Modernisme en design : caractéristiques des principaux styles (abstractionnisme, constructivisme, fonctionnalisme, art déco, surréalisme) (design en RP et publicité). Le constructivisme comme tendance unique dans l'art d'avant-garde russe Quelles sont les raisons de l'émergence du modernisme

Le rationalisme est une méthode d'avant-garde soviétique (style, direction) en architecture, qui a été développée dans les années 1920 et au début des années 1930. Il se caractérise par des formes laconiques, de la rigueur et un fonctionnalisme accentué. Les idéologues du rationalisme, contrairement aux constructivistes, ont accordé une grande attention à la perception psychologique de l'architecture par l'homme.

Le rationalisme (du latin rationalis - raisonnable, ratio - esprit) a cherché à développer de nouvelles méthodes architecturales qui répondent aux besoins sociaux modernes, aux besoins esthétiques et au niveau de développement industriel et technique.

Les bases du rationalisme ont été posées à la fin du XIXe siècle (Louis Henry Sullivan, 1856-1924) aux USA, Hendrik Petrus Berlage (1856-1934) aux Pays-Bas (style brique), Adolf Loz (Loos) en Autriche, maîtres du Werkbund allemand en Allemagne, O Perret en France). L'émergence du rationalisme au début des années 1920 a été grandement facilitée par les théories promues par le groupe réuni autour de la revue Esprit Nouveau dirigée par Le Corbusier en France, dirigée par l'école d'architecture Walter Gropius "Bauhaus" (Bauhaus - "Maison de construction") en Allemagne (fonctionnalisme).Le développement du rationalisme couvre principalement les années 20 à 50. Les partisans du rationalisme ont organisé les Congrès internationaux d'architecture moderne (1928-59), ses idées d'urbanisme ont été enregistrées dans la soi-disant Charte d'Athènes (1933). La charte poursuivait l'objectif de créer une architecture et un urbanisme idéaux - des idées qui sont également applicables en Europe et en Amérique, en Afrique et en Asie. Les résultats sont connus : il y avait un désir d'uniformité des décisions à travers le monde, le caractère national et les coutumes historiques n'ont pas été pris en compte les peuples différents pays et continents. Les concepts architecturaux généraux des années 50 ont conduit à la création du soi-disant. style international (international) (Ludwig Mies van der Rohe) et de nombreux autres architectes). Les raisons de la crise du rationalisme à la fin des années 50 étaient le dogmatisme bien connu de la pensée architecturale et l'utopisme social réformiste inhérent à ses représentants.

Projet de concours pour le Théâtre synthétique du Bolchoï à Sverdlovsk, 1931. Architectes G. et M. Barkhin. Capacité 4000-8000 places

Projet de concours pour le Théâtre synthétique du Bolchoï à Sverdlovsk, 1931 Architecte. M. Ginzburg

Les architectes de l'association ASNOVA (Nikolai Aleksandrovich Ladovsky (1881 - 1941), Konstantin Stepanovich Melnikov et d'autres) se sont qualifiés de rationalistes, qui ont mis en évidence les caractéristiques psycho-physiologiques de la perception forme architecturale et s'efforçant de trouver des principes rationnels dans l'aspect exemplaire de l'architecture.

Les idéologues du rationalisme, contrairement aux constructivistes, ont accordé une grande attention à la perception psychologique de l'architecture par l'homme.

Le rationalisme est connu (et mis en œuvre) bien moins bien que le constructivisme contemporain, mais cela ne rend pas cette direction moins intéressante.

Le leader créatif du rationalisme, N. Ladovsky, n'a pas complètement nié les développements du passé, comme l'ont fait les leaders du constructivisme. Au contraire, il appelait à l'étude du patrimoine classique et ne se limitait nullement à la fonction utilitaire du bâtiment en cours de conception.

De plus, le point principal du programme créatif du rationalisme était le concept d '«espace». N. Ladovsky a écrit : « L'architecture est un art qui opère avec l'espace. Il a noté qu'un espace (bâtiment) conçu de manière architecturale est toujours perçu par une personne d'une manière particulière : les caractéristiques psychologiques de la perception doivent également être prises en compte lors de la construction.

Pour former la « jeune génération » d'architectes, N. Ladovsky crée l'atelier Obmas (United Workshops) à VKHUTEMAS.

Obmas n'a duré que trois ans (1920-1923), cependant, c'est ici que les premières mesures ont été prises pour créer une architecture soviétique innovante. Ici, l'art de l'architecte a été enseigné d'une manière complètement différente. Ainsi, une discipline spéciale a été introduite - "Espace".

Ladovsky croyait qu'un architecte devait penser en termes de composition tridimensionnelle, esquisser non pas sur papier, mais en volume, et ensuite seulement transférer la composition achevée sur papier ! L'introduction de la méthode de la conception de la configuration a permis de faire preuve d'imagination et de développer de nouvelles techniques et moyens d'expression artistique.

Au tournant de 1922-1923. Le groupe de personnes partageant les mêmes idées de Ladovsky s'est déjà formé en une organisation créative. L'organisation a été nommée l'Association des nouveaux architectes (ASNOVA) (enregistrée le 13 juillet 1923).

Les fondateurs de l'organisation étaient: N. Ladovsky lui-même et ses collègues - N.V. Dokuchaev, V. Krinsky, A. Rukhlyadev, V. Balikhin. Dans le cadre d'ASNOVA temps différent comprenait des artistes éminents tels que Lazar (El) Lissitzky et Konstantin Melnikov.

En 1928, ASNOVA se sépare. La raison en était les contradictions insurmontables qui ont surgi entre Ladovsky et son collègue radical - V. Balikhin, ainsi que la création par Ladovsky de l'Association des architectes - urbanistes ARU.

Le modernisme en architecture est représenté par différentes tendances apparues au début du XXe siècle. contre le moderne romantique. Notez qu'il y a beaucoup de confusion dans les définitions de ces deux styles ou tendances.

