Groupes de blues. Les artistes de blues les plus célèbres

Blues, vaste couche culture musicale, est apparu il y a plus de cent ans. Ses origines sont à rechercher sur le continent nord-américain. Le style de la musique blues a été initialement déterminé par les tendances du jazz et son développement ultérieur a été totalement indépendant.

Le blues est divisé en deux styles principaux : « Chicago » et « Mississippi Delta ». De plus, la musique blues a six directions dans la structure de composition :

• spirituels - une mélodie lente et réfléchie, pleine de tristesse désespérée ;
• gospel (évangile) - hymnes d'église, généralement Noël ;
• soul - caractérisé par un rythme sobre et un riche accompagnement d'instruments à vent, principalement des saxophones et des trompettes ;
• swing - un motif rythmique varié qui peut changer de forme au cours d'une mélodie ;
• boogie-woogie - musique très rythmée et expressive, généralement jouée au piano ou à la guitare ;
• rythme et blues (R&B) - compositions généralement luxuriantes et syncopées avec des variations et des arrangements riches.

Les artistes de blues sont, pour la plupart, des musiciens professionnels expérimentés activités de concerts. Et ce qui est caractéristique, c'est que parmi eux, vous n'en trouverez pas de formés académiquement ; chacun maîtrise deux ou trois instruments et a une voix bien entraînée.

Patriarche des Bleus

La musique sous quelque forme que ce soit est une affaire responsable. Par conséquent, en règle générale, les artistes de blues se consacrent sans réserve à leur œuvre préférée. Un bon exemple en est le patriarche du blues récemment décédé, B.B. King, une légende à sa manière. Les artistes de blues de tout niveau pourraient l’admirer. Musicien de 90 ans dernier jour n'a pas lâché la guitare. Son carte de visite Il y avait une chanson intitulée The Thrill Is Gone, qu'il interprétait à chaque concert. B.B. King était l'un des rares musiciens de blues, qui s'est tourné vers les instruments symphoniques. Dans la composition The Thrill Is Gone, le fond est créé par un violoncelle, puis au bon moment, « avec la permission » de la guitare, les violons entrent, menant leur partie, s'entrelaçant organiquement avec l'instrument soliste.

Voix et accompagnement

Il y a beaucoup d’artistes intéressants dans le blues. La reine de la soul Aretha Franklin et Anna King, Albert Collins et l'inégalable Wilson Pickett. L'un des fondateurs du blues, Ray Charles, et son disciple, Rufus Thomas. Grand maître l'harmonica Curry Bell et le virtuose vocal Robert Gray. Vous ne pouvez pas tous les énumérer. Certains artistes de blues partent et de nouveaux prennent leur place. Des chanteurs talentueux et il y a toujours eu des musiciens et, espérons-le, il y aura des musiciens.

Les artistes de blues les plus célèbres

Parmi les plus chanteurs populaires et les guitaristes peuvent être distingués comme suit :

• Loup hurlant ;
• Albert Roi ;
• Copain Guy ;
• Bo Diddley ;
• Sceaux solaires ;
• James Brown ;
• Jimmy Reed ;
• Kenny Neal ;
• Luther Ellison ;
• Des eaux boueuses;
• Otis Rush ;
• Sam Cooke ;
• Willie Dixon.

Nous allons maintenant examiner les meilleurs groupes de blues rock du monde entier. En plus de cela, je vais vous donner une liste de bons albums et Groupes russes pour ce genre.

Les meilleurs groupes de blues rock

La combinaison du blues et des premiers rocks pour développer le genre blues rock ne s’est pas faite en vase clos. C’est en grande partie l’invention des enfants blancs britanniques. Ils étaient amoureux des disques de blues de Muddy Waters, Howlin' Wolf et d'autres artistes importés en Grande-Bretagne.

Les parrains du blues, Alexis Korner et John Mayall ont créé le genre. Elle résonne encore aujourd’hui dans le cœur de nombreux auditeurs. Voici les premiers et les meilleurs artistes de blues rock.

Alexis Korner (Alexis Korner)

Connu comme " père du blues britannique" Musicien et chef d'orchestre, Alexis Korner faisait partie intégrante de la scène blues des années 1960 en Angleterre.

Son propre groupes de musique a contribué à la popularisation du blues. Et au début de cette décennie, Korner a joué avec une longue liste de musique royale britannique.

Dans toute son œuvre, il n’a jamais connu un énorme succès commercial. Ainsi, son influence sur le développement du blues rock ne fait aucun doute. On ne peut pas en dire autant de ses pairs et de ses jeunes assistants.

John Mayall (John Mayall)

Le musicien britannique John Mayall a apporté une contribution significative au développement de genres tels que le jazz, le blues et le blues rock au cours de ses cinquante années de carrière.

Il découvre et commence à développer les talents instrumentaux d'Eric Clapton, Peter Green et Mike Taylor.

Mayall a beaucoup d'albums dans ses bagages. Ils présentent du blues, du blues rock, du jazz et des styles musicaux africains.

Peter Green et Fleetwood Mac

Fleetwood Mac est principalement connu dans le monde entier pour être un groupe pop rock révolutionnaire en tête des charts. Dirigé par le guitariste Peter Green, le groupe s'est fait un nom en tant que groupe de blues psychédélique.

