Dans le dialogue mentionné Platon "ion" Il s'est avéré que exécuteur texte poétique - Rhapsod dans une certaine mesure est son interprète et sa critique. En fait: sur la manière dont le travail littéraire est exécuté, la perception du public dépendra de - les gens se concentreront sur la manière dont l'acteur introduite la prononçage du texte: du levage et de l'augmentation, des pauses, du timbre, du volume et d'autres techniques acoustiques, en particulier Si avant les yeux, il n'y a pas d'analogue graphique - souvent notre émotionnel, notre intellectuel et collectif (à proximité - d'autres auditeurs avec leurs réactions) dépend de l'œuvre d'art.
Discuter avec Socrate, l'ion de massif qu'il peut non seulement reproduire les poèmes épiques de Homère, mais aussi pour interpréter leur signification (parler de Homère). Mais recourir à une interprétation individuelle, il apporte inévitablement leurs propres acteurs de leur part, non stipulé par l'auteur et, par conséquent, les premières nuances sémantiques perdent. Cela affectera sa manière exécutive. Surplombant Homère, il est involontairement, probablement pas au courant de ce rôle responsable, se transforme en co-auteur, est engagé dans la création.
Tout comme Visual, Visualized Text Perception (type de papier, casque et boîte de police, champs, retraites, découpages et illustrations) affecte le lecteur et la coque sonore du produit littéraire est un réservoir important de la réaction psychologique à l'œuvre d'art. À ce sujet, en particulier, a écrit Alexander Afanasyevich Plebnya(1835-1891) dans le traité "Pensée et langue" (1862): "Lors de la création d'un mot, ainsi que dans le processus de parole et de compréhension, ce qui se produit sur une loi avec la création, l'impression obtenue est déjà soumise à de nouveaux changements, comme si la seconde est perçue, c'est-à-dire en un mot, acheteur" Selon les pensées du scientifique, un mot perçu par une personne donne naissance à son esprit une image similaire qui entre en coopération avec ce qu'il a entendu.
L'énonciation orale du texte dépend de sa prononciation, du tempo de la parole, de la nuance, du tempo de la parole et, finalement, du charme personnel de l'artiste interprète. En entrant en contact avec le public, il devient partiellement critique, qui cherche à transmettre sa conscience sa propre interprétation.
Dans l'art domestique de la lecture artistique, il y avait beaucoup de personnes talentueuses qui lisaient de la scène ou devant le microphone textes artistiques. Les maîtres exceptionnels de cette affaire sont considérés comme étant I. Andronikov, A. Gribov, I. Ilinsky, V. Kachalov, Ya. Smolensky Et d'autres personnes. De nos jours, l'art de la performance des œuvres littéraires est devenue d'une importance particulière et que nous pouvons dire en toute sécurité, ressent une deuxième naissance. Dans le cadre du développement de l'audio, la nécessité d'artistes qui peuvent principalement transmettre la Parole de l'auteur à l'audience du public moderne, principalement des jeunes. Les amoureux de cette forme de connaissances avec des impressions d'échange de littérature, déterminent les meilleurs lecteurs, composez des évaluations. Sur Internet, vous trouverez de nombreux forums sur lesquels certains avantages et inconvénients des artistes interprètes sont discutés.
Cependant, les poèmes lisent S. Yursky, sonnait et perçu tout exactement comment il a fait M. Kozakov, mais V. Gvivaditskyoffert une version différente de Masterpieces poétiques par rapport à A. Katepov. Mais une chose, lorsque nous comparons les interprétations de déclamateurs talentueux, et l'autre lorsque des personnes qui n'ont pas de dons plus importantes sont liées à l'affaire.
En d'autres termes, lorsque nous entendons le lecteur sans talent, alors même un travail talentueux dans ses lèvres peut sembler susceptible de nous aussi intéressant: cela perdra de nombreux avantages qu'il était à l'origine inhérent. Et vice versa - poèmes du milieu de niveau, lu avec une grande expression et sentiment, sont capables de produire une forte impression. Au fait, c'est dans cet avion que le paradoxe dirige que dans la plupart des cas, ni le poète (ils sont trop friands du côté musical de leurs créations) ni les acteurs (dans leur performance, le sens et l'interprétation pittoresque devraient prévoir tout le reste) profondeur travail artistique. Il est préférable qu'il soit possible de critiques et de critiques littéraires capables de préserver et de connecter harmonieusement des couches saines, sémantiques, intellectuelles et émotionnelles de texte. Bien sûr, à condition que l'artiste ait une diction normale, arrête correctement les mots et les expressions: obliquement, une parole inacceptable n'apporte de succès à personne. Le commandement de Griboedovsky est de lire «Pas comme le ponoloire, mais avec sentiment, avec un sens, avec l'arrangement» - la clé du fait que vous êtes entendu et que vous avez compris correctement.
Interprétation exécutant travail musical Il est associé à la pénétration secrète dans sa structure significative, sémantique et émotionnelle. En outre, en plus d'une analyse grammaticale formelle (plan tonal, forme, harmonie, texture, etc.), l'artiste doit inévitablement recourir à l'analyse du contenu figuratif. Ces difficultés sont une conséquence d'une tradition académique: une approche grammaticale étroite est caractérisée pour analyser le texte du réservoir; Pas moins courant dans le milieu des interprètes et l'orientation répréhentique.
Et, bien que la formation des compétences de l'articulation exécutant, de nombreux musiciens - des théoriciens et des pratiques du pianisme étaient actifs, il est nécessaire de reconnaître que le développement de la méthodologie d'analyse sémantique permet d'aborder ce problème du point de vue expressif, et ne pas mettre de peu en œuvre de texte de copyright. D'accord avec l'opinion des musiciens, qui a mis le contenu de la musique dans le chapitre, proclamé la primauté du Togo, "Quoi" est prononcée, et non "Comment" est prononcé (Neigause), doit admettre que le plus souvent la preuve pratique de Ces appels sont restés la prérogative de leur proclamation. Une approche étroitement grammaticale et souvent une approche répréhentique ne satisfait pas de nombreux musiciens, qui ont souvent causé la nécessité d'analogies poétiques, de comparaisons, d'associations d'essayer de révéler l'essence poétique du travail (A. Korto).
Formant des idées sur l'image, les «caractéristiques verbales» de l'image musicale, selon de nombreux musiciens, contribuent à la recherche de diverses techniques d'exécution. Dans le même temps, les musiciens ont reconnu que "le contenu ne peut être exprimé par le mot, et il n'est pas nécessaire, le mot ne sera que à côté de la musique" (S. Savshinsky). Néanmoins, cette méthode a pris une grande place de pédagogie, beaucoup ont convenu de la nécessité d'attirer des caractéristiques verbales, de la métaphore, car ils sont «il y a une particule de sens direct» (V. medushevsky).
Les enseignants ont souvent utilisé les "caractéristiques poétiques de l'image musicale" afin de créer un sens accessible et de la musique, et la version de l'artiste est fiable.
Le développement de la perception de la forme de la pièce
Le développement de la perception la plus simple de la forme de la pièce exécutable est une condition nécessaire de l'exécution significative et expressif. Dès les premières étapes, l'élève fait des idées sur la phrase musicale comme la construction la plus simple, ce qui rend une certaine signification. L'élève doit être montré comment des phrases constituent une proposition et les phrases sont combinées au cours de la période. L'enseignant aide à retracer le développement de la mélodie, sa tombe au point culminant, attire l'attention de l'étudiant à la valeur du début et de la fin de la phrase, Crescendoinuendo dans la performance de la mélodie, pour le rôle du CESURE. L'étudiant doit sentir que la musique est similaire à la parole humaine, elle est significative et expressif.
Pour afficher les registres de piano, vous pouvez utiliser les pièces de théâtre avec des images contrastées, dans les caractéristiques musicales de laquelle divers registres sont appliqués. Il est très important, développant la perception des fonds de l'étudiant expressivité musicale, lier leur utilisation avec certaines tâches artistiques. Par exemple, un son silencieux peut être défini comme transparent, léger, aérien, mystérieux, etc., sonore dans un registre bas - aussi anxieux, terrible, etc.
Dans la pédagogie moderne de l'art musical avec le problème de l'interprétation artistique, l'éducation d'un complexe complet de qualités personnelles professionnelles du musicien est associée. L'analyse de l'expérience des principaux enseignants montre que les activités de création active dans le processus d'interprétation stimulent le développement intensif des capacités musicales et la pensée artistique et artistique, performant et accomplir des compétences, une imagination créative et une intuition, culture musicale Et le goût artistique d'un étudiant constitue une auto-évaluation adéquate des qualités professionnelles et personnelles des étudiants. Cette circonstance nous permet de considérer l'interprétation du point de vue de la formation éducative.
Les questions du ratio de formation et de développement m'inquiètent récemment de nombreux enseignants de chercheurs. Des idées de formation pédagogique, provenant des grands enseignants du passé (A. Disterweg, Ya.a. Komensky, ZH.-ZH. ROUSSEAU), dans la science russe moderne, ont été soumises à la situation, selon laquelle la formation et le développement sont étroitement interdépendant, mais pas identique (B. G. Ananyev, S.L. Rubinstein, A.n. Léontiev, L.V. Zankov, D. B. Elkonin, etc.). Mise en œuvre de l'effet pédagogique de la formation, de HP Vygotsky, réside dans l'orientation de la "zone du développement le plus proche", qui détermine le degré de difficulté d'informations éducatives et le rythme de son assimilation. Du point de vue de Z.I. Kalmykova, en développement, apprend, formant une pensée artistique et figurative et créative. Cela implique à son tour l'orientation sur les principes des didactiques, telles que la problématique, le développement harmonieux de divers éléments de la pensée, l'individualisation du processus d'apprentissage.
Le problème de l'interprétation des travaux musicaux dans le processus d'apprentissage
La forme de classes individuelles dans l'enseignement du jeu sur un instrument de musique est, selon les professeurs classés des chercheurs, un territoire particulier, surtout, le développement créatif de l'étudiant, où il collabore avec l'enseignant manifeste son individualité dans le processus. de travailler sur des œuvres musicales.
La mise en œuvre de l'apprentissage et de développement des possibilités de l'interprétation implique un manuel ciblé de l'enseignant, ajustant le processus d'interprétation, en tenant compte des caractéristiques individuelles de l'étudiant qui stimule la recherche créative de la solution optimale de la performance, en développant les compétences de l'auto- Activités réalisatrices dans le processus d'interprétation artistique du texte de la musique du travail musical. La création d'un enseignant et d'un étudiant en travaillant sur l'interprétation artistique des écrits musicaux est une condition nécessaire pour le développement de la pensée artistique et figurative d'un musicien étudiant.
Cela est mis en évidence par l'expérience du piano exceptionnel des professeurs domestiques. Dans la classe d'enseignant national célèbre L.V. Nikolaev L'interprétation effectuée de tout travail musical à chaque fois construite de différentes manières, en fonction de l'individualité de l'étudiant. "L'enseignant, assez sensible à la leçon", a écrit L.V. Nikolaev, - dit et agit sur la base de ce qu'il a entendu de l'étudiant, lui conférant. Donc B. travail pédagogique Il a à chaque fois une réponse improvisée ». Le principe de l'approche créative «improvisation ™» des étudiants était l'un des principaux activité pédagogique Ce musicien.
Un autre musicien exceptionnel G.G. Néhigause, créant une atmosphère de spiritualité extraordinaire dans le processus d'occupation, considérée comme importante pour faire de chaque élève, peint par la force qui lui apparut image poétiqueMobilisé toutes ses forces et opportunités spirituelles. Comme indique de manière convaincante E.n. Fedorovich, c'était la coopération qui était la base de l'éducation de la personnalité créatrice de l'élève dans pratique pédagogique De nombreux pianistes domestiques exceptionnels: F.M. Bluemenfeld, K.n. Igumnova, G.G. Néhigauza, L.V. Nikolaeva, A.G. Rubinstein, n.g. Rubinstein, S.B. Fainberg.