Moderne ou modernisme: comment le comprendre

Modernisme dans l'architecture de l'URSS (constructivisme)

Constructivisme

A été reconnu en Union soviétique au siècle dernier dans les années 1920 et au début des années 1930. Il a combiné des technologies et des techniques de pointe avec l'objectif généralement reconnu dans l'État - la construction du communisme. Doté de formes mécanistes et dynamiques.

Style abstrait ou art abstrait

Cette direction est au contact de l'avant-garde et favorise le rejet de l'image des formes réelles des choses. Tel styles architecturaux et leurs caractéristiques, comme le cubisme et le suprématisme - ses dérivés.

Remplace la symétrie et la statique par l'asymétrie et l'équilibre de masse.

Modernisme dans l'architecture de l'URSS (abstractionnisme). Ya. Tchernikhov. Composition n ° 28 (1925-1933)

Modernisme dans l'architecture hollandaise : De Stijl

Ce style a été formé en tant que mouvement artistique par une société d'artistes de la ville néerlandaise de Leiden en 1917. Aussi appelé néoplasticisme. Le mouvement De Stijl a été influencé par les peintures cubistes et le mouvement DaDa avec leurs idées de formes géométriques idéales. Et le travail de De Stijl, à son tour, a influencé le style Bauhaus et le style international. L'influence de ce mouvement sur l'architecture se voit le plus dans la maison Rietveld Schröder, qui est le seul bâtiment créé exclusivement selon les principes De Stijl - murs blancs et gris, cadres de porte noirs et de nombreux éléments peints dans des couleurs primaires vives.

Style De Stijl. Maison Rietveld Schroeder, Hollande

Modernisme dans l'architecture allemande : Bauhaus

Bâtiment Bauhaus, Dessau, Allemagne

Le style a été nommé d'après l'association artistique éponyme fondée en Allemagne par l'architecte allemand Walter Gropius. Malgré sa vie relativement courte (de 1919 à 1933), il a eu un impact énorme sur le design du XXe siècle, le style moderne classique et l'avant-garde.

L'un des principaux objectifs du Bauhaus était combinaison d'un large éventail d'arts- architecture, sculpture, peinture avec artisanat et technologie, où la fonctionnalité prime.

L'aspect minimaliste des bâtiments, l'accent mis sur des formes géométriques simplifiées, l'absence de décor est un signe des principes révolutionnaires du Bauhaus - beauté et simplicité.

Minimalisme

Les origines de l'architecture minimaliste remontent au cubisme, à De Stijl et au Bauhaus. D'une certaine manière, ces mouvements se ressemblaient.

Maison Farnsworth, 1951, Mies, Illinois, États-Unis

Par exemple, le mouvement De Stijl privilégiait la simplicité et l'abstraction et réduisait la décoration à sa forme et sa couleur de base. Ils ont basé leur philosophie de conception sur le fonctionnalisme, la rectitude des plans et l'élimination des finitions de surface décoratives, comme le montre la maison de Schröder Rietveld.

D'autre part, le Bauhaus a été fondé en tant qu'école d'art en Allemagne dans le but de promouvoir la production de masse et de combiner l'artisanat avec la technologie. Le Bauhaus partageait les principes de fonctionnalisme, de pureté et de réduction de la forme de De Stijl.

Quelques secondes sur la vidéo montrent l'essence du minimalisme :

Outre le Bauhaus et De Stijl, l'architecture minimaliste a été influencée par l'architecture japonaise traditionnelle, appréciant sa simplicité.

Ce style présente certaines caractéristiques de forme, de lumière, d'espace et de matériau ainsi que des techniques telles que

• réduction,
• simplification et
• unification.

Les minimalistes considèrent ces caractéristiques essence architecture.

Le minimalisme élimine les détails non essentiels en réduisant et en compactant le contenu d'un projet au minimum d'éléments, de paramètres et d'installations nécessaires, définissant ainsi sa forme.

Fonctionnalisme

Le style architectural du XXe siècle, qui a adapté les bâtiments et les structures à leurs fonctions. Né en Allemagne, à l'école du Bauhaus, et aux Pays-Bas. Bien que le fonctionnalisme ne soit pas exclusivement un concept moderne, il est étroitement lié à style moderne architecture qui a pris forme au cours du deuxième quart du XXe siècle.

Auteur : Photo : Jonn Leffmann, CC BY 3.0 , Lien

Les techniques de construction progressives, le besoin de nouveaux types de bâtiments, les changements dans les idéaux culturels et esthétiques ont influencé la popularité de cette direction. Le slogan principal de l'architecture est la satisfaction des besoins pratiques. La plus forte influence de la direction a été observée en Allemagne, en Tchécoslovaquie, en URSS et aux Pays-Bas.

Brutalisme

Modernisme dans l'architecture de l'Inde. Brutalisme. Bâtiment de l'Association des propriétaires d'usines, Ahmedabad

Le modernisme en architecture représente le brutalisme des années 1950 au milieu des années 1970. Les bâtiments brutalistes ont des éléments modulaires répétitifs de zones fonctionnelles articulées et regroupées. Les surfaces en béton coulé sont faites pour mettre en valeur le matériau sous-jacent de la structure avec la texture du coffrage en bois utilisé pour les moules. Matériaux de construction Les articles utilisés dans ce style comprennent les briques, l'acier, le verre et la pierre brute. Représente un contraste saisissant avec les bâtiments raffinés et ornés construits dans le style d'élite des Beaux-Arts (Bose Art).

Comme illustration de la confusion dans les courants du Moderne et du Modernisme, on peut voir courte vidéo(très probablement réalisé sur la base de sources anglophones), dans lequel les bâtiments modernistes sont à égalité avec l'Art nouveau.