Le groupe a été formé en 1967. Et elle a sorti son premier en 1968. Combinaison de compositions originales et de pochettes de blues, l'album est devenu un succès commercial au Royaume-Uni, passant un an dans les charts.

En 1970, à cause de sa maladie, Peter Green quitte le groupe. Mais même après son départ, Fleetwood Mac a continué à se produire et à travailler sur de nouvelles compositions.

Rory Gallagher et le goût

Dans la seconde moitié des années 1960, au plus fort de la mode du blues rock britannique, sous l'influence de la foule, Rory Gallagher donne des performances de son groupe Taste.

Grâce à leur sens du spectacle dynamique, le groupe a tourné avec les superstars Yes et Blind Faith. Elle s'est même produite en 1970 sur l'île de Wight.

Le groupe a été formé en 1966 par Rory Gallagher, le bassiste Eric Keatherin et le batteur Norman Damery.

Après un concert au Royaume-Uni, le groupe de Rory Gallagher se sépare.

Après avoir déménagé à Londres, ce guitariste de vingt ans collectionne nouvelle version son groupe Taste avec le bassiste Richard McCracken et le batteur John Wilson. Après la signature d'un contrat avec Polydor, l'enregistrement et les tournées commencent aux États-Unis et au Canada.

Depuis des décennies Le Roulant Les Stones étaient le groupe de rock le plus cool de la planète. Elle avait des albums à succès. Surtout aux USA. C'est pourquoi les musiciens connaissent beaucoup de succès. Leur contribution au développement de la musique rock est énorme.

Les Yardbirds et le blues rock britannique

Les Yardbirds étaient l'un des groupes de blues rock britanniques les plus influents et innovants du début des années 1960. Leur influence se fait sentir bien au-delà de leurs succès commerciaux éphémères.

Formé au début des années 1960 sous le nom de quatuor Blues Metropolis, le groupe était connu en 1963 sous le nom de Yardbirds.

Composé du chanteur Keith Relf, ​​des guitaristes Chris Drach et Andrew Topham, du bassiste Paul Samwell-Smith et du batteur Jimi McCarthy, le groupe s'est rapidement fait un nom avec un mélange électrisant de Blues classique et de R&B.

Le premier album des Yardbirds s'appelait Five Live Yardbirds. Il a été enregistré en 1964 au Marquee club. Les artistes ont commencé à ajouter des éléments de musique pop, rock et jazz.

Eric Clapton quitte le groupe en 1965 pour jouer du blues pur avec les Bluesbreakers de John Mayall. Le nouveau guitariste Jeff Beck a apporté une nouvelle dimension au son du groupe. En 1968, l'équipe se sépare.

Les meilleurs albums de blues-rock

Ci-dessous, je souhaite présenter les meilleurs albums de blues rock. Je vous recommande de les écouter à votre guise. Voici la liste :

Où joué : Jefferson Airplaine, Jefferson Starship, Starship, La Grande Société

Genres : rock classique, blues rock

Ce qui est cool : Grace Slick est la chanteuse principale du légendaire groupe psychédélique Jefferson Airplane. Possédant non seulement une voix envoûtante, mais aussi une apparence séduisante (les yeux seuls valent le coup !), elle devient un véritable sex-symbol des années 1960, et les chansons White Rabbit et Somebody to Love composées par elle deviennent des classiques du rock. La voix puissante de Grace Slick a ouvert de nouvelles dimensions au rock féminin et l'a amenée à la 20e place sur la liste des « 100 plus grandes femmes du rock and roll ». Malheureusement, son penchant pour les comportements choquants et sa dépendance à l’alcool et aux drogues ont considérablement brouillé sa carrière. Cependant, après avoir quitté le monde de la musique en 1990, Grace se retrouve dans les arts visuels. Une partie importante créativité artistique réaliser des portraits de collègues de la scène rock.

Citation: J'ai alors chanté avec une telle force et une telle colère que les femmes de cette époque avaient peur de le montrer. J'ai réalisé par moi-même qu'une femme peut ignorer les stéréotypes et faire ce qu'elle veut.

Mariska Vérès

Photo - Ricky Noot →

Où joué :: Shocking Blue, carrière solo

Genres : rythme et blues, rock classique

Qu'est-ce qui est cool: Mariska Veres est propriétaire de l'un des plus puissants et belles voix dans la musique rock, une beauté époustouflante et... une fille incroyablement timide et vulnérable. Compte tenu des mœurs de la fin des années 60 et du début des années 70, on peut imaginer à quel point cela a été difficile pour elle. Quoi qu’il en soit, Shocking Blue a atteint le sommet de la renommée musicale et s’est immortalisé ainsi que son travail en grande partie grâce à Mariska. Et même les animaux de compagnie de chaque foyer connaissent leur omniprésente Vénus presque par cœur.

Citation: Avant, j’étais juste une poupée peinte ; personne ne pouvait s’approcher de moi. Maintenant, je suis plus ouvert aux gens.