Véritable maîtrise des œuvres musicales et la création de ses propres interprétations originales dans la classe de la principale instrument de musique effectué dans le processus d'exécution d'activités. La connaissance va en surmontant des difficultés contenu musical et forme musicale, grâce à la compréhension de la logique du travail, compromettant son image musicale.
Selon L.A. Barenboima, cette connaissance est associée au développement d'étudiants en compétences d'apprentissage, opérant avec des documents musicaux, trouvez des similitudes et une distinction, analyser et synthétiser, établir des relations. Il est absolument évident que les actions exécutantes sont inséparables du système mental. Mais dans le même temps, l'activité musicale est impossible sans l'expérience émotionnelle du processus d'exécution et de créer une image artistique, et la peinture émotionnelle du processus de connaissances est caractéristique de l'apprentissage des problèmes. Le développement de travaux musicaux est associé au problème d'une certaine complexité de l'ordre théorique et pratique. Ils couvrent les lois générales de la musique, les particularités du développement musical, les principes de construction de la forme, des spécificités de la langue harmonique et mélodique, etc.
L'acquisition permanente de nouvelles connaissances, la capacité de les appliquer dans la pratique, la participation de processus mentaux fondamentaux - tout cela contribue efficacement à la formation de la pensée artistique et figurative. L'éducation de la motivation positive implique également l'inclusion des futurs professeurs-musiciens dans des activités musicales et performantes actives. La prise de conscience du répertoire proposé comme significativement significative est associée à l'utilisation systématique de celui-ci dans la pratique pédagogique et exécutive. À cette fin, nous essayons autant que possible d'élargir la sphère de la performance personnelle des étudiants en classes dans toutes les disciplines musicales.
Validation des compétences travail de rechercheNécessaire d'étudier l'ère, le style, la biographie du compositeur, constitue une condition importante pour la formation de la pensée artistique et figurative des futurs professeurs de musique et, par conséquent, l'interprétation de la musique effectuée par eux. Les étudiants doivent apprendre à travailler avec une littérature méthodologique et psychologique et pédagogique, sélectionner le matériel approprié et l'utiliser, mener des expériences dans la formation, résumer et systématiser ces observations, écrire des résumés ou des rapports sur diverses questions d'intérêt.
Les activités épanouissantes du futur professeur de musique procèdent plus avec succès, sous réserve de la formation d'une attitude positive à l'égard des discours dans le public, des exigences en matière d'accomplissement des activités, de la préparation psychologique et de la satisfaction de celui-ci, la présence d'intérêt cognitif pour la performance musicale et les autres motifs que encourager les activités actives actives.
Nous voyons un sens à présenter les recommandations générales concernant les formes et les méthodes de formation artistique et figurative, promettant en termes d'impact sur la création d'une interprétation artistique des œuvres musicales. À cette fin, nous analysons le processus d'interprétation artistique lui-même, ainsi que de se concentrer sur certains aspects qui doivent être liés indirectement au sujet de notre étude, mais sont en même temps nécessaires à la formation d'une pensée artistique et figurative de la professeur de musique.
Il convient de noter que c'est la première étape de travailler sur l'interprétation des travaux musicaux est décisif pour déterminer les caractéristiques individuelles dans la compréhension de l'image artistique des travaux à l'étude. Comment réveiller fantasy, envoyez-le au canal nécessaire de la compréhension logique texture musicale et la nature de l'image artistique, comment aider à choisir une performance, l'idée la plus adéquate du compositeur - celles-ci et beaucoup d'autres ne sont pas moins questions importantes Se lever avant l'enseignant déjà au tout début du processus d'interprétation.
La connaissance du travail commence généralement par la lecture d'un texte de réservoir, en élaborant une idée d'une "croquis" intraloid. Étude détaillée. Pour voir que tout est écrit dans des notes et sentez que nous exprimons des signes de texte - la tâche n'est pas facile. Le rôle de l'enseignant à ce stade est que, sans montrer une activité excessive, donner une "clé" à la solution du contenu de la langue musicale de l'essai. Cette aide est très importante, car même la réponse émotionnelle droite au travail exécutable ne suffit pas à comprendre l'interprétation artistique dans son ensemble. Au stade initial de la formation des compétences d'interprétation artistique, en règle générale, l'enseignant est prévu de l'esquisse du plan d'actions de l'élève. L'érudition musicale et artistique de l'enseignant est particulièrement nécessaire pour le disciple dans les travaux sur les compositions, dont les auteurs n'étaient pas complètement fixés leurs intentions sur papier. À titre d'exemple, j'appellerai Urcocta I.S. Baha, qui, comme beaucoup de ses contemporains, a enregistré un minimum de notes.
En train de maîtriser le texte musical, l'un des plus importants et difficiles est la compétence de lecture effectuée avec une feuille. Grâce à lui, le joueur reçoit la première idée du travail étudié. Cette compétence contribue au développement de l'activité interne de l'étudiant, l'intensification de son fantasme créatif et de sa pensée. L'une des conditions de la bonne lecture de la feuille est la capacité de "saisir" complexes musicaux significatifs: "horizontal" (constructions mélodiques étendues) et "verticale" (changement d'harmonies).
Notre expérience dans branche de musique L'Institut de pédagogie de Kolomna nous permet de parler d'un niveau de possession plutôt bas de possession d'étudiants avec cette compétence interprète, ce qui entraîne une petite quantité et une faible qualité matérielle passée. pendant ce temps bonne lecture De la feuille, il est nécessaire de créer un bagage exécutif du futur enseignant-musicien, conçu pour promouvoir tout le meilleur, qui a été créé dans l'art musical. En outre, le développement rapide et compétent d'un texte de réservoir peut aider les élèves dans les domaines adjacents de leur formation vocale et de choeur de chef-chef.
La formation de compétences en lecture d'une feuille devrait être lancée avec le développement de la capacité de voir le texte de la musique dans le but de clarifier la structure du travail (raffinement de la taille et de la litotonalité, des votes de textures, de mélodies et de maintenance). En regardant par le texte, l'étudiant écoute mentalement au matériel musical. Cela l'amène à une représentation plus claire du caractère de l'étudiant étudié et peut contribuer au développement de l'audience intérieure de l'élève. La base de l'audience intérieure est la capacité de fonctionner avec des idées d'audience musicales - le signe qualitatif le plus important la pensée créative. Fondée sur la technique de la lecture rapide et compétente des notes, l'exécution avec la feuille aidera l'élève plus facile et plutôt forme sa propre idée d'une idée musicale particulière et de son plan d'interprétation.
Impact émotionnel principal frais et direct matériel musical Permet au contractant de prédire de manière conditionnelle le modèle de la perception ultérieure de l'auditeur, qui est particulièrement importante dans la performance de l'enseignant de la musique.
La deuxième étape de l'interprétation artistique repose sur la compréhension logique du tissu matériel du travail interprétable, la création de sa prépondérance artistique et sonore dans l'imagination et de la recherche des chemins, des méthodes et des moyens les plus parfaits de son incarnation. Le caractère créatif de la recherche d'exécution de l'image artistique auditive interne parfaite de l'œuvre musicale implique un type de problème d'apprentissage. Le nécessaire pour trouver de manière indépendante une décision, les étudiants n'assimilent pas passivement les informations prêtes à l'emploi présentées par l'enseignant et sur la base des connaissances antérieures, sur la base de la logique de raisonnement ultérieur, ils se présentent de manière indépendante à de nouvelles connaissances. Résoudre les tâches caractère La pensée artistique et figurative de l'étudiant est activée, contribue à l'élaboration d'intérêts pour les activités remplies liées, y compris avec la recherche, la nature de la recherche de l'interprétation des œuvres musicales.
Le développement de la pensée artistique et figurative, de l'avis des enseignants des chercheurs, favorise l'attitude personnelle envers le travail interprétable, la capacité de créer sa propre idée de son contenu figuratif-intonation basé sur l'expérience activité esthétique, toutes les richesses de la vie et des impressions musicales. "Aucune créativité performante n'est impossible, - nous avons lu dans YA. MILSTEIN, - Si l'interprète n'a aucune information préalable dans son esprit, s'il n'est pas préparé pour tout son développement précédent, l'éducation ... plus le thésaurus de l'artiste, plus de son "magasin" d'associations et d'images. .. Plus la personnalité plus large et plus profonde, plus elle est importante, plus brillante, est riche en association, découlant de lui lorsque vous contactez la pensée de l'auteur, avec des informations primaires. "
Non moins significatif est l'utilisation de sources d'informations médiées dans le processus de création d'une interprétation des travaux musicaux de l'ère, dans lesquels l'auteur a vécu, des informations sur lui-même, sa méthode de création et son style, les traditions existantes de satisfaire ses écrits musicaux . Cela contribue non seulement au développement de l'intérêt cognitif de l'étudiant, l'expansion de sa fondation connaissance artistiqueMais permet également de décrire le "sous-texte" émotionnel d'un enregistrement de note du travail, qui attache le caractère individuel de son interprétation effectuée.
Le réveil de la fantaisie de l'étudiant, trouver un sens personnel en travaillant sur l'interprétation est étroitement liée à la recherche d'associations artistiques et façonnées, de métaphore, de comparaisons. Compréhension associative images musicales - la méthode efficace de pénétration dans le système artistique et poétique affectant considérablement le processus de compréhension, d'expériences et d'exécution de la musique, ce qui est particulièrement important dans l'éducation des artistes interprètes de l'enseignant. Ce moment est également important dans la communication de l'enseignant et de son auditoire dans les cours d'école à l'école.
De la capacité de pénétrer dans la teneur émotionnelle du jeu joué, de la capacité de créer un programme émotionnel individuel de ses performances dépend du développement du potentiel créatif des étudiants et de la résolution des tâches artistiques liées à l'interprétation des œuvres musicales. À l'avenir, l'effet esthétique de la créativité exécutante de l'enseignant de la musique, la profondeur de l'impact de son interprétation artistique sur le public de l'école sera basée sur ces qualités. La divulgation des possibilités créatives des étudiants, le développement d'une attitude émotionnelle envers le produit exécutable en eux est une tâche importante, dont la solution est possible lors de l'application des méthodes pédagogiques spéciales et des techniques spéciales.
Ainsi, la préparation de l'affichage pédagogique du travail musical est activement promue par l'éducation de «l'appareil d'assistance» et «Macecraft» (K.S. Stanislavsky). La méthode de spectacle pédagogique est une "infection" émotionnelle, le transfert de l'idée principale du produit interprétable à l'étudiant. Différents types de spectacles peuvent être utilisés: spectacle - «Implication» (L.A. BarenboiM), spectacle «à la recherche» (M.E. Faigin), montrant le code sémantique du travail (K.n. Igumnov) et ainsi de suite.
La plus grande efficacité du spectacle pédagogique est obtenue sous la condition de son interaction avec des explications verbales. Selon le but de la série, les méthodes verbales peuvent être précédées, les fonctions d'accompagnement et finales. Par exemple, le rôle du mot est intéressant comme une installation qui anticipe l'audition de l'exécution pédagogique, la "orientation" de la perception de l'élève. En train de montrer la réplique de l'enseignant, renforcez l'attention sur tout tour de l'histoire musicale des écrits. Au cours de la conversation ultérieure, des moyens spécifiques d'expressif peuvent être traités, avec l'aide de laquelle le compositeur et l'entrepreneur réussissent à atteindre l'effet souhaité. Cette communication réveille une fantaisie créative de l'étudiant, lui donne une imagination de son imagination et de ses généralisations logiques indépendantes, développe une pensée artistique et figurative.
