- La place centrale est donnée au symbole *
- La recherche de l'idéal le plus élevé l'emporte
- L'image poétique est destinée à exprimer l'essence d'un phénomène.
- Reflet caractéristique du monde en deux plans : réel et mystique
- Élégance et musicalité du couplet
Acméisme
(Du grec "acme" - un point, le point le plus élevé). Le courant littéraire de l'acméisme est né au début des années 1910 et était génétiquement associé au symbolisme. (N. Gumilyov, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, O. Mandelstam, M. Zenkevich et V. Narbut.) L'article de M. Kuzmin "On Fine Clarity", publié en 1910, a eu une influence sur la formation. Dans l'article programmatique de 1913, "L'héritage de l'acméisme et du symbolisme", N. Gumilyov a qualifié le symbolisme de "digne père", mais a souligné que la nouvelle génération avait développé une "vision de la vie courageusement ferme et claire".- Orientation vers la poésie classique du XIXe siècle
- Acceptation du monde terrestre dans sa diversité, concretité visible
- Objectivité et clarté des images, netteté des détails
- En rythme, les acméistes utilisaient le dolnik (le dolnik est une violation de la tradition alternance régulière de syllabes accentuées et non accentuées. Les lignes coïncident dans le nombre d'accents, mais les syllabes accentuées et non accentuées sont librement situées dans la ligne.), ce qui a rapproché le poème du vivant discours familier
Futurisme
Futurisme - du lat. futurum, le futur. Génétiquement futurisme littéraireétroitement associé aux groupes d'artistes d'avant-garde des années 1910 - principalement aux groupes "Jack of Diamonds", "Donkey's Tail", "Union of Youth". En 1909, en Italie, le poète F. Marinetti publie l'article "Manifeste du futurisme". En 1912, le manifeste "Slap face au goût du public" est créé par les futuristes russes: V. Mayakovsky, A. Kruchenykh, V. Khlebnikov: "Pouchkine est plus incompréhensible que les hiéroglyphes". Le futurisme a commencé à se désintégrer dès 1915-1916.- Insoumission, vision du monde anarchique
- Rejet des traditions culturelles
- Expériences dans le domaine du rythme et de la rime, arrangement figuré des strophes et des lignes
- Création de mots actifs
Imagisme
De lat. imago - image Un courant littéraire de la poésie russe du XXe siècle, dont les représentants ont déclaré que le but de la créativité était de créer une image. Principal des moyens d'expression imaginistes - une métaphore, souvent des chaînes métaphoriques, comparant les différents éléments de deux images - directes et figuratives. L'imagisme est né en 1918, lorsque "l'Ordre des Imagistes" a été fondé à Moscou. Les créateurs de "l'Ordre" étaient Anatoly Mariengof, Vadim Shershenevich et Sergei Yesenin, qui était auparavant membre du groupe des nouveaux poètes paysansLa méthode artistique (lit. "methodos" du grec - le chemin de la recherche) est un ensemble des plus principes généraux assimilation esthétique de la réalité, qui se répète constamment dans l'œuvre de l'un ou l'autre groupe d'écrivains, formant une direction, une tendance ou une école. Il y a des difficultés objectives à isoler la méthode. « La méthode artistique est une catégorie esthétique et profondément signifiante. Elle ne se réduit ni aux modes formels de construction d'une image, ni à l'idéologie de l'écrivain. C'est un ensemble de principes idéologiques et artistiques de représentation de la réalité à la lumière d'un certain idéal esthétique. La vision du monde entre organiquement dans la méthode lorsqu'elle se confond avec le talent de l'artiste, avec sa pensée poétique, et n'existe pas dans l'œuvre uniquement sous la forme d'une tendance socio-politique » (N.A. Gulyaev). La méthode n'est pas seulement un système de quelques vues, du moins les plus esthétiques. Il est possible, de manière très conditionnelle, de parler de la méthode comme d'un regard, mais pas d'un regard abstrait, original, mais d'un regard qui s'est déjà trouvé dans un certain matériau d'un art donné. Il s'agit d'une pensée artistique ou d'un concept artistique de ces phénomènes en rapport avec le concept général de la vie. La méthode est une catégorie principalement la créativité artistique, et donc la conscience artistique. La méthode est une méthode de réflexion mise en œuvre de manière cohérente, qui implique l'unité de la recréation artistique de la matière de la réalité, réalisée sur l'unité de la vision figurative de la vie, subordonnée aux objectifs de révéler et de connaître les tendances principales de l'art contemporain. la vie de l'écrivain et l'incarnation de ses idéaux sociaux.
La catégorie de méthode est associée à la catégorie de type de créativité, d'une part, et à la catégorie de style, d'autre part. Déjà au Ve siècle av. e. Sophocle désignait aphoristiquement deux types opposés pensée artistique: "Il (Euripide) dépeint les gens tels qu'ils sont réellement, et moi tel qu'ils devraient être." En dessous de style généralement compris comme l'unicité individuelle du style créatif, l'ensemble des techniques préférées, l'unité des caractéristiques individuelles et typiques de la créativité communes à de nombreux individus. Les facteurs de formation de style les plus actifs de la structure artistique d'une œuvre se rapportent au plan d'expression. Mais en même temps, le style est aussi « une unité complète perçue directement différents côtés et des éléments d'œuvres, correspondant au contenu qui y est exprimé »(G.N. Pospelov). La différence entre le style et les autres catégories de la poétique, en particulier de la méthode artistique, réside dans sa mise en œuvre concrète directe : les traits stylistiques, pour ainsi dire, apparaissent à la surface de l'œuvre comme une unité visible et tangible de tous les moments principaux de la forme artistique.
Le style « absorbe sans laisser de trace le contenu et la forme de l'art, s'unit et guide tout dans l'œuvre, du mot à la pensée centrale » (Benedetto Croce). L'approche linguistique du style suppose que l'objet principal d'étude est la langue, la langue comme première apparence et matérialité clairement identifiables d'une œuvre littéraire. Cela signifie que les lois linguistiques internes viennent au premier plan. Le style, le tissu artistique sont considérés comme une combinaison de différents styles existant en plus de lui dans la langue et donnés à l'avance - clérico-bureaucratique, épistolaire, archaïque, commercial, style de présentations scientifiques, etc. Mais cette approche n'explique pas le changement des styles littéraires. De plus, le style d'une œuvre d'art ne se réduit pas à une combinaison mécanique. Le style est un point commun stable du système figuratif, moyen d'expression artistique, caractérisant l'originalité de l'œuvre de l'écrivain, une œuvre distincte, un mouvement littéraire, une littérature nationale. Style dans sens large- un principe transversal de construction d'une forme artistique, donnant à l'œuvre une intégrité tangible, une tonalité et une couleur uniques.
Quels sont les mécanismes de formation du style ? DS Likhatchev en procède ("L'homme dans la littérature Russie antique"), Quel style artistique combine à la fois la perception générale de la réalité, caractéristique de l'écrivain, et la méthode artistique de l'écrivain, en raison des tâches qu'il se fixe. C'est-à-dire que le style n'est pas ce que l'écrivain a choisi dans son travail, mais comment il l'a exprimé, sous quel angle de vue.
