Genres d'œuvres musicales. À propos de l'orchestre symphonique Quel est le nom d'une courte pièce pour un orchestre symphonique

Quels sont les noms des instruments de musique présentés ci-dessous ?

Quels instruments sont les solistes de ces morceaux de musique ?

1. C. Saint-Saëns. « Cygne » de la suite « Carnaval des Animaux »

2. J. Bach. "Joke" de la suite orchestrale en si mineur

3. N. Rimski-Korsakov. « Le Vol du bourdon » de l'opéra « Le Conte du tsar Saltan »

4. A. Lyadov. « Bande dessinée » tirée de « Huit chansons russes pour orchestre »

5. P. Tchaïkovski. "Valse des Fleurs" (thème principal) du ballet "Casse-Noisette"

6. N. Rimski-Korsakov. Thème de Shéhérazade de la suite symphonique "Schéhérazade"

7. K. Saint-Saëns. « Éléphant » de la suite « Carnaval des Animaux »

8. P. Tchaïkovski. "Danse de la Fée Dragée" du ballet "Casse-Noisette"

9. Thème de S. Prokofiev tiré du conte symphonique « Pierre et le loup ».

Instruments : cors, violoncelle, clarinette, contrebasse, violon, basson, flûte, piccolo, célesta.

Mots croisés

Horizontalement. 3. Vitesse d'exécution d'un morceau de musique. 4. Instrument à cuivres avec tube coulissant rétractable. 5. Faible voix masculine. 6. Corrélation des sons par longueur, alternance des durées. 8. La couleur du son inhérente à une voix ou à un instrument. 10.Un instrument à cuivres dont le nom se traduit par « cor de forêt ». 12. Voix masculine haute.

Verticalement. 1. Séquence d'accords, leur combinaison entre eux.

2. Instrument à cordes hautes et à archet. 5. Voix masculine moyenne. 7.Le plus bas du groupe instruments à cordes. 9. Instrument à percussion sonore. 11. Instrument à vent.

Musique symphonique- les œuvres musicales destinées à être interprétées par un orchestre symphonique. Comprend de grandes œuvres monumentales et de petites pièces de théâtre. Genres principaux : symphonie, suite, ouverture, poème symphonique.

Un orchestre symphonique, un grand groupe de musiciens, comprend trois groupes d'instruments : le vent, les percussions et les cordes frottées.

La composition classique (paire ou double) d'un petit orchestre symphonique a été formée dans l'œuvre de J. Haydn (paire de cuivres, timbales et quintette à cordes). Un petit orchestre symphonique moderne peut avoir une composition irrégulière.

Dans un grand orchestre symphonique (dès le début du XIXe siècle), les groupes de vents et de percussions sont élargis, des harpes et parfois un piano sont introduits ; le groupe de cordes frottées a été numériquement augmenté. Le nom de l'orchestre symphonique est déterminé par le nombre d'instruments dans chaque famille de vents (paire, triple, etc.).

Symphonie(du grec symphonie - consonance), - un morceau de musique pour orchestre symphonique, écrit sous forme cyclique de sonate - la forme la plus élevée de musique instrumentale. Se compose généralement de 4 parties. Le type classique de symphonie s'est développé à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. (J. Haydn, W.A. ​​Mozart, L.V. Beethoven). Par des compositeurs romantiques grande importance acquis des symphonies lyriques (F. Schubert, F. Mendelssohn), des symphonies à programme (G. Berlioz, F. Liszt).

Une contribution importante au développement des symphonies a été apportée par les compositeurs d'Europe occidentale des XIXe et XXe siècles : J. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, S. Frank, A. Dvorak, J. Sibelius, etc. place importante dans musique russe: A.P.Borodine, P.I.Tchaïkovski, A.K.Glazunov, A.N.Skryabin, S.V.Rachmaninov, N.Ya.Myaskovsky, S.S.Prokofiev, D.D.Shostakovich, A.I.Khachaturyan et autres.

Formes cycliques de musique instrumentale, - des formes musicales constituées de plusieurs parties relativement indépendantes, qui révèlent ensemble une seule conception artistique. La forme cyclique de la sonate se compose, en règle générale, de quatre parties : la 1ère rapide sous forme sonate, la 2ème lente lyrique, la 3ème rapide (scherzo ou menuet) et la 4ème rapide (finale). Cette forme est typique d'une symphonie, parfois d'une sonate ou d'un ensemble de chambre ; une forme cyclique abrégée (sans scherzo ni menuet) est typique d'un concert ou d'une sonate. Un autre type de forme cyclique est constitué par une suite, parfois des variations (orchestre, piano), dans lesquelles le nombre et la nature des parties peuvent être différents. Il existe également des cycles vocaux (séries de chants, romances, ensembles ou chœurs), réunis par une intrigue, les paroles d'un même auteur, etc.

Suite(Suite française, lit. - rangée, séquence), une œuvre musicale instrumentale cyclique composée de plusieurs parties contrastées. La suite se distingue de la sonate et de la symphonie par l'absence de réglementation stricte quant au nombre, à la nature et à l'ordre des parties, et par son lien étroit avec le chant et la danse. Suite 17-18 siècles. se composait d'une allemande, d'un carillon, d'une sarabande, d'une gigue et d'autres danses. Aux XIXe-XXe siècles. des suites orchestrales non dansantes ont été créées (P.I. Tchaïkovski), parfois à programme (« Schéhérazade » de N.A. Rimsky-Korsakov). Il existe des suites composées de musiques d'opéras, de ballets, ainsi que de musiques pour productions théâtrales.

Ouverture(ouverture française, du latin apertura - ouverture, début), introduction orchestrale à un opéra, un ballet, une représentation dramatique, etc. (souvent sous forme de sonate), ainsi qu'une musique indépendante pièce orchestrale, généralement de nature programmatique.

Poème symphonique - genre de musique à programme symphonique. Une œuvre orchestrale en un seul mouvement, conforme à l'idée romantique d'une synthèse des arts, permettant une variété de sources de programmation (littérature, peinture, moins souvent philosophie ou histoire). Le créateur du genre est F. Liszt.

Musique du programme- des œuvres musicales que le compositeur a dotées d'un programme verbal qui concrétise la perception. De nombreux essais programmatiques sont associés à des intrigues et à des images d'œuvres littéraires exceptionnelles.

Installations expressivité musicale

Genres musicaux :

Genre(traduit du français - genre, type, manière) - un type d'art avec certains, historiquement

caractéristiques établies.

1. genre vocal-choral– il comprend des œuvres créées pour la performance

cantate, oratorio, messe, etc.

1. genre instrumental– il comprend des œuvres créées pour être interprétées sur divers instruments de musique : une pièce de théâtre, un cycle instrumental - suite, sonate, concert, ensemble instrumental (trio, quatuor, quintette), etc.
2. genre de théâtre musical- il comprend les œuvres créées pour être jouées au théâtre : opéra, opérette, ballet, musique pour représentations dramatiques.
3. genre symphonique- il comprend des œuvres écrites pour un orchestre symphonique : pièce symphonique, suite, ouverture, symphonie, etc.

Éléments du discours musical :

1. Mélodie(en traduction du grec - chanson) - une pensée musicale exprimée de manière monophonique.

Types de mélodies :

Cantilena (chant) - une mélodie mélodieuse et tranquille

Une mélodie vocale est une mélodie créée pour être interprétée par la voix.

Une mélodie instrumentale est une mélodie créée pour être jouée sur un instrument de musique.

2. Garçon(en traduction du slave - harmonie, harmonie, ordre, paix) - interconnexion

les sons musicaux, leur cohérence et leur consistance. De nombreux modes

Les majeurs et les mineurs sont les plus utilisés.

1. Harmonie(traduit du grec - proportionnalité, connexion) - combiner les sons en consonances et leurs

relation. (Une autre signification du mot harmonie est la science des accords).

1. Mètre(traduit du grec - mesure) – continu et alternance uniforme actions fortes et faibles. Taille – désignation numérique du compteur.

Compteurs de base : bipartite (polka, galop, écosaise),

à trois temps (polonaise, menuet, mazurka, valse), à ​​quatre temps (marche, gavotte).

1. Rythme(en traduction du grec - proportionnalité) - alternance de durées, de sons et de pauses.

Types de rythme :

Doux – changements de durées peu fréquents avec une prédominance des mêmes.

Pointillé (en traduction du latin - point) - un groupe de deux sons, dont l'un est trois fois plus court que l'autre (un huitième avec un point et un seizième).

La syncope (en traduction du grec - omission, réduction) est un écart entre les accents rythmiques et dynamiques et ceux métriques. (décalage du battement fort vers le battement faible).

Ostinato (traduit de l'italien - têtu, têtu) - répété plusieurs fois

tournure rythmique ou mélodique.

6. Gamme(en traduction du grec - à travers tout) - la distance du plus bas au plus haut

son que peut produire un instrument ou une voix.

1. Registre– partie de la gamme sonore d’un instrument de musique ou d’une voix contenant

des sons de couleur similaire (on distingue les registres supérieur, moyen et inférieur).

1. Dynamique- la force du son, son volume. Nuances dynamiques - des conditions spéciales,

déterminer le niveau de volume d'un morceau de musique.

1. Rythme(en traduction du latin - temps) - la vitesse de déplacement de la musique. Dans les œuvres musicales

le tempo est indiqué par des termes spéciaux.

1. Trappe(en traduction de l'italien - direction, trait) - une méthode pour produire du son en chantant ou en jouant d'instruments de musique.

Touches de base :

Legato - cohérent, fluide

Staccato – brusque, tranchant

Non legato – séparer chaque son

1. Texture(en traduction du latin - traitement, dispositif) - le tissu musical de l'œuvre,

façon de présenter la musique. Éléments de textures : mélodie, accords, basse, voix moyennes,

Principaux types de textures :

Monodie (en traduction du grec - la chanson d'un chanteur) - monophonie ou une mélodique

Texture polyphonique (en traduction du grec - beaucoup de sons) - elle contient du tissu musical

consiste en une combinaison de plusieurs voix mélodiques. Chaque voix

mélodie indépendante.

