Le légendaire ballet sur les événements du Grand Révolution française considéré comme l'un des plus grands succès de l'Union soviétique Théâtre musical. Ses premiers spectateurs, sans tenir compte des conventions théâtrales, se levèrent de leur siège dans un élan général et chantèrent à tue-tête la Marseillaise avec les artistes. Recréée sur notre scène dans le respect du style de « l'âge d'or » du ballet soviétique, la performance vibrante et spectaculaire non seulement préserve le texte chorégraphique et la mise en scène de la source originale, mais ressuscite également sa ferveur révolutionnaire. La fresque historique et romantique à grande échelle emploie plus d'une centaine de personnes - danseurs de ballet, mimance, chorale - et dans leur manière très particulière d'exister sur scène, la danse et le jeu se fondent en un seul tout. Un ballet vivant et énergique, où l'action se développe rapidement et ne nécessite aucune explication supplémentaire, continue d'être une source de joie et de foi dans les idéaux.

Acte Un

Première scène
Été 1792. Banlieue de Marseille. Lisière de forêt à proximité du château du Marquis de Beauregard. Le paysan Gaspard et ses enfants sortent de la forêt avec une charrette de broussailles : Zhanna, 18 ans, et Jacques, 9 ans. Zhanna joue avec Jacques. Un garçon saute par-dessus des fagots de broussailles qu'il a disposés sur l'herbe. Le son d'un cor se fait entendre : c'est le marquis qui revient de la chasse. Gaspard et les enfants, ayant récupéré leurs ballots, se dépêchent de partir. Mais le marquis de Beauregard et les chasseurs surgissent de la forêt. De Beauregard est furieux que les paysans ramassent du bois de chauffage dans sa forêt. Les chasseurs renversent la charrette avec des broussailles et le marquis ordonne aux chasseurs de battre Gaspard. Jeanne tente de défendre son père, puis le marquis lui lance un coup, mais, entendant les sons d'un chant révolutionnaire, il se cache précipitamment dans le château.
Un détachement rebelle marseillais sous le commandement de Philippe apparaît avec des drapeaux ; ils se dirigent vers Paris pour aider le peuple révolutionnaire. Les rebelles aident Gaspard et Jeanne à monter la charrette et à ramasser les broussailles renversées. Jacques agite avec enthousiasme le drapeau révolutionnaire que lui a offert un Marseillais. A cette époque, le Marquis parvient à s'échapper du château par une porte secrète.
Des paysans et des paysannes arrivent, ils saluent les soldats du détachement marseillais. Philip les encourage à rejoindre le détachement. Gaspar et les enfants rejoignent également les rebelles. Tout le monde se dirige vers Paris.

Deuxième scène
Célébration au palais royal. Dames de la cour et officiers de la garde royale dansent la sarabande.
Le bal est terminé et le maître de cérémonie invite tout le monde à assister à la représentation du théâtre de cour. L'actrice Diana Mireille et l'acteur Antoine Mistral réalisent un spectacle représentant les héros blessés par la flèche de Cupidon.
Entrez le roi Louis XVI et la reine Marie-Antoinette. Les officiers portent des toasts de louange en l'honneur du roi. Le marquis de Beauregard apparaît, tout juste arrivé de Marseille. Il montre et jette aux pieds du roi le drapeau tricolore des rebelles avec l'inscription « Paix aux cabanes, guerre aux palais ! » et le piétine, puis embrasse la bannière royale debout près du trône. Le marquis lit un message qu'il a composé aux Prussiens, dans lequel Louis XVI devrait appeler la Prusse à envoyer des troupes en France et à mettre fin à la révolution. Louis est invité à signer un document. Le roi hésite, mais Marie-Antoinette le convainc de signer. Le marquis et les officiers, dans un élan d'enthousiasme monarchique, jurent de remplir leur devoir envers le roi. Sortant leurs armes, ils saluent avec enthousiasme le couple royal. La Reine exprime sa confiance dans le dévouement des personnes présentes. Louis est touché, il porte le mouchoir à ses yeux.
Le couple royal et la plupart des dames de la cour quittent la salle. Les laquais apportent les tables et les toasts se poursuivent en l'honneur de la monarchie. Les fans de Diana Mireille invitent les acteurs à participer à la célébration. Mireille est persuadée de danser quelque chose, elle et Antoine improvisent une courte danse qui est accueillie avec enthousiasme par le public. Le marquis, ayant déjà du mal à se tenir debout, invite avec insistance Mireille à danser, elle est obligée d'accepter. Elle est dégoûtée par son impolitesse, elle aimerait partir, mais elle ne le peut pas. Diana essaie de rester proche de Mistral, qui tente de distraire de Beauregard, mais le marquis repousse brutalement l'acteur ; plusieurs officiers amènent Antoine à table. Les dames quittent tranquillement la salle. Finalement, sous un prétexte plausible, Mireille part également, mais le Marquis la suit.
Le vin fait de plus en plus d'effet, certains officiers s'endorment directement à leur table. Mistral remarque l'« Adresse à la Prusse » oubliée sur la table et d'abord machinalement, puis la lit avec curiosité. Le marquis revient et remarque le papier dans les mains d'Antoine : incapable de se contrôler, il saisit un pistolet et tire, blessant mortellement l'acteur. Le coup de feu et la chute du Mistral réveillent plusieurs officiers, ils encerclent le Marquis et l'emmènent en toute hâte.
Mireille court dans la salle au bruit d'un coup de feu. Le corps sans vie de Mistral gît au milieu de la salle, Mireille se penche sur lui : « Est-il vivant ? - et puis il faut appeler les secours... Mais elle est persuadée qu'Antoine est mort. Soudain, elle remarque le papier qu'il tient à la main : elle le prend et le lit. Par les fenêtres, on entend les bruits de la Marseillaise qui approche. Mireille comprend pourquoi Mistral a été tué, et maintenant elle sait quoi faire. Après avoir caché le papier, elle s'enfuit du palais.