Il est impossible d'expliquer le style sans tenir compte de son lien avec la méthode artistique. Le concept de méthode artistique exprime le fait que la réalité historique détermine non seulement le contenu de l'art, mais aussi ses lois esthétiques les plus profondes. Dans la méthode créative, l'attitude pratique des gens face à leurs tâches historiques et leur compréhension de la vie sont résumées esthétiquement, cette relation particulière des idéaux et de la réalité est formée, ce qui détermine la structure des images artistiques. Ainsi, la vision mythologique de la nature et des relations sociales était à la base de la fantaisie grecque et de l'art grec. La méthode créative de l'art classique exigeait que l'artiste devine le parfait dans l'imparfait, afin qu'il montre réalisée toute la plénitude harmonique des possibilités de l'esprit humain. La méthode créatrice de l'art classique indiquait à l'artiste un angle plus ou moins constant d'élévation obligée de l'image au-dessus de la réalité, une direction plus ou moins établie dans l'expression artistique d'un phénomène vital. Ainsi, il a donné le début du style. Le rapport entre idéal et réalité, inhérent à l'art classique, s'est avéré être la clé pour comprendre le style classique avec sa clarté et sa transparence, sa normativité, sa beauté, son ordre strict, avec son équilibre harmonique inhérent des parties et la paix de la complétude intérieure, le lien évident entre la forme et la fonction, l'importance primordiale du rythme, avec son laconisme naïf et son étonnant sens des proportions.
Le style est une régularité dans la construction, la connexion et la similitude des formes, qui permet à ces formes d'exprimer non seulement le contenu particulier d'une œuvre donnée, mais aussi de reproduire les signes les plus généraux du rapport d'une personne à la nature et à la société. Le style est le caractère général de l'expressivité Formes variées. Le style est un enchaînement de formes qui révèle l'unité du contenu artistique (style gothique, style baroque, style pseudo-classique, style rococo, etc.). Il existe de grands styles, les soi-disant styles de l'époque (Renaissance, Baroque, Classicisme), des styles de diverses tendances et tendances, et des styles individuels d'artistes.
Style - un bâton pointu pour écrire avec une balle à l'autre extrémité, qui servait à effacer l'écrit. D'où la phrase d'accroche : "Tourne ton style plus souvent !".
« Le style est une personne » (J. Buffon).
« Le style embaume une œuvre littéraire » (A. Daudet).
« Le style peut être défini comme suit : les mots appropriés à l'endroit approprié » (J. Swift).
« Le style est la physionomie de l'esprit, moins trompeuse que la vraie physionomie. Imiter le style de quelqu'un d'autre, c'est comme porter un masque. La pomposité du style s'apparente à la grimace »(A. Schopenhauer).
La relation même entre la méthode et le style s'avère différente à différents stades du développement artistique. En règle générale, dans les premières périodes du développement de l'art, le style était unifié, complet, strictement subordonné aux normes religieuses et dogmatiques, avec le développement de la sensibilité esthétique, la nécessité pour chaque époque de la singularité du style (le style de l'époque, le code esthétique de la culture) s'affaiblit sensiblement.
Dans l'art pré-réaliste, on observe la prédominance du style général, et dans l'art réaliste, la prédominance des styles individuels. Dans le premier cas, la méthode, pour ainsi dire, se confond avec un certain style, et dans le second, elle est réalisée d'autant plus pleinement, plus les styles qui se développent sur sa base sont abondants et dissemblables. Dans le premier cas, la méthode fournit l'uniformité, dans le second - une variété de styles. La prédominance du style général correspond à un contenu artistique relativement simple. Dans la société ancienne, les relations entre les personnes sont encore claires et transparentes. Toutes les formes d'art répètent la même chose motifs mythologiques et histoires. La portée du contenu artistique reste assez étroite. La différence des points de vue personnels s'inscrit dans les frontières d'une même tradition esthétique. Tout cela conduit à la consolidation du contenu artistique, ce qui a conduit à la formation d'un style commun.
La prédominance du style général est liée de manière décisive à la prédominance de l'idéalisation comme moyen de généralisation artistique, et la prédominance des styles individuels est liée à la typification. L'idéalisation lie plus facilement des phénomènes hétérogènes en un style unique. Dans l'art classique, la forme est forcément plus liée, rigide, stable que dans l'image réaliste. Le style général subjugue l'individualité de l'artiste. Seuls les talents personnels qui répondent aux exigences du style général reçoivent de l'espace et peuvent être développés. Donc, parlons du style général littérature russe ancienne, D.S. Likhachev écrit que les caractéristiques du collectivisme folklorique sont toujours vivantes dans la littérature russe ancienne. C'est une littérature où le principe personnel est mis en sourdine. De nombreuses œuvres incluent des œuvres antérieures dans leur composition, suivent les traditions de l'étiquette littéraire créées par plusieurs auteurs, qui ont été corrigées et complétées par la suite par correspondance. Grâce à cette caractéristique, un début épique monumental a été conclu dans la littérature de la Russie antique. Cette monumentalité est renforcée par le fait que les œuvres de la Russie antique sont principalement consacrées à sujets historiques. Ils contiennent moins de fictifs, d'imaginaires, conçus pour le divertissement, pour le divertissement. Le sérieux de cette littérature est aussi lié au fait que ses principaux ouvrages sont civiques au sens le plus élevé du terme. Les auteurs perçoivent leur écriture comme un service à la Patrie. Plus les idéaux des auteurs russes anciens sont élevés, plus il leur est difficile de composer avec les lacunes de la réalité (monumentalisme historique).
Dans le classicisme des XVIIe-XVIIIe siècles, le caractère obligatoire du style général s'appuie sur l'autorité établie et indiscutable de l'Antiquité, la reconnaissance de l'importance décisive de ses images artistiques comme objets d'imitation. L'autoritarisme religieux-mythologique est remplacé par l'autoritarisme esthétique (règles). Il faut considérer l'appartenance d'une œuvre donnée à un style commun et ensuite découvrir ces modifications, enrichissements, innovations qui dépendent du style individuel. Le style général subordonne l'artiste à lui-même, détermine son goût esthétique. Le réalisme, en revanche, modifie le type même du goût esthétique, inclut sa capacité à se développer naturellement. La méthode réaliste est associée à nouvelle ère où les relations humaines prennent une tournure extrêmement confuse.
À l'ère capitaliste, un mécanisme complexe de relations sociales, politiques et idéologiques se développe, les choses sont personnifiées, les gens sont réifiés. Les possibilités cognitives de l'art s'élargissent. L'analyse est profondément ancrée dans la description, la sphère du contenu artistique s'élargit et un vaste domaine de la prose de la vie s'ouvre. L'artiste ne travaille plus avec le processus de la vie, auparavant retravaillé par la fantaisie folklorique et incluant une évaluation collective des phénomènes de la réalité. Désormais, il doit trouver de façon autonome une image de la réalité. Grâce à cela, même un léger changement d'angle de vue, la position de l'observateur, suffit à modifier radicalement et significativement le contenu artistique. Auparavant, ce changement conduisait à la formation de nuances personnelles dans les limites d'un style unique, il est maintenant devenu la base de l'émergence de styles individuels. La diversité des évaluations, des aspects, des points de vue, des approches, des degrés d'activité historique des artistes est d'une grande importance. Attitude individuelle face à la réalité et formes d'expression individuelles.