Texture homophonique-harmonique ou homophonie (traduit du grec - leader principal

son) - il distingue clairement la voix principale - la mélodie et les voix restantes

accompagner.

types d'accompagnement :

accord, basse – accord, figurations harmoniques.

La texture d'accord est une séquence d'accords dans laquelle la voix supérieure

représente une mélodie.

1. Timbre(traduit du français - marque, signe distinctif) - une coloration particulière du son d'une comédie musicale

octaves. Interprètes : Tamara Milashkina, Galina Vishnevskaya, Montserrat Caballe et autres.

Variété soprano - Soprano colorature.

Colorature(traduit de l'italien - décoration) - passages virtuoses rapides et mélismes,

servant à agrémenter la partie vocale solo.

Mezzo-soprano - une voix féminine moyenne avec une gamme de "A" d'une petite octave - "A"

(« Si bémol ») de la deuxième octave. Interprètes : Nadezhda Obukhova, Irina Arkhipova,

Elena Obraztsova et autres.

Contralto est la voix féminine la plus grave avec la gamme « F » de la petite octave - « F »

deuxième octave. Interprètes : Tamara Sinyavskaya et autres.

Interprètes : Leonid Sobinov, Sergey Lemeshev, Ivan Kozlovsky, Vadim Kozin, Enrico

Caruso, Placido Domingo, Luciano Pavarotti, José Careras et autres.

octaves. Interprètes : Yuri Gulyaev, Dmitry Hvorostovsky, Tita Ruffo et autres.

Interprètes : Fiodor Chaliapine, Boris Shtokolov, Evgeny Nesterenko et autres.

Musique vocale

Œuvres vocales peut être interprété avec ou sans accompagnement sur des instruments de musique - a cappella.

La musique vocale peut être interprétée :

Solo – par un chanteur

Ensemble vocal – duo (2), trio (3), quatuor (4), etc.

En chœur - grande composition artistes de 15 personnes ou plus.

Chœurs

les chœurs peuvent varier dans la composition des interprètes :

Pour des hommes

aux femmes

Enfants

Mixte

les chœurs peuvent être différents dans leur manière de jouer :

Académique – performant musique classique et œuvres contemporaines chantées

"couvert" d'un son "arrondi".

Folk - chanter d'une manière particulière avec un son « ouvert ».

Genre musique vocale

Chanson – le genre de musique vocale le plus répandu.

Les chants folkloriques sont nés et ont vécu parmi le peuple. Non écrits par personne, ils ont été transmis oralement de génération en génération. L'interprète était en même temps un créateur : il apportait quelque chose de nouveau à chaque chanson. Les types de chansons folkloriques les plus célèbres sont berceuses, chansons ludiques pour enfants, blagues, chansons de danse, chansons comiques, danses en rond, jeux, chansons de travail, chansons rituelles, chansons historiques, chansons épiques, chansons lyriques.

Le chant de masse en tant que genre a commencé à se développer dans les années 20 du 20e siècle. Les chansons populaires sont proches des chansons folkloriques car tout le monde les aime et les connaît ; elles sont souvent chantées à leur manière, en changeant légèrement la mélodie et sans connaître le nom du poète et du compositeur. Étapes d'élaboration des chants de masse : chants de la guerre civile, chants des années 30, chants de la Seconde Guerre mondiale, etc.

Les chansons pop se sont répandues dans la seconde moitié du XXe siècle. Ils sont exécutés avec

les artistes de variétés sont des professionnels.

Les chansons d'auteur (bardiques) ont acquis la plus grande popularité dans les années 60 du 20e siècle. Dans la chanson originale, le poète, le compositeur et l’interprète sont présentés en une seule personne. Ses représentants les plus éminents sont Vladimir Vysotsky, Bulat Okudzhava, Alexander Rosembaum, Segey Nikitin et d'autres.

Romance - pièce vocale pour voix avec accompagnement.

Les romans sont apparus en Espagne, d'où ils se sont répandus dans toute l'Europe. Ils sont arrivés en Russie au XIXe siècle en provenance de France et n'ont d'abord été joués que sur Français. Les œuvres vocales avec texte russe étaient appelées « chansons russes ».

Au fil du temps, le sens du mot « romance » s'est élargi. Une romance a commencé à être appelée une pièce pour voix avec accompagnement, écrite sous une forme plus complexe qu'une chanson. Dans les chansons, les mélodies du couplet et du refrain sont répétées, reflétant le contenu général du texte. Dans une romance, la mélodie, changeante, suit le mot avec souplesse. Un rôle énorme est donné à l'accompagnement (le plus souvent la partie piano)

Cantate et oratorio.

Le genre oratorio trouve son origine dans l'église. A Rome, à la fin du XVIe siècle, lorsque les croyants catholiques commencèrent à se rassembler dans des salles spéciales de l'église - les oratorios - pour lire et interpréter la Bible. Leurs sermons étaient toujours accompagnés de musique. C'est ainsi que sont nées des œuvres spéciales sur histoires bibliques pour solistes, chœur et ensemble instrumental - oratorio. Au XVIIIe siècle apparaissent les oratorios profanes, c'est-à-dire destiné à des concerts. Leur premier créateur est G. F. Handel. Il est important de rappeler que, contrairement à un opéra, il n’y a pas d’action théâtrale dans un oratorio.

Au XVIIe siècle apparaît un genre proche de l'oratorio - la cantate - pièce de concert-vocal à caractère lyrique, félicitant ou accueillant, composée d'airs et de récitatifs. Interprété par des solistes ou un chœur accompagné d'un orchestre. (différence avec l'oratorio – manque d'intrigue)

J. S. Bach a écrit de nombreuses cantates merveilleuses.

Actuellement, la distinction entre oratorio et cantate s’estompe :

Il s'agit désormais de grandes œuvres vocales et symphoniques en plusieurs parties dont les thèmes principaux sont : la glorification de la Patrie, les images de héros, le passé héroïque du peuple, la lutte pour la paix, etc.

Aria - le numéro solo le plus marquant de l'opéra.

Il s'agit d'un monologue vocal dans lequel le héros est caractérisé et représenté de la manière la plus complète et la plus complète. portrait musical. Dans l’opéra classique, l’air a une forme plus complexe que la chanson.

Les variétés d'aria comprennent : arioso, arietta, cavatina.

Avant les airs d’opéra, il y a généralement un récitatif.

Récitatif - un type de musique vocale basée sur les intonations de la parole.

Elle se construit librement, se rapprochant de la parole.

Masse - travail en plusieurs parties musique d'église pour chœur, solistes avec instrument

accompagnement

La messe est un souvenir de la souffrance, mort sur la croix et la résurrection du Christ. Le sacrement chrétien d'action de grâce a lieu et le pain et le vin se transforment en corps et en sang du Christ.

La messe comprend les chants obligatoires :

· Kirie Eleison – Seigneur, aie pitié

· Gloria – gloire à Dieu au plus haut des cieux

· Credo – je crois

· Sanctus – saint

· Benedictus – bienheureux

· Agnus Dei - Agneau de Dieu (un rappel de la tradition de l'abattage d'un agneau en sacrifice, car le Christ s'est aussi sacrifié)

Combinés ensemble, ces chants montrent simultanément l'image de Dieu et parlent des sentiments qu'une personne éprouve devant Dieu.

Musique instrumentale

Ensemble instrumental

(Ensemble - ensemble, selon)

Fourchette - un instrument en forme de fourchette à deux dents qui fait sonner « la ».

Inventé en 1711 par John Shore.

À l’aide d’un diapason, tous les musiciens accordent leurs instruments pour jouer ensemble.

Ensembles de chambre (du mot latin chambre - c'est-à-dire salle) - petits types d'ensembles stables, où les instruments s'équilibrent bien en sonorité.

Le plus courant ensembles de chambre sont:

Quatuor à cordes - composé de 2 violons, alto et violoncelle

Trio à cordes - composé de violon, alto et violoncelle

Trio avec piano - composé de violon, violoncelle et piano

Il existe des ensembles composés uniquement de violonistes ou uniquement de harpes, etc.

Types d'orchestres

Orchestre – un groupe de musiciens jouant ensemble de la musique instrumentale.

Conducteur - directeur de l'orchestre.

Au fil des années, les méthodes de direction ont changé à plusieurs reprises :

les chefs d'orchestre étaient derrière la scène, devant l'orchestre, derrière l'orchestre, au milieu de l'orchestre. Pendant le jeu, ils se sont assis et ont marché. Ils dirigeaient en silence, chantaient, criaient à tue-tête et jouaient d'un des instruments.

Ils dirigeaient avec une énorme matraque ; un rouleau de papier roulé en tube ; coups de pied, chaussés de sandales dont les semelles étaient recouvertes de fer ; arc; bâton de chef d'orchestre - trampoline.

Auparavant, les chefs d’orchestre tournaient le dos à l’orchestre. Compositeur allemand Richard Wagner au XIXe siècle. rompit cette tradition et se tourna vers l'orchestre.

Score – une notation musicale d’une œuvre musicale polyphonique dans laquelle des parties d’instruments individuels sont combinées

Orchestre symphonique:

La naissance des premiers orchestres est associée à l'émergence de l'opéra aux XVIe et XVIIe siècles. Un groupe de musiciens était placé séparément sur une petite zone spéciale devant la scène, appelée « orchestre ». L'ensemble des instruments des premiers orchestres était incohérent : violes (prédécesseurs du violon et du violoncelle), 2-3 violons, plusieurs lutens, trompettes, flûtes, clavecin. En même temps, tous ces instruments ne sonnaient que dans la pièce d'introduction, qui à l'époque s'appelait une « symphonie ». Jusqu’au XVIIIe siècle, les compositeurs recherchaient la meilleure combinaison d’instruments dans un orchestre.