Art Déco

L'Art Déco, devenu à la mode dans le premier tiers du XXe siècle, perpétue en partie les traditions de l'Art Nouveau. Parallèlement, il est influencé par le cubisme, le folk art américain et la conception de la construction de machines et d'avions, qui se développait rapidement à cette époque. Ce style se caractérise par des coins arrondis, de fortes lignes verticales et des formes en retrait. Il se distingue de tous les styles de mobilier par l'utilisation d'éléments décoratifs sous forme de zigzags, de cercles, de triangles, de motifs aux motifs orientaux et africains.

L'Art Déco a émergé de diverses tendances artistiques et de design des années 1900, telles que l'Art nouveau, la Sécession viennoise, le Werkbund allemand, le constructivisme russe et le mouvement néerlandais De Stijl, ainsi que les avancées modernistes de la peinture telles que l'art abstrait et le cubisme. . Le terme "Art Déco" vient du nom de l'Exposition Internationale des Art Décoratifs et Industriels Modernes - Exposition internationale Arts et Métiers Modernes et Décoratifs de 1925 à Paris, où les réalisations des arts décoratifs et appliqués de cette époque étaient présentées dans leur intégralité. Le terme lui-même est apparu encore plus tard - en 1966, lors de la reprise de l'exposition au Musée des Arts Décoratifs de Paris.

L'Art Déco est considéré comme la dernière étape du développement de l'Art nouveau. Par nature, l'Art Déco est un style épuré, concis et géométrique. Style indépendant, l'Art déco prend forme entre la première et la seconde guerre mondiale et atteint son apogée dans les années 1920 et 1930. À cette époque, les meubles Art Déco étaient à la base de la plupart des intérieurs privés, en raison de leur disponibilité pour la production de masse. Plus tard, les designers ont changé l'idéologie même du style et l'Art Déco a été relancé sous le nom de célèbre " style étoile» Hollywood années 30-40. En plus d'une élégante simplicité et d'une concision, les meubles Art Déco ont commencé à apprécier la qualité de la finition, les matériaux à partir desquels ils ont été fabriqués et la conformité du design aux dernières avancées techniques. A partir de ce moment, le style Art Déco devient synonyme de luxe et de richesse. C'est avec l'avènement du "style star" que les consommateurs ont appris à comprendre et à apprécier l'éclectisme. Après tout, en fait, l'Art Déco est un cocktail qui mêle motifs modernes, géométrie cubiste, motifs ethniques, design automobile et aéronautique.

L'Art Déco allie à la fois néoclassicisme et rationalisation, grâce et enjouement, monumentalité et élégance. Les représentants de ce style ont ignoré la masse production industrielle biens, ils représentaient la fabrication exclusive d'objets. Dans la production de produits, des matériaux précieux et coûteux ont été utilisés - peau de serpent, ivoire, bronze, cristaux, bois exotique. Des façades géométriques, arrondies, "fluides", des meubles en bois avec des poignées chromées et d'autres détails, des plateaux en verre sont caractéristiques. L'Art Déco utilise de l'érable massif, du frêne, du palissandre, du bois de madronya. Le style art déco a de nombreuses sources : dessins cubistes, art Indiens d'Amérique, conception automobile et aéronautique moderne. Le quartier déco coloré de Miami Beach est l'un des meilleurs exemples modernes de ce style.

Couleurs primaires : rouge, bleu, marron, beige, or, blanc - toutes les couleurs sont très riches et profondes. La combinaison de revêtements sombres et clairs (tissu, vernis) était également très populaire.

Matériaux utilisés : tissus, verre, bronze, céramique, tapis aux motifs cubiques. Les bois exotiques, les différents types de cuir, le marbre, le verre et le chromage conviennent également à tous les types d'équipements de la maison. Le métal est extrêmement largement utilisé en combinaison avec le verre.

La crise de la modernité est venue assez rapidement et déjà à la fin de la première décennie du siècle elle a commencé à être supplantée par un nouveau style : le constructivisme. Au cœur du nouveau mouvement de l'architecture européenne et de l'industrie de l'art se trouve l'esthétique de l'opportunité, suggérant des formes rationnelles, strictement utilitaires, débarrassées du romantisme décoratif de la modernité. date officielle La naissance du constructivisme est considérée comme le début du XXe siècle. Son développement s'appelle une réaction naturelle aux motifs floraux sophistiqués, c'est-à-dire végétaux inhérents à l'Art nouveau, qui ont assez rapidement fatigué l'imagination des contemporains et suscité le désir de rechercher quelque chose de nouveau.

En architecture, de nouveaux principes d'urbanisme ont été formulés: l'orientation sociale de l'habitation, sa conformité fonctionnelle aux besoins les plus nécessaires des habitants, dans le cadre desquels des "appartements minimaux" de petite taille sont en cours de conception. Cela s'est accompagné de l'introduction de nouvelles structures et de nouveaux matériaux dans la construction de logements : béton monolithique, armature en métal, structures préfabriquées en béton. Une sorte de normes de "bien-être minimal" ont été établies, considérées comme les plus appropriées pour le logement d'un ouvrier et plantées comme une sorte d'idéal socio-architectural. L'époque du rationalisme et de l'utilitarisme a apporté simplicité, harmonie et intégrité à l'art de la décoration intérieure de la maison.

"La simplicité n'est pas simple", "moins c'est plus" - ces aphorismes de Mies van der Rohe, un architecte talentueux du XXe siècle, sont devenus l'essence de l'intérieur non seulement des années 20-30, mais de tout le siècle. Rien de superflu "n'accroche" le regard, tout est fonctionnel, pensé, pesé. Des proportions ajustées rapprochent l'architecture avant-gardiste de cette époque de l'architecture classique de l'Antiquité. Des formes simples et claires, des baies vitrées, du métal et du béton, des maisons qui ressemblent à des navires voguant vers le futur.