La combinaison de diverses méthodes explicatives et illustratifs et analyse artistique et pédagogique contribue également au développement de la sphère émotionnelle et de l'imagination, des compétences de la pensée artistique analytique et artistique de l'étudiant dans le processus de recherche d'une décision exécutive adéquate. La méthode caractéristique verbale de l'image artistique d'un travail exécutable est efficace pour la formation de compétences communicatives nécessaires à la future profession, y compris la compétence de l'improvisation pédagogique.
Compte tenu de la nature musicale et éducative de l'activité professionnelle future de l'étudiant, il faut se rappeler que le sens perbalisé (prononcé en forme verbale) Le sens personnel de l'image artistique du travail musical active à la fois l'interprète (professeur de musique) et ses auditeurs. (Élèves). Par conséquent, dans le processus de travail sur l'interprétation, l'enseignant doit être atteint du disciple de la capacité d'exprimer dans le mot l'essence de l'image de la composition musicale et de justifier de manière convaincante son interprétation effectuée.
La prochaine étape de la deuxième étape de l'interprétation artistique de l'œuvre musicale est destinée à un mode de réalisation spécifique du plan dans la sphère de la motilité de la performance, de son raffinement final et de sa conception. Les moyens nécessaires qui révèlent que l'intention créative du compositeur est la phrase, des peintures dynamiques et des possibilités timbrees de textures, de divers coups, de nuances pédagogiques, d'applications, de pédales et d'autres éléments de la langue de musique. La principale forme de travail à ce stade est l'étude des travaux sur les fragments, le développement technique et la décoration artistique de chacun d'eux, mémorisant des matières musicales pour la mémoire. Le tout passe temporairement à l'arrière-plan, laissant les détails. Mais avec un travail correctement construit, c'est la tige principale, avec laquelle tous les détails corrélent mentalement.
Contenu à la mode, le style des travaux déterminer les exigences de la technique de la musicien de l'artiste. Sans s'arrêter en détail sur l'analyse de la variété de techniques techniques, considérons l'un des moments particulièrement importants dans les domaines de l'équipement d'exécution individuel, en tant que composante de la performance professionnelle du futur professeur de musique. Avec la compréhension de la technique, les meilleurs représentants de la pédagogie de piano se lient d'abord de tout le travail sur le son. "Mastering Sound, - Lire de G.G. Néhigause, - Il y a la première tâche la plus importante entre autres tâches techniques, qui doit permettre à un pianiste, car le son est la musicienne elle-même ... dans mes cours avec des disciples, je dirai sans exagération, les trois quarts de travail sont du travail sur son. "
Directive d'intonation auxiliaire, ce qui facilite l'identification de la prononciation convaincante des intonations individuelles et de la caractéristique sonore, un paramètre verbal peut être servi. L'échelle des symboles les plus couramment utilisés des caractéristiques de qualité du son est chaque compositeur. Il aide certainement à trouver les caractéristiques sonores souhaitées de l'image. En même temps, selon G.M. Kogan, phrase "morte" vient à la vie après avoir sélectionné les mots intonationnels à elle. "
La compréhension de l'intonation du travail, à notre avis, peut être considérablement stimulée si vous souhaitez identifier la tâche héros lyrique Cet essai (V.V. Medushevsky). La vision d'une personne vivante à l'image du héros du travail contribue à la compréhension de son comportement et à créer un programme émotionnel subjectif logique. La tâche de l'étudiant de l'artiste est de fusionner sa vision du monde avec le héros de la pièce, regarde le monde à ses yeux. "Hébergement" émotionnel de l'image, l'inclusion personnelle de l'étudiant, c'est-à-dire d'attirer son expérience intellectuelle et de vie, contribuer à la connaissance du sens personnel du travail interprétable.
La capacité de reconnaître les émotions du héros lyrique, de fusionner avec lui sa propre vision, parle de l'intelligence émotionnelle développée (le développement qualitatif de la pensée artistique et figurative, et, par conséquent, une interprétation convaincante du travail musical). Tout cela rend le travail associé à la recherche d'un caractère lyrique, intéressant et fructueux, permettant de se détendre non seulement émotionnelle et intellectuelle, mais également les capacités artistiques de l'étudiant.
Dans le processus d'intonation de la réflexion de l'image artistique du travail interprétable, l'imagination artistique aide à trouver les mouvements de jeu nécessaires à sa transaction sonore. Pour toute note, l'accord, le passage ou une combinaison texturée était exactement comme nous aimerions le disciple, l'enseignant devrait l'aider à introduire non seulement la peinture sonore ou la timbre, mais aussi une réception de jeu.
La possibilité d'identifier l'initiative créative et l'indépendance de l'étudiant ouvre un problème de problèmes. Montrage pédagogique comme méthode d'apprentissage des problèmes, nous considérons d'un point de vue que, à cette capacité, il est utile de garantir la création d'une situation de recherche de problèmes en définissant les tâches liées au choix et à la justification de la décision. Cela peut être atteint en affichant des options possibles pour effectuer des matériaux musicaux. Dans ce cas, l'étudiant choisit de manière indépendante la variété d'interprétation exécutée correspondant à ses inclinations créatives et tente de trouver des moyens techniques pour résoudre un problème artistique spécifique.
Cependant, les spécificités des activités d'exécution sont telles que lors de son développement, les moments d'une autre commande peuvent survenir. Mouvements eux-mêmes - sur principe rétroaction - Affecter le travail d'imagination, de conscience et d'audition (A. Vitzinsky, O. Shulpyakov). La main lors de la recherche de la réaction prend la capacité d'entendre "(S. Savshinsky); Non seulement à "express", mais aussi à "anticiper" une ou une autre nature du son. Au cœur de la Jasa, les compétences de l'étudiant et l'interpréteur de musicien mature devraient mentir l'image sonore et les sensations des mains.
Il semble que le matériau ci-dessus suffisait assez pour s'assurer que l'utilisation du potentiel créatif de la technique (en particulier, travailler sur le son) dans le processus d'interprétation de l'image artistique.
La situation de la naissance de l'interprétation exécutante du travail musical prend du temps - et plus le plus difficile image artistique Selon le plan, tailles, forme. Avec une maturité musicale insuffisante de l'artiste (le moment de sa formation professionnelle), la durée de ce processus peut entraîner une perte partielle de son intérêt pour le travail. Par conséquent, à ce stade, l'enseignant nécessite une activité maximale, et la capacité de diriger un étudiant. Aider un étudiant à entrer dans le plan de l'auteur, travailler sur diverses tâches d'exécution, la recherche de la diversité et de la coloration du son, l'enseignant doit être surveillé de manière à ce que l'intérêt de la beauté de l'harmonie, l'image sensuelle de l'exécution, la signification de la le sens intoné du travail musical. Certaines méthodes d'analyse artistique et pédagogique, adéquate à l'art musical de la nature, sont conçues pour aider. En plus de mentionné précédemment (recherchez une série artistique associative, une synthèse des associations musicales et des associations visuelles), nous énumérons ceux qui, à notre avis, contribuent à créer une atmosphère de créativité dans la leçon:
La méthode de comparaison des travaux du compositeur sur le principe des similitudes et des différences (décrite en détail dans les travaux de B. Asafyev et N. Grodzenskaya);
La méthode de comparaison de diverses options pour le même travail (options, éditions, croquis);
Méthode "destruction" ou un changement délibéré dans un ou plusieurs moyens expressivité artistique (vitesses, force sonore, traits), contribuant à trouver leur ratio optimal pour créer une image artistique;
La méthode "de la réinstalité" contribuant à la meilleure compréhension de la phrase exécutée.
Bien entendu, l'utilisation de ces méthodes d'analyse artistique et pédagogique nécessite une prise de conscience de l'opportunité pédagogique dans chaque cas. Dans le même temps, ils aident à résoudre le problème complexe de la relation d'une initiative étudiante et pédagogique dans le processus de création d'une interprétation de la composition musicale. La capacité de travailler dans un dialogue avec l'enseignant stimule le développement des compétences des activités artistiques et communicatives de l'étudiant, crée les conditions de son expression de soi adéquate dans la situation proposée. Travailler dans le "concept d'étudiant" (Définition de VG Razhnikova), saturation et amélioration de ce concept, l'enseignant aide l'étudiant à entrer dans l'idée musicale de l'auteur et à surmonter les tâches exécutives privées, apporter la première " Hypothèse de travail "d'interprétation à la finale, troisième, étape sa formation.
Appelez cette étape le moment de «Assemblée» G.M. Le Kogan explique: "Depuis lors, des accents sont déplacés; Travailler sur des tranches Bien qu'il continue, mais prend la nature du raffinement, se termine, sur le tout premier plan, il existe une lecture du travail de l'ensemble, l'exécution d'essai. Ils constituent le contenu principal de la phase de montage. " L'élève a la possibilité d'exécuter librement, se concentrer uniquement sur l'image la plus musicale.
Lorsque vous jouez un travail préparé, il est tout à fait possible de les présenter aux nouveaux détails, pas auparavant. Tout d'abord, il peut toucher la performance aggohics - moments associés au tempo et au rubato rythmique, un sentiment coloré d'harmonie, une "prononciation artistique des traits, etc. Cette manifestation des intentions créatives de l'élève n'est pas un arbitraire, mais une sorte de la synthèse de sa propre perception de la musique et des perceptions de pédagogus, le résultat de leur collaboration. Nous entendons ici l'état des relations internes, la liberté créative, le rapprochement spécial avec le monde des images d'essai interprétées, qui est prérequis Pour une performance complète non seulement dans un musicien mature, mais aussi chez l'étudiant. Soutenir l'initiative de l'étudiant, en encourageant même les décisions de direction les plus modestes revêt une importance primordiale.
Conclusion
Les foules d'exécution de concert travaillent sur un travail musical. Au stade, selon la majorité des interprètes et des professeurs-musiciens, le processus de son interprétation artistique est terminé. "Bien sûr," N.a. écrit LYOMOMUDOVA, - tout essai devrait être généralement bien appris et exécuté, mais c'est un discours public qui rend le total des travaux effectués dans la classe, obligeant et l'étudiant et l'enseignant à une qualité plus élevée, nécessitant une achèvement et un soulagement particulier de l'idée de l'idée. " Avec la déclaration de l'envoi de Lubomatom, les mots de A. B. GoldenveyUizer: «L'exécution n'a alors été terminée que lorsque le travail jouera dans la scène; C'est un discours pop qui donne un impulsion puissant au développement artistique. "
L'accent mis sur la transmission à un autre de sa lecture d'une image musicale particulière a une importance pédagogique importante résultant de l'interaction naturelle de l'artiste interprète et des auditeurs au moment de l'interprétation. Les psychologues études (D.L. Bochariv, V.yu. Grigoriev, M. Kapustin, G.M, Tsypin, etc.) montrent que le contact de l'artiste et des auditeurs est la base de la créativité d'interprétation dans le processus de communication musicale.
La réaction du public, la perception active de l'entendue donne lieu à un lien spirituel avec un musicien interprétant le travail, grâce à ses compétences, à ses compétences et à sa passionisme dans la divulgation de la conception artistique du travail musical. L'évaluation et l'approbation de l'auditeur sont une incitation à la poursuite du développement de recherches créatives dans la création de leurs propres interprétations. Compétence La communication créative avec le public par l'interprétation exécutive peut servir de moyens efficaces de développement artistique et figuratif du futur musicien des enseignants.