Les classiques viennois - J. Haydn et W. A. ​​​​Mozart - ont déterminé la composition de l'orchestre symphonique classique.

Un orchestre symphonique moderne compte jusqu'à 100 musiciens.

Quatre groupes principaux de l'orchestre symphonique

Parfois l'orchestre comprend : harpe, orgue, piano, célesta (en traduction de l'italien, céleste - un instrument à clavier à percussion rappelant un petit piano. Timbre - délicat, cristallin)

Fanfare

Principalement entendu sur les scènes situées sur en plein air, accompagne les processions et les marches. Sa sonorité est particulièrement puissante et lumineuse. Les principaux instruments d'une fanfare sont les cuivres : clarinettes, trompettes, cors. Il y a aussi des bois : flûtes, clarinettes, et dans les grands orchestres il y a aussi des hautbois et des bassons, ainsi que des instruments à percussion - tambours, timbales, cymbales. Il existe des œuvres écrites spécifiquement pour une fanfare, mais des œuvres symphoniques orchestrées pour une fanfare sont souvent interprétées.

Orchestre de variétés

Le plus diversifié dans la composition des instruments et des tailles - du grand, semblable à une symphonie, au très petit, ressemblant davantage à un ensemble. Les orchestres pop présentent souvent des ukulélés, des saxophones et bien d'autres instruments à percussion. L'orchestre pop interprète : de la musique de danse, divers types de chansons, des œuvres musicales à caractère divertissant, des œuvres classiques populaires au contenu simple.

Les orchestres pop dirigés par O. Lundstrem, P. Moria, B. Goodman et d'autres sont célèbres.

Orchestre d'instruments folkloriques

Leurs compositions sont différentes, car Chaque nation dispose de ses propres instruments nationaux. En Russie, l'orchestre d'instruments folkloriques comprend

Instruments à cordes : domras, balalaïkas, gusli,

Laiton – tuyaux, tuyaux, cornes, buses, flûtes

Bayans, harmonicas

Grand groupe d'instruments à percussion

Le premier orchestre professionnel d'instruments folkloriques a été créé en 1888 sous la direction du célèbre musicien V.V. Andreev.

Jazz - orchestres

Contrairement à un orchestre symphonique, un orchestre de jazz ne dispose pas d’une composition permanente d’instruments. Le jazz est toujours un ensemble de solistes. Les orchestres de jazz comprennent du piano, des saxaphones, des banjos et des guitares. Des cordes telles que des archets, des trombones, des trompettes et des clarinettes peuvent être incluses. Le groupe d'instruments à percussion est très vaste et diversifié.

Les principales caractéristiques du jazz sont l'improvisation (la capacité des solistes à composer de la musique directement pendant la représentation) ; liberté rythmique.

Les premiers orchestres de jazz sont apparus en Amérique - le maître du jazz le plus célèbre : Louis Armstrong.

En Russie, le premier orchestre de jazz a été créé par Leonid Utesov.

Structure œuvres musicales. Forme musicale. Thème musical.

Sujet (en traduction du grec - quelle est la base) - l'idée musicale principale de l'œuvre. Une œuvre peut avoir un ou plusieurs thèmes (généralement contrastés).

Leitmotiv (en traduction avec l'allemand – motif directeur) – phrase ou tout le sujet, à plusieurs reprises

répété dans l'œuvre.

Répétition - une telle présentation d'un sujet dans lequel il est répété plusieurs fois sans modifications ou avec des modifications mineures.

Séquence – répétition répétée du thème sans changements à différentes hauteurs.

Variation – répétition répétée du sujet avec des changements significatifs.

Élaboration motivationnelle (développement) – isoler les éléments lumineux (motifs) du thème et leurs

séquentiel, registre, timbre, développement tonal.

Forme musicale

Formulaire (en traduction du latin - image, contour) - la construction d'une œuvre musicale, la relation de ses parties.

Éléments de forme musicale : motif, phrase, phrase.

Le motif (traduit de l'italien par « fondation ») est le plus petit élément d'une forme musicale. En règle générale, un motif contient un accent et équivaut à une mesure.

Une phrase (traduite du grec par expression) est un élément d'une forme musicale qui contient deux ou

plusieurs motifs. Le volume d'une phrase est de deux à quatre mesures. Parfois, les phrases ne sont pas divisées en motifs.

Une phrase est un élément relativement complet de forme musicale, constitué de plusieurs phrases. La longueur de la phrase est de quatre à huit mesures. Il y a des phrases qui ne peuvent pas être divisées en phrases.

Période- le plus simple forme musicale, qui contient un complet ou relativement

une pensée complète. Un point se compose de deux (moins souvent trois) phrases. Volume de la période

de huit à seize mesures. Il y a des périodes :

Construction répétée (lorsque la deuxième phrase répète la première littéralement ou avec

petits changements. Schéma : a + a ou a + a 1)

Structure non répétitive (lorsque la deuxième phrase ne répète pas la première. Schéma : a + b)

Il existe des formes simples et complexes :

Simple - appelé une forme dans laquelle chaque partie ne dépasse pas une période.

Complexe - appelé forme dans laquelle au moins une partie est supérieure au point.

N'importe lequel des formulaires peut recevoir une introduction et une conclusion (coda).

Formulaire simple en deux parties

Une forme musicale composée de deux parties, chacune ne dépassant pas une période

Variétés :

Représailles - où la deuxième phrase de la deuxième partie répète l'une des phrases de la première partie

Par exemple:

Tchaïkovski « Vieille chanson française » Schéma : AB

une + une 1 b + une 2

Non reconnu - composé de deux différentes périodes. Par exemple:

Tchaïkovski "Le joueur d'orgue chante" Schéma : AB

a + b c + c 1

Formulaire simple en trois parties

Forme musicale composée de trois parties dont chacune ne dépasse pas une période.

Variétés :

Représailles - où la troisième partie est une répétition de la première partie littéralement ou avec un mineur

changements. Par exemple:

Schéma de la « Marche des soldats de bois » de Tchaïkovski : A B A

une + une 1 b + b 1 une 2 + une 3

Non-reprise - dans laquelle la troisième partie n'est pas une reprise de la première partie. Par exemple:

Tchaïkovski "Chanson napolitaine". Schéma : A B C

une + une 1 b + b c + c 1

Formulaire complexe en trois parties

Une forme de représailles en trois parties, dans laquelle les parties extérieures sont une forme simple en deux ou trois parties, et la partie centrale contraste avec les parties extérieures et représente n'importe quelle forme simple.

Par exemple : Tchaïkovski « Valse ». Schème:

une + une 1 b + b 1 c + c 1 une + une 1 b + b 1

(simple en deux parties) (point) (simple en deux parties)

Forme Rondo

Rondo (traduit du français – cercle, danse en rond) – une forme musicale dans laquelle le thème principal est répété

au moins trois fois, en alternance avec d'autres sujets - épisodes.

Le sujet principal s'appelle s'abstenir (traduit du français - refrain).

Les refrains et les épisodes peuvent être présentés sous n'importe quelle forme simple.

Schéma : A B A C A

Forme de variations

Forme de variations – une forme musicale dans laquelle un thème est présenté de manière répétée avec des changements.

Une répétition modifiée d'un thème est appelée variation (en traduction du latin - changement,

diversité).

Dans les variations, tous les éléments du discours musical peuvent changer.

Le nombre de variantes varie de deux à plusieurs dizaines.

Le sujet peut être rédigé sous n’importe quelle forme simple. Mais le plus souvent - en simple deux parties.

Schéma : A A 1 A 2 A 3 A 4, etc.

Sujet 1 var. 2var. 3var. 4var.

Forme sonate

Forme sonate – une forme musicale basée sur la juxtaposition du développement de deux thèmes, généralement

contrastant.

La forme sonate se compose de trois sections.

Section 1 – exposé (en traduction du latin - show) - le début de l'action.

L'exposition présente deux thèmes principaux - maison Et Côté .

maison le thème sonne dans la tonalité principale et principale de l'œuvre, et Côté Le thème est dans une tonalité différente.

maison Et Côté les sujets se connectent Classeur sujet.

Termine l'exposition Final sujet.

Section 2 – développement – centre dramatique de la forme sonate ;

comparaison, collision et développement des thèmes présentés dans l'exposition. Le développement est caractérisé par de fréquents changements de tonalité. La principale méthode de développement de thèmes est le développement motivique.

Section 3 – reprise - dénouement de l'action.

Réalisation du matériel d'exposition dans la tonalité principale.

Reprise du développement de l'exposition

Gl.t. Sviaz.t. Pob.t. Zakl.t. Gl.t. Sviaz.t. Pob.t. Zakl.t.

T------------- D, VI, III T T

Formes cycliques

Faire du vélo - dans la ruelle du grec - cercle.

Formes cycliques - des formes musicales constituées de plusieurs indépendantes

parties contrastées unies par un seul concept.

Les formes cycliques les plus importantes sont la suite et le cycle sonate.

Suite.

Suite Ancienne (XVIe - XVIIIe siècles) - un cycle de diverses danses anciennes écrites en un seul

tonalité.

Principales danses de la suite antique :

Modéré alémande (quadruple allemand)

Vivant carillon (trilobé français)

Lent sarabande (espagnol trilobé)

Rapide giga (tripartite anglais)

Parfois, l'ancienne suite comprenait un menuet, une gavotte, une bure et d'autres danses, ainsi que des pièces non dansantes - prélude, fugue, air, rondo.

Exemples de suites anciennes dans les œuvres de G. Handel, J. S. Bach, F. Couperin, J. Lully, J. Rameau.

Nouvelle Suite (XIXe – XXe siècles) – un cycle de pièces très contrastées écrites dans des tonalités différentes.