L'espace intérieur des maisons a été libéré des cloisons, les anciennes idées sur la relation entre les locaux internes de la maison ont été niées. La division en zones a été réalisée de manière abstraite, le plus souvent en raison de cloisons mobiles légères, de pièces fermées séparées, de couloirs - tout cela était considéré comme désespérément dépassé. Contrairement aux intérieurs de l'ère moderne précédente, rappelant une coquille confortable, les maisons des constructivistes appelaient à l'avenir des hautes technologies, de la production de machines et des mégalopoles futuristes. Les écoles de design créées à cette époque enseignaient non pas à créer des choses séparées, bien qu'ingénieuses, mais à concevoir l'environnement dans son ensemble, en créant tout le monde des objets entourant une personne. Dans le même temps, l'essentiel n'était pas l'apparence, mais la fonctionnalité des éléments. Le mobilier était considéré comme un "appareil d'assise", son apparence était dominée par des plans rectangulaires et des structures claires.

Le constructivisme du style se caractérise par la prédominance de l'idée fonctionnelle-constructive sur l'artistique et du public sur le personnel. Le constructivisme assume l'approche la plus fonctionnelle du design d'intérieur, abolit le décor et propose de fonctionner avec des formes géométriques simples sur le principe du "nécessaire et suffisant". C'est à ce style que l'on doit l'idée d'habitations de petite taille. Les principales caractéristiques du style : rationalisme, fonctionnalité, cadre ouvert, couleurs pures en contraste avec le noir et blanc, formes géométriques simples. Le design intérieur se caractérise par des solutions fonctionnelles réfléchies et un strict respect de leurs exigences, des volumes compacts avec un cadre clairement défini et une clarté technique des formes.

Le constructivisme se caractérise par l'esthétique de l'opportunité, la rationalité des formes strictement utilitaires, débarrassée du décorativisme romantique de la modernité. Toutes les choses conçues par les constructivistes - les meubles et les intérieurs en général - se distinguaient par une fonctionnalité maximale et un décor minimal. L'ornement y était complètement absent, les accents de couleur étaient autorisés - la brillance du métal, le noir noble, le blanc pur et les couleurs simples saturées - rouge, jaune, bleu. Ces couleurs étaient considérées comme le reflet des valeurs philosophiques et spirituelles de l'époque.

Après la fin de la Première Guerre mondiale, le constructivisme dans le meuble a pris une place importante, s'appuyant sur l'autorité des architectes, dont les bâtiments innovants leur servaient parfois d'intérieurs pour démontrer des expérimentations de meubles. Comparé aux styles précédents, tels que le baroque et l'empire, le constructivisme se distingue par l'absence de décoration en stuc. Le style de constructivisme à l'intérieur est assez concis et clair, mais non sans imprévisibilité et solutions artistiques brillantes. Les artistes constructivistes créent des tissus, des vêtements, de la vaisselle innovants, dans lesquels des taches de couleur claires et simples associées à des lignes pointues claires et des polices accrocheuses ont créé des affiches caractéristiques de l'époque.

Modernisme. Les grands principes du modernisme sont le design et la fonction. "Une maison est une machine à vivre" - la célèbre déclaration de l'architecte Le Corbusier caractérise très précisément ce style. Les fondateurs du modernisme ont travaillé dans des directions différentes : ils ont créé des gratte-ciel ou, par exemple, développé une architecture bionique au plus près de la nature. Dans le design moderne, ils se tournent souvent vers le style d'un architecte particulier de cette période plutôt que vers le modernisme lui-même.

Postmodernisme. Le style est né en réaction au modernisme à la fin des années 60 du XXe siècle. Se développe dans l'architecture et l'art par opposition au radicalisme moderniste. Les postmodernes utilisent une fusion de différents styles du passé, tels que le classicisme et le baroque, souvent avec un effet ironique. La spécificité du style est l'hyperbole en tant qu'outil pour créer une image théâtrale vivante de l'environnement.

Caractéristiques : formes curvilignes complexes et volumes qui imitent une structure vivante dynamique. Le style permet un amas chaotique et illogique d'éléments, des ruptures brutales, une instabilité illusoire, des murs en pente, des meubles aux matériaux inattendus. Maintenant, ce style est souvent utilisé. La seule condition pour sa perception est qu'une personne qui utilise un bâtiment conçu dans ce style s'habitue facilement à un non-sens optique.

Déconstructivisme. Comme son nom l'indique, ce style, contrairement au constructivisme, proclame une liberté totale vis-à-vis de la construction rationnelle. Perspective inversée, volumes "instables" ou "fluides", murs en pente, ouvertures de fenêtres inclinées ou agencées dans un fouillis bizarre. Le style fait écho au postmodernisme. Bon pour un effet à court terme, mais ne convient pas pour une utilisation dans des lieux de long séjour. Selon les psychologues, les tours inattendus et parfois absurdes qui caractérisent ce style provoquent un sentiment d'anxiété inconsciente.

Questions et tâches :

1. Expliquez quelles étaient les principales différences entre le réalisme et le modernisme.

Modernisme - une direction dans l'art fin XIX- le début du XXe siècle, caractérisé par une rupture avec l'expérience historique antérieure de la créativité artistique, le désir d'établir de nouveaux principes non traditionnels dans l'art, un renouvellement continu formes d'art, ainsi que la conventionnalité (schématisation, abstraction) du style.

Le réalisme est une direction artistique qui vise à reproduire fidèlement la réalité dans ses traits typiques.

