Rogier van der Weyden (alias Roger de la Pastour, alias Zhora Lugovoi). Rogier van der Weyden – biographie et peintures de l'artiste du genre Renaissance du Nord – Art Challenge Trip to Italy

Le grand Flamand Rogier van der Weyden (1399 - 1464). Descente de croix

Le Grand Flamand c'est ainsi que l'appelait le roi Jean (Juan) II.
Castillan en 1445Rogier van der Weyden(néerlandais. Rogier van der
Weyden, 1399/1400, Tournai - 18 juin 1464, Bruxelles) un maître hors du commun
Peinture hollandaise. Rogier van der Weyden (Roger de la Pasture) - figurine
célèbre et mystérieux. Malgré le fait qu'il était l'un des plus éminents
artistes de la peinture flamande du XVe siècle, on sait très peu de choses sur sa vie. Avant
Nous n'avons pas reçu un seul tableau signé de lui, et celles de ses œuvres qui
mentionnés dans des documents, décrits de manière si approximative qu'ils sont impossibles
pour identifier. Ainsi, attribuant tel ou tel tableau au maître,
les critiques d’art sont contraints de s’appuyer exclusivement sur des preuves indirectes.
Seules quelques œuvres de Rogier van der Weyden - en particulier sur "Retrait de
croix", qui est maintenant conservée dans Musée de Madrid Prado, comme on dit dans l'époque contemporaine
les sources écrites sont suffisamment détaillées et précises. N'ajoute pas d'optimisme
historiens de l'art et le fait que pendant la Seconde Guerre mondiale
presque toutes les archives où l'on pouvait trouver quelque chose concernant la vie ont été perdues
maîtrise. Pour recréer une image au moins quelque peu complète et cohérente
chemin créatif Rogier van der Weyden, les historiens de l'art doivent travailler pièce par pièce
collecter des informations éparses et maigres sur lui. On pense que l'artiste est né
vers 1399 dans la ville francophone de Tournai, située sur
territoire de la Belgique moderne. Son père était un marchand de quincaillerie prospère
par Henri de la Pasture ("de la Pasture" est l'équivalent français
Flamand "van der Weyden" et traduit par "Lugovoy").

Descente de Croix (détail)

Descente de Croix (détail)

Descente de Croix (détail)
Autres traces
le peintre est perdu - jusqu'au 5 mars 1427. C'est cette date qui est datée
un document indiquant qu'"un certain Roger de la Pasture est entré
apprenti du maître Robert Campin." Le fait de l'apprentissage de Rogier chez Robert Campin (c. 1378-1444) ne provoque pas
chercheurs de doutes. Une chose est surprenante : en 1427, Rogir était déjà assez
un adulte. A 27-28 ans, les artistes contemporains avaient déjà découvert
propres ateliers, et Rogier commence tout juste à étudier.


Autel de la Vierge (autel de Miraflores), triptyque,
Forme générale.

Autel
Notre-Dame (Autel de Miraflores)(panneau de gauche) (panneau de droite)
Assez
il est possible que l'apprentissage de Kampen ait été unique pour notre héros
"mariage fictif". Les chercheurs suggèrent qu'en 1427, Rogier était déjà
un peintre pleinement établi, mais il est « faussement entré » à Campin uniquement pour le plaisir de
obtenir le statut officiel de maître. C'est ce qui s'est passé en 1432. Pour que
A cette époque, l'artiste avait déjà réussi à épouser la fille d'un riche cordonnier et
avoir un fils (on sait de lui qu'il devint moine et mourut en 1473).
Par la suite, Rogier van der Weyden et son épouse ont donné naissance à au moins
trois enfants, dont l'un, Peter (vers 1437-après 1514), suivit les traces
père.

Autel de Saint-Jean

Autel de Saint-Jean(détails)
Avoir reçu
titre de maître, Rogier connaît très vite le succès. En avril 1435, il était déjà
a déménagé sa famille à Bruxelles, qui était alors la capitale du duché de Brabant et
résidence officielle des ducs de Bourgogne. Et déjà en mai l'année prochaine son
appelé le principal peintre de la ville, à cette époque, Bruxelles avait confiance.
une commande sérieuse pour l'artiste. Rogier a dû en écrire quatre pour la mairie
panels sur le thème de la justice. Pendant deux cent cinquante ans, ils furent considérés
les meilleures œuvres du maître. Mais en 1695 ces panneaux étaient pratiquement
détruit lors du siège de Bruxelles par le maréchal de Villeroy. Maintenant nous pouvons composer
leur conception repose uniquement sur des copies conservées sous forme de tapisseries. Le premier de
Rogier a réalisé quatre panneaux pour l'Hôtel de Ville de Bruxelles en 1439 et travaille sur
le reste dura presque toutes les années 1440. Ce qui a le plus étonné le public, c'est
venus de toute l’Europe pour voir ces panneaux, un autoportrait « vivant »
Rogira, qu'il inclua dans la composition de l'un d'eux. Certains ont même dit que
il y a quelque chose d'infernal là-dedans, parce que le regard du peintre d'une manière incompréhensible
suivait le spectateur partout.


Triptyque familial. Mariage

Triptyque familial. Mariage(détail)
Rogier van der Weyden
(1399/1400-1464) a écrit « Triptyque familial. Mariage" après un voyage en Italie.

Sur
aile droite Marie-Madeleine dépeinte comme une jeune femme complètement terre-à-terre
dans une belle robe et une coiffure élégante, son apparence correspond à
type de beauté nordique. Magnifiquement écrit avec peu à voir avec les paysages
Le paysage de Palestine contre lequel il est présenté. Les montagnes sont magnifiquement écrites,
qui sont envahis par la forêt. Les voyageurs à pied et à cheval se promènent à travers champs et forêts sous
ciel bleu. L'image séduit par sa beauté fabuleuse.

Triptyque familial. Mariage(détail)
Parlant de cette période dans l’œuvre de l’artiste,
Il est impossible de ne pas mentionner ses œuvres les plus célèbres - « La Descente de Croix »
(1435-40) et "Saint Luc peignant la Madone" (1435-40). La composition de ce dernier
D’ailleurs, Rogier a « pris » les tableaux exactement d’une des œuvres de Jan van Eyck , son aîné
contemporain.


Saint Luc,
dessin Madone 137x110cm, um 1440, Saint-Pétersbourg (Russie), Ermitage
Musée d'État

Censé
autoportrait en tant que St. Luke créant une icône. Original de Boston
peintures
Le succès créatif s’accompagnait du succès matériel. Déjà
Peu après avoir déménagé à Bruxelles, le maître a des factures - et considérables - en
quais de Tournai et de Bruxelles. En 1443, il acquiert deux grandes maisons dans l'une des
les quartiers les plus branchés de la ville. À cette époque, la renommée de Rohyr avait considérablement grandi
au-delà des frontières de sa Flandre natale et atteint même la cour royale espagnole. DANS
1445 Jean (Juan) Jean II de Castille présente le retable,
écrit par Rogier, monastère de Miraflores. Les paroles prononcées par le monarque à propos
artiste : « Le Grand Flamand ». C'est à partir du milieu des années 1440 que le
"composition de la clientèle" de Rogier van der Weyden. Si plus tôt parmi ses clients
les riches bourgeois prédominaient, mais maintenant ils se tournent de plus en plus vers le maître
représentants de l'aristocratie. Cependant, quel que soit l'artiste de la cour
Rogier ne l'a pas fait, voulant sans doute préserver son indépendance.Dans les archives de Bruxelles, il est enregistré qu'en 1450 Rogier van
der Weyden quittait la ville. Certains historiens de l'art estiment que l'artiste
a quitté Bruxelles à l'occasion d'un voyage à Rome. Mais il ne parle pas de ce voyage
nul autre que l'humaniste italien Bartolomeo Fazio (mort en 1457), qui mentionna
elle dans son essai « À propos des personnes célèbres". Cependant, ce livre a toujours été considéré
une source sérieuse et digne de confiance. Ajoutons aussi que Rohyr était très
dévot (on sait qu'il a fait don de sommes importantes aux monastères et aux églises à plusieurs reprises
montant, et devint même en 1462 membre de la Confrérie de la Sainte Croix), et donc
Nous n'avons aucune raison de douter de son « pèlerinage » à Rome.On sait que Rogier van der Weyden admirait le travail de Jan van
Eika, tout en étant un peu plus jeune que lui. Il est probable que les peintres
auraient pu se connaître. Au moins, le destin leur a donné l'occasion de se rencontrer. DANS
1427, quelques mois après l'entrée de Rogier dans l'atelier
Kampen, Jan van Eyck a visité Tournai. Mais même si le « rendez-vous » n’avait pas eu lieu, nous
nous pouvons affirmer avec certitude que Rogira connaissait au moins un
l'œuvre de son célèbre prédécesseur, à savoir « Madone du Chancelier Rolin ».
Il a emprunté sa composition pour son « Saint Luc peignant la Madone ». Très
c'est peut-être Rogier qui a le plus vu œuvre célèbre Jan van Eyck, oui
appelé "Retable de Gand". Cependant, Rogier van der Weyden était plutôt
un étudiant indépendant. Il n'a pris à Jan van Eyck que ce qui était en accord avec son
propres idées sur la peinture. Il faut notamment indiquer le refus
Rogier à cause des détails excessifs, caractéristiques du style de Jan van Eyck, ainsi que sur
l'émotivité (parfois presque l'exaltation) de sa manière, complètement étrangère
van Eyck. Erwin Panofsky (1892-1968), l'un des historiens de l'art les plus remarquables
XX siècle, écrit : « Le monde de Rogier van der Weyden était physiquement plus nu,
mais en même temps plus spirituellement plus profond que le monde de Jan van Eyck. Van Eyck savait comment
remarquez des choses qui ont échappé à l'attention des autres artistes, et Rogier, comme personne,
l'autre, savait voir et exprimer des sentiments et des émotions. " Cette caractéristique est des plus frappantes
Le style de Rogier van der Weyden s'est manifesté dans sa "Descente de Croix", présentée
dans la section "Chef-d'œuvre" de cette édition Même pour un spectateur inexpérimenté.
Le rythme des compositions de Rogier est époustouflant. Pour elle, il sacrifie parfois
naturalisme et volume des personnages représentés (et cela cache un autre
la différence entre ses manières et les manières strictes et objectives de Van
Eika).