Janis Joplin

Photo - David Gahr →

Où joué : Big Brother & The Holding Company, Kozmic Blues Band, Full Tilt Boogie Band

Genres : blues-rock

Ce qui est cool : L'une des membres du fameux Club 27. Pour elle courte vie Janis Joplin n'a réussi à sortir que quatre albums, dont un après sa mort, mais cela n'empêche pas les critiques du monde entier de la considérer comme la meilleure chanteuse de blues blanc et l'une des plus grandes chanteuses de l'histoire de la musique rock. Joplin a reçu plusieurs prix majeurs, mais encore une fois à titre posthume - en 1995, elle a été intronisée au Rock and Roll Hall of Fame, en 2005, elle a « reçu » un Grammy pour réalisations exceptionnelles, et en 2013, une étoile a été dévoilée en son honneur sur le Hollywood Walk of Fame. Son activité créative a commencé en 1961, en grande partie sous l’influence des beatniks alors populaires, en compagnie desquels la jeune fille a passé l’été 1960. Joplin était considérée comme inhabituelle, voire étrange - elle venait aux cours à l'université en jean Levi's, marchait pieds nus et emportait partout avec elle une cithare au cas où elle voudrait chanter. Un tournant dans la carrière de Joplin a été sa prestation au sein de Big Brother & The Holding Company au festival de Montreuil. Ensuite, le groupe s'est même produit deux fois parce que le réalisateur Pennebaker voulait les enregistrer sur pellicule. On peut beaucoup parler des réalisations de Janice : malgré sa courte vie, elle a accompli beaucoup de choses. Il suffit de participer au festival culte de Woodstock en 1969 sur la même scène avec The Who et Hendrix. Les différends sur la cause du décès du chanteur sont toujours en cours. Certains disent que tout est à blâmer la toxicomanie, certains insistent sur le fait qu'il s'agissait d'un suicide. D'une manière ou d'une autre, nombreux sont ceux qui s'accordent à dire que la spontanéité et la mort prématurée est devenu une plaisanterie très cruelle du destin, car à ce moment-là, la vie de Joplin a commencé à s'améliorer - elle se mariait et n'avait pas consommé d'héroïne depuis longtemps. Mais elle n’était toujours pas contente.

Citation: Je fais l'amour à vingt-cinq mille personnes dans un stade et je rentre seul chez moi.

Annie Haslam

Photo - R.G. Daniel →

Où joué : Renaissance, carrière solo

Genres : rock progressif, rock classique

Ce qui est cool : Tous les sondages comme « Meilleur chanteur progressif » perdent rapidement leur intrigue si Annie figure sur la liste. Et ce n'est pas surprenant pour vous si vous avez entendu au moins une chanson qui lui est chantée. La voix pure de Haslam, s'élevant vers des hauteurs transcendantales, apparemment fragile, mais en même temps assez puissante, à cinq octaves, l'a amenée, ainsi que des foules de fans de la Renaissance, dans les années 70. Ensuite - une carrière solo réussie en tant que chanteur et artiste, une lutte heureusement victorieuse contre le cancer et des réunions périodiques du groupe pour des performances live.

Citation: Je me suis toujours demandé : nous étions si uniques et nous le sommes toujours, alors n'aurions-nous pas dû faire plus que ce que nous avons fait ? Au moins, nous aurions dû filmer tous nos spectacles. Nous devions écrire autant que possible. Nous n'avons pratiquement rien fait.

Lance est l'un des rares guitaristes à pouvoir se vanter d'avoir débuté sa carrière carrière professionnelleà 13 ans (à 18 ans, il avait déjà partagé la scène avec Johnny Taylor, Lucky Peterson et Buddy Miles). Dès son plus jeune âge, Lance est tombé amoureux des guitares : chaque fois qu'il passait devant un magasin de musique, son cœur manquait un battement. Toute la maison de l'oncle Lance était remplie de guitares, et quand il est venu vers lui, il ne pouvait pas s'arracher à cet instrument. Ses principales influences ont toujours été Stevie Ray Vaughn et Elvis Presley (le père de Lance, d'ailleurs, a servi avec lui dans l'armée et ils sont restés des amis proches jusqu'à la mort du roi). Désormais, sa musique est un mélange combustible du blues-rock de Stevie Ray Vaughan, du psychédélisme de Jimi Hendrix et du mélodisme de Carlos Santana.

Comme tous les vrais bluesmen, sa vie personnelle est un trou noir et sans espoir, sans parler des problèmes de drogue. Mais cela ne fait que stimuler sa créativité : entre de longues beuveries, il enregistre des albums inédits qui se veulent les plus entraînants. Lance a écrit la plupart de ses chansons sur la route, car il a longtemps joué dans des groupes de bluesmen célèbres. Son éducation musicale lui permet de passer d'un genre à l'autre sans perdre son son unique. Alors que son premier album Wall of Soul était du blues-rock, son album de 2011, Salvation From Sundown, s'appuyait fortement sur le blues traditionnel et le R&B.

Si vous pensez que le vrai blues ne peut s’écrire que si son auteur est constamment hanté par le malheur, alors nous vous prouverons le contraire. Ainsi, en 2015, Lance s'est débarrassé de sa dépendance à la drogue et à l'alcool, puis s'est marié et a formé l'un des supergroupes les plus cool de la dernière décennie - Supersonic Blues Machine. Sur l'album, vous pouvez entendre le batteur de session Kenny Aaronoff (Chickenfoot, Bon Jovi, Alice Cooper, Santana), Billy Gibbons (ZZ Top), Walter Trout, Robben Ford, Eric Gales et Chris Duarte. Il y a beaucoup de musiciens uniques ici, mais leur philosophie est simple : un groupe, comme une machine, se compose de plusieurs parties, et leur force motrice est le blues.