Les principales différences entre le modernisme et le réalisme sont :

1. Le modernisme est un phénomène jeune et le réalisme était connu dans l'Antiquité.

2. Le modernisme a de nombreuses branches, mais pas le réalisme.

3. Le modernisme embellit le monde, le rend métaphorique, tandis que le réalisme raconte ce qui est vraiment.

2. Quelles sont les raisons de l'émergence du modernisme ?

La principale raison de l'émergence du modernisme était le sentiment de crise et l'effondrement du monde environnant au sein de l'intelligentsia européenne, une prémonition de changements imminents et même la fin de l'ordre des choses existant. Dans les travaux d'un certain nombre de scientifiques européens, les idées rationnelles et optimistes sur l'histoire européenne, la croyance en un progrès sans fin et le bien-être croissant de l'humanité ont été démystifiées. Au lieu de cela, les idées d'un cycle culturel et historique, d'un changement inévitable des cultures, ont été avancées. Ces tendances ont également influencé la culture artistique, qui a commencé à s'éloigner des traditions et des idéaux de l'art ancien, ainsi que la recherche de nouvelles formes et moyens artistiques. Toutes ces tendances ont abouti à l'émergence du modernisme.

3. Décrivez deux ou trois directions dans Littérature européenne décennies d'après-guerre. Comment pensez-vous, comment la propre expérience de vie des écrivains a-t-elle influencé leurs positions idéologiques et artistiques ? Donne des exemples.

Littérature génération perdue.

Dans la littérature d'après-guerre, une place de choix était occupée par les écrivains de la «génération perdue»: l'Allemand E. M. Remarque, l'Américain E. Hemingway, l'Anglais R. Aldington et d'autres. Ils ont participé à la guerre et ne pouvaient pas oublier ce qu'ils ont vu et vécu. Montrant la vie de leurs héros dans la guerre, ils ont protesté contre la terrible extermination des personnes dans leur vie quotidienne. En même temps, la cause pour laquelle la guerre a été menée a été remise en question.

Littérature sur la lutte pour la libération sociale et nationale.

De nombreux chiffres culture européenne vu dans les événements tumultueux des premières décennies du 20e siècle. mise en œuvre des idées sociales et politiques les plus importantes. Ils ont été attirés par la lutte active des peuples contre l'inégalité et l'injustice, pour la libération sociale et nationale. Parmi eux se trouvaient les écrivains français A. Barbusse et R. Rolland, l'Allemand G. Mann, l'Américain T. Dreiser et d'autres. Leurs héros ont rejeté les valeurs de la société bourgeoise. Certains d'entre eux se sont battus contre cette société, comme les héros du roman « Fire » d'A. Barbusse, tandis que d'autres, comme Clyde Griffith de « An American Tragedy » de T. Dreiser, ont tenté à tout prix d'y percer et sont morts sans y parvenir. leur objectif.

4. *Expliquez le sens du concept de « dystopie » (rappelez-vous quelles œuvres étaient appelées utopies). Quelle était, selon vous, la signification des œuvres écrites dans ce genre dans les années 20 et 30 du XXe siècle ?

Dystopie - genre variété dans la fiction, décrivant un état dans lequel des tendances de développement négatives ont prévalu (dans certains cas, ce n'est pas un état séparé qui est décrit, mais le monde dans son ensemble). La dystopie est tout le contraire de l'utopie.

L'utopie est un genre de fiction proche de la science-fiction décrivant le modèle d'un idéal, du point de vue de l'auteur, la société. Contrairement à la dystopie, elle se caractérise par la croyance de l'auteur en l'impeccabilité du modèle. Exemples d'utopies - T. More "Utopia", T. Campanella "City of the Sun", etc.

La signification des œuvres écrites dans le genre dystopique dans les années 20-30 du XXe siècle (E. Zamyatin "Nous", J. Orwell "1984", etc.) était qu'elles retraçaient la critique du système actuel, à travers des métaphores et des images ont été transmises des problèmes pressants et passionnants de la société occidentale, et ont également révélé le cours possible de l'histoire.

Donc, un excellent exemple la prophétie artistique était le roman de l'écrivain tchèque K. Capek "La guerre avec les salamandres". Il raconte histoire fantastique sur la façon dont certaines créatures amphibies, entrées en contact avec des personnes, capturent progressivement de plus en plus "d'espace vital", puis, à l'aide d'armes reçues de personnes, déclenchent une guerre visant à détruire l'humanité. Une histoire divertissante avec des éléments d'une brillante parodie de la société de l'époque est soudainement devenue effrayante en raison de sa ressemblance avec la réalité. Cette impression est proche dans son contenu de ce qu'on pouvait lire dans la presse de ces années-là. K. Capek est décédé en 1938, peu avant le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle une grande partie de ce qu'il avait prédit s'est réalisée.

5. Montrez quelle était l'innovation de l'école mexicaine peinture monumentale.

L'une des manifestations les plus frappantes de l'innovation dans l'art réaliste a été l'école mexicaine de peinture monumentale, créée par les artistes D. Rivera, X. C. Orozco, D. A. Siqueiros et d'autres.

L'innovation de l'école mexicaine de peinture monumentale était la représentation des événements héroïques du passé sur les murs et les façades. Ainsi, des peintures murales monumentales sont apparues sur les bâtiments - des fresques reflétant les événements de l'histoire et de la modernité. Les artistes dénoncent la guerre, les aspects inhumains de la société bourgeoise et le fascisme. Leurs œuvres allient émotivité, publicisme et expressivité artistique. Les thèmes, les images, le symbolisme des fresques étaient profondément nationaux, les maîtres de cette école ont continué les traditions de l'art des Indiens du Mexique. En même temps, ils ont exprimé les sentiments humains communs de compassion et de colère, de choc et d'impulsion à la liberté inhérents à tous les peuples. Une nouveauté pour l'art de cette époque était la technique de la peinture monumentale inventée par les artistes.

6. Regardez l'illustration à la p. 106 et expliquez comment l'artiste a exprimé sa position.

La page contient un fragment du tableau "Portrait de la Bourgeoisie" de D. Siqueiros. Cela montre clairement Opinions politiques un auteur partisan des idées de gauche. L'image représente la bourgeoisie, qui détruit tout sur son passage. Ainsi, D. Siqueiros a montré une critique du système existant.