Diptyque Crucifixion. musée d'art
Crême Philadelphia.
Le livre de Fazio n'est pas seulement précieux pour les nouvelles de la visite
peintre de Rome. Cela montre aussi que dans les années 1450 la gloire
La Rogira de Van der Weyden atteint l'Italie. Nous sommes arrivés à six œuvres écrites
maître pour des clients italiens, dont la Madone Médicis (c.
1460).


Madone-Médicis : Madone avec
Saints Pierre, Jean-Baptiste, Saints Côme et
Damianaom
Toujours en 1460, la duchesse de Milan
Bianca Maria Sforza (1425-1468) lui envoya le peintre de cour Zenetto
Bugatto à Bruxelles, pour étudier avec Rogier van der Weyden. Les peintres n'étaient pas d'accord
personnages et très vite se sont disputés. Nous connaissons cet épisode grâce à
que le prince Louis de France, futur roi, entreprit de réconcilier l'enseignant et l'élève
Louis XI, qui résidait alors à la cour de Bourgogne. Après le retour de Bugatto à
Italie en 1463, la duchesse de Milan écrivit une lettre au « respecté et aimé
Maître Rogir", dans lequel elle le remerciait pour son attitude bienveillante envers son protégé. Nous
nous ne savons pas si Rogier van der Weyden a vraiment commencé à traiter Bugatto avec plus de tendresse
après une réconciliation réalisée avec l'aide du futur roi de France. C'est possible que
Cette lettre de la duchesse est un simple hommage à la décence. Et, très probablement, « cher et
"Maître bien-aimé" ne prêta pas beaucoup d'attention à la lettre de la duchesse. Il était déjà
trop vieux pour être vaniteux, et l'éloge des aristocrates n'était pas son truc
nouveau produit


Triptyque Crucifixion, aile gauche : Sainte Marie
Madeleine; aile droite : Sainte Véronique avec portrait du donateur.


Triptyque Crucifixion(détail)

La position du Christ dans
cercueil
Le 18 juin 1464, Rogier van der Weyden décède.
est décédé lors d'une épidémie de fièvre de la sueur, également appelée fièvre de la sueur anglaise
une maladie qui s'est ensuite propagée presque dans tout le pays et a fait de nombreux morts
des milliers de personnes. Il a été enterré dans l'église bruxelloise de Sainte-Gudule (aujourd'hui
Cathédrale). Parallèlement, une cérémonie commémorative a eu lieu à ville natale
le grand maître Tournai. L'atelier de Rohyr, dont beaucoup sont sortis
œuvres merveilleuses, est allé à son fils Pierre. Mais son véritable leader
devint l'un des derniers assistants de Rogier van der Weyden, Hans Memling (vers 1433-1494), qui continua
traditions de votre professeur.

Sept sacrements.
C'est une oeuvre d'art
est un triptyque, même si de nombreux scientifiques sont enclins à croire que les deux autres
ses portes latérales ont été perdues sans laisser de trace. Sur cadres anciens (le triptyque a
double) vous pouvez voir l'image des armoiries de l'Evêché de Tournai et du client
retable de Jean Chevreau, évêque de la ville de 1437 à 1460, conseiller privé du duc
Philippe le Bon. Le portrait du donneur est donné dans la scène de confirmation dans l'aile gauche
autel. La date de son origine est généralement attribuée à 1445, époque où Rogier vivait déjà à
Bruxelles et fut le principal peintre de la ville. Bien que le grand artiste ait été influencé
Jan van Eyck, ayant séjourné à Bruges de 1432 à 1435, il représente
une individualité directement opposée à son prédécesseur. Si van Eyck
avec toute la puissance de son inspiration et de son savoir-faire, il affirmait l'harmonie du monde, sa joie
épanouissement, valeur de toute la personnalité humaine, Rogier oriente tous ses efforts vers
afin de révéler la sphère spirituelle complexe de l'existence humaine, il lui est caractéristique
perception dramatiquement aiguë de la vie. Le triptyque est basé sur l'idée du spirituel
célébrations Doctrine chrétienne, qui constitue le sens et la forme
l'existence humaine de la naissance à la mort. Scènes de sept images d'accomplissement.
les sacrements sont situés dans les nefs de la cathédrale gothique. Son espace est prometteur
uni. Pour rendre le tout encore plus illusoire, l'artiste a introduit une création incroyablement audacieuse
détail - image cassée figure féminine sur deux portes. Il en a négligé un
échelle afin de mettre en valeur le groupe central. Refuser les conventions
l'art avant la période Van Eyck, Rogier ressent le besoin d'une
conventions avec la nouvelle méthode réaliste, volumétrique-spatiale, puisque
le sujet de l'image et son thème ont ici un contenu symbolique. DANS
dans la partie centrale de l'autel, il peint le Christ crucifié avec les personnes présentes. Privé
Les sentiments de la Mère de Dieu sont soutenus par Jean. Trois personnages tristes pendaient à la croix :
à gauche Marie Salomé agenouillée, à droite Marie d'Alphée, derrière la croix Marie
Madeleine. Au fond de l'autel de l'église, un prêtre célèbre le sacrement de l'Eucharistie.
Rogier ne donne pas de désignation symbolique au sacrement, mais représente l'accomplissement
cérémonie par un ecclésiastique entouré d'un groupe de personnes. Dans l'aile gauche derrière la scène
le baptême est suivi d'une confirmation, où l'on peut voir Mgr Chevreau, puis -
mise en œuvre du sacrement de confession. Un ange plane au dessus de chaque groupe, de la couleur des vêtements
ce qui correspond à la couleur symbolique de ce rite sacré. Sur la droite
la porte représente de bout en bout la scène de la dernière communion, des fiançailles et
ordination sacerdotale Ainsi, Rogier donne une image visuelle et
preuve symbolique de l’importance des choses qui s’accomplissent au sein de l’Église
signification pour une personne de rituels spirituels. Tout ce qu'il a observé est soumis à l'expression
vie émotionnelle spirituelle. D'une grande importance dans cette subordination est le
triptyque est un espace architectural rempli de lumière. Il est rare que des artistes
Aller! le temps a pu comprendre si profondément la spiritualité de la cathédrale gothique
Rohyr l'a fait. En dessinant les moindres détails du design, il a cherché à révéler
la stricte harmonie et la sublimité majestueuse des formes architecturales, en outre,
corréler leur structure figurative avec une expérience émotionnelle solennellement significative
de personnes. Et il atteint complètement son objectif. Cette subordination à l'architecture de l'ensemble de la composition
attire le regard même grâce au format triptyque, correspondant dans sa
parties de différentes hauteurs des nefs du temple gothique. La couleur locale pure se perd dans
dans une certaine mesure, il a la capacité de caractériser matériellement la texture, la forme,
objet, chose, tissu en obéissance à un autre but poursuivi par l'artiste.
Les combinaisons de taches de couleurs locales froides et chaudes forment l’émotion de Rogier.
des harmonies expressives, soumises à l'ambiance principale de l'image. De plus
l'artiste, avec une sensibilité et une précision extraordinaires, les distribue de manière dynamique et
rythmiquement dans la composition du tableau. Le groupe de ceux qui se tenaient près de la croix semblait se former
cercle. Deux taches de couleur rouge intense sur les vêtements de Jean et Marie d'Alphée
les tons froids bleu, violet et vert des vêtements de Mary Salomé sont contrastés
et Marie-Madeleine. De plus, il s'avère extrêmement intéressant que Rogi.
utilise la couleur et ses combinaisons pour transmettre divers degrés d'intensité dramatique
une image séparée. Oui, brillant jaune associé au rouge dans les robes de Mary
Alphée sonne comme un cri de douleur, aggravant et intensifiant l'expression de sa profonde
souffrance véhiculée par un virage étonnamment difficile et une silhouette nerveuse complexe
contour de la figure. L'expérience douloureuse et douloureuse de Marie-Madeleine s'intensifie à partir de
juxtaposition de tons froids de vert, blanc et violet.B
l'incarnation artistique de chaque image individuelle joue un rôle énorme
jouer à un diagramme structurel linéairement plastique acquérir un personnage
formule graphique raffinée. Il préserve l'authenticité du vrai
sentiments, vivre l'expérience humaine et en même temps lui permettre
démesure. Cet excès, l'hypothèse délibérée d'une manifestation extrême
les sentiments (ce que nous appelons aujourd'hui l'expression) furent la découverte de Rogier. En cela
incarnation visuelle d'une expérience, il ne cherche pas à en noter la beauté ou
spiritualité sublime et expressivité aiguë. A cet effet il
ne capture pas l'état final, pour ainsi dire, des expressions faciales, de la plasticité, mais
étonnamment pointu, transitionnel. Il essaie de trouver une brièveté temporaire
manifestations d'un sentiment séparé, tout en conservant son intégralité. Exemple
encore une fois, l'image de Marie d'Alphée peut servir. Sa silhouette est pleine de mouvements complexes.
Debout sur son genou droit, elle se tourne vers la droite en tenant son cœur de la main gauche,
et avec le droit - essuyer les larmes. Dans une désignation graphiquement plastique de ses sentiments, Rogier
vous fait ressentir à la fois un certain moment et l'expressivité aiguë de la complétude
le chagrin en général. Le triptyque « Sept sacrements » est l'un des plus
créatures spiritualistes de Rogier van der Weyden, mais en même temps plus
philosophiquement significatif.

Lire Marie-Madeleine.

Sainte Catherine Saint Joseph.


Polyptyque. Jugement dernier .
Le Jugement dernier a été
écrit en 1443-1454. commande du Chancelier Nicolas Rolin pour l'autel de la chapelle
hôpital fondé par ce dernier dans la ville bourguignonne de Beaune. Un lieu de complexité
les arrière-plans paysagers ici sont occupés par des générations de ses prédécesseurs
une lueur dorée qui ne peut distraire le spectateur du respect pour les saints
images.