Robin Trower

Photo - timesfreepress.com →

Robin est considéré comme l'un des musiciens clés qui ont façonné la vision du blues britannique dans les années 70. Il débute sa carrière professionnelle à l'âge de 17 ans, en créant sa bien-aimée Le groupe Les Rolling Stones de l’époque étaient les Paramounts. Cependant, son véritable succès survient lorsqu'il rejoint Procol Harum en 1966. Le groupe a grandement influencé son travail et l’a mis sur la bonne voie.

Mais elle jouait du rock classique, on remonte donc immédiatement en 1973, lorsque Robin décide de se lancer dans une carrière solo. A cette époque, il écrivait beaucoup musique de guitare, il a donc été contraint de quitter le groupe. Le premier album de Twice, Removed From Yesterday, a à peine été classé, mais malgré cela, son prochain album, Bridge Of Sights, a immédiatement atteint la première place et se vend à ce jour à 15 000 exemplaires par an dans le monde.

Les trois premiers albums du power trio sont célèbres pour leur son hendrixien. Pour la même raison - pour sa savante combinaison de blues et de psychédélisme - Robin est surnommé le Hendrix « blanc ». Le groupe comptait deux membres forts - Robin Trower et le bassiste James Dewar, qui se complétaient parfaitement. L'apogée de leur créativité survient en 1976-1978, avec les albums Long Misty Days et In City Dreams. Déjà sur le 4ème album, Robin commence à se recentrer sur le hard rock et le classic rock, repoussant le son blues au second plan. Cependant, il ne s’en est pas complètement débarrassé.

Robin était également célèbre pour son projet avec le bassiste de Cream, Jack Bruce. Ils ont sorti deux albums, mais toutes les chansons ont été écrites par Trower seul. Les albums présentent à la fois la guitare coassante de Robin et le son aigu et funky de la basse de Jack, mais les musiciens n'aiment pas cette collaboration et leur projet a rapidement cessé d'exister.

JJ Calé

Jean dans littéralement le musicien le plus modeste et exemplaire du monde. C'est un gars simple avec une âme de village, et ses chansons, calmes et émouvantes, reposent comme un baume sur l'âme au milieu d'inquiétudes constantes. Il était vénéré par les icônes du rock Eric Clapton, Mark Knopfler et Neil Young, et le premier a rendu son travail célèbre dans le monde entier (les chansons Cocaine et After Midnight ont été écrites par Cale et non par Clapton). Il a mené une vie calme et mesurée, qui n'a rien à voir avec la vie de la rock star qu'il est considéré comme étant.

Cale a débuté sa carrière dans les années 50 à Tulsa, où il partageait la scène avec son ami Leon Russell. Pendant les dix premières années, il a rebondi de la côte sud à la côte ouest, jusqu'à ce qu'il s'installe en 1966 au club Whiskey A Go Go, où il a joué en première partie de Love, The Doors et Tim Buckley. La rumeur disait que c'était Elmer Valentine, le propriétaire du club mythique, qui l'aurait baptisé JJ pour le distinguer de John Cale, membre du Velvet Underground. Cependant, Cale lui-même a qualifié cela de canard, car les Velvet Underground étaient peu connus sur la côte ouest. En 1967, John enregistre l'album A Trip Down the Sunset Strip avec le groupe Leathercoated Minds. Bien que Cale détestait le disque et que « s’il pouvait détruire tous ces disques, il le ferait », l’album est devenu un classique psychédélique.

Lorsque sa carrière a commencé à décliner, John est retourné à Tulsa, mais comme le destin l'a voulu, il est retourné à Los Angeles en 1968, emménageant dans le garage de la maison de Leon Russell, où il a été livré à lui-même et à ses chiens. Cale a toujours préféré la compagnie des animaux à celle des humains, et sa philosophie était simple : « la vie parmi les oiseaux et les arbres ».

Malgré sa carrière qui se dégrade lentement, John a sorti son premier album solo, Naturally, sur le label Shelter de Leon Russell. L'album était aussi facile à enregistrer que le tempérament de Cale : il était prêt en deux semaines. Presque tous ses albums ont été enregistrés à ce rythme, et certaines de ses chansons les plus célèbres étaient des enregistrements de démonstration (par exemple, Crazy Mama et Call Me the Breeze, dont Lynyrd Skynyrd a ensuite enregistré leur célèbre reprise). Viennent ensuite les albums Really, Oakie et Troubadour, qui rendent Eric Clapton et Karl Radle accros à leur « cocaïne ».

Après le célèbre concert de 1994 au Hammersmith Odeon, lui et Eric sont devenus bons amis(Eric était également connu pour sa modestie au début de sa carrière) et entretenait une relation continue. Le fruit de leur amitié fut l'album Road to Escondido de 2006. Cet album primé aux Grammy Awards est une représentation idéaliste du blues. Les deux guitaristes s'équilibrent tellement qu'un sentiment de paix totale se crée.