Bibliographie
1. Dubinets E. "Sons de sons" K. Gamaun, 1999,
2. Paramètre d'expression Holopova B. dans la musique de S. Bureyadulina. Dans la collection: "Les principales tendances musique moderne»Moscou, musique, 2007
3. Dictionnaire encyclopédique soviétique ED. "Encyclopédie soviétique 1980
‹ ›
Pour télécharger le matériel, entrez votre e-mail, spécifiez qui vous êtes et cliquez sur
En appuyant sur le bouton, vous acceptez de recevoir de nous une newsletter e-mail.
Si le téléchargement n'est pas démarré, cliquez à nouveau sur "Télécharger le matériel".
- Musique
La description:
Le problème de l'interprétation des travaux musicaux dans le processus d'apprentissage
La forme de classes individuelles dans l'enseignement du jeu sur un instrument de musique est, selon les professeurs classés des chercheurs, un territoire particulier, surtout, le développement créatif de l'étudiant, où il collabore avec l'enseignant manifeste son individualité dans le processus. de travailler sur des œuvres musicales.
La mise en œuvre de l'apprentissage et de développement des possibilités de l'interprétation implique un manuel ciblé de l'enseignant, ajustant le processus d'interprétation, en tenant compte des caractéristiques individuelles de l'étudiant qui stimule la recherche créative de la solution optimale de la performance, en développant les compétences de l'auto- Activités réalisatrices dans le processus d'interprétation artistique du texte de la musique du travail musical. La création d'un enseignant et d'un étudiant en travaillant sur l'interprétation artistique des écrits musicaux est une condition nécessaire pour le développement de la pensée artistique et figurative d'un musicien étudiant.
Cela est mis en évidence par l'expérience du piano exceptionnel des professeurs domestiques. Dans la classe d'enseignant national célèbre L.V. Nikolaev L'interprétation effectuée de tout travail musical à chaque fois construite de différentes manières, en fonction de l'individualité de l'étudiant. "L'enseignant, assez sensible à la leçon", a écrit L.V. Nikolaev, - dit et agit sur la base de ce qu'il a entendu de l'étudiant, lui conférant. Par conséquent, dans le travail pédagogique, il est nécessaire d'improviser à chaque fois. " Le principe de l'approche créative «improvisationnelle ™» des étudiants était l'une des activités de leadership de ce musicien.
Un autre musicien exceptionnel G.G. Néhigause, créant une atmosphère de spiritualité extraordinaire dans le processus d'occupation, considérée comme importante pour rendre chaque élève qui est entré dans l'image poétique pour lui mobiliser toutes ses forces et opportunités spirituelles. Comme indique de manière convaincante E.n. Fedorovich, ce fut la coopération qui a servi de base à l'éducation de la personnalité créatrice de l'élève dans la pratique pédagogique de nombreux pianistes domestiques exceptionnels: F.M. Bluemenfeld, K.n. Igumnova, G.G. Néhigauza, L.V. Nikolaeva, A.G. Rubinstein, n.g. Rubinstein, S.B. Fainberg.
Une véritable maîtrise des œuvres musicales et la création de ses propres interprétations originales dans la catégorie des principaux instruments de musique sont effectuées dans le processus d'exécution des activités. La cognition va surmonter les difficultés de contenu musical et de forme musicale, grâce à la compréhension de la logique du travail, comparant son image musicale.
Selon L.A. Barenboima, cette connaissance est associée au développement d'étudiants en compétences d'apprentissage, opérant avec des documents musicaux, trouvez des similitudes et une distinction, analyser et synthétiser, établir des relations. Il est absolument évident que les actions exécutantes sont inséparables du système mental. Mais dans le même temps, l'activité musicale est impossible sans l'expérience émotionnelle du processus d'exécution et de créer une image artistique, et la peinture émotionnelle du processus de connaissances est caractéristique de l'apprentissage des problèmes. Le développement de travaux musicaux est associé au problème d'une certaine complexité de l'ordre théorique et pratique. Ils couvrent les lois générales de la musique, les particularités du développement musical, les principes de construction de la forme, des spécificités de la langue harmonique et mélodique, etc.
L'acquisition permanente de nouvelles connaissances, la capacité de les appliquer dans la pratique, la participation de processus mentaux fondamentaux - tout cela contribue efficacement à la formation de la pensée artistique et figurative. L'éducation de la motivation positive implique également l'inclusion des futurs professeurs-musiciens dans des activités musicales et performantes actives. La prise de conscience du répertoire proposé comme significativement significative est associée à l'utilisation systématique de celui-ci dans la pratique pédagogique et exécutive. À cette fin, nous essayons autant que possible d'élargir la sphère de la performance personnelle des étudiants en classes dans toutes les disciplines musicales.
L'impulsion des compétences de recherche nécessaires pour étudier l'ère, le style, la biographie composante est une condition importante pour la formation de la pensée artistique et figurative des futurs professeurs de musique et, par conséquent, les interprétations des travaux musicaux exécutés par eux. Les étudiants doivent apprendre à travailler avec une littérature méthodologique et psychologique et pédagogique, sélectionner le matériel approprié et l'utiliser, mener des expériences dans la formation, résumer et systématiser ces observations, écrire des résumés ou des rapports sur diverses questions d'intérêt.
Les activités épanouissantes du futur professeur de musique procèdent plus avec succès, sous réserve de la formation d'une attitude positive à l'égard des discours dans le public, des exigences en matière d'accomplissement des activités, de la préparation psychologique et de la satisfaction de celui-ci, la présence d'intérêt cognitif pour la performance musicale et les autres motifs que encourager les activités actives actives.
Nous voyons un sens à présenter les recommandations générales concernant les formes et les méthodes de formation artistique et figurative, promettant en termes d'impact sur la création d'une interprétation artistique des œuvres musicales. À cette fin, nous analysons le processus d'interprétation artistique lui-même, ainsi que de se concentrer sur certains aspects qui doivent être liés indirectement au sujet de notre étude, mais sont en même temps nécessaires à la formation d'une pensée artistique et figurative de la professeur de musique.
Il convient de noter que c'est la première étape de travailler sur l'interprétation des travaux musicaux est décisif pour déterminer les caractéristiques individuelles dans la compréhension de l'image artistique des travaux à l'étude. Comment réveiller un fantasme, envoyez-le à la direction nécessaire de la compréhension logique de la texture musicale et de la nature de l'image artistique, comment aider à choisir les artistes interprètes, l'idée la plus adéquate du compositeur - celles-ci et de nombreux autres Des questions moins importantes surviennent devant l'enseignant au tout début du processus d'interprétation.
La connaissance du travail commence généralement par la lecture d'un texte de réservoir, la compilation d'une idée de «croquis» intraloïde de celui-ci avant le début d'une étude détaillée. Pour voir que tout est écrit dans des notes et sentez que nous exprimons des signes de texte - la tâche n'est pas facile. Le rôle de l'enseignant à ce stade est que, sans montrer une activité excessive, donner une "clé" à la solution du contenu de la langue musicale de l'essai. Cette aide est très importante, car même la réponse émotionnelle droite au travail exécutable ne suffit pas à comprendre l'interprétation artistique dans son ensemble. Au stade initial de la formation des compétences d'interprétation artistique, en règle générale, l'enseignant est prévu de l'esquisse du plan d'actions de l'élève. L'érudition musicale et artistique de l'enseignant est particulièrement nécessaire pour le disciple dans les travaux sur les compositions, dont les auteurs n'étaient pas complètement fixés leurs intentions sur papier. À titre d'exemple, j'appellerai Urcocta I.S. Baha, qui, comme beaucoup de ses contemporains, a enregistré un minimum de notes.
En train de maîtriser le texte musical, l'un des plus importants et difficiles est la compétence de lecture effectuée avec une feuille. Grâce à lui, le joueur reçoit la première idée du travail étudié. Cette compétence contribue au développement de l'activité interne de l'étudiant, l'intensification de son fantasme créatif et de sa pensée. L'une des conditions de la bonne lecture de la feuille est la capacité de "saisir" complexes musicaux significatifs: "horizontal" (constructions mélodiques étendues) et "verticale" (changement d'harmonies).
Notre expérience dans le département de la musique de l'Institut pédagogique de Kolomna nous permet de parler d'un niveau de possession plutôt faible d'élèves avec cette compétence de performance, ce qui entraîne une petite quantité et une faible qualité matérielle passée. Pendant ce temps, une bonne lecture d'une feuille est nécessaire pour créer des bagages des interprètes du futur musicien, conçu pour promouvoir tout le meilleur, créé dans l'art musical. En outre, le développement rapide et compétent d'un texte de réservoir peut aider les élèves dans les domaines adjacents de leur formation vocale et de choeur de chef-chef.
La formation de compétences en lecture d'une feuille devrait être lancée avec le développement de la capacité de voir le texte de la musique dans le but de clarifier la structure du travail (raffinement de la taille et de la litotonalité, des votes de textures, de mélodies et de maintenance). En regardant par le texte, l'étudiant écoute mentalement au matériel musical. Cela l'amène à une représentation plus claire du caractère de l'étudiant étudié et peut contribuer au développement de l'audience intérieure de l'élève. L'audience intérieure est basée sur la capacité d'exploitation avec des idées d'audience musicales - le signe qualitatif le plus important de la pensée créative. Fondée sur la technique de la lecture rapide et compétente des notes, l'exécution avec la feuille aidera l'élève plus facile et plutôt forme sa propre idée d'une idée musicale particulière et de son plan d'interprétation.
L'impact émotionnel de la matière musicale fraîche et directe du matériau musical permet à l'entrepreneur de prédire de manière conditionnelle un modèle de la perception ultérieure de l'auditeur, ce qui est particulièrement important dans la performance de l'enseignant de la musique.
La deuxième étape de l'interprétation artistique repose sur la compréhension logique du tissu matériel du travail interprétable, la création de sa prépondérance artistique et sonore dans l'imagination et de la recherche des chemins, des méthodes et des moyens les plus parfaits de son incarnation. Le caractère créatif de la recherche d'exécution de l'image artistique auditive interne parfaite de l'œuvre musicale implique un type de problème d'apprentissage. Le nécessaire pour trouver de manière indépendante une décision, les étudiants n'assimilent pas passivement les informations prêtes à l'emploi présentées par l'enseignant et sur la base des connaissances antérieures, sur la base de la logique de raisonnement ultérieur, ils se présentent de manière indépendante à de nouvelles connaissances. La solution au problème de la nature problématique active la pensée artistique et figurative de l'étudiant, contribue à l'élaboration d'intérêts pour les activités de remplissage liées, notamment avec la recherche, la nature de la recherche de l'interprétation des œuvres musicales.
Le développement de la pensée artistique et figurative, de l'avis des enseignants des enseignants, contribue à une attitude personnelle à l'égard du travail interprétable, la capacité de créer sa propre idée de son contenu figuratif-intonation basé sur l'expérience de l'activité esthétique, tous la richesse de la vie et des impressions musicales. "Aucune créativité performante n'est impossible, - nous avons lu dans YA. MILSTEIN, - Si l'interprète n'a aucune information préalable dans son esprit, s'il n'est pas préparé pour tout son développement précédent, l'éducation ... plus le thésaurus de l'artiste, plus de son "magasin" d'associations et d'images. .. Plus la personnalité plus large et plus profonde, plus elle est importante, plus brillante, est riche en association, découlant de lui lorsque vous contactez la pensée de l'auteur, avec des informations primaires. "
Non moins significatif est l'utilisation de sources d'informations médiées dans le processus de création d'une interprétation des travaux musicaux de l'ère, dans lesquels l'auteur a vécu, des informations sur lui-même, sa méthode de création et son style, les traditions existantes de satisfaire ses écrits musicaux . Cela contribue non seulement au développement de l'intérêt cognitif de l'étudiant, en élargissant sa base de connaissances artistiques, mais permet également de décrire le «sous-texte» émotionnel d'un billet de note du travail, qui donne au caractère individuel de son exécution interprétation.
