Grands artistes de la Renaissance. Artistes de la Renaissance et leurs peintures Tableaux célèbres de la Renaissance

Les peuples d’Europe ont cherché à faire revivre les trésors et les traditions perdus à cause des guerres d’extermination sans fin. Les guerres ont emporté de la surface de la terre les hommes et les grandes choses qu’ils avaient créées. L'idée de faire revivre la haute civilisation du monde antique a donné naissance à la philosophie, à la littérature, à la musique, à l'essor des sciences naturelles et - surtout - à l'épanouissement de l'art. L’époque exigeait des gens forts et instruits qui n’avaient peur d’aucun travail. C’est parmi eux que l’émergence de ces quelques génies que l’on appelle les « titans de la Renaissance » est devenue possible. Ceux-là mêmes que nous appelons uniquement par leur nom.

La Renaissance était avant tout italienne. Il n’est donc pas surprenant que ce soit en Italie que l’art ait atteint son apogée et son épanouissement au cours de cette période. C'est ici que se trouvent des dizaines de noms de titans, de génies, d'artistes grands et tout simplement talentueux.

MUSIQUE DE LEONARDO.

Quel chanceux ! – beaucoup diront de lui. Il était doté d'une santé rare, beau, grand et avait les yeux bleus. Dans sa jeunesse, il portait des boucles blondes et son air fier lui rappelait le Saint-Georges de Donatell. Il avait une force courageuse et une valeur masculine inouïes. Il chantait à merveille et composait des mélodies et des poèmes devant son public. Il jouait de n'importe quel instrument de musique et il les créait lui-même.

Pour l’art de Léonard de Vinci, les contemporains et les descendants n’ont jamais trouvé de définitions autres que « brillant », « divin » et « grand ». Les mêmes mots font référence à ses révélations scientifiques : il a inventé un char, une excavatrice, un hélicoptère, un sous-marin, un parachute, une arme automatique, un casque de plongée, un ascenseur, a résolu les problèmes les plus complexes d'acoustique, de botanique, de médecine, de cosmographie. , a créé un projet de théâtre circulaire, inventé un siècle plus tôt , que Galilée, le pendule de l'horloge, a dessiné les skis nautiques actuels, a développé la théorie de la mécanique.

Quel chanceux ! - beaucoup diront de lui et commenceront à se souvenir de ses princes et rois bien-aimés, qui cherchaient à le connaître, des spectacles et des vacances qu'il inventait en tant qu'artiste, dramaturge, acteur, architecte et s'y amusait comme un enfant.

Cependant, Leonardo, l'irrépressible centenaire, était-il heureux, dont chaque jour donnait aux gens et au monde des visions et des idées ? Il prévoyait le sort terrible de ses créations : la destruction de la Cène, la fusillade du monument à Francesca Sforza, le faible commerce et le vol ignoble de ses journaux et cahiers d'exercices. Au total, seuls seize tableaux ont survécu à ce jour. Peu de sculptures. Mais beaucoup de dessins, des dessins codés : comme des héros fiction moderne, il a modifié une pièce de sa conception, comme pour qu'une autre ne puisse pas l'utiliser.

Léonard de Vinci a travaillé dans différents types et les genres d'art, mais la peinture lui a valu la plus grande renommée.

L'une des premières peintures de Léonard est la Madone à la Fleur ou Madone Benois. L'artiste agit déjà ici en véritable innovateur. Il brise les frontières parcelle traditionnelle et donne à l'image une signification plus large et universelle, qui est la joie et l'amour maternels. Dans cette œuvre, de nombreuses caractéristiques de l’art de l’artiste se sont clairement manifestées : une composition claire des figures et du volume des formes, un désir de brièveté et de généralisation, une expressivité psychologique.

La suite du thème commencé était le tableau « Madonna Litta », où une autre caractéristique du travail de l’artiste était clairement révélée : un jeu de contrastes. Le thème a été complété par le tableau « Madone à la grotte », dans lequel l'idéal solution compositionnelle, grâce à quoi les figures représentées de la Madone, du Christ et des anges se confondent avec le paysage en un seul tout, doté d'un équilibre et d'une harmonie calmes.

L’un des sommets de l’œuvre de Léonard est la fresque « La Cène » située dans le réfectoire du monastère de Santa Maria Della Grazie. Cette œuvre surprend non seulement par sa composition globale, mais aussi par sa précision. Léonard ne transmet pas seulement l'état psychologique des apôtres, mais au moment où il atteint un point critique, il se transforme en une explosion psychologique et un conflit. Cette explosion est provoquée par les paroles du Christ : « L’un de vous me trahira ». Dans cette œuvre, Léonard a pleinement utilisé la technique de comparaison spécifique des figures, grâce à laquelle chaque personnage apparaît comme une individualité et une personnalité uniques.

Le deuxième summum de la créativité de Leonard fut le célèbre portrait de Mona Lisa, ou La Joconde. Cette œuvre a marqué le début du genre portrait psychologique dans l'art européen. Lors de sa création, le grand maître a utilisé avec brio tout l'arsenal d'outils expression artistique: contrastes nets et demi-teintes douces, immobilité figée et fluidité et variabilité générales, nuances et transitions psychologiques subtiles. Tout le génie de Léonard réside dans le regard étonnamment vivant de la Joconde, son aspect mystérieux et sourire mystérieux, une brume mystique recouvrant le paysage. Cette œuvre est l’un des chefs-d’œuvre les plus rares de l’art.

Tous ceux qui ont vu La Joconde ramenée du Louvre à Moscou se souviennent des moments de leur surdité totale près de cette petite toile, de la tension du meilleur en eux-mêmes. Gioconda ressemblait à un « Martien », un représentant de l'inconnu - probablement l'avenir, et non le passé de la tribu humaine, l'incarnation de l'harmonie, dont le monde ne se lasse pas et ne se lassera jamais de rêver.

On peut en dire beaucoup plus sur lui. Surpris que ce ne soit pas une fiction ou un fantasme. Par exemple, vous vous souvenez de la façon dont il a proposé de déplacer la cathédrale de San Giovanni - un tel travail nous étonne, nous, habitants du XXe siècle.

Léonard a déclaré : « Un bon artiste doit être capable de peindre deux choses principales : une personne et une représentation de son âme. Ou est-ce dit de « Colombine » de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg ? Certains chercheurs l’appellent, et non la toile du Louvre, « La Gioconda ».

Boy Nardo, tel était son nom dans Vinci : le fils illégitime d'un notaire littéraire qui considérait les meilleures créatures sur Terre d'oiseaux et de chevaux. Bien-aimé de tous et solitaire, qui pliait des épées d'acier et peignait des pendus. Il invente un pont sur le Bosphore et une ville idéale, plus belle que celles du Corbusier et de Niemeyer. Il a chanté avec un doux baryton et a fait sourire la Joconde. Dans l’un de ses derniers carnets, cet homme chanceux écrivait : « Il me semblait que j’apprenais à vivre, mais j’apprenais à mourir. » Cependant, il a ensuite résumé la situation : « Une vie bien vécue est une longue vie. »

Est-il possible d'être en désaccord avec Leonardo ?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli est né à Florence en 1445 dans la famille d'un tanneur de cuir.

Premier dans le temps œuvre originale L’œuvre de Botticelli est considérée comme « L’Adoration des Mages » (vers 1740), où les principales propriétés de sa manière originale – la rêverie et la poésie subtile – se reflétaient déjà pleinement. Il était doué d'un sens inné de la poésie, mais une nette touche de tristesse contemplative le parcourait littéralement dans tout. Même saint Sébastien, tourmenté par les flèches de ses bourreaux, semble pensif et détaché de lui.

À la fin des années 1470, Botticelli se rapproche du cercle du souverain de facto de Florence, Lorenzo Médicis, surnommé le Magnifique. Dans les luxueux jardins de Lorenzo, se rassemblait une société de personnes, probablement les plus éclairées et les plus talentueuses de Florence. Il y avait là des philosophes, des poètes et des musiciens. Une atmosphère d'admiration pour la beauté régnait, et non seulement la beauté de l'art était valorisée, mais aussi la beauté de la vie. Le prototype de l'art idéal et vie idéale L’Antiquité a été considérée, mais perçue, à travers le prisme de strates philosophiques ultérieures. C’est sans aucun doute sous l’influence de cette atmosphère que fut créé le premier grand tableau de Botticelli, « Primavera (Printemps) ». C’est une allégorie onirique, exquise et merveilleusement belle du cycle éternel, du renouvellement constant de la nature. Il est imprégné des aspects les plus complexes et les plus fantaisistes rythme musical. La figure de Flore, décorée de fleurs, dansant des grâces jardin de paradis ils représentaient des images d'une beauté jamais vue à cette époque et produisaient donc une impression particulièrement captivante. Le jeune Botticelli prend immédiatement une place de choix parmi les maîtres de son temps.