JJ Cale est décédé en 2013, laissant au monde son œuvre, qui continue d'inspirer les musiciens encore aujourd'hui. Eric Clapton a sorti un album hommage à John, où il a invité ses fans - John Mayer, Mark Knopfler, Derek Trucks, Willie Nelson et Tom Petty.

Gary Clark Jr.

Photo - Roger Kisby →

Musicien préféré de Barack Obama, Gary est l'artiste le plus innovant de la dernière décennie. Alors que toutes les filles aux USA sont folles de lui (enfin, John Mayer aussi, sans lui), Gary, avec son fuzz, transforme la musique en un mélange psychédélique de blues, de soul et de hip-hop. Le musicien a été élevé sous la direction stricte de Jimmy Vaughn, le frère de Stevie Ray, et a écouté tout ce qui lui tombait sous la main, de la country au blues. Tout cela peut être entendu sur son premier album de 2004, 110, où l'on peut entendre du blues classique, de la soul et de la country, et rien ne ressort du style de l'album, noir. musique folklorique Mississipi des années 50.

Après la sortie de l'album, Gary est entré dans la clandestinité et a joué avec de nombreux musiciens. Il revient en 2012 avec un album mélodique et électrique qui a époustouflé tout le monde, de Kirk Hammett et Dave Grohl à Eric Clapton. Ce dernier lui écrit une lettre de gratitude et lui dit qu'après son concert il souhaite reprendre la guitare.

Dès lors, il devient une sensation du blues, « l’élu » et « le futur ». guitare blues", participe à concert de charité Crossroads d'Eric Clapton et remporte un Grammy pour la chanson Please Come Home. Après de tels débuts, il est difficile de maintenir la barre haute, mais Gary ne s'est jamais soucié de l'opinion des autres. Il a sorti son prochain album « pour la musique elle-même » et dans son cas, cette philosophie a bien fonctionné. Album Le L'histoire de Sonny Boy Slim s'avère moins heavy, mais son soul-blues électrique colle parfaitement au style de l'ensemble de l'album. Même si certaines de ses chansons sonnent pop, elles ont quelque chose qui manque à la musique moderne : l'individualité.

Cet album a peut-être un son plus doux parce qu'il était très personnel (la femme de Gary a donné naissance à leur premier enfant pendant l'enregistrement, l'obligeant à repenser sa vie), mais il était tout aussi blues et mélodique, portant son travail à un tout autre niveau. .

Joe Bonamassa

Photo - Théo Wargo →

Il existe une opinion populaire selon laquelle Joe est le guitariste le plus ennuyeux du monde (et pour une raison quelconque, personne ne qualifie Gary Moore d'ennuyeux), mais chaque année, il devient de plus en plus populaire, remplissant ses concerts au Royal Albert Hall et voyageant le monde avec des concerts. En général, quoi qu'on en dise, Joe est un guitariste talentueux et mélodique qui a beaucoup progressé dans son travail depuis le début de sa carrière.

On pourrait dire qu'il est né avec une guitare à la main : à 8 ans, il ouvrait déjà un spectacle pour B.B. King, et à 12 ans, il jouait du sur base permanente dans les clubs new-yorkais. Il a sorti son premier album assez tard - à l'âge de 22 ans (avant cela, il jouait dans le groupe Bloodline avec les fils de Miles Davis). A New Day Yesterday est sorti en 2000, mais n'a atteint les charts qu'en 2002 (avec un sommet au 9e rang des albums de blues), ce qui n'est pas surprenant : il s'agissait principalement de reprises. Cependant, deux ans plus tard, Joe a sorti son album le plus emblématique, So, It’s Like That, qui a été aimé par tous ceux qui le pouvaient.

Depuis lors, Joe sort régulièrement tous les ans ou deux des albums qui ont été fortement critiqués, mais qui ont fini au moins dans le top 5 selon Billboard. Ses albums (notamment Blues Deluxe, Sloe Gin et Dust Bowl) sonnent visqueux, lourds et blues, ne lâchant pas l'auditeur jusqu'à la toute fin. En fait, Joe est l’un des rares musiciens dont la vision du monde évolue d’album en album. Ses chansons deviennent plus courtes et plus vivantes, et ses albums deviennent conceptuels. Son dernier album a été littéralement enregistré du premier coup. Selon Joe, le blues moderne est trop épuré, les musiciens n’y mettent pas beaucoup d’efforts, puisque tout peut être formaté ou rejoué, ils ont perdu toute l’énergie et le dynamisme. C'est pourquoi cet album a été enregistré pendant cinq jours de jam, et on entend tout ce qui s'y est passé (sans seconde prise et avec un minimum de post-production pour préserver l'atmosphère).

Par conséquent, la clé de son travail n'est pas d'écouter des chansons dans des albums (surtout premiers travaux: votre cerveau sera violé par des solos interminables et une tension qui ne fera que s'intensifier vers la fin de l'album). Si vous êtes fan de musique technique et de solos sinueux, vous allez certainement adorer Joe.