– Sélection
Direction artistique - Niveau
– Généralisation
– Incarnation artistique
Classicisme- style artistique et direction esthétique dans la littérature européenne dans l'art du XVII - début. XVIIIe siècle, l'un des des caractéristiques importantes qui était un appel aux images et aux formes de la littérature et de l'art anciens en tant que norme esthétique idéale. En tant que système artistique intégral, le classicisme s'est formé en France pendant la période de renforcement et d'épanouissement de l'absolutisme. Le classicisme reçoit une expression systémique complète dans l'Art poétique de N. Boileau (1674), qui généralise l'expérience artistique de la littérature française du XVIIe siècle. L'esthétique du classicisme est basée sur les principes du rationalisme, correspondant aux idées philosophiques du cartésianisme. Ils affirment la vision d'une œuvre d'art comme une création artificielle - créée consciemment, raisonnablement organisée, logiquement construite. Après avoir posé le principe de "l'imitation de la nature", les classiques le considèrent comme une condition indispensable au strict respect des règles inébranlables tirées de la poétique antique (Aristote, Horace) de l'art et déterminent les lois de l'art qui se transforme matière vivante en une œuvre d'art belle, logiquement harmonieuse et claire.
La transformation artistique de la nature, la transformation de la nature en belle et ennoblie, est en même temps un acte de sa plus haute connaissance - l'art est appelé à révéler la régularité idéale de l'univers, souvent cachée derrière le chaos extérieur et le désordre de la réalité . L'esprit, comprenant la régularité idéale, agit comme un principe "arrogant" par rapport aux caractéristiques individuelles et à la diversité vivante de la vie. L'image classique gravite vers le modèle, c'est un miroir particulier où l'individuel se transforme en générique, le provisoire en éternel, le réel en idéal, l'histoire en mythe, c'est le triomphe de la raison et de l'ordre sur le chaos et l'empirisme fluide de la vie. Cela correspondait aussi à la fonction sociale et éducative de l'art, à laquelle l'esthétique du classicisme attachait une grande importance.
L'esthétique du classicisme établit une hiérarchie stricte des genres, qui sont divisés en "haut" (tragédie, épopée, ode, leur portée - vie publique, événements historiques, mythes, leurs héros - monarques, généraux, personnages mythologiques, ascètes religieux) et "bas" (comédie, satire, fable) dépeignant la vie privée quotidienne des gens de la classe moyenne. Chaque genre a des limites strictes et des caractéristiques formelles claires ; aucun mélange du sublime et du vil, du tragique et du comique, de l'héroïque et du banal n'est autorisé. Le genre phare du classicisme était la tragédie, adressée aux problèmes sociaux et moraux les plus importants du siècle. Les conflits sociaux y apparaissent comme reflétés dans l'âme des personnages, qui sont confrontés à la nécessité de choisir entre le devoir moral et les passions personnelles. Dans cette collision, il y a eu une polarisation de l'être public et privé d'une personne, qui a également déterminé la structure de l'image.
Le romantisme - l'une des plus grandes destinations d'Europe et littérature américaine la fin du 18e - la première moitié du 19e siècle, qui a acquis une importance et une distribution mondiales. Le romantisme était le point culminant du mouvement anti-Lumières. Ses principales conditions socio-idéologiques sont la déception face aux résultats de la Révolution française et de la civilisation bourgeoise en général. Le rejet du mode de vie bourgeois, la protestation contre la vulgarité et le prosaïsme, le manque de spiritualité et l'égoïsme des relations bourgeoises, qui ont trouvé leur expression initiale dans le sentimentalisme et le pré-romantisme, ont acquis une intensité particulière chez les romantiques. La réalité de l'histoire s'est avérée hors du contrôle de la "raison", irrationnelle, plein de secrets et imprévus, et l'ordre mondial moderne est hostile à la nature de l'homme et à sa liberté personnelle.
Incrédulité dans le progrès social, industriel, politique et scientifique, qui a apporté de nouveaux contrastes et antagonismes, ainsi que la "fragmentation", le nivellement et la dévastation spirituelle de l'individu, la déception dans la société, qui a préfiguré, justifié et prêché les meilleurs esprits(comme la plus "naturelle" et la "raisonnable") d'Europe, a peu à peu évolué vers le pessimisme cosmique. Prenant un caractère universel, universel, il s'accompagnait d'humeurs de désespoir, de désespoir, de « tristesse du monde » (« la maladie du siècle » inhérente aux héros de Chateaubriand, Musset, Byron). Le thème du « monde terrible » « gisant dans le mal » (avec sa puissance aveugle des relations matérielles, l'irrationalité des destins, la mélancolie de l'éternelle monotonie de la vie quotidienne) a traversé toute l'histoire de la littérature romantique, incarnée le plus clairement dans le «drame du rock», dans les œuvres de J. Byron, E Hoffmann, E. Poe et d'autres. Dans le même temps, le romantisme se caractérise par un sentiment d'appartenance à un monde en développement et en renouvellement rapides, une inclusion dans le courant de la vie, dans le processus historique mondial, un sentiment de richesse cachée et des possibilités illimitées d'être. «L'enthousiasme», basé sur la croyance en la toute-puissance de l'esprit humain libre, une soif passionnée et dévorante de renouveau est l'un des traits caractéristiques de la vision du monde romantique (voir l'ouvrage de N.Ya. Berkovsky «Romanticism in Germany », p. 25-26).
La profondeur et l'universalité de la déception dans la réalité, dans les possibilités de civilisation et de progrès, sont polarisées par une soif romantique d'« infini », d'idéaux absolus et universels. Les romantiques ne rêvaient pas d'une amélioration partielle de la vie, mais d'une résolution holistique de toutes ses contradictions. Le désaccord entre l'idéal et la réalité, qui est également caractéristique des tendances antérieures, acquiert une acuité et une tension extraordinaires dans le romantisme, qui est l'essence du soi-disant romantisme. monde double. Rejetant la vie quotidienne de la société civilisée moderne comme incolore et prosaïque, les romantiques se sont efforcés de tout ce qui était inhabituel. Ils étaient attirés par la fantaisie contes populaires, art populaire, époques historiques passées, images exotiques de la nature, de la vie, de la vie et des coutumes de pays et de peuples lointains. Ils opposaient la pratique matérielle de base aux hautes passions (le concept romantique de l'amour) et à la vie de l'esprit, dont les plus hautes manifestations pour les romantiques étaient l'art, la religion et la philosophie.
Les romantiques ont découvert une complexité, une profondeur et une antinomie extraordinaires monde spirituel l'homme, l'infinité intérieure de l'individualité humaine. L'homme est pour eux un petit univers, un microcosme. Un intérêt intense pour les sentiments forts et vifs, pour les mouvements secrets de l'âme, dans son côté "nocturne", la soif de l'intuitif et de l'inconscient sont les caractéristiques essentielles de la vision romantique du monde. La protection de la liberté, la souveraineté, l'estime de soi de l'individu, l'attention accrue à l'individu, unique chez l'homme, le culte de l'individu sont tout aussi caractéristiques des romantiques. L'apologie de l'individu servait en quelque sorte d'autodéfense contre le cours impitoyable de l'histoire et le nivellement croissant de l'individu lui-même dans la société bourgeoise.
