du lustre projeté par Hockney corresponde exactement à la taille du lustre du tableau « Portrait du couple Arnolfini ». Et bien sûr, les reflets sur le métal - sur la projection, ils restent immobiles et ne changent pas lorsque l'artiste change de position.

Mais le problème n'est pas encore complètement résolu, car l'avènement de l'optique de haute qualité, nécessaire pour utiliser une chambre noire, était dans 100 ans et la taille de la projection obtenue à l'aide d'un miroir est très petite. Comment peindre des tableaux de plus de 30 centimètres carrés ? Ils ont été créés comme un collage – à bien des égards, c’était comme une vision sphérique avec de nombreux points de fuite. Hockney l'a compris parce qu'il a lui-même réalisé de telles images - il a réalisé de nombreux collages de photos qui obtiennent exactement le même effet.

Près d'un siècle plus tard, dans les années 1500, il devint enfin possible d'obtenir et de traiter correctement le verre : de grandes lentilles apparurent. Et ils pourraient enfin être insérés dans une chambre obscure, dont le principe de fonctionnement était connu depuis l'Antiquité. La camera obscura avec objectif a été une révolution incroyable dans arts visuels, puisque désormais la projection pourrait être de n'importe quelle taille. Et encore une chose, maintenant l'image n'était plus "grand angle", mais à peu près d'aspect normal - c'est-à-dire à peu près la même qu'elle est aujourd'hui lorsqu'elle est photographiée avec un objectif avec distance focale 35-50mm.

Cependant, le problème lié à l’utilisation d’un sténopé avec un objectif est que la projection vers l’avant de l’objectif est une image miroir. Cela a conduit un grand nombre de peintres gauchers aux premiers stades de l'utilisation de l'optique. Comme dans ce tableau des années 1600 du musée Frans Hals, où un couple gaucher danse, un vieil homme gaucher leur fait signe du doigt et un singe gaucher regarde sous la robe de la femme.

Tout le monde sur cette photo est gaucher

Le problème est résolu en installant un miroir vers lequel la lentille est dirigée, obtenant ainsi la projection correcte. Mais apparemment, un bon miroir, lisse et grand, coûtait très cher, donc tout le monde ne l'avait pas.

Un autre problème était la concentration. Le fait est que certaines parties de l’image, à un endroit de la toile sous les rayons de projection, étaient floues et floues. Dans les œuvres de Jan Vermeer, où l'utilisation de l'optique est assez évidente, ses œuvres ressemblent généralement à des photographies, on peut également remarquer des endroits flous. Vous pouvez même voir le motif produit par l’objectif – le fameux « bokeh ». Comme ici, par exemple, dans le tableau « La Laitière » (1658), le panier, le pain qu'il contient et le vase bleu sont flous. Mais l’œil humain ne peut pas voir « flou ».

Certaines parties de l'image sont floues

Et à la lumière de tout cela, il n'est pas du tout surprenant qu'un bon ami de Jan Vermeer soit Anthony Phillips van Leeuwenhoek, scientifique et microbiologiste, ainsi que maître unique, qui a créé ses propres microscopes et lentilles. Le scientifique est devenu l'intendant posthume de l'artiste. Cela suggère que Vermeer a représenté son ami sur deux toiles - "Géographe" et "Astronome".

Afin de voir n'importe quelle partie mise au point, vous devez changer la position de la toile sous les rayons de projection. Mais dans ce cas, des erreurs de proportions sont apparues. Comme vous pouvez le voir ici : l'énorme épaule de "Anthéa" de Parmigianino (vers 1537), la petite tête de "Lady Genovese" d'Anthony Van Dyck (1626), les immenses jambes d'un paysan dans un tableau de Georges de La Tour .

Erreurs de proportions

Bien entendu, tous les artistes utilisaient les objectifs différemment. Certains pour des croquis, d'autres compilés à partir de Différents composants- après tout, il était désormais possible de faire un portrait, et de terminer tout le reste avec un autre modèle ou même avec un mannequin.

Il n'y a presque aucun dessin laissé par Velazquez. Cependant, son chef-d'œuvre est resté : un portrait du pape Innocent X (1650). Il y a un merveilleux jeu de lumière sur le manteau du pape – évidemment en soie. Blikov. Et pour écrire tout cela d’un seul point de vue, il a fallu beaucoup d’efforts. Mais si vous faites une projection, alors toute cette beauté ne s'enfuira nulle part - les reflets ne bougent plus, vous pouvez peindre avec ces traits larges et rapides comme ceux de Velasquez.