La nouvelle suite est dominée par des pièces non dansantes.

Exemples de la nouvelle suite :

P.I. Tchaïkovski « Saisons » ;

M.P. Moussorgski « Tableaux d'une exposition » ;

E. Grieg « Peer Gynt » ;

N.A. Rimski - Korsakov « Shéhérazade » ;

K. Sen – Sans « Carnaval des animaux ».

Cycle de sonates- une forme musicale dans laquelle au moins un mouvement est écrit sous forme sonate.

Un cycle de sonates pour un ou deux interprètes solistes s'appelle - sonate;

pour trois interprètes – trio;

pour quatre interprètes – quatuor;

pour cinq interprètes – quintette.

Un cycle de sonates écrit pour un orchestre symphonique s'appelle - symphonie;

pour instrument soliste et orchestre – concert.

Cycles en trois parties – sonate, concerto.

Cycles en quatre parties - symphonie, quatuor, quintette.

Formes polyphoniques

Polyphonie(Grec poly - plusieurs, téléphone - voix, son) - un type de polyphonie apparu bien avant l'homophonie et qui s'est répandu aux XVIe et XVIIe siècles. Ici, toutes les voix mènent leurs propres mélodies indépendantes, tout aussi importantes et tout aussi expressives.
L'art polyphonique a ses propres genres particuliers : passacaille, chaconne, invention et canon . Toutes ces pièces utilisent la technique de l'imitation.

Imitation signifie « imitation », c'est-à-dire répéter une mélodie avec une voix différente.

Par exemple, Canon basé sur une imitation stricte et continue de la même mélodie dans toutes les voix. Les voix répètent la mélodie de la voix principale, entrant avant que cette mélodie ne se termine par la précédente.
Le summum de l'art polyphonique est la fugue . Cette forme de polyphonie a atteint son apogée dans l’œuvre de Jean-Sébastien Bach.
Mot "Fugue" vient du latin « courir ». Une fugue est composée selon des lois particulières et très strictes. En règle générale, une fugue est basée sur une comédie musicale sujet - brillant, bien mémorisé. Ce thème résonne de manière cohérente dans différentes voix. Selon le nombre de voix, une fugue peut être à deux voix, à trois voix, à quatre voix, etc.
Selon sa structure, la fugue est divisée en trois parties :

La première est une exposition, où le sujet est abordé à travers toutes les voix. Chaque fois qu'un thème est interprété, il est accompagné d'une mélodie d'une voix différente, appelée anti-addition . Il y a des sections dans une fugue où il n'y a pas de thème, ce sont - des spectacles, ils sont situés entre les sujets.
La deuxième partie de la fugue est appelée développement, où le thème subit un développement, passant alternativement par différentes voix.
La troisième section est une reprise, ici les thèmes sont dans la tonalité principale. En reprise, la technique est souvent utilisée pour accélérer le développement musical. strette. Il s’agit d’une imitation où chaque itération suivante du thème commence avant de se terminer par une voix différente.
La reprise est complétée par une coda, résumant le développement de la fugue.
Il existe des fugues dans la littérature musicale écrites sur non pas un, mais deux, voire trois thèmes. Ensuite, ils sont appelés respectivement double et triple. Très souvent, une fugue est précédée d'un court morceau - une fantaisie, une variation ou un choral. Mais les cycles « Prélude et Fugue » étaient particulièrement populaires. EST. Bach a écrit 48 préludes et fugues et les a compilés en deux volumes intitulés Le Clavier bien tempéré.

Invention

Le mot invention en latin signifie « invention ». En fait, l'invention est le thème de l'invention - une courte mélodie expressive. De plus, la structure de l'invention n'est presque pas différente de la structure de la fugue, seulement tout est beaucoup plus simple et plus accessible aux musiciens débutants.

Sujet - une courte phrase musicale expressive, passant tour à tour à toutes les voix.

Contre-addition – une mélodie d’une voix différente qui accompagne le thème.

Spectacles - situé entre les sujets.

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Légendes des diapositives :

Jeu "Devinez instrument de musique» Devoir : Nommez les instruments qui interprètent les thèmes des héros du conte de fées de S.S. Prokofiev « Pierre et le loup ».

Hautbois Quel instrument joue le thème des Oiseaux ? Flûte

Quel instrument joue le thème du grand-père ? Basson Hautbois

Flûte Quel instrument joue le thème du Chat ? Clarinette

Flûte Quel instrument joue le thème du Canard ? Hautbois

Cordes frottées Quels instruments interprètent le thème de Petit ? Bois

Je vous invite au conte de fées "Pierre et le loup"

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Légendes des diapositives :

« Un conte de fées traverse la forêt » Mus. V. Pchenichnikova

Un conte de fées se promène dans la forêt, Conduit un conte de fées par la main, Un conte de fées sort d'une rivière, D'un tramway, d'un portail.

De quel genre de danse en rond s'agit-il ? C'est une danse en rond de conte de fées ! Le conte de fées est intelligent et charmant, vit à côté de nous.

Pour que, pour que le Bien et le Mal gagne à nouveau. Pour que le Bien convainque le Mal de devenir bien.

Et derrière moi et derrière toi les contes de fées courent en foule. Contes de fées adorés Plus doux que n'importe quelle baie.

Dans un conte de fées, le soleil brûle, la justice y règne. Le conte de fées est astucieux et charmant, le chemin lui est ouvert partout !

Pour que, pour que le Bien et le Mal gagne à nouveau. Pour que le Bien convainque le Mal de devenir bien.

Pour que, pour que le Bien et le Mal gagne à nouveau. Pour que le Bien convainque le Mal de devenir bien.

Pour que, pour que le Bien et le Mal gagne à nouveau. Pour que le Bien convainque le Mal de devenir bien.

Pour que, pour que le Bien et le Mal gagne à nouveau. Pour que le Bien convainque le Mal de devenir bien.

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Légendes des diapositives :

« Instruments d'un orchestre symphonique dans le conte de fées « Pierre et le loup » de S. Prokofiev Réponses aux tests :

Cordes frottées Percussion à vent n°1 : Quels instruments interprètent le thème de Petit ? Tâche n°2 :

Détrompez-vous ! Détrompez-vous !

Droite! Cordes frottées

Tâche n°3 : Flûte Hautbois Clarinette Quel instrument joue le thème du Chat ? N°2 :

Ne te presse pas!

Droite! CLARINETTE

Tâche n°4 : Flûte Clarinette Hautbois Quel instrument joue le thème de l'oiseau ? N ° 3:

Détrompez-vous !

FLÛTE Correct !

Tâche n°5 : Clarinette Basson Quel instrument joue le thème du Grand-Père ? N°4 : Flûte

Détrompez-vous !

Droite! BASSON

Quel instrument joue le thème Ducky ? Clarinette Hautbois n°5 : Flûte

Ah non non non ! Ne te presse pas!

HAUTBOIS Exactement !

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Carte technologique du modèle de cours selon le programme"Art. Musique" (T.I. Naumenko, V.V. Aleev)

Professeur de musique du MBU « Gymnase n° 39 » Malova Daria Anatolyevna

Sujet: "L'image de la Grande Guerre Patriotique dans la Septième Symphonie de D. Chostakovitch."

Type de cours : leçon de découverte de nouvelles connaissances

Classe 7

Le but de la leçon : Nourrir une partie de la culture spirituelle générale des étudiants à travers l'art de la musique, ainsi que le développement du patriotisme dans l'esprit des écoliers

Objectifs de la leçon:

1) Éducatif : se forger une conception de la musique de Chostakovitch comme une musique correspondant à l’air du temps ;donner une idée du genre d'une symphonie en utilisant l'exemple de la 7ème symphonie de D. Chostakovitch

2) Développement : développer les compétences de perception émotionnellement consciente de la musique symphonique, la capacité d'analyser une œuvre musicale, réaliser le lien inextricable entre l'activité de composition et événements historiques, contrôlez vos activités d’apprentissage.

3) Éducatif : cultiver le respect, la fierté et un sentiment de gratitude envers le peuple russe, en particulier envers la génération qui a survécu au siège de Leningrad.

Concepts de base:symphonie, climax, moyens d'expression (nuances dynamiques, tempo, instruments, timbre...)

Formes d'organisation de l'activité cognitive :frontale, hammam, indépendante

Équipement: Manuel méthodologique, informations historiques, extraits de la biographie de D. Chostakovitch, compilés par l'enseignant, fiches avec tâches pour les groupes. écran, projecteur, fragments vidéo de la vie de Leningrad assiégée, centre musical, enregistrements de fragments de la 7e symphonie de D. Chostakovitch, extraits audio de chants de guerre, photographie du monument « L'Anneau brisé » (A3), présentation, feuilles de laurier pour un couronne.