Jugement dernier (détail)

Effrayant
tribunal .(détail)


Jugement dernier (détail)


Autel de Saint Colomb

Autel de Saint Colomb.
Mages.(panneau central)

Autel de Saint Colomb(latéral
ceinture)

Rêve
Saint Serge Exhumation de Saint Hubert..
Le style de Rohyr
van der Weyden est devenu un modèle dès le milieu du XVe siècle. Avant nous
de nombreuses copies de ses peintures ont survécu, ce qui nous permet de conclure qu'il
L'atelier était extrêmement populaire parmi les jeunes peintres,
qui cherchaient à apprendre le métier de Rogier, et parmi les clients qui voulaient
obtenez exactement la « Crucifixion » de « Rogirov » ou la « Vierge à l'Enfant ». D'autres exemplaires de
Les peintures de Rogier sont si bonnes que même aujourd'hui les critiques d'art ne peuvent pas toujours se séparer
le travail d'un apprenti du travail d'un maître. Ainsi, par exemple, « peinture de Saint Luc
Madonna", que certains historiens de l'art ont tendance à attribuer à Rogier van der lui-même
Weiden, et certains - à l'un de ses assistants Dans les mêmes cas où.
l’œuvre est écrite dans un style proche de celui de Rogier, mais pas assez
assez bon pour être considéré comme le sien, il peut être très difficile de déterminer si
il a été réalisé par l’un des étudiants du master et sous sa direction directe,
ou bien il a été peint par un peintre indépendant formé dans un atelier
Rogier van der Weyden. Bref, identifier avec précision les tableaux de Rogier
parfois presque impossible (contrairement aux travaux de van Eyck, qui existent en
exemplaire unique).


Triptyque de l’Annonciation


Triptyque de l’Annonciation(central
panneau)

Crucifixion.

Lamentation du Christ.

Madone
avec un bébé.

La renommée de Rohyr a continué de croître même après sa mort.
artiste, mais au milieu du XVIe siècle, des cercles ont commencé à se former autour de ses peintures
désaccords causés par le manque d’informations fiables. Par exemple, le célèbre
Giorgio Vasari a « divisé » le maître en deux peintres – Rogier van der lui-même
Weiden et un certain Rogier de Bruges. Plus tard, en 1604, Vasari répéta l'erreur
Le Néerlandais Karel van Mander, compilant un recueil de biographies de célèbres
peintres.Après 1695, lorsque les noyaux français furent pratiquement détruits
L'Hôtel de Ville de Bruxelles, et avec lui les "Scènes de Justice" de Rogier, qui étaient en
peu à peu, ils commencèrent à oublier le maître. À XVIIIe siècle presque à propos de lui
personne ne s’en souvenait, même à Bruxelles même, et encore moins dans le reste de l’Europe.
Ce n'est qu'avec le regain d'intérêt pour le vieux flamand et Peinture hollandaise,
identifié dans milieu du 19ème siècles, on se souvient de Rogier van der Weyden et
a commencé à parler de lui comme d'un artiste exceptionnel.
Dame à la coiffe de gazec. 1445 Huile sur
panneau de chêne, 47 x 32 cm Staatliche Museen, Berlin
Rogier van der
Vaden(1400-1464) - rival de van Eyck pour le titre de maître le plus influent
Peinture néerlandaise ancienne. L'artiste a vu le but de la créativité dans la compréhension
individualité de l'individu, était un psychologue profond et merveilleux
portraitiste. Les portraits de Rogier ont du caractéristiques communes, quoi dans
en grande partie dû au fait que presque tous représentent
des représentants de la plus haute noblesse de Bourgogne, dont l'apparence et le comportement
l'environnement général, l'éducation et les traditions ont laissé des traces. Détail de l'artiste
dessine les mains (notamment les doigts) des modèles, affine et allonge leurs traits
personnes

Saint Ivo. c. 1450 HUILE sur panneau de chêne, 45 x 35 cm
Galerie nationale, Londres
Saint Ivo ou Ivo de Bretagne, Ivo de
Kermanten (Erwann, Yves Hélory, Hélory, Hélory, 17 octobre 1253,
Kermantin, Bretagne - 19 mai 1303, Louannec, Bretagne) - Saint catholique romain
Église, tertiaire de l'ordre monastique des Franciscains, patronne de la Bretagne (avec
avec saint Hervé), les pauvres, les veuves et les orphelins. En 1267 Ivo entra au Parisien
L'université où j'ai étudié le droit. En 1277, il commença à étudier
Droit canonique à l'Université d'Orléans. Après son retour en Bretagne en 1280
année reçu le poste de juge diocésain; en 1284, Ivo fut nommé local
un évêque pour agir comme juge du tribunal épiscopal. Être ecclésiastique
juge, Ivo a défendu les intérêts de l'Église catholique romaine contre les prétentions des laïcs
les autorités. Dans l'exercice de ses fonctions, Ivo a accordé une attention particulière
les gens dans le besoin, il a donc gagné en popularité parmi les gens ordinaires qui
On l’appelait « l’avocat des pauvres ». Ivo menait une vie modeste et ascétique.
Il a organisé des hôpitaux, des orphelinats et des refuges pour les sans-abri et les pauvres. Ivo est mort
décédé le 19 mai 1303 dans sa Bretagne natale. Ses reliques sont conservées à Tréguier dans l'église Saint-Pierre.
Tudvala.Ivo de Bretagne fut canonisé en 1347 par le pape Clément VI.
Dans l'iconographie, saint Yves est représenté en juge en robe, parfois en diacre en
Dalmatiques.


Portrait de Philippe le Bon après
1450 Huile sur bois, 31 x 23 cm Musée des Beaux-Arts,
Dijon

Portrait de Philippe
Bonjour
PHILIPPE III le Bon (Français Philippe le Bon) (13 juin 1396, Dijon
- 15 juillet 1467, Bruges), duc de Bourgogne à partir de 1419, sous le règne duquel la Bourgogne
connu l'apogée de sa puissance politique et économique. Âge de Philippe
Dobrogo - le sommet du développement et le début du déclin de ce chevalier raffiné et magnifique
culture du XVe siècle. L'époque de Philippe le Bon est le point culminant de développement inégalé.
magnifique culture de cour. Ce monde combine de vieilles traditions
courtoisie chevaleresque et floraison brillante de l'art et de la créativité Hans Memling, Jan van Eyck , Rogier van der Weyden et d'autres merveilleux
artisans, la production florissante de tapisseries et d'articles de luxe. Juste pour Philippe
Bon en 1466-67 le premier livre en français fut imprimé à Cologne :
Recueil des histoires de Troys, son magnifique
"Bibliothèque de Bourgogne" - une collection exceptionnelle
manuscrits illustrés. « Grand-Duc d'Occident » (Grand Duc d'Occident, comme
il aimait qu'on l'appelle) était chanté par ses chroniqueurs et apologistes Georges
Chastellain et Olivier de la Marche
Marches). Philippe le Bon fonda l'un des ordres de chevalerie les plus célèbres -
L'Ordre de la Toison d'Or L'apogée de la culture de cour à « l'Automne du Moyen Âge » fut
fait par le duc le 17 février 1454 Voeu de faisan - vœu d'aller à
croisade et reconquête de Constantinople, récemment tombée aux mains des Turcs.
Une célébration grandiose a été associée à cet événement, organisé avec un rythme sans précédent
éclat : entre autres, il y avait un éléphant portant sur son dos une image du Saint
Les églises sont en deuil. Philip, cependant, n'a jamais fait de campagne en raison de
une autre aggravation des relations avec le roi de France Cependant, le revers de la médaille.
ce magnifique amour de la vie a entraîné d'énormes dépenses, hors de portée même du trésor
un État aussi riche que la Bourgogne. De plus, les moralistes de cette époque
se plaignait constamment de la détérioration progressive des mœurs, provenant principalement
le duc lui-même avec ses innombrables enfants illégitimes. Le légitime.
Philippe n'avait qu'un seul héritier : le futur Charles le Téméraire, le seul qui reste en
vie des trois fils de Philippe et de sa troisième épouse Isabelle du Portugal (mariage
a été conclu en 1429) Après sa mort en 1439, il ne se remarie pas. Son premier
sa femme, Michel de France, décédée en 1422, lui apporta en dot la ville de Somme et
partie de la Picardie et de Boulogne. La seconde, Bonnena Artois, veuve du duc de Nevers,
décédé en 1424. Avec sa mort se termine la période de calme relatif
Etat bourguignon. L'heure est venue de la bataille entre Charles le Téméraire et Louis XI,
se terminant par l'effondrement de la Bourgogne et la mort de son duc.


Portrait de Charles le Témérairec. 1460 Huile sur panneau de chêne, 49 x
32 cm Musée Staatliche, Berlin
Charles le Téméraire (Charles le Téméraire,
Charles le Téméraire) (10/11/1433, Dijon, - 1/5/1477, près Nancy), comte de Charolais,
Duc de Bourgogne (depuis 1467). Fils de Philippe le Bon. Karl le Téméraire s'est efforcé de
unification de leurs possessions fragmentées, pour étendre le territoire de la Bourgogne
État et en faire une puissance puissante. À plusieurs reprises (en 1452-1453,
1465, 1467, 1468) réprimèrent les soulèvements avec une cruauté impitoyable
Villes néerlandaises faisant partie de l'État bourguignon. Karl le Téméraire
fut l'adversaire le plus dangereux et le plus puissant de Louis XI, énergiquement
réalisé la centralisation et l'unification territoriale de la France ; combat entre
par les deux souverains ne s'éteignit que pour de courtes périodes. Même du vivant de son père, Karl
Bold a effectivement dirigé la coalition contre Louis XI (Ligue des
avantages), obligeant le roi de France à lui céder les villes de la Somme (traités de 1465
ans à Conflans et Saint-Maur). Pour obtenir le soutien du roi anglais
Édouard IV, Charles le Téméraire épousa sa sœur Marguerite. J'ai essayé de prendre le relais
Alsace (dont il reçut une partie en garantie en 1469 de Sigismond du Tyrol
Habsbourg) et Lorraine (obtint une mutation du duc René II en 1473
forteresses). Cependant, grâce à la dextérité de Louis XI, qui recourut à
négociations diplomatiques et corruption, Karl le Téméraire a perdu ses alliés (en
dont le roi anglais), restant isolés. Dans les guerres de Bourgogne
1474-1477 (menée contre Charles le Téméraire par la Suisse et la Lorraine, secrètement
soutenu et subventionné par la France) Charles le Téméraire fut trahi par des mercenaires,
soudoyé par Louis XI et mort à la bataille de Nancy.