Acte deux

Première scène
Nuit. Une place de Paris où se rassemblent des foules de citadins et de détachements armés venus de province, dont Auvergnats et Basques. Les Parisiens accueillent avec joie l'effectif marseillais. Un groupe de Basques se distingue par sa farouche volonté de combattre, parmi lesquels Teresa, une participante active aux manifestations de rue et aux manifestations sans-culottes dans la capitale. L'apparition de Diana Mireille interrompt la danse. Elle donne à la foule un parchemin avec le discours du roi aux Prussiens, et le peuple est convaincu de la trahison de l'aristocratie.
« Carmagnola » retentit et la foule danse. Ils distribuent des armes. Philippe appelle à l'assaut des Tuileries. Au rythme du chant révolutionnaire « Ça ira » et des banderoles tricolores déployées, la foule marche vers le palais royal.

Deuxième scène
Des foules de personnes armées se précipitent pour prendre d'assaut le palais.
Palais des Tuileries. Le Marquis de Beauregard présente les soldats de la Garde Suisse. Sous son commandement, les Suisses prennent les positions qui leur sont assignées. Les messieurs emmènent les dames effrayées. Soudain, les portes s’ouvrent et les gens se précipitent dans les chambres intérieures du palais. Philippe rencontre le marquis de Beauregard. Après un combat acharné, Philippe assomme l'épée du marquis, qui tente de tirer sur Philippe avec un pistolet, mais la foule l'attaque.
Les Suisses, derniers défenseurs du roi, sont balayés. La basque Teresa arrive avec une banderole à la main et tombe, transpercée par une balle d'un des officiers. Le combat est terminé. Le palais a été pris. Les Basques, Philippe et Gaspard élèvent le corps de Teresa au-dessus de leurs têtes, le peuple incline ses drapeaux.

Acte trois
Sur la place proche de l'ancien palais royal, il y a une célébration en l'honneur de la prise des Tuileries. Les danses des joyeux gens sont remplacées par des représentations d'acteurs des théâtres parisiens. Diana Mireille, entourée de jeunes filles en costumes antiques, exécute une danse avec un drapeau tricolore, personnifiant la victoire de la Révolution et de la Liberté. Des allégories de danse sur l'égalité et la fraternité sont interprétées. Les gens couvrent de fleurs Jeanne et Philippe qui dansent : c'est aussi le jour de leur mariage.
"Carmagnola" sonne... Symbole de liberté, le peuple porte Diana Mireille dans ses bras.

