Peinture de l'Italie. L'Italie aux XVIIe-XVIIIe siècles Le Caravage

Dans les arts visuels, comme dans l'architecture italienne, au XVIIe siècle, le style baroque devient dominant. Il se pose en réaction contre le « maniérisme », dont il oppose aux formes artificielles et complexes, tout d'abord, la grande simplicité des images, puisées dans les créations des maîtres de la Haute Renaissance, et dues à l'étude indépendante de la nature . Scrutant avec vigilance l'héritage classique, y empruntant souvent des éléments individuels, la nouvelle direction s'efforce d'obtenir la plus grande expressivité possible des formes dans leur dynamique orageuse. Aux nouvelles techniques artistiques correspondent aussi la nouvelle quête de l'art : au calme et à la clarté de la composition se substituent leur liberté et comme le hasard. Les chiffres sont déplacés de leur position centrale et sont construits en groupes principalement le long de lignes diagonales. Cette construction est d'une grande importance pour le baroque. Il renforce l'impression de mouvement et favorise un nouveau transfert d'espace. Au lieu de le diviser en couches séparées, ce qui est habituel pour l'art de la Renaissance, il est capturé par un seul regard, créant l'impression d'un fragment aléatoire d'un immense ensemble. Cette nouvelle compréhension de l'espace fait partie des réalisations les plus précieuses du baroque, qui a joué un certain rôle dans le développement ultérieur de l'art réaliste. La recherche de l'expressivité et de la dynamique des formes donne lieu à une autre caractéristique, non moins typique du baroque, - l'utilisation de toutes sortes de contrastes : contrastes d'images, de mouvements, oppositions de plans lumineux et d'ombres, contrastes de couleurs. Tout cela est complété par une envie prononcée de décoration. Dans le même temps, la texture picturale évolue, passant d'une interprétation linéaire-plastique des formes à une vision pittoresque toujours plus large.
Les caractéristiques notées du nouveau style au fil du temps ont acquis des caractéristiques de plus en plus précises. Cela justifie la division de l'art italien du XVIIe siècle en trois étapes de durée inégale : le baroque « précoce », « mature » ou « élevé » et le baroque « tardif », dont la domination a duré beaucoup plus longtemps que les autres. Ces caractéristiques, ainsi que les limites chronologiques, seront notées ci-dessous.
L'art baroque de l'Italie sert principalement le dominant et établi après la cathédrale de Trente de l'Église catholique, les cours princières et de nombreuses nobles. Les tâches assignées aux artistes étaient autant idéologiques que décoratives. La décoration des églises, ainsi que des palais de la noblesse, la peinture monumentale des dômes, des plafonds, des murs dans la technique de la fresque connaissent un développement sans précédent. Ce type de peinture devient la spécialité des artistes italiens qui ont travaillé à la fois dans leur pays d'origine et en Allemagne, en Espagne, en France et en Angleterre. Ils conservent une priorité indéniable dans ce domaine de la créativité jusqu'à la fin du XVIIIe siècle. Les thèmes des peintures murales des églises sont de magnifiques scènes de glorification de la religion, de ses dogmes ou des saints et de leurs actes. Les intrigues allégoriques et mythologiques dominent sur les plafonds des palais, au service de la glorification des familles régnantes et de leurs représentants.
Les grandes peintures d'autel sont encore extrêmement courantes. En eux, avec les images solennellement majestueuses du Christ et de la Vierge, les images sont particulièrement courantes, ce qui a eu l'effet le plus puissant sur le spectateur. Ce sont des scènes d'exécutions et de tourments de saints, ainsi que leurs états d'extase.
La peinture de chevalet profane reprend volontiers des thèmes de la Bible, de la mythologie et de l'antiquité. Le paysage, le genre de bataille, la nature morte s'en développent comme des types indépendants.

Université régionale d'État de Moscou

Résumé de l'histoire de l'art

Art italien du XVIIe siècle.

Effectué :

étudiant par correspondance

33 groupes de la faculté des beaux-arts et des arts

Minakova Evgeniya Yurievna.

Vérifié:

Moscou 2009

L'Italie au XVIIe siècle

Architecture. Style baroque en architecture.

Architecture. Début du baroque.

Architecture. Haut, ou mature, baroque.

Architecture. Architecture baroque en dehors de Rome.

De l'art. Caractéristiques générales.

De l'art. Début du baroque.

De l'art. Flux réaliste.

De l'art. La deuxième génération de peintres de l'école de Bologne.

De l'art. Haut, ou mature, baroque.

De l'art. Baroque tardif.

Déjà à partir du milieu du XVIe siècle, le développement historique de l'Italie était caractérisé par le début et la victoire de la réaction féodale-catholique. Économiquement faible, fragmentée en États indépendants séparés, l'Italie est incapable de résister aux assauts de pays plus puissants - la France et l'Espagne. La longue lutte de ces États pour la domination en Italie s'est terminée par la victoire de l'Espagne, inscrite dans le traité de paix de Caton Cambrési (1559). Désormais, le sort de l'Italie est étroitement lié à celui de l'Espagne. À l'exception de Venise, de Gênes, du Piémont et des États pontificaux, l'Italie était effectivement une province espagnole pendant près de deux siècles. L'Espagne a impliqué l'Italie dans des guerres dévastatrices, qui ont souvent eu lieu sur le territoire des États italiens, ont contribué à la propagation et au renforcement de la réaction féodale en Italie, à la fois dans l'économie et dans la vie culturelle.

La position dominante dans la vie sociale de l'Italie était occupée par l'aristocratie et le plus haut clergé catholique. Dans les conditions d'un profond déclin économique du pays, seuls les grands seigneurs féodaux laïcs et ecclésiastiques possédaient encore d'importantes richesses matérielles. Le peuple italien - paysans et citadins - était dans une situation extrêmement difficile, voué à la pauvreté et même à l'extinction. La protestation contre l'oppression féodale et étrangère trouve son expression dans de nombreux soulèvements populaires qui éclatent tout au long du XVIIe siècle et prennent parfois des proportions redoutables, comme le soulèvement de Mazaniello à Naples.

La nature générale de la culture et de l'art de l'Italie au XVIIe siècle était due à toutes les caractéristiques de son développement historique. C'est en Italie que l'art baroque est né et s'est le plus développé. Cependant, étant dominante dans l'art italien du XVIIe siècle, cette tendance n'était pas la seule. En plus de lui et en parallèle avec lui, des tendances réalistes se développent, associées à l'idéologie des couches démocratiques de la société italienne et recevant un développement important dans de nombreux centres artistiques d'Italie.

L'architecture monumentale de l'Italie du XVIIe siècle satisfaisait presque exclusivement les besoins de l'Église catholique et de la plus haute aristocratie laïque. Au cours de cette période, principalement des bâtiments d'église, des palais et des villas ont été construits.