C’est la grande réputation du jeune peintre qui lui valut une commande de fresques bibliques pour la chapelle Sixtine du Vatican, qu’il créa au début des années 1480 à Rome. Il a écrit « Scènes de la vie de Moïse », « Le châtiment de Coré, Dathan et Abiron », démontrant une étonnante compétence de composition. Le calme classique des bâtiments anciens, contre lesquels Botticelli oppose l'action, contraste fortement avec le rythme dramatique des personnages et des passions représentés ; le mouvement des corps humains est complexe, déroutant, saturé de force explosive ; on a l'impression d'ébranler l'harmonie, l'impuissance du monde visible face à la pression rapide du temps et de la volonté humaine. Les fresques de la Chapelle Sixtine expriment pour la première fois la profonde anxiété qui habite l’âme de Botticelli, et qui se renforce au fil du temps. Ces mêmes fresques reflètent l'étonnant talent de portraitiste de Botticelli : chacun des nombreux visages peints est tout à fait original, unique et inoubliable...

Dans les années 1480, de retour à Florence, Botticelli continue à travailler sans relâche, mais la clarté paisible de la Primera est déjà loin derrière lui. Au milieu de la décennie, il écrit son célèbre "Naissance de Vénus". Les chercheurs notent dans les travaux ultérieurs du maître un moralisme et une exaltation religieuse auparavant inhabituels.

Peut-être plus important que peinture tardive, dessins de Botticelli des années 90 - illustrations pour « Comédie divine»Dante. Il peignait avec un plaisir évident et non dissimulé ; les visions du grand poète sont transmises avec amour et soin par les proportions parfaites de nombreuses figures, l'organisation réfléchie de l'espace, l'ingéniosité inépuisable dans la recherche d'équivalents visuels du mot poétique...

Malgré les tempêtes et les crises mentales, Botticelli resta jusqu'au bout un grand artiste, maître de son art (il mourut en 1510). Ceci est clairement démontré par la noble sculpture du visage dans « Portrait un jeune homme", une caractéristique expressive du modèle qui ne laisse aucun doute sur ses hautes mérites humains, un dessin solide du maître et son regard amical.

Renaissance (Renaissance). Italie. 15-16ème siècle. Le capitalisme primitif. Le pays est dirigé par de riches banquiers. Ils s'intéressent à l'art et à la science.
Les riches et les puissants rassemblent autour d’eux les talentueux et les sages. Poètes, philosophes, artistes et sculpteurs discutent quotidiennement avec leurs mécènes. Pendant un moment, il sembla que le peuple était gouverné par des sages, comme le voulait Platon.
Ils se souvenaient des anciens Romains et Grecs. Qui a également construit une société de citoyens libres. Où la valeur principale, ce sont les gens (sans compter les esclaves, bien sûr).
La Renaissance ne consiste pas seulement à copier l’art des civilisations anciennes. C'est un mélange. Mythologie et christianisme. Réalisme de la nature et sincérité des images. Beauté physique et beauté spirituelle.
Ce n'était qu'un éclair. La période de la Haute Renaissance dure environ 30 ans ! Des années 1490 à 1527 Depuis le début de l'apogée de la créativité de Léonard. Avant le sac de Rome.

Mirage monde idéal s'est rapidement estompé. L'Italie s'est avérée trop fragile. Elle fut bientôt asservie par un autre dictateur.
Mais ces 30 années ont déterminé les principales caractéristiques Peinture européenne 500 ans d'avance ! Jusqu'à impressionnistes.
Réalisme de l'image. L'anthropocentrisme (quand une personne est personnage principal et héros). Perspective linéaire. Peinture à l'huile. Portrait. Paysage…
Incroyablement, au cours de ces 30 années, plusieurs maîtres brillants ont travaillé en même temps. Qui, à d’autres moments, naissent une fois tous les 1000 ans.
Léonard, Michel-Ange, Raphaël et Titien sont les titans de la Renaissance. Mais on ne peut manquer de mentionner leurs deux prédécesseurs. Giotto et Masaccio. Sans quoi il n’y aurait pas de Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto de Bondogni. Fragment du tableau «Cinq maîtres de la Renaissance florentine». Début du 16ème siècle. Persienne, Paris.

14ème siècle Proto-Renaissance. Son personnage principal est Giotto. C’est un maître qui à lui seul a révolutionné l’art. 200 ans avant la Haute Renaissance. Sans lui, l’ère dont l’humanité est si fière n’aurait guère eu lieu.
Avant Giotto, il y avait des icônes et des fresques. Ils ont été créés selon les canons byzantins. Des visages au lieu de visages. Chiffres plats. Non-respect des proportions. Au lieu d’un paysage, il y a un fond doré. Comme par exemple sur cette icône.

Guido de Sienne. Adoration des Mages. 1275-1280 Altenburg, Musée Lindenau, Allemagne.

Et soudain, des fresques de Giotto apparaissent. Ils ont des chiffres volumineux. Visages de personnes nobles. Triste. Triste. Surpris. Vieux et jeunes. Différent.

Giotto. Lamentation du Christ. Fragment

Giotto. Baiser de Judas. Fragment

Giotto. Sainte Anne

Fresques de Giotto dans l'église des Scrovegni à Padoue (1302-1305). À gauche : Lamentation du Christ. Milieu : Baiser de Judas (fragment). À droite : Annonciation de Sainte-Anne (Mère Marie), fragment.
L'œuvre principale de Giotto est le cycle de ses fresques de la chapelle des Scrovegni à Padoue. Lorsque cette église fut ouverte aux paroissiens, des foules de personnes y affluèrent. Parce qu'ils n'ont jamais rien vu de pareil.
Après tout, Giotto a fait quelque chose de sans précédent. C'était comme s'il traduisait des histoires bibliques dans un langage simple et compréhensible. Et ils sont devenus beaucoup plus accessibles aux gens ordinaires.

Giotto. Adoration des Mages. 1303-1305 Fresque de la chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie.

C’est précisément ce qui caractérisera de nombreux maîtres de la Renaissance. Images laconiques. Émotions vives des personnages. Le réalisme.
Entre l'icône et le réalisme de la Renaissance."
Giotto était admiré. Mais ses innovations n’ont pas été développées davantage. La mode du gothique international est arrivée en Italie.
Ce n'est qu'après 100 ans qu'apparaîtra un maître, digne successeur de Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportrait (fragment de la fresque « Saint Pierre en chaire »). 1425-1427 Chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Début du XVe siècle. La soi-disant première Renaissance. Un autre innovateur entre en scène.
Masaccio fut le premier artiste à utiliser la perspective linéaire. Il a été conçu par son ami l'architecte Brunelleschi. Désormais, le monde représenté est devenu semblable au monde réel. L’architecture des jouets appartient au passé.

Masaccio. Saint Pierre guérit avec son ombre. 1425-1427 Chapelle Brancacci dans l'église de Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Il adopte le réalisme de Giotto. Cependant, contrairement à son prédécesseur, il connaissait déjà bien l’anatomie.
Au lieu de personnages en blocs, Giotto a des gens magnifiquement bâtis. Tout comme les anciens Grecs.

Masaccio. Baptême des néophytes. 1426-1427 Chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine à Florence, Italie.

Masaccio. Expulsion du Paradis. 1426-1427 Fresque de la chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Masaccio n'a pas vécu longue vie. Il est mort, comme son père, de façon inattendue. A 27 ans.
Cependant, il avait de nombreux adeptes. Les maîtres des générations suivantes se rendirent à la chapelle Brancacci pour étudier ses fresques.
Ainsi, les innovations de Masaccio furent reprises par tous les grands titans de la Haute Renaissance.

3. Léonard de Vinci (1452-1519)

Léonard de Vinci. Autoportrait. 1512 Bibliothèque royale de Turin, Italie.

Léonard de Vinci est l'un des titans de la Renaissance. Ce qui a eu un impact considérable sur le développement de la peinture.
C'est lui qui a lui-même élevé le statut de l'artiste. Grâce à lui, les représentants de cette profession ne sont plus de simples artisans. Ce sont des créateurs et des aristocrates de l'esprit.
Léonard a fait une percée principalement dans le domaine du portrait.
Il pensait que rien ne devait détourner l'attention de l'image principale. Le regard ne doit pas vagabonder d’un détail à l’autre. C'est ainsi qu'apparaissent ses célèbres portraits. Laconique. Harmonieux.

Léonard de Vinci. Dame à l'hermine. 1489-1490 Musée Czertoryski, Cracovie.

La principale innovation de Léonard est d'avoir trouvé un moyen de rendre les images... vivantes.
Avant lui, les personnages des portraits ressemblaient à des mannequins. Les lignes étaient claires. Tous les détails sont soigneusement dessinés. Le dessin peint ne pouvait pas être vivant.
Mais ensuite Léonard a inventé la méthode sfumato. Il a ombré les lignes. J'ai rendu la transition de la lumière à l'ombre très douce. Ses personnages semblent recouverts d'une brume à peine perceptible. Les personnages ont pris vie.