Le réveil de la fantaisie de l'étudiant, trouver un sens personnel en travaillant sur l'interprétation est étroitement liée à la recherche d'associations artistiques et façonnées, de métaphore, de comparaisons. La compréhension associative des images musicales est une méthode de pénétration efficace dans le système artistique et poétique, affectant considérablement le processus de compréhension, d'expériences et d'exécution de la musique, qui est particulièrement importante dans l'éducation des artistes interprètes de l'enseignant. Ce moment est également important dans la communication de l'enseignant et de son auditoire dans les cours d'école à l'école.
De la capacité de pénétrer dans la teneur émotionnelle du jeu joué, de la capacité de créer un programme émotionnel individuel de ses performances dépend du développement du potentiel créatif des étudiants et de la résolution des tâches artistiques liées à l'interprétation des œuvres musicales. À l'avenir, l'effet esthétique de la créativité exécutante de l'enseignant de la musique, la profondeur de l'impact de son interprétation artistique sur le public de l'école sera basée sur ces qualités. La divulgation des possibilités créatives des étudiants, le développement d'une attitude émotionnelle envers le produit exécutable en eux est une tâche importante, dont la solution est possible lors de l'application des méthodes pédagogiques spéciales et des techniques spéciales.
Ainsi, la préparation de l'affichage pédagogique du travail musical est activement promue par l'éducation de «l'appareil d'assistance» et «Macecraft» (K.S. Stanislavsky). La méthode de spectacle pédagogique est une "infection" émotionnelle, le transfert de l'idée principale du produit interprétable à l'étudiant. Différents types de spectacles peuvent être utilisés: spectacle - «Implication» (L.A. BarenboiM), spectacle «à la recherche» (M.E. Faigin), montrant le code sémantique du travail (K.n. Igumnov) et ainsi de suite.
La plus grande efficacité du spectacle pédagogique est obtenue sous la condition de son interaction avec des explications verbales. Selon le but de la série, les méthodes verbales peuvent être précédées, les fonctions d'accompagnement et finales. Par exemple, le rôle du mot est intéressant comme une installation qui anticipe l'audition de l'exécution pédagogique, la "orientation" de la perception de l'élève. En train de montrer la réplique de l'enseignant, renforcez l'attention sur tout tour de l'histoire musicale des écrits. Au cours de la conversation ultérieure, des moyens spécifiques d'expressif peuvent être traités, avec l'aide de laquelle le compositeur et l'entrepreneur réussissent à atteindre l'effet souhaité. Cette communication réveille une fantaisie créative de l'étudiant, lui donne une imagination de son imagination et de ses généralisations logiques indépendantes, développe une pensée artistique et figurative.
La combinaison de diverses méthodes explicatives et illustratifs et analyse artistique et pédagogique contribue également au développement de la sphère émotionnelle et de l'imagination, des compétences de la pensée artistique analytique et artistique de l'étudiant dans le processus de recherche d'une décision exécutive adéquate. La méthode caractéristique verbale de l'image artistique d'un travail exécutable est efficace pour la formation de compétences communicatives nécessaires à la future profession, y compris la compétence de l'improvisation pédagogique.
Compte tenu de la nature musicale et éducative de l'activité professionnelle future de l'étudiant, il faut se rappeler que le sens perbalisé (prononcé en forme verbale) Le sens personnel de l'image artistique du travail musical active à la fois l'interprète (professeur de musique) et ses auditeurs. (Élèves). Par conséquent, dans le processus de travail sur l'interprétation, l'enseignant doit être atteint du disciple de la capacité d'exprimer dans le mot l'essence de l'image de la composition musicale et de justifier de manière convaincante son interprétation effectuée.
La prochaine étape de la deuxième étape de l'interprétation artistique de l'œuvre musicale est destinée à un mode de réalisation spécifique du plan dans la sphère de la motilité de la performance, de son raffinement final et de sa conception. Les moyens nécessaires qui révèlent que l'intention créative du compositeur est la phrase, des peintures dynamiques et des possibilités timbrees de textures, de divers coups, de nuances pédagogiques, d'applications, de pédales et d'autres éléments de la langue de musique. La principale forme de travail à ce stade est l'étude des travaux sur les fragments, le développement technique et la décoration artistique de chacun d'eux, mémorisant des matières musicales pour la mémoire. Le tout passe temporairement à l'arrière-plan, laissant les détails. Mais avec un travail correctement construit, c'est la tige principale, avec laquelle tous les détails corrélent mentalement.
Contenu à la mode, le style des travaux déterminer les exigences de la technique de la musicien de l'artiste. Sans s'arrêter en détail sur l'analyse de la variété de techniques techniques, considérons l'un des moments particulièrement importants dans les domaines de l'équipement d'exécution individuel, en tant que composante de la performance professionnelle du futur professeur de musique. Avec la compréhension de la technique, les meilleurs représentants de la pédagogie de piano se lient d'abord de tout le travail sur le son. "Mastering Sound, - Lire de G.G. Néhigause, - Il y a la première tâche la plus importante entre autres tâches techniques, qui doit permettre à un pianiste, car le son est la musicienne elle-même ... dans mes cours avec des disciples, je dirai sans exagération, les trois quarts de travail sont du travail sur son. "
Directive d'intonation auxiliaire, ce qui facilite l'identification de la prononciation convaincante des intonations individuelles et de la caractéristique sonore, un paramètre verbal peut être servi. L'échelle des symboles les plus couramment utilisés des caractéristiques de qualité du son est chaque compositeur. Il aide certainement à trouver les caractéristiques sonores souhaitées de l'image. En même temps, selon G.M. Kogan, phrase "morte" vient à la vie après avoir sélectionné les mots intonationnels à elle. "
La compréhension intannationnelle du travail, à notre avis, peut être considérablement stimulée si vous mettez la tâche avant que les étudiants identifient le héros lyrique de cette composition (V.V. Medushevsky). La vision d'une personne vivante à l'image du héros du travail contribue à la compréhension de son comportement et à créer un programme émotionnel subjectif logique. La tâche de l'étudiant de l'artiste est de fusionner sa vision du monde avec le héros de la pièce, regarde le monde à ses yeux. "Hébergement" émotionnel de l'image, l'inclusion personnelle de l'étudiant, c'est-à-dire d'attirer son expérience intellectuelle et de vie, contribuer à la connaissance du sens personnel du travail interprétable.
La capacité de reconnaître les émotions du héros lyrique, de fusionner avec lui sa propre vision, parle de l'intelligence émotionnelle développée (le développement qualitatif de la pensée artistique et figurative, et, par conséquent, une interprétation convaincante du travail musical). Tout cela rend le travail associé à la recherche d'un caractère lyrique, intéressant et fructueux, permettant de se détendre non seulement émotionnelle et intellectuelle, mais également les capacités artistiques de l'étudiant.
Dans le processus d'intonation de la réflexion de l'image artistique du travail interprétable, l'imagination artistique aide à trouver les mouvements de jeu nécessaires à sa transaction sonore. Pour toute note, l'accord, le passage ou une combinaison texturée était exactement comme nous aimerions le disciple, l'enseignant devrait l'aider à introduire non seulement la peinture sonore ou la timbre, mais aussi une réception de jeu.
La possibilité d'identifier l'initiative créative et l'indépendance de l'étudiant ouvre un problème de problèmes. Montrage pédagogique comme méthode d'apprentissage des problèmes, nous considérons d'un point de vue que, à cette capacité, il est utile de garantir la création d'une situation de recherche de problèmes en définissant les tâches liées au choix et à la justification de la décision. Cela peut être atteint en affichant des options possibles pour effectuer des matériaux musicaux. Dans ce cas, l'étudiant choisit de manière indépendante la variété d'interprétation exécutée correspondant à ses inclinations créatives et tente de trouver des moyens techniques pour résoudre un problème artistique spécifique.
Cependant, les spécificités des activités d'exécution sont telles que lors de son développement, les moments d'une autre commande peuvent survenir. Les mouvements eux-mêmes - selon le principe de rétroaction - affectent le travail d'imagination, de conscience et d'audition (A. Vitsinsky, O. Shulpyakov). La main lors de la recherche de la réaction prend la capacité d'entendre "(S. Savshinsky); Non seulement à "express", mais aussi à "anticiper" une ou une autre nature du son. Au cœur de la Jasa, les compétences de l'étudiant et l'interpréteur de musicien mature devraient mentir l'image sonore et les sensations des mains.
Il semble que le matériau ci-dessus suffisait assez pour s'assurer que l'utilisation du potentiel créatif de la technique (en particulier, travailler sur le son) dans le processus d'interprétation de l'image artistique.
La situation de la naissance de l'interprétation exécutive du travail musical prend du temps - et encore plus que la plus difficile l'image artistique selon le plan, la taille, la forme. Avec une maturité musicale insuffisante de l'artiste (le moment de sa formation professionnelle), la durée de ce processus peut entraîner une perte partielle de son intérêt pour le travail. Par conséquent, à ce stade, l'enseignant nécessite une activité maximale, et la capacité de diriger un étudiant. Aider un étudiant à entrer dans le plan de l'auteur, travailler sur diverses tâches d'exécution, la recherche de la diversité et de la coloration du son, l'enseignant doit être surveillé de manière à ce que l'intérêt de la beauté de l'harmonie, l'image sensuelle de l'exécution, la signification de la le sens intoné du travail musical. Certaines méthodes d'analyse artistique et pédagogique, adéquate à l'art musical de la nature, sont conçues pour aider. En plus de mentionné précédemment (recherchez une série artistique associative, une synthèse des associations musicales et des associations visuelles), nous énumérons ceux qui, à notre avis, contribuent à créer une atmosphère de créativité dans la leçon:
La méthode de comparaison des travaux du compositeur sur le principe des similitudes et des différences (décrite en détail dans les travaux de B. Asafyev et N. Grodzenskaya);
La méthode de comparaison de diverses options pour le même travail (options, éditions, croquis);
La méthode de "destruction" ou un changement délibéré d'un ou de plusieurs moyens d'expressivité artistique (vitesse, puissance, traits), aide à trouver leur ratio optimal dans la création d'une image artistique;
La méthode "de la réinstalité" contribuant à la meilleure compréhension de la phrase exécutée.
Bien entendu, l'utilisation de ces méthodes d'analyse artistique et pédagogique nécessite une prise de conscience de l'opportunité pédagogique dans chaque cas. Dans le même temps, ils aident à résoudre le problème complexe de la relation d'une initiative étudiante et pédagogique dans le processus de création d'une interprétation de la composition musicale. La capacité de travailler dans un dialogue avec l'enseignant stimule le développement des compétences des activités artistiques et communicatives de l'étudiant, crée les conditions de son expression de soi adéquate dans la situation proposée. Travailler dans le "concept d'étudiant" (Définition de VG Razhnikova), saturation et amélioration de ce concept, l'enseignant aide l'étudiant à entrer dans l'idée musicale de l'auteur et à surmonter les tâches exécutives privées, apporter la première " Hypothèse de travail "d'interprétation à la finale, troisième, étape sa formation.
Appelez cette étape le moment de «Assemblée» G.M. Le Kogan explique: "Depuis lors, des accents sont déplacés; Travailler sur des tranches Bien qu'il continue, mais prend la nature du raffinement, se termine, sur le tout premier plan, il existe une lecture du travail de l'ensemble, l'exécution d'essai. Ils constituent le contenu principal de la phase de montage. " L'élève a la possibilité d'exécuter librement, se concentrer uniquement sur l'image la plus musicale.