Portrait d'une jeune femme Huile sur panneau de chêne, 37 x
27 cm Galerie nationale d'art, Washington
Ces dernières années, Rogier a travaillé dans
son atelier bruxellois, entouré de nombreux étudiants, parmi lesquels
qui, apparemment, étaient de si grands représentants des éléments suivants
générations comme Hans Memling. Ils étendirent son influence à travers la France, l'Allemagne et
Espagne. Dans la seconde moitié du XVe siècle, en Europe du Nord, la manière expressive de Rogier
a prévalu techniquement plus leçons difficiles Kampen et van Eyck. Même au XVI
siècle, de nombreux peintres restent sous son influence, de Bernard Orley à Quentin
Masseysa. À la fin du siècle, son nom commençait à être oublié, et déjà au 19ème siècle à propos de l'artiste
rappelé uniquement dans des études spéciales sur la peinture néerlandaise ancienne.
La restauration de son parcours créatif est compliquée par le fait qu'il n'a signé aucun
de ses œuvres, à l'exception du portrait de femme de Washington. Existe
version selon laquelle dans ce portrait l'artiste a représenté sa femme et l'artiste s'est marié
vers 1426 par Elizabeth Gofferts (vers 1405-1477), fille de Bruxelles
cordonnier. Vers 1427. Naissance du premier-né de l’artiste, Cornelius. « Portrait d’un jeune ».
femmes" a été écrit dans les années 40, une dizaine d'années après le mariage de Rogier
fille originaire de Bruxelles et installée dans cette ville. C'est une dédicace à ma bien-aimée
caractéristique de Van der Wein, qui écrivait sur des sujets religieux, néanmoins
a reconstitué le trésor de la peinture mondiale.


Francesco d'Este c. 1460Huile sur panneau de chêne, 30 x 20 cm
Musée métropolitain d'art, New York

Portrait d'Antoine de Bourgogne(Portrait d'un chevalier de l'ordre
Toison dorée avec flèche)c. 1461 Chêne, 38,4 x 28 cm Musées Royaux des
Beaux-Arts, Bruxelles
Antoine (1421-1504), connu par ses contemporains sous le nom de
"Bâtard de Bourgogne" ou "Le Grand Bâtard - Le GrandBatard" - était un côté
fils (et deuxième enfant) de Philippe III, duc de Bourgogne, et l'un des
ses maîtresses, Jeanne de Presle.


Portrait du chancelier Rolin et de ses
épouses (1445-50)

Nicolas
Roline
Nicolas (Nicholas) Rolin(1376, Autun, France - 1462,
Autun France) - Chancelier bourguignon En 1408 Rolin entre au service de Jean.
Intrépide, le père de Philippe le Bon, et en 1422 Philippe, qui lui succéda
père, a promu Rolen chancelier. Rolen a occupé ce poste pendant 40 ans,
pendant cette période, il devint incroyablement riche. Il a investi beaucoup d'argent dans la construction.
Rolin soutenait les peintres - dans sa ville natale d'Autun, il était le plus célèbre
philanthrope Chancelier Rolin a également été écrit par le célèbre Jan van Eyck.


"Madone du Chancelier Rolin"(néerlandais. De Maagd van
kanselier Rolin) - tableau de l'artiste Jan van Eyck , datant de 1435. Nicolas Rolin
(Chancelier du duché de Bourgogne sous Philippe le Bon), dont le portrait du donateur
écrit sur le côté gauche de la toile en prière devant la Madone, a commandé ce tableau pour
votre église paroissialeNotre-Dame du Châtel(fr. Église Notre-Dame du
Châtel) à Autun, où elle resta jusqu'à l'incendie de l'église en 1793. Après
Lors d'un séjour à la cathédrale d'Autun, le tableau entre au Louvre en 1805. Sur la photo
représente la Vierge Marie avec l'enfant Jésus sur ses genoux, couronnée par un ange et
assis en face de la chancelière Rolena. Les personnages sont situés en italien
loggia, décorée de colonnes et de bas-reliefs. La ville est visible en arrière-plan,
avec une rivière qui le traverse. Il s'agit probablement de la ville bourguignonne d'Autun, ville natale de Rolin.
Quelques-unes des nombreuses propriétés foncières du Chancelier aux environs d'Autun
inclus dans le paysage. Petit jardin fleuri (roses, iris, muguet, pivoines), visible.
derrière les colonnes, symbolise la pureté de la Vierge Marie. Derrière le jardin on voit
deux personnages masculins, debout, le dos au spectateur. Chez un homme habillé en bleu
vêtements avec un turban rouge sur la tête et un bâton dans la main gauche, beaucoup voient
autoportrait de l'artiste lui-même. A côté des personnages sont visibles deux paons, symboles
l'immortalité et la fierté.

Portrait de Jean
Moi, duc de Clèves (1419-1481)

Portrait d'Isabelle du Portugal (épouse de Philippe)
III, duc de Bourgogne)
Isabelle du Portugal(21.02.1397,
Évora - 17/12/1471, Er) Duchesse de Bourgogne, épouse de Philippe le Bon, huitième
enfant de Jean Ier d'Avise, roi du Portugal et Philippa de Lancastre. Isabelle
élevée avec ses cinq frères, leurs parents encourageaient leurs enfants à étudier
plusieurs langues étrangères et sciences exactes. Isabelle était souvent autorisée
assister aux conseils du père. Et même si elle ne pouvait pas accepter directement
participant aux conseils royaux, comme ses frères, elle acquiert une vaste expérience dans la direction
négociations diplomatiques et projets politiques après la mort de sa mère à cause de la peste.
en 1415, Isabelle fut forcée d'exercer ses fonctions lors des cérémonies du palais.
La même année, des négociations eurent lieu concernant le mariage de la princesse avec le roi Henri V d'Angleterre.
qui n’ont cependant pas abouti. Prochaine proposition matrimoniale
arrivé seulement en décembre 1428 en provenance du duc Philippe de Bourgogne, et fut probablement
très flatteur pour une dame de trente ans. Le duc, outre sa magnifique suite et son
le demi-frère a envoyé le célèbre artiste au Portugal comme ambassadeur
Jan van Eyck va peindre le portrait d'Isabelle que Philippe désirait voir
avant de prendre une décision définitive.11 juin 1429 Seigneur de Crubec
a offert au roi Jean l'option d'un contrat de mariage et a informé le roi que
Le duc était très satisfait du portrait de la princesse. Mariage par procuration
a eu lieu le 24 juillet. Le 30 octobre, la flottille luso-bourguignonne quitte Porto
avec plus de deux mille princesses à son bord. À Noël, les Portugais.
arrivé à Sluys. La cérémonie formelle du mariage religieux a eu lieu le 8 janvier.
Selon certaines sources, à Sluys, selon d'autres, à Bruges. Au terme d'une série de magnifiques festivités
Le duc de Bourgogne crée l'Ordre de la Toison d'Or. Ce qu'on attendait de la nouvelle duchesse
héritier, mais déjà à l'été 1430, Isabelle se montra une excellente diplomate
régler efficacement le conflit entre les drapiers gantois. A Bruxelles 30
Septembre 1430 Isabelle donne naissance à un fils, Antoine, un enfant très malade, qui
mourra en février 1432. Elle eut deux autres fils Joseph (né et décédé en 1432) et Charles
Courageux (10/11/1433-1/5/1477). Depuis 1434 Isabelle prépare
négociations qui aboutirent à la paix d'Arras. Le duc Philippe sans aucun doute
charge Isabella de régler les questions sensibles dans ses domaines :"Elle est la plus
le meilleur diplomate que j'ai". Cependant, le monde tripartite, qui
voulait Isabelle, et dont la Bourgogne, dépendante des Anglais, avait besoin
le commerce a échoué, les Britanniques ont quitté le congrès, n'acceptant pas les termes
Français. La révolte flamande de 1436 dut également être réglée par Isabelle,
le duc lui accorda même le droit de pardonner aux rebelles que la duchesse
en profita le 8 mai 1438 à Bruges. De 1438 à 1445, Isabelle joue Le rôle principal sur
scène politique de Bourgogne, elle parvient à trouver des fonds et des soldats pour
Philippa, elle, gère les biens de son mari en son absence. elle négocie
la libération du duc d'Orléans de la captivité anglaise et ne soutient pas l'idée
mari pour épouser Charles, cinq ans, avec la fille du roi de France Catherine. Le mariage a eu lieu.
Cependant, le 11 juin 1438, la dot de Catherine ne fait qu'intensifier le conflit entre la France et la France.
Bourgogne, et déjà en août la duchesse reprit les négociations avec les Britanniques avec
dans le but de signer des accords commerciaux, qui ont abouti à une conférence à Saint-Omer.
Après la libération du duc d'Orléans en novembre 1440, le duc et la duchesse
a tenté de l'utiliser pour adoucir les relations entre la France et la Bourgogne,
cependant, en raison de la méfiance de Charles VII, ce plan échoua. J'en ai un gros
signification politique, Isabelle a été contrainte de faire face à de nombreux
les maîtresses du duc. Et même si Philippe gardait rarement ses maîtresses à la cour, il les installait
dans divers châteaux de ses domaines, ses bâtards étaient élevés à la cour, et ils
montra les mêmes signes de respect qu'un fils légitime. Cependant, Isabelle
réussit à établir des relations très chaleureuses avec presque tous les enfants de Philippe en 1457.
prendre par inadvertance le parti de son fils dans une querelle avec le duc au sujet de la nomination
Chambellan du Comte de Charolais (Charles), Isabelle fut contrainte de quitter la cour afin
échappez à la colère de Philippe et demandez au Dauphin de France, qui vécut sous les Bourguignons
chantier, pour résoudre le conflit, ce qu'il a d'ailleurs échoué. Seulement dans une semaine, elle
réussit à persuader Philip de lui pardonner dans une lettre, mais elle fut autorisée à retourner à
cour beaucoup plus tard. Après la mort du duc en 1467, Isabelle participa de moins en moins
dans les négociations, en février 1468 elle signe le contrat de mariage de son fils et
Marguerite d'York avec une dot de 200 000 couronnes d'or. Isabelle du Portugal
décédé le 17 décembre 1471 en Eire sous l'habit de l'Ordre des Cordeliers et inhumé le 4
Janvier à Gosny. Deux ans plus tard le duc et la duchesse de Bourgogne, sur ordre de Charles
Bold a été réenterré à Shanmol.


Portrait-diptyque de Jean de Croix (aile droite)
Jean
I de Croix avancé comme confident et conseiller des Bourguignons
Ducs Philippe le Hardi et Jean sans Peur. Ce dernier n'était pas indifférent à son
fille et eut d'elle des enfants illégitimes, dont le futur archevêque de Trèves.
Participant actif à la guerre de Cent Ans, Jean de Croix assiège Bourges en 1412, mais est
détenu sur ordre d'Isabelle de Bavière. Échappés de captivité, Jean et deux
mort avec ses fils à Azincourt (1415).