Léonard de Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 Persienne, Paris.

Depuis, le sfumato fera partie du vocabulaire actif de tous les grands artistes de demain.
On pense souvent que Léonard, bien sûr, est un génie. Mais il ne savait pas comment finir quoi que ce soit. Et souvent, je ne finissais pas mes tableaux. Et beaucoup de ses projets sont restés sur papier (en 24 volumes d'ailleurs). Et en général, il se lançait soit dans la médecine, soit dans la musique. Et à une époque, je m'intéressais même à l'art de servir.
Cependant, pensez par vous-même. 19 tableaux. Et c'est le plus grand artiste de tous les temps. Et certains ne sont même pas proches de la grandeur. Parallèlement, ayant peint 6 000 toiles dans sa vie. Il est évident qui a la plus grande efficacité.

4. Michel-Ange (1475-1564)

Danièle de Volterra. Michel-Ange (fragment). 1544 Musée d'art métropolitain de New York.

Michel-Ange se considérait comme un sculpteur. Mais c'était un maître universel. Comme ses autres confrères de la Renaissance. Son héritage pictural n’en est donc pas moins grandiose.
Il est reconnaissable principalement à ses personnages physiquement développés. Parce qu'il incarne un homme parfait. Dans lequel la beauté physique signifie la beauté spirituelle.
C’est pourquoi tous ses héros sont si musclés et résilients. Même les femmes et les personnes âgées.

Michel-Ange. Fragment de la fresque " Jugement dernier"

Michel-Ange. Fragments de la fresque "Le Jugement dernier" à Chapelle Sixtine, Vatican.
Michel-Ange peignait souvent le personnage nu. Et puis il a ajouté des vêtements par-dessus. Pour que le corps soit le plus sculpté possible.
Il a peint lui-même le plafond de la Chapelle Sixtine. Même s'il s'agit de plusieurs centaines de chiffres ! Il n’autorisait même personne à frotter la peinture. Oui, c'était un solitaire. Posséder un caractère cool et querelleur. Mais surtout, il n'était pas satisfait de... lui-même.

Michel-Ange. Fragment de la fresque « La Création d'Adam ». 1511 Chapelle Sixtine, Vatican.

Michel-Ange a vécu une longue vie. Ayant survécu au déclin de la Renaissance. Pour lui, c'était une tragédie personnelle. Ses œuvres ultérieures sont pleines de tristesse et de chagrin.
En général, le parcours créatif de Michel-Ange est unique. Ses premières œuvres sont une célébration du héros humain. Libre et courageux. Dans les meilleures traditions de la Grèce antique. Comment s'appelle David ?
Dans les dernières années de la vie, ce sont des images tragiques. Pierre volontairement grossièrement taillée. C’est comme si nous regardions des monuments dédiés aux victimes du fascisme du XXe siècle. Regardez sa Pietà.

Michel-Ange. David

Michel-Ange. Pietà Palestrina

Sculptures de Michel-Ange à l'Académie des Beaux-Arts de Florence. À gauche : David. 1504 À droite : La Pietà de Palestrina. 1555
Comment est-ce possible? Un artiste dans une vie a traversé toutes les étapes de l'art, de la Renaissance au XXe siècle. Que devraient faire les générations suivantes ? Eh bien, suivez votre propre chemin. Se rendre compte que la barre est placée très haute.

5. Raphaël (1483-1520)

Raphaël. Autoportrait. 1506 Galerie des Offices, Florence, Italie.

Raphaël n'a jamais été oublié. Son génie a toujours été reconnu. Et pendant la vie. Et après la mort.
Ses personnages sont dotés d'une beauté sensuelle et lyrique. Ce sont ses Madones qui sont à juste titre considérées comme les plus belles images féminines jamais créées. Leur beauté extérieure reflète et beauté spirituelle héroïnes. Leur douceur. Leur sacrifice.

Raphaël. Madone Sixtine. 1513 Galerie des Maîtres Anciens, Dresde, Allemagne.

Fiodor Dostoïevski a prononcé les célèbres mots « La beauté sauvera le monde » spécifiquement à propos de la Madone Sixtine. C'était son tableau préféré.
Cependant, les images sensuelles ne sont pas le seul point fort de Raphaël. Il a réfléchi très soigneusement aux compositions de ses peintures. C'était un architecte hors pair en peinture. De plus, il a toujours trouvé la solution la plus simple et la plus harmonieuse pour organiser l’espace. Il semble qu’il ne puisse en être autrement.

Raphaël. Ecole d'Athènes. 1509-1511 Fresque des Stances du Palais Apostolique, Vatican.

Raphaël n'a vécu que 37 ans. Il est mort subitement. D'un rhume et erreur médicale. Mais son héritage est difficile à surestimer. De nombreux artistes idolâtraient ce maître. Multipliant ses images sensuelles dans des milliers de ses toiles.

6. Titien (1488-1576).

Titien. Autoportrait (fragment). 1562 Musée du Prado, Madrid.

Titien était un coloriste hors pair. Il a également beaucoup expérimenté en matière de composition. En général, c'était un innovateur audacieux et brillant.
Tout le monde l’aimait pour l’éclat de son talent. Appelé « Le Roi des Peintres et le Peintre des Rois ».
En parlant de Titien, je veux mettre un point d'exclamation après chaque phrase. Après tout, c'est lui qui a apporté du dynamisme à la peinture. Pathétique. Enthousiasme. Couleur vive. Éclat de couleurs.

Titien. Ascension de Marie. 1515-1518 Église de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venise.

À la fin de sa vie, il avait développé technique inhabituelle des lettres. Les coups sont rapides. Épais. Pâteux. J'ai appliqué la peinture soit avec un pinceau, soit avec mes doigts. Cela rend les images encore plus vivantes et respirantes. Et les intrigues sont encore plus dynamiques et dramatiques.

Titien. Tarquin et Lucrèce. 1571 Musée Fitzwilliam, Cambridge, Angleterre.

Cela ne vous rappelle rien ? Bien sûr, c'est la technique de Rubens. Et la technique des artistes du XIXème siècle : Barbizons et Impressionnistes. Titien, comme Michel-Ange, passera par 500 ans de peinture au cours de sa vie. C'est pourquoi c'est un génie.

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Les artistes de la Renaissance sont des artistes d'un grand savoir. Pour laisser un tel héritage, il fallait en savoir beaucoup. Dans le domaine de l'histoire, de l'astrologie, de la physique, etc.
Par conséquent, chaque image d’eux nous fait réfléchir. Pourquoi est-ce représenté ? Quel est le message crypté ici ?
Par conséquent, ils n’ont presque jamais commis d’erreurs. Parce qu’ils ont soigneusement réfléchi à leur futur travail. Utiliser toutes vos connaissances.
Ils étaient plus que des artistes. C'étaient des philosophes. Nous expliquer le monde à travers la peinture.
C’est pourquoi ils nous intéresseront toujours profondément.

La Renaissance est l’une des plus dynamiques de l’histoire de l’art mondial. Il couvre les XIVe-XVIe siècles. en Italie, XV-XVI siècles. dans les pays au nord des Alpes. Cette période du développement de la culture a reçu son nom - Renaissance (ou Renaissance) en relation avec le regain d'intérêt pour l'art ancien, se tournant vers lui comme un bel idéal, un modèle. Mais bien entendu, l’art nouveau va bien au-delà de l’imitation du passé.

Donatello. David. Années 1430. Bronze. Musée national. Florence.



Giotto. Lamentation du Christ. D'ACCORD. 1305 Fresque de la Chapelle del Arena. Padoue.



S. Botticelli. Printemps. D'ACCORD. 1477-1478 Toile, huile. Galerie des Offices. Florence.



A. Mantegna. Rencontre de Ludovico et Francesco Gonzaga. Entre 1471-1474 Fresque du mur ouest de la Camera degli Sposi (fragment). Mantoue.



Léonard de Vinci. Portrait de Mona Lisa (dite « La Gioconda »). D'ACCORD. 1503 Bois, huile. Persienne. Paris.



Léonard de Vinci. Dernière Cène. 1495-1497 Peinture à l'huile et à la détrempe sur le mur du réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie (détail). Milan.



Raphaël. Ecole d'Athènes. 1509-1511 Fresque de la Stanza della Segnatura. Vatican.



Michel-Ange. Sibylle de Delphes. 1508-1512 Fresque du plafond de la Chapelle Sixtine (fragment). Vatican.





Jan van Eyck. Portrait du couple Arnolfini. 1434 Bois, huile. galerie nationale. Londres.



Hugo van der Goes. Culte des bergers. 1474-1475 Bois, huile. Galerie des Offices. Florence.



