Le théâtre comme forme d'art. Ses moyens artistiques

23.04.2019

Présentation …………………………………………………………………………… .3

L'essence et le but du théâtre ………………………………………… ... 4

Spécificité art théâtral………………………………………...5

Types d'art théâtral ………………………………………… .... .7

L'origine de l'art théâtral. Développement du théâtre

4.1 Théâtre de l'Est ................................................ .. . .............................. ....................huit

4.2. Théâtre d'Afrique ..................................................... . .............................. ..............dix

4.3.1. Grèce antique ……………………………………………………… 10

4.3.2. Moyen Âge ……………………………………………………… ..11
4.3.3. Théâtre Russe ……………………………………………………… ..13

Tendances dans le développement du théâtre moderne .................................................. ... ...... quatorze

Conclusion …………………………………………………………………………………… .15
Liste de la littérature utilisée ……………………………………… ..... ..17

introduction

L'art existe et se développe comme un système de types interconnectés, dont la diversité est due à la versatilité des le vrai monde affiché dans le processus de création artistique.
Dans la littérature d'histoire de l'art moderne, un certain schéma et système de classification des arts se sont développés, bien qu'il n'y en ait toujours pas un seul et qu'ils soient tous relatifs. Le schéma le plus courant consiste à le diviser en trois groupes.
Le premier comprend les arts spatiaux ou plastiques. Pour ce groupe d'arts, la construction spatiale dans la divulgation d'une image artistique est essentielle - Beaux-Arts, Arts décoratifs et appliqués, Architecture, Photographie.
Le deuxième groupe comprend les arts temporaires ou dynamiques. En eux, la composition évoluant dans le temps acquiert une importance clé - Musique, Littérature.
Le troisième groupe est représenté par les types spatio-temporels, également appelés arts synthétiques ou spectaculaires - Chorégraphie, Littérature, Art théâtral, Cinématographie.
Dans ce travail, je considérerai l'art théâtral, ses types, ses spécificités, son histoire d'origine.

L'essence et le but du théâtre

Quels changements ne se sont pas produits sur terre - l'ère a suivi l'ère, une formation socio-économique en a remplacé une autre, des États, des pays, des empires, des monarchies sont apparus et ont disparu, l'Atlantide a disparu dans les profondeurs de l'océan, un Vésuve en colère a inondé la malheureuse Pompéi de lave chaude, sables pendant de nombreux siècles Ils ont amené Troie, chantée par Homère, sur la colline de Gissarlyk, mais rien n'a jamais interrompu l'existence éternelle du théâtre.
Création la plus ancienne de l'homme, il conserve à ce jour une force d'attraction invariable, une vitalité indestructible, cet élixir de jeunesse miraculeux dont le secret n'a jamais été découvert par les alchimistes du moyen âge. Dans toutes les époques précédentes, peu importe combien vous en comptez - toujours - il y avait un éternel besoin de théâtre chez l'homme. Le besoin qui se posait autrefois lors des anciennes fêtes dionysiaques du raisin raï en l'honneur de la divinité mythique de la fertilité terrestre
L'homme a toujours eu besoin de théâtre ! Des dizaines de milliers de spectateurs - la quasi-totalité de la population des villes-républiques - se sont rendus aux représentations théâtrales de La Grèce ancienne... Et à ce jour, les majestueux amphithéâtres, construits à des époques infiniment éloignées de nous, nous le rappellent.
Dès que le sort du théâtre ne s'est pas développé dans le passé ! Il a vécu, survécu à tout, jusqu'à ce qu'il trouve sa maison permanente - le bâtiment du théâtre. ses représentations se donnaient partout - sur les places et les foires, sur les porches des églises, dans le château d'un noble seigneur féodal, dans un cloître de monastère, dans une salle de palais dorée, dans une auberge, dans le domaine d'un noble serf, dans une école paroissiale, à une fête de village...
Tout s'est passé dans son destin... Il a été maudit, haï, interdit, soumis à la persécution et aux abus, aux châtiments et aux persécutions, excommunié, menacé de fouets et de potences, tous les châtiments célestes et terrestres. Mais dans la lutte contre lui, ses ennemis et persécuteurs - rois, monarques, souverains, rois, empereurs et ignorants avides de pouvoir - ont été abattus.
Aucune épreuve, aucun trouble et aucune épreuve n'ont brisé la vitalité éternelle du théâtre. Dans les temps anciens, il y a plus de vingt siècles, le comédien grec Aristophane réfléchissait à l'essence la plus intime du pouvoir qui attire si impérieusement une personne au théâtre. Pourquoi les gens aiment-ils le théâtre, pourquoi apprécient-ils tant ses maîtres? .. Ils aiment et apprécient, le premier comédien de l'humanité était responsable, des discours véridiques pour de bons conseils et pour rendre les citoyens de leur terre natale plus intelligents et meilleurs.
L'école de la vie est la plus ancienne, la plus étonnante et émouvante, la plus festive, inspirante, une grande école pas comme les autres - c'est ça le théâtre !
Le théâtre est une école de vie. Alors ils parlaient de lui de siècle en siècle. Ils ont parlé partout : en Russie, en France, en Italie, en Angleterre, en Allemagne, en Espagne...
Le Théâtre Gogol a appelé le Département de la Bonté.
Herzen le reconnaissait comme l'autorité suprême pour résoudre les questions de la vie.
Belinsky a vu le monde entier, l'univers entier avec toute sa diversité et sa splendeur au théâtre. Il voyait en lui un maître des sentiments autocratique, capable de secouer toutes les cordes de l'âme, d'éveiller un fort mouvement dans les esprits et les cœurs, de rafraîchir l'âme d'impressions puissantes. Il voyait dans le théâtre une sorte de charme invincible et fantastique pour la société.
Selon Voltaire, rien ne lie plus étroitement les liens d'amitié que le théâtre.
Le grand dramaturge allemand Friedrich Schiller a soutenu que « le théâtre a le chemin le plus battu vers l'esprit et le cœur » de l'homme.
"Miroir vie humaine, un exemple de morale, un modèle de vérité "appelé le théâtre le créateur immortel de" Don Quichotte "Cervantes.

Spécificité de l'art théâtral

Une personne se tourne vers le théâtre comme le reflet de sa conscience, de son âme - elle se reconnaît dans le théâtre, son temps et sa vie. Le théâtre ouvre devant lui d'étonnantes opportunités de connaissance spirituelle et morale de soi
Et que le théâtre, par sa nature esthétique, soit un art conditionnel, comme les autres arts, ce n'est pas la réalité elle-même qui apparaît sur la scène pour le spectateur, mais seulement son reflet artistique. Mais il y a tellement de vérité dans la réflexion qu'elle est perçue dans toute son inconditionnalité comme la vie la plus authentique, la plus vraie. Le spectateur reconnaît la réalité suprême de l'existence des héros de scène. Le grand Goethe s'est exclamé : « Quoi de plus nature que le peuple de Shakespeare !
N'est-ce pas caché l'énergie spirituelle, émotionnelle miraculeuse du théâtre, l'originalité unique de son impact sur nos âmes...
Avez-vous déjà vu une personne rieuse joyeuse et contagieuse lors d'un concert de musique symphonique ? ..
Vous pouvez peut-être dire avec assurance : non, ce n'était pas nécessaire !
Avez-vous déjà rencontré une personne en sanglot dans une galerie d'art qui n'a pu retenir des larmes amères devant le tableau du peintre ? ..
Non, vous ne vous êtes probablement pas rencontrés non plus !
Et au théâtre ? ..
Et au théâtre, dans une communauté animée de personnes réunies pour une représentation scénique, tout est possible : rires et larmes, chagrin et joie, indignation non dissimulée et joie violente, tristesse et bonheur, ironie et méfiance, mépris et sympathie, silence alerte et approbation bruyante, - en un mot, toute la richesse des manifestations émotionnelles et des chocs de l'âme humaine.
N'est-ce pas pourquoi une perception aussi directe et psychiquement ouverte de l'action théâtrale est incomparable avec quoi que ce soit ?
Il est incomparable avec le travail de l'écrivain. Son livre est déjà une œuvre littéraire achevée, et il faut l'accepter tel quel, tel qu'il est sorti de la plume de l'auteur, quoi qu'il en soit, de siècle en siècle.
Il est incomparable avec le travail de l'artiste. Sa peinture, sa gravure ou ses aquarelles sont aussi pour le processus fini de la créativité. L'artiste peut les exposer lors d'une exposition, dans une galerie d'art, un musée d'art, il peut les vendre et faire don ou conserver dans son atelier.
Contrairement à la littérature, de la peinture à la sculpture, le spectateur qui vient au théâtre ne devient pas créateur de ce qui a déjà été créé, mais participant direct à la créativité. Il est activement impliqué par le théâtre dans le processus vivant et passionnant de la création même d'une œuvre scénique - une performance. Après tout, la pièce ne commence à vivre qu'à partir du moment même où. le rideau du théâtre s'ouvre devant le spectateur Et cesse d'exister lorsque le rideau se ferme lorsque la salle est vide et que les lumières du théâtre s'éteignent.
Une bonne performance restera longtemps dans le répertoire théâtral. Mais à chaque fois, à chaque nouvelle rencontre avec le spectateur, il réapparaît, renaît. Et puis, comme il se doit, ce ne sera pas : les artistes rentreront chez eux, les décors seront retirés de la scène, les accessoires et accessoires seront emportés, et sur les scènes vides il ne restera rien de la performance, qui a tellement excité et touché le spectateur.
Mais peu importe ce qui s'est passé depuis ce temps, le jour indiqué sur l'affiche du théâtre, il n'est pas apparu, comme il ne s'est jamais produit auparavant. Entre la scène et l'auditorium, le merveilleux va à nouveau s'enflammer ! feu de la relation de l'âme et de la pensée. Et l'intensité de cet échange émotionnel et spirituel affectera certainement à la fois la performance de l'acteur et toute l'atmosphère de l'auditorium.
Dans les jours, semaines et mois suivants, tout se répétera encore et encore. Mais les performances constamment répétées ne seront pas les mêmes. À chaque fois, en fonction de l'état interne actuel de l'auditorium, de l'état d'esprit actuel des acteurs et de nombreuses autres raisons et circonstances qui peuvent augmenter ou diminuer le ton émotionnel de la créativité, ce sera quelque peu différent.
Une seule et même représentation peut se poursuivre avec une perception étonnamment chaude et excitée du public, avec l'enthousiasme festif des acteurs, l'éclat d'improvisation de leurs compétences. Et il peut passer tristement, avec une indifférence inattendue du spectateur, sans aucun enthousiasme, comme si quelqu'un remplaçait les acteurs, qui hier encore ont joué avec tant d'enthousiasme dans la même pièce, dans les mêmes rôles.