Portrait-diptyque de Jean de Croix(aile gauche)Années 1450 Huile sur panneau de chêne, 36 x 27 cm
Musée des Beaux-Arts de Tournai
De nombreux portraits de l'artiste représentent
diptyques composés d'une image de la Madone et d'une demi-figure du client.


Portrait diptyque de Philippe de Croix (aile droite) c. 1460 Huile
sur panneau de chêne, 49 x 30 cm Koninklijk Museum voor Schone Kunsten,
Anvers
Ce portrait fait partie d'un diptyque, la seconde moitié
qui, avec l'image de la sainte vierge, se trouve dans la collection Hanington à New York.
C'est peut-être Rogier qui a eu l'idée de réaliser ce genre de portraits, en
laquelle une personne révèle ses sentiments en contemplant l'image de la Mère de Dieu. Portrait
surprend par les caractéristiques profondes du modèle, malgré l'apparence apparente
retenue. Croix ( Croÿ, options de translittération
- Krui, Croys, Couper) - la maison dirigeante la plus noble
Les Pays-Bas historiques, qui se sont illustrés au service des ducs
Bourguignon du XVe siècle et à partir de 1486 occupait un siège au Reichstag. Premier arrivé
Famille baronniale du Saint Empire romain promu prince (1594).
Les représentants du clan ont écrit leurs noms dans l'histoire de presque tous les pays européens : parmi
eux - deux évêques-duc de Cambrai, cardinal-archevêque de Tolède,
Cardinal-archevêque de Rouen, cinq évêques, prince de Novograd et Machevsky,
Maréchal de France, un maréchal russe et plusieurs maréchaux autrichiens, grand
Écuyer de la couronne espagnole, gouverneurs des Pays-Bas et 32 ​​chevaliers de l'ordre d'or
rune. La lignée des Croix-Archaud descend du fils aîné d'Antoine le Grand,Philippa
de Croix. Il grandit auprès de Karl le Téméraire et grâce à son aide de force
épousa la fille du connétable de Saint-Paul. En 1471, Philippe s'enfuit avec 600 chevaliers vers
France, mais se réconcilie par la suite avec son suzerain et est capturé à
Nancy. Il soutient l'idée du mariage de Marie de Bourgogne avec Maximilien de Habsbourg,
au nom duquel il gouverna par la suite Gennegau, Liège et Valenciennes. Il
a financé la construction d'un nouveau tombeau familial à Porcienne Descendants.
Philippe resta fidèle aux Habsbourg. Son fils, Guillaume de Croix, fut affecté
mentor du jeune Charles Quint, grâce auquel il reçut des titres en Espagne
marquis et duc. La haine générale des Espagnols pour l'étranger arrogant presque
conduit à un soulèvement en Castille. Au célèbre Reichstag de Worms, il était
empoisonné Son neveu de 22 ans y est également décédé (après une chute de cheval),
Archevêque de Tolède et Primat d'Espagne. Le frère de ce dernier, Philippe II de Croix, est un éminent
commandant militaire de Charles Quint, gendre du duc Antoine de Lorraine, qui échangea le Normand
le domaine de Longwy sur Avre près de Mons Fils et héritier de Philippe II, Charles II de Croix.
(1522-51), hérita de sa mère la principauté de Chime et de son père le titre de duc d'Arsho.
Il fut tué alors qu'il était encore jeune à Kievren, ne laissant aucun héritier de son mariage avec
fille du 1er duc de Guise. Les terres de la Maison de Croix furent héritées par son frère, Philippe III de Croix.
(1526-95). Au plus fort de la Révolution hollandaise, commandant la défense d'Anvers, il
trahit Philippe d'Espagne et passa du côté des rebelles, mais lorsqu'il fut capturé
résidents de Gand et envisage de transférer le contrôle des Pays-Bas entre les mains de Matthew
Les Autrichiens ont échoué, ont demandé pardon à la couronne espagnole et sont partis.
vivre sa vie à Venise. Fils unique de Philippe III, Charles III (1560-1612),
quitta les Pays-Bas pour servir les Bourbons, fut accordé par Henri IV
titre ducal dans la pairie française, mais n'a pas produit d'enfants issus de deux mariages.
Après sa mort, le titre de duc d'Arsho et les propriétés correspondantes passèrent à sa sœur
et ses enfants issus de son mariage avec le prince Arenberg de la famille Line. Après cet incident dans la maison
Les mariages croisés entre représentants de diverses branches de la famille sont devenus courants,
ce qui permettait de maintenir les biens et les titres entre les mains des descendants d'Antoine
Super.

Portrait-diptyque de Philippe de Croix(aile gauche) c.
1460 Huile sur panneau de chêne, 49 x 31 cm Bibliothèque Henry E. Huntington, San
Marin


Portrait Diptyque de Laurent Froimont (à droite
aile)Années 1460Huile sur panneau de chêne, 49,3 x 31,5 cmMusées Royaux des Beaux-Arts,
Bruxelles


Portrait Diptyque de Laurent Froimont (aile gauche) années 1460
Huile sur panneau de chêne, 51,5 x 33,5 cm Musée des Beaux-Arts, Caen

Portrait
Hommes.

Portrait
Pierre de Befremont


Portrait d'une femme.c. 1464 Huile sur panneau de chêne, 36,5 x 27 cm
Galerie nationale, Londres


Portrait d'une jeune femme. c. 1440 Pointe d'Argent
sur papier préparé, 166 x 116 mm British Museum, Londres
Portraits,
créés par Van der Weyden se distinguent par l'attention de l'artiste à un monde complexe
sentiments et humeurs humaines. Un regard de côté, un sourire caché,
Les sourcils levés indiquent visiblement les habitudes et le caractère d’une personne. Tel
les caractéristiques de la personne représentée deviennent ses mérites terrestres : un maître souvent
introduit des signes de puissance et de valeur dans ses portraits : une bague, une chaîne de commande, une médaille honorifique
tige, etc

, « refuse l’universalisme de la vision artistique du monde de van Eyck et concentre toute l’attention sur le monde intérieur de l’homme ».

Rogier van der Weyden
Pays-Bas Roger van der Weyden
Nom de naissance	Roger de Le Pâturage
Date de naissance	ni plus tôt ni plus tard
Lieu de naissance
Date de décès	18 juin
Un lieu de mort
Un pays
Genre	portrait
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L'autoportrait le plus probable de Rogier van der Weyden. Détail d'une tapisserie retraçant l'histoire de Trajan et Herkinbald, réalisée à partir du tableau de Rogier « La Justice de Trajan » avant 1461 (le tableau fut perdu au XVIIe siècle). Musée historique, Berne

premières années

La période du développement créatif de Rogier (à laquelle appartient apparemment l’Annonciation du Louvre) est également mal couverte par les sources. Il existe une hypothèse selon laquelle c'est Rogier dans sa jeunesse qui a créé les œuvres attribuées à ce qu'on appelle. au maître Flemal (un candidat plus probable pour leur paternité est son mentor Robert Campin). L'étudiant maîtrisait tellement le désir de Campen de saturer les scènes bibliques de détails réalistes de la vie domestique qu'il était presque impossible de distinguer leurs œuvres du début des années 1430 (les deux artistes ne signaient pas leurs œuvres).

Les trois premières années de la créativité totalement indépendante de Rogier (de 1432 à 1435) ne sont aucunement documentées. Peut-être que l'artiste les a passés à Bruges avec van Eyck (avec qui il avait probablement déjà croisé la route à Tournai). Quoi qu’il en soit, l’une des compositions les plus célèbres de Rogier, « Luc l’évangéliste peignant la Madone », est imprégnée de l’influence évidente d’un contemporain plus âgé.

Années bruxelloises

Descente de croix

La Descente de Croix, qui a eu un impact émotionnel grandiose sur le spectateur, remonte au début de la période bruxelloise.

ce travail a été commandé par la guilde des arbalétriers de Louvain et se trouvait à l'origine dans la chapelle de la ville, mais est ensuite entré en possession de la sœur de Charles Quint et a fini par se retrouver au musée du Prado.

Tous les évangélistes mentionnent le retrait de Jésus de la croix (en relation avec sa position dans le tombeau), mais aucun des livres de l'Écriture Sainte n'indique que la Mère de Dieu, les femmes porteuses de myrrhe et Jean le Théologien, habituellement représentés dans les travaux sur ce sujet, a participé au déménagement.

Le centre idéologique de la composition est le Christ mort et la Vierge Marie évanouie. Van der Weyden viole les canons, donnant au corps de la Vierge une position inhabituelle mais extrêmement riche en émotions, comme si elle rimait avec la position du corps de son Fils. Ce geste audacieux et inhabituel symbolise l’idée de la dévotion de la Mère de Dieu envers l’homme-Dieu. La position des mains du Christ et de sa mère dirige le regard du spectateur vers le crâne d'Adam, illustrant ainsi l'idée et l'essence du sacrifice expiatoire consenti par le Seigneur au nom de l'humanité déchue.

De plus, Rogier refusait de dépeindre le pittoresque habituel dans les œuvres sur ce sujet arrière-plan, concentrant l'attention du spectateur exclusivement sur les expériences tragiques de nombreux personnages qui remplissent tout l'espace du plateau. En regardant l'autel, on ne peut s'empêcher de remarquer la spiritualité particulière des personnages, la justesse et la force de la transmission émotionnelle véhiculée par le maître à travers son œuvre.

Autel de Miraflores

Un autre chef-d'œuvre du maître qui nous est parvenu est l'autel de la Vierge Marie, dit autel de Miraflores, exposé à la Galerie d'Art de Berlin. On pense que les travaux ont été achevés en 1445 sur ordre du roi castillan Juan II, qui à son tour en a fait don au monastère de Miraflores, près de Burgos. L'autel à trois feuilles nous raconte les trois épisodes les plus significatifs de la vie de la Mère de Dieu associée à son Fils : la tendresse de la Mère de Dieu, le deuil du Christ et l'apparition du Fils de l'Homme ressuscité à la Vierge. Marie.

Jugement dernier

La différence entre Rogier et le réalisme brut de Kampen et la sophistication de la proto-Renaissance de Van Eyck se manifestent le plus clairement dans le polyptyque « Le Jugement dernier ». Elle a été peinte en 1445-1450 sur ordre du chancelier Nicolas Rolin pour l'autel de la chapelle de l'hôpital de l'Hôtel-Dieu, fondé par ce dernier dans la ville bourguignonne de Beaune, près de Dijon. Il est à noter qu'à ce jour le polyptyque se trouve dans le bâtiment même pour lequel Rogier l'a peint.