A. Dürer. Adoration des Mages. 1504 Huile sur toile. Galerie des Offices. Florence.



L. Cranach l'Ancien. Madone sous le pommier. Après 1525 Huile sur toile. Musée de l'Ermitage. Saint-Pétersbourg.



A. Dürer. Quatre cavaliers. 1498 Gravure sur bois. De la série "Apocalypse".

La culture artistique de la Renaissance a pris forme au cours d'une période de croissance culturelle, de croissance économique rapide et d'émergence d'un nouveau l'ordre social- la décomposition de l'ancien mode de vie médiéval et l'émergence des relations capitalistes. F. Engels a écrit à propos de la Renaissance : « Ce fut la plus grande révolution progressiste de tout ce que l'humanité a connu jusqu'à cette époque, une époque qui avait besoin de titans et qui a donné naissance à des titans en force de pensée, de passion et de caractère, en polyvalence et en apprentissage. .»

Des changements économiques et sociaux radicaux ont conduit à l'émergence d'une nouvelle vision progressiste du monde : l'humanisme (du mot latin humanus - « humain »). Tous les humanistes étaient inspirés par la foi dans les pouvoirs créateurs de l’homme, dans le pouvoir infini de l’esprit humain.

A cette époque, l'idéal d'une personne active et volontaire prend forme et se manifeste de diverses manières. Il est curieux, rempli d'un désir d'inconnu et possède un sens développé de la beauté.

La Renaissance a soulevé le concept de l’esprit humain et de sa capacité à comprendre le monde. Le développement rapide de la science est un trait caractéristique de cette période. Dans leur recherche d’un idéal, les humanistes ont accordé une attention particulière à l’histoire de l’humanité. Culture ancienne s'est avéré le plus proche de leurs aspirations.

Beaucoup de personnes instruites de cette époque se montraient indifférentes à la religion. Et bien que les artistes aient peint des tableaux principalement sur des thèmes religieux, ils ont vu dans les images religieuses une expression poétique de l’expérience de vie des gens accumulée au fil des siècles. Ils ont rempli les vieux mythes chrétiens d’un nouveau contenu vital.

De tous les domaines culturels, l’art occupait la première place en Italie. C'était une expression créative naturelle des gens de cette époque.

L'art de la Renaissance, comme celui des époques précédentes, visait à donner une idée de la structure du monde, terrestre et céleste. Ce qui était nouveau, c'est que les idées sur la divinité et les pouvoirs célestes ne sont plus interprétées comme un mystère incompréhensible et effrayant et, plus important encore, cet art est imprégné de foi en l'homme, en raison de son intelligence et de ses capacités créatrices.

La vie à la Renaissance était étroitement liée à l’art. Il en constitue une partie indissociable, non seulement comme objet de contemplation, mais aussi comme œuvre et créativité. L'art semblait s'efforcer non seulement de remplir les églises et les palais, mais aussi de trouver sa place sur les places des villes, aux carrefours des rues, sur les façades des maisons et dans leurs intérieurs. Il était difficile de trouver une personne indifférente à l'art. Les princes, les marchands, les artisans, le clergé et les moines étaient souvent des gens connaissant l’art, des clients et des mécènes des artistes. La générosité des mécènes était alimentée par une soif d’autoglorification.

Le développement de l'art a été grandement facilité par l'accumulation de richesses rapidement acquises dans les grandes villes. Mais un succès facile n'a pas gâché même les artistes les plus avides de gloire et de profit, car les principes stricts de l'organisation corporative du travail artistique étaient encore forts. Les jeunes étaient formés en travaillant comme assistants d'un maître mûr. C’est pourquoi de nombreux artistes connaissaient si bien le métier d’art. Oeuvres d'art du XVe siècle. réalisé avec soin et amour. Même dans les cas où ils ne portent pas l’empreinte du talent ou du génie, nous sommes invariablement admirés par la qualité de l’artisanat.

De tous les arts, la première place appartenait aux beaux-arts et à l'architecture. Ce n'est pas pour rien que les noms des grands peintres du XVe siècle. connu de toute personne instruite.

La Renaissance s'étend sur plusieurs siècles. Ses débuts en Italie remontent à la première moitié du XVe siècle, mais il a été préparé par tout le développement de l'art dans la seconde moitié des XIIIe-XIVe siècles.

Florence est devenue le berceau de la Renaissance. Le peintre Masaccio, le sculpteur Donatello et l'architecte F. Brunelleschi sont appelés les « pères » de la Renaissance. Chacun à sa manière, mais ensemble ils posent les bases d’un nouvel art. Masaccio, à l'âge d'environ 25 ans, commence à peindre la chapelle Brancacci de l'église Santa Maria del Carmine à Florence. Les images qu'il a créées sont pleines de dignité humaine, dotées de force physique et de beauté. Le principal moyen artistique de Masaccio est un clair-obscur puissant, une compréhension développée du volume. L'artiste est décédé avant d'avoir 30 ans, mais ses étudiants et ses disciples ont continué à chercher quelque chose de nouveau dans le domaine. peinture monumentale, perspectives, couleurs.

Dans l'art italien du XVe siècle. une compréhension unique de la vérité artistique est développée. Les peintres continuent de tirer leurs sujets des légendes religieuses, les murs des églises sont décorés exclusivement de scènes bibliques, mais ces scènes sont transférées sur les places et les rues des villes italiennes, se déroulant comme sous les yeux des contemporains, et grâce à cela, la vie quotidienne elle-même acquiert un caractère sublimement historique. Les artistes incluent des portraits de clients et même des autoportraits dans des scènes légendaires. Parfois, la composition pittoresque comprend des rues avec des passants aléatoires, des places avec une foule bruyante, des gens en costumes modernes à côté de personnages sacrés.

Maison trait distinctif la peinture est devenue une perspective scientifiquement fondée. Les artistes en étaient fiers comme d'une découverte et méprisaient leurs prédécesseurs qui ne la connaissaient pas. Ils pouvaient construire des compositions complexes à plusieurs figures dans un espace tridimensionnel avec une précision mathématique. Certes, les peintres florentins se sont limités à la perspective linéaire et n'ont presque pas remarqué le rôle de l'environnement aérien. Cependant, la signification historique de la découverte de ce prospect était énorme. Entre les mains de grands peintres, elle devint une puissante médium artistique, a contribué à élargir la gamme des phénomènes sujets à incarnation artistique, pour inclure l'espace, le paysage et l'architecture dans la peinture.

Peinture italienne du XVe siècle. - majoritairement monumental. Elle a été réalisée sur les murs selon la technique de la fresque et, de par sa nature, a été conçue pour être perçue de loin. Les maîtres italiens ont su donner à leurs images un caractère universellement significatif. Ils ont laissé de côté les bagatelles et les détails et ont regardé le monde à travers les yeux de personnes qui savaient voir l'essence d'une personne dans ses gestes, ses mouvements corporels et sa posture.

Le fondateur de la sculpture de la Renaissance était Donatello. L'une de ses principales réalisations fut la renaissance de la statue dite ronde, qui posa les bases du développement de la sculpture dans les époques ultérieures. L'œuvre la plus aboutie de Donatello est la statue de David (Florence).

Brunelleschi a joué un rôle décisif dans le développement de l'architecture de la Renaissance. Il fait revivre la compréhension ancienne de l'architecture, sans pour autant abandonner l'héritage médiéval.

Brunelleschi rétablit l'ordre, rehausse l'importance des proportions et en fait la base d'une nouvelle architecture. L’étude des ruines romaines, qu’il a soigneusement mesurées et copiées avec amour, l’a aidé à accomplir tout cela. Mais il ne s’agit pas là d’une imitation aveugle de l’Antiquité. Dans les bâtiments construits par Brunelleschi (l'orphelinat, la chapelle Pazzi à Florence, etc.), l'architecture est empreinte de cette spiritualité inconnue des anciens.

Les Italiens s'intéressaient beaucoup aux proportions dans l'art, notamment en architecture. Leurs créations ravissent le spectateur par la proportionnalité de leurs formes. La cathédrale gothique est déjà difficile à voir en raison de sa taille gigantesque ; Les édifices de la Renaissance semblent recouverts d'un seul regard, ce qui permet d'apprécier l'étonnante proportionnalité de leurs parties.

Masaccio, Donatello, Brunelleschi étaient loin d'être seuls dans leur quête. De nombreux artistes excellents ont travaillé avec eux en même temps. La prochaine génération d'artistes de la Renaissance dans la seconde moitié du XVe siècle. enrichit le nouvel art et favorise sa large diffusion. Outre Florence, où le maître le plus important de cette époque était S. Botticelli, de nouveaux centres d'art et écoles locales virent le jour en Ombrie, dans le nord de l'Italie et à Venise. De grands maîtres comme Antonello da Messina, A. Mantegna, Giovanni Bellini et bien d'autres ont travaillé ici.