Types d'arts théâtraux

VODEVIL est une sorte de comédie avec des vers et des danses. Originaire de France ; du début du XIXème siècle. a reçu une distribution paneuropéenne. Les meilleures œuvres sont inhérentes à l'amusement guilleret, reflet actuel de la réalité.
Le DRAME est l'un des principaux genres dramatiques, depuis les Lumières, qui dépeint le monde d'une personne réelle dans sa relation extrêmement conflictuelle, mais pas désespérée, avec la société ou lui-même. Au XXe siècle. le drame était remarquable pour son contenu sérieux, reflétait divers aspects de la vie humaine et de la société, et explorait la psychologie humaine.
COMEDY est une sorte de drame dans lequel l'action et les personnages sont interprétés sous la forme d'une bande dessinée. Comme la tragédie, elle est née dans la Grèce antique des rituels qui accompagnaient les processions en l'honneur du dieu Dionysos. La comédie, explorant sobrement la nature humaine, ridiculisait les vices et les illusions des gens. Les meilleurs exemples de ce genre se distinguent par leur analyse sans compromis, leur acuité et leur courage à ridiculiser les vices de la société. Différents pays ont leurs propres versions de la comédie. On connaît la comédie « savante » des humanistes italiens et la comédie espagnole de Lope de Vega et Calderon, la comédie anglaise de la Renaissance, la comédie classique française des Lumières et la comédie réaliste russe. Selon le principe d'organisation de l'action, on distingue une comédie de personnages, de positions, d'idées. Par le type d'intrigues, les comédies peuvent être quotidiennes et lyriques, par la nature de la bande dessinée - humoristique, satirique.
MELODRAME est une pièce à l'intrigue aiguë, à l'émotivité exagérée, à l'opposition nette entre le bien et le mal, à tendance morale et instructive. Il est né à la fin du XVIIe siècle. en France, en Russie - dans les années 20. XIXème siècle.
MIM est un genre de comédie dans le théâtre folklorique ancien, de courtes scènes d'improvisation de nature satirique et divertissante.
Le MYSTÈRE est un genre de théâtre religieux médiéval d'Europe occidentale. Des mystères ont été présentés sur les places de la ville. Des scènes religieuses y alternaient avec des intermèdes.
MONODRAME - oeuvre dramatique interprété par un seul acteur.
La MORALITE est un genre du théâtre d'Europe occidentale des XVe-XVIe siècles, un drame allégorique édifiant, dont les personnages personnifiaient diverses vertus et vices.
MUSICAL est une œuvre musicale et scénique, principalement de nature comique, dans laquelle sont utilisés les moyens de la musique pop et quotidienne, des arts dramatiques, chorégraphiques et lyriques; le genre s'est formé aux États-Unis à la fin du 19ème siècle.
PARODIE - 1) un genre au théâtre, sur scène, une imitation consciente à des fins satiriques, ironiques et humoristiques d'une manière, d'un style, de stéréotypes de discours et de comportement individuels ; 2) semblant déformé de quelque chose.
PASTORAL est un opéra, une pantomime ou un ballet dont l'intrigue est associée à une représentation idéalisée de la vie du berger.
SOTY - un genre de comédie satirique théâtre français XV-XVII siècles, une sorte de farce.
TRAGÉDIE (traduit du grec - "chant des chèvres") - une sorte de drame, empreint du pathétique du tragique. Dans l'antiquité, il reflétait la vie directe des personnages d'événements tragiques, l'action l'emportait sur le récit. A la Renaissance, les pièces de théâtre ont été écartées de l'unité d'action qui était considérée comme obligatoire ; le tragique a été souvent combiné avec le comique. A l'avenir, la tragédie est strictement réglée : à nouveau l'unité d'action, de lieu et de temps prévaut ; il y a une démarcation entre le comique et le tragique. V théâtre moderne la tragédie pure est rare. La base de la tragédie est formée par des conflits sociaux aigus, des problèmes fondamentaux de la vie, des collisions personnelles avec le destin et la société. Une collision tragique est généralement résolue par la mort du héros.
TRAGICOMEDIA est une œuvre dramatique avec des traits à la fois comiques et tragiques. Elle se fonde sur le sentiment de relativité des critères de vie existants ; le dramaturge voit le même phénomène dans la couverture à la fois comique et tragique, caractéristique du 20e siècle.
FARS - 1) une sorte de théâtre populaire médiéval d'Europe occidentale de comédies quotidiennes à caractère satirique, qui existait aux XIV-XVI siècles. Près du fastnachtspiel allemand, de la commedia dell'arte italienne, etc.; 2) dans le théâtre des XIX-XX siècles. une comédie-vaudeville au contenu léger avec des dispositifs comiques purement externes.
L'EXPÉRIENCE est un genre de représentations théâtrales dans lequel des effets scéniques sont utilisés pour des scènes fantastiques. Il est originaire d'Italie au 17ème siècle.
FLIAKI - représentations théâtrales populaires dans la Grèce antique, particulièrement répandues aux III-IV siècles. AVANT JC. dans les colonies grecques : courtes scènes de blagues improvisées de Vie courante sur les joyeuses aventures des dieux et des héros.

Théâtre de l'Est

Pour le théâtre traditionnel d'Orient, la continuité des actions rituelles et rituelles est la plus caractéristique. Seulement là, à ce jour, les nombreuses formes de théâtres traditionnels archaïques - dramatique, marionnette, musical, sont soigneusement préservées ; de plus, ils sont conservés non pas comme des pièces de musée figées, mais comme un mouvement artistique vivant qui a ses nombreux admirateurs.

Ceci est également vrai pour le théâtre traditionnel de l'Inde, symboliquement chargé sémantiquement (à la fois ses lignes folkloriques et aristocratiques de cour) ; Théâtre japonais (notamment Noo, Kabuki, théâtre de marionnettes Joruri) ; théâtre de Chine (dans lequel les lignes musicales, vocales et de danse sont traditionnellement fortes). Toutes les formes d'indonésien sont adjacentes aux théâtres de ce type. théâtre culte Wayang : wayang-kulit (théâtre d'ombres) ; wayang-golek (théâtre de marionnettes volumétriques) ; wayang topeng (théâtre des masques) ; wayang orang (théâtre d'acteurs en direct) et bien d'autres. etc. Toutes ces formes se conservent aujourd'hui dans le contexte vivant de la culture.

KABUKI. Scène de la pièce

Avec toute la variété des formes et des types de théâtre d'Orient (ils comprennent aussi le théâtre mystère tibétain Tsam ; le théâtre mimique-plastique de Bali - Antonin Artaud en a parlé comme une révélation ; le théâtre vietnamien Tuong, et bien d'autres), ils ont tous possèdent sans aucun doute quelques caractéristiques communes... Tout d'abord, c'est un degré élevé de saturation sémantique de tous ses éléments, et, par conséquent, les conventions des moyens picturaux. Dans un certain sens, ce théâtre s'est toujours adressé au spectateur sophistiqué, « dévoué », capable de lire le code symbolique complexe de la plasticité, des gestes et des expressions faciales. Cela préserve les traditions des actions rituelles - le dialogue avec les dieux. Cette voie de développement du théâtre et de préservation de ses formes traditionnelles a sans doute été influencée par son statut social traditionnellement élevé : les cours de théâtre en Orient ont toujours été une affaire respectée et vénérable. Le caractère sacré de la représentation théâtrale a contribué à le maintenir proche des rituels religieux. À bien des égards, ces caractéristiques du théâtre d'Orient ont été déterminées par son développement sous les auspices et dans le cadre du bouddhisme (le théâtre des civilisations du sud-est - et sous l'influence de l'hindouisme).

Théâtre d'Afrique

Le développement de l'art théâtral traditionnel en Afrique a suivi une trajectoire similaire. Les anciennes croyances religieuses et les anciens cultes animistes qui ont été préservés dans l'inviolabilité ont également conduit à la préservation de représentations rituelles traditionnelles saturées de danses, d'actes plastiques, de chants, de rythmes de tambour de marimba et de tomtams. Ces représentations traditionnelles se déroulent en plein air et sont rythmées par divers événements marquants - la récolte, la fin des travaux des champs, une chasse réussie, la réconciliation tribale, la naissance d'un enfant, etc. Parmi les peuples africains appartenant à la confession musulmane (sud du Nigeria, etc.), un théâtre de marionnettes est largement développé, qui, avec les représentations aréales d'improvisateurs maskharaboz, l'art de la pantomime et les représentations de masques, est traditionnel pour de nombreux pays musulmans.

Théâtre de l'Europe

La Grèce ancienne

Les Grecs représentaient les dieux de la forêt des prisonniers de Dionysos - les satyres. Par souci de fiabilité, ils s'habillaient de peaux de chèvre et de masques, et pour plus de persuasion, ils se barbouillent le visage de vin. Les mummers ont joué des scènes des mythes de Dionysos sur leurs visages - ce furent les premières représentations théâtrales. Des scènes de ces performances ont survécu à ce jour dans les œuvres d'art de la Grèce antique. Les spectacles étaient très friands des anciens Grecs. Plus tard, les poètes ont commencé à composer des pièces de théâtre et les constructeurs créent des bâtiments spéciaux pour les représentations. De tels bâtiments sont apparus dans presque toutes les villes de Grèce. Les célèbres théâtres grecs étaient situés en plein air sur les flancs des collines et pouvaient accueillir des milliers de spectateurs.

Voici à quoi ressemble le célèbre théâtre de Dionysos à Athènes

Rendre le théâtre accessible au commun des mortels
le gouvernement d'Athènes leur a donné de l'argent pour acheter des billets d'entrée. Les participants aux représentations n'étaient que des hommes, ils portaient des masques pour femmes et hommes et des chaussures spéciales à semelles épaisses pour paraître plus grand. En changeant de masques et de costumes, ils pouvaient jouer les rois bas en une seule représentation.
Il y avait deux types de représentations dans le théâtre grec - la tragédie et la comédie. Les héros des mythes s'intègrent dans la tragédie, leurs exploits, leurs souffrances et souvent la mort ont été dépeints. Les personnages de la comédie, en plus des héros des mythes, étaient des contemporains bien connus du public. Leur présence accentuait le contenu joyeux et moqueur.
Les représentations théâtrales étaient préparées avec beaucoup de soin : elles n'étaient montées que quelques fois par an. Le matin, les jours de la fête du printemps du grand Dionysos, les Athéniens se précipitaient vers le théâtre. Pour être au plus près de l'art, ils ont pris place au plus près de l'orchestre dès la nuit. Les représentations se succédaient, et ainsi de suite toute la journée, de sorte que le public s'approvisionnait en paquets de nourriture et de boissons.
Lors des vacances de printemps des grandes Dionysies, les poètes et les acteurs non seulement ravissaient le peuple avec leur art, mais rivalisaient également entre eux de talent et d'habileté. Ces représentations théâtrales sont devenues un passage obligé des jours fériés. La sélection des représentations a été effectuée directement par les autorités de la ville. A la fin de la compétition, les juges ont déterminé meilleures performances et récompensé les gagnants.
Les masques faisaient partie intégrante des représentations. Les masques d'acteurs étaient principalement faits de toile, à laquelle on donnait la forme souhaitée à l'aide de plâtre. Ensuite, il a été peint, des fentes ont été faites pour les yeux, la bouche et une perruque a été attachée sur le dessus. Il est difficile de surestimer l'importance du masque dans le théâtre antique. Les masques avaient à l'origine une signification culte, mais au théâtre, ils étaient nécessaires non pas parce que les rôles féminins étaient joués par des hommes, mais aussi parce que les dimensions du théâtre grec étaient énormes, de sorte que les expressions faciales en direct étaient complètement invisibles.
Les représentations d'Eschyle, de Sophocle et d'Euripide ont attiré un grand nombre de spectateurs, le théâtre a connu un succès incroyable. Il a fait rire et pleurer le public, sympathiser, admirer et rêver, ce qui veut dire qu'il y a eu une suite.