Philippe dit

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Philip Says est un guitariste torontois dont le jeu est si impressionnant qu'il a été invité à participer au Crossroads Guitar Festival d'Eric Clapton. Il a grandi en écoutant la musique de Ry Cooder et Mark Knopfler, et ses parents possédaient une énorme collection d'albums de blues, ce qui a inévitablement influencé son travail. Mais Philip doit sa percée à la scène professionnelle au guitariste légendaire Geoff Healy, qui le prend sous son aile et lui donne une excellente éducation musicale.

Jeff est allé un jour au concert de Philip à Toronto et il a tellement aimé son jeu que la prochaine fois qu'ils se sont rencontrés, il l'a invité sur scène pour jouer. Philip était au club avec son manager, et dès qu'ils se sont assis, Jeff les a approchés et a invité Philip à rejoindre son groupe, promettant de le remettre sur pied et de lui apprendre à se produire dans de grandes salles.

Philip a passé les trois ans et demi suivants en tournée avec Geoff Healy. Il s'est produit au célèbre Montreux Jazz Festival, où il a partagé la scène avec des géants du blues tels que B.B. King, Robert Cray et Ronnie Earle. Jeff lui a donné une formidable opportunité d’apprendre des meilleurs, de jouer avec les meilleurs et de devenir lui-même une meilleure personne. Il a fait la première partie de ZZ Top et Violet foncé, et sa musique est un entraînement sans fin.

Philip a sorti son premier album solo, Peace Machine, en 2005, et c'est son meilleur travail à ce jour. Il combine l’énergie brute de la guitare blues-rock et de la soul. Ses albums suivants (Inner Revolution et Steamroller doivent être soulignés) deviennent plus lourds, mais ils conservent toujours ce dynamisme blues à la Stevie Ray Vaughn qui fait partie de son style - cela se voit rien qu'au vibrato fou qu'il utilise en jouant en live.

Beaucoup trouveront des similitudes entre Philip Sayce et Stevie Ray - la même Stratocaster dépouillé, le shuffle et les shows fous - et certains trouveront qu'il lui ressemble trop. Cependant, le son de Philip diffère de celui de son cerveau : il sonne plus moderne et plus lourd.

Susan Tedeschi et Derek Trucks

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Comme l'a dit Sonny Landreth, icône de la guitare slide de Louisiane, il savait en cinq secondes que Derek Trucks allait être le guitariste le plus prometteur de la scène du blues blanc. Neveu du batteur des Allman Brothers Butch Trucks, il s'est acheté un guitare acoustique pour cinq dollars et j'ai commencé à apprendre à jouer de la guitare slide. Il a choqué tout le monde par sa technique de jeu, peu importe avec qui il jouait. À la fin des années 90, il avait remporté un Grammy pour son projet solo, avait joué avec The Allman Brothers Band et avait tourné avec Eric Clapton.

Susan est devenue célèbre non seulement pour son jeu de guitare habile, mais aussi pour sa voix magique, qui captive les auditeurs dès le premier instant. Depuis la sortie de son premier album Just Won't Burn, Susan a tourné sans relâche, enregistré avec Double Trouble, partagé la scène avec Britney Spears aux Grammy Awards, joué avec Buddy Guy et B.B. King et même chanté aux côtés de Bob Dylan.

Des décennies après le début de leur carrière, Susan et Derek se sont non seulement mariés, mais ont également créé leur propre équipe appelée Tedeschi Trucks Band. C'est en fait sacrément difficile de trouver les mots pour exprimer à quel point ils sont bons : Derek et Susan sont comme les Delaney et Bonnie d'aujourd'hui. Les fans de blues n'arrivent toujours pas à croire que deux légendes du blues aient créé leur propre groupe, et un groupe inhabituel en plus : le Tedeschi Trucks Band est composé des 11 meilleurs musiciens de la scène blues et soul moderne. Ils ont commencé comme un groupe de cinq musiciens et ont progressivement ajouté plus de musiciens. Leur dernier album présente deux batteurs et une section de cuivres complète.

Ils vendent instantanément tous leurs concerts aux États-Unis et tout le monde est tout simplement ravi de leurs spectacles. Leur groupe préserve toutes les traditions du blues et de la soul américains. La guitare slide complète parfaitement la voix veloutée de Tedeschi, et si en termes de technique Derek est par certains côtés meilleur que sa femme guitariste, il ne lui fait pas du tout de l'ombre. Leur musique est une fusion parfaite de blues, funk, soul et country.

John Mayer

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Même si vous entendez ce nom pour la première fois, croyez-moi, John Mayer est très célèbre. Il est si célèbre qu'il est la 7ème personne la plus suivie sur Twitter et la presse américaine en parle. vie privée tout comme la presse jaune en Russie - à Alla Pougatchev. Il est si célèbre que toutes les filles, femmes et grands-mères américaines non seulement savent qui il est, mais souhaitent également que tous les guitaristes du monde l'admirent, et non Jeff Hanneman.

Il est également le seul instrumentiste à rivaliser avec les idoles de la pop moderne. Comme il l'a lui-même déclaré un jour à un magazine britannique : « On ne peut pas faire de la musique et être populaire. Les célébrités font très, très de la mauvaise musique, alors j’écris le mien en tant que musicien.