La demande d'historicisme et de nationalité dans l'art (principalement dans le sens de recréer fidèlement la couleur du lieu et du temps) est l'une des réalisations durables de la théorie romantique de l'art. L'infinie variété des traits locaux, d'époque, nationaux, historiques, individuels avait une certaine signification philosophique aux yeux des romantiques : c'était la découverte de la richesse d'un seul monde entier - l'univers. Dans le domaine de l'esthétique, le romantisme oppose l'« imitation de la nature » classique à l'activité créatrice de l'artiste avec son droit à la transformation. monde réel: l'artiste crée son propre monde spécial, plus beau et vrai, et donc plus réel que la réalité empirique, puisque l'art lui-même est la plus haute réalité. Les romantiques défendaient farouchement la liberté de création des artistes, rejetaient la normativité dans l'esthétique, ce qui n'excluait cependant pas la création de leurs propres canons romantiques.
Du point de vue des principes de la figurativité artistique, le romantisme gravitait vers le fantastique, le grotesque satirique, la conventionnalité démonstrative de la forme, la fragmentation, la fragmentation, la composition de pointe, ils mêlaient audacieusement l'ordinaire et l'insolite, le tragique et le comique.
Le réalisme, une direction artistique dans l'art, à la suite de laquelle l'artiste dépeint la vie dans des images qui correspondent à l'essence des phénomènes de la vie elle-même et sont créées en typifiant les faits de la réalité. Affirmant l'importance du réalisme comme moyen de connaissance de soi et du monde qui l'entoure, le réalisme aspire à une compréhension profonde de la vie, à une large couverture de la réalité avec ses contradictions inhérentes, et reconnaît le droit de l'artiste à couvrir tous les aspects de la vie. sans restrictions. L'art du réalisme montre l'interaction de l'homme avec l'environnement, l'impact des conditions sociales sur destins humains, l'influence des circonstances sociales sur la morale et le monde spirituel des gens. Au sens large, la catégorie de réalisme sert à déterminer le rapport des œuvres littéraires à la réalité, que l'écrivain appartienne à l'un ou l'autre courant. Aux origines du réalisme en Russie se trouvaient I.A. Krylov, A.S. Griboïedov, A.S. Pouchkine (dans la littérature occidentale, le réalisme apparaît un peu plus tard, ses premiers représentants furent Stendhal et Balzac).
principales caractéristiques du réalisme. 1. Le principe de la vérité de la vie, qui est guidé par l'artiste réaliste dans son travail, essayant de donner le reflet le plus complet de la vie dans ses propriétés typiques. La fidélité de l'image de la réalité, reproduite dans les formes de vie elles-mêmes, est le critère principal de l'art. 2. Analyse sociale, historicisme de la pensée. C'est le réalisme qui explique les phénomènes de la vie, établit leurs causes et leurs conséquences sur une base socio-historique. En d'autres termes, le réalisme est inconcevable sans l'historicisme, qui suppose une compréhension d'un phénomène donné dans sa conditionnalité, dans son développement et son articulation avec d'autres phénomènes. L'historicisme est la base de la vision du monde et de la méthode artistique de l'écrivain réaliste, une sorte de clé de la connaissance de la réalité, permettant de relier le passé, le présent et le futur. Dans le passé, l'artiste cherche des réponses à des questions d'actualité du présent, et la modernité comprend à la suite de développements historiques antérieurs. DANS littérature réaliste le monde intérieur et le comportement des personnages portent, en règle générale, une empreinte indélébile du temps. L'écrivain montre souvent la dépendance directe de ses idées sociales, morales et religieuses sur les conditions d'existence dans une société donnée, accorde une grande attention au contexte social de l'époque. Dans le même temps, dans l'art réaliste mature, les circonstances ne sont décrites que comme une condition préalable nécessaire à la divulgation du monde spirituel des gens. 3. Portrait critique de la vie. Les écrivains montrent profondément et véridiquement les phénomènes négatifs de la réalité, se concentrent sur leur dénonciation. Mais en même temps, le réalisme n'est pas dénué de pathétique vitaliste, car il se fonde sur des idéaux positifs - la sympathie pour les masses, la recherche de bonbon dans la vie, la foi dans les possibilités inépuisables de l'homme. 4. L'image de personnages typiques dans des circonstances typiques, c'est-à-dire que les personnages sont représentés en relation étroite avec l'environnement social qui les a élevés, les a formés dans certaines conditions socio-historiques. 5. La relation entre l'individu et la société est le problème majeur posé par la littérature réaliste. Pour le réalisme, le drame de ces relations est important. En règle générale, les œuvres réalistes se concentrent sur des personnalités exceptionnelles, insatisfaites de la vie, sortant de leur environnement, mais cela ne signifie pas que les réalistes ne s'intéressent pas aux personnes imperceptibles, fusionnant avec leur environnement, représentants des masses (type de Gogol et Tchekhov). petite personne). 6. La versatilité des caractères des personnages : leurs actions, actes, discours, style de vie et monde intérieur, "dialectique de l'âme", qui se révèle dans les détails psychologiques de ses expériences émotionnelles. Ainsi, le réalisme élargit les possibilités des écrivains dans le développement créatif du monde, dans la création d'une structure de personnalité contradictoire et complexe résultant de la pénétration la plus subtile dans les profondeurs de la psyché humaine. 7. Expressivité, luminosité, figurativité, précision de la langue littéraire russe, enrichie d'éléments de discours familier, que les écrivains réalistes puisent dans la langue nationale. 8. Variété des genres (épique, lyrique, dramatique, satirique). 9. Le reflet de la réalité n'exclut pas la fiction et la fantaisie, bien que ces moyens artistiques ne déterminent pas le ton principal de l'œuvre.
méthode artistique
Problèmes de terminologie
Il faut garder à l'esprit que l'étymologie du terme est utilisée dans d'autres sens, en relation avec d'autres phénomènes. Ce serait une grave erreur d'identifier la méthode dialectique à la méthode artistique. Étant un moyen de comprendre les modèles de développement de la nature et de la société, la méthode dialectique est applicable à l'étude fiction seulement dans plan général comme un phénomène social spécifique. Cependant, le concept de méthode artistique est associé aux particularités de la littérature en tant que forme d'art, caractérise sa spécificité figurative. Le terme "méthode" est utilisé dans le sens d'une méthode d'analyse scientifique. Nous parlons de la méthode d'analyse "inductive" ou "déductive" (du particulier au général ou du général au particulier).
Enfin, il faut distinguer méthodologie comme un système de méthodes pour étudier ou enseigner toute science en général ou ses sections et méthodologie comme un ensemble de principes généraux de connaissance dans toute science, y compris littéraire.