Moyen Âge

Après la chute de l'Empire romain, l'ancienne civilisation a été pratiquement anéantie de la surface de la terre. Les théâtres antiques ont disparu avec la civilisation. La religion a pris la place de la culture. Mais la performance théâtrale a commencé à émerger dans les jeux rituels. Ces jeux représentaient la lutte entre l'hiver et l'été. Ce thème était le principal des Jeux de mai, qui étaient répandus dans tous les pays d'Europe occidentale.
Dans la Suisse médiévale et la Bavière, la lutte entre l'hiver et le printemps était représentée par deux garçons du village. L'un d'eux était en manteau de fourrure, l'autre en chemise.
L'église, qui condamnait les carnavals et les mascarades démoniaques, contribua elle-même au renforcement du théâtre dans la vie des Européens. Elle a permis de montrer des dialogues théâtraux entre personnages bibliques. Ainsi est né le drame liturgique, mais peu à peu des éléments folkloriques, comiques et quotidiens ont commencé à y pénétrer. En 1210, le pape Innocent III promulgua un décret interdisant la présentation de drames liturgiques dans les églises ; jusque-là, le spectacle d'épisodes évangéliques théâtraux se faisait sous le porche - c'était la première forme de transition du théâtre religieux au théâtre profane.
En 1381 surgit à Clèves société spéciale qui s'appelait l'Ordre des fous. De telles sociétés stupides ont surgi sous l'influence de l'esprit de mascarade, elles ont parodié les rites de l'église. Au XVe siècle, des sociétés farfelues s'étaient répandues dans toute l'Europe.
Au Moyen Âge, de nouvelles formes scéniques sont nées d'organisations clownesques - farce et sati (du français - bêtise). Le centre de toutes ces représentations théâtrales, qui tombaient littéralement sur le citadin médiéval, était le mystère qui se tenait les jours de foire. La foire a commencé par un grand service de prière du matin et une procession solennelle de tous les habitants de la ville. Un énorme diable en peluche était porté sur le pilier, des scènes bibliques étaient montrées sur des charrettes, un énorme ours jouait du clavecin, saint Augustin marchait sur d'énormes échasses. Tout cela a marché jusqu'à la place, où la représentation du mystère a commencé.
À la Renaissance, le théâtre s'est rapproché de son aspect classique. C'est alors que l'intérêt pour la culture antique a éveillé l'intérêt pour le théâtre antique. Au milieu du XVIe siècle en Italie, pour la première fois en Europe, des acteurs professionnels sont montés sur scène et les principes du théâtre de scène professionnel ont été développés. Tragédie, comédie, pastorale ont été relancés. L'opéra est fondé. Les premiers bâtiments du théâtre ont été construits.
Le compte à rebours de l'English Renaissance Theatre remonte aux performances d'étudiants amateurs d'Oxford et de Cambridge, où à la fin du XV - début XVIe pendant des siècles, ils ont mis en scène des spectacles en latin. Le summum du Théâtre anglais de la Renaissance était l'œuvre de William Shakespeare. À l'époque de Shakespeare, le théâtre était considéré comme un divertissement de classe inférieure, même si les acteurs étaient accueillis à la cour et invités à y donner des représentations. Le théâtre n'était pas considéré comme du grand art, ses auteurs n'étaient pas respectés.
Les puissants de l'ère de la Renaissance ont essayé de s'imprimer pendant des siècles dans le marbre, d'immortaliser leur nom dans les défaites et les victoires. Ils ne se doutaient même pas que l'art, qu'ils méprisaient tant, les rendrait immortels. Et ne vaudrait-il pas mieux dire avec les mots d'Hamlet, le protagoniste la tragédie principale grand Shakespeare - "Honorable, regardez que les acteurs sont bien pris en charge. bref avis notre temps. Il vaut mieux avoir une mauvaise inscription sur la tombe qu'une mauvaise critique de la leur durant la vie. "Et si le théâtre est un bref aperçu de l'époque, alors cela ne veut dire qu'une chose, qu'il y a eu aussi une suite...

théâtre russe

Le théâtre russe est originaire de l'Antiquité. Ses origines remontent à l'art populaire - rituels, fêtes et jeux, qui utilisait des moyens d'expression tels que le dialogue, la danse, le théâtre et la musique. De tels jeux ont inculqué le goût de l'art dramatique. Le terme "théâtre" lui-même n'est entré dans le dictionnaire russe qu'au XVIIIe siècle. Plus tôt, au XVIIe, le terme "amusant" était utilisé et à la fin du XVIIe - "comédie". Le théâtre de la cour russe est apparu à Moscou sous le tsar Alexei Mikhailovich. Le roi le plus silencieux aimait les divertissements et la noblesse de la cour était très intéressée Culture occidentale, par conséquent, les premières représentations ont été mises en scène et jouées par des étrangers. Plus tard, ils ont commencé à attirer et à former de force des jeunes russes. Leurs salaires étaient payés irrégulièrement, mais ne lésinaient pas pour autant sur les décors et les costumes. Les représentations se distinguaient en grande pompe et étaient parfois accompagnées de jeux d'instruments de musique et de danses. Après la mort du tsar Alexei Mikhailovich, le théâtre de la cour a été fermé. Les représentations ne reprirent que sous Pierre Ier. En 1702, un théâtre public fut créé pour le grand public. Surtout pour lui à Moscou, sur la Place Rouge, un bâtiment a été érigé - "Le Temple de la Comédie", où ont eu lieu les représentations de la troupe allemande I. Kh. Kunst. Le répertoire comprend des pièces étrangères qui ne rencontrent pas de succès auprès du public. Le théâtre cessa d'exister en 1706. Le premier théâtre public permanent de Russie a été fondé sur ordre de l'impératrice Elizabeth Petrovna en 1756. Il s'appelait à l'origine "théâtre russe pour la présentation de tragédies et de comédies". À cette époque, un théâtre permanent avait déjà été créé à Yaroslavl. Son fondateur était Fedor Volkov. Bientôt, les comédies de Yaroslavl se font connaître à la cour de l'impératrice. Elizaveta Petrovna, par un décret spécial, a convoqué Volkov à Pétersbourg pour diriger son théâtre. En 1759, le théâtre a reçu le statut de courtisan et, en 1832, il a commencé à s'appeler Alexandrinsky.
Les théâtres privés ont également prospéré. De tels théâtres étaient tenus par des nobles nobles.
L'abolition du servage en 1861 ouvre une nouvelle ère dans l'histoire de la Russie. En 1888, des cours d'art dramatique ont été ouverts, où les plus grands acteurs du Théâtre Maly enseignaient. L'année 1898 marque le début d'une nouvelle étape dans le développement des arts du spectacle russes et mondiaux. Cette année, le Moscou Artistique - Théâtre Public a commencé son activité. Au printemps 1901, il a commencé à s'appeler le Théâtre d'art de Moscou (MHT).
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ARTS DE THÉÂTRE (Theatron grec - un lieu de spectacles) est une forme d'art basée sur une réflexion artistique de la vie, réalisée à travers une action dramatique réalisée par des acteurs devant le public. L'art du théâtre est secondaire. La base de l'art de la scène est le drame, qui, dans l'incarnation théâtrale, acquiert une nouvelle qualité - la théâtralité, l'image théâtrale. Le développement du théâtre est étroitement lié au développement du drame et des moyens dramatiques et expressifs du drame, du monologue, du dialogue. L'œuvre principale de l'art théâtral est une performance, une action artistiquement organisée, spectaculaire et ludique. La performance est le résultat des efforts de l'équipe créative. En même temps, la performance se distingue par une unité figurative. La structure figurative de la performance est créée par l'unité de tous les éléments de l'action du jeu, subordonnée à une seule tâche artistique - la "super tâche", et un objectif scénique unique, organisant l'action scénique dans le temps et l'espace, au " par l'action".

La nature ludique du théâtre est en train de changer historiquement. Né du rituel, le système d'influence spectaculaire dans son ensemble est préservé à toutes les étapes du développement du théâtre, de la transformation de l'acteur, qui utilise ses données psychophysiques pour créer une image d'une autre personne - le personnage, la parole et le plastique sont les principales conditions pour impliquer le spectateur dans l'action. Le théâtre moderne connaît diverses formes d'organisation de l'action ludique. Dans un théâtre d'expérience réaliste et psychologique, le principe de refléter la vie dans les formes de la vie elle-même présuppose le principe d'un « quatrième mur », pour ainsi dire, séparant le spectateur de la scène et créant l'illusion de la réalité. Dans le théâtre de la performance - " théâtre épique» principe du jeu peut ne pas coïncider avec la vérité des circonstances de la vie et suggère une solution poétiquement généralisée, métaphorique et figurative.

Le théâtre est un art collectif (voir). Au cours de l'évolution historique, le principe d'ensemble a été établi. Dans le théâtre moderne, le rôle d'organisateur de l'action scénique et les efforts créatifs du collectif appartiennent au metteur en scène, qui est responsable de l'interprétation scénique de la base dramatique. A l'aide de moyens picturaux et expressifs tels que la mise en scène, le tempo, le rythme, la composition, le metteur en scène crée l'image artistique de la performance.

Par sa nature, l'art théâtral est synthétique (voir). La nature de la synthèse dans l'histoire de l'art théâtral a changé, le ballet s'est distingué, est devenu un théâtre musical indépendant. Le théâtre moderne a tendance à unir le plus différents types de l'art. L'organisation de la synthèse spectaculaire dépend en grande partie de la participation du compositeur, costumier, éclairagiste et, surtout, scénographe. L'environnement matériel créé par le biais d'un scénographe peut avoir diverses fonctions, mais toujours, correspondant au contexte d'ensemble, porteur de vérité psychologique pour l'interprète, il organise l'attention du spectateur.

L'art théâtral est conçu pour la perception collective. Le spectateur, sa réaction est une composante de l'action. Le théâtre n'existe pas sans une réaction immédiate du public. Une performance répétée mais non montrée au spectateur n'est pas une œuvre d'art. C'est le spectateur qui a le droit de distinguer entre le sens du dispositif expressif choisi par l'interprète et son utilisation. Le spectateur du théâtre moderne subit l'influence de nombreuses formes spectaculaires, élargissant ses associations, changeant ses préférences. Le théâtre ne peut ignorer ces changements dans son développement, augmentant le rôle et la signification des formes théâtrales, renforçant la connexion de l'action scénique avec le public.

L'art du théâtre est une forme de conscience sociale, un moyen de connaissance et d'éducation artistique. La spécificité du théâtre réside dans le reflet de conflits et de personnages importants qui affectent les intérêts et les besoins du spectateur moderne. L'originalité du théâtre en tant qu'art réside dans cette modernité qui en fait un facteur important de l'éducation.

L'art théâtral est l'un des arts les plus complexes, les plus efficaces et les plus anciens. L'art théâtral comprend l'architecture, la peinture et la sculpture (paysages), et la musique (cela sonne non seulement dans une comédie musicale, mais souvent dans une représentation dramatique), et la chorégraphie (encore une fois, non seulement dans le ballet, mais aussi dans le théâtre). ), et la littérature (le texte sur lequel est construite une performance dramatique), et l'art d'agir, etc. Parmi tout ce qui précède, l'art d'agir est le principal facteur déterminant pour le théâtre. Le célèbre metteur en scène soviétique A. Tairov a écrit : "... dans l'histoire du théâtre, il y a eu de longues périodes où il a existé sans pièces de théâtre, sans aucune décoration, mais il n'y a pas eu un seul moment où le théâtre était sans acteur ."