La situation économique difficile en Italie a rendu impossible la construction de très grandes structures. Dans le même temps, l'église et la plus haute aristocratie avaient besoin de renforcer leur prestige et leur influence. D'où le désir de solutions architecturales inhabituelles, extravagantes, cérémonielles et pointues, le désir d'une décoration et d'une sonorité accrues.

La construction de structures imposantes, quoique pas si grandes, a contribué à la création de l'illusion du bien-être social et politique de l'État.

Le baroque atteint sa plus grande tension et expression dans les édifices religieux et religieux ; ses formes architecturales correspondaient parfaitement aux principes religieux et au côté rituel du catholicisme militant. En construisant de nombreuses églises, l'Église catholique a cherché à renforcer et à renforcer son prestige et son influence dans le pays.

Le style baroque, développé dans l'architecture de cette époque, se caractérise, d'une part, par le désir de monumentalité, d'autre part, par la prédominance du principe décoratif et pictural sur le principe tectonique.

Comme les œuvres d'art, les monuments architecturaux baroques (en particulier les églises) ont été conçus pour renforcer l'impact émotionnel sur le spectateur. Le principe rationnel, qui sous-tend l'art et l'architecture de la Renaissance, a fait place au principe irrationnel, statique, calme - dynamique, tension.

Le baroque est un style de contrastes et de répartition inégale des éléments de composition. Les formes curvilignes, grandes et juteuses et arquées y sont particulièrement importantes. Les structures baroques se caractérisent par une construction frontale et frontale. Les bâtiments sont perçus dans de nombreux cas d'un côté - du côté de la façade principale, ce qui obscurcit souvent le volume de la structure.

Le baroque accorde une grande attention aux ensembles architecturaux - ville et parc, mais les ensembles de cette époque reposent sur une base différente de celle des ensembles de la Renaissance. Les ensembles baroques en Italie sont basés sur des principes décoratifs. Ils se caractérisent par un isolement, une indépendance relative par rapport au système d'aménagement général de la zone urbaine. Un exemple est le plus grand ensemble de Rome - la place devant la cathédrale de St. Pierre.

Des colonnades et des murs décoratifs, fermant l'espace devant l'entrée de la cathédrale, recouvraient les bâtiments désordonnés et aléatoires derrière eux. Il n'y a aucun lien entre la place et son réseau complexe adjacent de ruelles et de maisons aléatoires. Les bâtiments individuels qui composent les ensembles baroques semblent perdre leur indépendance, obéissant complètement au concept général de composition.

Le baroque pose le problème de la synthèse des arts d'une manière nouvelle. La sculpture et la peinture, qui jouent un rôle très important dans les bâtiments de cette époque, s'entrelaçant et souvent obscurcissant ou déformant des formes architecturales, contribuent à créer cette impression de saturation, de splendeur et de splendeur que produisent invariablement les monuments baroques.

L'œuvre de Michel-Ange a été d'une grande importance pour la formation d'un nouveau style. Dans ses œuvres, il a développé un certain nombre de formes et de techniques qui ont ensuite été utilisées dans l'architecture baroque. L'architecte Vignola peut également être décrit comme l'un des prédécesseurs immédiats du baroque ; un certain nombre de premiers signes de ce style peuvent être notés dans ses œuvres.

Le nouveau style - le style baroque dans l'architecture italienne - a remplacé la Renaissance dans les années 80 du XVIe siècle et s'est développé tout au long du XVIIe et de la première moitié du XVIIIe siècle.

Classiquement, au sein de l'architecture de cette époque, on peut distinguer trois étapes : le baroque primitif - des années 1580 à la fin des années 1620, baroque élevé ou mature - jusqu'à la fin du XVIIe siècle et plus tard - la première moitié du 18ème siècle.

Les premiers maîtres baroques sont considérés comme les architectes Giacomo della Porta et Domenico Fontana. Ils appartenaient à la génération suivante par rapport à Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari et ont mis fin à leurs activités au début du XVIIe siècle. Dans le même temps, comme indiqué précédemment, les traditions de la fin de la Renaissance ont continué à vivre dans les œuvres de ces maîtres.

Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541-1608) était un élève de Vignola. Sa première construction - l'église du site de Catharina à Funari (1564) - dans son style appartient à la Renaissance. Cependant, la façade de l'église del Gesu, que cet architecte acheva après la mort de Vignola (à partir de 1573), est beaucoup plus baroque que le projet initial de son maître. La façade de cette église, avec sa division caractéristique en deux niveaux et volutes latérales, et le plan de construction, sont devenus un modèle pour un certain nombre d'églises catholiques en Italie et dans d'autres pays. Après la mort de Michel-Ange, Giacomo della Porta a achevé la construction du grand dôme de la cathédrale Saint-Pierre. Pierre. Ce maître est aussi l'auteur de la célèbre Villa Aldobrandini à Frascati près de Rome (1598-1603). Comme d'habitude, le bâtiment principal de la villa est situé à flanc de montagne ; une rampe arrondie à double face mène à l'entrée principale. Un jardin jouxte le bâtiment du côté opposé. Au pied de la montagne, il y a une grotte semi-circulaire avec des arcs; au-dessus, il y a une cascade d'eau encadrée par des escaliers. Le bâtiment lui-même est d'une forme prismatique très simple, surmonté d'un énorme fronton déchiré.

Dans la composition de la villa, dans les structures du parc qui la composent et dans la nature des détails plastiques, se manifeste clairement la recherche d'une beauté et d'un raffinement délibérés de l'architecture, si caractéristiques du baroque en Italie.

A l'époque en question, le système du parc à l'italienne prenait enfin forme. Il se caractérise par la présence d'un seul axe de parc, situé à flanc de montagne avec de nombreuses pentes et terrasses. Le bâtiment principal est situé sur le même axe. Villa Aldobrandini est un exemple typique d'un tel complexe.

Domenico Fontana. Domenico Fontana (1543-1607), un autre architecte majeur du premier baroque, appartenait aux successeurs romains de Michel-Ange et de Vignola. Son œuvre la plus importante est le Palais du Latran à Rome. Le palais, sous la forme que lui a donnée Fontana, est une place presque régulière avec une cour carrée fermée à l'intérieur. La solution de façade du palais est entièrement basée sur l'architecture du Palais Farnèse - Antonio Sangallo le Jeune. En général, la construction du palais de l'Italie au 17ème siècle est basée sur le développement ultérieur de ce type de composition de palais-palais, qui a été développé par l'architecture de la Renaissance.

Avec son frère Giovanni Fontana, Domenico a construit la fontaine Aqua Paolo à Rome en 1585-1590 (sans le grenier, réalisé plus tard par Carlo Maderno). Son architecture est basée sur le remaniement des formes des arcs de triomphe antiques.

Carlo Maderna. L'élève et neveu de Domenico Fontana, Carlo Maderna (1556-1629), a finalement consolidé le nouveau style. Son travail est transitoire vers la période du baroque développé.

L'œuvre de jeunesse de Madern est la façade de la basilique paléochrétienne de Suzanne à Rome (vers 1601). Créée sur la base du schéma de façade de l'église del Gesu, la façade de l'église de Susanna est clairement disséquée par des commandes, ornée de statues dans des niches et de nombreuses décorations ornementales.