Sur le panneau central se trouve le Christ exécutant le Jugement dernier, juste en dessous de son image se trouve l'archange Michel, pesant les âmes des morts sur sa balance. À la droite du Christ, la Mère de Dieu, l'intercesseur du genre humain, s'est agenouillée, demandant humblement au Fils de pardonner aux gens leurs péchés. Le Christ et les saints qui l'entourent sont assis sur des nuages ​​​​enflammés, sous lesquels se trouve de la terre brûlée. Les cieux plombés sont illuminés par des éclairs de feu infernal. Les pécheurs impénitents les suivent malheureusement en enfer. Les survivants se dirigent dans la direction opposée. Un ange les rencontre aux portes de la Jérusalem céleste. Par l’ampleur de sa conception et la qualité de son exécution, « Le Jugement dernier » est le retable gantois de Rogier.

Voyage en Italie

Il est d'usage dans l'histoire de l'art d'associer à ce voyage la première connaissance des Italiens avec la technique de la peinture à l'huile, que Rogier maîtrisait à la perfection. Commandés par les dynasties italiennes des Médicis et d'Este, les Flamands achevèrent la Madone, aujourd'hui conservée aux Offices, et le célèbre portrait de Francesco d'Este (1460, Metropolitan Museum of Art, New York). Les impressions italiennes se reflètent dans les compositions d'autel (« Autel de Jean-Baptiste », triptyques « Sept sacrements » et « Adoration des Mages »), qu'il achève à son retour en Flandre.

Portraits

Parmi les portraits les plus célèbres de la noblesse bourguignonne attribués au maître figurent des images de Philippe le Bon (après 1450, Musée des Beaux-Arts de Dijon), de ses fils, Charles le Téméraire (Galerie de Berlin) et d'Antoine de Bourgogne. , le bâtard (Musées royaux des Beaux-Arts (Bruxelles)), Philippe Ier de Croix (1460, Musées royaux des Beaux-Arts (Anvers)), Laurent Froymond (Musées royaux des Beaux-Arts (Bruxelles)).

Reconnaissance et héritage

L'éminent humaniste, scientifique et philosophe Nikolai Kuzansky a parlé de Rogir comme le plus grand artiste de son époque. Au cours des dernières années de sa vie, Rogier a travaillé dans son atelier bruxellois, entouré de nombreux étudiants, parmi lesquels se trouvait apparemment un représentant aussi important de la prochaine génération que Hans Memling. Rogier a eu une influence incontestable sur des maîtres reconnus comme Dirk Bouts et Hugo van der Goes. Ils étendirent son influence dans toute la France, l'Allemagne et l'Espagne. Dans la seconde moitié du XVe siècle, en Europe du Nord, le style expressif et intensément émotionnel de Rogier l'emporta sur l'héritage de Campin et van Eyck. Albrecht Dürer avait également du respect pour le maître ; avec la description correspondante, ce dernier mentionne Rogier avec van der Goes dans son journal d'un voyage aux Pays-Bas. Même au XVIe siècle, de nombreux peintres restent sous l'influence de Rogier, de Bernart Orley à Quentin Massys. Cependant, au fil du temps, l’œuvre de Rogier van der Weyden tomba peu à peu dans l’oubli.

L'intérêt particulier porté à la première peinture néerlandaise en Europe n'est apparu qu'en début XIX siècle. À cette époque, de nombreuses œuvres du maître étaient attribuées à d'autres artistes, principalement Jan van Eyck ou Dürer. Ainsi, on dit qu'en 1815 Johann Wolfgang Goethe a vu « l'autel de l'église Saint-Colomb » (conservé dans

C'est le vrai bourreau ! Combien de fois me suis-je assis pour écrire sur lui (depuis presque un an !), et ça n’a toujours pas fonctionné. Des trucs intéressants, taquin, gisait à la surface, mais en réalité, le sujet s'est avéré très difficile pour moi.

D'une part, il y a catastrophiquement peu d'informations sur lui, d'autre part, il a déjà été largement étudié et tout semble avoir été « mâché ». Mais je ne peux plus rester silencieux ! Je vais simplement enregistrer un flux de conscience mal contrôlé, et vous, si vous le souhaitez, regardez ce simple jeu d'un esprit amateur.

Rogier van der Weyden. Polyptyque "Jugement dernier" (fragment), Hôpital "Hôtel-Dieu" de Beaune, 1445-64.
Rogier n'a pas représenté les mauvais esprits lors de la représentation du Jugement dernier, comme c'était l'usage chez ses collègues. Cela montre que les gens se traînent en enfer, s’entraînant les uns les autres avec eux. Si l’on regarde d’autres fragments du panneau, on constate que certains pécheurs se mordent : on croyait généralement que le pécheur « se dévore ». Comme c'est sage !
Ici:

Alors, Rogier van der Weyden !

À première vue, c'est simple, comme la Terre Mère, mais d'un autre côté, c'est l'incarnation véritable et la plus complète de la Renaissance du Nord, un point culminant inhabituellement brillant au tournant du gothique tardif et de la Renaissance mature. Une combinaison étonnante d'une interprétation légèrement naïve de la forme et de la couleur avec une expressivité nette de l'image émotions humaines- ce que ni lui ni son brillant rival van Eyck n'avaient jamais réalisé auparavant. Un maître en apparence ennuyeux, mais en même temps très contradictoire.

Dessin-portrait de Roger de la Pastura, dessiné par un de ses condisciples dans l'atelier de Campin.

Rogier van der Weyden dans une gravure du XVIIe siècle. On dirait qu'il a été réalisé à partir de ce même dessin.

Et il y a aussi des questions constantes sur la paternité - des dizaines de peintures (une fertilité incroyable !) sont attribuées à son pinceau, mais la paternité d'aucune d'entre elles n'a été prouvée à 100 %. Je vous ai déjà montré avec l'exemple de "" quel travail infernal c'est de reconnaître qui a peint quel tableau, s'ils sont tous tristement pareils ! Naturellement, une question logique se pose : s’il existe tant d’œuvres attribuées, comment une personne, qui a commencé à dessiner à 27 ans, a-t-elle pu tout créer avant sa mort à 65 ans ? N’y avait-il pas tout un bataillon d’apprentis obéissants qui travaillaient là-dessus ?

Rogier van der Weyden "Descente de Croix", v. 1435
L’une des œuvres émotionnelles les plus puissantes et les plus dramatiques de l’artiste, l’une des rares dont la paternité ne fait pratiquement aucun doute. Les descriptions de la rythmicité claire de la composition, de la symétrie équilibrée, de la « sculpturalité » et de la convexité des figures sont déjà devenues des manuels. La technique signature de Rogier est l'espace limité du fond, le groupe de héros semble être situé dans une niche peu profonde. Cela faisait partie de l'autel; très probablement, ses décorations sculptées et le tableau lui-même formaient une seule composition. Très belle œuvre, même si elle présente encore une utilisation immature de la lumière et de l'ombre, particulièrement évidente dans la représentation des tissus. Et les proportions du corps sont tout simplement un désastre !

Certes, parmi ses collègues de l'atelier, il n'est pas le seul à être aussi « problématique » en matière d'identification ; c'est le triste sort de nombreux artistes de la Renaissance nordique : Jan van Eyck a été confondu avec son frère Hubert, Robert Campin avec Jacques Darais et van der Weyden lui-même, Weyden avec Memling, van der Hus et toute une horde d'étudiants et de disciples anonymes. Et même avec Dürer !

La confusion est née du changement de nom de l'auteur, plus Heure tardive- à cause des erreurs de biographes superficiels. Ainsi, en 1604, l'artiste et écrivain flamand Karel van Mender, inspiré par l'exemple de Giorgio Vasari, rédige son « Livre des Artistes ». La voilà, allongée devant moi. Le contenu indique deux Rogier - l'un est le nôtre, le « correct », et l'autre est « Rogier, peintre brugeois » - clairement une sorte d'erreur. A cette époque, 150 ans s'étaient écoulés depuis la mort de notre héros, et il y avait déjà une confusion avec lui.

La palette d’émotions la plus diversifiée était sous le contrôle de l’artiste. Quoi qu’il en soit, c’est dans son œuvre que nous voyons pour la première fois la représentation la plus détaillée des larmes en peinture.

Et une propriété de plus de son œuvre, qui, me semble-t-il, a presque plongé son nom dans les abîmes troubles de l'oubli, propriété assez paradoxale : il est pathologiquement normal. En quelque sorte trop idéal, impeccable, littéralement rien à redire : il ne s'est pas rebellé et n'a pas été jugé, comme Kampen, ne s'est pas livré au narcissisme, comme Dürer, n'est pas devenu fou, comme Hugo van der Goes, et n'a pas commis de canulars , comme Van Eyck. Il n’a pas passé beaucoup de temps devant les tribunaux européens (enfin, juste un peu), n’a pas pris de notes et n’a presque pas voyagé.

Possible autoportrait de l'artiste, copie en tapisserie du panneau "La Justice de Trajan"

Dans ses œuvres, vous ne verrez ni farces courtoises risquées, ni mauvais esprits infernaux dégoûtants, ni le bleu pittoresque des cadavres. Tout est très sobre, pieux et intelligent. Même dans "Le Jugement dernier", les personnages nus volant vers l'enfer, bien que contorsionnés par l'horreur, semblent tout à fait chastes en lui - ce qui ne constitue pas la moindre nourriture pour la curiosité perverse du spectateur.

Van der Weyden a appris un peu de tout le monde - de son maître Kampen, de ses camarades d'atelier, de Jan van Eyck, avec qui ils travaillaient au même endroit au même moment, et même, très probablement, de ses étudiants - pour ensuite il enseigne à des générations entières de peintres de l'Ecole du Nord, et dans certains endroits aussi à des « Italiens ». Il a absorbé l'esprit de son époque et tous les changements caractéristiques de cette époque, c'est pourquoi sa technique a tant changé au cours de sa vie relativement courte. Cela fait beaucoup de travail pour les historiens de l’art en ce moment !

La tapisserie elle-même. Il a été réalisé à partir d'un panneau pittoresque détruit au XVIIe siècle.

Et il faut aussi tenir compte du fait que le cercle des artistes de cette époque était relativement restreint, comme l'Europe elle-même : trois ou deux villages de ce côté des Alpes et presque le même nombre de l'autre côté. Ils ont tous adopté des techniques artistiques et techniques les uns des autres, utilisé les mêmes sujets et schémas de composition - ce que les experts d'aujourd'hui appellent un beau mot"iconographie"; Je vous l'ai déjà montré dans d'autres posts.