L'acteur de théâtre est artiste en chef, ce qui crée ce qu'on appelle l'image de la scène. Plus précisément, un acteur de théâtre est à la fois un artiste-créateur et un matériau de création, et son résultat est une image. L'art de l'acteur nous permet de voir de nos propres yeux non seulement l'image dans son expression finale, mais aussi le processus même de sa création et de sa formation. L'acteur crée une image de lui-même, et en même temps la crée en présence du spectateur, devant ses yeux. C'est peut-être la principale spécificité de la scène, l'image théâtrale - et c'est là la source d'un plaisir artistique particulier et unique qu'elle procure au spectateur. Le spectateur au théâtre, plus que partout ailleurs dans tout autre art, participe directement au miracle de la création.

L'art du théâtre, contrairement aux autres arts, est un art vivant. Il n'apparaît qu'à l'heure de la rencontre avec le spectateur. Elle repose sur l'indispensable contact émotionnel et spirituel entre la scène et le public. Si ce contact est absent, alors il n'y a pas de performance vivant selon ses lois esthétiques.

En lisant un livre, debout devant un tableau, le lecteur et le spectateur ne voient ni l'écrivain ni le peintre. Et seulement au théâtre, une personne rencontre un artiste créatif, le rencontre au moment de la créativité. Il devine l'origine et le mouvement de son cœur, avec lui il vit avec toutes les vicissitudes des événements qui se sont déroulés sur scène.

Le lecteur est seul, seul avec livre chéri, peut vivre des moments passionnants et heureux. Et le théâtre ne laisse pas son public seul. Au théâtre, tout repose sur l'interaction émotionnelle active de ceux qui créent une œuvre d'art sur scène ce soir-là et de ceux pour qui elle est créée.

Le spectateur ne vient pas à une représentation théâtrale en tant qu'observateur extérieur. Il ne peut qu'exprimer son attitude face à ce qui se passe sur scène. Une explosion d'applaudissements approbateurs, de rires joyeux, un silence tendu et ininterrompu, un soupir de soulagement, une indignation silencieuse - la complicité du public dans l'action scénique se manifeste dans la plus riche variété. Une ambiance festive se dégage au théâtre quand une telle complicité, une telle empathie atteint son plus haut degré d'intensité...

C'est ce que cela signifie la magie arts du théâtre. L'art, dans lequel les battements du cœur humain sont entendus, les mouvements les plus subtils de l'âme et de l'esprit sont capturés avec sensibilité, dans lequel le monde entier des sentiments et des pensées, des espoirs, des rêves et des désirs humains est enfermé.

Le théâtre est un art doublement collectif. Le spectateur perçoit la performance théâtrale, l'action scénique non pas seule, mais collectivement, « se sentir le coude d'un voisin », ce qui renforce considérablement l'impression et la contagiosité artistique de ce qui se passe sur la scène. En même temps, l'impression même ne vient pas d'une personne-acteur, mais d'un collectif d'acteurs. À la fois sur scène et dans l'auditorium, des deux côtés de la rampe, ils vivent, ressentent et agissent - non pas des individus séparés, mais des personnes, une société de personnes, interconnectées pendant un certain temps par une attention, un but et une action communs.

C'est en grande partie ce qui détermine l'énorme rôle social et éducatif du théâtre. L'art créé et perçu ensemble devient une école au sens propre du terme. "Le théâtre", a écrit le célèbre poète espagnol García Lorca, "est une école de larmes et de rires, une plate-forme gratuite à partir de laquelle les gens peuvent dénoncer une morale dépassée ou fausse et expliquer avec des exemples vivants les lois éternelles du cœur humain et du sentiment humain".

Et que le théâtre, par sa nature esthétique, soit un art conditionnel, comme les autres arts, ce n'est pas la réalité elle-même qui apparaît sur la scène pour le spectateur, mais seulement son reflet artistique. Mais il y en a tellement dans la réflexion vérité qu'elle est perçue dans toute son inconditionnalité comme la vie la plus authentique et la plus vraie. Le spectateur reconnaît la réalité suprême de l'existence des héros de scène. Le grand Goethe a écrit : « Quoi de plus nature que le peuple de Shakespeare !

Au théâtre, dans une communauté animée de personnes réunies pour une représentation scénique, tout est possible : rires et larmes, chagrin et joie, indignation non dissimulée et joie violente, tristesse et bonheur, ironie et méfiance, mépris et sympathie, silence alerte et l'approbation, en un mot , toute la richesse des manifestations émotionnelles et des chocs de l'âme humaine.

Acteur de théâtre

L'art théâtral est à la fois véridique et conditionnel. Honnêtement - malgré sa convention. Comme, cependant, tout art. Les types d'art diffèrent les uns des autres à la fois par le degré de véracité et par le degré de conventionnalité, cependant, sans la combinaison même de la vérité et de la conventionnalité, aucun art ne peut exister.

Quelle est l'originalité de l'activité d'un acteur de théâtre ? Une grande partie du jeu d'un acteur de théâtre le rapproche non seulement de la vérité de la vie, mais l'en éloigne également. Par exemple, le théâtre aime l'expression de sentiments « bruyants » et « bavards ». « Le théâtre n'est pas un salon », écrivait le grand acteur réaliste B.K. Coquelin. - Un millier et demi de spectateurs rassemblés dans l'auditorium ne peuvent être traités comme deux ou trois camarades avec qui vous êtes assis au coin du feu. Si vous n'élevez pas la voix, personne n'entendra les mots ; si vous ne les articulez pas, vous ne serez pas compris."

Pendant ce temps, en réalité, les émotions humaines peuvent être profondément cachées. Le chagrin peut s'exprimer par un tremblement subtil des lèvres, un mouvement des muscles du visage, etc. L'acteur le sait très bien, mais dans sa vie scénique, il doit compter non seulement avec la vérité psychologique et quotidienne, mais aussi avec les conditions de la scène, avec les possibilités de perception du public. C'est pour que les mots et les sentiments du personnage les atteignent que l'acteur doit quelque peu exagérer le degré et la forme de leur expression. C'est ce qu'exige la spécificité de l'art théâtral.

Pour l'acteur de théâtre, la communication avec le public crée une impulsion créative importante. Pendant le spectacle, des fils invisibles sont tendus entre eux, le long desquels des vagues invisibles de sympathie et d'antipathie, de sympathie, de compréhension et de plaisir sont transmises de manière étonnante. Cela contrôle en interne le jeu de l'acteur, l'aide à créer. On sait que chaque art traite d'un certain matériau : pour un peintre ce sont des peintures et des toiles, pour un sculpteur - de l'argile, du marbre, du bois. Pour un acteur, le seul outil et matériau pour créer une image artistique est lui-même - sa démarche, ses gestes, ses expressions faciales, sa voix et enfin sa personnalité. Pour que chaque soir le public s'inquiète du sort du héros, croit en lui, l'acteur travaille beaucoup. Il lit des livres historiques, se familiarise avec l'époque à laquelle vivait son héros. Après tout, l'acteur a besoin de tout savoir sur la personne qu'il incarne : qui est cette personne, ce qu'il veut et ce qu'il fait pour atteindre son objectif. Il observe constamment les gens, remarque des caractéristiques dans leur apparence, leurs mouvements, leur comportement. Tout cela sera utile sur scène. Après tout, il doit agir au nom des personnages de pièces de théâtre ou de films, vivre leur vie. Il doit parler avec la voix de son héros, marcher avec sa démarche. Aujourd'hui l'acteur incarne notre contemporain, vit avec ses joies et ses peines, ses soucis et ses réussites. Demain, il est un chevalier médiéval ou un roi de conte de fées.

Comme le disait le remarquable réalisateur KS Stanislavsky, un acteur doit « par intuition deviner le pouls de la vie, rechercher éternellement la vérité, combattre le mensonge ». "Acteur - personnalité publique", il guide le public, l'éduque, l'aide à prendre conscience de ses lacunes et à se tenir debout La bonne façon... Tout en jouant sur scène, l'acteur improvise. Connaissant le rôle par cœur, il le vit à chaque instant comme pour la première fois, comme s'il ne se doutait pas de ce qui va se passer dans l'instant suivant. Une autre caractéristique du talent d'acteur est nécessaire ici - la spontanéité. S'il est absent dans la pièce de l'acteur, on ne voit sur scène que des mouvements répétés et on entend le texte mémorisé. C'est cette qualité qui permet à l'acteur dans le même rôle d'être légèrement "différent" et à chaque représentation de recréer, pour ainsi dire, pour la première fois la vie intérieure du personnage.

Par conséquent, nous, connaissant même le jeu par cœur, à chaque fois merci acteurs talentueux nous revivons ses événements comme s'il s'agissait d'un nouveau. Agissant dans un monde imaginaire, l'acteur y croit comme au réel. Croire à des circonstances imaginaires est un élément essentiel de l'action. Elle s'apparente à la foi sincère que les enfants affichent dans leur jeu.

L'un des "personnages" les plus importants de la performance est le spectateur. Sans cela, jouer sur scène n'est qu'une répétition. L'acteur a besoin de contact avec le spectateur non moins qu'avec ses partenaires. Par conséquent, il n'y a pas deux représentations identiques. L'acteur crée à chaque fois devant le spectateur. Le spectateur change, ce qui signifie que la performance change d'une manière ou d'une autre. Malgré le fait que le travail d'un acteur s'appelle jouer, c'est un travail difficile, dont même le plus grand talent ne s'exempte pas. Et plus ce travail est important, moins il est visible sur scène et plus on prend du plaisir à la performance des artistes, à l'ensemble de la performance.

Conclusion

Le théâtre est une école de vie. Alors ils parlaient de lui de siècle en siècle. Ils ont parlé partout : en Russie, en France, en Italie, en Angleterre, en Allemagne, en Espagne...

Le Théâtre Gogol a appelé le Département de la Bonté.

Herzen le reconnaissait comme l'autorité suprême pour résoudre les questions de la vie.

Belinsky a vu le monde entier, l'univers entier avec toute sa diversité et sa splendeur au théâtre. Il voyait en lui un maître des sentiments autocratique, capable de secouer toutes les cordes de l'âme, d'éveiller un fort mouvement dans les esprits et les cœurs, de rafraîchir l'âme d'impressions puissantes. Il voyait dans le théâtre une sorte de charme invincible et fantastique pour la société.

Selon Voltaire, rien ne lie plus étroitement les liens d'amitié que le théâtre.

Le grand dramaturge allemand Friedrich Schiller a soutenu que « le théâtre a le chemin le plus battu vers l'esprit et le cœur » de l'homme.

L'immortel créateur de Don Quichotte, Cervantes, a appelé le théâtre « un miroir de la vie humaine, un exemple de morale, un exemple de vérité ».