En 1604, Maderno est nommé architecte en chef de St. Pierre. Par ordre du pape Paul V, Maderno a élaboré un projet d'agrandissement de la cathédrale en ajoutant la partie avant, entrée. Le clergé a insisté pour allonger la croix grecque à la forme latine, qui correspondait à la tradition de l'architecture des églises. De plus, les dimensions de la cathédrale de Michel-Ange ne couvraient pas complètement l'endroit où se trouvait l'ancienne basilique, ce qui était inacceptable du point de vue des ministres de l'église.

En conséquence, lors de la construction de la nouvelle façade avant de la cathédrale, Maderno a complètement changé la conception originale de Michel-Ange. Ce dernier conçut la cathédrale dressée au centre d'une grande place, ce qui permettrait de faire le tour de l'édifice et de le voir de tous les côtés. Maderno, cependant, avec son extension, a fermé les côtés de la cathédrale au spectateur : la largeur de la façade dépasse la largeur de la partie longitudinale du temple. L'allongement du bâtiment a conduit au fait que le dôme de St. Petra n'est perçue complètement qu'à très grande distance, à mesure qu'elle s'approche du bâtiment, elle disparaît progressivement derrière le mur de façade.

La deuxième période de l'architecture baroque - la période de maturité et d'épanouissement du style - est associée à l'œuvre des plus grands maîtres : L. Bernini, F. Borromini, C. Rainaldi - à Rome, B. Longen - à Venise, F Ricchini - à Milan, Guarino Guarini - à Turin.

Lorenzo Bernin. La figure centrale du baroque mature est Lorenzo Bernini (1598-1680). Il n'était pas seulement un architecte, mais aussi le plus grand sculpteur du XVIIe siècle en Italie.

Depuis 1629, Bernini, après la mort de Maderno, a poursuivi la construction de la cathédrale de Saint-Pétersbourg. Pierre. En 1633, il construisit un grand auvent en bronze dans la cathédrale au-dessus du dôme principal, soutenu par quatre colonnes torsadées, essentiellement déconstructives. Selon la tradition, ce baldaquin est considéré sous certaines conditions comme la première œuvre du baroque mature. La décoration intérieure de la cathédrale du Bernin a été inspirée par le projet de Michel-Ange. Cette décoration est un merveilleux exemple d'intérieur d'église baroque.

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Les principales caractéristiques de l'art du XVIIe siècle. L'attirance des maîtres baroques pour les dimensions grandioses, les formes complexes, l'élévation monumentale, le pathétique est la recherche de moyens qui renforcent l'efficacité des images créées. D'où l'idéalisation de solutions imaginatives, la dramatisation des intrigues, l'émotivité accrue, l'hyperbolicité, l'irrationalité colorée, l'exagération des effets naturalistes, une abondance et une richesse d'accessoires et de détails, l'utilisation d'angles complexes, des contrastes de lumière et de couleur conçus pour créer une impression trompeuse de "images vivantes". Dans la synthèse baroque des arts, la sculpture et la peinture sont soumises à l'architecture, en interaction constante avec elle. Des peintures colorées ornent les dômes, les abat-jour et les murs, créent l'illusion d'un espace immense. La sculpture pleine de dynamique est pittoresque et indissociable de l'architecture. Les créateurs de vastes ensembles architecturaux et décoratifs intègrent dans leur composition et leur nature, transformés par la main de l'homme. Ils combinent places et rues adjacentes aux bâtiments les plus représentatifs, colonnades, terrasses, sculptures, fontaines et cascades. Le désir d'une large couverture de la réalité dans l'art est tracé.

Baroque Baroque - de "étrange, bizarre" - le style d'art en Europe et en Amérique de la fin du XVIe au milieu du XVIIIe siècle. Associé à l'architecture noble-église de l'absolutisme mature. Gravite vers le "grand style" solennel. B. se caractérise par le contraste, la tension, le dynamisme des images, une recherche de grandeur et de splendeur, une combinaison de réalité et d'illusion, et la fusion de divers types d'arts. L'architecture bolivienne se caractérise par son étendue spatiale, la cohésion et la fluidité de formes complexes, généralement curvilignes. Pour la sculpture et la peinture - compositions décoratives spectaculaires, portraits de cérémonie. Représentants de B. - P. Rubens, V. Rastrelli, P. Calderon, T. Tasso, A. van Dyck, F. Borromini.

Les frères Carracci. Carracci, famille de peintres italiens de Bologne au début du XVIIe siècle, fondateurs de l'académisme dans la peinture européenne. Au tournant des XVIe - XVIIe siècles en Italie, en réaction au maniérisme, une direction académique de la peinture se dessine. Ses principes de base ont été posés par les frères Carracci - Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) et Annibale (1560-1609). Ils s'efforcent de généraliser l'héritage de la Renaissance, tout en encourageant l'étude de la nature. Aux origines de la peinture italienne du XVIIe siècle, elles en déterminent largement le caractère. Les activités de ces maîtres, qui ont marqué un tournant dans le développement de l'art italien, ont reçu une grande résonance dans les cercles artistiques européens, qui a également été favorisée par le fait qu'à partir des années 90 du XVIe siècle, les frères Carracci et Caravaggio ont travaillé dans Rome.

GIOVANNI LORENZO BERNINI Date de naissance : 7 décembre 1598 (1598 -1207) Lieu de naissance : Naples Date de décès : 28 novembre 1680 (1680 -11 -28) (81 ans) Lieu de décès : Rome Nationalité : Italie Genre : sculpture, architecture Style : baroque

"Extase de Sainte Thérèse"

FRANCESCO BORROMINI Date de naissance 25 septembre 1599 (159909 -25) Lieu de naissance Bissone, Tessin Date de décès 2 août 1667 (1667 -08 -02) (67 ans) Lieu de décès Rome Style architectural baroque

Caravaggio Michelo ngelo Merisi de Caravaggio (italien : Michelangelo Merisi de Caravaggio ; 28 septembre 1573, Milan - 18 juillet 1610, Grosseto [source non précisée 123 jours], Toscane) - artiste italien, réformateur de la peinture européenne du XVIIe siècle, l'un des plus grands maîtres baroques. Il n'y a pas d'intrigues religieuses, il y a de vrais thèmes et images, "un homme de la foule" Montre le monde objectif, les situations de vie, la diversité et la richesse L'empathie du spectateur avec l'image : le spectateur est acteur de l'action. Fragment L'image du Saint a été dépeinte comme véritablement terrestre. Distribution de la lumière incidente : lumière de théâtre, éclairage de rampe, éclairage de faisceau : fond sombre, éclairage sélectif unilatéral Utilisation de couvre-lits - "antique anave" - ​​tissus lourds, drapés. Couleur rouge locale Problème de vie et de mort Beau et laid

"L'appel de l'apôtre Matthieu"

"Madonna Rosario" 1607.