Rogier van der Weyden. "Saint Luc peignant la Vierge à l'Enfant", années 1450
Il a peint au moins 4 de ces peintures. La source est considérée comme celle qui se trouve maintenant au musée de Boston - les scientifiques ont trouvé de nombreux traits et correspondances dans la photographie infrarouge. La popularité de l'intrigue est compréhensible - des "branches de la Guilde de Saint-Luc" existaient dans toute la Flandre, beaucoup d'entre elles commandèrent "Luke" pour leurs locaux. Il est possible que Luke soit un autre autoportrait. Seul le nez était légèrement ". lissé.

Permettez-moi encore de vous rappeler les grandes étapes de son parcours de vie.

Le futur artiste est né dans la ville belge de Tournai dans la famille du coutelier Henri de la Pastura et de son épouse Agnès de Vatrelu. "Knifemaker" ne sonne pas très bien ; on imagine immédiatement un type hirsute portant un aiguiseur rotatif dans les cours et criant d'une voix rauque : "C-comment sont les couteaux tachi-i-i-i-i-t ?!" Papa avait son propre atelier, et ils n'y affûtaient pas les couteaux, mais les fabriquaient - un métier très respectable et rentable. On suppose même que Roger-Rogier aurait pu recevoir une formation universitaire, sinon il est difficile d'expliquer pourquoi il a commencé à étudier en tant qu'artiste si tard - à l'âge de 27 ans, alors que ses parents envoyaient généralement leur progéniture comme apprenti chez des artistes alors qu'ils étaient encore à la puberté.

"Madone du Chancelier Rolin". Jan van Eyck.
Cela ne vous rappelle rien ?

Mais un autre maître flamand inconnu s'est inspiré de quelque chose (vers 1475).

Nous avons un peu sauté. Le garçon est né dans la famille Pastur en 1399 (selon d'autres sources - en 1400) et ils l'ont nommé... Roger. C'est lui qui prit plus tard le nom nordique « Rogier van der Weyden » : « weiden » (néerlandais) est une traduction littérale du français « pâturage » - « pâturage ». Ainsi, s'il avait déménagé de Tournai non pas à Bruxelles, mais à Tver, par exemple, il serait devenu une sorte de Zhora Lugovoi, et à Poltava il y aurait eu Yurko Levada.

On ne sait pas ce que Roger a fait jusqu'à l'âge de 26 ans. À en juger par le style de certaines de ses peintures, certains chercheurs suggèrent qu'il aurait pu être auparavant sculpteur ou tailleur de pierre - beaucoup de ses œuvres ressemblent à des bas-reliefs peints. Ceci n'est pas exclu, car en plus des ateliers d'art à Tournai, il existait une école de sculpture très réputée. On suppose également que, comme Dürer, il aurait pu débuter comme bijoutier. Il est fort possible qu'il ait d'abord enluminé des manuscrits ; certaines illustrations lui sont attribuées avec une forte probabilité ;

Rogier van der Weyden, Portrait de dame, années 1440.
Les chercheurs n'excluent pas que l'artiste ait représenté sa femme Elizabeth dans le tableau.

En 1426, le père de Roger décède, son fils vend son atelier (apparemment, il était le seul héritier) et... vous pensez probablement qu'il a eu une inspiration incontrôlable, et qu'il s'est précipité pour peindre des archanges ? Mais non, il s'est marié. Son choix s'est porté sur la fille Elisabeth Goffard, la fille d'un riche cordonnier bruxellois Jan Goffard (rien de commun non plus avec le paria grossier qui frappe avec un marteau sur un « kirzach » dans une cabine sale).

Apparemment, l'héritage laissé par son père a permis à Roger, qui avait fondé une famille, de renoncer temporairement à gagner de l'argent, quoi qu'il fasse, et de s'inscrire à une formation. Son professeur était le mystérieux « », qui est maintenant communément identifié comme étant Robert Campin. Il est intéressant de noter qu'à cette époque Roger était déjà mentionné dans des documents comme « Maître Roger de la Pastour », ce qui confirme l'hypothèse selon laquelle il était déjà maître dans un autre domaine.

Rogier van der Weyden. Autel "Sept Sacrements", panneau central. 1440-1445. Il n’y a pas moins de drame que dans « La Descente de Croix ». Détails:

Ce qui est arrivé à Roger pendant son apprentissage, nous ne pouvons que le deviner - il a lavé les toilettes avec une brosse à dents, frotté la peinture, apprêté les planches, complété des détails mineurs avec lesquels le maître était trop paresseux pour se soucier. J'ai copié, bien sûr, puis j'ai fait quelque chose par moi-même. Il a étudié pendant 5 ans et nous ne connaissons pas le niveau initial de ses compétences. Lui, comme son professeur, ne signait pas ses œuvres, et même à cette époque, on croyait que toutes les œuvres qui sortaient de l'atelier (et étaient vendues, bien sûr) étaient la propriété du maître, tous les revenus lui revenaient. .

Rogier van der Weyden "Lamentation du Christ", 1441
Je ne suis pas entièrement sûr qu'il s'agisse de Vayden lui-même - il a des contours plus nets et plus contrastés, et il n'y a de halo nulle part ailleurs.

Technique premières œuvres Roger ressemble tellement à celui de Kampen qu'il est presque impossible de déterminer où finit Kampin et où commence de la Pastour. Au fil du temps, les compétences de l’élève se renforcent, il acquiert des traits individuels (également changeants et peu perceptibles), mais au début des années 1430, s’il participe à certains tableaux de « l’Atelier de Robert Campin », il le fait en restant anonyme.

Je ne sais pas comment Madame de la Pastour supportait alors « l’apprentissage » de son mari trop âgé ; peut-être pendant tout ce temps on lui rongeait la dot et son héritage ; En même temps, il ne semble pas qu'ils aient été dans la pauvreté, en tout cas, tout était en ordre avec leur fonction reproductive : en peu de temps, ils ont eu quatre enfants - Cornelius, puis Margarita, Peter et Jan. L'un des fils devint finalement moine chartreux ; la fille, malheureusement, mourut très jeune.

Pieta, retable de Miraflores, panneau central, 1435-1438
Quelle tristesse et quelle tendresse ! Si l’on ignore le divin, quelle tragédie monstrueuse cette femme a vécue ! Et Rohyr, peut-être mieux encore, a montré son chagrin avec respect et délicatesse.

Pieta (copie de la précédente), Atelier Van der Weden

La formation prit fin en 1432, lorsque son professeur marié « s'égara » avec une certaine fille, et il fut jugé. En guise de punition, il fut préparé pour un voyage de pèlerin vers L'année entière, et il est contraint de fermer l'atelier pour cette fois, libérant de bonne heure les deux élèves les plus célèbres du futur : Jacques Darais et Roger de la Pastour. Tous deux ont reçu le titre de master et la possibilité de recruter leurs propres étudiants. Certes, le « pèlerinage » de Capen fut rapidement annulé après l’intervention de puissants mécènes, mais les étudiants avaient déjà fui.

Rogier van der Weyden. "Crucifixion", triptyque, 1445
Sur l'aile gauche se trouve Marie-Madeleine, à droite se trouve Sainte Véronique avec un châle. La mère, bouleversée par le chagrin, dans le panneau du milieu, serre le pied de la croix - c'était une sorte d'innovation auparavant, seule Marie-Madeleine était représentée dans une telle exaltation ; Panneau du milieu (avec les donateurs - leur présence sur la photo juste à côté du crucifix n'était pas non plus acceptée auparavant).

Le nouveau maître de la Pastour entra dans la Guilde des Artistes de Saint-Luc dans la ville de Tournai, mais n'y resta pas longtemps. En 1435, il rassemble sa famille et part pour Bruxelles, pays natal de son épouse. Il est possible qu'il y ait été invité en tant que maître mature déjà célèbre, puisqu'à son arrivée il a été presque immédiatement nommé au poste honorifique de principal peintre de la ville.

Il s'agit d'une miniature de la première page des Chroniques du Hainaut en trois volumes, réalisée pour le duc de Bourgogne Philippe le Bon en 1447. Jean Vauquer a travaillé sur le texte, Rogier van der Weyden sur les illustrations. On pense que Jean Vauquer est représenté agenouillé avec un livre, mais il me semble que cet homme ressemble à Rogier lui-même. Dans l'embrasure de la porte en robe bleue et chaperon noir se trouve le chancelier Nicolas Rolin, au centre, bien sûr, Phillip lui-même, à sa droite se trouve le jeune duc Charles le Téméraire, le dernier homme de la famille, comme il s'est avéré.

Ici, il est devenu Rogier van der Weyden, car c'était la partie « néerlandophone » de la Flandre, contrairement à Tournai francophone. Rogier devient rapidement célèbre et populaire ; il reçoit des ordres « municipaux » et ecclésiastiques, ainsi que des ordres de nobles proches de la cour du duc de Bourgogne Philippe le Bon.

Une autre "Crucifixion", 1445. Cette fois, le donneur est sur un lambeau séparé.

Encore une chose, 1445
Comment, comment le distinguent-ils de Kampen ?!

L'artiste de cour le plus vénérable (et le plus âgé) de l'époque était Jan van Eyck, mais il n'y avait pas de concurrence ou de conflit sérieux entre eux, sinon pourquoi Rogier aurait-il «emprunté» la composition du «» de Vaneykov pour son «Saint Luc». Jan van Eyck n'était pas seulement le peintre de la cour de Philippe le Bon, il était son ami et confident, l'exécutant d'importantes commandes délicates (j'en ai déjà parlé). De plus, van Eyck mourut en 1441 et de longues années Rogier van der Weyden devient le principal peintre de la Bourgogne (et de la Flandre, qui en fait partie).

"Lamentation" ("Pieta" signifie la même chose), années 1460

La première grande commande de la ville fut une série de quatre immenses tableaux, La Justice de Trajan, pour la grande salle du tribunal de Bruxelles. Cette œuvre grandiose n'a pas survécu ; nous ne disposons que d'une copie en tapisserie et de souvenirs documentés de témoins oculaires. Ces documents indiquent que Rogier s'est représenté lui-même dans l'un des panneaux, on peut donc deviner à quoi il ressemblait. Il existe également des croquis de contemporains ; un portrait graphique a été conservé, qui représente très probablement Rogier van der Weyden. Il a été dessiné par l'un de ses camarades alors qu'il étudiait encore avec Kampen. En effet, il ressemble au type de la tapisserie.