Liste de la littérature utilisée

1. Abalkin N. Histoires de théâtre - M., 1981.

2. Bakhtine MM Questions de littérature et d'esthétique. - M., 1975

3. Kagarlitskiy Yu. I. Théâtre pendant des siècles.- M., 1987.

4. Lesky K.L. 100 Grands Théâtres du Monde.- M., Veche, 2001.

6. Nemirovitch-Danchenko Vl. I. La naissance du théâtre - M., 1989.

7. Sorochkine B.Yu. Théâtre entre passé et futur - M., 1989.

8. Stanislavsky KS Ma vie dans l'art. - Collecté. Op. in 8 t. M., 1954, t. 1, p. 393-394.

9. Tairov A. Ya, Notes du réalisateur. Des articles. Conversations. Discours. Des lettres. M., 1970, p. 79.

10. ABC du théâtre : 50 petites histoires sur le théâtre. L. : Dét. lit., 1986.

11. Dictionnaire encyclopédique jeune spectateur. M. : Pédagogie, 1989.

CLASSEMENT D'ART

Art (réflexion créatrice, reproduction de la réalité dans images artistiques.) existe et se développe comme un système d'espèces interconnectées, dont la diversité est due à la polyvalence de lui-même (le monde réel affiché dans le processus de création artistique.

Les types d'art sont historiquement formés, les formes activité créative, possédant la capacité de réalisation artistique du contenu de la vie et différant dans les manières de son incarnation matérielle (mot dans la littérature, son dans la musique, matériaux plastiques et coloristiques dans les arts visuels, etc.).

Dans la littérature d'histoire de l'art moderne, un certain schéma et système de classification des arts se sont développés, bien qu'il n'y en ait toujours pas un seul et qu'ils soient tous relatifs. Le schéma le plus courant consiste à le diviser en trois groupes.

Le premier comprend les arts spatiaux ou plastiques. Pour ce groupe d'arts, la construction spatiale dans la divulgation d'une image artistique est essentielle - Beaux-Arts, Arts décoratifs et appliqués, Architecture, Photographie.

Le deuxième groupe comprend les arts temporaires ou dynamiques. En eux, la composition évoluant dans le temps acquiert une importance clé - Musique, Littérature.Le troisième groupe est représenté par les types spatio-temporels, également appelés arts synthétiques ou spectaculaires - Chorégraphie, Littérature, Art théâtral, Cinématographie.

L'existence de divers types d'arts est due au fait qu'aucun d'entre eux, par ses propres moyens, ne peut donner une image artistique globale du monde. Une telle image ne peut être créée que par l'ensemble de la culture artistique de l'humanité dans son ensemble, constituée de types d'art individuels.

ARTS DE THÉÂTRE

Le théâtre est une forme d'art qui assimile le monde de manière artistique à travers une action dramatique menée par une équipe créative.

La base du théâtre est le drame. La nature synthétique de l'art théâtral détermine son caractère collectif : la pièce combine les efforts créatifs d'un dramaturge, metteur en scène, artiste, compositeur, chorégraphe et acteur.

Les représentations théâtrales sont divisées en genres :

La tragédie;

Comédie;

Musical, etc...

L'art théâtral a ses racines dans les temps anciens. Ses éléments les plus importants existaient déjà dans les rituels primitifs, dans les danses totémiques, dans la copie des habitudes des animaux, etc.

Le théâtre est un art collectif (Zakhava)

La première chose qui arrête notre attention lorsque nous pensons aux spécificités du théâtre est la circonstance essentielle qu'une œuvre d'art théâtral - une performance - n'est pas créée par un artiste, comme dans la plupart des autres arts, mais par de nombreux participants à la création traiter. Dramaturge, comédien, metteur en scène, maquilleur, décorateur, musicien, enlumineur, costumier, etc. - chacun investit sa part de travail créatif dans la cause commune. Par conséquent, le véritable créateur de l'art théâtral n'est pas une personne individuelle, mais un collectif - un ensemble créatif. Le collectif dans son ensemble est l'auteur d'une œuvre achevée d'art théâtral - une performance. La nature du théâtre exige que toute la représentation soit saturée de pensée créative et de sentiment vivant. Chaque mot de la pièce, chaque mouvement de l'acteur, chaque mise en scène créée par le metteur en scène doit en être saturé. Tous ces éléments sont des manifestations de la vie de cet organisme vivant unique, intégral, qui, étant né des efforts créatifs de l'ensemble du collectif théâtral, acquiert le droit d'être appelé une véritable œuvre d'art théâtral - une performance. La créativité de chaque artiste individuel participant à la création de la performance n'est rien de plus qu'une expression des aspirations idéologiques et créatives de toute l'équipe dans son ensemble. Sans une équipe unie, idéologiquement unie, emportée par des tâches créatives communes, il ne peut y avoir de performance à part entière. Complet créativité théâtrale suppose la présence d'une équipe ayant une vision du monde commune, des aspirations idéologiques et artistiques communes, les mêmes pour tous ses membres méthode créative et soumis à la discipline la plus stricte. "La créativité collective", écrit KS Stanislavsky, "sur laquelle notre art est basé, nécessite nécessairement un ensemble, et ceux qui le violent commettent un crime non seulement contre leurs camarades, mais aussi contre l'art même qu'ils servent". La tâche d'éduquer l'acteur à l'esprit du collectivisme, découlant de la nature même de l'art théâtral, se confond avec la tâche d'éducation communiste, qui suppose à la fois le développement global d'un sens de la dévotion aux intérêts du collectif, et la lutte la plus acharnée contre toutes les manifestations de l'individualisme bourgeois.

Le théâtre est un art synthétique. L'acteur est porteur des spécificités du théâtre

Au plus près du principe collectif dans l'art théâtral se trouve une autre spécificité du théâtre : sa nature synthétique. Le théâtre est une synthèse de nombreux arts en interaction les uns avec les autres. Ceux-ci incluent la littérature, la peinture, l'architecture, la musique, l'art vocal, l'art de la danse, etc. Parmi ces arts, il en est un qui n'appartient qu'au théâtre. C'est l'art de l'acteur. L'acteur est inséparable du théâtre, et le théâtre est inséparable de l'acteur. C'est pourquoi on peut dire que l'acteur est porteur de la spécificité du théâtre. Synthèse des arts au théâtre - leur composé organique dans une pièce - n'est possible que si chacun de ces arts remplit une certaine fonction théâtrale. En remplissant cette fonction théâtrale, une œuvre de tout art acquiert une qualité théâtrale qui lui est nouvelle. Car la peinture théâtrale n'est pas la même chose que la peinture, la musique de théâtre n'est pas la même chose que la musique, etc. Seul le jeu est de nature théâtrale. Bien entendu, la valeur de la pièce pour la performance est incomparable avec la valeur du décor. Le décor est conçu pour jouer un rôle secondaire, tandis que la pièce est le fondement idéologique et artistique de la future représentation. Et pourtant, une pièce de théâtre n'est pas la même chose qu'un poème ou une histoire, même si elle est écrite sous forme de dialogue. Quelle est la différence la plus significative (au sens qui nous intéresse) entre une pièce de théâtre et un poème, un décor d'une peinture, une structure scénique d'une structure architecturale ? Le poème, l'image ont une signification indépendante. Un poète, un peintre s'adresse directement au lecteur ou au spectateur. L'auteur d'une pièce en tant qu'œuvre littéraire peut aussi s'adresser directement à son lecteur, mais seulement en dehors du théâtre. Au théâtre, au contraire, le dramaturge, le metteur en scène, le décorateur et le musicien s'adressent au public par l'intermédiaire de l'acteur ou en rapport avec l'acteur. En effet, la parole du dramaturge résonne-t-elle sur la scène, que l'auteur n'a pas remplie de vie, n'a pas faite de sa propre parole, est-elle perçue comme vivante ? Une directive formellement exécutée ou une mise en scène suggérée par le réalisateur mais non vécue par l'acteur peut-elle convaincre le spectateur ? Bien sûr que non! Il peut sembler que ce ne soit pas le cas de la décoration et de la musique. Imaginez que la pièce commence, que le rideau s'ouvre et, bien qu'il n'y ait pas un seul acteur sur scène, le public applaudit avec tonnerre le magnifique décor créé par l'artiste. Il s'avère que l'artiste s'adresse au spectateur complètement directement, et pas du tout à travers l'acteur. Mais alors que les personnages sortent, un dialogue s'ensuit. Et vous commencez à sentir qu'au fur et à mesure que l'action se déroule, une irritation sourde s'accumule progressivement en vous contre le paysage que vous venez d'admirer. Vous sentez que cela vous distrait de l'action scénique, vous empêche de percevoir le jeu d'acteur. Vous commencez à réaliser qu'il existe une sorte de conflit interne: soit les acteurs ne se comportent pas comme ils devraient se comporter dans les conditions associées à ce décor, soit le décor caractérise mal la scène. Une chose ne s'accorde pas avec l'autre, il n'y a pas de synthèse des arts, sans laquelle il n'y a pas de théâtre. Il arrive souvent que le public, qui a salué avec enthousiasme tel ou tel décor au début d'un acte, le gronde lorsque l'action est terminée. Cela signifie que le public a apprécié le travail de l'artiste, indépendamment de cette performance, comme une œuvre d'art pictural, mais ne l'a pas accepté comme décor de théâtre comme élément de la performance. Cela signifie que le décor n'a pas rempli sa fonction théâtrale. Pour remplir sa finalité théâtrale, elle doit se refléter dans le jeu d'acteur, dans le comportement des personnages sur scène. Si l'artiste accroche au fond de la scène un magnifique fond de scène qui représente parfaitement la mer et que les acteurs se comportent sur scène comme le font les gens dans la salle, et non au bord de la mer, le fond restera mort. Toute partie du décor, tout objet placé sur la scène, mais non animé par l'attitude effacée exprimée par l'action, reste mort et doit être retiré de la scène. Tout son qui sonnait à la volonté du metteur en scène ou du musicien, mais n'était pas perçu par l'acteur et ne se reflétait pas dans son comportement sur scène, devrait être réduit au silence, car il n'a pas acquis une qualité théâtrale. L'être théâtral à tout ce qui est sur scène est rapporté par l'acteur. Tout ce qui est créé au théâtre dans l'espoir d'obtenir la plénitude de sa vie à travers l'acteur est théâtral. Tout ce qui prétend avoir un sens indépendant, se suffire à lui-même, est anti-théâtral. C'est le signe par lequel on distingue une pièce de théâtre d'un poème ou d'une histoire, un décor d'un tableau, une structure scénique d'une structure architecturale.

Le théâtre est un art collectif

Art de théâtre synthétique. Acteur-porteur des spécificités du théâtre

L'action est le matériau principal de l'art théâtral

Le drame est la composante principale du théâtre

La créativité de l'acteur est le matériau principal de la direction artistique

Composante spectateur-créatrice du théâtre ZAKHAVA !!!

THÉÂTRE(du grec. theatron - lieux de spectacle, spectacle), le principal type d'arts du spectacle. Le concept générique de théâtre se subdivise en types d'art théâtral : théâtre dramatique, opéra, ballet, théâtre de pantomime, etc. L'origine du terme est associée au théâtre antique grec antique, où étaient exactement appelés les lieux de l'auditorium (du verbe grec "teaomay" - regarder). Cependant, aujourd'hui, la signification de ce terme est extrêmement diverse. Il est également utilisé dans les cas suivants :

1. Un théâtre est un bâtiment spécialement construit ou adapté pour présenter des spectacles (« Le théâtre est déjà plein, les loges brillent » par A.S. Pouchkine).