Pendant les cours :

Étape de la leçon	Activités des enseignants	Activités étudiantes	Résultats prévus de l'UUD
I. Org. moment Déterminer le sujet de la leçon Fixer des objectifs de cours	Discours d'ouverture du professeur humeur émotionnelle pour un travail créatif actif. Le professeur met problème problématique, auquel les élèves pourront répondre à la fin du cours.	Écoute, prépare-toi à recevoir Ils composent la phrase « Les muses se taisent quand les armes rugissent » à partir de mots individuels et discutent du signe (., ?, ... ou !) qui doit être mis à la fin. Déterminez le sujet de la leçon et les objectifs.	Préparation organisationnelle et psychologique à la leçon. La capacité de raisonner, d’écouter les opinions des autres et de se fixer des objectifs. Ula capacité d'exprimer vos pensées oralement ;la capacité d'écouter et de comprendre le discours des autres.
II. Actualiser les connaissances, les introduire dans le contexte de nouvelles connaissances	Mene une conversation frontale pour découvrir ce que les enfants ont appris sur la vie à Léningrad pendant le siège, les informations biographiques et musicologiques nécessaires à l'étude du sujet. S'adressant tour à tour aux critiques d'art, aux historiens et aux biographes, l'enseignant découvre avec les élèves le nouveau concept de « symphonie », les circonstances de l'écriture par D. Chostakovitch de la 7e symphonie et ses caractéristiques.	Ils étudient le texte proposé, répartis en 3 groupes : historiens, biographes et musicologues. Participez à la conversation générale en répondant aux questions posées par l'enseignant. Participer à la conversation en s'appuyant sur ses connaissances et le texte proposé.	Capacité à naviguer dans le texte, à rechercher les informations nécessaires,formuler des réponses aux questions; compétence naviguez dans votre système de connaissances :trouver des réponses aux questions en utilisant votre expérience de vie et vos informations,reçu en classe. planifiez votre action en fonction de la tâche et des conditions de sa mise en œuvre.
Découverte de quelque chose de nouveau.	Met en place la perception de fragments musicaux, citant les poèmes de I. Sachkov sur les conditions dans lesquelles la 7e symphonie a été interprétée à Leningrad assiégée. Propose de travailler avec une liste d'images musicales. Organise une conversation frontale, au cours de laquelle est réalisée une analyse de fragments musicaux (l'image musicale et les moyens d'expression avec lesquels l'auteur crée cette image) Aide les élèves à tirer une conclusion sur l'importance de la 7e symphonie de D. Chostakovitch non seulement pour les habitants de Léningrad assiégée, mais aussi pour leurs descendants. Organise la pose couronne de laurier au monument « Anneau Brisé » (photo A3) Organise l'interprétation d'un couplet de la chanson « Saluons ces belles années »	Écoutez des fragments de la symphonie. En discutant en binôme, dressez une liste de mots qui caractérisent le premier et le deuxième fragments. En participant à une conversation, ils déterminent ensemble les caractéristiques image musicale les premier et deuxième fragments, les analyser du point de vue des moyens d'expressivité musicale, déterminer à quelle partie de la symphonie appartiennent les fragments. Ils concluent que la 7ème symphonie est nécessaire pour renforcer l'esprit des habitants de Leningrad assiégé, Ils réfléchissent à leur attitude envers ces personnes. Ils écrivent sur des feuilles de laurier et lisent un court message aux habitants de Léningrad. Ils déposent une couronne de ces feuilles de laurier devant le monument de « l’Anneau Brisé » Interprétez 1 couplet de la chanson « Saluons ces grandes années » devant le monument « Broken Ring »	Capacité à percevoir la musique et Communicatif:permettre aux personnes d'avoir des points de vue différents, y compris ceux qui ne coïncident pas avec le sien, et se concentrer sur la position du partenaire dans la communication et l'interaction ; prendre en compte les différentes opinions et intérêts et justifier votre propre position.
Résumer. Réflexion.	Propose de compiler et de noter dans un cahier une définition de la notion de « symphonie » Ramène les élèves au problème posé au début du cours et propose de le résoudre. Qu’est-ce qui nous a aidé à résoudre notre problème ?	Composez et notez le concept de « symphonie » dans un cahier. Ils déterminent quelle doit être la phrase pour que nous puissions l'accepter (« Quand les canons rugissent, les muses ne se taisent pas ! », « Quand les muses rugissent, les canons se taisent ! », etc.)
Devoirs.	Je vous propose de découvrir chez vous quelles autres œuvres ont été écrites pendant la guerre : contes, poèmes, chansons. Et parlez-en en classe.	Écrire devoirs et un journal.

I. Musique de scène

1. Opéras

"Maddalena", opéra en un acte, op. 13. Intrigue et livret de M. Lieven. 1913 (1911) "Joueur", opéra en 4 actes, 6 scènes, op. 24. Terrain de F. Dostoïevski. Livret de S. Prokofiev. 1927 (1915-16) "L'amour des trois oranges", opéra en 4 actes, 10 scènes avec prologue, op. 33. Livret de l'auteur d'après Carlo Gozzi. 1919 "Ange de Feu", opéra en 5 actes, 7 scènes, op. 37. Histoire de V. Bryusov. Livret de S. Prokofiev. 1919-27 "Semyon Kotko", opéra en 5 actes, 7 scènes d'après le récit de V. Kataev « Je suis le fils des travailleurs », op. 81. Livret de V. Kataev et S. Prokofiev. 1939 "Fiançailles dans un monastère", opéra lyrique-comique en 4 actes, 9 scènes d'après la pièce de Sheridan « Duenna », op. 86. Livret de S. Prokofiev, textes poétiques de M. Mendelssohn. 1940 "Guerre et Paix ", opéra en 5 actes, 13 scènes avec une épigraphe-prologue chorale d'après le roman de L. Tolstoï, op. 91. Livret de S. Prokofiev et M. Mendelssohn. 1941-52 "L'histoire d'un vrai homme", opéra en 4 actes, 10 scènes d'après le conte du même nom de B. Polevoy, op. 117. Livret de S. Prokofiev et M. Mendelson-Prokofieva. 1947-48 "Mers lointaines", opéra lyrique-comique d'après la pièce de V. Dykhovichny " Voyage de noces" Livret de S. Prokofiev et M. Mendelson-Prokofieva. Pas terminé. 1948

2. Ballets

"L'histoire d'un bouffon (sept bouffons jouant une blague)", ballet en 6 tableaux, op. 21. Histoire de A. Afanasyev. Livret de S. Prokofiev. 1920 (1915) "Le saut d'acier", ballet en 2 tableaux, op. 41. Livret de G. Yakulov et S. Prokofiev. 1924 "Fils prodigue", ballet en 3 actes, op. 46. ​​​​​​Livret de B. Kokhno. 1928 "Sur le Dniepr", ballet en 2 scènes, op. 50. Livret de S. Lifar et S. Prokofiev. 1930 "Roméo et Juliette ", ballet en 4 actes, 10 scènes, op. 64. Intrigue de W. Shakespeare. Livret de S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky et S. Prokofiev. 1935-36 "Cendrillon", ballet en 3 actes, op. 87. Livret de N. Volkov. 1940-44 "Le conte de la fleur de pierre", ballet en 4 actes d'après les contes de P. Bazhov, op. 118. Livret de L. Lavrovsky et M. Mendelson-Prokofieva. 1948-50

3. Musique pour les productions théâtrales

"Nuits égyptiennes", musique pour la représentation du Théâtre de Chambre de Moscou d'après W. Shakespeare, B. Shaw et A. Pouchkine, pour petit orchestre symphonique. 1933 "Boris Godounov", musique pour une représentation inédite au théâtre. V. E. Meyerhold à Moscou pour grand orchestre symphonique, op. 70bis. 1936 "Eugène Onéguine", musique pour la représentation non réalisée du Théâtre de Chambre de Moscou d'après le roman de A. Pouchkine, mise en scène par S. D. Krzhizhanovsky, op. 71. 1936 "Hamlet", musique pour la pièce mise en scène par S. Radlov au Théâtre dramatique de Leningrad, pour petit orchestre symphonique, op. 77. 1937-38

4. Musique de film

"Lieutenant Kizhe", musique du film pour petit orchestre symphonique. 1933 "Reine de pique", musique d'un film non réalisé pour grand orchestre symphonique, op. 70. 1938 "Alexandre Nevski", musique de film pour mezzo-soprano, chœur mixte et grand orchestre symphonique. Réalisé par S.M. Eisenstein. 1938 "Lermontov", musique de film pour grand orchestre symphonique. Réalisé par A. Gendelshtein. 1941 "Tonia", musique d'un court métrage (non sorti) pour grand orchestre symphonique. Réalisé par A. Room. 1942 "Kotovsky", musique de film pour grand orchestre symphonique. Réalisé par A. Fainzimmer. 1942 "Partisans dans les steppes d'Ukraine", musique de film pour grand orchestre symphonique. Réalisé par I. Savchenko. 1942 "Ivan Groznyj", musique de film pour mezzo-soprano et grand orchestre symphonique, op. 116. Réalisé par S. M. Eisenstein. 1942-45

II. Musique vocale et vocale-symphonique

1. Oratorios et cantates, chœurs, suites

Deux poèmes pour chœur de femmes et orchestre aux mots de K. Balmont, op. 7. 1909 "Sept d'entre eux" sur le texte de K. Balmont « Les Appels de l'Antiquité », cantate pour ténor dramatique, chœur mixte et grand orchestre symphonique, op. 30. 1917-18 Cantate pour le 20e anniversaire d'octobre pour orchestre symphonique, orchestre militaire, orchestre d'accordéons, orchestre de percussions et deux chœurs sur des textes de Marx, Lénine et Staline, op. 74. 1936-37 "Chansons de nos jours", suite pour solistes, chœur mixte et orchestre symphonique, op. 76. 1937 "Alexandre Nevski", cantate pour mezzo-soprano (solo), chœur mixte et orchestre, op. 78. Mots de V. Lugovsky et S. Prokofiev. 1938-39 "Zdravitsa", cantate pour chœur mixte avec orchestre symphonique, op. 85. Texte populaire : russe, ukrainien, biélorusse, mordovien, kumyk, kurde, mari. 1939 "La ballade du garçon resté inconnu", cantate pour soprano, ténor, chœur et orchestre, op. 93. Mots de P. Antokolsky. 1942-43 Croquis pour l'hymne Union soviétique et l'hymne de la RSFSR, op. 98. 1943 « S'épanouir, terre puissante », cantate pour le 30e anniversaire de la Grande Révolution socialiste d'Octobre pour chœur mixte et orchestre, op. 114. Texte de E. Dolmatovsky. 1947 "Feu de joie d'hiver", suite pour lecteurs, chœur de garçons et orchestre symphonique sur des paroles de S. Ya Marshak, op. 122. 1949 "Gardien du monde", oratorio pour mezzo-soprano, lecteurs, chœur mixte, chœur de garçons et orchestre symphonique sur des paroles de S. Ya Marshak, op. 124. 1950