Rubens Peter Paul 1577, Siegen, Allemagne - 1640, Anvers. Peintre flamand, dessinateur. Chef de l'école flamande de la peinture baroque. L'esprit d'optimisme vivifiant distingue les peintures de Rubens sur des thèmes antiques par leur rythme solennel, leur grandeur et la sévérité des images, dotées d'une corporéité parfois trop lourde. L'éventail créatif de Rubens est immense, se tournant vers les thèmes de l'Ancien et du Nouveau Testament, vers la représentation des saints, vers la mythologie antique et les sujets historiques, vers l'allégorie, le genre de la vie quotidienne, le portrait, le paysage. Son art, doté d'un sens vif et puissant de la nature et d'une imagination inépuisable, est riche en motifs d'intrigue, en dramatisation déployée de l'action, une variété de solutions de composition, une abondance de figures et d'accessoires, l'intensité des sentiments et la pathétique des gestes. Basé sur le concept élevé de l'humanisme de la Renaissance sur l'homme, Rubens capture ses héros, loin des idéaux classiques, dans un stress physique et spirituel accru. Le sentiment de l'élément éternel de la nature est subordonné dans ses œuvres à l'idée généralisatrice de l'unité du monde immense, à la clarté de l'imagination plastique. En repensant l'expérience artistique du passé conformément au système de l'art baroque, le maître crée un monde d'images unique, dans lequel les traits de conventionnalité et d'exaltation externe inhérents au baroque reculent devant la puissante pression de la réalité vivante. A la recherche de l'héroïsation de l'image, de l'énergie débordante, de la lutte des forces opposées, l'artiste est en jeu. 1610s transmet largement et diversement la dynamique du mouvement, violant le principe classique de l'espace fermé dans la composition.

Anthony Van Dyck 22 mars 1599 - 9 décembre 1641) - Peintre et graphiste sud-hollandais (flamand), maître des portraits de cour et des sujets religieux de style baroque. Anthony van Dyck reste attaché au réalisme flamand. Dans ses meilleures œuvres - dans des portraits de personnes de différentes classes, niveaux sociaux, dispositions mentales et intellectuelles différentes - il a correctement trouvé des similitudes individuelles et a pénétré l'essence spirituelle intérieure du modèle. Des images typiques de Van Dyck donnent une idée du caractère de toute une époque dans l'histoire de l'Europe. Dans la peinture de portrait, il a créé un type de portrait aristocratique brillant, l'image d'une personne raffinée, intellectuelle, noble née d'une culture aristocratique, raffinée et fragile. Les héros de Van Dyck sont des personnes aux traits délicats, avec une touche de mélancolie, et parfois de tristesse cachée, de rêverie. Ils sont gracieux, bien élevés, pleins de confiance calme et d'un sentiment d'indépendance, et en même temps mentalement inertes ; ce ne sont pas des chevaliers, mais des cavaliers, des laïcs de la cour ou des gens d'esprit raffiné qui attirent par l'aristocratie spirituelle. Il a créé des compositions complexes avec des arrière-plans décoratifs et des motifs de paysage et d'architecture. Les proportions allongées, la fierté de la pose, l'ostentation du geste, le spectaculaire des plis tombants des vêtements rehaussaient les images imposantes. La connaissance de la peinture des Vénitiens a apporté richesse, richesse de nuances, harmonie restreinte à sa palette. Le geste et le costume mettent en valeur le caractère de la personne représentée. L'artiste a peint des portraits de la famille royale, des courtisans polis, cachant souvent le vide intérieur derrière l'élégance de leur apparence. La composition des portraits est devenue compliquée, décorative, la gamme colorée - argent bleuâtre froid.

Snyders France (1579-1657) Peintre flamand. Le plus grand peintre flamand de natures mortes et d'animaux. Frans Snyders est appelé « Rubens de la nature morte », tant sa contribution à la tradition de ce genre de la peinture flamande est vive. Des toiles monumentales représentant des magasins de viande, de poisson, de légumes et de fruits ont apporté une grande renommée à l'artiste. Ces grandes œuvres décoratives, créées pour décorer les intérieurs des palais de l'État, incarnaient l'esprit du baroque flamand. Snyders était un merveilleux peintre animalier, il créa des scènes de chasse, des croquis animaliers, introduisit des images d'animaux de compagnie dans ses "magasins" et "cuisines". Les œuvres de Snyders étaient très populaires parmi la noblesse flamande et espagnole.

Jacob Jordaens Jordaens, Jordaens Jacob (1593 -1678), peintre flamand qui a peint des tableaux à contenu religieux, historique, mythologique, allégorique, ainsi que des peintures de genre avec des personnages et des portraits grandeur nature. Né à Anvers le 19 mai 1593 dans la famille d'un marchand de draps. Perception sensuelle lumineuse de la vie, optimisme, moulage puissant des formes. La peinture de Jordaens est extrêmement colorée, le corps des personnages respire la santé et la fraîcheur, surtout pour les femmes ; les mouvements des personnages dans les peintures sont forts et impétueux. Dans les peintures de Jordaens, comme dans les œuvres de Rubens, il y a plus de puissance et d'énergie que la beauté de la forme et de la grâce. La composition des tableaux de l'artiste flamand est libre et riche, l'exécution est également libre et rapide. Dans les premières œuvres de Jordaens, avec la matérialité soulignée des objets, contrastant le clair-obscur, la spécificité plébéienne des figures groupées au premier plan. Caractéristiques de son langage artistique: dépendance aux types paysans et bourgeois de sang pur, figures lourdes et fortes, détails juteux, tendance à l'interprétation de genre de thèmes mythologiques et religieux, peinture énergique et dense avec une prédominance de tons chauds légèrement nuancés.

"Le roi des haricots"

Jusepe Ribera (1591 -1652) peintre et graveur espagnol (de naissance). Adepte du maître italien Michelangelo de Caravaggio, représentant du courant réaliste de la peinture européenne du XVIIe siècle. Il a reçu son éducation artistique à Valence et à Rome. Il passa la majeure partie de sa vie à Naples, où il devint le peintre de la cour des vice-rois espagnols. Il a créé des images sur des sujets bibliques et évangéliques, a écrit des scènes de la vie des saints, en accordant une attention particulière aux thèmes de l'ermitisme et des scènes de martyre pleines de drame. Il crée les séries « Apôtres » et « Mendiants philosophes », peint des portraits, des tableaux sur des sujets anciens, des scènes de genre. De son vivant, il était extrêmement populaire et bénéficiait du patronage du roi d'Espagne. Ribera est l'un des peintres les plus importants de l'époque baroque. Son œuvre appartient à la fois à l'art italien et espagnol, puisque son style, riche et complexe, est devenu le point de départ du développement de l'école napolitaine, et grâce aux nombreuses œuvres apportées en Espagne, il a eu une énorme influence sur la plupart des artistes espagnols.