7. *Comparer les œuvres de l'Art nouveau et du rationalisme (constructivisme). Énumérez les caractéristiques de chaque style.

L'Art nouveau est un courant artistique dans l'art, le plus répandu dans la dernière décennie du XIXe - début du XXe siècle (avant le début de la Première Guerre mondiale). Ses caractéristiques distinctives c'est le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, "naturelles", un intérêt pour les nouvelles technologies (par exemple, en architecture).

Dans le rationalisme et le constructivisme, au contraire, la simplicité, la conformité des formes et l'aménagement intérieur du bâtiment à sa destination étaient mis en premier lieu. Un représentant éminent du rationalisme européen était l'architecte français C. E. Le Corbusier (1887-1965). C'est lui qui a formulé le manifeste le plus concis de la nouvelle tendance : « Une maison est une machine à vivre ».

8. Expliquez pourquoi la culture des années 20 - 30 du XXe siècle. appelée masse.

Parce que la culture a commencé à viser le consommateur de masse. L'art est devenu accessible non seulement à l'élite, mais aussi à homme ordinaire(notamment le cinéma), ce qui a conduit à sa large diffusion. positif dans la culture populaireétait que les œuvres d'art étaient plus accessibles aux différentes couches et groupes de la population, sont devenues partie intégrante de la vie publique. Les coûts, selon les connaisseurs de l'art, consistaient à remplacer des échantillons uniques et prestigieux par des produits d'art ordinaires en série.

9. *Notre recherche. Lisez un extrait du Hollywood Production Code. Soulignez les idées principales qu'il contient. *Comment formuleriez-vous les règles (« recettes ») selon lesquelles les films modernes sont réalisés aux États-Unis et dans d'autres pays ? Reportez-vous à l'expérience de la cinématographie russe.

L'idée principale du "code de production" d'Hollywood est que les films ne doivent représenter que les côtés positifs de la vie d'une personne et donner le sentiment que le style de vie américain est le seul et le meilleur pour toute personne.

À ce jour, Hollywood suit toujours cette idée, dans les films hollywoodiens, pour la plupart, se terminent par une "fin heureuse". Si c'est un film sur la guerre, que c'est l'armée américaine qui gagne, etc. Je voudrais noter que les réalisateurs du cinéma russe se tournent de plus en plus vers les recettes hollywoodiennes, créent des films pour le grand public et oublient leurs propres caractéristiques cinématographiques.

Le MODERNISME (lat. modernus - «moderne») est une tendance de la culture du XXe siècle, caractérisée par une rupture avec l'expérience historique passée, le désir d'établir de nouveaux débuts non traditionnels dans l'art, le renouvellement des formes artistiques, ainsi comme conventionnalité (schématisation, abstraction) du style. Le terme "modernisme" n'est courant que dans la culture domestique, dans les sources occidentales c'est le terme "moderne". Puisque dans l'esthétique russe "moderne" signifie style artistique, précédant le modernisme, il est nécessaire de distinguer ces deux concepts afin d'éviter toute confusion

En architecture, l'expression « modernisme » est souvent utilisée comme synonyme du terme « architecture moderne », mais ce dernier terme est encore plus large. Le modernisme en architecture couvre le travail des pionniers de l'architecture moderne et de leurs successeurs du début des années 1920 aux années 70-80 (en Europe), lorsque de nouvelles tendances ont émergé en architecture.

Par conséquent développement communautaire, la croissance des besoins de la population, aggravée par les grandes destructions de la Seconde Guerre mondiale, il y avait une pénurie aiguë de bâtiments architecturaux. La conséquence en fut une construction à grande échelle, axée sur les profits excédentaires des clients.

Pour ces projets, des technologies d'urbanisme appropriées ont été développées, des éléments préfabriqués unifiés, impliquant des constructions monotones environnement. La conception et la forme du bâtiment ont tendance à être belles en soi et ne nécessitent pas de décoration supplémentaire - simple, bon marché, démocratique.

Les principes du modernisme sont l'utilisation des matériaux les plus modernes (structures en béton armé, verre), une approche rationnelle de la résolution des structures et des espaces intérieurs, l'absence de tendances de décoration, le rejet fondamental des réminiscences historiques dans l'apparence des bâtiments, leur " caractère international ».

Le modernisme en architecture est associé à des concepts (mouvements) tels que l'avant-garde, le purisme, le fonctionnalisme, le constructivisme, le "nouveau mouvement", le style international, le technicisme, le minimalisme.

Les principaux représentants du modernisme en architecture, qui jouent le rôle de pionniers, sont Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Richard Neutra, Ludwig Mies van Der Rohe, Le Corbusier, Alvar Aalto, Oscar Niemeyer et quelques autres.

Dans l'art, le modernisme se manifeste comme une rébellion contre la tradition et les canons. Le désir de retrouver un lien avec la vie, de résoudre des problèmes sociaux majeurs a donné lieu à de douloureuses contradictions dans leur travail d'artistes. Des éléments de réalisme, parfois sous une forme cachée, parfois plus explicite, ont fait leur chemin dans leur art à travers des méthodes déformées de transmission de la réalité.

Le modèle moderniste était l'un des principaux modèles de la civilisation occidentale dans la première moitié du XXe siècle ; dans la seconde moitié du siècle, il a fait l'objet de nombreuses critiques. Il convient de noter que l'Union soviétique au début du 20ème siècle était absolument à égalité avec l'Europe dans le domaine du design. En 1932, tous les ateliers d'art sont fermés et le classicisme stalinien est annoncé.

Abstractionnisme(du latin abstractus - éloigné, abstrait) est un courant très large de l'art du XXe siècle, qui a surgi au début des années 1910 dans plusieurs pays européens. L'abstractionnisme se caractérise par l'utilisation d'éléments exclusivement formels pour afficher la réalité, où l'imitation ou une représentation fidèle de la réalité n'était pas une fin en soi.