John a commencé à jouer de la guitare à l'âge de 13 ans, inspiré par le bluesman texan Stevie Ray Vaughn. Il jouait dans les bars locaux de son ville natale Bridgeport jusqu'à ce qu'il obtienne son diplôme d'études secondaires et aille étudier à Collège de musique Berkeley. Là, il a étudié pendant deux semestres jusqu'à ce qu'il parte pour Atlanta avec 1 000 $ en poche. Il a joué dans des bars et a discrètement écrit des chansons pour son premier album de 2001, Room For Squares, qui est devenu multi-platine.

John a plusieurs Grammys à son actif, et sa combinaison de mélodies impeccables, de paroles de qualité et d'arrangements bien pensés l'a rendu aussi grand que Stevie Wonder, Sting et Paul Simon, les musiciens qui ont fait de la musique pop une forme d'art.

Mais en 2005, il se détourne du chemin d'un artiste pop, n'a pas peur de perdre ses auditeurs, remplace sa Martin acoustique par une Fender Stratocaster et rejoint les rangs des légendes du blues. Il a joué avec Buddy Guy et B.B. King, et a même été invité par Eric Clapton lui-même au Crossroads Guitar Festival. Les critiques étaient sceptiques quant à ce dépaysement, mais John a beaucoup surpris tout le monde : son trio électrique (avec Pino Palladin et Steve Jordan) a produit un blues-rock inédit avec un groove qui tue. Sur l'album 2005 Essayez! John s'est concentré sur le côté plus doux de Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan et B.B. King, et avec ses solos mélodiques, il a brillamment joué avec tous les clichés du blues.

John a toujours été mélodique, même son dernier album L'année 2017 s'est avérée étonnamment douce : on peut y entendre de la soul et même de la country. Avec ses chansons, John rend non seulement folles les filles de 16 ans aux États-Unis, mais reste aussi réel musicien professionnel, évolue constamment et apporte à chaque fois quelque chose de nouveau à sa musique. Il équilibre parfaitement sa réputation d'artiste pop avec son évolution en tant que musicien. Si vous prenez même ses chansons les plus pop et les décomposez, vous seriez surpris de tout ce qui s'y passe.

Ses chansons parlent de tout : l'amour, la vie, les relations personnelles. Si elles étaient chantées par quelqu'un d'autre, elles deviendraient très probablement des chansons folk ordinaires, mais la voix douce de John combinée au blues, à la soul et à d'autres genres en fait ce qu'elles sont. Et que vous ne voulez certainement pas éteindre.

Le blues, c'est quand à une bonne personne Mal.

Le rejet et la solitude, les pleurs et la mélancolie, l'amertume de la vie, assaisonnée d'une passion brûlante, dont le cœur est excité - c'est le blues. Ce n’est pas seulement de la musique, c’est de la vraie magie.

Débordant de bonne tristesse Côté lumineux a rassemblé deux douzaines de compositions de blues légendaires qui ont résisté à l'épreuve du temps. Naturellement, nous ne pouvions pas couvrir toute la vaste couche de cette musique divine, nous proposons donc traditionnellement de partager dans les commentaires les compositions qui ne vous laissent pas indifférent.

Chaleur en conserve - Sur la route à nouveau

Les amateurs et collectionneurs de blues ont relancé Canned Heat dans leur travail grande quantité classiques du blues oubliés des années 1920 et 30. Le groupe connaît sa plus grande renommée à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Eh bien, leur chanson la plus célèbre était On The Road Again.

Eaux boueuses - Hoochie Coochie Man

L'expression mystérieuse «hoochie coochie man» est connue de tous ceux qui aiment même un peu le blues, car c'est le nom d'une chanson considérée comme un classique du genre. Le « Hoochie coochie » était le nom d'une danse féminine sexy qui a captivé le public lors de l'Exposition universelle de Chicago de 1893. Mais l’expression « hoochie coochie man » n’est entrée en usage qu’après 1954, lorsque Muddy Waters a enregistré une chanson de Willie Dixon qui est immédiatement devenue populaire.

John Lee Hooker - Boum Boum

Boom Boom est sorti en single en 1961. À cette époque, Lee Hooker jouait au Apex Bar de Detroit depuis un certain temps et était constamment en retard au travail. Lorsqu’il apparaissait, le barman Willa disait : « Boum boum, tu es encore en retard. » Et ainsi tous les soirs. Un jour, Lee Hooker a pensé que ce « boum boum » pourrait faire une bonne chanson. C'est comme ça que ça s'est passé.

Nina Simone - Je t'ai jeté un sort

L'auteur-compositeur Screamin Jay Hawkins avait initialement prévu d'enregistrer I Put A Spell On You dans le style d'une ballade d'amour blues. Cependant, selon Hawkins, « le producteur a saoulé tout le groupe et nous avons enregistré cette version fantastique. Je ne me souviens même pas du processus d'enregistrement. Avant cela, j'étais juste un chanteur de blues régulier, Jay Hawkins. Puis j’ai réalisé que je pouvais faire des chansons plus destructrices et crier à mort.

Dans cette collection, nous avons inclus la version la plus sensuelle de cette chanson interprétée par la magnifique Nina Simone.

Elmore James - Dépoussiérer mon balai

Écrit par Robert Johnson, Dust My Broom est devenu un standard du blues après avoir été interprété par Elmore James. Par la suite, il a été repris plus d'une fois par d'autres interprètes, mais, à notre avis, la meilleure version peut être appelée la version d'Elmore James.