Diego Rodriguez de Silva Velazquez (1599-1660) Les portraits réalisés par Velazquez en 1630-1640 lui valent une renommée bien méritée en tant que maître de ce genre. Bien que les portraits de Velazquez soient généralement dépourvus de gestes et de mouvements, ils sont exceptionnellement réalistes et naturels. Le fond est choisi de manière à ombrer au maximum la silhouette, la palette de couleurs est stricte, mais animée par des combinaisons de couleurs soigneusement sélectionnées. Velazquez a réussi à transmettre le caractère d'une personne dans un portrait, à montrer l'incohérence de ses traits de caractère. Les plus célèbres sont les portraits de Don Juan Mateos (1632), du général Olivares (1633), le portrait équestre du roi Philippe III (1635), du pape Innocent X (1648), ainsi qu'une série de portraits de nains et de bouffons ( Los truhanes). Les portraits de la période tardive de l'œuvre de Velazquez sont largement caractérisés par l'exhaustivité artistique et psychologique (Infanta Maria Teresa, 1651 ; Philippe IV, 1655-1656 ; Infante Marguerite d'Autriche, vers 1660).

Les véritables joyaux de la couronne de Velazquez sont deux de ses œuvres au Prado, Meninas (1656) et Spinners (vers 1657). Le tableau "Meninas" (en portugais - menina - une jeune fille aristocratique qui était une demoiselle d'honneur pour les nourrissons espagnols, c'est pourquoi le tableau est aussi appelé "Demoiselles d'honneur" ou "Dames de la Cour") nous emmène dans la morosité atmosphère d'une salle de palais spacieuse. Pour la première fois dans l'histoire de la peinture, Velazquez montre la vie de la cour royale au quotidien, révèle au spectateur son quotidien, comme une vie en coulisses. L'ensemble est construit sur une dialectique complexe d'abaissement de la grandeur officielle et d'élévation du réel. Bien que les Meninche combinent les traits d'une peinture commune et d'un portrait de groupe, l'œuvre dépasse ces genres.

Art italien du XVIIe siècle. Problèmes communs.

Rome a été le centre de développement du nouvel art baroque au tournant des XVIe et XVIIe siècles. L'architecture de cette ville au 17ème siècle. semble être typique de l'époque baroque.

Les maîtres baroques rompent avec de nombreuses traditions artistiques de la Renaissance, avec ses volumes harmonieux et équilibrés. Les architectes baroques incluent non seulement des bâtiments individuels et des places, mais aussi des rues dans un ensemble architectural intégral. Le début et la fin des rues sont certainement marqués de quelques accents architecturaux (places) ou sculpturaux (monuments). Pour la première fois dans l'histoire de l'urbanisme, Domenico Fontana utilise un système de rues à trois faisceaux divergeant de la Piazza del Popolo, reliant ainsi l'entrée principale de la ville aux principaux ensembles de Rome. Obélisques et fontaines, placés aux points de descente des avenues de rayons et à leurs extrémités, créent un effet presque théâtral d'une perspective s'éloignant. Le principe de Fontana était d'une grande importance pour toute la planification urbaine européenne ultérieure.

Au cours de la période baroque mature, à partir du deuxième tiers du XVIIe siècle, le décor architectural est devenu plus magnifique. Non seulement la façade principale est décorée, mais aussi les murs du côté du jardin ; depuis le hall d'entrée, vous pouvez accéder directement au jardin, qui est un magnifique ensemble de parc ; du côté de la façade principale, les ailes latérales du bâtiment se prolongent et forment un courdoner (cour d'honneur).

Dans le dernier tiers du XVIIe siècle. dans l'art du baroque italien, certains changements se dessinent : le décor s'intensifie, les angles des figures se compliquent, comme si « les mouvements s'accéléraient ». L'architecture et la sculpture existent en synthèse avec des œuvres créées par la technique de l'illusionnisme pictural. L'illusionnisme de perspective détruit le mur, ce qui a toujours été contraire aux règles de l'art classique. Dans les compositions, aussi bien monumentales que décoratives et de chevalet, la froideur, la rhétorique et le faux pathétique l'emportent de plus en plus. Cependant, les meilleurs artistes savaient encore surmonter les caractéristiques pernicieuses du baroque tardif. Tels sont les paysages romantiques d'Alessandro Magnasco, la peinture monumentale (plafonds, images d'autel) et de chevalet (portraits) de Giuseppe Crespi - artistes debout au tournant du nouveau siècle.

L'art italien vers 1600 : les grandes tendances du développement

Dans la peinture italienne au tournant des XVI-XVII siècles. il existe deux directions artistiques principales : l'une est associée à l'œuvre des frères Carracci et a reçu le nom d'"académisme bolonais", l'autre - à l'art de l'un des plus grands artistes italiens du XVIIe siècle. Caravage.

Annibale et Agostino Carracci et leur cousin Lodovico fondèrent en 1585 à Bologne "l'Académie des Vrais Chemins", dans laquelle les artistes étaient formés selon un programme spécifique. D'où le nom - "l'académisme bolonais".

Les principes de l'Académie de Bologne, qui était le prototype de toutes les académies européennes du futur, peuvent être retracés dans l'œuvre du plus talentueux des frères, Annibale Carracci (1560-1609). Carracci a soigneusement étudié et étudié la nature. Il croyait que la nature est imparfaite et qu'elle doit être transformée, anoblie pour qu'elle devienne un digne sujet de représentation conformément aux normes classiques. D'où l'inévitable abstraction, rhétorique des images de Carracci, pathétique au lieu de véritable héroïsme et beauté. L'art de Carracci s'avéra très actuel, conforme à l'esprit de l'idéologie officielle, et fut rapidement reconnu et diffusé. Les frères Carracci sont des maîtres de la peinture monumentale et décorative.

Leur œuvre la plus célèbre est la peinture de la galerie du Palais Farnèse à Rome sur les sujets des "Métamorphoses" ovidiens (1597-1604) - typique de la peinture baroque. Annibale Carracci fut aussi le créateur du paysage dit héroïque, c'est-à-dire un paysage idéalisé, inventé, car la nature, comme l'homme (selon les Bolonais), est imparfaite, brute et demande du raffinement pour être représentée dans l'art.

Carracci Ludovico - Les Fiançailles de Marie. Dîner à Emmaüs, 1599-1602 -

Michel-Ange Merisi de Caravage

Michelangelo Merisi, surnommé le Caravage (1573 - 1610), est l'artiste qui a donné son nom au puissant mouvement réaliste de l'art, qui a fait des adeptes dans toute l'Europe occidentale. La seule source à laquelle Caravage trouve digne de puiser dans les thèmes de l'art est la réalité environnante. Les principes réalistes du Caravage en font l'héritier de la Renaissance, bien qu'il subvertisse les traditions classiques. La méthode du Caravage était à l'opposé de l'académisme, et l'artiste lui-même s'est rebellé contre lui, affirmant ses propres principes. D'où l'appel (non sans défier les normes acceptées) à des personnages insolites tels que joueurs, tricheurs, diseurs de bonne aventure, aventuriers de toutes sortes, dont les images du Caravage ont posé les bases d'une peinture quotidienne d'un esprit profondément réaliste, mêlant l'observation de la Genre hollandais avec la clarté et la précision de la forme de l'école italienne (Lute Player, vers 1595 ; The Players, 1594-1595).