Les fondateurs de l'abstractionnisme sont les artistes russes Wassily Kandinsky et Kazimir Malevich, le néerlandais Piet Mondrian, le français Robert Delaunay et le tchèque Frantisek Kupka. Leur méthode de dessin était basée sur le désir d '«harmonisation», la création de certaines combinaisons de couleurs et de formes géométriques afin d'évoquer diverses associations chez le contemplateur.

Dans l'abstractionnisme, deux directions claires peuvent être distinguées : l'abstraction géométrique, basée principalement sur des configurations clairement définies (Malevich, Mondrian), et l'abstraction lyrique, dans laquelle la composition s'organise à partir de formes fluides (Kandinsky). Il existe également dans l'abstractionnisme plusieurs autres grandes tendances indépendantes.

Cubisme- direction avant-gardiste dans beaux-Arts, qui est né au début du XXe siècle et se caractérise par l'utilisation de formes géométriques emphatiquement conditionnelles, le désir de "scinder" des objets réels en primitives stéréométriques.

Rayonisme (Luchisme)- un courant de l'art abstrait des années 1910, basé sur le décalage des spectres lumineux et de la transmission lumineuse. L'idée de l'émergence de formes à partir du "croisement des rayons réfléchis de divers objets" est caractéristique, puisqu'une personne ne perçoit en réalité pas l'objet lui-même, mais "la somme des rayons provenant de la source lumineuse, réfléchie par le chose."

néoplasticisme- désignation de la direction de l'art abstrait, qui existait en 1917-1928. en Hollande et artistes réunis autour de la revue "De Stijl" ("Style"). Caractérisé par des formes rectangulaires claires dans l'architecture et la peinture abstraite dans la disposition de grands plans rectangulaires, peints dans les couleurs primaires du spectre.

Orphisme- direction vers peinture française années 1910. Les artistes-orphistes ont cherché à exprimer la dynamique du mouvement et la musicalité des rythmes à l'aide de « régularités » de l'interpénétration des couleurs primaires du spectre et de l'intersection des surfaces curvilignes.

Suprématisme- une direction de l'art d'avant-garde, fondée dans les années 1910. Malevitch. Il a été exprimé dans des combinaisons de plans multicolores des contours géométriques les plus simples. La combinaison de multicolore formes géométriques formes imprégnées mouvement interne compositions suprématistes asymétriques équilibrées.

Tachisme- un courant de l'abstractionnisme d'Europe occidentale des années 1950 et 1960, le plus répandu aux États-Unis. C'est une peinture avec des taches qui ne recréent pas des images de la réalité, mais expriment l'activité inconsciente de l'artiste. Des traits, des lignes et des taches en tachisme sont appliqués sur la toile avec des mouvements rapides de la main sans plan prémédité.

expressionisme abstrait- le mouvement des artistes qui peignent rapidement et sur de grandes toiles, en utilisant des traits non géométriques, de gros pinceaux, faisant parfois couler de la peinture sur la toile, pour révéler pleinement les émotions. La méthode expressive de peinture ici est souvent aussi importante que la peinture elle-même.

Constructivisme- la méthode soviétique d'avant-garde (direction) dans les beaux-arts, l'architecture, la photographie et l'artisanat, qui s'est développée dans les années 1920 - la première moitié des années 1930.

Il se caractérise par la rigueur, le géométrisme, la concision des formes et l'aspect monolithique.

Les partisans de la technologie moderne, ayant mis en avant la tâche de construire un environnement qui guide activement les processus de la vie, ont cherché à comprendre les possibilités de mise en forme de la nouvelle technologie, ses conceptions logiques et opportunes, ainsi que les possibilités esthétiques de matériaux tels que le métal, le verre, et bois. Les constructivistes ont cherché à opposer le luxe ostentatoire à la simplicité et ont mis l'accent sur l'utilitarisme de nouvelles formes objectives, dans lesquelles ils voyaient la réification de la démocratie et de nouvelles relations entre les peuples.
En architecture, les principes de l'architecture ont été formulés dans les discours théoriques d'A.A. Vesnina et M.Ya. Ginzbourg; ils se sont pratiquement incarnés pour la première fois dans la création des frères A.A., V.A. et L.A. Le projet de Vesnine du Palais du Travail pour Moscou (1923) avec son plan clair et rationnel et identifié dans apparence base structurelle du bâtiment (ossature en béton armé). Les constructivistes ont développé le soi-disant. une méthode de conception fonctionnelle basée sur une analyse scientifique des caractéristiques du fonctionnement des bâtiments, des structures, des ensembles urbains.
L'esthétique K. a contribué à bien des égards à la formation du design artistique. Sur la base des développements des constructivistes (A.M. Rodchenko, A.M. Gana, etc.), de nouveaux types de plats, d'accessoires et de meubles conçus pour la production de masse ont été créés. Les artistes ont développé des dessins pour les tissus (V.F. Stepanova, L.S. Popova) et les modèles de vêtements (V.F. Stepanova, V.E. Tatlin).
K. a joué un rôle important dans le développement du graphisme des affiches (photomontages des frères Stenberg, G.G. Klutsis, A.M. Rodchenko) et la conception du livre (à l'aide possibilités expressives police et autres éléments de composition dans les œuvres d'A.M. Ghana, L.M. Lissitzky et autres). Au théâtre, les constructivistes ont remplacé les «machines» par le travail des acteurs subordonnés aux tâches d'action scénique (œuvres de L.S. Popova, A.A. Vesnin et d'autres sur des productions de V.E. Meyerhold, A.Ya Tairov).