Les monuments créés en Italie au tournant des XVe-XVIe siècles se distinguent par leur perfection et leur maturité. Cette période de plus grande floraison de l’art italien est communément appelée la Haute Renaissance. Parmi la nombreuse armée de maîtres doués à l’heure actuelle, il y a ceux que l’on appelle à juste titre des génies. Ce sont Léonard de Vinci, Raphael Santi, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, et Giorgione, Titien, A. Palladio apparus un peu plus tard. L'histoire de cette période est en grande partie l'histoire de l'œuvre de ces maîtres.

Les deux derniers tiers du XVIe siècle. appelée la fin de la Renaissance. C’est une période d’intensification de la réaction féodale. église catholique déclare une campagne contre l'humanisme dans toutes ses manifestations. La crise a également touché l’art. Les artistes se limitent généralement à emprunter des motifs et des techniques aux grands maîtres. Il y a beaucoup de sophistication, de netteté et de grâce dans leurs œuvres, mais parfois il y a de l'amertume et de l'indifférence, elles manquent de chaleur et de naturel. A la fin du 16ème siècle. la crise s'intensifie. L'art devient plus réglementé, courtois. Et à cette époque, de grands artistes créaient - Titien, Tintoret, mais ce n'étaient que de grands individus.

Bien entendu, la crise de la culture de la Renaissance ne signifiait pas que l’héritage de la Renaissance était perdu ; il a continué à servir d'exemple et de mesure d'appréciation culturelle. L'influence de l'art Renaissance italienneénorme. Elle trouve un écho en France, en Espagne, en Allemagne, en Angleterre, en Russie.

Aux Pays-Bas, en France et en Allemagne, les XVe et XVIe siècles sont également marqués par l'essor de l'art, notamment de la peinture. C'est la période de ce qu'on appelle la Renaissance du Nord.

Déjà aux XIIIe-XIVe siècles. Des villes de libre-échange et d'artisanat se sont formées ici et le commerce s'est développé. A la fin du XVe siècle. Les centres culturels du Nord renforcent leurs liens avec l'Italie. Les artistes ont trouvé ici des modèles. Mais même en Italie même, les maîtres hollandais travaillaient et étaient très appréciés. Les Italiens étaient particulièrement attirés par les nouvelles peintures à l'huile et les gravures sur bois.

L'influence mutuelle n'exclut pas l'originalité qui distingue l'art de la Renaissance nordique. Ici, les anciennes traditions de l'art gothique sont mieux préservées. La lutte pour les idéaux humanistes était plus aiguë dans ces pays. La guerre paysanne en Allemagne au début du XVIe siècle, qui a secoué toute l'Europe occidentale, a contribué au fait que l'art du Nord a acquis une empreinte plus visible sur le peuple. La Renaissance italienne et la Renaissance du Nord, malgré toutes leurs différences, constituent pour ainsi dire deux canaux d'un même courant.

Le plus grand peintre hollandais du XVe siècle. - Jan van Eyck. Les maîtres véritablement talentueux étaient Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, Memling et Luke de Leiden. L'œuvre de Pieter Bruegel l'Ancien constitue l'apogée de l'art de la Renaissance nordique du milieu du XVIe siècle.

En Allemagne, le plus grand représentant de la Renaissance allemande fut Albrecht Dürer. Mais pas le seul. Des artistes aussi remarquables que Mathis Niethardt, Lucas Cranach l'Ancien, Hans Holbein le Jeune et d'autres ont travaillé ici.

La révolution menée à la Renaissance dans le domaine de la culture spirituelle et de l'art revêtit une énorme importance historique. Jamais auparavant en Europe occidentale l’art n’avait occupé une place aussi importante dans la société. Au cours des trois siècles suivants, l'art européen se développe sur la base des principes adoptés et légitimés par les artistes de la Renaissance. L'art de la Renaissance reste attractif aujourd'hui.

La Renaissance, ou Renaissance, est une étape historique de la culture européenne. Il s'agit d'une étape fatidique dans le développement de la civilisation mondiale, qui a remplacé les ténèbres et l'obscurantisme du Moyen Âge et a précédé la naissance valeurs culturelles Nouvelle heure. L'héritage de la Renaissance se caractérise par l'anthropocentrisme, c'est-à-dire une orientation vers l'Homme, sa vie et ses activités. S'éloignant des dogmes et des thèmes de l'Église, l'art acquiert un caractère laïc et le nom de l'époque fait référence à la renaissance de motifs anciens dans l'art.

La Renaissance, dont les racines sont originaires d'Italie, est généralement divisée en trois étapes : précoce (« quattrocento »), haute et ultérieure. Considérons les caractéristiques de la créativité des grands maîtres qui ont travaillé à cette époque ancienne mais significative.

Tout d’abord, il convient de noter que les créateurs de la Renaissance ne se sont pas seulement engagés dans les beaux-arts « purs », mais se sont également révélés être des chercheurs et des découvreurs talentueux. Par exemple, un architecte de Florence nommé Filippo Brunelleschi a décrit un ensemble de règles pour construire une perspective linéaire. Les lois qu'il a formulées ont permis de représenter avec précision le monde tridimensionnel sur toile. Parallèlement à l'incarnation d'idées progressistes dans la peinture, c'est très contenu idéologique- les héros des tableaux sont devenus plus « terrestres », avec des qualités personnelles et des personnages clairement définis. Cela s'appliquait même aux ouvrages sur des sujets liés à la religion.

Des noms marquants de la période du Quattrocento (seconde moitié du XVe siècle) - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli et d'autres - ont à juste titre obtenu leur place d'honneur dans le trésor de la culture mondiale.

Durant la Haute Renaissance (première moitié du XVIe siècle), tout le potentiel idéologique et créatif des artistes se révèle pleinement. Caractéristique A cette époque, l’art commence à faire référence à l’époque de l’Antiquité. Cependant, les artistes ne copient pas aveuglément des sujets anciens, mais les utilisent plutôt pour créer et développer leurs propres styles. Grâce à cela, les beaux-arts acquièrent cohérence et rigueur, laissant place à une certaine frivolité de la période précédente. L'architecture, la sculpture et la peinture de cette époque se complètent harmonieusement. Les bâtiments, fresques et peintures créés pendant la haute période de la Renaissance sont de véritables chefs-d'œuvre. Les noms de génies universellement reconnus brillent : Léonard de Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti.

La personnalité de Léonard de Vinci mérite une attention particulière. On dit de lui qu'il est un homme très en avance sur son temps. Artiste, architecte, ingénieur, inventeur, cette liste n'est pas complète des incarnations de cette personnalité aux multiples facettes.

L'homme de la rue moderne connaît Léonard de Vinci avant tout en tant que peintre. Son œuvre la plus célèbre est La Joconde. À l’aide de son exemple, le spectateur peut apprécier l’innovation de la technique de l’auteur : grâce à son courage unique et à sa pensée détendue, Léonard a développé des façons fondamentalement nouvelles de « revitaliser » une image.

En utilisant le phénomène de diffusion de la lumière, il a obtenu une diminution du contraste des détails mineurs, ce qui a élevé le réalisme de l'image à un nouveau niveau. Le maître a accordé une attention remarquable à la précision anatomique de l'incarnation du corps dans la peinture et le graphisme - les proportions de la figure « idéale » sont enregistrées dans « L'Homme de Vitruve ».

La seconde moitié du XVIe et la première moitié du XVIIe siècle sont généralement appelées la Renaissance tardive. Cette période a été caractérisée par des tendances culturelles et créatives très diverses, il est donc difficile de la juger sans ambiguïté. Les tendances religieuses du sud de l’Europe, incarnées par la Contre-Réforme, ont conduit à s’éloigner de la célébration de la beauté humaine et des idéaux anciens. La contradiction de ces sentiments avec l'idéologie établie de la Renaissance a conduit à l'émergence du maniérisme florentin. La peinture de ce style se caractérise par une palette de couleurs artificielles et lignes brisées. Les maîtres vénitiens de cette époque - Titien et Palladio - formèrent leurs propres directions de développement, qui avaient peu de points de contact avec les manifestations de la crise de l'art.

Outre la Renaissance italienne, il convient de prêter attention à la Renaissance nordique. Les artistes vivant au nord des Alpes étaient moins influencés par l’art ancien. Leur œuvre témoigne de l'influence du style gothique, qui perdura jusqu'à l'avènement de l'ère baroque. Les grandes figures de la Renaissance nordique sont Albrecht Dürer, Lucas Cranach l'Ancien, Pieter Bruegel l'Ancien.

Le patrimoine culturel des grands artistes de la Renaissance est inestimable. Le nom de chacun d’eux est soigneusement et respectueusement conservé dans la mémoire de l’humanité, puisque celui qui le portait était un diamant unique aux multiples facettes.