2. Une institution, une entreprise engagée dans la représentation de spectacles, ainsi que toute l'équipe de ses employés assurant la location de représentations théâtrales (Théâtre Mossovet ; visites du Théâtre Taganka, etc.).

3. Un ensemble d'œuvres dramatiques ou scéniques structurées selon un principe ou un autre (théâtre de Tchekhov, théâtre de la Renaissance, théâtre japonais, théâtre de Mark Zakharov, etc.).

4. Dans un sens dépassé (conservé uniquement dans l'argo professionnel théâtral) - une scène, une scène («La noble pauvreté n'est bonne qu'au théâtre» d'AN Ostrovsky).

5. Au sens figuré - le lieu de tout événement en cours (théâtre d'opérations militaires, théâtre anatomique).

L'art théâtral a des caractéristiques spécifiques qui rendent ses œuvres uniques, sans précédent dans d'autres genres et types d'art.

C'est d'abord la nature synthétique du théâtre. Ses oeuvres englobent aisément presque tous les autres arts : littérature, musique, arts visuels (peinture, sculpture, graphisme, etc.), chant, chorégraphie, etc.; et utiliser également les nombreuses réalisations des sciences et des domaines technologiques les plus divers. Ainsi, par exemple, les développements scientifiques de la psychologie ont constitué la base de la créativité d'acteur et de réalisateur, ainsi que des recherches dans le domaine de la sémiotique, de l'histoire, de la sociologie, de la physiologie et de la médecine (en particulier dans l'enseignement de la parole et du mouvement scéniques). Le développement de diverses branches de la technologie permet d'améliorer et de passer à nouveau niveau machines de scène; gestion du son et du bruit du théâtre; équipement léger; l'apparition de nouveaux effets scéniques (par exemple, fumée sur scène, etc.). Pour paraphraser le célèbre dicton de Molière, on peut dire que le théâtre « prend sa propriété là où il la trouve ».

D'où la spécificité suivante de l'art théâtral : la collectivité du processus créatif. Cependant, ce n'est pas le cas ici. Il ne s'agit pas seulement du travail en commun des nombreux personnels du théâtre (de jeter performance aux représentants des services techniques, dont le travail bien coordonné détermine en grande partie la « pureté » de la performance). Dans toute œuvre d'art théâtral, il existe un autre co-auteur à part entière et le plus important - le spectateur, dont la perception corrige et transforme la performance, plaçant des accents de différentes manières et modifiant parfois radicalement le sens général et l'idée de la performance. . Une représentation théâtrale est impossible sans spectateur - le nom même du théâtre est associé aux sièges du public. La perception du public de la performance est sérieuse travail créatif, que le public en ait connaissance ou non.

D'où la caractéristique suivante de l'art théâtral, son immédiateté : chaque représentation n'existe qu'au moment de sa reproduction. Cette caractéristique est inhérente à tous les types d'arts du spectacle. Cependant, il y a quelques particularités ici.

Ainsi, dans un cirque, lorsque le talent artistique des participants à la représentation est requis, la pureté technique du tour devient encore un facteur fondamental : sa violation met en danger la vie de l'artiste de cirque, indépendamment de la présence ou de l'absence de spectateurs. En principe, la co-création active avec le public n'est peut-être qu'un seul artiste de cirque - le clown. D'où le développement d'un des types de théâtre, la clownerie théâtrale, qui se développe selon des lois proches du cirque, mais encore différentes : le théâtre général.

L'exécution du même art musical et vocal avec le développement de la technologie d'enregistrement audio a reçu la possibilité de corriger et de poursuivre la lecture multiple, identique à l'original. Mais l'enregistrement vidéo adéquat d'une représentation théâtrale est, en principe, impossible : l'action se déroule souvent simultanément dans Différents composants scènes, ce qui ajoute du volume à ce qui se passe et forme la gamme de tons et de demi-tons de l'atmosphère scénique. Lors de la prise de vue en gros plan, les nuances de la vie scénique générale restent dans les coulisses ; les plans généraux sont trop petits et ne peuvent pas transmettre tous les détails. Ce n'est pas un hasard si seules les versions télévisuelles ou cinématographiques du réalisateur, de l'auteur ou de l'auteur de représentations théâtrales réalisées selon les lois interculturelles deviennent des succès créatifs. C'est comme avec traduction littéraire: la fixation sèche d'une représentation théâtrale sur pellicule s'apparente à une traduction interlinéaire : tout semble correct, mais la magie de l'art disparaît.

Tout espace vide peut être appelé une scène vide. L'homme bouge

dans l'espace, quelqu'un le regarde, et c'est déjà suffisant pour une pièce de théâtre

action. Cependant, lorsque nous parlons de théâtre, nous entendons généralement autre chose. rouge

rideaux, projecteurs, vers blancs, rires, ténèbres - tout cela est mélangé au hasard

notre conscience et crée une image vague, que nous désignons dans tous les cas

en un mot. On dit que le cinéma a tué le théâtre, impliquant le théâtre qui

existait à l'époque de l'apparition du cinéma, c'est-à-dire un théâtre avec une billetterie, un foyer, pliant

des chaises, une rampe, des dépaysements, des entractes et de la musique, comme si le mot lui-même

"Théâtre" par définition ne signifie que cela et presque rien d'autre.

Je vais essayer de démembrer ce mot de quatre manières et d'en souligner quatre différentes.

sens, donc je parlerai du Théâtre Inanimé, du Théâtre Sacré, du Théâtre Brut

et sur le Théâtre en tant que tel. Parfois, ces quatre théâtres existent dans le quartier quelque part dans

West End à Londres ou près de Times Square à New York. Parfois, ils sont séparés par des centaines

miles, et parfois cette division est conditionnelle, puisque deux d'entre eux sont combinés en

un soir ou un acte. Parfois, pendant un instant, les quatre théâtres -

Sacré, grossier, sans vie n Théâtre en tant que tel - fusionnez. NS.Brooke"Espace libre"

1. THÉÂTRE ET VÉRITÉ Oscar Remez "Maîtrise du réalisateur"

S'il est vrai que la "théâtralité" et la "vérité" sont l'essencele principalcomposants d'une performance dramatique, tout aussi vraiETle fait que la lutte de ces deux principes est la source du développementexpressifsignifie dans les arts théâtraux. Ce combat est facilesuppositionsquand on passe en revue le passé du théâtre, et bienPlus forttrouvé lorsque l'on envisage de vivre créatiftraiterse développer sous nos yeux.

3. LA CYCLICITÉ DE L'HISTOIRE DU THÉÂTRE

En comparant le passé bien connu et le présent émergent, on peut arriver à la conclusion d'un modèle particulier de changements dans les directions théâtrales, d'une cyclicité particulière, strictement mesurée, des époques théâtrales.

"Princesse Turandot" a été remplacé par nouveau critère vérité scénique - une méthode d'actions physiques. La nouvelle tradition théâtrale s'est poursuivie dans les œuvres de M. Kedrov. En même temps et dans la même veine, les théâtres d'A. Popov et d'A. Lobanov fonctionnaient. De plus, la « vitalité » scénique de plus en plus stricte et cohérente est remplacée par la théâtralité romantique de N. Okhlopkov. La synthèse de deux principes, le sommet du théâtre à la fin des années 40 - "Young Guard", une performance de N. Okhlopkov, qui a exprimé le plus pleinement la réalité au moyen du langage artistique moderne. Au milieu des années 50 - nouvelle vague- le triomphe de la méthode d'analyse efficace : les travaux de M. Knebel, la naissance de Sovremennik, les performances de G. A. Tovstonogov.

Comme vous pouvez le voir, chaque direction théâtrale se développe d'abord comme si elle était latente, mûrit souvent dans les profondeurs de la direction précédente (et comme il s'avère plus tard - la direction polaire), surgit de manière inattendue, se développe en conflit avec la tradition et suit un chemin conditionné par dialectique - ascension, expressions de complétude, crise créatrice. Chaque période de l'histoire du théâtre a son propre chef. Ils le suivent, l'imitent et s'opposent farouchement à lui, en règle générale, des deux côtés - ceux qui restent derrière et ceux qui sont devant.

Certes, le chemin de l'ascension vers la synthèse théâtrale est complexe. Les tournants de l'art théâtral ne sont pas nécessairement associés aux noms des réalisateurs nommés ici. La division pédante des ouvriers du théâtre en « groupes », « courants », « camps » n'est guère correcte. N'oublions pas - pendant la période de synthèse théâtrale des années 1920, nul autre que KS Stanislavski a créé des spectacles dans lesquels la tendance gagnante s'est exprimée de la manière la plus complète et la plus vive - "Coeur Ardent" (1926) et "Les Noces de Figaro" (1927) . C'est dans ces œuvres qu'une théâtralité brillante se combinait avec un développement psychologique profond.

Une continuation de ce genre de tradition dans le théâtre d'art était également une représentation comme The Pickwick Club (1934), dirigée par V. Ya. Stanitsyn.

On peut avoir l'impression que le théâtre se répète, suivant un cercle prédéterminé. Un concept très proche de ce type de compréhension (avec un certain décalage et ambiguïté dans la terminologie) a été proposé à un moment donné par J. Gassner dans son livre "Form and Idea in Contemporary Theatre".

Cependant, le concept d'un développement cyclique fermé du théâtreerroné... Une image objective de l'évolution de l'histoire du théâtre -mouvementspiraleEssentiellement important, Quoi de neufchaquesa nouvelle tournée, le théâtre propose fondamentalement de nouvellesCritères vérité et théâtralité qui couronnent chacun, à partir des cycles de développement, la synthèse surgit à chaque fois sur des bases différentes. En même temps, la nouvelle théâtralité ne peut que maîtriser (même en dépit des polémiques) l'expérience précédente, et c'est le préalable indéniable dans le futur de l'équilibre dynamique. Ainsi, la lutte entre la théâtralité et la vérité devient le contenu de l'histoire de la mise en scène des moyens expressifs, la source du développement de nouvelles formes théâtrales modernes.

LE THÉÂTRE COMME ART

Comme tout autre art (musique, peinture, littérature), le théâtre a ses propres caractéristiques particulières. Cet art est synthétique : une œuvre théâtrale (performance) est constituée du texte de la pièce, œuvre d'un metteur en scène, acteur, artiste et compositeur. La musique joue un rôle décisif dans l'opéra et le ballet.

Le théâtre est un art collectif. La performance est le résultat des activités de nombreuses personnes, non seulement celles qui apparaissent sur scène, mais aussi celles qui cousent des costumes, fabriquent des accessoires, mettent la lumière et rencontrent le public. Ce n'est pas pour rien qu'il existe une définition des « travailleurs de théâtre » : une représentation est à la fois création et production.

Le théâtre offre sa propre façon de connaître le monde environnant et, par conséquent, son propre ensemble de moyens artistiques. Une performance est à la fois une action spéciale jouée dans l'espace de la scène et une pensée figurative spéciale qui est différente, disons, de la musique.

Au coeur de performance théatrale se trouve le texte, par exemple, une pièce pour une performance dramatique. Même dans ces mises en scène où le mot en tant que tel est absent, le texte est parfois nécessaire ; en particulier, le ballet, et parfois la pantomime, a un script - un livret. Le processus de travail sur une pièce consiste à transférer un texte dramatique sur scène - c'est une sorte de "traduction" d'une langue à une autre. Du coup, le mot littéraire devient un mot de scène.