Hockney reproduit le tableau de Velazquez

Par la suite, de nombreux artistes purent s’offrir une camera obscura, et celle-ci cessa d’être grand secret. Canaletto a activement utilisé l'appareil photo pour créer ses vues de Venise et ne l'a pas caché. Ces peintures, de par leur exactitude, nous permettent de parler de Canaletto en tant que documentariste. Grâce à Canaletto, vous pouvez voir bien plus que belle photo, mais aussi l'histoire elle-même. Vous pouvez voir à quoi ressemblait le premier pont de Westminster à Londres en 1746.

Canaletto "Pont de Westminster" 1746

L'artiste britannique Sir Joshua Reynolds possédait une camera obscura et n'en a apparemment parlé à personne, car son appareil photo se plie et ressemble à un livre. Aujourd'hui, il se trouve au London Science Museum.

Camera obscura déguisée en livre

Enfin, au début du XIXe siècle, William Henry Fox Talbot, utilisant une camera lucida - celle dans laquelle il faut regarder d'un seul œil et dessiner avec les mains - maudit, décidant qu'il fallait mettre fin à un tel inconvénient une fois pour toutes, et devint l'un des inventeurs de la photographie chimique, puis un vulgarisateur qui la rendit massive.

Avec l'invention de la photographie, le monopole de la peinture sur le réalisme du tableau a disparu ; aujourd'hui, la photographie est devenue un monopole. Et ici, enfin, la peinture s'est libérée de l'objectif, poursuivant le chemin d'où elle s'est détournée dans les années 1400, et Van Gogh est devenu le précurseur de tout l'art du 20e siècle.

A gauche : Mosaïque byzantine du XIIe siècle. À droite : Vincent Van Gogh, Portrait de Monsieur Trabuc, 1889.

L’invention de la photographie est la meilleure chose qui soit arrivée à la peinture dans toute son histoire. Il n'était plus nécessaire de créer exclusivement de vraies photos, l'artiste est devenu libre. Bien sûr, il a fallu un siècle au public pour rattraper les artistes dans leur compréhension de la musique visuelle et cesser de penser que des gens comme Van Gogh étaient « fous ». Dans le même temps, les artistes ont commencé à utiliser activement les photographies comme « matériel de référence" Puis sont apparus des gens comme Vassily Kandinsky, l’avant-garde russe, Mark Rothko, Jackson Pollock. Après la peinture, l'architecture, la sculpture et la musique se libèrent également. Certes, l'école académique russe de peinture est coincée dans le temps, et aujourd'hui, dans les académies et les écoles, il est toujours considéré comme une honte d'utiliser la photographie comme aide, et l'exploit le plus élevé est considéré comme la capacité purement technique de peindre de la manière la plus réaliste possible. à mains nues.

Grâce à un article du journaliste Lawrence Weschler, présent lors des recherches de David Hockney et Falco, un autre fait intéressant: Le portrait du couple Arnolfini par Van Eyck est le portrait d'un marchand italien de Bruges. M. Arnolfini est florentin et, en outre, il est un représentant de la banque Médicis (pratiquement les maîtres de Florence à la Renaissance, ils sont considérés comme des mécènes de l'art de cette époque en Italie). Qu'est-ce que cela signifie? Le fait qu'il aurait facilement pu emporter avec lui le secret de la guilde de Saint-Luc - le miroir - à Florence, où, comme on le croit, histoire traditionnelle, et la Renaissance a commencé, et les artistes brugeois (et, par conséquent, d’autres maîtres) sont considérés comme des « primitivistes ».

La théorie de Hockney-Falco suscite de nombreuses controverses. Mais il y a certainement une part de vérité là-dedans. Quant aux critiques d’art, aux critiques et aux historiens, il est difficile d’imaginer combien d’ouvrages scientifiques sur l’histoire et l’art se sont révélés être un non-sens total, mais cela change toute l’histoire de l’art, toutes leurs théories et leurs textes.

Les faits liés à l'utilisation de l'optique n'enlèvent rien aux talents des artistes - après tout, la technologie est un moyen de transmettre ce que veut l'artiste. Et vice versa, le fait que ces peintures contiennent la réalité la plus réelle ne fait que leur ajouter du poids - après tout, c'est exactement à cela que ressemblaient les gens de cette époque, les choses, les locaux, les villes. Ce sont les vrais documents.