2. Pour voix et piano

Deux poèmes de A. Apukhtin et K. Balmont pour voix avec f-p., op. 9. 1910-11 "Vilain canard"(Conte de fées d'Andersen) pour voix avec piano, op. 18. 1914 Cinq poèmes pour voix avec f-p., op. 23. Mots de V. Goryansky, 3. Gippius, B. Verina, K. Balmont et N. Agnivtsev. 1915 Cinq poèmes de A. Akhmatova pour voix et f-p., op. 27. 1916 Cinq chansons (sans paroles) pour voix et piano., op. 35. 1920 Cinq poèmes de K. Balmont pour voix et piano., op. 36. 1921 Deux chansons du film « Lieutenant Kizhe » pour voix et piano., op. 60bis. 1934 Six chansons pour voix avec piano., op. 66. Paroles de M. Golodny, A. Afinogenov, T. Sikorskaya et folk. 1935 Trois chansons pour enfants pour voix et piano., op. 68. Propos de A. Barto, N. Sakonskaya et L. Kvitko (traduction de S. Mikhalkov). 1936-39 Trois romances sur des paroles de A. Pouchkine pour voix et piano., op. 73. 1936 "Alexandre Nevski", trois chansons du film(paroles de V. Lugovsky), op 78. 1939 Sept chansons pour voix et piano., op. 79. Paroles de A. Prokofiev, A. Blagov, M. Svetlov, M. Mendelson, P. Panchenko, sans identification de l'auteur ni folk. 1939 Sept chants de messe pour voix et piano., op. 89. Mots de V. Mayakovsky, A. Surkov et M. Mendelson. 1941-42 Traitement russe chansons folkloriques pour la voix avec f-p., op. 104. Mots populaires. Deux cahiers, 12 chansons. 1944 Deux duos, arrangements de chansons folkloriques russes pour ténor et basse avec piano., op. 106. Texte folklorique, enregistré par E. V. Gippius. 1945 Chant de marche du soldat, op. 121. Paroles de V. Lugovsky. 1950

III. Pour orchestre symphonique

1. Symphonies et symphoniettas

Sinfonietta en la majeur, op. 5, en 5 parties. 1914 (1909) Classique (Première) Symphonie Ré majeur, op. 25, en 4 parties. 1916-17 Deuxième Symphonie ré mineur, op. 40, en 2 parties. 1924 Troisième Symphonie do mineur, op. 44, en 4 parties. 1928 Sinfonietta en la majeur, op. 48, en 5 parties (troisième édition). 1929 Quatrième Symphonie Do majeur, op 47, en 4 mouvements. 1930 Cinquième Symphonie si majeur, op. 100. en 4 parties. 1944 Sixième Symphonie es-moll, op. 111. en 3 parties. 1945-47 Quatrième Symphonie do majeur, op. 112, en 4 parties. Deuxième édition. 1947 Septième Symphonie cis-moll, op. 131, en 4 parties. 1951-52

2. Autres œuvres pour orchestre symphonique

"Rêves", tableau symphonique pour grand orchestre, op. 6. 1910 "Automne", esquisse symphonique pour petit orchestre symphonique, op. 8. 1934 (1915-1910) "Ala et Lolliy", Suite scythe pour grand orchestre symphonique, op. 20, en 4 parties. 1914-15 "Bouffon", suite du ballet pour grand orchestre symphonique, op. 21 bis, en 12 parties. 1922 Andante de la Quatrième Sonate pour fn., transcription de l'auteur pour orchestre symphonique, op. 29bis. 1934 « L'Amour des Trois Oranges », suite symphonique de l'opéra, op. 33 bis, en 6 parties. 1934

Ouverture sur des thèmes juifs, transcription de l'auteur pour orchestre symphonique, op. 34. 1934

"Le saut d'acier", suite symphonique du ballet, op. 41 bis. en 4 parties. 1926 Ouverture pour flûte, hautbois, 2 clarinettes, basson, 2 trompettes, trombone, célesta, 2 harpes, 2 pianos, violoncelles, 2 contrebasses et percussions B-dur, op. 42. Deux versions : pour orchestre de chambre de 17 personnes et pour grand orchestre (1928). 1926 Divertissement pour orchestre, op. 43, en 4 parties. 1925-29 "Prodigal Son", suite symphonique du ballet, op. 46 bis, en 5 parties. 1929 Andante du quatuor en si mineur, arrangement de l'auteur pour orchestre à cordes, op. 50 bis. 1930 Quatre portraits et dénouement de l'opéra "Le Joueur", suite symphonique pour grand orchestre, op. 49. 1931 «Sur le Dniepr», suite du ballet pour grand orchestre, op. 51 bis, en 6 parties. 1933 Chanson symphonique pour grand orchestre, op. 57. 1933 «Lieutenant Kizhe», suite symphonique de la musique du film, op. 60, en 5 parties. 1934 « Nuits égyptiennes », suite symphonique de la musique de la pièce au Théâtre de Chambre de Moscou, op. 61, en 7 parties. 1934 Roméo et Juliette, première suite du ballet pour grand orchestre symphonique, op. 64 bis, en 7 parties. 1936 "Roméo et Juliette", deuxième suite du ballet pour grand orchestre symphonique, op. 64 ter, en 7 parties. 1936 "Pierre et le loup" conte symphonique pour les enfants, pour lecteur et grand orchestre symphonique, op. 67. Propos de S. Prokofiev. 1936 Ouverture russe pour orchestre symphonique, op. 72. Deux options : pour une composition quadruple et pour une composition triple. 1936 "Jour d'été", suite d'enfants pour petit orchestre, op. 65 bis, en 7 parties. 1941 "Semyon Kotko", suite pour orchestre symphonique, op. 81 bis, en 8 parties. 1941 Marche symphonique en si majeur pour grand orchestre, op. 88. 1941 "1941", suite symphonique pour grand orchestre, op. 90, en 3 parties. 1941 "Ode à la fin de la guerre" pour 8 harpes, 4 pianos, orchestre d'instruments à vent, percussions et contrebasses, op. 105. 1945 "Roméo et Juliette", troisième suite du ballet pour grand orchestre symphonique, op. 101, en 6 parties. 1946 "Cendrillon", première suite du ballet pour grand orchestre symphonique, op. 107, en 8 parties. 1946 "Cendrillon", deuxième suite du ballet pour grand orchestre symphonique, op. 108, en 7 parties. 1946 "Cendrillon", troisième suite du ballet pour grand orchestre symphonique, op. 109, en 8 parties. 1946 Valses, suite pour orchestre symphonique, op. 110. 1946 Poème festif (« Trente ans ») pour orchestre symphonique, op. 113. 1947 Valses Pouchkine pour orchestre symphonique, op. 120. 1949 "Nuit d'été", suite symphonique de l'opéra « Les Fiançailles dans un monastère », op. 123, en 5 parties. 1950 «Le Conte de la fleur de pierre», suite nuptiale du ballet pour orchestre symphonique, op. 126, en 5 parties. 1951 "Le Conte de la fleur de pierre", une fantaisie gitane du ballet pour orchestre symphonique, op. 127. 1951 «Le conte de la fleur de pierre», Rhapsodie de l'Oural du ballet pour orchestre symphonique, op. 128. 1951 Poème festif « Rencontre de la Volga et du Don » pour orchestre symphonique, op. 130. 1951

IV. Concerts avec orchestre

Premier concert pour piano. avec orchestre Des majeurs, op. 10, une partie. 1911-12 Deuxième concert pour piano. avec orchestre bon sang, op. 16, en 4 parties. 1923 (1913) Premier concert pour violon et orchestre Ré majeur, op. 19, en 3 parties. 1916-17 Troisième concert pour piano. avec orchestre do majeur, op. 26, en 3 parties. 1917-21 Quatrième concerto pour piano. avec orchestre pour la main gauche B-dur, op. 53, en 4 parties. 1931 Cinquième concert pour piano. avec orchestre Sol majeur, op. 55, en 5 parties. 1932 Concerto pour violoncelle et orchestre e-moll, op. 58, en 3 parties. 1933-38 Deuxième Concerto pour violon et orchestre g-moll. op. 63, en 3 parties. 1935 Symphonie-concerto pour violoncelle et orchestre e-moll. op. 125, en 3 parties. 1950-52 Concertino pour violoncelle et orchestre bon sang, op. 132. en 3 parties. Achevé après la mort de S. Prokofiev par M. Rostropovitch. 1952 Concerto pour 2 pianos et orchestre à cordes, op. 133, en 3 parties. Pas terminé. 1952

V. Pour fanfare

Quatre marches, op. 69. 1935-37 Marche en si majeur, op. 99. 1943-44

VI. Pour ensembles instrumentaux

Scherzo humoristique pour 4 bassons, op. 12bis. 1912 Ouverture sur des thèmes juifs pour clarinette, 2 violons, alto, violoncelle et piano. do mineur, op. 34. 1919 Quintette pour hautbois, clarinette, violon, alto et contrebasse g-moll, op. 39, en 6 parties. 1924 Quatuor pour 2 violons, alto et violoncelle en mi mineur, op. 50, en 3 parties. 1930 Sonate pour 2 violons do majeur, op. 56, en 4 parties. 1932 Première sonate pour violon et piano. fa mineur, op. 80, en 4 parties. 1938-46 Deuxième Quatuor (sur des thèmes kabardes) pour 2 violons, alto et violoncelle en fa majeur, op. 92, en 3 parties. 1941 Sonate pour flûte et piano. Ré majeur, op. 94, en 4 parties. 1943 Deuxième sonate pour violon et piano.(transcription de la sonate pour flûte et piano) Ré majeur, op. 94bis. 1943-44 Sonate pour violoncelle et piano. do majeur, op. 119, en 3 parties. 1949