Pendant les temps difficiles pour l'Italie, l'éphémère « âge d'or » de la Renaissance italienne a commencé - ce qu'on appelle la Haute Renaissance, Le point le plus élevé apogée de l'art italien. La Haute Renaissance coïncide ainsi avec la période de lutte acharnée des villes italiennes pour leur indépendance. L'art de cette époque était imprégné d'humanisme, de foi dans les pouvoirs créateurs de l'homme, dans les possibilités illimitées de ses capacités, dans la structure raisonnable du monde, dans le triomphe du progrès. En art, les problèmes du devoir civique, élevés qualités morales, un exploit, une image d'une personne belle, harmonieusement développée, forte d'esprit et de corps, héroïque qui a réussi à s'élever au-dessus du niveau de la vie quotidienne. La recherche d'un tel idéal a conduit l'art à la synthèse, à la généralisation, à la révélation de schémas généraux de phénomènes, à l'identification de leurs relations logiques. L'art de la Haute Renaissance abandonne les particuliers et les détails insignifiants au nom d'une image généralisée, au nom du désir d'une synthèse harmonieuse des beaux aspects de la vie. C'est l'une des principales différences entre la Haute Renaissance et la première.

Léonard de Vinci (1452-1519) fut le premier artiste à incarner clairement cette différence. Le premier professeur de Léonard fut Andrea Verrocchio. La figure d'un ange dans le tableau du professeur « Baptême » démontre déjà clairement la différence dans la perception de l'artiste du monde de l'ère passée et de l'ère nouvelle : pas de planéité frontale de Verrocchio, la plus belle modélisation coupée du volume et une spiritualité extraordinaire de l'image. . Les chercheurs datent la « Madone à la fleur » (« Madone Benois », comme on l’appelait auparavant, du nom des propriétaires) au moment du départ de Verrocchio de l’atelier. Durant cette période, Léonard fut sans doute pendant quelque temps influencé par Botticelli. Des années 80 du 15ème siècle. Deux compositions inachevées de Léonard ont survécu : « L'Adoration des Mages » et « Saint. Jérôme." Probablement au milieu des années 80, la « Madonna Litta » a été créée selon l'ancienne technique de la détrempe, à l'image de laquelle le type de Léonard a trouvé son expression. beauté féminine: des paupières lourdes à moitié baissées et un sourire subtil confèrent au visage de la Madone une spiritualité particulière.

Combinant des principes scientifiques et créatifs, possédant à la fois logique et pensée artistique, Léonard a passé toute sa vie engagé dans la recherche scientifique ainsi que dans les beaux-arts ; distrait, il semblait lent et laissait derrière lui peu d’art. À la cour de Milan, Léonard a travaillé comme artiste, technicien scientifique, inventeur, mathématicien et anatomiste. D'abord un excellent travail, qu'il a interprété à Milan, était "Madonna of the Rocks" (ou "Madonna of the Grotto"). Il s'agit de la première composition d'autel monumentale de la Haute Renaissance, intéressante également parce qu'elle exprime pleinement les caractéristiques du style d'écriture de Léonard.

La plus grande œuvre de Léonard à Milan, la plus haute réalisation de son art, fut la peinture du mur du réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazie sur le thème de la Cène (1495-1498). Christ dans dernière fois rencontre ses élèves au dîner pour leur annoncer la trahison de l'un d'entre eux. Pour Léonard, l’art et la science existaient indissociablement. Tout en étant engagé dans l'art, il a fait des recherches scientifiques, des expériences, des observations, il est passé par la perspective dans le domaine de l'optique et de la physique, par des problèmes de proportions - dans l'anatomie et les mathématiques, etc. « La Cène » complète toute une étape dans la vie de l'artiste. recherche scientifique. C'est aussi une nouvelle étape dans l'art.

Léonard a pris congé de ses études d'anatomie, de géométrie, de fortification, de bonification des terres, de linguistique, de versification et de musique pour travailler sur « Le Cheval », un monument équestre dédié à Francesco Sforza, pour lequel il est principalement venu à Milan et qu'il a achevé en taille réelle. au début des années 90 en terre battue. Le monument n'était pas destiné à être incarné dans le bronze : en 1499 les Français envahissent Milan et les arbalétriers gascons abattent le monument équestre. En 1499 commencent les années d’errance de Léonard : Mantoue, Venise et, enfin, la ville natale de l’artiste, Florence, où il peint le carton « Saint-Pierre ». Anna avec Marie sur ses genoux », à partir de laquelle il réalise une peinture à l'huile à Milan (où il revint en 1506)

Un autre a été lancé à Florence par Leonardo travail de peinture: portrait de Mona Lisa, épouse du marchand del Giocondo, devenu l'un des tableaux les plus célèbres au monde.

Le portrait de Mona Lisa Gioconda est une étape décisive vers le développement de l'art de la Renaissance

Pour la première fois, le genre du portrait est mis au même niveau que les compositions sur des thèmes religieux et mythologiques. Malgré toutes les similitudes physionomiques indéniables, les portraits du Quattrocento se distinguaient par une contrainte sinon externe, du moins interne. La majesté de la Joconde est déjà véhiculée par la simple juxtaposition d'elle fortement étendue vers le bord de la toile, soulignée chiffre volumétrique avec un paysage de rochers et de ruisseaux visibles comme de loin, fondant, séduisant, insaisissable et donc, malgré toute la réalité du motif, fantastique.

En 1515, sur proposition du roi de France François Ier, Léonard part définitivement pour la France.

Léonard était le plus grand artiste de son temps, un génie qui a ouvert de nouveaux horizons artistiques. Il a laissé peu d’œuvres, mais chacune d’elles constitue une étape dans l’histoire de la culture. Leonardo est également connu comme un scientifique polyvalent. Ses découvertes scientifiques, par exemple ses recherches dans le domaine des avions, intéressent notre époque de l'astronautique. Des milliers de pages des manuscrits de Léonard, couvrant littéralement tous les domaines de la connaissance, témoignent de l'universalité de son génie.

Les idées de l'art monumental de la Renaissance, dans lesquelles se confondaient les traditions de l'Antiquité et l'esprit du christianisme, ont trouvé leur expression la plus vivante dans l'œuvre de Raphaël (1483-1520). Dans son art, deux tâches principales ont trouvé une solution mature : la perfection plastique du corps humain, exprimant l'harmonie intérieure d'une personnalité pleinement développée, dans laquelle Raphaël a suivi l'Antiquité, et une composition complexe à plusieurs figures qui transmet toute la diversité du monde. Raphaël a enrichi ces possibilités, atteignant une liberté étonnante dans la représentation de l'espace et du mouvement de la figure humaine, une harmonie impeccable entre l'environnement et l'homme.

Aucun des maîtres de la Renaissance n'a perçu l'essence païenne de l'Antiquité aussi profondément et naturellement que Raphaël ; Ce n'est pas pour rien qu'il est considéré comme l'artiste qui a le mieux relié les traditions anciennes à l'art d'Europe occidentale de l'ère moderne.

Rafael Santi est né en 1483 dans la ville d'Urbino, l'un des centres de culture artistique d'Italie, à la cour du duc d'Urbino, dans la famille d'un peintre et poète de la cour, qui fut le premier professeur du futur maître.

Période au début L'œuvre de Raphaël se caractérise parfaitement par un petit tableau en forme de tondo « Madonna Conestabile », avec sa simplicité et son laconisme de détails strictement sélectionnés (malgré la timidité de la composition) et le lyrisme particulier, inhérent à toutes les œuvres de Raphaël, subtil et un sentiment de paix. En 1500, Raphaël quitte Urbino pour Pérouse pour étudier dans l'atelier du célèbre artiste ombrien Pérugin, sous l'influence duquel furent écrits Les Fiançailles de Marie (1504). Le sens du rythme, la proportionnalité des masses plastiques, les intervalles spatiaux, la relation entre les figures et le fond, la coordination des tons de base (dans « Fiançailles », ce sont l'or, le rouge et le vert en combinaison avec un doux fond de ciel bleu) créent l'harmonie. qui apparaît déjà dans premières œuvres Raphaël et le distingue des artistes de l'époque précédente.

Tout au long de sa vie, Raphaël a recherché cette image dans la Madone ; ses nombreuses œuvres interprétant l'image de la Madone lui ont valu une renommée mondiale. Le mérite de l'artiste, tout d'abord, est qu'il a su incarner toutes les nuances les plus subtiles des sentiments dans l'idée de maternité, combiner lyrisme et émotivité profonde avec une grandeur monumentale. Cela est visible dans toutes ses Madones, à commencer par la jeune et timide « Madone Conestabile » : dans la « Madone aux Verts », « Madone au chardonneret », « Madone au fauteuil » et surtout au sommet de l'esprit et du savoir-faire de Raphaël. - dans la « Madone Sixtine ».