Il est également inapproprié de remplacer le terme "méthode artistique" par le terme " méthode créative", parce que dans dernier cas il y a un danger de convergence du concept de "méthode" avec le concept d'"acte de créativité", c'est-à-dire avec le processus de création ouvrages d'art, son laboratoire.
Voies de développement et étude du problème de la méthode artistique dans la critique littéraire
Dans les années 1920, une idée simplifiée de la méthode artistique en tant que «nuance» du style de classe, c'est-à-dire en tant qu'élément d'une vision du monde, était assez courante. Dans ce cas, les modes de sélection et de traitement créatif des impressions de vie dans la littérature du classicisme, du romantisme et du réalisme sont directement liés aux intérêts de classe de la noblesse ou de la bourgeoisie. La vision du monde de l'artiste est identifiée à sa méthode, et des écrivains tels que Pouchkine, Lermontov se révèlent n'être rien de plus que de "nobles écrivains". Toute la complexité, la spécificité de la création artistique est ignorée. Certains érudits littéraires des années 1920 ont directement déclaré qu'il existe deux méthodes artistiques, qui sont déterminées par une vision du monde matérialiste ou idéaliste.
Avec cette définition, l'essence du travail d'artistes tels que N.V. Gogol, L.N. Tolstoï, O. Balzac, il est généralement impossible à déterminer.
À l'avenir, l'étude du problème de la méthode artistique s'est déroulée dans deux directions. Certains scientifiques considéraient la méthode artistique comme un phénomène typologique. Ils ont comparé les phénomènes littéraires selon les traits les plus communs.
P. N. Sakulin parle de deux "types de styles" (méthodes) : "réalistes" et "irréalistes".
G. N. Pospelov distingue le "réalisme" et le "schématisme", plus tard - le "réalisme" et le "normativisme". Le romantisme, selon lui, n'est pas une méthode, mais une direction.
Premier L.I. Timofeev, au contraire, soutient que le "réalisme" et le "romantisme" doivent être considérés comme des méthodes. La méthode est le plus souvent associée au niveau et à la quantité de "vérité de la vie" dans la créativité. Mais dans ce cas, le romantisme devra être caractérisé comme un art de second ordre, inférieur, puisque le principe de « vérité de la vie » lui est inapplicable.
Typologique l'étude de la méthode permet d'identifier des points communs aux méthodes réflexion artistique la réalité d'artistes d'époques et de nationalités différentes, mais ne permet pas de révéler leur originalité. En fait, Rabelais, Cervantès, Shakespeare et L. Tolstoï sous cet aspect (typologique) sont considérés comme des "réalistes". Mais qu'y a-t-il de plus dans les œuvres de Shakespeare et de L. Tolstoï - similitudes ou différences ? Plutôt des différences.
La manière typologique d'étudier la méthode artistique satisfait de moins en moins les chercheurs.
Une autre direction dans l'étude du problème de la méthode artistique est de la considérer comme un phénomène historique concret (unique). En même temps, non pas deux, mais plusieurs méthodes sont déjà nommées : classicisme, romantisme, réalisme, symbolisme. Certains ont tendance à abandonner complètement l'étude typologique de la méthode et à ne l'étudier que sur un plan historique concret.
Ni le réalisme ni le romantisme dans ce cas ne sont plus considérés comme méthodes artistiques, puisqu'ils ne peuvent pas être associés à un période historique, avec des circonstances particulières. À la recherche de différences et de similitudes dans la méthode des personnages, des conflits, des intrigues, du héros, du matériel de vie, certains chercheurs sont prêts à considérer dans la méthode une catégorie individuelle, caractéristique d'un groupe d'écrivains ou d'un artiste individuel. L.I. Timofeev identifie les méthodes artistiques suivantes dans la littérature russe du début du XXe siècle :
- symbolisme (Sologub, Bryusov, Blok);
- L. Tolstoï ( réalisme critique);
- Bunin, Andreev, Kuprin (pas de nom);
- Gorki, Serafimovich, Pauvre ( réalisme socialiste).
Dans ce cas, la méthode ne diffère pas seulement du mouvement littéraire, mais même du style. L'idée de « mobilité » des lignes entre style et méthode se pose.
Il devient évident qu'il est nécessaire de combiner les méthodes historiques typologiques et concrètes pour étudier le problème de la méthode artistique.
Sur la base des idées de Belinsky, Timofeev propose le concept de "type de créativité" (type de pensée figurative).
Selon Belinsky, la poésie "idéale" et "réelle" est différente dans sa méthode dès le début. "Idéal" - "recrée", réel - "reproduit" la vie. Pour Belinsky, ce sont différents les types créativité littéraire et artistique depuis sa création.
Du vrai type de pensée, le critique déduit la méthode réaliste de créativité, de l'idéal - le romantique. Éléments de ces deux types créativité littéraire Belinsky note également dans la littérature ancienne.
Parmi les définitions de la méthode artistique, la formulation d'I.F. Volkov, qui met l'accent sur le principe de la conscience historique. Dans l'interprétation de I.F. Volkov « une méthode est une régularité historique objective réfractée dans un certain type de conscience sociale… ».
Un groupe de scientifiques, définissant la méthode artistique, part de l'idée de l'originalité de la pensée (conscience) de l'artiste, pour d'autres, la méthode est la tendance dominante de la réalité. Un certain nombre de chercheurs Période soviétique considérer la méthode artistique comme un indicateur de la nature de classe de la vision du monde (par exemple, réalisme démocratique bourgeois, prolétarien ou révolutionnaire). Ce lien direct entre la méthode artistique et la vision du monde de l'écrivain a finalement été rejeté par la plupart des chercheurs.
W. Focht et ses successeurs ont proposé une typologie de la méthode artistique pour la Russie réalisme XIX c. : réalisme - psychologique, social, etc.
La méthode artistique (réalisme) n'est pas directement liée au niveau de développement du langage : à la fois romantique et œuvres réalistes apparu, disons, dans la même période de la formation de la Russie langue nationale, au temps de Pouchkine, pouvait caractériser à la fois le fort et le faible en artistiquementœuvres.
La méthode n'est pas directement liée au problème de la qualité : dans le cadre d'une méthode, il peut y avoir des œuvres de qualité artistique différente.
Ainsi, la méthode artistique est un système de principes de connaissance artistique, de réflexion et de généralisation de la réalité dans leur réfraction historique concrète.
Qu'est-ce qui caractérise ces principes de réflexion de la réalité, selon quelles méthodes peuvent être distinguées ? C'est d'abord son caractère. sélection phénomènes pour l'image. Pour le classicisme dans une telle sélection, le principe est important analogie, normes; pour le réalisme - principe de déterminisme; le romantisme se caractérise par la sélection inhabituel, phénomènes lumineux et personnages.
Le principe est également important dans la méthode Images réalité, principe typologie, qui, en combinaison avec le déterminisme, donne du naturel, de la fidélité (dans le réalisme) ou du pathétique élevé (dans le romantisme) aux images de la vie.
Principe estimations représenté dans lequel; au premier plan - le point de vue de l'acceptation ou du refus : positif ou attitude négative l'auteur au dépeint.