Lorsque vous jouez un travail préparé, il est tout à fait possible de les présenter aux nouveaux détails, pas auparavant. Tout d'abord, il peut toucher la performance aggohics - moments associés au tempo et au rubato rythmique, un sentiment coloré d'harmonie, une "prononciation artistique des traits, etc. Cette manifestation des intentions créatives de l'élève n'est pas un arbitraire, mais une sorte de la synthèse de sa propre perception de la musique et des perceptions de pédagogus, le résultat de leur collaboration. Nous entendons ici l'état des relations internes, la liberté créative, le rapprochement spécial avec le monde des images d'un essai interprété, qui est une condition préalable à une performance à part entière non seulement d'un musicien mature, mais aussi d'un étudiant. Soutenir l'initiative de l'étudiant, en encourageant même les décisions de direction les plus modestes revêt une importance primordiale.
Il est difficile de donner une réponse définissable à cette question. Il existe peut-être des fondations afin de préférer l'exécution de l'exécution du compositeur-interpréteur de l'artiste, qui a un talent purement performant. Mais je ne discuterais pas de manière catégorique que cela arrive systématiquement exactement que, et non autrement, malgré le fait que les deux des plus grandes de l'histoire du pianiste - feuille et rubinstein étaient les deux compositeurs. Quant à Meself, je me sens si mon exécution de mes propres essais diffère de la performance des œuvres d'autres personnes, c'est parce que je connais ma musique mieux.
Compositeur Je pensais déjà tellement sur elle, qu'il est devenu comme une partie de moi. En tant que pianiste, je viens à elle à l'intérieur, la compréhensif que tout autre artiste ne peut la comprendre. Après tout, les œuvres étrangères apprennent toujours à quel point il est neuf. Vous ne pouvez jamais être sûr que son accomplissement effectue correctement le plan d'un autre compositeur. J'étais convaincu par l'apprentissage de mes œuvres avec d'autres pianistes que pour le compositeur, il peut être très difficile de révéler sa compréhension des écrits, expliquer à l'entrepreneur comment le jeu devrait être joué.
Il y a deux vitales qualités importantesinhérent au compositeur, qui ne sont pas nécessaires dans la même mesure pour l'artiste. Le premier est l'imagination. Je ne veux pas dire que l'artiste n'a pas d'imagination. Mais il y a toutes les raisons de croire que le compositeur a plus qu'un cadeau, car il doit avoir avant de créer, - imaginez. Imaginez avec une telle force de sorte que dans sa conscience, il y a une image rectifiante du travail futur, avant au moins une note est écrite. Son travail terminé est une tentative d'incarnation dans la musique l'essence même de cette image. Il en résulte que lorsque le compositeur interprète son travail, cette image se tienne clairement dans son esprit, tandis que tout musicien effectuant les œuvres d'autres personnes devrait s'imaginer nouvelle photo. Le succès et la vitalité de l'interprétation dans une large mesure dépendent de la force et de la vivacité de son imagination. Et en ce sens, il me semble que l'interprète Compositeur, dont l'imagination est si développée de la nature, on peut dire, a un avantage sur l'artiste - seul l'interprète.
Et un cadeau encore plus important, qui distingue le compositeur de tous les autres musiciens, est un sentiment de saveur musical finement développé. On dit que Anton Rubinstein savait que pas d'autre pianiste, extraire la richesse étonnante et une variété de peintures purement musicales du piano. Écouter le jeu de Rubinstein, parfois, il semblait que dans ses mains - tous les moyens du grand orchestre, pour, étant aussi un grand compositeur, Rubinstein possédait un sentiment intense de la couleur musicale, se propageant à la fois sur sa performance et son activité créative. Personnellement, je crois que la possession d'un sentiment aigu de couleur musicale est le plus grand avantage du compositeur. Peu importe la beauté du musicien, je pense que cela ne sera jamais capable de réaliser toute la profondeur de la sensation et de la reproduction de la gamme complète de couleurs musicales, qui fait partie intégrante du talent compositeur.
Compositeur, qui est aussi un conducteur, est sentiment aigu La colorite peut être une interférence lors de l'interprétation de travaux étrangers, car il peut être dans la performance des peintures autres que le compositeur dissimulé.
Toujours le compositeur est le conducteur parfait - l'interprète de ses écrits. J'entendais les trois grands artistes-créateurs - Roman-Kororsakov, Tchaïkovsky et Rubinstein, qui ont mené leurs œuvres et le résultat a été vraiment déplorable. Parmi toute la vocation musicale, la conduite est un manoir - c'est une rencontre individuelle qui ne peut être familiarisée. Pour être un bon chef d'orchestre, le musicien doit avoir une énorme maîtrise de soi. Il doit être capable de rester calme. Mais calme - cela ne signifie pas la sérénité et l'indifférence. Il est nécessaire de forte intensité du sentiment musical, mais dans sa base, il devrait y avoir un équilibre parfait de la pensée et de la maîtrise de soi complète. Conduite, je ressens quelque chose de près de ce que je ressens, conduisant ma voiture, - calme intérieur, qui me donne la pleine possession de lui-même et de ces forces - musicale ou mécanique - qui me subordonnent.
Les parties de l'artiste-interprète, le problème de la propriété par leurs émotions est plus personnelle. Je sais bien que ma journée de jour est une journée différente. Pianiste - acoustique esclave. Seulement jouer de la première pièce, ayant vécu l'acoustique de la salle et sentir l'atmosphère générale, je sais, dans quelle carême je passerai tout le concert. En un certain point, ce n'est pas bon pour moi, mais peut-être que c'est mieux pour un artiste de ne jamais être préfonciné dans votre jeu que d'atteindre un certain niveau d'exécution inchangé qui peut facilement se transformer en une routine mécanique.
Le compositeur-interprète est-il que la vie de l'artiste de l'artiste a un effet défavorable sur son travail?
Cela dépend de l'individualité de l'artiste. Par exemple, Strauss agit activement comme compositeur et conducteur. Rubinstein a travaillé sur l'écriture de la musique tous les matins de sept à douze ans, passant le reste de la journée pour le piano. Personnellement, je trouve une telle double vie impossible. Si je joue, je ne peux pas composer si je compose, je ne veux pas jouer. Peut-être que c'est parce que je suis paresseux; Peut-être les classes incessantes sur le piano et l'agitation éternelle associée à la vie de l'artiste de concert, prenez-moi trop de force. C'est peut-être parce que je sens que la musique que j'aimerais composer, aujourd'hui est inacceptable. Et peut-être que la véritable raison du fait que j'ai préféré la vie de l'artiste-interprète de la vie du compositeur, très différente ces dernières années. Après avoir quitté la Russie, j'ai perdu le souhait de composer. Après avoir perdu sa patrie, je me suis perdu. L'exil, qui perdit des racines musicales, des traditions et des sols indigènes, ne reste pas le désir de créer, il n'y a pas d'autres consolations, à l'exception du silence non pertinent des grands souvenirs.
Travailler sur le travail musical est processus créatif, dont la variété est liée à caractéristiques de l'art Travaux et diverses caractéristiques individuelles de l'artiste. Quelles tâches vous levez-vous devant lui? Et qui contribue au développement capacités de création L'artiste, stimule la formation de son goût musical, des compétences professionnelles?
Cela signifie faire; Cela dépend de l'artiste, il ravivera le travail musical, l'a inspiré ou la donomise, remise. Comment y parvenir? Par pénétration profonde dans la teneur en travail et l'incarnation du contenu musical basé sur une image artistique. Les loisirs du contenu du travail impliquent la loyauté envers le texte de l'auteur, une compréhension de l'orientation idéologique de la composition, la saturation émotionnelle ( art musical affecte la sphère émotionnelle de la perception humaine).
Créer une image artistique est impossible sans tenir compte de l'originalité de l'époque historique, dans laquelle le travail a été créé; le sien caractéristiques du genre, national Chert La vision du monde du compositeur, la nature de l'utilisation de moyens de musique expressifs, c'est-à-dire que tout ce que nous appelons les fonctionnalités de style ou les fonctionnalités. Toutes les fonctionnalités de style répertoriées doivent être prises en compte dans les travaux sur le travail musical. Ils définissent l'essence du travail; Il est basé sur une étude approfondie du travail, le désir est possible de pénétrer dans son contenu plus profondément. Tout cela est étroitement lié au concept d'interprétation.
Interprétation - (de l'interprétation latine-explosion, d'interprétation) -Procéder de la réalisation du son du texte de la musique. L'interprétation dépend des principes esthétiques de l'école ou de la direction à laquelle l'artiste appartient de ses caractéristiques individuelles et de ses conceptions idéologiques et artistiques. L'interprétation suggère approche individuelle À la musique exécutable, une attitude active, la présence d'un concept créatif d'un artiste de modes de réalisation du plan de l'auteur. Avant le début de 19V, l'art de l'interprétation était étroitement lié à créativité Compositeur: En règle générale, les compositeurs eux-mêmes ont exécuté leurs écrits. Le développement de l'interprétation est dû à l'activation des activités de concert.
En tant qu'arthie indépendante, l'interprétation acquiert une valeur spéciale des 20-30 sur 19 mois. Dans la pratique accomplie est approuvé nouveau type Interprète musicien - des œuvres interprètes d'autres compositeurs. En parallèle, il existe des traditions de droit d'auteur. Les interprètes minces des œuvres d'autres auteurs étaient F. Fiche, A.G.Rubinshtein, S.V. Rhahmaninov. De la seconde moitié du XIXe siècle, il existe une théorie de l'interprétation musicale (étudie la diversité des écoles d'exécution, des principes esthétiques d'interprétation, des problèmes technologiques de l'exécution), qui devient l'une des régions de la musicologie au début du 20ème siècle . Contribution substantielle au développement théorie nationale Interprétations faites g.m.kogan, g.n.nughause, s.ya. finberg et autres.
Qu'est-ce qui m'a attiré ce sujet?
Je travaille comme la tête de l'orchestre des instruments folkloriques russes. Et avant les répétitions, les questions se posent; Comment révéler l'image artistique comme le plus brillant et transférer les informations à ce qui ne l'appartiendrait-il pas? Quels moyens et techniques d'expressivité artistique?
Sinon, à la suite de l'exécution, quelque chose d'impatience, flou, indéfiniment, sera possible. Bien entendu, le chef d'orchestre est obligé de résoudre ces problèmes avec des orchestres, car ils sont impliqués ensemble dans ce processus complexe de travail sur des œuvres artistiques.
Les enfants font face à une interprétation non seulement dans l'orchestre, mais même à chaque leçon d'une école de musique, pas même suspectée. Bien sûr, les premiers enseignants de ce travail passionnant sont leurs principaux mentors. Ils essaient d'élever et de développer leur propre caractère indépendant de la réalisation de l'exécution musicale et peuvent en même temps de divulguer pour approcher la nature interne du travail. Mais pour moi plus proche, plus intéressant la figure du conducteur.
S.V. Rhahmaninov, e.f. Svetlana, F.I. FedOSeev, v.dududova; Je n'ai appelé que quelques-uns noms de famille russesCe que nous pouvons être fiers et qui a parfaitement prouvé que la profession du chef d'orchestre est fascinante, honorable. La question se pose, comme en conséquence, a-t-elle obtenu l'inimité dans l'interprétation des œuvres musicales?
«Le chef d'orchestre n'est pas né, il doit être éduqué», a déclaré le célèbre enseignant et le chef d'orchestre d'Ilya Aleksandrovich Musin.