« La Madone Sixtine » est l'une des œuvres les plus parfaites de Raphaël en termes de langage : la figure de Marie et l'Enfant, strictement découpées sur le ciel, sont unies par un rythme de mouvement commun avec les figures de Saint-Pierre. Les barbares et le pape Sixte II, dont les gestes s'adressent à la Madone, ainsi que les vues de deux anges (plutôt des putti, si caractéristiques de la Renaissance), figurent dans la partie inférieure de la composition. Les figures sont également unies par une couleur dorée commune, comme si elles personnifiaient le rayonnement divin. Mais l'essentiel est le type de visage de la Madone, qui incarne la synthèse de l'ancien idéal de beauté avec la spiritualité de l'idéal chrétien, si caractéristique de la vision du monde de la Haute Renaissance.

La Madone Sixtine est une œuvre tardive de Raphaël.

DANS début XVIe V. Rome devient le principal centre culturel de l'Italie. L'art de la Haute Renaissance atteint son apogée dans cette ville, où, par la volonté des papes protecteurs Jules II et Léon X, travaillent simultanément des artistes tels que Bramante, Michel-Ange et Raphaël.

Raphaël peint les deux premières strophes. Dans la Stanza della Segnatura (salle des signatures, des sceaux), il a peint quatre fresques-allégories des principales sphères de l'activité spirituelle humaine : la philosophie, la poésie, la théologie et la jurisprudence (« L'École d'Athènes », « Parnassus », « Disputa »). , « Mesure, Sagesse et Force » ». Dans la deuxième salle, appelée « Strophe d'Eliodore », Raphaël a peint des fresques sur des scènes historiques et légendaires glorifiant les papes : « L'Expulsion d'Eliodore »

Pour l'art du Moyen Âge et début de la Renaissance Il était courant de représenter la science et l’art sous la forme de figures allégoriques individuelles. Raphaël a résolu ces thèmes sous forme de compositions à plusieurs figures, représentant parfois de véritables portraits de groupe, intéressantes tant par leur individualisation que par leur typicité.

Les étudiants ont également aidé Raphaël à peindre les loggias du Vatican adjacentes aux chambres du Pape, peintes d'après ses croquis et sous sa supervision avec des motifs d'ornements anciens, tirés principalement de grottes antiques récemment découvertes (d'où le nom de « grotesques »).

Raphaël a interprété des œuvres de divers genres. Son don de décorateur, mais aussi de metteur en scène et de conteur, se manifeste pleinement dans une série de huit cartons pour tapisseries de la Chapelle Sixtine sur des scènes de la vie des apôtres Pierre et Paul (« Une pêche miraculeuse », pour exemple). Ces peintures tout au long des XVIe-XVIIIe siècles. servi comme une sorte de standard pour les classiques.

Raphaël fut aussi le plus grand portraitiste de son époque. (« Le pape Jules II », « Léon X », l'ami de l'artiste l'écrivain Castiglione, la belle « Donna Velata », etc.). Et dans ses portraits, en règle générale, l'équilibre et l'harmonie internes prédominent.

À la fin de sa vie, Raphaël était chargé de manière disproportionnée d'une variété d'œuvres et de commandes. Il est même difficile d’imaginer que tout cela puisse être réalisé par une seule personne. Il était le personnage central vie artistique Rome, après la mort de Bramante (1514), il devint l'architecte en chef de la cathédrale Saint-Pierre. Peter, était chargé des fouilles archéologiques à Rome et dans ses environs et de la protection des monuments antiques.

Raphaël mourut en 1520 ; sa mort prématurée était inattendue pour ses contemporains. Ses cendres sont enterrées au Panthéon.

Troisième le plus grand maître La Haute Renaissance – Michel-Ange – a largement survécu à Léonard et Raphaël. La première moitié de sa carrière créative s'est déroulée à l'apogée de l'art de la Haute Renaissance, et la seconde pendant la Contre-Réforme et le début de la formation de l'art baroque. Parmi la brillante galaxie des artistes de la Haute Renaissance, Michel-Ange a surpassé tout le monde par la richesse de ses images, son pathétique civique et sa sensibilité aux changements d'humeur du public. D'où l'incarnation créative de l'effondrement des idées de la Renaissance.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) En 1488, à Florence, il commença à étudier attentivement la sculpture ancienne. Son relief « Bataille des Centaures » est déjà une œuvre de la Haute Renaissance dans son harmonie intérieure. En 1496, le jeune artiste part pour Rome, où il crée ses premières œuvres qui lui valent la renommée : « Bacchus » et « Pieta ». Littéralement capturé par les images de l’Antiquité. « Pieta » ouvre toute une série d'œuvres du maître sur ce sujet et le met en avant parmi les premiers sculpteurs d'Italie.

De retour à Florence en 1501, Michel-Ange, au nom de la Signoria, entreprit de sculpter la figure de David à partir d'un bloc de marbre endommagé devant lui par un sculpteur malchanceux. En 1504, Michel-Ange acheva la célèbre statue, que les Florentins appelaient le « Géant » et placée devant le Palazzo Vecchia, l'hôtel de ville. L'inauguration du monument s'est transformée en une fête nationale. L'image de David a inspiré de nombreux artistes du Quattrocento. Mais Michel-Ange le représente non pas comme un garçon, comme dans Donatello et Verrocchio, mais comme un jeune homme dans la pleine épanouissement de ses forces, et non pas après une bataille, avec une tête de géant à ses pieds, mais avant la bataille, en ce moment. de la plus haute tension de force. Dans la belle image de David, dans son visage sévère, le sculpteur a transmis le pouvoir titanesque de la passion, la volonté inflexible, le courage civil et le pouvoir illimité d'un homme libre.

En 1504, Michel-Ange (comme déjà mentionné à propos de Léonard) commence à travailler sur la peinture de la « Salle des Cinq-Cents » du Palais Signoria.

En 1505, le pape Jules II invita Michel-Ange à Rome pour construire son tombeau, mais refusa ensuite l'ordre et commanda une peinture moins grandiose du plafond de la chapelle Sixtine du palais du Vatican.

Michel-Ange a travaillé seul à la peinture du plafond de la chapelle Sixtine, de 1508 à 1512, peignant une superficie d'environ 600 mètres carrés. m (48x13 m) à une hauteur de 18 m.

Michel-Ange a consacré la partie centrale du plafond à des scènes de l'histoire sacrée, depuis la création du monde. Ces compositions sont encadrées par la même corniche peinte, mais créant l'illusion de l'architecture, et sont séparées, elles aussi, par des baguettes pittoresques. Des rectangles pittoresques soulignent et enrichissent la véritable architecture du plafond. Sous la corniche pittoresque, Michel-Ange a peint des prophètes et des sibylles (chaque personnage mesure environ trois mètres), dans des lunettes (arcs au-dessus des fenêtres), il a représenté des épisodes de la Bible et les ancêtres du Christ comme des gens ordinaires occupé par les activités quotidiennes.

Les neuf compositions centrales déroulent les événements des premiers jours de la création, l'histoire d'Adam et Ève, le déluge mondial, et toutes ces scènes sont en fait un hymne à la personne qui lui est inhérente. Peu de temps après l'achèvement des travaux de la Sixtine, Jules II mourut et ses héritiers revinrent à l'idée d'une pierre tombale. En 1513-1516. Michel-Ange représente la figure de Moïse et des esclaves (captifs) pour cette pierre tombale. L'image de Moïse est l'une des plus puissantes dans l'œuvre du maître mature. Il a investi en lui le rêve d'un leader sage et courageux, plein de force, d'expression et de volonté titanesques, si nécessaires alors à l'unification de sa patrie. Les figures d'esclaves n'étaient pas incluses dans la version finale de la tombe.

De 1520 à 1534, Michel-Ange a travaillé sur l'un des projets les plus significatifs et les plus tragiques. œuvres sculpturales- sur le tombeau des Médicis (église florentine de San Lorenzo), exprimant toutes les expériences qui sont arrivées au maître lui-même et à son ville natale, et tout le pays dans son ensemble. Depuis la fin des années 20, l’Italie a été littéralement déchirée par des ennemis extérieurs et intérieurs. En 1527, des soldats mercenaires battirent Rome, les protestants pillèrent les sanctuaires catholiques de la ville éternelle. La bourgeoisie florentine renverse les Médicis, qui régnaient à nouveau à partir de 1510

Dans un pessimisme sévère, dans un état de religiosité de plus en plus profonde, Michel-Ange travaille sur le tombeau des Médicis. Il a lui-même construit une extension de l'église florentine de San Lorenzo - une pièce petite mais très haute, couverte d'un dôme, et a décoré deux murs de la sacristie (son intérieur) avec des pierres tombales sculpturales. Un mur est décoré de la figure de Lorenzo, l'autre de Giuliano, et en dessous, à leurs pieds, se trouvent des sarcophages décorés d'images sculpturales allégoriques - symboles du temps qui s'écoule rapidement : « Matin » et « Soir » dans la pierre tombale de Lorenzo, « Nuit ». et « Jour » sur la pierre tombale de Giuliano.