Howlin Wolf - Cheminée Lightnin'

Un autre standard du blues. Le hurlement de Wolfe peut vous faire sympathiser avec l'auteur, même si vous ne comprenez pas la langue dans laquelle il chante. Incomparable.

Eric Clapton - Layla

Eric Clapton a dédié cette chanson à Pattie Boyd, sa femme George Harrison ( Les Beatles), avec qui ils ont rencontré secrètement. Layla est une chanson incroyablement romantique et touchante sur un homme désespérément amoureux d'une femme qui l'aime aussi, mais qui reste indisponible.

B.B. King - Three O'Clock Blues

C’est cette chanson qui a rendu célèbre Riley B. King, originaire des plantations de coton. C'est une histoire courante comme : « Je me suis réveillé tôt. Où est passée ma femme ? Un véritable classique interprété par le roi du blues.

Buddy Guy et Junior Wells - Jouer avec le gamin

Un standard de blues interprété par Junior Wells et le guitariste virtuose Buddy Guy. Il est tout simplement impossible de rester assis avec ce blues de 12 mesures.

Janis Joplin - Kozmic Blues

Comme le disait Eric Clapton : « Le blues est la chanson d’un homme qui n’a pas de femme ou dont la femme l’a quitté. » Dans le cas de Janis Joplin, le blues s'est transformé en un véritable strip-tease émotionnel frénétique d'une femme désespérément amoureuse. Son blues n’est pas qu’une chanson aux lignes vocales répétitives. Ce sont des expériences émotionnelles en constante évolution, lorsque les supplications plaintives passent de sanglots silencieux à un cri rauque et désespéré.

Big Mama Thornton - Chien de chasse

Thornton était considérée comme l’une des artistes les plus cool de son époque. Bien que Big Mama soit devenu célèbre avec un seul tube, Hound Dog, il est resté en tête des charts rythmique et blues du magazine Billboard pendant sept semaines en 1953 et s'est vendu à près de deux millions d'exemplaires au total.

Robert Johnson - Crossroad Blues

Pendant longtemps, Johnson a essayé de maîtriser la guitare blues afin de pouvoir se produire avec ses camarades. Cependant, cet art était extrêmement difficile pour lui. Pendant un certain temps, il se sépara de ses amis et disparut, et lorsqu'il apparut en 1931, le niveau de ses compétences augmenta plusieurs fois. À cette occasion, Johnson a raconté qu'il y avait eu un certain carrefour magique où il avait conclu un accord avec le diable en échange de la capacité de jouer du blues. Peut-être que la sacrément cool chanson Crossroad Blues parle de ce carrefour en particulier ?

Gary Moore - J'ai toujours le blues

La chanson la plus célèbre de Russie de Gary Moore. Selon le musicien lui-même, il a été enregistré pour la première fois en studio, du début à la fin. Et nous pouvons affirmer avec certitude que même ceux qui ne comprennent pas du tout le blues le savent.

Tom Waits - Bleu Valentine

Waits a une voix rauque et distinctive, décrite par le critique Daniel Dutchhols comme : "C'est comme s'il avait été trempé dans un baril de bourbon, comme s'il avait été laissé dans un fumoir pendant des mois, puis renversé lorsqu'il était sorti." Ses chansons lyriques sont des histoires racontées le plus souvent à la première personne, avec images grotesques des lieux miteux et des personnages usés par la vie. Un exemple d’une telle chanson est Blue Valentine.

Steve Ray Vaughan - Inondations au Texas

Un autre standard du blues. Le blues de 12 mesures interprété par un guitariste virtuose touche l'âme et donne la chair de poule.

Ruth Brown - Je ne sais pas

Chanson du merveilleux film "Moonlight Tariff". Elle joue au moment même où personnage principal, nerveux avant la réunion, allume des bougies et verse du vin dans des verres. La voix émouvante de Ruth Brown est tout simplement captivante.

Harpo Slim- Je suis un roi des abeilles

Une chanson aux paroles simples, écrite dans les meilleures traditions du blues, a aidé Slim à devenir célèbre en un instant. La chanson a été reprise à plusieurs reprises par différents musiciens, mais personne ne l'a fait mieux que Slim. Après que les Rolling Stones aient repris la chanson, Mick Jagger lui-même a déclaré : « À quoi ça sert d'entendre I'm A King Bee interprété par nous alors qu'Harpo Slim la chante le mieux ? »

Willie Dixon - L'homme de la porte arrière

Dans le sud des États-Unis, le titre « homme de la porte arrière » faisait référence à un homme qui sortait avec une femme mariée et partait par la porte arrière avant que son mari ne rentre chez lui. C’est à propos d’un tel type que se trouve la magnifique chanson « Back Door Man » de Willie Dixon, devenue un classique du blues de Chicago.

Petit Walter - Mon bébé

Avec sa technique d'harmonica révolutionnaire, Little Walter se classe parmi les maîtres du blues tels que Charlie Parker et Jimi Hendrix. Il est considéré comme l'interprète qui a établi la norme en matière de jeu d'harmonica de blues. Écrit pour Walter Willie Dixon, My Baby met en valeur son superbe jeu et son style.