La première chose que le spectateur voit après l'ouverture (ou le lever) du rideau est l'espace scénique dans lequel le décor est placé. Ils indiquent le lieu de l'action, le temps historique, reflètent la saveur nationale. A l'aide de constructions spatiales, même l'humeur des personnages peut être rendue (par exemple, dans un épisode de la souffrance du héros, plonger la scène dans l'obscurité ou resserrer son fond avec du noir). Pendant l'action, à l'aide d'une technique spéciale, le décor est changé : le jour se transforme en nuit, l'hiver - en été, la rue - en pièce. Cette technique a évolué avec la pensée scientifique de l'humanité. Les mécanismes de levage, les boucliers et les trappes, qui dans les temps anciens étaient actionnés manuellement, sont maintenant levés et abaissés par l'électronique. Les bougies et les lampes à gaz ont été remplacées par des ampoules électriques ; les lasers sont également souvent utilisés.

Dès l'Antiquité, deux types de scènes et de salles se sont constitués : une scène en loges et une scène en amphithéâtre. La scène de la loge prévoit des gradins et un parterre, et le public entoure la scène de l'amphithéâtre de trois côtés. Les deux types sont utilisés dans le monde aujourd'hui. La technologie moderne permet de changer l'espace théâtral - d'aménager une plate-forme au milieu de l'auditorium, de mettre le spectateur sur la scène et le spectacle à jouer dans l'auditorium.Une grande importance a toujours été attachée au bâtiment du théâtre. . Les théâtres étaient généralement construits sur la place centrale de la ville ; les architectes voulaient que les bâtiments soient beaux et attirent l'attention. Venant au théâtre, le spectateur se détache du quotidien, comme s'il s'élevait au-dessus de la réalité. Ce n'est donc pas un hasard si un escalier orné de miroirs mène souvent au hall.

La musique contribue à renforcer l'impact émotionnel d'une performance dramatique. Parfois, cela sonne non seulement pendant l'action, mais aussi pendant l'entracte - pour garder le public intéressé. Le personnage principal de la pièce est l'acteur. Le spectateur voit devant lui une personne qui, de manière mystérieuse, s'est transformée en une image artistique - une sorte d'œuvre d'art. Bien sûr, l'œuvre d'art n'est pas l'interprète lui-même, mais son rôle. Elle est la création d'un acteur, créé par la voix, les nerfs et quelque chose d'imperceptible - l'esprit, l'âme. Pour que l'action sur scène soit perçue dans son ensemble, il est nécessaire de l'organiser de manière réfléchie et cohérente. Ces fonctions dans le théâtre moderne sont exercées par le metteur en scène. Bien sûr, beaucoup dépend du talent des acteurs de la pièce, mais néanmoins ils sont subordonnés à la volonté du leader - le réalisateur. Les gens, comme il y a plusieurs siècles, viennent au théâtre. Depuis la scène, le texte des pièces résonne, transformé par la force et les sentiments des interprètes. Les artistes mènent leur propre dialogue - et pas seulement verbal. C'est une conversation de gestes, de postures, de regards et d'expressions faciales. L'imagination d'un artiste-décorateur à l'aide de la couleur, de la lumière, des structures architecturales du site fait « parler » l'espace de la scène. Et tout ensemble est enfermé dans le cadre strict de l'intention du réalisateur, qui donne complétude et intégrité aux éléments hétérogènes.

Le spectateur évalue consciemment (et parfois inconsciemment, comme contre son gré) le jeu des acteurs et la mise en scène, la correspondance de la solution de l'espace théâtral à l'idée générale. Mais l'essentiel est que lui, le spectateur, s'implique dans l'art, contrairement à d'autres, créés ici et maintenant. Comprenant le sens de la pièce, il comprend le sens de la vie. L'histoire du théâtre continue.

TYPES DE THÉÂTRE

Les premières représentations théâtrales comprenaient la parole et le chant, la danse et le mouvement. La musique et les gestes renforçaient le sens des mots, les danses devenaient parfois indépendantes « sans mesure ». De telles actions se distinguaient par le syncrétisme (du grec "syncrétisme" - "connexion"), c'est-à-dire un tel degré de fusion composants(la musique et les mots en premier lieu) que le spectateur ne pouvait pas les isoler dans son esprit et évaluer chaque forme séparément. Progressivement, le public a appris à distinguer les éléments de la représentation et, au fil du temps, les types de théâtre que nous connaissons se sont développés à partir d'eux. Le syncrétisme a fait place à la synthèse - conjonction délibérée différentes formes.

Le type le plus courant et le plus populaire est t dramatique mangeur. La chose principale moyens expressifs- un mot (ce n'est pas un hasard si ce théâtre est parfois appelé familier). Le sens des événements se déroulant sur la scène, les caractères des personnages sont révélés à l'aide de mots qui s'additionnent au texte (il peut être prosaïque ou poétique). Un autre type d'art théâtral est l'opéra (voir l'article "Musique d'Italie" dans la section "Musique"). Dans l'opéra, la convention du théâtre est particulièrement évidente - après tout, dans la vie, les gens ne chantent pas pour exprimer leurs sentiments. L'essentiel dans l'opéra, c'est la musique. Cependant, la partition (notation musicale) doit être présentée, jouée sur scène : le contenu de l'œuvre ne sera pleinement révélé que dans l'espace scénique. Une telle performance requiert une compétence particulière de la part des interprètes : ils doivent non seulement être capables de chanter, mais aussi avoir des qualités d'acteur. A l'aide de sons, l'acteur-chanteur est capable d'exprimer les sentiments les plus complexes. Impacter performance musicale- avec une forte composition de chanteurs, un bon orchestre, une direction professionnelle - ça peut être puissant, voire enivrant. Il subjugue le spectateur, l'emmène dans le monde des sons divins.

Au XVIe siècle. basé sur des courtisans et Danses folkloriques a commencé à se former ballet théâtre. Le mot même "ballet" vient du latin tardif ballare - "danser". Dans le ballet, les événements et les relations des personnages sont racontés sur les mouvements et les danses que les artistes exécutent sur la musique composée sur la base du livret. A la fin du XXe siècle. les performances sans intrigue basées sur la musique d'œuvres symphoniques se sont généralisées. Le chorégraphe propose de telles performances. "Chorea" en traduction du grec ancien signifie "danse", et "grapho" signifie "j'écris". Dès lors, le chorégraphe « écrit la performance » à l'aide de la danse, construit des compositions plastiques en accord avec la musique et l'intrigue.

Dans les représentations de ballet, en règle générale, des solistes sont impliqués, ainsi que des personnalités de premier plan - c'est ainsi que l'artiste principal du corps de ballet, qui a dansé sur la première ligne, plus près du public, a été appelé dans le théâtre russe. Le corps de ballet est le nom donné aux participants des scènes de foule. Histoire opérettes a un peu plus d'un siècle et demi. En science, il y a deux points de vue sur l'opérette. Certains érudits le considèrent comme une forme indépendante d'art théâtral, d'autres - un genre (on peut en dire autant de la comédie musicale).

Les premières représentations, principalement de contenu comique, sont apparues dans la seconde moitié du XIXe siècle. au théâtre parisien "Chamois Parisienne". Les intrigues d'opérettes sont généralement comiques, les dialogues conversationnels alternent avec le chant et la danse. Parfois les numéros musicaux ne sont pas liés à l'intrigue, ce sont des intermèdes (voir l'article " Jacques Offenbach, Johann Strauss et musique légère la seconde moitié du 19e siècle "dans la section" Musique ").

A la fin du 19ème siècle aux États-Unis est apparu musical. Il s'agit d'une œuvre scénique (à la fois comique et dramatique dans l'intrigue), qui utilise des formes de pop art, théâtre dramatique, ballet et opéra, danse de tous les jours. Dans une opérette, des fragments musicaux peuvent être insérés, dans un musical -. jamais, ils sont "dissous" dans l'action. La comédie musicale est un art pour tous. Les intrigues sont généralement simples et les mélodies deviennent souvent des tubes. L'histoire de la comédie musicale a commencé en 1866, lorsque la performance dramatique musicale "The Black Rogue" (dans une autre traduction "The Villain Swindler") a été présentée à New York. Le succès a été écrasant et inattendu. Cependant, la comédie musicale n'a pris sa place à part entière parmi les autres types d'art théâtral que dans les années 20. XXe siècle. De telles performances ont commencé à apparaître aux États-Unis et après la Seconde Guerre mondiale - sur les scènes d'Angleterre, d'Autriche et de France. Les comédies musicales les plus réussies ont été tournées ("Cabaret", "Cherbourg Umbrellas", "The Sound of Music").

Plus espèces anciennes représentations théâtrales - pantomime (du grec "pantbmimos" - "tout se reproduisant par imitation"). Cet art trouve son origine dans l'Antiquité. La pantomime moderne est une performance sans paroles : ce sont soit des numéros courts, soit une action scénique détaillée avec une intrigue. Au XIXe siècle, l'art de la pantomime est glorifié par le clown anglais Joseph Grimaldi (1778-1837) et le français Pierrot - Jean Gaspard Deburau (1796-1846). La tradition fut perpétuée par Etienne Decroux (1898-1985) et Jean-Louis Barrot (19 10-1994). Decroux a fondé l'école de la pantomime dite pure - pour ne faire sur scène "que ce qui est au-delà du pouvoir des autres arts". Les partisans de telles idées croyaient qu'un geste est plus vrai et plus brillant qu'un mot. Les traditions de Barrot et Decroux ont été perpétuées par le célèbre mime français Marcel Marceau (né en 1923). À Moscou, Henrikh Matskyavichyus a organisé le Théâtre du drame plastique, dont le répertoire comprend des performances complexes et profondes sur des thèmes mythologiques et bibliques.

Dans le dernier quart du XIXème siècle. dans toute l'Europe, mais principalement en France, ont commencé à se créer théâtres de cabaret , qui combinait les formes du théâtre, de la scène, du chant au restaurant. Les plus célèbres et populaires étaient " Chat noir"à Paris", Onze Executioners "à Munich", Blast It All "à Berlin", faux miroir" A Pétersbourg.

Les artistes se sont réunis dans les locaux du café, ce qui a créé une atmosphère particulière. L'espace de telles performances pourrait être le plus inhabituel, mais le plus souvent le sous-sol a été choisi - comme quelque chose d'ordinaire, mais en même temps mystérieux, un peu interdit, souterrain. Avec des spectacles de cabaret ( scènes courtes, parodies ou chansons), tant pour le public que pour les interprètes, une expérience particulière a été associée - un sentiment de liberté sans restriction. Le sentiment de mystère était généralement renforcé par le fait que de telles représentations étaient données tard, parfois la nuit. À ce jour, il existe de vrais cabarets dans différentes villes du monde.

Un type particulier de représentation théâtrale - spectacle de marionnettes. En Europe, il est apparu à l'époque de l'antiquité. Dans la Grèce antique et à Rome, des représentations à domicile étaient jouées. Depuis lors, le théâtre a bien sûr changé, mais l'essentiel est resté - seules les poupées participent à de telles représentations. Cependant, dans dernières années les poupées "partagent" souvent la scène avec les acteurs.