Les tambours de la révolution battent à nouveau à Saint-Pétersbourg dans la version absolument parfaite de Mikhaïl Messerer du ballet « Les Flammes de Paris », créé en 1932 par Vassili Vainonen, restauré pour Mikhaïlovski. Recréer ce ballet est devenu la préoccupation principale et favorite de Mikhaïl Messerer, qui est aujourd'hui le célèbre « défenseur » du riche héritage chorégraphique de l'URSS, qui a sauvé autant que possible quantité possible chorégraphie originale. Mais il ne s’agit pas là d’un acte aride et académique ; il en ressort une œuvre impressionnante, remarquable par son énergie et son exécution.

... "Les Flammes de Paris" - une vision active et énergique de l'homme soviétique sur la révolution française - a été créée en 1932 par Vasily Vainonen, et l'année dernière, elle a été éditée par Mikhail Messerer. L'histoire est clairement racontée et mise en scène avec richesse. Les magnifiques décors et costumes de Vladimir Dmitriev créent des images qui ressemblent à des illustrations en couleurs tirées d'un manuel d'histoire. Un savant mélange de classicisme vieille école et savoureux danse des personnages met en évidence impressionnant diversité stylistique. La pantomime est claire, mais pas du tout affectée, et les accents climatiques sont mis en scène avec un pathétique convaincant.

Jeffrey Taylor, Dimanche Express

Le chorégraphe Mikhail Messerer, qui a recréé avec une précision et une habileté incroyables la production originale de Vainonen, a réussi à transformer cette pièce de musée unique en un véritable chef-d'œuvre de l'art théâtral.

Il s’agit d’un blockbuster moderne, quelle que soit votre orientation politique. Mais néanmoins, ce n'est pas du tout simple, c'est profond au niveau de la chorégraphie proprement dite, et c'est limpide dans les moments du spectacle. danse classique. Des nobles gracieux et fiers, vêtus de hautes perruques grises, exécutent le menuet d'une manière aristocratique et paresseuse. Ensuite, des foules de gens tournent et virevoltent dans des danses folkloriques rebelles, y compris une danse contagieuse en sabots et une danse aux pas piétinés - à couper le souffle. Dans un tout autre style, comme un monument aux grands Artistes soviétiques, la danse allégorique « Liberté » a été mise en scène<...>Dans les scènes de palais - un classique raffiné Style XIXème siècle. Les filles du corps de ballet cambraient délicatement leur taille et alignaient leurs bras, rappelant les personnages de la porcelaine de Wedgwood.

Alors que Ratmansky a divisé son ballet en deux actes, Messerer revient à la structure originale de trois actes plus courts, ce qui confère à l'interprétation une vivacité qui fait avancer l'action avec énergie. Parfois, « Flames of Paris » ressemble même à « Don Quichotte » sous amphétamines. Chaque acte comporte plusieurs danses mémorables et chaque acte se termine par une scène mémorable. De plus, il s’agit d’un ballet rare dans lequel l’action n’a pas besoin d’explication. "Flammes de Paris" est une source de joie et une incroyable victoire pour Théâtre Mikhaïlovski. On peut ajouter qu'il s'agit également d'un double triomphe pour Mikhail Messerer : la remarquable qualité d'exécution se reflète dans le matériau lui-même et nous devons dire un « merci » particulier à Messerer en tant que professeur inégalé. Son talent pédagogique est visible dans la danse de tous les interprètes, mais il convient surtout de noter la cohérence de la danse du corps de ballet et des solistes masculins.

Igor Stupnikov, Temps de danse

La version de Mikhaïl Messerer des "Flammes de Paris" est un chef-d'œuvre de l'artisanat joaillier : tous les fragments survivants du ballet sont si étroitement soudés ensemble qu'il est impossible de deviner l'existence de coutures. Nouveau ballet- un plaisir rare tant pour le public que pour les danseurs : chacune des 140 personnes impliquées dans la représentation avait son propre rôle.

Tout d'abord, c'est un triomphe de la troupe dans son ensemble, tout le monde et tout ici est génial.<...>Revue baroque de la cour<...>avec un sentiment subtil style historique contrapposto- des coudes adoucis partout et une tête légèrement inclinée - sans oublier l'élégant filigrane des pieds.