Conduite moderne, exigences de la tête de l'orchestre de l'ensemble de l'éducation, de la préparation musicale solide et théorique, une audience finesse, une bonne mémoire musicale, une volonté ciblée active.
Transfert du même processus d'interprétation du texte verbal, comme la conception de la musique de texte musical. Les garanties de fiabilité n'existent pas ici. Surtout, il est particulièrement nécessaire de comprendre la langue du compositeur lorsque vous traitez de la musique dans laquelle les humeurs romantiques et les images dominent. Même le traducteur le plus sophistiqué nécessite de nombreux mots auxiliaires pour transmettre correctement la signification des expressions utilisées dans le texte original.
"Les changements de l'époque ne sont pas une coïncidence que nouvelle vie Des créations ingénieuses, les rendre à nouveau pertinentes, bien qu'ils soient destinés à vivre dans des siècles. Et la tâche du chef d'orchestre, dans son intégralité de transmettre au public de leur pertinence, ne faisant aucun déformer leur système interne, ni le droit d'auteur. Il est donc nécessaire de pouvoir distinguer les caractéristiques qui déterminent l'essence du travail - sa structure, sa structure, sa structure, sa teneur sémantique - de celles dans lesquelles sa connexion externe avec l'ère reflète. "De telles différences sont plus apparentes dans les écrits destinés à la Scène et représentant l'interprète une plus grande liberté d'action. Mais pour transmettre à l'auditeur moderne, prepacy vivant et charme initial de la composition musicale passée, nous devons réaliser parfaitement quelles caractéristiques l'ont fait moderne pour cette époque où elle a été créée.
Le fait que le conducteur soit expressif de la composition du compositeur, notamment un nouveau concept. Dans le traité, John Mattezona «Parfait Kapellamester», publié en 1739, nous trouvons une merveilleuse présentation de l'essence du conducteur-compositeur Dilema: «La tâche de conservation préparée par l'interprète de quelque chose de création, réside véritablement dans la nécessité d'envoyer tout le pouvoir de son esprit sur
afin de comprendre l'essence particulière des pensées d'autres personnes. À qui il est inconnu, comment le créateur de la musique jouerait son alterlose et sa beauté, et elle s'avère souvent que l'écrivain l'entendra, et il ne reconnaît pas sa pie. "
Comme le type de témoignage, éliminer la lumière qu'il semblait inacceptable pour eux particulièrement impressionnant lorsqu'ils nous transmettent les mots des compositeurs qui ont eux-mêmes été menés. Et c'est naturel; Ils sont plus stricts pour d'autres conduits que ceux des collègues qui ne prennent pas du tout sur une baguette ou ne le rendent que de temps en temps. Et cela est confirmé par les mots de Gustav Maleer: "Combien de temps se passe, quelle expérience complète doit être acquise, quelle maturité, jusqu'à ce que vous appreniez, tout est simple et naturellement, comme il est écrit; pas ajouter et non Pour apporter quelque chose de superflu; ok plus, finalement, se retourne plus petit ...?
Un cas intéressant dans son livre "Conversations sur le métier conducteur" décrit Boris Emmanuilovich Haikin - assis derrière le volant de la voiture, j'ai fait une sorte de violation. J'ai été arrêté par l'inspecteur, avec les mots "Je vais devoir rencontrer", a-t-il demandé mes documents. Se référant au nom de famille, demandé: quel est ce compositeur? ", J'ai répondu:" Oui, chef d'orchestre "(je n'ai pas dit:" Non, conducteur ", car cela pourrait compliquer notre dialogue: il n'est pas recommandé de ne pas Recommandé à s'opposer dans de tels cas). Il m'a regardé avec une perplexité. "Je dis: Compositeur."
L'Autooin ASPOR m'a coûté généreusement, je suis allé plus loin et pensais que ce n'était pas juste, compte tenu de ces deux concepts identiques?
Quel est le rôle de l'artiste-interprète des œuvres musicales? Quelle devrait être l'exécution - objectif ou subjectif? L'exécution peut-elle en même temps être objective et subjective et comment faites-vous, dans ce cas, les ratios admissibles de ces concepts entre eux?
Le célèbre pianiste I.Hofman a écrit: "L'interprétation correcte du travail musical résulte de la bonne compréhension de celle-ci, puis, à son tour, dépend de la lecture scrupuleusement précise." Cela signifie que le caractère correct de l'exécution témoigne, tout d'abord, une interprétation significative, correspondant strictement au texte de l'auteur "Texte musulaire-richesse, plié par le compositeur et ses instructions d'exécution lettre de transmission À la volonté ", a déclaré le compositeur et pianiste S. Feinberg. Cependant, il n'y a pas seulement le texte, mais aussi le sous-texte du travail. Le merveilleux pianiste K. Aigumnov a estimé que la" bonne moitié "interprète devrait apporter au texte aussi de lui-même, c'est-à-dire approcher du texte sur la nature intérieure du travail, divulguer son sous-texte. Le légendaire G.Nigauz tout le temps rappelait la nécessité de constamment approfondir l'ambiance du travail exécutable, car c'était dans cette humeur, pas à la fin d'un enregistrement raisonnable, toute l'essence de l'image artistique. De tout ce qui précède, le résultat suit que, sous l'exécution exacte du texte du compositeur, vous devez signifier non une lecture formelle, mais un significatif Créateur "Traduction" Circuit de disques dans des images audio réelles.
Bien sûr, lorsque le conducteur veut, tout le monde devrait vouloir; Quand il commande, tout le monde doit obéir. Il est impensable de jouer de manière inexacte, négligemment, paresseux. De chaque score, vous devez supprimer les plus cachés et les plus intimes, de chaque orchestrant avec ses exigences et de ses exigences et de la surveillance pour presser tout son savoir-faire à la dernière goutte et imposer du fanatisme, la montée des forces, la tension de la volonté, qu'il jamais expérimenté. Bien entendu, une telle violence à l'encontre de quelqu'un d'autre ne peut bien sûr procéder pacifiquement et calmement, alors tout le monde sait que le conducteur devrait être avec un caractère rapide et obstiné capable de maîtriser de soi. Un tel sort, assume inévitablement une lutte têtue, féroce et fanatique pour la perfection. Malheureusement, une montre inoubliable des arts de la scène dans la vie d'une personne est si rare.
La bataille pour l'excellence des poètes, des compositeurs, des artistes, des musiciens coule habituellement dans les murs de l'atelier, et seulement sur leurs croquis et les brouillons ne peuvent être que des devinons vaguement mystère sacré créativité ... Le travail de tout maître devrait être clairement élaboré dans les travaux du chef d'orchestre - dépensé de manière rythmée et plastiquement dans les nuances les plus puissantes bien avant de s'approcher de la console; la répétition n'est pas le processus de création, mais n'approche que le plan intérieur, et lorsque les orchestres ne commencent que travail créatif, le conducteur est terminé depuis longtemps. Révélant le score sur la première répétition, il sait ce qu'il veut: Maintenant tâche - rendre les musiciens incontestant de soumettre à leur volonté, afin d'empêcher le prototype non mis en œuvre, complétées dans exécution d'orchestrale, l'idée musicale est de réellement des sons et de faire de la loi pour l'ensemble de l'orchestre, la perfection inaccessible, qu'il entend seul auprès de l'audience intérieure.
Le sommet de la compétence n'est obtenu que lorsque le plus difficile est perçu comme le plus naturel, où le parfait semble être accordé. Dans son livre merveilleux livre "L'art du conditionnement" Wagner a écrit: "Seuls les orchestres sont capables de juger, bien, vous conduisez ou mal," il n'était pas trompé. Personne ne critique le chef d'orchestre plus strictement que les musiciens avec lesquels il travaille des orchestres et des chanteurs, qui se considèrent comme des juges faisant autorité, ne sont généralement pas évalués trop favorablement goûts musicaux et caractère du conducteur. Ils ont interrogé sa capacité à divulguer l'idée, à rire de ses exigences, de gestes de messager et de manières. Aucun chef de conducteur n'est enregistré des examens durs, parfois insidieux produits par les musiciens, qu'il contrôle (avec une rare exception). Très peu de conduits restent à court de critiques.
Travail titanesque, l'entreprise est presque impossible - les différentes nature et talents devraient se sentir avec précision phonographique et reproduire l'idée d'une seule personne. Chercher la clarté de l'expression, le conducteur doit être extrêmement expressif, extrêmement divulguant le pouvoir de la croyance; Gestes de richesse, geste cadeau. Même la musique complètement extraterrestre, une personne doit deviner sur les gestes du chef d'orchestre, qu'il veut et exigent quand hésite le rythme lorsque les bras écrivent ou les plans les appuie sur la poitrine, à la recherche d'une grande expressivité lorsqu'il recarme de manière plastique, de reconstituer visiblement la photo. du son parfait. Et il existe des possibilités de conviction illimitées; Demande, sorts, abondants, mots exigeants et gestes, comptant horloges, sutting, réincarnation à chaque outil individuel si cet outil doit être gict.
Les effets inspirants sont la composante la plus importante de la structure des activités de gestion du conducteur. Après tout, le conducteur ne gère pas les outils, mais par les actions de personnes qui y jouent. Par conséquent, une chose importante est que le facteur d'impact sur la psyché des artistes interprètes immédiats devient crucial. L'orchestre peut réagir aux impulsions de conducteur de différentes manières: pour aider à effectuer sa ligne créative, être neutre et même avoir une résistance explicite ou cachée. Dans toutes ces manifestations, le printemps principal sont les chefs d'équipe: des concerts, des solistes, en particulier des musiciens faisant autorité. Dans une plus grande mesure, le retour créatif des musiciens lors d'un concert et des répétitions dépend.
La pratique confirme que tous les grands conducteurs à un certain stade de la sagesse professionnelle réduisent considérablement l'amplitude de leurs mouvements de leurs mouvements. (Homme, Strauss, Tuscanini, Marravinsky). Ici, le cas ne l'est pas du tout avec l'âge de leur force que nous affaiblissons naturellement. Il suffit d'avoir accumulé l'expérience artistique la plus riche, ils étaient convaincus que la principale chose dans l'art du chef d'orchestre n'était pas dans des actions physiques, mais dans des facteurs psychologiques et des compétences, parmi lesquels l'exposition inspirante occupe une situation majeure.
La base des effets psychologiques du conducteur est l'impulsion volitionnelle qui devrait avoir une charge d'énergie, c'est-à-dire d'être émotionnellement riche et déterminée. Une promesse lumineuse émotion est toujours capable de surmonter l'inertie du collectif, exciter la réponse mentale, les interprètes infecteurs et le public avec l'humeur souhaitée. Wola - "C'est une sorte d'obstination. Le chef d'orchestre doit être convaincu de l'exactitude de son concept et de ne pas être infecté par le son, ce qui suppose l'orchestre. Il doit imaginer avec précision dans le processus de préparation à domicile, ce qui et comment sonneront-il et à assurer la conformité de l'orchestre à sa présentation. Ces conduits les plus authentiques diffèrent de l'imaginaire, ce qui peut être assez habilement à fournir une exécution conjointe. " (Kirill Petrovich Kondrashin Owls. conducteur- mir Conducteur. pp8)
Le style de conducteur doit être le style de ces compositeurs, qu'il effectue. Le style est l'unité des principales caractéristiques idéologiques et artistiques, caractéristiques distinctives qui se manifestent dans le travail du compositeur, artiste, techniques, méthodes de travail.