Les deux images - Lorenzo et Giuliano - n'ont pas de ressemblance avec un portrait, c'est pourquoi elles diffèrent des solutions traditionnelles du XVe siècle.

Paul III, immédiatement après son élection, a commencé à exiger avec persistance que Michel-Ange réalise ce plan, et en 1534, interrompant les travaux sur le tombeau, qu'il n'acheva qu'en 1545, Michel-Ange partit pour Rome, où il commença son deuxième travail dans la Chapelle Sixtine. - au tableau "Le Jugement dernier" (1535-1541) - une création grandiose qui exprimait la tragédie du genre humain. Caractéristiques du nouveau système artistique apparaît encore plus clairement dans cette œuvre de Michel-Ange. Le jugement créateur, le Christ punisseur est placé au centre de la composition, et autour de lui dans un mouvement circulaire rotatif sont représentés les pécheurs se jetant en enfer, les justes montant au ciel et les morts sortant de leurs tombes pour le jugement de Dieu. Tout est plein d’horreur, de désespoir, de colère, de confusion.

Peintre, sculpteur, poète, Michel-Ange était aussi un brillant architecte. Il a achevé l'escalier de la Bibliothèque Laurentienne florentine, conçu la place du Capitole à Rome, érigé la Porte Pie (Porta Pia) et depuis 1546, il travaille à la cathédrale Saint-Pierre. Peter, commencé par Bramante. Michel-Ange possède le dessin et le dessin du dôme, qui ont été exécutés après la mort du maître et qui constituent toujours l'un des principaux éléments dominants du panorama de la ville.

Michel-Ange est mort à Rome à l'âge de 89 ans. Son corps a été transporté de nuit à Florence et enterré dans la plus ancienne église de sa ville natale de Santa Croce. Signification historique L'art de Michel-Ange, son impact sur ses contemporains et sur les époques ultérieures ne peuvent guère être surestimés. Certains chercheurs étrangers l'interprètent comme le premier artiste et architecte du baroque. Mais il est surtout intéressant en tant que porteur des grandes traditions réalistes de la Renaissance.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, surnommé Giorgione (1477-1510), est un disciple direct de son professeur et un artiste typique de la Haute Renaissance. Il fut le premier sur le sol vénitien à se tourner vers des thèmes littéraires et des sujets mythologiques. Le paysage, la nature et le beau corps humain nu sont devenus pour lui un sujet d'art et un objet de culte.

Déjà dans la première œuvre connue, « Madone de Castelfranco » (vers 1505), Giorgione apparaît comme un artiste pleinement confirmé ; l'image de la Madone est pleine de poésie, de rêverie pensive, imprégnée de cette humeur de tristesse qui caractérise chacun images féminines Giorgione. Au cours des cinq dernières années de sa vie, l'artiste a créé ses meilleures œuvres, exécutées selon la technique de l'huile, la principale de l'école vénitienne de l'époque. . Dans le tableau « L’Orage » de 1506, Giorgione représente l’homme comme une partie de la nature. Une femme allaitant un enfant, un jeune homme avec un bâton (que l'on peut confondre avec un guerrier avec une hallebarde) ne sont unis par aucune action, mais sont unis dans ce paysage majestueux par une humeur commune, un état d'esprit commun. L’image de « Vénus endormie » (vers 1508-1510) est imprégnée de spiritualité et de poésie. Son corps s’écrit facilement, librement, avec grâce, ce n’est pas sans raison que les chercheurs parlent de la « musicalité » des rythmes de Giorgione ; ce n'est pas sans charme sensuel. "Concert rural" (1508-1510)

Titien Vecellio (1477?-1576) -le plus grand artiste Renaissance vénitienne. Il a créé des œuvres à la fois mythologiques et histoires chrétiennes, travaillé dans le genre du portrait, son talent coloriste est exceptionnel, son inventivité compositionnelle est inépuisable, et son heureuse longévité lui a permis de laisser derrière lui une riche patrimoine créatif, qui a eu une énorme influence sur les descendants.

Déjà en 1516, il devint le premier peintre de la république, dès les années 20 - l'artiste le plus célèbre de Venise

Vers 1520, le duc de Ferrare lui commande une série de tableaux dans lesquels Titien apparaît comme un chanteur de l'Antiquité, capable de ressentir et surtout d'incarner l'esprit du paganisme (« Bacchanales », « Fête de Vénus », « Bacchus et Ariane »).

De riches patriciens vénitiens ont chargé Titien de créer des retables et il a créé d'immenses icônes : « L'Assomption de Marie », « Madone de Pesaro ».

"La Présentation de Marie au Temple" (vers 1538), "Vénus" (vers 1538)

(portrait de groupe du pape Paul III avec ses neveux Ottavio et Alexandre Farnèse, 1545-1546)

Il écrit encore beaucoup sur des sujets antiques (« Vénus et Adonis », « Le Berger et la Nymphe », « Diane et Actéon », « Jupiter et Antiope »), mais se tourne de plus en plus vers des thèmes chrétiens, vers des scènes de martyre dans lesquelles des païens la gaieté, l'harmonie ancienne est remplacée par une attitude tragique (« La Flagellation du Christ », « Marie-Madeleine pénitente », « Saint Sébastien », « Lamentation »),

Mais à la fin du siècle, les caractéristiques d'une nouvelle ère artistique imminente, d'une nouvelle direction artistique, sont déjà évidentes. Cela se voit dans le travail de deux artistes majeurs de la seconde moitié de ce siècle : Paolo Véronèse et Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, surnommé Véronèse (il était originaire de Vérone, 1528-1588), était destiné à devenir le dernier chanteur la Venise festive et jubilatoire du XVIe siècle.

: « Fête dans la Maison de Lévi » « Mariage à Cana de Galilée » pour le réfectoire du monastère de San Giorgio Maggiore

Jacopo Robusti, connu dans l’art sous le nom de Tintoret (1518-1594) (« tintoret »-teinturier : le père de l’artiste était teinturier sur soie). "Le Miracle de Saint-Marc" (1548)

(« Le Sauvetage d'Arsinoé », 1555), « Introduction au Temple » (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro à Piombino, Villa Rotonda à Vicence, achevées après sa mort par des étudiants selon ses plans, de nombreux bâtiments à Vicence). Le résultat de son étude de l'Antiquité fut les livres « Antiquités romaines » (1554), « Quatre livres sur l'architecture » (1570-1581), mais l'Antiquité était pour lui un « organisme vivant », selon la juste observation du chercheur.

La Renaissance hollandaise en peinture commence avec le "Retable de Gand" des frères Hubert (mort en 1426) et Jan (vers 1390-1441) van Eyck, achevé par Jan van Eyck en 1432. Van Eyck a amélioré technologie pétrolière: l'huile a permis de transmettre de manière plus complète l'éclat, la profondeur, la richesse du monde objectif qui a attiré l'attention des artistes hollandais, sa sonorité colorée.

Parmi les nombreuses Madones de Jan van Eyck, la plus célèbre est la « Madone du chancelier Rollin » (vers 1435).

(« L'homme à l'œillet » ; « L'homme au turban », 1433 ; portrait de l'épouse de l'artiste Margaret van Eyck, 1439

L'art hollandais doit beaucoup à la résolution de ces problèmes à Rogier van der Weyden (1400 ?-1464) « La Descente de Croix » - travail typique Vayden.

Dans la seconde moitié du XVe siècle. rend compte de l'œuvre d'un maître au talent exceptionnel, Hugo van der Goes (vers 1435-1482) « La Mort de Marie ».

Jérôme Bosch (1450-1516), créateur de sombres visions mystiques, dans lesquelles il se tourne également vers l'allégorie médiévale, « Le Jardin des Délices »

L’apogée de la Renaissance hollandaise fut sans aucun doute l’œuvre de Pieter Bruegel l’Ancien, surnommé Moujitski (1525/30-1569) (« Cuisine des maigres », « Cuisine des gros »). cycle « Les Saisons » (autre titre - « Chasseurs dans la neige », 1565), « La Bataille du Carnaval et du Carême » (1559).

Albrecht Dürer (1471-1528).

« La Fête du Rosaire » (un autre nom est « La Vierge au Rosaire », 1506), « Le Cavalier, la Mort et le Diable », 1513 ; "St. Jérôme" et "Mélancolie",

Hans Holbein le Jeune (1497-1543), "Le Triomphe de la Mort" ("Danse de la Mort") portrait de Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renaissance Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (vers 1420-1481), Portrait de Charles VII

Jean Clouet (c. 1485/88-1541), fils de François Clouet (c. 1516-1572) - le plus artiste majeur France 16ème siècle portrait d'Élisabeth d'Autriche, vers 1571, (portrait d'Henri II, de Marie Stuart, etc.)