3. Le Caravage. Créativité précoce

Dans ses premières œuvres, le Caravage introduit le concept de « genre » dans la peinture italienne, auparavant réservé aux seuls artistes des Pays-Bas. Mais contrairement aux Hollandais, le Caravage s'intéresse peu à ce qui se passe ou est sur le point de se produire, pour lui les types de rue eux-mêmes sont plus intéressants - une diseuse de bonne aventure avec un turban blanc, un jeune homme pimpant avec un chapeau à plumes, etc. .

Les premières années de la vie de l'artiste à Rome, où il arrive vers 1590, sont sévères. Pour gagner de l'argent, il a peint des fleurs et des fruits dans les peintures d'autres artistes, puis a commencé à créer indépendamment des scènes de genre particulières et des natures mortes. Représentant des garçons des rues, des visiteurs de tavernes, des paniers de fruits, il fut l'un des premiers à affirmer l'existence de ces genres. L'essentiel dans les œuvres du Caravage n'est pas le récit, mais le type caractéristique.

Ces peintures incluent "Un jeune homme avec un luth" (vers 1595, Saint-Pétersbourg, Hermitage).

Un violon, des notes, des fruits sont sur la table devant lui. Tous ces objets sont peints avec une habileté raffinée dans leur rondeur dense, leur matérialité, leur tangibilité. Le clair-obscur le visage et la silhouette sont magnifiés, le fond sombre souligne la saturation des tons clairs en avant, l'objectivité de tout ce qui est présenté. Le Caravage revendique la supériorité de la reproduction directe de la vie. Il oppose la grâce morbide du maniérisme encore répandu et le pathétique du baroque en devenir à la simplicité et au naturel du quotidien. Généralisant les formes, révélant l'essentiel, il confère aux objets les plus simples de la signification et de la monumentalité. Les compositions du Caravage avec des figures coupées à la taille sont construites avec précision, elles ont une stricte régularité, intégrité, isolement, rapprochant le Caravage des maîtres de la Renaissance. Cela donne de la monumentalité et de l'importance non seulement à sa vie quotidienne, mais aussi à des scènes religieuses, comme, par exemple, "L'Incrédulité de Thomas" (vers 1603, Florence, Offices; option - Potsdam, galerie d'art de Sanssouci).

Le centre de développement du nouvel art baroque au tournant des XVIe-XVIIe siècles. était Rome. Le "baroque romain" est le style artistique le plus puissant de l'art italien de la seconde moitié des XVIe et XVIIe siècles. est né principalement dans l'architecture et est idéologiquement associé au catholicisme, au Vatican. L'architecture de cette ville au 17ème siècle. apparaît comme en tout contraire au classicisme de la Renaissance et en même temps fermement associé à lui. Ce n'est pas par hasard que Michel-Ange agit comme son précurseur, comme déjà mentionné.

Les maîtres baroques rompent avec de nombreuses traditions artistiques de la Renaissance, avec ses volumes harmonieux et équilibrés. Les architectes baroques incluent dans un ensemble architectural holistique non seulement des bâtiments individuels et des places, mais aussi des rues. Le début et la fin des rues sont certainement marqués de quelques accents architecturaux (places) ou sculpturaux (monuments). Le représentant de l'architecte baroque primitif Domenico Fontana (1543-1607) utilise pour la première fois dans l'histoire de l'urbanisme un système de rues à trois faisceaux divergeant de la Piazza del Popolo ("Place du Peuple"), reliant ainsi l'entrée principale à la ville avec les principaux ensembles de Rome. Obélisques et fontaines, placés aux points de descente des avenues de rayons et à leurs extrémités, créent un effet quasi théâtral de perspective s'éloignant. Le principe de Fontana était d'une grande importance pour toute la planification urbaine européenne ultérieure (rappelez-vous le système à trois faisceaux d'au moins Saint-Pétersbourg).

La statue, comme principe organisant la place, est remplacée par un obélisque avec son aspiration dynamique vers le haut, et encore plus souvent - une fontaine richement décorée de sculptures. Les fontaines du Bernin, Triton (1643) sur la Piazza Barberini et la fontaine des Quatre Fleuves (1648-1651) sur la Piazza Navona, étaient un brillant exemple de fontaines baroques.

Dans le même temps, au début de l'ère baroque, ce n'est pas tant de nouveaux types de palais, villas, églises qui ont été créés, mais l'élément décoratif a été renforcé : l'intérieur de nombreux palais de la Renaissance s'est transformé en une enfilade de chambres magnifiques, le décor du les portails sont devenus plus compliqués, les maîtres baroques ont commencé à prêter beaucoup d'attention à la cour et au jardin du palais. L'architecture des villas avec leur riche ensemble de jardins et de parcs a atteint une échelle particulière. En règle générale, les mêmes principes de construction axiale se sont développés ici qu'en urbanisme : la voie d'accès centrale, le hall principal de la villa et l'allée principale du parc de l'autre côté de la façade suivent le même axe. Grottes, balustrades, sculptures, fontaines décorent abondamment le parc, et l'effet décoratif est encore renforcé par la disposition de l'ensemble en terrasses sur le terrain escarpé.

Lorenzo Bernin. Fontaine des Quatre Fleuves sur la Piazza Navona. Rome

Le décor architectural devient encore plus magnifique à l'époque du baroque mature, à partir du deuxième tiers du XVIIe siècle. Non seulement la façade principale est décorée, mais aussi les murs du côté du jardin ; depuis le hall d'entrée, vous pouvez accéder directement au jardin, qui est un magnifique ensemble de parc ; du côté de la façade principale, les ailes latérales du bâtiment s'étendent et forment une cour d'apparat - le soi-disant courdoner (français cour d'honneur, littéralement - cour d'honneur).

Dans l'architecture culte du baroque mature, l'expressivité et le dynamisme plastiques sont renforcés. De nombreuses arrachements et ruptures de tringles, corniches, frontons dans un contraste noir et blanc vif créent une façade pittoresque extraordinaire. Les plans droits sont remplacés par des courbes, l'alternance de plans courbes et concaves renforce également l'effet plastique. L'intérieur de l'église baroque en tant que lieu d'un magnifique rite théâtral du service catholique est une synthèse de tous les types d'arts visuels (et avec l'avènement de l'orgue - et de la musique). Divers matériaux (marbres colorés, sculptures sur pierre et bois, moulures en stuc, dorures), la peinture avec ses effets illusionnistes - tout cela, associé aux volumes fantaisistes, a créé un sentiment d'irréel, élargi l'espace du temple à l'infini. La saturation décorative, la sophistication du jeu des plans, l'invasion des ovales et des rectangles au lieu des cercles et des carrés chers aux maîtres de la Renaissance s'intensifient d'une création architecturale à l'autre. Il suffit de comparer l'église d'Il Gesu (1575) de Giacomo della Porta (vers 1540-1602) avec l'église de Sant Ivo (1642-1660) de Francesco Borromini (1599-1667) : ici les protubérances triangulaires pointues des murs , un dôme en forme d'étoile crée une impression infiniment variée, prive la forme d'objectivité; ou avec sa propre église de San Carlo alle cuatro Fontane (1634-1667).