Les premiers précurseurs de l’art de la Renaissance apparaissent en Italie au XIVe siècle. Artistes de cette époque, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) et (notamment) Giotto (1267-1337) lors de la création de peintures sur des thèmes religieux traditionnels, ils commencèrent à utiliser de nouvelles techniques artistiques : construire une composition tridimensionnelle, en utilisant un paysage en arrière-plan, ce qui leur permettait de rendre les images plus réalistes et animées. Cela distinguait nettement leur travail de la tradition iconographique précédente, pleine de conventions dans l'image.
Le terme utilisé pour désigner leur créativité Proto-Renaissance (années 1300 - "Trecento") .

Giotto di Bondone (vers 1267-1337) - Artiste et architecte italien de l'époque Proto-Renaissance. L'un des personnages clés de l'histoire Art occidental. Ayant surmonté la tradition byzantine de la peinture d’icônes, il devient le véritable fondateur de l’école de peinture italienne et développe une toute nouvelle approche de la représentation de l’espace. Les œuvres de Giotto ont été inspirées par Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange.


Début de la Renaissance (1400 - Quattrocento).

Au début du XVe siècle Filippo Brunelleschi (1377-1446), scientifique et architecte florentin.
Brunelleschi voulait rendre plus visuelle la perception des bains et des théâtres qu'il a reconstruits et a essayé de créer des peintures géométriquement en perspective à partir de ses plans pour un point de vue spécifique. Lors de cette recherche, il a été découvert point de vue direct.

Cela a permis aux artistes d’obtenir des images parfaites d’un espace tridimensionnel sur une toile de peinture plate.

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Aux autres étape importante Sur le chemin de la Renaissance, l’émergence d’un art laïque et laïque. Le portrait et le paysage s’imposent comme des genres indépendants. Même les sujets religieux ont acquis une interprétation différente : les artistes de la Renaissance ont commencé à considérer leurs personnages comme des héros dotés de traits individuels prononcés et d'une motivation humaine pour agir.

Les artistes les plus célèbres de cette période sont Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello de Messine (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - célèbre peintre italien, le plus grand maître de l'école florentine, réformateur de la peinture de l'époque du Quattrocento.

Fresque. Miracle avec stair.

Peinture. Crucifixion.

Piero Della Francesco (1420-1492). Les œuvres du maître se distinguent par une solennité majestueuse, la noblesse et l'harmonie des images, des formes généralisées, l'équilibre de la composition, la proportionnalité, la précision des constructions en perspective et une palette douce pleine de lumière.

Fresque. L'histoire de la reine de Saba. Église de San Francesco à Arezzo

Sandro Botticelli(1445-1510) - grand peintre italien, représentant de l'école de peinture florentine.

Printemps.

Naissance de Vénus.

Haute Renaissance (« Cinquecento »).
La plus grande floraison de l'art de la Renaissance a eu lieu pour le premier quart du XVIe siècle.
Travaux Sansovino (1486-1570), Léonard de Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michel-Ange Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Titien (1477-1576), Antonio Corrège (1489-1534) constituent le fonds d'or de l'art européen.

Léonard de Ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Artiste (peintre, sculpteur, architecte) et scientifique italien (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain.

Autoportrait

Dame à l'hermine. 1490. Musée Czartoryski, Cracovie

Joconde (1503-1505/1506)

Léonard de Vinci a acquis une grande habileté dans la transmission des expressions faciales du visage et du corps humain, des méthodes de transmission de l'espace et de la construction d'une composition. En même temps, ses œuvres créent une image harmonieuse d'une personne qui répond aux idéaux humanistes.

Madone Litta. 1490-1491. Musée de l'Ermitage.

Madonna Benois (Madonna avec une fleur). 1478-1480

Madone à l'œillet. 1478

Au cours de sa vie, Léonard de Vinci a pris des milliers de notes et de dessins sur l'anatomie, mais n'a pas publié ses travaux. En disséquant les corps des personnes et des animaux, il a transmis avec précision la structure du squelette et les organes internes, y compris petites pièces. Selon le professeur d'anatomie clinique Peter Abrams, les travaux scientifiques de Léonard de Vinci étaient 300 ans en avance sur leur temps et, à bien des égards, supérieurs au célèbre Grey's Anatomy.

Liste des inventions, réelles et qui lui sont attribuées :

Parachute, pourChâteau d'Olestsovo, àvélo, tmerci, jeponts portables légers pour l'armée, pprojecteur, àatapulte, rles deux, dTélescope Vuhlens.