Il est possible de déterminer le commun pour les méthodes du réalisme, du romantisme, du classicisme différents pays et les époques (communes dans les principes de réflexion de la réalité) ; en même temps, la méthode peut être interprétée comme le résultat du développement d'une certaine époque et d'une certaine nation (classicisme russe et français, etc.).
I. Caractéristiques typologiques méthode réaliste(côté objectif):
Déterminisme.
Motivation externe :
a) corrélation de classe ;
b) corrélation historique.
Motivation intrinsèque:
a) psychologisme;
b) fidélité des détails.
Selon ces caractéristiques, les écrivains de différentes époques et peuples sont inclus dans le type réaliste de créativité.
II. Caractéristiques historiques concrètes de la méthode réaliste (côté subjectif). Par exemple, les caractéristiques historiques concrètes du réalisme russe classique du XIXe siècle. sont:
a) réfraction de la corrélation de classe : défense de la paysannerie russe, critique acerbe de la noblesse et de la bourgeoisie naissante (Goncharov, Tourgueniev, Shchedrin, Dostoïevski, L. Tolstoï) ;
b) corrélation sociale : une image négative des ordres autocratique-féodal et bureaucratique-bureaucratique en Russie ;
c) description de la psychologie de la noblesse comme classe passagère ; la psychologie prédatrice d'un marchand et entrepreneur qui remplace la noblesse ; psychologie de la paysannerie et de l'intelligentsia (« personnages typiques dans des circonstances typiques »).
La méthode vous permet d'étudier les phénomènes littéraires dans l'unité du général (typologique) Ainsi, le classicisme français et russe, le romantisme anglais, français, allemand et russe, le réalisme critique européen et russe, ayant un certain nombre de similitudes, apparaissent en même temps dans une réfraction nationale spécifique et particulière.
Étant une forme d'art et d'idéologie, la fiction n'est cependant pas directement liée à la production et à la structure politique de la société. Sinon, il serait impossible d'expliquer pourquoi à l'ère des serfs autocratiques, par exemple, Nicolas Ier, des artistes de mots tels que Joukovski et Krylov, Pouchkine et Lermontov, Batyushkov et Gogol ont pu apparaître et créer. Image artistique plus large que les idées, et la créativité est plus large que l'idéologie, la philosophie, l'économie.
La méthode artistique reflète les caractéristiques:
a) mondiale processus littéraire(étude de typologies(communauté) de formes et de schémas de développement de la fiction, déterminés uniquement en dernière analyse par la communauté des structures économiques et socio-politiques et leur évolution). Le changement des formations sociales de l'esclavagisme au féodalisme et au capitalisme ne s'est pas toujours accompagné d'un changement formes littéraires: Littérature La Grèce ancienne Et Rome antique, le Moyen Âge et la Renaissance, les littératures du classicisme, du romantisme, du réalisme critique et socialiste se sont développées selon leurs propres lois ;
b) processus national développement littéraire, déterminé en définitive par le caractère unique du développement culturel, économique et sociopolitique de la nation.
Dans ce cas, à côté de la méthode typologique, une méthode historique concrète d'étude est applicable.
Orientation littéraire
Le concept de mouvement littéraire est reconnu pas du tout. Chez L.I. Timofeev, au lieu de la direction, il y a le concept de "type de créativité". Dans ce cas, l'argument est la peur d'identifier le sens à la méthode, d'autant plus que terminologiquement ils coïncident souvent : classicisme, romantisme, réalisme. Dans la critique littéraire pré-révolutionnaire, les concepts de « méthode » et de « direction » ne différaient pas. Belinsky et Chernyshevsky ont utilisé le terme «direction» en relation à la fois avec la direction et la méthode. Dans un sens large, le terme "syllabe" a été utilisé.
Il est également proposé de remplacer le terme "direction" par le terme "école littéraire", bien que pour la plupart des spécialistes de la littérature, ce dernier terme soit plus étroit.
En revanche, les chercheurs qui rejettent la signification typologique du courant ne jugent pas légitime de définir le romantisme comme une méthode, estimant que le romantisme n'est qu'un courant littéraire. En même temps, ces chercheurs ne considèrent le réalisme que comme une méthode, et non comme une direction.
Façons d'étudier le problème de la direction littéraire
Dans les années 1920, ce problème n'était pas encore posé ; il se pose à la fin des années 1930 et au début des années 1940. Au début, la direction n'était considérée qu'en termes d'histoire concrète, comme un point commun des principales tendances idéologiques et artistiques, réalisées par des écrivains et formulées par eux dans programmes littéraires et manifestes.
Mais programme esthétique ou le manifeste lui-même ne définit pas originalité artistique, mais sont le résultat, le résultat pratique artistique, qui, à son tour, est déterminé par les prérequis créatifs. Dans ce cas, la direction n'est qu'une théorie appliquée de la créativité et se rapproche de la notion de « courant littéraire ». Dans le même temps, de nombreux écrivains sont écartés du processus littéraire : Pouchkine se retrouve en dehors de la direction, puisqu'il ne partageait aucun programme. Gogol est en dehors du courant réaliste, puisqu'il n'a pas rejoint le programme de l'école naturelle, etc. Il est plus correct de considérer le courant à la fois sous l'aspect typologique et sous l'aspect historique concret, mais nécessairement en rapport avec la méthode.
Définition générale : la direction est la principale tendance idéologique et esthétique, exprimée dans la créativité artistique. La direction est comparable au pathétique.
Le romantisme en tant que direction reflète la période de transition du féodalisme au capitalisme. La tendance principale: ambiguïté, incertitude, instabilité, instabilité des sentiments, humeurs. Dans la structure - bidimensionnalité des images (pensable et manifeste). Il existe deux types de romantisme début XIX dans. en Russie - actif et passif-contemplatif: d'une part, Pouchkine et les décembristes, de l'autre - Joukovski.
Le réalisme comme tendance exprime la période de crise du système féodal-bourgeois. La tendance principale est une attitude satirique critique envers la réalité (réalisme critique).
Si la méthode se manifeste dans la généralité des principes de sélection, d'image et d'évaluation, alors dans le sens ces propriétés de la méthode sont complétées par la force de sa tendance prétentieuse. Mise au point différente, comme tendance principale, caractérise le réalisme (critique, pédagogique, socialiste), le romantisme (passif Actif).
Dans des conditions nationales spécifiques, ces tendances s'incarnaient avec plus ou moins de force. Le concept de "direction" est plus étroit que le concept de "méthode". La méthode est précisée dans directions artistiques. D'autre part, l'unité (similarité) des écrivains dans la direction littéraire est assurée par leur pratique artistique - la méthode. La direction n'existe pas en dehors de la méthode : elle est largement porteuse des caractéristiques de la méthode et se concrétise dans la méthode et le style.
L'orientation se manifeste, en plus du pathos, dans les catégories de contenu - dans le sujet, les problèmes, les idées.
Courant littéraire
Le concept général d'un mouvement littéraire. Terminologie
Le concept de courant littéraire est concret-historique. Il surgit dans la littérature du classicisme à la suite de la prise de conscience et de la compréhension de la méthode et de la direction artistiques.