Francesco Borromini. Église de Sant Ivo alla Sanienza. Rome

Francesco Boromini. Dôme de l'église de San Carlo alle Cuatro Fontane à Rome

La sculpture est étroitement liée à l'architecture. Elle décore les façades et les intérieurs des églises, villas, palais de la ville, jardins et parcs, autels, pierres tombales, fontaines. Dans le baroque, il est parfois impossible de séparer le travail d'un architecte et celui d'un sculpteur. Un artiste qui combinait les deux talents en lui-même était Giovanni Lorenzo Bernin(1598-1680). En tant qu'architecte de la cour et sculpteur des papes, le Bernin exécuta les commandes et dirigea tous les principaux travaux architecturaux, sculpturaux et décoratifs qui furent réalisés pour décorer la capitale. En grande partie grâce aux églises construites selon son projet, la capitale catholique a également acquis un caractère baroque (église de Sant'Andrea al Quirinale, 1658-1678). Dans le palais du Vatican, Bernini a conçu « l'escalier royal » (Scala regia), qui reliait le palais papal à la cathédrale. Il possède la création la plus typique du baroque - le dais (civorium) de la basilique Saint-Pierre (1657-1666), éblouissant de richesse décorative de divers matériaux, d'imagination artistique débridée, ainsi que de nombreuses statues, reliefs et pierres tombales de la cathédrale . Mais la principale création du Bernin est la grandiose colonnade de la basilique Saint-Pierre et la décoration de la gigantesque place près de cette cathédrale (1656-1667). Profondeur de la zone - 280 m ; un obélisque se dresse en son centre ; les fontaines sur les côtés soulignent l'axe transversal, et la place elle-même est formée d'une puissante colonnade de quatre rangées de colonnes de l'ordre toscan, hautes de dix-neuf mètres, formant un cercle ouvert et strict, "comme des bras ouverts", comme le dit Bernini lui-même.

La colonnade, telle une couronne, couronnait la cathédrale, qui fut touchée par la main de tous les grands architectes de la Renaissance de Bramante à Raphaël, Michel-Ange, Baldassare Peruzzi (1481-1536), Antonio da Sangalla le Jeune (1483-1546) . Le dernier à décorer le portique principal fut l'élève de Bramante, Carlo Maderna (1556-1629).

Lorenzo Bernin. Colonnade de la place devant la cathédrale Saint-Pierre. Rome

Le Bernin était un sculpteur tout aussi célèbre. Comme les maîtres de la Renaissance, il se tourne à la fois vers des sujets antiques et chrétiens. Mais son image de "David" (1623), par exemple, sonne différemment de celle de Donatello, Verrocchio ou Michelangelo. Le « David » du Bernin est un « plébéien militant », un rebelle, il lui manque la clarté et la simplicité des images du Quattrocento, l'harmonie classique de la Haute Renaissance. Ses lèvres fines sont obstinément comprimées, ses petits yeux se plissent de colère, la silhouette est extrêmement dynamique, le corps est presque tourné autour de son axe.

Le Bernin a créé de nombreux autels sculpturaux pour les églises romanes, des pierres tombales pour des personnages célèbres de son temps, des fontaines sur les places principales de Rome (les fontaines déjà mentionnées de la Piazza Barberini, Piazza Navona, etc.), et dans toutes ces œuvres leur lien organique avec le environnement architectural se manifeste. Le Bernin était un artiste typique qui a travaillé pour l'Église catholique, donc, dans cent images d'autel, créées avec le même éclat décoratif que d'autres œuvres sculpturales, dans le langage de la plastique baroque (transfert illusoire de la texture des objets, amour de la combinaison de différentes matériaux non seulement dans la texture, mais et mais la couleur, la théâtralité de l'action, le « pittoresque » général de la sculpture) a toujours clairement exprimé une certaine idée religieuse (« L'Extase de Sainte Thérèse d'Avila » dans l'église de Santa Maria della Vittoria à Rome).

Le Bernin a été le créateur du portrait baroque, dans lequel tous les traits du baroque sont pleinement révélés : cette image est cérémonielle, théâtrale, décorative, mais la splendeur générale de l'image n'éclipse pas l'apparence réelle du modèle qu'elle contient (portraits du duc d'Ests, Louis XIV).

Dans la peinture de l'Italie au tournant des XVI-XVII siècles. Deux directions artistiques principales peuvent être distinguées : l'une est associée au travail des frères Carracci et a reçu le nom d'"académisme de Bologne", l'autre - à l'art de l'un des plus grands artistes italiens du XVIIe siècle. Caravage.

Annibale et Agostino Carracci et leur cousin Lodovico ont fondé l'Accademia degli incamminati à Bologne en 1585, dans laquelle les artistes ont été formés selon un programme spécifique. D'où le nom - "l'académisme de Bologne" (ou "l'école de Bologne"). Les principes de l'Académie de Bologne, qui était le prototype de toutes les académies européennes du futur, peuvent être retracés dans le travail du plus talentueux des frères - Annibale Carracci (1560-1609).

Carracci étudiera attentivement et étudiera la nature. Il croyait que la nature est imparfaite et qu'elle doit être transformée, anoblie, pour qu'elle devienne un digne sujet de représentation conformément aux normes classiques. D'où l'inévitable abstraction, rhétorique des images de Carracci, pathétique au lieu de véritable héroïsme et beauté. L'art de Carracci s'avéra très actuel, conforme à l'esprit de l'idéologie officielle, et fut rapidement reconnu et diffusé.

Annibale Carracci. Vénus et Adonis. Vienne, Kunsthistorisches Museum

Les frères Carracci sont des maîtres de la peinture monumentale et décorative. Leur œuvre la plus célèbre est la peinture de la galerie du Palais Farnèse à Rome sur les sujets des "Métamorphoses" d'Ovide (1597-1604), typique de la peinture baroque. De plus, Annibale Carracci était le créateur du paysage dit héroïque - un paysage idéalisé et inventé, car la nature, comme l'homme (selon les Bolonais), est imparfaite, brute et nécessite un raffinement pour être représentée dans l'art. Il s'agit d'un paysage, déployé à l'aide de rideaux en profondeur, avec des masses équilibrées de bouquets d'arbres et une ruine presque obligatoire, avec de petites figures de personnes servant uniquement de personnel pour souligner la grandeur de la nature. La couleur de la bolognaise est tout aussi conventionnelle : ombres sombres, couleurs locales bien agencées, lumière glissant sur les volumes. Les idées de Carracci ont été développées par un certain nombre de ses étudiants (Guido Reni, Domenichino, etc.), dans le travail desquels les principes de l'académisme ont été presque canonisés et répandus dans toute l'Europe.