VII. Pour piano

1. Sonates, sonatines

Première sonate pour fp. fa mineur, op. 1, en une seule pièce. 1909 (1907) Deuxième sonate pour fp. ré mineur, op. 14, en 4 parties. 1912 Troisième sonate pour fn. un mineur, op. 28, en une partie (à partir de vieux cahiers). 1917 (1907) Quatrième sonate pour fn. do mineur, op. 29, en 3 parties (d'après d'anciens cahiers). 1917 (1908) Cinquième sonate pour fn. do majeur, op. 38, en 3 parties. 1923 Deux sonatines pour f-p. e-moll, op. 54, en 3 parties, et G-dur en 3 parties. 1931-32 Sixième sonate pour fn. Un majeur, op. 82, en 4 parties. 1939-40 Septième Sonate pour fn. si majeur, op. 83, en 3 parties. 1939-42 Huitième sonate pour fn. si majeur, op. 84, en 3 parties. 1939-44 Neuvième sonate pour fn. do majeur, op. 103, en 4 parties. 1947 Cinquième sonate pour fn. do majeur, op. 135, en 3 parties : (nouvelle édition). 1952-53 Dixième sonate pour fn. e-moll, op. 137. Croquis d'exposition (44 barres). 1953

2. Autres œuvres pour piano

Quatre études pour f-p., op. 2. 1909 Quatre pièces pour piano., op. 3. 1911 (1907-08) Quatre pièces pour fn., op. 4. 1910-12 (1908) Toccata pour fp. ré mineur, op. 11. 1912 Dix pièces pour piano., op. 12. 1913 Sarcasmes, cinq pièces pour piano, op. 17. 1912-14 La fugacité, vingt pièces pour piano, op. 22. 1915-17 Contes de fées vieille grand-mère , quatre pièces pour piano, op. 31. 1918 Quatre pièces pour piano., op. 32. 1918 Les valses de Schubert, sélectionnées et combinées dans une suite, arrangement pour 2 fp. en 4 mains. 1918 Prélude d'orgue et fugue d-moll D.Buxtehude, arrangement pour fn. 1918 « L'Amour des Trois Oranges », 2 fragments de l'opéra, transcription de concert pour piano. auteur, op. 33ter. Année de création inconnue "Les choses en elles-mêmes", deux pièces pour piano, op. 45. 1928 Six pièces pour piano., op. 52. 1930-31 Trois pièces pour piano., op. 59. 1934 Pensées, trois pièces pour piano., op. 62. 1933-34 Musique pour enfants, douze pièces faciles pour piano, op. 65. 1935 "Roméo et Juliette", dix pièces pour piano., op. 75. 1937 Divertimento, arrangé par l'auteur pour piano., op. 43bis. 1938 Gavotte n°4 de la musique de la pièce « Hamlet » pour piano., op. 77 bis. 1938 Trois pièces du ballet « Cendrillon » pour piano., op. 95. 1942 Trois pièces pour piano., op. 96. 1941-42 Dix pièces du ballet « Cendrillon » pour f., op. 97. 1943 Six pièces du ballet « Cendrillon » pour f., op. 102. 1944

VIII. Pour violon

Cinq mélodies pour violon et piano., op. 35bis. 1925 Sonate pour violon seul Ré majeur, op. 115, en 3 parties. 1947

IX. Pour violoncelle

Ballade pour violoncelle et piano. do mineur, op. 15. 1912 Adagio du ballet « Cendrillon » pour violoncelle et piano., op. 97bis. 1944

Remarques

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• Listes d'œuvres musicales
- , Compositeur soviétique, pianiste et chef d'orchestre, Artiste national RSFSR (1947). Né dans la famille d'un agronome. J'ai commencé à jouer de la musique à l'âge de 5 ans...

I Prokofiev Alexander Andreevich, russe poète soviétique, Héros Travailliste socialiste(1970). Membre du PCUS depuis 1919. Premières collections... ... Grande Encyclopédie Soviétique

Le mot « orchestre » est désormais familier à tous les écoliers. C'est le nom d'un grand groupe de musiciens qui interprètent ensemble un morceau de musique. pendant ce temps à La Grèce ancienne Le terme « orchestre » (à partir duquel le mot moderne « orchestre » a ensuite été formé) désignait la zone devant la scène où se trouvait le chœur, acteur indispensable de la tragédie grecque antique. Plus tard, un groupe de musiciens a commencé à s'implanter sur le même site, et on l'appelait « orchestre ».

Des siècles ont passé. Et maintenant, le mot « orchestre » lui-même n’a plus de signification particulière. Il existe aujourd'hui différents orchestres: orchestres de cuivres, folk, accordéon à boutons, orchestres de chambre, pop-jazz, etc. Mais aucun d'entre eux ne résiste à la concurrence du « miracle sonore » ; C’est ainsi qu’on appelle souvent et, bien sûr, à juste titre, un orchestre symphonique.

Les possibilités d'un orchestre symphonique sont vraiment infinies. À sa disposition se trouvent toutes les nuances de sonorité, des vibrations et bruissements à peine audibles aux puissants carillons tonitruants. Et il ne s'agit même pas de l'étendue même des nuances dynamiques (elles sont disponibles pour n'importe quel orchestre), mais de cette expressivité captivante qui accompagne toujours le son des véritables chefs-d'œuvre symphoniques. Des combinaisons de timbres, de puissantes montées et descentes ondulatoires, des signaux solo expressifs et des couches de sons « d'orgue » fusionnées viennent ici à la rescousse.

Écoutez quelques exemples de musique symphonique. Rappelez-vous le tableau de conte de fées du célèbre compositeur russe A. Lyadov, «Le Lac Magique», étonnant par son silence émouvant. Le sujet de l’image ici est la nature dans son état intact et statique. Le compositeur le souligne également dans sa déclaration à propos du « Lac magique » : « Comme c'est pittoresque, propre, avec des étoiles et du mystère dans les profondeurs ! Et surtout - sans les gens, sans leurs demandes et leurs plaintes - seulement une nature morte - froide, maléfique, mais fantastique, comme dans un conte de fées.» Cependant, le score de Lyadov ne peut pas être qualifié de mort ou de froid. Au contraire, il est réchauffé par un sentiment lyrique chaleureux - respectueux, mais retenu.

Le célèbre musicologue soviétique B. Asafiev a écrit que dans cette « contemplation poétique image musicale... L'œuvre de Lyadov envahit la sphère du paysage symphonique lyrique. La palette colorée de « Magic Lake » est composée de sons voilés et étouffés, de bruissements, de bruissements, d'éclaboussures et de vibrations à peine perceptibles. De fines touches ajourées prédominent ici. Les accumulations dynamiques sont réduites au minimum. Toutes les voix orchestrales portent une charge visuelle indépendante. Il n’y a pas de développement mélodique au vrai sens du terme ; comme des reflets vacillants, des phrases-motifs individuels brillent... Lyadov, qui savait "entendre le silence" avec sensibilité, peint avec une habileté étonnante l'image d'un lac enchanté - une image enfumée mais inspirée, pleine d'un arôme fabuleux et pure , chaste beauté. Un tel paysage ne pourrait être « peint » qu'avec l'aide d'un orchestre symphonique, car aucun instrument ni aucun autre « organisme orchestral » n'est capable de représenter une telle image visuelle et de lui trouver des couleurs et des nuances de timbre aussi subtiles.

Mais voici un exemple du type opposé - le final du célèbre « Poème de l'extase » d'A. Scriabine. Le compositeur montre dans cette œuvre la diversité des états et des actions humaines dans un développement constant et logiquement réfléchi ; la musique véhicule systématiquement l'inertie, l'éveil de la volonté, la confrontation avec les forces menaçantes, la lutte contre elles. Le point culminant suit le point culminant. Vers la fin du poème, la tension monte, préparant une nouvelle ascension encore plus grandiose. L’épilogue du « Poème de l’extase » se transforme en un tableau éblouissant d’une ampleur colossale. Sur un fond scintillant et chatoyant de toutes les couleurs (un orgue est également relié à l'immense orchestre), huit cors et une trompette proclament joyeusement le thème principal thème musical, dont la sonorité atteint vers la fin une force surhumaine. Aucun autre ensemble ne peut atteindre une telle puissance et une telle majesté sonore. Seul un orchestre symphonique est capable d'exprimer à la fois de manière aussi riche et colorée le plaisir, l'extase et un élan frénétique de sentiments.

Le « Lac magique » de Lyadov et l'épilogue du « Poème de l'extase » sont, pour ainsi dire, les pôles sonores et dynamiques extrêmes de la riche palette sonore de l'orchestre symphonique.

Passons maintenant à un exemple d’un autre genre. La deuxième partie de la Onzième Symphonie de D. Chostakovitch a le sous-titre « 9 janvier ». Le compositeur y raconte les terribles événements du « Bloody Sunday ». Et à ce moment-là, où les cris et les gémissements de la foule, les salves de fusils, le rythme de fer des pas d'un soldat se fondent dans une image sonore d'une force et d'une puissance étonnantes, le barrage assourdissant prend fin brusquement... Et dans le silence qui s'ensuit, dans le murmure « sifflant » des instruments à cordes et le chant calme et triste du chœur peuvent être clairement entendus. Selon la définition pertinente du musicologue G. Orlov, on a l'impression « comme si l'air de la place du Palais gémissait de chagrin à la vue de l'atrocité qui s'était produite ». Possédant un sens du timbre exceptionnel et une brillante maîtrise de l'écriture instrumentale, D. Chostakovitch a su créer l'illusion d'un son choral par des moyens purement orchestraux. Il y a même eu des cas où, lors des premières représentations de la Onzième Symphonie, les auditeurs n'arrêtaient pas de se lever de leur siège, pensant qu'il y avait un chœur sur scène derrière l'orchestre...