Cette version de la « Mise au Tombeau », écrite en 1450, à son retour de Rome, est intéressante. Solution compositionnelle Rogier l'a adopté des Italiens.

Fra Angelico "Mise au Tombeau", 1438-1440 (Weyden a claqué sa composition !)

Rogier exécute également des commandes pour le tout-puissant chancelier Rolin, que Van Eyck a également écrit ("Madonna of Chancellor Rolin", très). Pour lui, il réalise un autel grandiose pour l'hôpital de Dieu, « Le Jugement dernier », une de ses œuvres emblématiques.

Le chancelier bourguignon Nicolas Rolin "interprété" par Jan van Eyck (à gauche, fragment de "La Madone de Rolin") et Rogier van der Weyden (à droite, fragment du polyptyque "Jugement dernier").

À en juger par les rares faits historiques, ce n’est pas seulement dans les thèmes principaux des peintures de Rogier van der Weyden que se manifeste sa profonde religiosité. C'était un homme sincèrement pieux et pieux, un généreux donateur. Il donnait régulièrement de l'argent au monastère où vivait son fils, ainsi qu'à la Fondation chrétienne Ter Kisten à Bruxelles. Rogier était membre de la Confrérie de Sainte-Croix, en plus de dépôts en espèces, a également fait des cadeaux « pittoresques » aux églises - comme je le dis, il n'y a tout simplement rien à quoi s'accrocher ! Au moins, je pourrais me battre avec quelqu'un une fois !

"Descente de Croix", années 1460

En 1450, Rogier visita Rome, probablement pour un voyage de pèlerinage. La fille de l’artiste est décédée récemment ; peut-être est-il allé en Italie pour vénérer des sanctuaires, prier pour les défunts et acheter une indulgence pour expier ses péchés. Naturellement, il rencontre plusieurs artistes et reçoit même de nombreuses commandes de la noblesse italienne. Son style de peinture change également un peu : Rogier est très réceptif à tout ce qui est nouveau.

Une solution coloristique très intéressante pour cette « Crucifixion », années 1460. Rogier utilise le contraste de manière virginale blanc vêtements non canoniques et tissu rouge sang en arrière-plan. Une autre « invention » intéressante de sa part : les « ailes » gonflées du bandeau du Christ, symbolisant la résurrection et l’ascension imminentes.

Aujourd'hui, nous avons examiné plusieurs de ses œuvres et j'en ai commenté certaines. Naturellement, étant donné qu’aujourd’hui c’est le Vendredi Saint, le thème n’est pas amusant ; nous reviendrons plus tard sur ses autres tableaux.

Et quelques œuvres supplémentaires pour vous par des adeptes et des « complices » :

"Descente de Croix", Gênes. Copie

"La Descente de Croix" 1490, copie.

Atelier de Weiden, Retable de Jeanne de France, 1450-70

Pieta (atelier de Rogier van der Weyden), v. 1464

Atelier de Rogier van der Weyden, Pieta, 1464

Disciple de Rogier van der Weyden "Crucifixion" 1510

Atelier de Rogier van der Weyden, retable des Sforza, 1460

Une copie intéressante de la célèbre « Descente de Croix » - avec des portes latérales préservées, contrairement à l'original. Il s'agit de l'autel Edelhiri d'auteur inconnu, 1443. Conservé à Louvain.

"Descente de Croix" Disciple de Rogier van der Weyden, Bruxelles, années 1470

C'est un peu hors sujet - une copie de "Descente de Croix" de Robert Campin, mais le style est le même.

"Descente de Croix", artiste du cercle Rogier van der Weyden, années 1460

"La Descente de Croix", disciple de Rogier van der Weyden

Ne vous inquiétez pas, tout ira bien dans quelques jours !

PS. Ouf, j'ai enfin écrit sur lui !

Pour me sentir présent dans le temps et dans le lieu, je me suis permis d'utiliser le plugin de vieillissement d'image. Le travail de maquillage et de costumes a été si bien et proprement réalisé qu'on pouvait résister à l'envie de se plonger visuellement dans l'époque. superbe peinture, seulement avec notre héroïne, cela s'est avéré difficile. Par conséquent, j'invite toutes les personnes intéressées à consulter la page "Description des travaux de maquillage", où vous pourrez voir attentivement, de tous les côtés, et en même temps vous assurer qu'il s'agit d'un véritable travail de maquillage et qu'il est à 100% original. Habituellement, je n'enlève même pas les sourcils recouverts de gomme (malheureusement, on ne peut pas raser le modèle), pour qu'il soit clair qu'il s'agit d'un travail sans corrections informatiques. A.A. Churya

Maquillage pour la rétrospective historique du tableau « Portrait d’une jeune femme » de Rogier van der Weyden

"Portrait d'une jeune femme à la coiffe" (vers 1435), attribué à Rogier van der Weyden. Traditionnellement, il est considéré comme un portrait d’Elisabeth Gofferts, épouse de l’artiste, fille d’un cordonnier bruxellois.

Rogier van der Weyden.
"Portrait d'une jeune femme coiffée"

À l’époque de van der Weyden, les artistes présentaient rarement le modèle de manière à ce qu’elle « établisse un contact visuel » avec le spectateur, même si c’est cette technique qui confère au portrait un caractère intime. Le tableau, comme une photographie, représente une femme qui allie toute la beauté et la dignité du monde qui l'entoure. Les vêtements relativement simples du mannequin indiquent très probablement qu’il s’agit d’une femme de la classe moyenne. Cette dédicace à sa bien-aimée n'est pas typique de Van der Wein, qui écrivait sur des thèmes religieux, mais reconstituait néanmoins le trésor de la peinture mondiale.

Gravure tirée du livre « Famous Dutch Artists » de I. Bullaert, publié en 1682 à Amsterdam. Portrait de Roger van der Weyden. Auteur artiste De Bolonois.

Le Grand Flamand - c'est ainsi que Jean (Juan) II appelait Rogier van der Weyden (1399/1400-1464), un maître exceptionnel de la peinture hollandaise. Rogier van der Weyden (alias Rogier de la Pature ; Rogier de la Pasture) est un personnage célèbre et mystérieux. Bien qu'il soit l'un des artistes les plus marquants de la peinture flamande du XVe siècle, nous savons très peu de choses sur sa vie. Pas un seul tableau signé de lui ne nous est parvenu, et celles de ses œuvres mentionnées dans les documents sont décrites de manière si approximative qu'elles ne peuvent être identifiées. Son travail sur une longue période et temps différent attribué soit à Jan van Eyck, puis à Robert Campin, soit à Albrecht Dürer. Ce n'est que grâce à la curiosité bien connue des artistes préraphaélites qu'au XIXe siècle il y a eu un regain d'intérêt pour l'art de la Renaissance du Nord, et en même temps pour l'œuvre de van der Weyden. En étudiant minutieusement l'héritage de ce maître, il s'est avéré que de tous les primitivistes hollandais, c'était van der Weyden qui avait la plus grande influence en mouvement la poursuite du développement art Europe du Nord. Son œuvre est une synthèse du gothique international et des innovations audacieuses de van Eyck, elle se rapproche donc à la fois des peintres restés fidèles à la tradition et de ceux qui cherchaient à aller de l'avant. Van der Weyden était le peintre officiel de Bruxelles et travaillait pour la cour du duc de Bourgogne, et ses portraits et retables profanes étaient également populaires.
Rogier van der Weyden est également connu comme un portraitiste exceptionnel. Beaucoup de ses portraits sont des diptyques composés d'une image de la Vierge (« Vierge à l'Enfant » du diptyque « Philippe de Croix ») et d'une demi-figure du client (« Portrait de Philippe de Croix »). L’artiste a également peint des portraits uniques (« Portrait de Francesco d’Este », « Portrait de Philippe le Bon », « Portrait de Charles le Téméraire »), notamment féminins (« Portrait de jeune femme »).

Costumes et mode. Chapeaux

La coiffure préférée des femmes nobles de la période gothique tardive (XIVe siècle) était l'ennen - un chapeau en forme de cône avec une traîne, un attribut indispensable des fées. Ennen (autres variantes : ennin, gennin et hennin) – en français « au hennin », qui se traduit par « cornu ». L'Ennen était fabriqué à partir de papier rigide ou de lin amidonné, et de la soie ou d'un autre tissu coûteux était tendu dessus.

Une casquette « à cornes » était considérée comme à la mode, dont la forme était créée par une coiffure à rouleaux latéraux, une casquette en forme de « double pain de sucre » ou en forme de « voile ». Sa hauteur dépendait du degré de noblesse. Il s'agissait de chapeaux à une ou deux pointes, auxquels était parfois ajouté un voile. Ennin, couvrant ses cheveux, laissait son grand front ouvert, dont la taille était créée par les cheveux artificiellement rasés du haut. Les casquettes atteignaient des dimensions telles qu'elles donnèrent lieu à un témoin oculaire qui écrivit : « À côté des dames vêtues d'ennin, nous nous sentions comme des buissons pathétiques dans une forêt de chênes. »
La variété des casquettes était fantastique et l'échelle incroyable. Ils étaient faits de lin et de soie transparente, de taille énorme et de forme modeste, de tissu dur et doux sur un cadre drapé de manière élaborée et complexe. Les femmes et les servantes des artisans se couvraient la tête de voiles qu'elles drapaient adroitement et les disposaient de la manière la plus pittoresque. Avocat de Gibet (cornette, avocat de gibet, cornette)-une coiffe de femme ancienne en forme de bonnet à deux cornes. Ce style de coiffure a été porté pendant de nombreuses années par les classes moyennes et est célèbre parce que la célèbre écrivaine médiévale Christine de Pizan a représenté des femmes portant de telles coiffes. La coiffe elle-même était connue à cette époque sous le nom d'« Attor de Gibe » et était d'origine bourguignonne-française. Cela fait écho au style de coiffure appelé « L'Arbre en Croix » (également connu sous le nom de « Gibet ») porté par la princesse Béatrice, comtesse d'Arundel.
Les grilles qui projettent les "cornes" sur les côtés de Cross Tree Headdress sont en réalité verticales sur Attor de Gibe et sont appelées "Templettes". Ces templettes ressemblent à des cornes et des couvertures très amidonnées y sont attachées avec des épingles. (Selon une version - "longues épingles en argent"). Parfois, des bijoux, en or ou en argent, décoraient les templettes de la coiffe en plus du lin ou de la gaze blanche comme neige habituelle. Ce style était naturellement élégant dans sa simplicité.