Les prérequis idéologiques des courants littéraires sont des courants idéologiques. Mais les courants ne sont pas étudiés pensée publique, mais courants littéraires.
Certains chercheurs n'ont pas la notion de courant littéraire (on l'identifie à un courant littéraire). D'autres n'ont pas la notion de direction, puisqu'elle est couverte par la notion de mouvement littéraire : classicisme, sentimentalisme, etc.
Le courant littéraire est uni par l'unité de la méthode artistique et est une variété interne du courant littéraire. Habituellement présenté par un groupe d'écrivains.
Plus souvent mouvement littéraire défini comme un groupe d'écrivains unis par une certaine unité expérience de la vie, positions idéologiques, formes créatives.
Dans le romantisme, ce sont : 1) le romantisme civil des décembristes ; 2) le romantisme philosophique des philosophes. Dans le réalisme : 1) école naturelle; 2) réalisme sentimental ; 3) Réalisme des Lumières.
Le courant littéraire n'existe pas hors direction ou hors méthode : il est uni par l'unité de la méthode et de la direction. Et en tant que concept, il est plus étroit que la direction, mais plus large que le concept de "style". mais style individuel(écrivain) peut être en dehors du courant littéraire (Pouchkine - en dehors des courants littéraires du romantisme, Gogol - en dehors des courants littéraires du réalisme).
Les courants littéraires sont des concepts historiques concrets, ils ne sont liés qu'à leur époque et n'ont souvent pas de noms spécifiques. En dehors des courants littéraires, des similitudes se retrouvent dans la direction et la méthode littéraires.
Courant idéologique
(pas reconnu par tout le monde)
Les courants idéologiques sont les prémisses idéologiques des courants littéraires. Ils caractérisent et précisent les conditions socio-historiques dans lesquelles se déroule le processus littéraire. Les prémisses idéologiques peuvent être matérialistes et idéalistes ; peut être appelé par les noms des fondateurs (Petrashevites, cercle de Herzen, cercle de Stankevich), par orientation philosophique et sociale (occidentaux, slavophiles).
Les courants idéologiques contribuent à préciser la nature de la lutte littéraire, mais ils ne font pas l'objet de critiques littéraires. Ils ne correspondent pas directement à des directions et à des méthodes (ne leur sont pas adéquats) : un même courant idéologique peut provoquer des méthodes et des directions différentes. Mais finalement le courant idéologique influence la méthode et la direction.
Le terme "école littéraire" est également fréquemment utilisé. Cette notion équivaut à la notion de « courant littéraire ». Mais, contrairement à la tendance littéraire, un groupe d'écrivains de «l'école» littéraire est «plus important» dans son contenu et sa composition et se dirige (ou s'oriente) vers un leader («Pouchkine», «Shchedrin», «Gogol», naturel ).
Ainsi, parmi les cinq catégories du processus littéraire considérées, deux caractérisent son côté structurel et pratique (style et méthode) ; deux - historique et littéraire (direction littéraire, tendance littéraire); une catégorie est auxiliaire (courant idéologique).
Mecapot todsurféminin- un système de principes régissant le processus de création d'œuvres littéraires et artistiques. Catégorie M. x. a été introduit dans la pensée esthétique à la fin des années 1920, devenant l'un des concepts de base de la théorie marxiste de la créativité artistique. La variété des méthodes artistiques (classicisme, sentimentalisme, romantisme, réalisme critique, etc.) ne peut être enfermée dans le cadre de visions politiques opposées (réactionnaire - progressiste), ou de visions du monde philosophiques opposées (matérialisme - idéalisme), ou d'une vision historique et artistique simplifiée. opposition (réalisme - anti-réalisme). Il faut considérer la méthode artistique à partir de sa propre nature esthétique. la nature de la méthode artistique est contestée. Certains scientifiques le définissent comme un ensemble de techniques et de moyens artistiques ; d'autres - en tant que principes de la relation esthétique de l'art à la réalité, d'autres - en tant que système de directives de vision du monde pour la créativité. C'est une erreur d'identifier la méthode créative avec le rapport esthétique de l'art à la réalité. Au sein d'une même méthode, différents principes de cette relation sont possibles. Ainsi, pour divers théoriciens et praticiens du romantisme, l'art est soit un reflet du monde subjectif de l'artiste, soit une expression du principe de l'ironie romantique, soit une idéalisation du passé, soit une prédiction de l'avenir, soit une image de ce qui est désiré. Et, malgré une compréhension si différente des principes de la relation esthétique de l'art à la réalité, tous ces artistes ont utilisé la même méthode artistique - le romantisme. D'autre part, les principes d'attitude esthétique face à la réalité coïncident parfois chez les représentants de différentes méthodes artistiques. au 20ème siècle il y a le romantisme, le modernisme, le réalisme critique, le réalisme socialiste. Cette diversité s'explique par le fait qu'il existe différentes couches et sphères de pratique sociale, différentes visions du monde des artistes et leur orientation vers différentes traditions dans l'art antérieur. La méthode artistique est le résultat de la réflexion active de l'objet d'art. La vision du monde et la tradition artistique choisie agissent comme un prisme entre la réalité et la façon de penser de l'artiste. Les positions de vision du monde et les orientations artistiques et culturelles sur les traditions sont différentes pour différentes écoles et groupes d'artistes. D'ici surgissent différentes méthodesà la même époque.
- Méthode. Le concept de méthode artistique.
La méthode est un ensemble des principes les plus généraux de la pensée artistique. Isolez la méthode artistique réaliste et la méthode non réaliste. Différents modèles sont en cours de formation.
1. Sélection de faits de réalité pour l'image.
2. Évaluation.
3. Généralisation - il existe des modèles idéaux.
4. Incarnation artistique - un système de techniques artistiques.
La méthode est un concept supra-époque. Le réalisme est toujours là, mais c'est différent, d'autres accents. Les tendances littéraires sont l'incarnation historique de toute méthode artistique. Toute direction a un support théorique, un manifeste. L'état de la philosophie détermine les vues des écrivains. Le réalisme vient de Hegel. Lumières - Matérialisme français. La direction littéraire est toujours hétérogène. Exemple : réalisme critique. Combattez dans la direction.