Tout travail musical, à quelque temps qu'il appartenait, contient une ou une autre information issue de l'auteur. Cette information n'est pas fermée en soi, mais est signalée au conducteur en cours de travail sur le travail. Avec la perception des artistes des informations de l'auteur, la perte d'une partie de celui-ci se produit. Quelle est la part de la perte dépend entièrement du niveau de formation intellectuelle, théorique générale et spéciale des conduits, sur le niveau de possession du "sens du style". Le conducteur peut fermer pour comprendre les informations de l'auteur, mais elle ne peut pas le maîtriser complètement, puisque l'auteur est une chose et l'artiste. Ce sont des personnalités créatives différentes. Entre eux, il y aura toujours une certaine distance.
Dans le même temps, les informations de l'auteur encouragent l'artiste à penser, à soumettre, à trouver des associations, donne lieu à des émotions. En conséquence, l'excédent des informations de l'auteur est née informations Complémentaires Conducteur, qui détermine finalement le style conducteur. L'information exécutive affecte l'auteur, le rétrécit ou le développe, complète, se transforme, c'est-à-dire une repense d'un produit musical surviennent avec le résultat d'une image artistique créée. La repense des informations de l'auteur ne devrait en aucun cas conduire à la distorsion du droit d'auteur. Les actions du conducteur sont limitées par les caractéristiques des travaux exécutables. Une véritable conformité exécutive n'est possible que lorsque les informations de l'auteur trouvent des sentiments de réponse du conducteur.
Au fil du temps, la perception de la musique, des conditions, des outils change. Par conséquent, quelque chose est perdu, il est perdu des informations de l'auteur, quelque chose est acheté. Les informations de performance changent cependant que ce processus est publié et contribue à l'identification des caractéristiques artistiques précédemment inconnues du travail, ce qui indique la profondeur du plan d'un travail vraiment talentueux. Par conséquent, il est basé sur une étude approfondie de son travail. Cela renforcera dans la sphère figurative, soutenant l'intérêt de l'artiste pour le travail et, enfin, de comprendre, l'intention de l'auteur.
Le point de départ le plus important sur ce chemin important et difficile est l'ère dans laquelle un travail particulier a été créé. Compositeurs comme ils disent à des moments différents différentes langues, incarne différents idéaux, reflètent les côtés de la vie de la vie, de la vue philosophique et esthétique, caractéristique d'une ou plusieurs fois, concept. En conséquence, des moyens expressifs sont utilisés. Il est nécessaire de comprendre pourquoi ce style est apparu dans l'une ou une autre ère, de l'attacher à la personnalité du compositeur, qui est un "produit" de l'ère, appartient à un certain groupe social, nationalité, a mis un travail musical dans ces conditions et établir dans quelle attitude il est avec le créateur et le temps.
Prenez la relation entre l'époque et la désignation (TEMPO). Dans diverses époques, la désignation de l'APCE a été interprétée de différentes manières. Dans le rapport, le rythme "Allegro", "Andante", "Adagio", par exemple, noté non pas la vitesse de mouvement, mais la nature de la musique. Allegro Scarlatti plus lentement (ou maintenu) que Allegro en classiques, en même temps Allegro Mozart est plus lent (maintenant) Allegro dans sa compréhension moderne. Antante Mozart bouge. Plutôt que nous le comprenons maintenant. La même chose peut être dite sur la relation Ère de la musique Avec dynamique et articulation. Bien sûr, l'autorité actuelle, cela vous permet de discuter quelque part avec des instructions dynamiques, de prendre une nouvelle pour percevoir le piano, Pianissimo, Forte, Fortissimo.
Mais n'avez pas besoin de toast; Au lieu de Forte Play Piano. Great Arturo Tuscanini a déclaré: - "Pourquoi rechercher quand tout est écrit?". En notes, il y a tout, le compositeur ne cache jamais ses intentions, ils sont toujours clairement exprimés sur le papier-citerne ... "Qu'est-ce qui est écrit par le compositeur, car lui était un sanctuaire. C'était son principe d'interprétation de la musique. Toscane n'a jamais dépassé les limites des exigences de l'auteur.
Notes, accents et signes dynamiques étaient similaires aux ordres, qu'il a suivis avec un respect absolu, était obligé d'obéir. Maestro Antonio Voto, huit ans a travaillé avec la Toscane à La Scala, le deuxième chef d'orchestre confirme: «Son respect d'œuvres d'art était si fort qu'il a essayé de remplir le score extrêmement sûr. Cependant, chacune de ses performances était une nouvelle reproduction des scores par rapport à la manière dont elle était généralement effectuée à l'époque et que son exécution semblait donc être quelque chose de dotone. Bien sûr, tout le monde a crié du miracle, de la magie. Mais il n'y avait rien de magique dans ce domaine: il a reproduit avec précision ce qui a été spécifié dans la partition et essayé de le faire de la meilleure façon, en évitant les sauts et les factures. C'était la raison du vivacité de son interprétation, dont le rythme était parfois un peu plus mobile que ceux que nous avons habituellement entendus. "
On peut dire - ceci est un échantillon du conducteur parfait; Synthèse des capacités musicales avec des qualités morales; En d'autres termes, l'unité de la technologie, de la nature et sentiment humain. Il est impossible d'être complètement dédié au texte de l'auteur, s'il n'a pas assez de force morale et d'humilité, s'il n'y a pas de courage, forçant tout le monde à donner le maximum nécessaire à une excellente performance.
Peu de personnes sont capables d'arrogants, de conducteurs vains, de se transformer en personnes modestes et simples. Cela dépend de la nature. Il y a peu un désir. Parce que votre personnage, en substance, nous portons une vie comme une coquille de tortue. Qui pense que les compositeurs se trompent et doivent être corrigés, très soi-même. Ils ne sont pas toujours suffisants représentent les «frontières du permis autorisé» et le degré de leur responsabilité envers le compositeur. Vous devez étudier à nouveau, étudier pour mieux comprendre. Après tout, ils ont écrit de la musique non pour que le conducteur soit enveloppé devant l'orchestre. Il doit les révéler comme ils sont plus proches de leur orchestre aussi près que possible. Le conducteur doit exécuter. Les volosts effectués, bien que pas si souvent, mais se rencontrent. La composition incomplète de l'orchestre, la liberté fournie par des chanteurs, qui peut accueillir des fermains inappropriés n'importe où, est une victime d'une incroyable déformant de la musique. La musique est cette structure tonale, sonore, avec des lois de mélodie, de rythme et d'harmonie précisément établies.
Mais c'est impossible, et il est impossible de stéréotypen le discours musical. Une petite différence se posera encore. C'est naturel et caractéristique de l'âme créatrice de l'artiste. Dans ce caractère unique de l'état de l'âme et de l'ensemble du charme de la communication vivante avec l'orchestre dans le processus de discours est conclu. L'interprétation ne peut être fixée avec une précision mécanique, car, à la fin, il détruirait le charme de l'écoute du travail. Cela se transformerait en une exposition d'archives.
Rhythm V. exécution musicale Le fondamental aussi comme la nécessité de rechercher la pureté des sons de bois, l'organisation de la dynamique du travail et, bien sûr, la foi en fonds capables de transmettre de la musique, c'est-à-dire le texte musical conditionné, les outils traditionnels et bien sûr exécuter des musiciens.
Je vais essayer d'analyser le secret du succès de l'interprétation. La première est la possibilité d'analyser le score, il est impossible de produire une synthèse s'il n'est pas possible de faire l'analyse: une synthèse est une conséquence directe de l'analyse. La clarté de tous les éléments du travail musical est le processus est très complexe et long. Chaque sujet devrait écouter une avalanche solide de sons. Fusion supplémentaire de deux ou plusieurs mélodies, exécution simultanée, soulagement. Caché dans la polyphonie du son, et tout semble clair, simple et évident.
Le conducteur devrait savoir parfaitement bien les outils, leurs capacités, les frontières, il est clair de représenter déjà mentalement le timbre, la couleur du son, la légèreté du son différents groupes Outils et demande de l'orchestre pour identifier tout ce qu'il "lu" dans le texte. Écrit par un compositeur. Particulier comme objet de connaissances créatives est inépuisable. Il donne la possibilité d'un nombre d'une innovation d'interprétations exécutant qui ne violent pas l'intégrité du texte du droit d'auteur. Dans le même temps, l'interprète suit que c'est dans le champ de vision de sa perception et recherche de manière intensive dans le travail de ces caractéristiques qui sont de manière créative de lui et nécessaires.
Une conducteur célèbreMalheureusement, je ne me souviens pas qui a dit exactement: "Si vous avez besoin de relire le score de deux cents fois, faites-le, mais ne prétendez pas:" presque bien ", car il ne peut jamais y avoir" presque bien "dans la musique. Et perfection, ou rien ". Dans ce rôle inestimable joue l'intuition, ce qui aide à saisir caractéristiques musicales, attrape l'effet qui entraînera le résultat. C'est une sensation de forme, c'est-à-dire la divulgation du drame du travail, déterminant le rythme, le ratio de fragments - tout cela est basé sur certaines propriétés congénitales. Grande importance Livré le développement du "sentiment de pause" Kirill Petrovich Kondrashin. «Pause met l'accent sur les jeux de jeu, distingue l'opposition psychologique, les artistes interprètes alarmants et les auditeurs. Je veux dire la pause générale (Fermato) et un peu de retard à l'intérieur de l'horloge. Parfois, les auteurs notent en détail de tels arrêts, parfois non, mais dans ce cas, le conducteur n'est pas obligé de tout jouer "d'affilée". Le sentiment de dramaturgie devrait lui inviter le Césura maltraité et un sentiment de mesure pour aider à trouver exactement combien une pause devrait durer. J'ai reçu le plus grand compliment de ma vie de Straviansky, qui, en écoutant le persil à New York sous mon contrôle, m'a dit: "Vous sentez parfaitement les pauses parfaitement." Mais je les ai fait dans de nombreux endroits et où il n'est pas spécifié. "
Recherche intéressante Il a passé le levier historien d'art français. En prenant le record de la neuvième symphonie de Beethoven dans l'interprétation des huit plus grands conduits, il découvrit un paradoxal, à première vue, le phénomène. Il s'est avéré que la différence temporaire entre la performance de la symphonie de Toscanini et de Furtvengler atteint plus de 10 minutes. Dans le même temps, les Karaïens sont 3 minutes plus rapides que Tuscanini. J'ai passé Scherzo. Qu'est-ce que cela prouve? Smissionniste Rien de compte. Il est peu probable que quiconque, fondé sur des indicateurs similaires, formels, le prenona sérieusement pour déterminer l'avantage de l'interprétation d'une maîtrise exceptionnelle.
Il est principalement important de déterminer la valeur vraie des notes et marquées. Si Allegro con Brio ou Cantabile est écrit, la dette de conduite pour garantir une adhérence stricte à ces directives, être capable d'expliquer clairement, de transférer l'orchestre ou des chanteurs à la volonté du compositeur, et même alors, si quelque chose ne fonctionne pas, cherche le Les changements nécessaires. Mais réellement parler, que comprendre sous le changement de texte? Nuances? Essentiellement, ce n'est même pas un changement - il s'agit d'une caractéristique de la lecture. "Le conducteur a le droit, encore plus de cela, il est obligé d'ajuster la nuage, c'est-à-dire la verticale des partitions." Il est tout à fait naturel que les outils principaux doivent jouer plus fort, le son secondaire doit être attaché en quelque sorte. Si vous savez comment distribuer la trempe pendant le processus d'exécution, vous corrigez vos mains - il est mis en œuvre sans enregistrer dans des notes. Il en va de même pour la structure aggogique de la phrase, son point culminant.
Brève biographie de Franz Kafka
La pensée de la «guerre et de la guerre mondiale de la guerre des gens de la guerre de la guerre des gens
Pensée populaire dans l'épopée romaine "guerre et paix
L'histoire de la création de "notes de chasseur"
Comment sont les fouilles archéologiques?