Un orchestre symphonique est capable de transmettre une grande variété d’effets naturalistes. Oui, exceptionnel compositeur allemand Richard Strauss, dans le poème symphonique « Don Quichotte », illustrant un épisode célèbre du roman de Cervantes, a étonnamment représenté « visuellement » le bêlement d’un troupeau de moutons dans l’orchestre. Dans la suite du compositeur français C. Saint-Saëns, « Le Carnaval des animaux », les cris des ânes, la démarche maladroite d'un éléphant et l'appel agité des poules et des coqs sont rendus avec humour. Le Français Paul Dukas dans le scherzo symphonique « L'apprenti sorcier » (écrit sur la base de la ballade du même nom de V. Goethe) a brillamment peint un tableau de l'élément eau sauvage (en l'absence du vieux sorcier, l'étudiant décide de transforme le balai en serviteur : il l'oblige à porter de l'eau, qui inonde peu à peu toute la maison). Il n'est même pas nécessaire de dire combien d'effets onomatopées sont disséminés dans la musique d'opéra et de ballet ; ici, ils sont également transmis au moyen d'un orchestre symphonique, mais motivés par la situation scénique immédiate, et non programme littéraire, comme dans les œuvres symphoniques. Il suffit de rappeler des opéras tels que « Le Conte du tsar Saltan » et « La Fille des neiges » de N. Rimsky-Korsakov, le ballet « Petrouchka » de I. Stravinsky et d'autres. Des extraits ou des suites de ces œuvres sont souvent interprétés lors de concerts symphoniques. .

Et combien d’images magnifiques, presque visuelles, des éléments marins peuvent être trouvées dans la musique symphonique ! Suite de N. Rimsky-Korsakov « Schéhérazade », « La Mer » de C. Debussy, ouverture « Silence de la mer et bonne navigation » de F. Mendelssohn, fantaisies symphoniques « La Tempête » de P. Tchaïkovski et « La Mer » par A. Glazunov - liste œuvres similaires très grand. De nombreuses œuvres ont été écrites pour l'orchestre symphonique, représentant des images de la nature ou contenant des croquis de paysage. Citons, par exemple, la Sixième Symphonie (« Pastorale ») de L. Beethoven avec l'image d'un orage soudain, frappant par sa puissance d'image, et l'image symphonique de A. Borodine « Dans Asie centrale», la fantaisie symphonique « Forêt » d'A. Glazunov, « Scène dans les champs » de la Symphonie Fantastique de G. Berlioz. Cependant, dans toutes ces œuvres, l'image de la nature est toujours liée au monde émotionnel du compositeur lui-même, ainsi qu'à l'idée qui détermine la nature de l'œuvre dans son ensemble. Et en général, les moments descriptifs, naturalistes, onomatopées occupent une très faible proportion dans les toiles symphoniques. De plus, la musique programmée elle-même, c'est-à-dire la musique qui véhicule systématiquement certaines intrigue littéraire, n'occupe pas non plus une place prépondérante parmi les genres symphoniques. La principale chose dont un orchestre symphonique peut être fier est une riche palette de moyens d'expression divers, les possibilités colossales, encore non épuisées, de diverses combinaisons et combinaisons d'instruments, les ressources timbrales les plus riches de tous les groupes qui composent l'orchestre.

Un orchestre symphonique se distingue nettement des autres groupes instrumentaux par le fait que sa composition est toujours strictement définie. Prenez, par exemple, les nombreux ensembles pop-jazz qui existent désormais en abondance dans presque tous les coins. globe. Ils ne se ressemblent pas du tout : le nombre d'instruments varie (de 3-4 à deux douzaines ou plus) ainsi que le nombre de participants. Mais le plus important est que ces orchestres ne se ressemblent pas dans leur sonorité. Certains sont dominés par les cordes, d'autres par les saxophones et les cuivres. instruments à vent; dans certains ensembles, le rôle principal est joué par le piano (soutenu par la batterie et la contrebasse) ; les orchestres pop de différents pays comprennent des instruments nationaux, etc. Ainsi, presque tous les orchestres pop ou jazz n'adhèrent pas à une composition instrumentale strictement définie, mais utilisent librement des combinaisons de divers instruments. Ainsi, un même morceau sonne différemment selon les différents groupes pop-jazz : chacun d’eux propose son traitement spécifique. Et cela se comprend : après tout, le jazz est un art fondamentalement improvisé.

Les fanfares sont également différentes. Certains sont constitués exclusivement de cuivres (avec inclusion obligatoire de percussions). Et la plupart d'entre eux ne peuvent se passer des bois - flûtes, hautbois, clarinettes, bassons. Les orchestres d'instruments folkloriques diffèrent également les uns des autres : un orchestre folklorique russe n'est pas semblable à un orchestre kirghize, et un orchestre italien n'est pas comme orchestres folkloriques Pays scandinaves. Et seul un orchestre symphonique - le plus grand organisme musical - possède une composition établie de longue date et strictement définie. Ainsi, une œuvre symphonique écrite dans un pays peut être interprétée par n’importe quel ensemble symphonique d’un autre pays. Le langage de la musique symphonique est donc véritablement un langage international. Il est utilisé depuis plus de deux siècles. Et il ne vieillit pas. De plus, nulle part ailleurs il n’y a autant de changements « internes » intéressants que dans un orchestre symphonique moderne. D'une part, souvent reconstitué de nouvelles couleurs de timbre, l'orchestre s'enrichit chaque année, d'autre part, sa structure principale, constituée dès le XVIIIe siècle, se dessine de plus en plus clairement. Et parfois, les compositeurs de notre temps, se tournant vers une composition aussi « démodée », prouvent une fois de plus combien ses capacités expressives sont encore grandes...

Peut-être qu’aucun autre groupe musical n’a créé une musique aussi merveilleuse ! Dans la brillante galaxie des compositeurs symphoniques, les noms de Haydn et Mozart, Beethoven et Schubert, Mendelssohn et Schumann, Berlioz et Brahms, Liszt et Wagner, Grieg et Dvorak, Glinka et Borodine, Rimski-Korsakov et Tchaïkovski, Rachmaninov et Scriabine, Glazunov et Taneyev, brillent Mahler et Bruckner, Debussy et Ravel, Sibelius et R. Strauss, Stravinsky et Bartok, Prokofiev et Chostakovitch. De plus, l'orchestre symphonique, comme on le sait, est un participant indispensable aux représentations d'opéra et de ballet. C'est pourquoi, aux centaines d'œuvres symphoniques, il faut ajouter ces fragments d'opéras et de ballets dans lesquels l'orchestre (et non les solistes, le chœur ou simplement l'action scénique) joue un rôle primordial. Mais ce n'est pas tout. Nous regardons des centaines de films et la plupart sont « sonnés » par un orchestre symphonique.

La radio, la télévision, les disques compacts et, à travers eux, la musique symphonique sont désormais fermement ancrés dans nos vies. Dans de nombreux cinémas, de petits orchestres symphoniques jouent avant les projections. De tels orchestres sont également créés dans le cadre de spectacles amateurs. En d’autres termes, de l’immense, presque immense océan de musique qui nous entoure, une bonne moitié est d’une manière ou d’une autre liée au son symphonique. Symphonies et oratorios, opéras et ballets, concerts et suites instrumentaux, musique de théâtre et de cinéma - tous ces genres (et bien d'autres) ne peuvent tout simplement pas se passer d'un orchestre symphonique.

Cependant, il serait faux de supposer que n’importe quelle composition musicale peut être interprétée dans un orchestre. Après tout, il semblerait que connaissant les principes et les lois de l'instrumentation, tout musicien compétent puisse orchestrer un piano ou une autre pièce, c'est-à-dire l'habiller d'une tenue symphonique lumineuse. Cependant, dans la pratique, cela arrive relativement rarement. Ce n'est pas un hasard si N. Rimsky-Korsakov a dit que l'instrumentation est « l'un des aspects de l'âme de la composition elle-même ». C'est pourquoi, réfléchissant déjà à l'idée, le compositeur compte sur une certaine composition instrumentale. Par conséquent, des pièces légères et sans prétention et des toiles grandioses à grande échelle peuvent être écrites pour un orchestre symphonique.

Il existe cependant des cas où une composition reçoit une seconde vie dans une nouvelle version symphonique. C’est ce qui s’est produit avec le brillant cycle pour piano de M. Moussorgski, « Tableaux d’une exposition » : il a été magistralement orchestré par M. Ravel. (Il y a eu d'autres tentatives, moins réussies, pour orchestrer Tableaux d'une exposition.) Les partitions des opéras « Boris Godounov » et « Khovanshchina » de M. Moussorgski ont repris vie sous les mains de D. Chostakovitch, qui a réalisé leur nouvelle édition orchestrale. . Parfois dans patrimoine créatif le compositeur, deux versions d'une même œuvre cohabitent paisiblement - solo-instrumentale et symphonique. Il existe peu d’exemples de ce type, mais ils sont très intéressants. La Pavane de Ravel existe en version piano et orchestrale, et toutes deux vivent une vie de concert égale. Prokofiev a orchestré le mouvement lent de sa Quatrième Sonate pour piano, la rendant indépendante, purement œuvre symphonique. Le compositeur de Leningrad S. Slonimsky a écrit le cycle vocal « Chants des hommes libres » basé sur des textes folkloriques ; Cette œuvre comporte également deux versions d'importance artistique égale : l'une est accompagnée par un piano, l'autre est accompagnée d'un accompagnement orchestral. Cependant, le plus souvent, lorsqu'un compositeur se met au travail, il a une bonne idée non seulement de l'idée de la composition, mais aussi de son incarnation du timbre. Et des genres comme la symphonie, concert instrumental, poème symphonique, suite, rhapsodie, etc., sont toujours étroitement liés au son d'un orchestre symphonique, pourrait-on même dire, indissociables de celui-ci.