Chaque nation a ses propres héros fantoches, à certains égards similaires et à certains égards différents. Mais ils ont tous un point commun : sur scène, ils plaisantent, jouent aux espiègles, ridiculisent les défauts des gens. Les poupées diffèrent les unes des autres, à la fois par "l'apparence" et par la structure. Les plus courantes sont les poupées à fil, les poupées de précision et les poupées en roseau. Représentation Théâtre de marionnettes nécessitent un équipement spécial et une étape spéciale. Au début, c'était juste une boîte avec des trous faits par le bas (ou le haut). Au Moyen Âge, des représentations étaient organisées sur la place - puis un rideau était tiré entre deux piliers, derrière lesquels se cachaient les marionnettistes. Au XIXème siècle. les représentations ont commencé à être jouées dans des salles spécialement construites.

Une forme particulière de théâtre de marionnettes est le théâtre de marionnettes, des marionnettes en bois. Des scénarios spéciaux ont été composés pour le théâtre de marionnettes. L'histoire du théâtre de marionnettes mondial connaît de nombreux noms célèbres. Les performances de S.V. Obraztsov ont été un énorme succès. Revaz Levanovich Gabriadze (né en 1936), marionnettiste et dramaturge géorgien, propose de nouvelles solutions à ses fantasmes.

ORIGINE DU THÉÂTRE.

Le théâtre est un art « en voie de disparition » difficile à décrire. La performance laisse une empreinte dans la mémoire du public et très peu de traces tangibles et matérielles. C'est pourquoi la science du théâtre - les études théâtrales - est apparue tardivement, à la fin du XIXe siècle. Parallèlement, deux théories sur l'origine du théâtre apparaissent. Selon le premier, l'art de Sienne (à la fois occidental et oriental) s'est développé à partir de rites et rituels magiques... Dans de tels événements, il y avait toujours un jeu, les participants utilisaient souvent des masques et des costumes spéciaux. L'homme "jouait" (représentait, par exemple, une divinité) afin d'influencer le monde environnant - les gens, la nature, les dieux. Au fil du temps, certaines cérémonies se sont transformées en jeux profanes et ont commencé à servir de divertissement ; plus tard, les participants à ces jeux se sont séparés du public.

Une autre théorie relie l'origine du théâtre européen à la croissance de la conscience de soi de la personnalité. Une personne a besoin de s'exprimer à travers un art spectaculaire, qui a un impact émotionnel puissant.

"JOUER EN ADULTE, SEULEMENT EN MIEUX"

L'idée qu'il est nécessaire de créer des théâtres spéciaux pour les enfants est née il y a longtemps. L'une des premières représentations "pour enfants" a été l'œuvre du Moscou Théâtre d'art... En 1908, KS Stanislavsky met en scène la pièce "L'Oiseau bleu" du dramaturge belge Maurice Maeterlinck, et depuis lors spectacle célèbre ne quitte pas la Sienne du Théâtre d'Art de Moscou du nom de M. Gorky. Cette production a déterminé la voie du développement des arts du spectacle pour enfants - un tel théâtre doit être compréhensible pour un enfant, mais en aucun cas primitif, ni unidimensionnel.

En Russie, les théâtres pour enfants ont commencé à apparaître après octobre 1917. Déjà en 1918, le premier théâtre pour enfants du Conseil de Moscou a ouvert ses portes à Moscou. L'organisateur et directeur était N. I. Sats, les performances ont été conçues par des artistes remarquables V. A. Favorsky et I. S. Efimov, le célèbre chorégraphe K. Ya. Goleizovsky a travaillé ici. Natalya Ilyinichna Sats (1903-1993) tous ses vie créative dédié au théâtre pour enfants. En 1921-1937. elle a été directrice artistique du Théâtre pour enfants de Moscou (aujourd'hui Théâtre central pour enfants). Sa dernière idée est le Théâtre musical pour enfants de Moscou (nommé d'après N.I.Sats). En février 1922, les premiers spectateurs sont reçus par le Théâtre des Jeunes Spectateurs de Léningrad. L'un de ses fondateurs et chef permanent était le réalisateur Alexander Alexandrovich Bryaniev (1883-1961). Il croyait que dans le théâtre, il est nécessaire d'unir des artistes qui savent penser comme des enseignants et des enseignants capables de percevoir la vie en tant qu'artistes.

Des réalisateurs aussi remarquables que G. A. Tovstonogov et M. O. Knebel ont travaillé dans des théâtres pour enfants, que ce soit I. V. Ilyinsky, N. K. Cherkasov, O. N. Efremov, R. A. Bykov, B. P Chirkov. Parfois, les performances sont devenues des événements de la vie publique, par exemple la mise en scène de la pièce "My Friend, Kolka" (mise en scène A. V. Efros). Aujourd'hui, les plus anciens théâtres nationaux pour enfants (le Théâtre de la jeunesse russe et le Théâtre des jeunes spectateurs à Moscou) sont respectivement dirigés par A.V. Borodine et G.Ya. Yanovskaya - des réalisateurs qui ont une pensée intéressante et originale.

Dans les premiers théâtres, les contes de fées étaient principalement mis en scène. Peu à peu, des dramaturges apparaissent, écrivant surtout pour les enfants. L'écrivain Alexandra Yakovlevna Brushtein (1884-1968) est l'auteur des pièces To Be Continued (1933) et Blue and Pink (1936), populaires à l'époque. Les œuvres d'Evgeny Lvovich Schwartz (1896-1958) sont devenues des classiques du répertoire théâtral pour enfants. Ses pièces sont des contes de fées - " La reine des Neiges" (1938)", Two Maples " (1953) ", The Naked King " (1934) ", Shadow " (1940) et d'autres - ont été mis en scène dans les théâtres depuis des décennies. Les pièces de Schwartz combinent fantaisie et vérité dans la représentation des personnages. Viktor Sergeevich Rozov (né en 1913) a parlé avec talent du monde intérieur des adolescents. Pièce de théâtre "Her Friends" (1949), "Page of Life" (1953), "Good Hour" (1954), "In Search of Joy" (1957) défini le répertoire des théâtres pour enfants dans les années 50-60, certains d'entre eux ne quittent pas Sienne aujourd'hui.

Les réalisateurs modernes se tournent vers des œuvres très différentes. Pour les plus petits, des contes de fées sont joués, pour les adolescents - des pièces dédiées à la vie des jeunes; il y a aussi des classiques sur les affiches des théâtres, nationaux et étrangers. Ainsi, dans le répertoire du Théâtre pour jeunes spectateurs de Moscou, la pièce "Buratino au pays des fous" (mise en scène du conte de fées d'AN Tolstoï), une performance ironique basée sur le poème de S. Ya. Marshak "Au revoir, l'Amérique" et "The Thunderstorm" basé sur la pièce de AN Ostrovsky. Des théâtres pour enfants et jeunes ont été créés dans de nombreux pays du monde. En 1965, l'Association Internationale est créée à Paris, ce qui les aide à se développer. Des festivals internationaux de théâtres pour enfants sont organisés.

SERGÉE VLADIMIROVITCH OBPA3TSOB

Une personne étonnante d'une profession unique, artiste, marionnettiste, écrivain, dramaturge - tout cela est Sergei Vladimirovich Obraztsov (1901 - 1992). Son nom est populaire dans notre pays et à l'étranger. La créativité et la vie de l'artiste sont largement reflétées dans les livres et les articles. Ses performances vivent aujourd'hui dans le théâtre, qui porte à juste titre le nom d'Obraztsov.

Des productions aussi merveilleuses que "By the Pike's Command" (1936), " lampe magique Aladin « (1940) », La Divine Comédie « (1961) », Un Concert Insolite « (1968) », Don Juan82 « et d'autres, servent d'ornement au répertoire Théâtre central poupées et encore. Obraztsov, excellent conteur, artiste spirituel et observateur, a laissé un héritage littéraire intéressant dans ses livres Acteur avec une poupée, Ma profession, Relais des arts, Le long des marches de la mémoire, Mon cabinet de curiosités, etc.

L'enfance d'Obraztsov s'est déroulée dans une famille moscovite intelligente: son père était ingénieur de piste, scientifique, puis académicien, sa mère était enseignante, professeur de langue russe. Aptitude au dessin, à la peinture et au graphisme, apprentissage des artistes Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) et Vladimir Andreevich Favorsky (1886-1964), cours de chant, cours de théâtre en Théâtre musical sous la direction de V.I. L'appartement du maître renommé était rempli de racks d'aquariums avec une variété de poissons. La pièce était remplie du brouhaha d'oiseaux inhabituels.

Tout a commencé dans l'enfance avec le cadeau d'une mère - une petite poupée Bibabo, qui a jeté les bases de toute une série de différentes versions de poupées, appelées poupées à gants. Ils se portent à la main comme des gants et sont connus depuis l'époque des comédies sur Petrouchka. Des poupées similaires existaient en Chine, en Inde et en Grèce antique et portaient des noms.

La musique est devenue un compagnon constant des performances d'Obraztsov. Un écran portable avec des poches intérieures, un accompagnateur - et maintenant le théâtre d'un acteur est prêt ! Les inclinations de l'artiste ont aidé Obraztsov à créer une image de marionnette. Ce pourrait être le conseiller titulaire dans l'interprétation de la romance d'A. Dargomyzhsky, buvant une énorme bouteille de chagrin, ou le nègre et la vieille femme dans la romance "Nous étions assis avec vous près de la rivière endormie", ou le singe drôle poupées exécutant la romance "Just a Minute", imitant A. N. Vertinsky.

Obraztsov s'efforçait constamment d'apprendre. Les échecs ou les erreurs de calcul sont devenus la raison de nouvelles découvertes et recherches. L'étendue de l'érudition dans sa profession a été renforcée par la connaissance d'une variété de spectacles de marionnettes lors d'une tournée à l'étranger. Ainsi, en Angleterre Obraztsov a rencontré la poupée Punch, en Allemagne - avec Hans Wurst, en Tchécoslovaquie - avec Kashparek, etc. Il est caractéristique que, appréciant fortement l'art de ses collègues, il ait voulu rester fidèle à son identité. L'étendue et la diversité du répertoire personnel ne pouvaient que conduire à la création du théâtre. L'une après l'autre, de nouvelles performances voient le jour, emmenant le public soit dans un conte de fées, soit dans l'atmosphère d'un concert pop. Un grand groupe d'acteurs - les étudiants d'Obraztsov ont participé à la pièce "Un concert inhabituel". Ici, un "choeur gitan" a retenti, un duo d'opérettes a été joué, il y avait un artiste amusant (la poupée a été exprimée par l'acteur Zinovy Efimovich Gerdt, 1916-1998). Cette performance a été jouée un nombre incalculable de fois et a été vue par des publics de nombreux pays. Le chœur, l'orchestre, la décoration ont rapproché le théâtre de marionnettes du jeu d'acteur, mais les spécificités du théâtre de marionnettes sont restées. De drôles de petites personnes ont suscité le rire et l'empathie du public le plus d'âges différents... À la fin de la représentation, des marionnettistes ont émergé de derrière les écrans et le directeur principal Sergei Obraztsov, l'âme du théâtre, est également apparu.

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Programme

... ; protéger les intérêts des acteurs théâtre dont le travail créatif est utilisé par d'autres sortesarts, les médias... sont : des conditions de développement théâtrecommenttypearts et institution sociale, enrichissement de la vie théâtrale...

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