Le mérite immense et colossal de Mikhaïl Messerer est d'avoir sorti ce ballet de la boue des temps (en dernière fois on le dansait au Bolchoï dans les années soixante) aussi vif, joyeux et combatif qu'il a été inventé par l'auteur. Il y a cinq ans, lorsqu'Alexei Ratmansky a mis en scène sa pièce du même nom au théâtre principal du pays, il n'a pris que quelques fragments de la chorégraphie de Vainonen - et, surtout, a modifié l'intonation du spectacle. Ce ballet parlait de la perte inévitable (non pas de la révolution, mais d'une personne - une femme noble, nouvellement inventée par le chorégraphe, qui sympathisait avec les révolutionnaires, attendait la guillotine) et de l'inconfort d'un individu même dans une foule festive. . Il n'est pas surprenant que dans "Flame", les liens entre la danse et la musique aient été catastrophiquement divergés : Boris Asafiev a composé sa propre partition (bien que très petite) pour une histoire, Ratmansky en a raconté une autre.

Pour les praticiens du ballet, la valeur des «Flammes de Paris» réside avant tout dans la chorégraphie de Vasily Vainonen, le plus talentueux des chorégraphes de l'ère du réalisme socialiste. Et il y a une tendance dans le fait que la première tentative de ressusciter le ballet disparu a été faite par le chorégraphe le plus talentueux de la Russie post-soviétique, Alexei Ratmansky.<...>Cependant, en raison du manque de matériel dont il disposait, il n’a pas pu reconstituer la représentation historique et a mis en scène son propre ballet, dans lequel il a installé 18 minutes de la chorégraphie de Vainonen, conservées sur film à partir de 1953. Et, je dois l’admettre, dans le ballet contre-révolutionnaire qui en a résulté (l’intellectuel Ratmansky ne pouvait cacher son horreur face à la terreur de la foule émeutière), ce sont là les meilleurs fragments. Au Théâtre Mikhaïlovski, Mikhaïl Messerer a emprunté un chemin différent, en essayant de reconstruire le plus complètement possible l'original historique.<...>Après s'être lancé dans un ballet ouvertement de propagande dans lequel des aristocrates lâches et vils complotent contre le peuple français, appelant l'armée prussienne à défendre la monarchie pourrie, l'expérimenté Messerer a bien sûr compris que de nombreuses scènes d'aujourd'hui ressembleraient à c'est légèrement, peu convaincant. Il exclut donc les scènes les plus odieuses, comme la prise du château du marquis par des paysans rebelles, et condense en même temps les épisodes de pantomime.<...>En effet, les danses (classiques et caractéristiques) sont mérite principal chorégraphe : « Auvergne » et « Farandola » il a réussi à restaurer, et a remplacé la chorégraphie perdue par la sienne, si proche dans son style de l'original qu'il est difficile de dire avec certitude ce qui appartient à qui. Par exemple, les sources accessibles au public restent silencieuses sur la sécurité du duo allégorique de Winona du troisième acte, interprété par une actrice Diana Mireille avec un partenaire anonyme. Pendant ce temps, dans la représentation de Saint-Pétersbourg, cet excellent duo, rempli de séries incroyablement risquées d'ascenseurs supérieurs dans l'esprit des années 1930 désespérées, semble tout à fait authentique.

Restaurer une véritable antiquité coûte plus cher qu'un remake, mais en fait il est clair qu'il est difficile de se souvenir en détail d'un ballet en trois actes pendant un demi-siècle. Bien entendu, une partie du texte a été composée de nouveau. En même temps, il n'y a pas de coutures entre le nouveau et le conservé (le même pas de deux, la danse basque, la marche scolaire des sans-culottes rebelles vers le public). Le sentiment d'authenticité totale vient du fait que le style est parfaitement entretenu.<...>De plus, le spectacle s'est avéré complètement vivant. Et de la qualité : les personnages sont travaillés en détail, en détail. Les paysans en sabots et les aristocrates en paniers et perruques poudrées ont réussi à rendre organique le pathétique de cette histoire sur la Grande Révolution française (l'exaltation romantique est grandement contribuée par le paysage luxuriant dessiné à la main sur la base des croquis de Vladimir Dmitriev).

Non seulement le pas de deux des manuels et la danse basque, mais aussi la scène marseillaise, auvergnate, du drapeau et le ballet de cour, ont été brillamment restaurés. La pantomime élargie, qui au début des années 1930 n'avait pas encore été tuée selon la mode, a été réduite au minimum par Messerer : spectateur moderne a besoin de dynamisme, et sacrifier ne serait-ce qu’une seule danse du kaléidoscope du fantasme de Winona semble être un crime. