Peinture de la première moitié du XIXe siècle La première moitié du XIXe siècle est une page lumineuse dans la culture de la Russie. Toutes les directions - peinture, littérature, architecture, sculpture, théâtre de cette époque - sont marquées par toute une constellation de noms qui ont fait la renommée mondiale de l'art russe.
La peinture de la première moitié du XIXe siècle était d'une grande importance dans la vie de la société. Le développement de l'identité nationale, provoqué par la victoire dans la guerre patriotique de 1812, a suscité l'intérêt du peuple pour la culture et l'histoire nationales, pour les talents domestiques. En conséquence, au cours du premier quart du siècle, pour la première fois, surgissent des organismes publics dont la tâche principale est le développement des arts : la Société libre des amoureux de la littérature, des sciences et des arts, la Société pour l'encouragement des Artistes. Des magazines spéciaux sont apparus, les premières tentatives ont été faites pour collecter et exposer l'art russe. Le petit "Musée russe" privé de P. Svinin est devenu célèbre et la Galerie russe a été créée sous l'Ermitage impérial en 1825. Depuis le début du siècle, la pratique de l'Académie des Arts comprend des expositions périodiques, qui attirent de nombreux visiteurs. En même temps, l'admission à ces expositions certains jours des gens du commun était une grande réussite.
Au tout début du XIXe siècle, le classicisme joue un rôle important dans la peinture. Cependant, dans les années 1830, cette tendance perdait progressivement sa signification sociale et se transformait de plus en plus en un système de canons et de traditions formels. Le romantisme, courant européen qui s'est formé au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, a apporté une nouveauté de vues à l'art russe. L'un des principaux postulats du romantisme, à l'opposé du classicisme, est l'affirmation de la personnalité d'une personne, de ses pensées et de sa perception du monde comme valeur principale de l'art. Sécuriser le droit d'une personne à l'indépendance personnelle a suscité un intérêt particulier pour son monde intérieur et en même temps assumé la liberté de la créativité de l'artiste. En Russie, le romantisme a acquis sa propre particularité: au début du siècle, il avait une couleur héroïque et pendant les années de la réaction de Nikolaev, il avait une couleur tragique. Ayant pour particularité la connaissance d'une personne spécifique, le romantisme est devenu la base de l'émergence et de la formation ultérieures du courant réaliste, qui s'est établi dans l'art dans la seconde moitié du XIXe siècle. Un trait caractéristique du réalisme était l'appel au thème de la vie populaire moderne, l'établissement d'un nouveau thème dans l'art de la vie paysanne. Ici, tout d'abord, il faut noter le nom de l'artiste A.G. Venetsianov. Les découvertes les plus réalistes de la première moitié du XIXe siècle se reflètent dans les années de travail de P.A. Fedotov.
La peinture de portrait se caractérise par des réalisations exceptionnelles dans l'art russe de la première moitié du XIXe siècle. Le portrait russe est le genre de peinture qui relie le plus directement les artistes à la société, avec des contemporains exceptionnels. L'épanouissement du portrait est associé à la recherche de nouveaux principes de création artistique et à la diffusion du romantisme en Russie. Le romantisme est inhérent aux portraits des artistes O. A. Kiprensky, V. A. Tropinin, K. P. Bryullov. Les portraitistes les plus célèbres de cette époque sont O. Kiprensky. et Tropinine V.A. Kiprensky O.A. "Autoportrait" Tropinin V.A. Autoportrait, 1846
Kiprensky O.A. (). Les portraits féminins de l'artiste constituent une page spéciale de la peinture russe. Chacun de ses portraits capture la pénétration dans les profondeurs de l'âme de l'image, l'originalité unique de l'apparence et d'excellentes compétences d'interprétation. Les plus célèbres sont les portraits d'E.S. Avdulina (1822), E.A. Teleshova (1828), D.N. Khvostovoy (1814). L'un des sommets de l'œuvre d'Orest Adamovich est le portrait d'E.P. Rostopchine (1809). Portrait de E. S. Avdulina Portrait de E. A. Teleshova Portrait de D. N. Khvostova Portrait de E. P. Rostopchina
Le célèbre portrait du poète A.S. Pouchkine (l'un des meilleurs de son vivant) de Kiprensky. Le poète lui-même a écrit à propos de cette image : « Je me vois, comme dans un miroir. Mais ce miroir me flatte." Portrait du colonel Life-Hussar E.V. Davydov (1809). L'image de Davydov, créée par Kiprensky, apparaît devant le spectateur comme un symbole de l'ère des guerres avec Napoléon, à la veille de la guerre patriotique de 1812.
Tropinine Vasily Andreevitch (). Fils de serf, lui-même serf jusqu'en 1823. La capacité de dessiner s'est manifestée dans l'enfance, a étudié à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg, a montré un brillant succès académique, a reçu des médailles d'argent et d'or. Mais le maître l'a envoyé dans le domaine ukrainien, où l'artiste a vécu pendant environ 20 ans, était engagé dans la peinture, construit et peint une église. Tropinine V.A. il a peint un grand nombre de portraits, non seulement de personnes célèbres et célèbres, mais aussi de représentants du peuple. Une attention particulière est accordée aux portraits de toute une vie du grand poète A.S. Pouchkine et du héros de la guerre patriotique de 1812 I.P. Bagration. "Portrait de P.I. Bagration" "Portrait d'A.S. Pouchkine", 1827
Dans des portraits de contemporains, des gens du peuple, l'artiste montre la beauté intérieure d'une personne. Ainsi, dans le tableau "La Dentellière" Tropinin V.A. réussi à trouver une rare harmonie de beauté physique et morale, la définition sociale du type de fille du peuple et la poésie de l'image. « La dentellière » est caractéristique de la peinture russe de la période pré-Peredvizhnicheskoy : les traditions du XVIIIe siècle se mêlent ici aux signes d'une nouvelle ère. "Fille au pot de roses", 1820 "Guitariste", 1823 "Dentellière", 1823 "Broderie d'or", 1826
Karl Pavlovich Bryullov () était l'un des artistes les plus brillants et en même temps controversés de la peinture russe du XIXe siècle. Bryullov avait un talent brillant et une façon de penser indépendante. Il a grandi dans la famille d'un artiste, depuis l'enfance il se passionne pour la peinture, à l'âge de 10 ans il entre pour étudier à l'Académie des Arts. En 1822, Karl Bryullov se rend à Rome pour étudier l'art des maîtres de la Renaissance. "Autoportrait", 1834 "Autoportrait", 1848 "Portrait de la comtesse Y. P. Samoilova avec sa fille adoptive Amatsilia Pacini" "Portrait d'Alexei Tolstoï" ", 1832
Dans la période de créativité italienne, Bryullov a consacré une place importante à la peinture de portrait, a peint le célèbre portrait-peinture "Cavalière". Dans le tableau "Matin italien", il ne s'est pas tourné vers des sujets historiques et mythologiques, mais vers la scène quotidienne des vendanges. En 1836, Karl Pavlovich Bryullov est devenu professeur à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, a enseigné à l'Académie, au cours de cette période, il a également peint environ 80 portraits. "La diseuse de bonne aventure Svetlana", 1836 "Cavalière", 1832 "Le midi italien", 1832 "Portrait des sœurs Shishmarev, 1839
Le genre historique était considéré comme le plus élevé de l'Académie. Les meilleures œuvres de ce genre étaient les œuvres de KP Brullov, dont "Le dernier jour de Pompéi". Cette image est un exemple frappant d'art académique, mais des éléments de romantisme sont déjà visibles.
L'histoire du tableau "Le dernier jour de Pompéi". En 1827, lors d'une des réceptions, l'artiste rencontre la comtesse Ioulia Pavlovna Samoilova, qui devient pour lui un idéal artistique, une amie intime et un amour. Avec elle, Charles se rend en Italie pour inspecter les ruines des anciennes villes de Pompéi et d'Herculanum, décédées à la suite d'une éruption volcanique en 79 après JC. NS. Impressionné par la description d'un témoin oculaire de la tragédie de l'écrivain romain Pline le Jeune, Bryullov réalisa qu'il avait trouvé un thème pour son prochain ouvrage. Pendant trois ans, l'artiste a collecté du matériel dans les musées archéologiques et sur les fouilles, afin que chaque objet peint sur la toile corresponde à l'époque. Tous les travaux sur la peinture ont duré six ans. Au cours du travail sur la peinture, de nombreux croquis, croquis, études ont été réalisés et la composition elle-même a été reconstruite plusieurs fois. Lorsque l'œuvre fut présentée au grand public à la mi-1833, elle provoqua une explosion d'admiration et d'admiration pour l'artiste. Auparavant, aucun tableau de l'école de peinture russe n'avait une telle renommée européenne. En 1834, lors d'expositions à Milan et à Paris, le succès du tableau est étonnant. En Italie, Bryullov a été élu membre honoraire de plusieurs académies d'art, et à Paris, il a reçu la médaille d'or. Le succès de l'image a été prédéterminé non seulement par un complot bien trouvé, correspondant à la conscience romantique de l'époque, mais aussi par la façon dont Bryullov divise la foule de mourants en groupes locaux, dont chacun illustre l'un ou l'autre affect - l'amour , abnégation, désespoir, cupidité. Le pouvoir montré dans l'image, détruisant tout autour, s'est introduit dans l'harmonie de l'existence humaine, a suscité chez les contemporains des pensées sur une crise d'illusions, sur des espoirs non réalisés. Cette toile a apporté à l'artiste une renommée mondiale. Le client du tableau - Anatoly Demidov - l'a présenté au tsar Nicolas Ier.
Ivanov Alexander Andreevich (gg.) Une place particulière dans le genre historique est occupée par la toile monumentale de AA Ivanov "L'apparition du Christ au peuple", sur laquelle il a travaillé pendant 20 ans. Réalisé dans le respect des normes fondamentales de la peinture classique, il allie les idéaux de romantisme et de réalisme. L'idée principale de l'image est la croyance en la nécessité d'un renouveau moral des personnes.
L'histoire de la création du tableau "L'apparition du Christ au peuple". En 1833 (de 1830 à 1858 l'artiste vécut en Italie), Alexandre Andreïevitch conçut l'idée d'une nouvelle peinture monumentale. Ce tableau de renommée mondiale est devenu l'apogée de son œuvre, dans lequel le talent puissant de l'artiste s'est pleinement révélé. Le travail sur le tableau occupait toutes les pensées et tout le temps de l'artiste ; plus de trois cents croquis préparatoires d'après nature et croquis d'albums ont été réalisés, dont beaucoup sont devenus des œuvres indépendantes. Au cours de son travail sur la peinture, Ivanov a relu la littérature sur l'histoire, la philosophie, les enseignements religieux, a plusieurs fois repensé le concept et l'intrigue. En Italie, l'artiste se retrouve dans une situation financière difficile. Ivanov vivait d'avantages, qu'il parvenait à se procurer auprès de diverses institutions ou mécènes. Il a économisé sur chaque petite chose. Presque tout l'argent qu'il pouvait obtenir, Alexander Andreevich l'a dépensé pour l'entretien d'un immense atelier, l'achat de matériel d'art et le paiement de modèles. Après plusieurs interruptions de travail sur le tableau, l'artiste l'achève néanmoins en 1857. Mais le tableau "L'Apparition du Christ au peuple", montré par l'artiste après son retour en Russie en 1857, d'abord au Palais d'Hiver, puis à l'Académie des Arts, a été accueilli avec assez de retenue.
À propos du talent de portraitiste de l'artiste Ivanov A.A. en témoigne le portrait de N.V. Gogol, peint en 1841, avec qui le peintre entretient une étroite amitié. Le tableau de la période "à l'italienne" de l'oeuvre du peintre "L'Apparition du Christ à Marie-Madeleine après la Résurrection", sur laquelle il a travaillé de 1834 à 1836. Ce tableau a été envoyé à Saint-Pétersbourg, où il a reçu des critiques positives. Le tableau a été placé dans la galerie d'art de l'Ermitage. Le Conseil de l'Académie apprécie l'œuvre de l'artiste, qui correspond strictement aux canons classiques, et lui décerne le titre d'académicien.
Autoportrait, 1848 Fedotov Pavel Andreevich (). Le fondateur du réalisme critique dans la peinture russe. Dans ses peintures de genre, il exprime des problèmes sociaux majeurs. Au cours des années, il a étudié au premier corps de cadets de Moscou. Grâce à sa mémoire phénoménale, Paul étudiait bien, les sciences lui étaient faciles. Même alors, dans les premières années de ses études, Fedotov montra un désir ardent pour la peinture. Au fil du temps, le dessin est devenu une passion. Les premiers travaux de Fedotov étaient liés au thème militaire. Il entre à l'Académie des Arts. Il n'a pas pris entièrement sur la foi tout ce qui a été enseigné à l'Académie, ce qui a conduit à la formation de sa propre vision de la peinture, qui était différente des canons figés de l'académisme. Ayant pris sa retraite, l'artiste a créé des œuvres talentueuses à orientation sociale, montrant la position critique de l'auteur par rapport à la réalité.
"Fresh Cavalier", 1846 "Choosy Bride", 1847 La première peinture à l'huile de l'artiste PA Fedotov - "Fresh Cavalier" - fait référence à 1846. Cette image de genre a été appréciée à la fois par les professeurs universitaires et les téléspectateurs démocrates. Un an plus tard, Fedotov a peint un autre tableau "La mariée agitée". Avec la participation directe de Bryullov, ces deux tableaux ont été acceptés pour l'exposition académique de 1847.
"La parade nuptiale d'un major", 1851 Pour le tableau ultérieur "La parade nuptiale d'un major", le Conseil de l'Académie a décerné à Pavel Andreevich le titre d'académicien. Une place importante dans l'œuvre de Fedotov était occupée par les portraits, dont le "Portrait de N. Zhdanovich", peint en 1849, se démarque. "Portrait de N. Zhdanovich au piano", 1849
Alexey Gavrilovich Venetsianov (), le fondateur du genre domestique (peinture de genre). Ses peintures poétisent la vie du peuple russe ordinaire, consacrée au travail quotidien et à la vie des paysans. Autoportrait, 1811 Né à Moscou, dans une famille de marchands. Il a étudié dans une pension privée, a servi à la poste et aimait la peinture depuis son enfance. Il était élève du célèbre artiste V.L. Borovikovski. En 1811, A.G. Venetsianov est élu académicien de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg.
En 1818, Venetsianov quitta la fonction publique, se maria et partit avec sa famille dans le domaine Safonkovo , qui appartenait à sa nouvelle épouse. C'est ici, loin de l'agitation de la ville, qu'Alexei Gavrilovich trouve le fil conducteur de son œuvre. Une source d'inspiration inépuisable, une variété d'intrigues et d'images, s'ouvre à Venetsianov. Une énorme contribution d'Alexei Gavrilovich Venetsianov au développement de la peinture russe est la création de sa propre école, sa propre méthode. De portraits intimes de paysans, l'artiste en arrive à de magnifiques compositions artistiques où la vie populaire, son aura, trouve pour elle une expression multicolore. En 1822, pour la première fois, l'œuvre de l'artiste A.G. Venetsianov est présentée à l'empereur. Pour elle, le peintre a reçu mille roubles et l'œuvre elle-même a été placée dans la salle des diamants du palais d'hiver. La peinture s'appelait "Beet Cleansing". Cette toile est devenue une sorte de "tournant" dans la peinture russe, la naissance d'une nouvelle tendance dans l'art russe du genre. C'est Venetsianov qui a rendu ce tableau populaire parmi le peuple.
Dans les années 1820, Aleksey Gavrilovich a peint plusieurs petites peintures, les soi-disant "portraits de paysans", représentant des filles avec un pot de lait, maintenant avec une faux, avec des betteraves, avec des bleuets, maintenant un garçon avec une hache ou endormi sous un arbre , maintenant un vieil homme ou une vieille femme. "Fille au foulard", 1810 "Zakharka" "Fille au pot de lait", 1824 Paysanne aux bleuets.
« Sur des terres arables. Printemps." 1820 Aux vendanges. L'été. Il convient de noter la particularité des images de paysannes, inhérente à de nombreuses peintures de l'artiste: leur majesté, leur dignité calme, l'expression professionnelle de leurs visages. Le prototype d'une paysanne pour le tableau « Sur les terres arables. Le printemps »a été servi par la femme de l'artiste. C'est une jeune femme mince vêtue d'une longue robe d'été, menant deux chevaux à travers le champ. Non moins célèbre est le tableau « À la récolte. L'été". Cette œuvre se distingue par l'harmonie des images artistiques : l'amour de Venetsianov pour les paysans ouvriers lui a permis de dépeindre en lui une véritable beauté.
Vérifions les connaissances : 1. Quels courants artistiques coexistaient en peinture dans la première moitié du XIXe siècle : A) classicisme, sentimentalisme, réalisme B) réalisme, abstractionnisme, sentimentalisme C) classicisme, romantisme, réalisme 2. Quel artiste a peint le portrait de AS Pouchkine, dont le poète a dit : « Je me vois comme dans un miroir. Mais ce miroir me flatte ": A) Kiprensky B) Tropinin D) Venetsianov 3. Lequel des artistes de la première moitié du 19ème siècle est le fondateur du genre domestique en peinture: A) Bryullov B) Venetsianov D) Fedotov siècle est le fondateur du réalisme critique dans la peinture russe : A) Tropinin B) Fedotov C) Ivanov AA
Réponses : 1.C) classicisme, romantisme, réalisme 2.A) Kiprensky 3.B) Venetsianov 4.B) Fedotov 5.K.P. Bryullov "Le dernier jour de Pompéi" 6. AG Venetsianov "Sur des terres arables. Printemps "7.P.A. Fedotov "Cavalier frais" 8. .А. Ivanov "L'apparition du Christ au peuple" 9.V.A. Tropinin "La Dentellière" 10. О.А. Kiprensky « Portrait d'A.S. Pouchkine "
Peinture de la première moitié XIXème siècle:
La tendance de la peinture réaliste du XVIIIe siècle reste dominante dans la première moitié du nouveau siècle, une attention particulière est accordée pendant cette période aux caractéristiques de la vie russe, qui sont de caractère folklorique et national. Une réalisation importante de la peinture russe dans le premier tiers du XIXe siècle a été le développement du genre du portrait. Les portraits de cette époque éclairent l'humanisme de l'époque Pouchkine, avec son respect sans bornes de la dignité humaine. L'essor patriotique provoqué par la lutte contre l'intervention française de 1812, l'attente du triomphe de la justice sociale ont donné à la vision du monde de l'homme progressiste de cette époque un caractère sublime, en même temps, le principe civique s'est combiné ici avec un caractère lyrique. , intime, qui donnait à l'apparence spirituelle des meilleures personnes de cette époque une plénitude particulière.
Parmi les plus grands portraitistes russes de la première moitié du XIXe siècle appartient Vasily Andreevitch Tropinin (années de vie 1776-1857), l'un des fondateurs du romantisme dans la peinture russe. Dans ses portraits, Tropinin a révélé la valeur de la personne humaine dans toute la concrétude de son apparence extérieure et de son monde spirituel. Les portraits de Tropinin sont facilement reconnaissables à l'expression complaisante de ses personnages; il a doté ses personnages de son propre calme et bienveillance. En plus des portraits, Tropinin a également développé des thèmes quotidiens dans son travail, ce qui fait de lui l'un des fondateurs de la peinture de genre russe.Le "Portrait d'Arseny Tropinin" peut être qualifié de chef-d'œuvre des premiers travaux de Tropinin. Les images d'enfants étaient particulièrement attrayantes pour l'artiste. La plupart des portraits d'enfants de Tropinin ont un lien de genre, il représente des enfants avec des animaux, des oiseaux, des jouets, des instruments de musique ("Garçon avec pitié", "Garçon avec un chardonneret" et autres). "Portrait d'Arseny Tropinin" séduit par sa sincérité et la pureté des émotions, il est écrit facilement et de manière généralisée. La palette de couleurs raffinée est basée sur une combinaison de tons brun doré, à travers la couche de peinture et le glacis, le ton rosé du sol et la sous-peinture brille à travers.|
V.A. Tropinine. Dentellière. 1823 g. |
L'image d'une jolie fille, momentanément détachée de son occupation et regardant le spectateur, suggère que le travail n'est pas du tout une charge pour elle, que ce n'est qu'un jeu. Une nature morte a été soigneusement et amoureusement peinte - de la dentelle, des fuseaux, une boîte pour les travaux d'aiguille. Le sentiment de paix et de confort créé par Tropinin dans cette image convainc de la valeur de chaque instant de l'existence humaine quotidienne.
Les premières formes de la peinture de genre russe comprennent d'autres portraits de femmes serfs par Tropinin - brodeuses d'or, brodeuses, fileuses. Leurs visages sont similaires, les traits de l'idéal féminin de l'artiste y sont clairement visibles - un ovale doux, des yeux sombres en amande, un sourire amical, un regard coquette. Ces œuvres de Tropinin se distinguent par des contours clairs et une superposition de corps de peintures, la texture pittoresque acquiert de la densité. De petits traits denses font que les peintures ressemblent à des miniatures en émail.|
V.A. Tropinine. Portrait d'A.S. Pouchkine. 1827 g. |
Pouchkine est représenté assis dans une pose détendue, sa main droite est posée sur une table avec un livre ouvert. L'arrière-plan et les vêtements sont unis par un ton brun doré commun, sur lequel se détache le visage du poète - la tache de couleur et le centre de composition les plus intenses de l'image. Une véritable inspiration brille dans les yeux bleus grands ouverts du poète. Tous les contemporains ont noté dans ce portrait une ressemblance impeccable avec Pouchkine, où l'artiste, suivant consciencieusement la nature, a su capter la haute spiritualité du poète.
Les années 1830-1840 comptent le plus grand nombre de portraits peints par Tropinin. Il s'agit de portraits de hauts fonctionnaires de la hiérarchie de la ville et d'individus de particuliers - nobles, marchands, mais aussi acteurs, écrivains et artistes spirituellement proches de Tropinin.Au cours de ces années, sous l'influence de Karl Bryullov, revenu d'Italie en Russie, apparaissent des œuvres de grand format de Tropinine, comme un portrait d'apparat. Dans le portrait de Bryullov lui-même, Tropinin souligne l'originalité artistique de l'artiste avec un fond luxuriant avec des ruines antiques entrelacées de vignes et un Vésuve fumant.
Les œuvres ultérieures de Tropinin attirent par leur observation du genre, anticipant l'intérêt pour la vie quotidienne, caractéristique de la peinture russe des années 1860.
Il convient de noter que Tropinin a été un serf pendant la majeure partie de sa vie et n'a obtenu sa liberté qu'à l'âge de 47 ans (et sa famille, sa femme et son fils, après 5 ans supplémentaires), mais, malgré cela, tout au long de sa vie, l'artiste a maintenu une attitude bienveillante envers les gens, les représentant dans des portraits de bonne humeur et avec une expression agréable.
Vasily Andreevich Tropinin a créé plus de trois mille portraits au cours de sa longue vie créative, ayant eu une influence considérable sur la formation de l'école de peinture de Moscou et le développement des tendances réalistes dans l'art russe.
L'un des peintres russes les plus importants de la première moitié du XIXe siècle peut être appelé Karl Pavlovitch Bryullov (années de vie 1799-1852). Bryullov dans son travail gravite vers les grandes toiles historiques, leur conception générale est souvent romantique, bien qu'elles conservent les caractéristiques du classicisme et une base réaliste.Karl Bryullov est né dans la famille d'un académicien, sculpteur sur bois et peintre-décorateur. En 1809, Bryullov a été admis à l'Académie des Arts, diplômé avec mention, a été envoyé en voyage de retraite en Italie, où il a écrit une série de peintures sur le thème de la beauté vivifiante d'une personne en bonne santé, qui ressent la joie d'être avec tout son être (« Matin italien », « Midi italien », « Bethsabée »).
Ce thème de la beauté joyeuse et de l'harmonie résonne distinctement dans le tableau "Après-midi italien". Bryullov traduit magistralement l'effet de rayons de soleil perçant le feuillage et d'une grappe de raisin remplie de jus, trace les jeux de lumière et d'ombres adoucis par les reflets sur la peau foncée d'une femme italienne, tout en conservant la clarté des volumes plastiques de ses épaules nues et bras pleins.
Karl Bryullov peut aussi être appelé le maître du portrait de cérémonie. L'élévation romantique de l'image, son caractère décoratif, la clarté plastique de la forme volumétrique et l'étonnante matérialité de la texture des objets distinguent les meilleurs portraits cérémoniels de Bryullov, tels que "La Cavalière" et deux portraits de la comtesse Yulia Samoilova.Cependant, on peut noter que les portraits cérémoniels de Bryullov n'ont pas la signification inhérente à une image représentative du XVIIIe siècle. De nombreux portraits de cérémonie de Bryullov sont de nature purement externe, anticipant le portrait de salon de la seconde moitié du XIXe siècle.
Contrairement aux portraits d'apparat sur mesure, la précision particulière des caractéristiques psychologiques des modèles distingue les portraits de personnages d'art de Bryullov (le poète Kukolnik, le sculpteur Vitali, le fabuliste Krylov, l'écrivain et critique Strugovshchikov).
Dans le portrait, Vitali Bryullov dépeint le sculpteur comme un créateur enthousiaste, l'éclat de ses yeux humides trahit la tension de l'état créatif, et des vêtements simples avec un col décontracté d'une chemise blanche rappellent l'environnement de travail du sculpteur. Bryullov met en valeur le visage et la main de Vitali avec une lumière vive, plongeant le reste de l'environnement dans une douce semi-obscurité.
K.P.Bryullov. Le dernier jour de Pompéi. 1830-1833
Le summum des réalisations créatives, du talent brillant et de l'habileté virtuose de Karl Bryullov peut être appelé le grand tableau historique "Le dernier jour de Pompéi", qui caractérise le romantisme dans la peinture russe, mêlé à l'idéalisme et à un intérêt accru pour le plein air.
Dans la peinture, Bryullov a représenté le moment de l'éruption du Vésuve en 79 après JC. NS. et la destruction de la ville de Pompéi près de Naples. La mort de personnes sous l'influence de forces élémentaires aveugles est tragiquement inévitable, la lueur d'un volcan et la lumière de la foudre illuminent la foule horrifiée de personnes en quête de salut. Bryullov combine dans les images des personnages de cette image l'idéalisation héroïque traditionnelle du classicisme et la tendance inhérente à la nouvelle direction romantique à dépeindre des natures dans des situations exceptionnelles.
Pour construire la composition du tableau, Bryullov utilise les règles de base du classicisme : la frontalité et le caractère fermé de la composition, sa division en profondeur en trois plans, la répartition des personnages en groupes, disposés sous forme de triangles académiques. Une telle construction de la composition dans le style du classicisme contredit la nature romantique générale du concept de l'image, introduisant une certaine conventionnalité et froideur dans l'image.
Contrairement à ses contemporains qui illuminaient les tableaux d'une lumière du jour diffuse et neutre, Bryullov s'empare avec audace et succès de la transmission du double éclairage le plus complexe : la lumière rouge chaude de la flamme d'un volcan dans les profondeurs et la lumière froide et bleu-verdâtre au premier plan d'un éclair.
Le tableau "Le dernier jour de Pompéi" de Karl Bryullov a fait sensation tant en Russie qu'à l'étranger, marquant le premier grand succès international de l'école de peinture russe.
Sculpture de la première moitié XIXème siècle:
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AU. Russie. Portrait de I.P. Martos |
Le représentant le plus éminent du classicisme russe dans la sculpture de cette période peut être appelé Ivan Petrovitch Martos (années de vie 1754-1835).
La sculpture mémorielle occupe une place importante dans l'œuvre de Martos. Martos peut être appelé l'un des créateurs d'un type particulier de pierre tombale russe de l'ère du classicisme. Parmi les premières œuvres survivantes de Martos, se distingue la pierre tombale de S.S.Volkonskaya, qui est une plaque de marbre avec une image en bas-relief d'une femme en pleurs à côté d'une urne. La silhouette élancée et majestueuse est entièrement drapée de longues robes, son visage est ombragé par un voile jeté sur sa tête et est presque invisible. Une grande mesure de retenue dans la transmission de la douleur humaine est inhérente au travail de Martos ; solution calme et claire à la composition globale de la pierre tombale.
Les mêmes caractéristiques sont caractéristiques de la pierre tombale d'E.S.Kurakina. Au lieu d'une composition complexe à plusieurs figures, le sculpteur n'a placé qu'une seule figure allongée d'une femme sur le piédestal de la pierre tombale ; Accoudée à un médaillon ovale avec un portrait du défunt, la femme, en deuil, se couvre le visage de ses mains. Sur le piédestal de la pierre tombale, Martos a sculpté un bas-relief représentant les deux fils du défunt sur un fond neutre lisse caractéristique du classicisme.
La force et le drame des sentiments humains profonds sont véhiculés dans cette œuvre de Martos avec un tact artistique et une expressivité plastique.
Dans les pierres tombales en marbre de Martos, le thème du chagrin est révélé avec une poésie profonde, ils ressentent une grande sincérité des sentiments, une sublime compréhension éthique du chagrin humain, il leur manque l'horreur de la mort qui accable une personne.
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IP Maptos. Monument à Minine et Pojarski à Moscou. 1804-1818 |
Le monument à Minine et Pojarski est un groupe sculptural sur un socle en granit de forme rectangulaire stricte. Tendant la main vers le Kremlin et, comme s'il appelait au salut de la patrie, Kuzma Minin tend l'épée au prince Pojarski, Pojarski, prenant l'épée et tenant le bouclier de la main gauche, se lève de son lit, sur lequel il reposé après ses blessures.
L'image dominante dans le groupe est la figure de Kuzma Minin ; sa silhouette puissante domine clairement et attire l'attention principale avec une large vague libre de sa main. Des hauts-reliefs sont sculptés dans le piédestal des deux côtés, le haut-relief avant représente des citoyens patriotes faisant don de leurs biens pour le bien de la patrie, le dos représente le prince Pojarski conduisant les Polonais de Moscou.
Avec des moyens laconiques, Martos a pu exprimer pleinement dans le monument l'idée de devoir civique et d'exploit au nom de la patrie, qui correspondait pleinement aux actes et aux sentiments du peuple russe après la victoire dans la guerre avec les Français en 1812.
Inscription commémorative sur le piédestal
Les œuvres de Martos de la période tardive anticipent les tendances romantiques de la sculpture de la seconde moitié du XIXe siècle. Martos crée des monuments qui jouent un rôle important dans la création de la structure imaginative des villes : au duc E. Richelieu à Odessa, Alexandre Ier à Taganrog, GA Potemkin-Tavrichesky à Kherson, MV Lomonosov à Arkhangelsk.Parmi les œuvres monumentales tardives de Martos, se distingue le monument Richelieu à Odessa, devenu un symbole de cette ville. Martos a représenté Richelieu vêtu d'une ancienne toge romaine, ses mouvements sont sobres et expressifs, ce qui souligne la noble simplicité de l'image. Le monument est lié par sa composition à l'ensemble architectural environnant : avec des bâtiments situés dans un demi-cercle de la place, avec le célèbre escalier d'Odessa et le boulevard du bord de mer.
Ivan Petrovich Martos a joué un rôle décisif dans la formation de l'œuvre de nombreux sculpteurs russes du XIXe siècle. Pendant plus de cinquante ans, il enseigne à l'Académie des Arts, à partir de 1814 il en est le recteur.
Dans les œuvres de nombreux sculpteurs de la première moitié du XIXe siècle, on peut voir un intérêt croissant pour la transmission du réel et une fascination pour le genre et les sujets quotidiens, qui détermineront les traits de l'art dans la seconde moitié du siècle. L'expansion du sujet des œuvres sculpturales et l'intérêt pour le genre sont les plus caractéristiques de l'œuvre de P.K. Klodt.
Peter Karlovitch Klodt (années de vie 1805-1867) - Sculpteur russe de la famille baronnie Klodt von Jurgensburg d'origine balto-allemande.
Dans sa jeunesse, le baron Klodt, sur l'insistance de son père, chef d'état-major du Corps séparé sibérien, entra à l'école d'artillerie, mais il consacra tout son temps libre à son principal passe-temps : à la moindre occasion, Klodt prit un crayon ou un canif et a tiré ou coupé des chevaux en petites tailles.
À l'âge de 23 ans, Klodt quitte le service militaire et se consacre exclusivement à la sculpture. En 1830, Klodt entra à l'Académie des Arts en tant que volontaire, le recteur de l'Académie I.P. Martos, ainsi que les célèbres maîtres de la sculpture S.I.Galberg et B.I. Orlovsky devinrent ses professeurs. Parallèlement, les statuettes de Klodt représentant des chevaux connaissent un grand succès.
La première œuvre monumentale célèbre de Klodt peut être appelée un groupe sculptural de chevaux dans la conception de la porte de Narva à Saint-Pétersbourg. Sur cette grande commande gouvernementale, Klodt a collaboré avec des sculpteurs expérimentés tels que S. S. Pimenov et V. I. Demut-Malinovsky.
D'après le modèle de Klodt, un cuivre à six chevaux était installé sur le grenier de l'arc de la porte, portant le char de la déesse de la gloire. Contrairement aux représentations classiques de cette intrigue, les chevaux interprétés par Klodt se précipitent et se cabrent, donnant l'impression d'un mouvement impétueux à l'ensemble de la composition sculpturale.
De 1833 à 1841, Klodt a travaillé sur des modèles de quatre groupes de "Dompteurs de chevaux" installés sur le pont Anichkov à Saint-Pétersbourg.Le thème romantique de ces groupes, interprété dans les meilleures traditions du classicisme russe, peut être défini comme la lutte de la volonté et de la raison de l'homme avec les forces de la nature. Battu au sol à la première tentative de freiner l'animal, la personne finit par devenir le vainqueur. Des volumes élastiques clairement rendus sont caractéristiques des quatre groupes, leurs silhouettes sont claires et expressives. Grâce à ces qualités, les groupes sculpturaux de Klodt font partie intégrante de la composition de l'ensemble urbain architectural environnant.
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P.K.Klodt. Dompteur de chevaux. 1833-1841
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Dans le premier groupe, un athlète nu retient un cheval cabré, un animal et une personne sont tendus. L'accumulation du combat est représentée à l'aide de deux diagonales principales : la silhouette lisse de l'encolure et du dos du cheval forme la première diagonale, qui coupe la diagonale formée par la silhouette de l'athlète. Les mouvements sont soulignés par des répétitions rythmées. |
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Dans le deuxième groupe, la tête de l'animal est relevée haut, la bouche est découverte, les narines sont gonflées, le cheval frappe l'air avec ses sabots antérieurs, la figure humaine est déployée en spirale pour tenter de retenir le cheval . Les diagonales principales de la composition se rapprochent, les silhouettes d'un cheval et d'un homme semblent s'entremêler. |
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Dans le troisième groupe, l'homme est jeté à terre, et le cheval essaie de se libérer, arquant triomphalement son cou, sa liberté n'est entravée que par la bride dans la main gauche de l'homme. Les diagonales principales de la composition sont bien lisibles et leur intersection est mise en évidence. Les silhouettes d'un cheval et d'un homme forment une composition ouverte, contrairement aux deux premiers groupes. |
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Dans le quatrième groupe, un homme apprivoise un animal en colère : appuyé sur un genou, il arrête la course folle du cheval, serrant la bride à deux mains. La silhouette d'un cheval forme une douce diagonale, la silhouette d'un homme est recouverte d'une draperie tombant du dos du cheval. La silhouette globale du monument redevient fermée et équilibrée. |
Ici, Klodt refuse toutes les méthodes conventionnelles et idéalisantes de sculpture du classicisme et transmet ses impressions vives et l'apparence d'une personne qu'il a bien connue et aimée. Le sculpteur dépeint le poète assis dans une pose simple et naturelle, se concentrant sur le visage de Krylov, qui révèle ses caractéristiques personnelles. Exceptionnellement, Klodt résout le piédestal du monument, dont toute la partie médiane est occupée par un haut-relief continu encerclant le périmètre avec des images de divers animaux, personnages des fables de Krylov. Malgré quelques critiques pour un réalisme excessif dans la représentation d'animaux sur un piédestal, le monument a été très apprécié et a pris sa juste place dans l'histoire de la sculpture russe.
Tout au long de sa vie, Klodt a accordé beaucoup d'attention aux petites figurines en plastique représentant des chevaux ("Un cheval à un point d'eau", "Un cheval recouvert d'une couverture se cabrant", "Un cheval au galop", "Poulain", etc.) . Le sculpteur de ces statuettes traduit magistralement le caractère individuel de chaque animal ; ce sont de vrais portraits, réalisés avec émotion, avec une attention sensible et un véritable respect de la nature.32.Peinture russe de la première moitiéXIXèmesiècle. Le développement du genre, le maître.
Le romantisme et le réalisme étaient caractéristiques des beaux-arts russes. Cependant, la méthode officiellement reconnue était le classicisme. L'Académie des Arts devient une institution conservatrice et inerte qui décourage toute tentative de liberté créatrice. Elle exige le strict respect des canons du classicisme, encourage l'écriture de peintures sur des sujets bibliques et mythologiques. Les jeunes artistes russes talentueux n'étaient pas satisfaits du cadre de l'académisme. Par conséquent, ils se sont souvent tournés vers le genre du portrait.
La peinture incarnait les idéaux romantiques de l'ère de l'essor national. Rejetant les principes stricts et non dérogatoires du classicisme, les artistes découvrent la diversité et l'unicité du monde qui les entoure. Cela ne s'est pas seulement reflété dans les genres déjà familiers - portrait et paysage - mais a également donné une impulsion à la naissance de la peinture de tous les jours, qui est devenue le centre d'attention des maîtres de la seconde moitié du siècle. En attendant, la primauté est restée avec le genre historique. C'était le dernier refuge du classicisme, mais même ici, des idées et des thèmes romantiques étaient cachés derrière la « façade » formellement classique.
Romantisme - (le romantisme français), un courant idéologique et artistique dans la culture spirituelle européenne et américaine de la fin du 18e - 1er semestre. XIXe siècles Reflet de la déception face aux résultats de la Révolution française de la fin du XVIIIe siècle, à l'idéologie des Lumières et au progrès social. Le romantisme oppose l'utilitarisme et le nivellement de la personnalité à la recherche d'une liberté illimitée et « infinie », la soif de perfection et de renouveau, le pathétique de l'indépendance personnelle et civique. Une discorde douloureuse entre l'idéal et la réalité sociale est à la base de la vision romantique du monde et de l'art. L'affirmation de la valeur intrinsèque de la vie spirituelle et créative d'une personne, l'image de passions fortes, l'image de passions fortes, une nature spiritualisée et curative, pour de nombreux romantiques - l'héroïsme de protestation ou de lutte coexiste avec les motifs du "monde le chagrin", le "mal du monde", le côté "nuit" de l'âme, revêtu de formes d'ironie, poétique grotesque d'un monde double. Intérêt pour le passé national (souvent son idéalisation), les traditions du folklore et de la culture de son propre peuple et des autres, le désir de créer une image universelle du monde (principalement l'histoire et la littérature), l'idée d'une synthèse des arts trouve son expression dans l'idéologie et la pratique du romantisme.
Dans les arts visuels, le romantisme s'est manifesté le plus clairement dans la peinture et le graphisme, moins clairement dans la sculpture et l'architecture (par exemple, le faux gothique). La plupart des écoles nationales du romantisme en arts visuels se sont développées dans la lutte contre le classicisme académique officiel.
Dans les profondeurs de la culture officielle de l'État, il existe une couche de culture « d'élite » au service de la classe dirigeante (aristocratie et cour royale) et possédant une sensibilité particulière aux innovations étrangères. Qu'il suffise de rappeler la peinture romantique d'O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov et d'autres grands artistes du XIXe siècle.
Kiprensky Orest Adamovitch , artiste russe. Un maître exceptionnel des beaux-arts russes du romantisme, il est connu comme un merveilleux portraitiste. Dans le tableau "Dmitry Donskoy sur le terrain de Kulikovo" (1805, Musée russe), il a démontré une connaissance confiante des canons du tableau historique académique. Mais très tôt, le portrait devient le domaine où son talent se révèle le plus naturellement et naturellement. Son premier portrait pictural ("A. K. Schwalbe", 1804, ibid.), Écrit à la manière "Rembrandt", se distingue par son système expressif et dramatique de coupe et d'ombre. Au fil des ans, son habileté - qui se manifeste par la capacité de créer, tout d'abord, des images uniques aux caractéristiques individuelles, en sélectionnant des moyens plastiques spéciaux afin d'ombrager cette caractéristique - se renforce. Ils sont pleins d'une vitalité impressionnante : un portrait d'un garçon A.A. Chelishchev (vers 1810-11), des images appariées des époux F.V. et E.P. Galerie Tretiakov). L'artiste joue de plus en plus sur les possibilités de contrastes de couleurs et de coupe-lumière, les fonds de paysage, les détails symboliques (E. S. Avdulina, vers 1822, ibid.). L'artiste sait faire même de grands portraits d'apparat avec des paroles, presque intimement à l'aise ("Portrait of the Life-Hussar Colonel Evgraf Davydov", 1809, Russian Museum). Son portrait de la jeunesse, attisé par la gloire poétique d'A.S. Pouchkine est l'un des meilleurs pour créer une image romantique. Dans l'œuvre de Kiprensky, Pouchkine a l'air solennel et romantique, dans une aura de gloire poétique. — Tu me flattes, Orest, soupira Pouchkine en jetant un coup d'œil à la toile finie. Kiprensky était également un dessinateur virtuose, qui a créé (principalement dans la technique du crayon italien et du pastel) des exemples d'habileté graphique, qui ont souvent dépassé ses portraits picturaux avec une émotivité ouverte et passionnante. Ce sont des types de tous les jours ("Le musicien aveugle", 1809, Musée russe ; "Kalmychka Bayusta", 1813, Galerie Tretiakov) et la célèbre série de portraits au crayon de participants à la guerre patriotique de 1812 (dessins représentant E. I. Chaplitsa, A. R. Tomilov , PAOlenin, le même dessin avec le poète Batyushkov et d'autres ; 1813-15, Galerie Tretiakov et autres collections) ; le début héroïque prend ici une connotation émouvante. Un grand nombre de croquis et de preuves textuelles montrent que l'artiste tout au long de sa période de maturité s'est tourné vers la création d'un grand (selon ses propres mots d'une lettre à A. N. Olenin en 1834), « spectaculaire, ou, en russe, une image saisissante et magique » où les résultats de l'histoire européenne seraient dépeints sous forme allégorique, ainsi que le destin de la Russie. « Lecteurs de journaux à Naples » (1831, Galerie Tretiakov) - apparemment juste un portrait de groupe - est en fait une réponse secrètement symbolique aux événements révolutionnaires en Europe. Cependant, la plus ambitieuse des allégories picturales de Kiprensky est restée inachevée ou a disparu (comme la tombe d'Anacréon, achevée en 1821). Ces recherches romantiques ont cependant reçu une continuation à grande échelle dans les travaux de K. P. Bryullov et A. A. Ivanov.
Le style réaliste s'est reflété dans les œuvres de B .UNE. Tropinine. Les premiers portraits de Tropinine, peints dans une échelle colorée et sobre (portraits de famille des comtes Morkovs en 1813 et 1815, tous deux à la galerie Tretiakov), appartiennent encore entièrement à la tradition du siècle des Lumières : en eux le modèle est le modèle inconditionnel et centre stable de l'image. Plus tard, la coloration de la peinture de Tropinin devient plus intense, les volumes sont généralement sculptés de manière plus claire et sculpturale, mais surtout, un sentiment purement romantique de l'élément mobile de la vie se développe de manière insinuante, dont seulement une partie semble le héros du portrait être un fragment (Bulakhov, 1823 ; KG Ravich), 1823 ; autoportrait, vers 1824 ; tous les trois sont au même endroit). Tel est AS Pouchkine dans le célèbre portrait de 1827 (Musée panrusse de AS Pouchkine, Pouchkine) : le poète, posant la main sur une pile de papier, comme s'il « entendait la muse », écoute le rêve créateur qui entoure le image avec un halo invisible ... Il a également peint un portrait d'A.S. Pouchkine. Le spectateur est présenté avec une expérience de vie sage, pas une personne très heureuse. Dans le portrait de Tropinin, le poète est charmant chez lui. Quelque chose de spécial à l'ancienne, la chaleur et le confort de Moscou émanent des œuvres de Tropinin. Jusqu'à l'âge de 47 ans, il était en captivité de serf. C'est pourquoi, probablement, les visages des gens ordinaires sont si frais, si spiritualisés dans ses toiles. Et la jeunesse et le charme sans fin de sa « Dentellière ». Le plus souvent V.A. Tropinin s'est tourné vers l'image du peuple du peuple ("La Dentellière", "Portrait d'un fils", etc.).
La quête artistique et idéologique de la pensée sociale russe, l'attente du changement se reflétait dans les peintures K.P. Bryullova"Le dernier jour de Pompéi" et A.A. Ivanov "L'apparition du Christ au peuple".
Le tableau "Le dernier jour de Pompéi" de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) est une grande œuvre d'art. En 1830, l'artiste russe Karl Pavlovich Bryullov a visité les fouilles de la ville antique de Pompéi. Il marcha le long des trottoirs antiques, admira les fresques, et cette tragique nuit d'août 79 après JC se leva dans son imagination. e., lorsque la ville était couverte de cendres incandescentes et de pierre ponce du Vésuve éveillé. Trois ans plus tard, le tableau "Le dernier jour de Pompéi" a fait un voyage triomphal de l'Italie à la Russie. L'artiste a trouvé des couleurs étonnantes pour représenter la tragédie d'une ville antique mourant sous la lave et les cendres du Vésuve en éruption. L'image est imprégnée de nobles idéaux humanistes. Cela montre le courage des gens, leur dévouement, démontrés lors d'une terrible catastrophe. Bryullov était en Italie lors d'un voyage d'affaires à l'Académie des Arts. Dans cet établissement d'enseignement, la formation à la technique de la peinture et du dessin était bien organisée. Cependant, l'Académie était sans ambiguïté guidée par l'héritage antique et les thèmes héroïques. La peinture académique se caractérise par un paysage décoratif, la théâtralité de la composition d'ensemble. Des scènes de la vie moderne, un paysage russe ordinaire étaient considérés comme indignes du pinceau de l'artiste. Le classicisme en peinture s'appelle l'académisme. Bryullov a été associé à l'Académie avec tout son travail.
Il possédait une imagination puissante, un œil vif et une main fidèle - et il a donné naissance à des créations vivantes, conformes aux canons de l'académisme. Véritablement avec la grâce de Pouchkine, il a pu capturer sur toile à la fois la beauté du corps humain nu et le tremblement d'un rayon de soleil sur une feuille verte. Des chefs-d'œuvre indémodables de la peinture russe resteront à jamais ses toiles "Cavalière", "Bathsheba", "Matin italien", "midi italien", de nombreux portraits cérémoniels et intimes. Cependant, l'artiste s'est toujours tourné vers les grands thèmes historiques, vers la représentation d'événements significatifs de l'histoire humaine. Bon nombre de ses plans à cet égard n'ont pas été mis en œuvre. Bryullova n'a jamais abandonné l'idée de créer une toile épique basée sur une intrigue de l'histoire russe. Il commence le tableau "Le siège de Pskov par les troupes du roi Stefan Batory". Il représente le point culminant du siège de 1581, lorsque les guerriers de Pskov et. les citadins se précipitent à l'assaut des Polonais qui ont fait irruption dans la ville et les rejettent derrière les murs. Mais le tableau est resté inachevé et la tâche de créer des peintures historiques véritablement nationales a été accomplie non par Bryullov, mais par la prochaine génération d'artistes russes. Âgé d'un an de Pouchkine, Bryullov lui a survécu de 15 ans. Il a été malade ces dernières années. D'un autoportrait, peint à cette époque, un homme rougeâtre aux traits délicats et au regard calme et pensif nous regarde.
Dans la première moitié du XIXème siècle. l'artiste a vécu et travaillé Alexandre Andreïevitch Ivanov(1806-1858). Il a consacré toute sa vie créative à l'idée d'éveil spirituel du peuple, l'incarnant dans le tableau "L'apparition du Christ au peuple". Pendant plus de 20 ans il a travaillé sur le tableau "L'Apparition du Christ au Peuple", dans lequel il a mis toute la puissance et l'éclat de son talent. Au premier plan de sa toile grandiose, la figure courageuse de Jean-Baptiste attire le regard, pointant le peuple vers le Christ qui s'approche. Sa silhouette est donnée au loin. Il n'est pas encore venu, il vient, il viendra certainement, dit l'artiste. Et les visages et les âmes de ceux qui attendent le Sauveur s'illuminent et se purifient. Sur cette photo, il montrait, comme l'a dit plus tard Ilya Repin, "un peuple opprimé aspirant à la parole de liberté".
Dans la première moitié du XIXème siècle. La peinture russe comprend un terrain domestique. L'un des premiers à se tourner vers lui Alexeï Gavrilovitch Venetsianov(1780-1847). Il a consacré son travail à dépeindre la vie des paysans. Il montre cette vie sous une forme idéalisée et embellie, rendant hommage au sentimentalisme alors à la mode. Cependant, les peintures de Venetsianov "L'aire de battage", "A la récolte. Été ”,“ Sur des terres arables. Le printemps ", " Paysanne aux bleuets ", " Zakharka ", " Matin du propriétaire terrien ", reflétant la beauté et la noblesse du peuple russe ordinaire, a servi à affirmer la dignité d'une personne, quel que soit son statut social.
Ses traditions se sont perpétuées Pavel Andreïevitch Fedotov(1815-1852). Ses toiles sont réalistes, remplies de contenu satirique, exposant la moralité mercantile, la vie et les coutumes du haut de la société ("The Courtship of a Major", "Fresh Cavalier", etc.). Il a commencé sa carrière comme satirique en tant qu'officier-garde. Puis il a fait des croquis drôles et espiègles de la vie dans l'armée. En 1848, son tableau "Le Cavalier frais" est présenté lors d'une exposition académique. C'était une parodie audacieuse non seulement de la bureaucratie stupide et pharisaïque, mais aussi des traditions académiques. La robe sale dans laquelle le protagoniste de l'image s'est mis faisait beaucoup penser à une toge antique. Bryullov est resté longtemps devant la toile, puis a dit à l'auteur à moitié en plaisantant à moitié sérieusement: "Félicitations, vous m'avez vaincu." D'autres peintures de Fedotov ("Petit déjeuner d'un aristocrate", "La parade nuptiale d'un major") sont également de caractère comique et satirique. Ses dernières toiles sont très tristes ("Ancre, ancre encore !", "La Veuve"). Les contemporains ont comparé à juste titre P.A. Fedotov en peinture avec N.V. Gogol dans la littérature. Exposer les ulcères de la Russie féodale est le thème principal de l'œuvre de Pavel Andreevich Fedotov.
L'intérêt pour les arts visuels englobait des couches de plus en plus larges de la société, ce qui s'est reflété dans la création de diverses sociétés d'art, la popularité croissante des expositions à l'Académie des arts, la fondation de magazines d'art et la création de musées d'art.
Le portrait reste le genre phare de la peinture, son développement est associé à l'œuvre d'O.A. Kiprensky et V.A. Tropinine. Dans les œuvres de ces artistes, on peut voir le désir de capturer l'unicité du monde spirituel et émotionnel de leurs contemporains, le romantisme est mêlé à des traits de réalisme. Le paysage s'est développé avec le portrait associé au nom de S.F. Shchedrin, qui se caractérise par une perception poétique de l'apparence naturelle de la nature. Le genre de la vie quotidienne est représenté par l'œuvre d'A.G. Venetsianov, qui l'a délibérément choisi comme type de peinture indépendant et à part entière, et P.A. Fedotov. Le thème de leur peinture est national et démocratique. La peinture historique s'est développée sous l'influence de la guerre de 1812, de la croissance du patriotisme et de la conscience nationale. Cette direction était représentée par A.A. Ivanov, qui a peint le célèbre tableau L'Apparition du Christ au peuple, A.E. Egorov et d'autres.Certains artistes ont travaillé également dans des genres différents. Tels étaient F. Bruni, K.P. Bryullov, le plus grand artiste de son temps, dans l'œuvre duquel le drame, l'humanité et l'habileté brillante ont été incarnés.
Presque tout le développement de la peinture au cours de cette période s'est déroulé dans le cadre du classicisme, que l'on appelait l'académisme en peinture. L'académisme était axé sur la technique visuelle la plus élevée, les sujets mythologiques et bibliques, la composition décorative. En général, pour la peinture du XIXe siècle. caractérisé par l'expansion des genres, des intrigues, l'amélioration des techniques et des aspects artistiques. Le romantisme et le réalisme étaient caractéristiques des beaux-arts russes. Cependant, la méthode officiellement reconnue était le classicisme.
Le classicisme en architecture au début du XIXe siècle atteint le plus haut niveau de développement, créant un terrain fertile pour l'expression du pathos civique. Un trait caractéristique est la création de grands ensembles. L'architecture russe se distinguait par un grand professionnalisme, la recherche de nouvelles voies.
Parmi les architectes de cette époque, O.I. Bove, qui a supervisé la restauration de Moscou après l'incendie de 1812. Sous sa direction, des ensembles urbains uniques ont été créés : Teatralnaya, Voskresenskaya, Place Rouge ; Jardin Alexandre ; les bâtiments du Théâtre Bolchoï ont été construits, le Manège - des structures qui ont transformé l'apparence de la ville. A Saint-Pétersbourg, le classicisme conserve son caractère officiel et reflète l'importance de la ville en tant que capitale de l'empire. Parmi les monuments remarquables se trouve la cathédrale de Kazan (1801-1811) de l'architecte A.N. Voronikhine ; le bâtiment de la Bourse (1804-1811) par l'architecte Tom de Thomon ; ensembles urbains K.I. Rossi, qui a fait de la ville une œuvre d'art. Selon le projet AD. Zakharov, le bâtiment de l'Amirauté a été érigé. Les rayons des avenues de Saint-Pétersbourg rayonnaient de lui. Conçu par les A.A. Montferrand devait créer la cathédrale Saint-Isaac - le plus haut bâtiment de Russie à cette époque.
Pour remplacer le classicisme, qui a épuisé ses capacités, qui est entré en conflit avec les besoins esthétiques modifiés de l'époque dans les années 30. XIXème siècle. est venu l'éclectisme. Son principe de base est l'utilisation d'éléments de divers styles architecturaux du passé sous une forme libre. L'architecte K.A. Le ton est l'un des représentants les plus brillants de cette tendance. Selon son projet, la cathédrale du Christ-Sauveur (1839-1883) a été construite en l'honneur de la victoire de la guerre patriotique de 1812.
Les avancées les plus significatives ont été réalisées à cette époque dans le domaine de la sculpture monumentale. Comme dans d'autres domaines de la culture artistique, l'influence de la guerre patriotique de 1812 était forte ici, les thèmes de l'héroïsme, du patriotisme, etc. sont devenus populaires. La sculpture s'est développée dans le cadre du style classicisme, mais les traits réalistes acquièrent une influence assez forte. Un trait caractéristique du développement de la sculpture russe dans la première moitié du siècle était la synthèse de la sculpture et de l'architecture, qui s'exprimait particulièrement clairement dans la création d'ensembles urbains et la solution d'autres problèmes d'urbanisme.
Parmi les sculpteurs-monumentalistes exceptionnels, V.I. Demut - Malinovski et S.S. Pimenov. Avec l'architecte Voronikhin, ils ont créé le décor unique de la cathédrale de Kazan, puis les bas-reliefs de l'Institut des Mines. Plusieurs statues grandioses ont été sculptées dans la pierre par eux pour le bâtiment de l'Amirauté. Les sculpteurs ont également travaillé en collaboration avec l'architecte Rossi; la sculpture de l'arc de l'état-major général est considérée comme le summum de leur créativité.
Parmi les monuments remarquables de l'époque se trouve le monument à Minine et Pojarski sur la Place Rouge, créé par le sculpteur I.P. Martos. Dans les images des héros du XVIIe siècle. caractéristiques du patriotisme, la fierté nationale sont incarnées. La créativité de B.I. Orlovsky, l'auteur de la figure d'un ange couronnant la colonne Alexandre, monuments dédiés au feld-maréchal M.I. Kutuzov et le général Barclay de Tolly devant la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg. La colonne Alexandre est un menhir, l'un des monuments les plus célèbres de Saint-Pétersbourg. Elle a été érigée dans le style Empire en 1834 au centre de la place du Palais par l'architecte Auguste Montferrand sur ordre du frère cadet de l'empereur Alexandre Ier, Nicolas Ier, en souvenir de la victoire sur Napoléon. La colonne est un obélisque monolithique, qui se dresse sur un piédestal orné de bas-reliefs avec une inscription dédicatoire "La Russie reconnaissante à Alexandre Ier". Au sommet de la colonne se trouve une sculpture d'un ange de Boris Orlovsky. Le visage de l'ange a les traits d'Alexandre I. Dans sa main gauche, l'ange tient une croix latine à quatre pointes et dans sa main droite, il s'élève vers le ciel. La tête de l'ange est inclinée, son regard fixé au sol. La colonne fait face au Palais d'Hiver. Ce n'est pas seulement un monument architectural exceptionnel, mais aussi une grande réalisation d'ingénierie de son époque. Dans la première moitié du XIXème siècle. un art musical russe indépendant apparaît, bien que l'influence des écoles italienne, allemande et française se fasse encore fortement sentir. La culture musicale nationale russe a été créée sur la base de l'art populaire, comme en témoignent les travaux de A.A. Alyabyev, le créateur de l'opéra national russe M.I. Glinka. Une contribution significative au développement de l'art musical russe a été apportée par les opéras innovants d'A.S. Dargomyjski. La combinaison de motifs folkloriques et de romantisme a conduit à l'émergence d'un genre spécial - la romance russe (A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev). Au cours de cette période, le rôle du théâtre dramatique dans la vie culturelle de la Russie a considérablement augmenté. A Moscou, le centre de ce type d'art était le Théâtre Maly, où les tendances démocratiques étaient très fortes ; à Saint-Pétersbourg - Alexandrinsky, qui a conservé le sens du fonctionnaire. L'art théâtral de cette époque s'est développé dans le cadre du style romantique (en particulier dans l'œuvre de P.S. Mochalov, qui a joué dans les pièces de Schiller, Shakespeare ; son rôle d'Hamlet a été particulièrement réussi). Peu à peu, une mise en scène réaliste s'est imposée sur la scène russe grâce au drame d'A.S. Griboïedova, N.V. Gogol, A.N. Ostrovski. Parmi les acteurs qui ont fait la gloire de la scène russe, M. S. Shchepkina, P.S. Mochalova, E.S. Semenov et d'autres... Il y avait différents types de théâtres. Les théâtres serfs appartenant aux familles aristocratiques russes (Cheremetev, Apraksins, Youssoupov, etc.) étaient encore répandus. Il y avait peu de théâtres d'État (l'Alexandrie et le Mariinsky à Saint-Pétersbourg, le Bolchoï et le Maly à Moscou). L'art théâtral du ballet occupait une place particulière dans la vie culturelle de la Russie. Il s'est développé en étroite relation et sous l'influence de la littérature russe. Les ballets du « plus pur classicisme » appartiennent au passé. Ils ont été remplacés par des mélodrames sentimentaux et des performances romantiques. Des ballets sont apparus dans le répertoire, dont l'intrigue a été suggérée par la littérature russe.
Le mouvement principal va vers le réalisme, mais il s'impose dans la lutte contre le classicisme autoritaire présenté par l'Académie et parvient donc à se positionner bien plus tard qu'en littérature. Alors que Pouchkine était déjà devenu le « poète de la réalité » à l'âge de 25-26 ans, la peinture russe avait du mal à surmonter l'influence inerte de l'époque précédente. Au départ, la nouvelle peinture russe s'associe au romantisme.
Orest Adamovitch Kiprensky (1782 - 1836)
Cet artiste est aux origines de la peinture russe au XIXe siècle. Son art se distingue par la passion et l'impulsion, le désir de transmettre le mouvement de la vie intérieure. Il cherchait le sublime chez une personne, dépeint des héros dans ses meilleurs moments, transmettait la capacité de ressentir, le désir de vivre une vie spirituelle. La meilleure partie de son travail est constituée de portraits de la fin des années 1800 et des années 1810. Kiprensky cherchait des reflets de l'idéal sur le visage des gens. Il s'intéresse à une personne qui n'a rien à voir avec le service public, vivant dans la sphère des intérêts privés, dans le monde des sentiments.
Portraits : portrait d'Evgraf Davydov (1809), portrait du garçon Chelishchev (1808 - 1809), portrait du poète V.A. Joukovski (1816). Les principales techniques de peinture sont les suivantes :
un contraste net de lumière et d'ombre, parfois une gradation proche des couleurs voisines. Le rouge, le bleu et le blanc constituent l'accord principal de la couleur. Chaque visage de Kiprensky est unique, on peut dire d'un tel héros qu'il est le seul. C'est un trait du romantisme.
Le portrait le plus célèbre de Kiprensky a été réalisé en 1827. ce portrait d'A.S. Pouchkine, dont tous les proches ont dit qu'il est plus proche que d'autres de l'original.
Sylvestre Shchedrin (1791 - 1830)
Paysage du romantisme. Après un voyage en Italie, Shchedrin se débarrasse de la rafle universitaire et retrouve la liberté. Il y passe 10 ans, connaît l'épanouissement de la créativité et meurt, n'ayant pas le temps de retourner dans son pays natal. Il peint des vues italiennes. La nature sur ses toiles apparaît radieuse, joyeuse, enivrante. Les couleurs scintillent. L'homme et la nature forment la base de sa vision du monde. Shchedrin a suivi le même chemin que Constable en Angleterre et Corot en France. Le défi est d'ouvrir la vie intérieure pour être en harmonie avec la nature. Shchedrin est devenu le premier artiste russe à travailler en plein air - en plein air. "Nouvelle Rome", "Côte de Sorrente surplombant l'île de Capri".
Shchedrin recherchait la vérité de la lumière et de l'air, leur interaction, maîtrisait les lois du plein air. Il bannit les tons « bruns » du musée. Il aimait les froides argentées et grises. A la fin de sa vie, l'artiste revient aux peintures à chaud. "Terrasse en bord de mer".
Le fondateur du genre genre. Alexeï Gavrilovitch Venetsianov (1780 - 1847).
Un simple commis, arpenteur-géomètre, se met à la peinture au début du XIXe siècle. Déménagé de Moscou à Saint-Pétersbourg, a pris des leçons de Borovikovsky. Venetsianov était proche des cercles avancés de la société. C'est ce qu'atteste sa gravure. "Grande"... Au tournant des années 10-40. Venetsianov a découvert le genre de la vie quotidienne, a acquis un petit domaine dans la province de Tver et a commencé à représenter le monde paysan.
Il était confronté à la tâche de représenter la lumière provenant de différentes sources, montrant des paysans dans différentes positions. Il a vu la poésie dans la vie de tous les jours, dans la vie du village. En cela, il est proche de Pouchkine. Rien de spécial ne se passe dans les peintures de Venetsianov. L'action est généralement monosyllabique. L'artiste ne dépeint pas les conflits. L'homme sur ses toiles est représenté entouré par la nature. Venetsianov fut le premier à découvrir la beauté de sa nature natale. Les meilleures créations de Venetsianov « Sur des terres arables. Printemps "," Aux vendanges, Eté ".
Karl Pavlovitch Bryullov (1799 - 1852)
Du même âge que Pouchkine, Bryullov croise souvent le grand poète dans son œuvre. Mais si Pouchkine passait rapidement du romantisme à une manière réaliste, à la « poésie de la réalité », alors Bryullov ne pouvait que combiner une froide compétence académique avec une portée romantique, en particulier dans sa peinture la plus célèbre. Il cherchait l'idéal, léger et joyeux, mais n'allait pas à la dure dans l'art. Après l'Académie, Bryullov, comme toujours avec les meilleurs diplômés, s'est retrouvé en Italie. Dans les peintures des années 1920, sur les sujets de l'antiquité, de la Renaissance italienne, de la Bible, les éléments décoratifs et l'éclat extérieur prévalent. Dans les années 30, une perception tragique de la vie apparaît. En ce moment, l'idée centrale de Bryullov mûrit.
"Le dernier jour de Pompéi" (1830 - 1833)
Dans les années 30. Bryullov crée un certain nombre de portraits de cérémonie. Il est devenu un artiste exceptionnellement à la mode, inondé de commandes. Bryullov cherche à capturer un certain moment sublime. Tel est "Cavalier"- L'élève de la comtesse Samoilova - Dzhovanina.
Dans les années 40. l'artiste recherchait l'expressivité psychologique. Merveilleux "Autoportrait" 1848 peint par l'artiste après une grave maladie. Devant nous se trouve un homme fatigué, déçu, fatigué. Ce portrait est loin d'un académisme froid. C'est écrit d'une manière libre, d'un large coup de pinceau, non léché, qui parle de l'avenir de l'art russe.
Alexandre Ivanov (1806 - 1858)
C'était un homme d'une exceptionnelle force de pensée, de caractère, "d'âme d'or", qui savait prendre soin de ses proches, et en même temps était très strict dans sa vie de famille. Il était un vrai poète et méprisait tous les effets extérieurs, les bienfaits. Il se distinguait par un amour immense et sans limites pour sa patrie, un rêve de son ascension. Une soif sans fin d'amélioration de soi, un développement personnel constant, une insatisfaction envers lui-même - tout cela a fait de lui une personnalité exceptionnellement brillante. Alexander Ivanov était apprécié par Herzen et Ogarev, Chernyshevsky, son ami était N.V. Gogol.
Ivanov est né à Saint-Pétersbourg dans la famille d'un artiste. Il est diplômé de l'Académie et en 1830 est venu en Italie, à Rome. Il ne reviendra qu'un mois et demi avant sa mort et apportera « l'apparition du Christ au peuple ». Les tâches qu'Ivanov s'imposait devenaient de plus en plus compliquées. Il voulait d'abord comprendre l'école italienne et son esprit, puis relier la religion et la mythologie aux problèmes du bien et du mal.
"L'apparition du Christ à Madeleine"- la première approche d'un problème nouveau, encore largement académique.
"L'apparition du Christ au peuple."
De 1836 à 1848, Ivanov a écrit son deuxième et principal ouvrage. En fait, il a continué à travailler dessus jusqu'à sa mort. Cette toile regorge d'avantages étonnants: l'image de la nature et des gens, des personnages, des manifestations mentales, le mouvement du cœur, l'idée elle-même est géniale - pour représenter la vérité et l'espoir de salut qui ont été révélés aux gens. Ivanov n'a pas introduit de figures humaines ou de motifs de genre dans les croquis. Ses paysages sont philosophiques et historiques. Au "Voie Appienne" montre la route sur laquelle il y avait des croix avec des esclaves crucifiés après le soulèvement de Spartacus. Dans une branche, étincelante au soleil, Ivanov a pu sentir l'Univers. Après 1848, après les révolutions en Europe, l'argent de la Russie a cessé de couler. Père est mort. Ivanov ne pouvait pas maintenant compléter le tableau comme il le voulait. Et ses nouvelles idées étaient encore plus grandioses : un cycle de peintures bibliques sur le mur d'un bâtiment spécial. Les croquis deviennent plus libres. Libéré des vestiges de l'académisme. Mais, comme Michel-Ange, Bajenov, Rodin, Ivanov n'a pas réussi à réaliser toutes ses idées. Ivanov n'a pas été reconnu en Russie, mais son travail a joué un rôle énorme dans le développement de tout l'art russe du XIXe siècle.
Pavel Andreïevitch Fedotov. (1815 - 1852)
Son apogée et sa mort sont tombées dans les années 40. 19ème siècle - l'époque du triomphe de la réaction de Nikolaev. Tragique est le sort de l'artiste, qui a payé un prix cher le fait que le premier a commencé à scruter avec audace les traits de la vie russe. Il est diplômé du corps des cadets de Moscou, s'est retrouvé à Saint-Pétersbourg dans le régiment des gardes finlandais, la majeure partie de sa vie a été liée à l'armée russe. Sans cette connaissance de l'environnement militaire, il n'aurait pas pu dessiner avec autant de précision l'image de son major dans l'illustre tableau. Dans l'armée, Fedotov s'est intéressé au dessin, à la caricature, au croquis, a souvent dessiné ses amis, les scènes de guerre de tous les jours, les voyages dans les camps d'été, etc. Il étudie la peinture seul, commence à prendre des cours à l'Académie. Connu pour ses dessins remarquables "La Conséquence de la mort de Fidelka", "Le mari d'une femme trompée", Une fille séduite par un officier au lit d'une mère malade". Les titres de ces oeuvres eux-mêmes rappellent l'école naturelle dans la littérature, dont le sens était une description directe des aspects les plus typiques de la vie russe. Mais Fedotov n'était pas membre du cercle des écrivains associés à l'idéologue de l'école naturelle - Belinsky. Il a suivi son propre chemin. Dans les années 40. Fedotov commence à s'essayer à la peinture à l'huile. Il plonge dans l'essence de la vie, ses œuvres deviennent de plus en plus tragiques.
Les toiles les plus importantes que Fedotov a créées de 1846 à 1852. Chacune de ses peintures était une étape importante sur la voie d'un nouveau système de compréhension artistique de la réalité.
"Cavalier frais" 1846... Une idée accusatrice est présentée.
"Mise en relation du major" 1848
C'est le summum de la créativité de Fedotov. L'essence de la célèbre toile est l'image du monde de la tromperie, du mensonge, du mariage, qui, bien sûr, apparaît comme une affaire ordinaire. Le monde sur les toiles de l'artiste devient de plus en plus terrible. Les objets sont déformés, une expression forte apparaît. La satire disparaît dans l'image "Veuve", où Fedotov s'est présenté dans le portrait du mari décédé de la femme.
"Les Joueurs" 1852... La scène est presque irréelle, fantastique. Bientôt Fedotov est tombé malade d'une maladie mentale et a terminé ses jours dans une maison pour aliénés.Il est enterré dans le cimetière de la Laure Alexandre Nevski à Saint-Pétersbourg. Fedotov lui-même, comme l'écrit le critique Stasov, serait probablement surpris s'il découvrait que ses recherches allaient dans le même sens que les recherches des meilleurs artistes français du XIXe siècle, qui ont ouvert la voie à une direction réaliste. Il a payé un prix élevé pour le courage avec lequel il a scruté la réalité de Nicolas, mais ses réalisations, dont les académiciens n'ont pas immédiatement compris le sérieux, ont ouvert la voie aux artistes réalistes russes - les Itinérants.
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