Hood monde de l'auteur. Une section spéciale de S. est le S. de la fiction (discours artistique). Sa spécificité est déterminée par l'originalité de l'objet lui-même. Puisque la langue de la littérature, devenue un phénomène d'art, ne cesse pas d'être une langue au sens usuel du terme, et que les fonctions artistiques des faits de langage dans la littérature sont déterminées, notamment, par leurs propriétés stylistiques, il est naturel que le style de discours artistique reste dans le cadre du style de langage en tant que discipline linguistique, utilise les mêmes concepts et catégories, mais ne se limite pas à eux lors de l'identification de la fonction esthétique du langage dans la littérature. L'art de la fiction explore les manières dont le langage peut être utilisé de manière artistique, en y combinant des fonctions esthétiques et communicatives, et comment le langage devient une œuvre d'art dans la littérature. Caractéristiques d'un texte littéraire, manières de construire différents types récit de l'auteur et méthodes pour y refléter les éléments du discours de l'environnement décrit, manières de construire un dialogue, fonctions des différentes couches stylistiques du langage dans le discours artistique, principes de sélection des moyens linguistiques, leur transformation en fiction, manières de mettre à jour ces aspects de la langue qui ne sont pas essentielles dans le discours pratique, etc. L'une des tâches de l'écriture historique à cet égard est d'analyser la relation entre la langue de fiction et la langue littéraire et vernaculaire générale à divers stades du développement de la langue et de la littérature. Cela permet d'esquisser les liens entre l'histoire de la langue littéraire et l'histoire de la littérature, de compléter des concepts tels que le classicisme, le sentimentalisme, le romantisme et le réalisme par des caractéristiques linguistiques propres. En même temps S. artistique la parole cherche à révéler la fonction esthétique du matériel linguistique dans un artistique système, dans ses liens avec d'autres éléments de ce systèmes. Par conséquent, dans le style de la fiction, le langage de l'écrivain et des œuvres d'art individuelles devient le sujet d'étude le plus important, c'est-à-dire que le problème du style individuel est mis au premier plan. S. le discours artistique frôle poétique. Ce contact dessine les frontières de l'analyse linguo-stylistique ; elles tiennent au fait que la notion de style artistique d'une œuvre littéraire comprend, selon les mots de VM Zhirmunsky, non seulement des moyens linguistiques (qui constituent le sujet de S. au sens exact), mais aussi des thèmes, des images, composition de l'œuvre, son contenu artistique, incarné par des moyens verbaux, mais non limité aux mots. En même temps, toutes les caractéristiques linguistiques d'une œuvre ne se révèlent pas être le sujet de S. Ainsi, l'étude du rythme d'un texte poétique, l'instrumentation sonore d'un vers appartient au domaine de la poétique. Les œuvres de VM Zhirmunsky et VV Vinogradov ont joué un rôle important dans le développement de la poésie et dans le développement de l'étude sociologique et historico-littéraire des styles linguistiques (en particulier, ses tentatives de distinguer la poésie de la poétique et, au sein de la poésie, de distinguer entre ses différentes sections) : S. langage, S. discours, S. fiction). Une place prépondérante dans l'histoire de la Russie. Les pages sont occupées par les œuvres de L. V. Shcherba, B. A. Larin, L. A. Bulakhovsky, G. O. Vinokur, B. V. Tomashevsky et d'autres. car les questions les plus discutables sont posées sur la nature du sens stylistique, les principes de description des styles fonctionnels de la langue, la place de la langue artistique littérature en stylistique système la langue littéraire et les principes de son étude, le problème du style individuel, le rôle des méthodes statistiques, etc.
2. HYPERBOLOIE (du gr. gyperbolē - exagération, surplus) est une expression figurative, consistant en une exagération de la taille, de la force, de la beauté, du sens du décrit (Mon amour, large comme la mer, ne peut contenir la vie du rivage). L'hyperbole et les litotes ont une base commune - un écart par rapport à une évaluation quantitative objective d'un objet, d'un phénomène, d'une qualité - par conséquent, ils peuvent être exprimés dans le discours par des unités linguistiques de différents niveaux (un mot, une phrase, une phrase, une syntaxe complexe ensemble), par conséquent, les attribuer à des moyens figuratifs lexicaux est en partie conditionnel. Une autre caractéristique de l'hyperbole et des litotes est qu'elles peuvent ne pas prendre la forme d'un trope, mais simplement agir comme une exagération ou un euphémisme.
LITOTOY (du Gr. litótēs - simplicité) est une expression figurative qui sous-estime la taille, la force, la signification de ce qui est décrit (- Votre Spitz, adorable Spitz, pas plus qu'un dé à coudre. - Gr.). Litota est aussi appelée hyperbole inverse.
PÉRIPHRASE (de périphrase - récit) est une phrase descriptive utilisée à la place d'un mot ou d'une phrase. (Brûlée plus d'une fois et renaissant de ses cendres, Moscou - même restée après Pierre le Grand une "veuve au porphyre" - n'a pas perdu son importance, elle a continué d'être le cœur de la nationalité russe, un trésor de la langue et l'art russes, une source d'illumination et de libre-pensée même dans les temps les plus sombres).
MÉTHODE ARTISTIQUE
(du grec methodos - la voie de la recherche, de la théorie, de l'enseignement) - un ensemble de principes de sélection, de généralisation artistique, d'évaluation idéologique et esthétique de la réalité du point de vue d'un idéal esthétique historique concret qui régit le processus de l'activité artistique.Le concept de méthode a été introduit dans l'esthétique dans les années 1920. XXe siècle de la philosophie et de la science. Au sens large, une méthode désigne une méthode d'action pratique et théorique visant à obtenir certains résultats, ainsi qu'un ensemble de principes qui régissent l'activité cognitive.Au sens étroit, une méthode est un moyen d'atteindre k.-l. objectifs, mode de fabrication, mode d'activité, réception.
La méthode artistique reflète les principales questions de créativité posées par l'époque, principalement des questions sur la nature de la généralisation artistique, les moyens d'expression, les manières de reproduire les phénomènes de la vie. La méthode est une organisation artistique de la réalité, un type de pensée artistique, exprimée sous une forme historique concrète.
La méthode est une catégorie historiquement spécifique. La prédominance d'une méthode ou d'une autre dans l'histoire des sciences ou de la philosophie est conditionnée à la fois par le niveau de développement des connaissances et par l'intérêt pour cette méthode de certaines forces sociales. L'histoire de l'art connaît plusieurs méthodes artistiques qui se remplacent et se manifestent de différentes manières dans divers types art. Comme critère qui révèle la nature du changement historique de la méthode artistique, on peut prendre le concept de vérité artistique (voir), qui est interprété différemment par diverses méthodes. Dans le classicisme, le principe de vérité correspond aux aspirations de la monarchie absolutiste, les théories esthétiques des Lumières révèlent la volonté de consolider dans la méthode du sentimentalisme postes publics tiers état. Le romantisme absolutise l'individualisation comme principe de généralisation artistique. Seul le réalisme critique, libérant l'art de formes mythologiques pensée, la rattache à l'analyse socio-historique de la réalité. K. Marx et F. Engels, dans des lettres à F, Lassalle, M. Kautskaya, M. Harkness, formulent le principe d'un reflet réaliste de la réalité comme reflet de personnages typiques dans des circonstances typiques.
Le type de créativité, déterminé par les principes de sélection et de généralisation des faits et phénomènes de la réalité, comprend leur évaluation et leur interprétation. Problème d'organisation matériel artistique dépend de la vision du monde de l'artiste, de sa position idéologique et esthétique. V. I. Lénine, utilisant l'exemple du travail de L. N. Tolstoï, a montré comment, sous l'influence de contradictions internes dans la vision du monde de l'artiste, naissent des contradictions de méthodes artistiques.
Une nouvelle méthode de création apparaît à la suite du développement de la vie artistique, de nouveaux besoins esthétiques. Tous nouvelle étape développement artistique révèle l'insuffisance de la précédente, non parce qu'elle est devenue réactionnaire, mais parce qu'elle ne correspond plus à des idées nouvelles sur conflits sociaux, le caractère humain et l'activité humaine.
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