Fonctionnalisme- une direction dans l'architecture du XXe siècle, exigeant une stricte conformité des bâtiments et des structures avec les processus de production et de ménage (fonctions) qui s'y déroulent. Originaire d'Allemagne (école "Bauhaus") et des Pays-Bas (Jacobs Johannes Oud). Utilisant les réalisations de la technologie du bâtiment, le fonctionnalisme a donné des méthodes et des normes raisonnables pour la planification des complexes résidentiels (sections et appartements standard, construction «linéaire» de blocs avec les extrémités des bâtiments donnant sur la rue).

Le Corbusier en a déduit cinq signes constitutifs du fonctionnalisme, dont, cependant, certaines ramifications pourraient s'écarter :

ü Utilisation de formes géométriques pures, généralement rectangulaires.

ü L'utilisation de grands plans indivis d'un matériau, en règle générale, béton armé monolithique et préfabriqué, verre, moins souvent - brique.

ü D'où les couleurs prédominantes - gris (la couleur du béton brut), jaune (la couleur préférée de Le Corbusier) et blanc.

ü Absence d'ornementation et parties saillantes dépourvues de fonctionnalité.

ü Toits plats, si possible exploités. Cette idée de Le Corbusier a souvent été abandonnée par les fonctionnalistes "du nord", qui ont construit des bâtiments capables de résister à des complexes conditions météorologiques(Voir, par exemple, Hôpital central de Carélie du Nord).

ü Les bâtiments industriels et partiellement résidentiels et publics se caractérisent par l'emplacement des fenêtres sur la façade sous la forme de bandes horizontales continues (le soi-disant "vitrage à bande").

ü Généralisation de l'image « maison sur pattes », qui consiste en la libération totale ou partielle des étages inférieurs des murs et l'utilisation de l'espace sous le bâtiment pour des fonctions publiques.

Philosophie concise du style - "la forme suit la fonction" (Adolf Luz). Dans le domaine de l'architecture résidentielle réside dans le célèbre postulat de Le Corbusier : « Une maison est une machine à vivre ».

Art Déco, également art déco (fr. art déco, lit. "art décoratif", du nom de l'exposition de Paris de 1925, fr. Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Exposition internationale russe des arts décoratifs et industriels modernes) - un courant influent des beaux-arts et des arts décoratifs de la première moitié du XXe siècle, apparu en France dans les années 1920 puis popularisé dans les années 1930 et 1940 en échelle internationale, manifesté principalement dans l'architecture, la mode, la peinture, et a cessé d'être pertinent dans la période qui a suivi la Seconde Guerre mondiale.

C'est un style éclectique, qui est une synthèse du modernisme et du néoclassicisme. Le style Art Déco a également une influence significative de tels directions artistiques comme le cubisme, le constructivisme et le futurisme.

Caractéristiques distinctives- régularité stricte, formes géométriques audacieuses, motifs géométriques ethniques, richesse des couleurs, ornements généreux, luxe, chic, cher, matériaux modernes (ivoire, peau de crocodile, aluminium, bois rares, argent). Aux États-Unis, aux Pays-Bas, en France et dans certains autres pays, l'Art Déco a progressivement évolué vers le fonctionnalisme.

Surréalisme ( en . surréalisme - super-réalisme) - une direction artistique qui s'est formée au début des années 1920 en France. Il se distingue par l'utilisation d'illusions et de combinaisons paradoxales de formes.

En 1917, Guillaume Apollinaire nomma l'une de ses pièces sous le titre "drame surréaliste". Certains des plus grands représentants du surréalisme en peinture étaient Salvador Dali, Max Ernst et René Magritte. Luis Bunuel, Jean Cocteau, Jan Svankmaier, Alejandro Jodorowsky et David Lynch sont considérés comme les représentants les plus éminents du surréalisme au cinéma. Le surréalisme en photographie a été reconnu grâce au travail de pionnier de Philipp Halsman.

Surréalisme (surréalisme), un courant moderniste (modernisme) de la littérature, des beaux-arts et du cinéma, né en France dans les années 1920. et rendu grande influenceà la culture occidentale. Le surréalisme se caractérise par une prédilection pour tout ce qui est bizarre, irrationnel, non conforme aux normes généralement admises. Le mouvement lui-même était hétérogène, mais se fixait comme objectif principal l'émancipation des forces créatrices du subconscient et leur suprématie sur l'esprit. Dans une certaine mesure, les prédécesseurs des surréalistes étaient les dadaïstes (dadaïsme).

Le théoricien et fondateur S. André Breton a soutenu que cette direction devrait résoudre la contradiction entre le rêve et la réalité et créer une sorte de réalité absolue, la super-réalité. Malgré toutes les tentatives de Breton pour rallier les surréalistes, ceux-ci manquent d'unanimité : ils se disputent constamment, s'accusent mutuellement et excluent les dissidents de leurs rangs.

Le surréalisme s'appuie sur la théorie freudienne du subconscient et sur sa méthode « d'association libre » pour passer de la conscience au subconscient. Cependant, les formes d'expression de ces idées étaient très différentes chez les surréalistes. Par exemple, Dali, avec une précision scrupuleuse, "plausibilité", a écrit chaque détail sur son illogique, semblable à cauchemars peintures, exacerbant l'impression d'hallucination ou de délire, tandis que Max Ernst travaillait sur les toiles comme par automatisme, « éteignant » l'esprit, préférant les images arbitraires, virant souvent à l'abstraction. Jean Miro se distingue néanmoins des autres artistes surréalistes par la variété et la gaieté de ses toiles.

Dans la période entre les deux guerres mondiales, le surréalisme est devenu le mouvement le plus répandu, quoique le plus controversé. Ses disciples sont apparus non seulement en Europe, mais aussi aux États-Unis, où de nombreux écrivains et artistes ont émigré pendant la guerre. Remarquable par son ampleur d'approche et la richesse de ses formes, le surréalisme a facilité la perception du cubisme et de l'art abstrait, et ses méthodes et techniques ont influencé le travail d'écrivains et d'artistes dans de nombreux pays du monde.