Michel-Ange Merisi(1573-1610), surnommé le Caravage (d'après son lieu de naissance), est l'artiste qui a donné son nom à un puissant mouvement réaliste de l'art, proche du naturalisme, le caravagisme, qui a fait des adeptes dans toute l'Europe occidentale. La seule source à laquelle Caravage trouve digne de puiser dans les thèmes de l'art est la réalité environnante. Les principes réalistes du Caravage en font l'héritier de la Renaissance, bien qu'il subvertisse les traditions classiques. La méthode du Caravage était à l'opposé de l'académisme, et l'artiste lui-même s'est rebellé contre lui, affirmant ses propres principes. D'où l'appel (non sans défier les normes acceptées) à des personnages insolites tels que joueurs, tricheurs, diseurs de bonne aventure, aventuriers de toutes sortes, dont les images du Caravage ont posé les bases d'une peinture quotidienne d'un esprit profondément réaliste, mêlant l'observation de la Genre hollandais avec la clarté et la précision de la forme de l'école italienne ("Le joueur de luth", c. 1595; Les joueurs, 1594-1595).

Mais l'essentiel pour le maître reste les thèmes religieux (images d'autel), que le Caravage cherche à incarner avec un courage vraiment novateur comme d'une fiabilité vitale. Dans "L'évangéliste Matthieu avec un ange" (1599-1602), l'apôtre ressemble à un paysan, ses mains sont rugueuses, familières avec le travail acharné, son visage ridé est tendu par une activité inhabituelle - la lecture.

Caravage. L'appel de l'apôtre Matthieu. Église de San Luigi Dei Francesi à Rome

Caravaggio a un solide moulage plastique de la forme, il applique de la peinture dans de grands et larges plans, arrachant les parties les plus importantes de la composition à l'obscurité avec la lumière. Ce clair-obscur net, les taches de couleurs contrastées, les gros plans, la composition dynamique créent une atmosphère de tension intérieure, de drame, d'émotion et de grande sincérité. Le Caravage habille ses personnages de vêtements modernes, les place dans un environnement simple et familier au public, ce qui le rend encore plus convaincant. Les œuvres du Caravage atteignaient parfois une telle force d'expressivité réaliste, atteignant malheureusement parfois le naturalisme, que les clients les refusaient, ne voyant pas dans les images la piété et l'idéalité appropriées (non sans raison certains chercheurs utilisent le terme "réalisme cruel" en relation avec le Caravage ). Ce fut le cas du retable « La Dormition de la Mère de Dieu » : le client le refusa, arguant que le maître avait représenté non pas la grandeur de la Dormition de Marie, mais la mort dans toute sa laideur.

La passion pour les détails naturalistes, l'authenticité de la situation n'éclipse pas l'essentiel dans les œuvres du Caravage, dont les meilleures sont émotionnellement expressives, profondément dramatiques et sublimes ("La mise au tombeau", 1602). La créativité mature du maître se caractérise par la monumentalité, la majesté des compositions, la forme sculpturale, la clarté classique du dessin. Dans le même temps, les dégradés de lumière et d'ombre deviennent plus doux, les nuances de couleurs - plus fines, spatiales - aérées (la déjà mentionnée "Assomption de Marie", 1606).

L'art du Caravage a donné naissance à la fois à de véritables adeptes de sa méthode artistique et à des imitateurs superficiels qui n'ont maîtrisé que les techniques extérieures. Parmi ses disciples les plus sérieux en Italie figurent Crespi, Gentilleschi, tous les « ténébristes » vénitiens ; en Hollande - Terbruggen et en général toute la soi-disant "école d'Utrecht des Kavarajistes". L'influence du Caravage a été vécue par le jeune Rembrandt, en Espagne - par Ribera, Zurbaran, Velazquez.

Dès sa première période, le baroque italien en tant que style a été formé en grande partie sur les mêmes principes que le système académique des bolonais. L'idéalisation et le pathétique étaient particulièrement proches des cercles officiels de la société italienne et de l'église - le principal client des œuvres d'art. Cependant, ce style a aussi pris quelque chose du Caravage : la matérialité de la forme, de l'énergie et du drame, des innovations dans la compréhension du modelage en noir et blanc. De la fusion de deux systèmes artistiques différents est né l'art du baroque italien : la peinture monumentale et décorative du Guercino (Francesco Barbieri, 1591 - 1666) avec ses types réalistes et le clair-obscur caravagesque, Pietro da Cortona (Berrettini, 1596-1669), Luca Giordano (1632-1705) ; peinture de chevalet du plus proche Caravage Bernardo Strozzi (1581-1644), l'excellent coloriste Domenico Fetti (1588/89-1623), qui fut fortement influencé par Rubens (ainsi que Strozzi). Un peu plus tard, au milieu du siècle, apparaissent brillantes dans leurs mérites coloristiques, les compositions romantiques lugubres de Salvator Rosa (1615-1673).

Caravage. La position dans le cercueil. Vatican, Pinacothèque

Dans le dernier tiers du XVIIe siècle. dans l'art du baroque italien, certains changements se dessinent. Le décor se développe de manière incontrôlable, les compositions et les raccourcis se compliquent, il semble que les figures se précipitent dans un mouvement rapide et désordonné. La peinture avec son illusionnisme de perspective, en effet, détruit le mur, "déchire" le plafond ou la coupole, ce qui a toujours contredit les règles de l'art classique. Le plafond de l'église romane de Sant'Ignace "L'Apothéose de Saint Ignace", exécuté par Andrea del Pozzo (1642-1709), architecte, peintre, théoricien de l'art, qui n'était pas sans raison appelé le chef du "Jésuite style" est l'exemple le plus clair d'une telle peinture de plafond avec son "truc de l'œil", l'expressivité des moyens expressifs, le mysticisme et l'humeur extatique (Rome, 1684).

À la fin du siècle, dans les compositions aussi bien monumentales que décoratives et de chevalet, la froideur, la rhétorique et le faux pathétique s'imposent de plus en plus. Cependant, les meilleurs artistes savaient encore surmonter ces caractéristiques du baroque tardif. Tels sont les paysages romantiques d'Alessandro Magnasco (1667-1749), les peintures monumentales (plafonds, images d'autel) et de chevalet (portraits) de Giuseppe Crespi (1665-1747) - des artistes au tournant du nouveau siècle.

Salvator Rosa.

L'esprit de Samuel, invoqué à Saül par la sorcière d'Endor. Paris, Louvre

Au XVIIe siècle. L'Italie conservait toujours une position de leader dans l'art de l'Europe. Mais depuis le XVIIIe siècle. un déclin a commencé, dont les raisons résident dans le sort historique de l'Italie, qui était très difficile à cette époque et est devenu encore plus difficile au XVIIIe siècle, lorsque la domination espagnole a été remplacée par une autrichienne, et tout le pays était à la merci d'États centralisés si différents.