Ces innovations ont ensuite été développées Rafael Santi (1483-1520) - un grand peintre, graphiste et architecte, représentant de l'école ombrienne.

Autoportrait. 1483

Michel-Ange de Lodovico de Leonardo de Buonarroti Simoni(1475-1564) - sculpteur, artiste, architecte, poète, penseur italien.

Les peintures et sculptures de Michelangelo Buonarotti sont pleines d'un pathos héroïque et, en même temps, d'un sens tragique de la crise de l'humanisme. Ses peintures glorifient la force et la puissance de l'homme, la beauté de son corps, tout en soulignant sa solitude au monde.

Le génie de Michel-Ange a laissé sa marque non seulement sur l'art de la Renaissance, mais aussi sur tous les arts ultérieurs. culture mondiale. Ses activités sont principalement liées à deux villes italiennes - Florence et Rome.

Cependant, l'artiste a pu réaliser ses projets les plus ambitieux précisément dans la peinture, où il a agi comme un véritable innovateur de couleur et de forme.
Commandé par le pape Jules II, il peint le plafond de la chapelle Sixtine (1508-1512), représentant l'histoire biblique depuis la création du monde jusqu'au déluge et comprenant plus de 300 personnages. En 1534-1541 dans le même Chapelle Sixtine pour le pape Paul III, il a réalisé une fresque grandiose et dramatique « Le Jugement dernier ».
Chapelle Sixtine 3D.

Les œuvres de Giorgione et de Titien se distinguent par leur intérêt pour le paysage et la poétisation de l'intrigue. Les deux artistes ont acquis une grande maîtrise dans l'art du portrait, à l'aide duquel ils ont transmis le caractère et le riche monde intérieur de leurs personnages.

Giorgio Barbarelli de Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artiste italien, représentant de l'école de peinture vénitienne.

Vénus endormie. 1510

Judith. 1504g

Titien Vecellio (1488/1490-1576) - Peintre italien, le plus grand représentant de l'école vénitienne de la Haute et de la Fin de la Renaissance.

Titien a peint des peintures sur des sujets bibliques et mythologiques ; il est également devenu célèbre comme portraitiste. Il recevait des ordres des rois et des papes, des cardinaux, des ducs et des princes. Titien n'avait pas trente ans lorsqu'il fut reconnu comme le meilleur peintre de Venise.

Autoportrait. 1567

Vénus d'Urbino. 1538

Portrait de Tommaso Mosti. 1520

Fin de la Renaissance.
Après le sac de Rome par les forces impériales en 1527, la Renaissance italienne entre dans une période de crise. Déjà dans l'œuvre de feu Raphaël, une nouvelle ligne artistique se dessinait, appelée maniérisme.
Cette époque se caractérise par des lignes gonflées et brisées, des figures allongées voire déformées, des poses souvent nues, tendues et peu naturelles, des effets inhabituels ou bizarres liés à la taille, à l'éclairage ou à la perspective, l'utilisation d'une gamme chromatique caustique, une composition surchargée, etc. le maniérisme des premiers maîtres Parmigianino , Pontormo , Bronzino- a vécu et travaillé à la cour des ducs de la maison Médicis à Florence. La mode maniériste s’est ensuite répandue dans toute l’Italie et au-delà.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - « habitant de Parme ») (1503-1540) artiste et graveur italien, représentatif du maniérisme.

Autoportrait. 1540

Portrait d'une femme. 1530.

Pontormo (1494-1557) - Peintre italien, représentant de l'école florentine, l'un des fondateurs du maniérisme.


Dans les années 1590, l’art remplace le maniérisme baroque (chiffres de transition - Le Tintoret Et Le Greco ).

Jacopo Robusti, mieux connu sous le nom de Le Tintoret (1518 ou 1519-1594) - peintre de l'école vénitienne de la fin de la Renaissance.

Dernière Cène. 1592-1594. Église de San Giorgio Maggiore, Venise.

Le Greco ("Grec" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - Artiste espagnol. D'origine - Grec, originaire de l'île de Crète.
El Greco n'avait pas d'adeptes contemporains et son génie fut redécouvert près de 300 ans après sa mort.
El Greco a étudié dans l'atelier de Titien, mais sa technique de peinture diffère considérablement de celle de son professeur. Les œuvres d'El Greco se caractérisent par la rapidité et l'expressivité de l'exécution, qui les rapprochent de la peinture moderne.

Christ sur la croix. D'ACCORD. 1577. Collection privée.

Trinité. 1579 Prado.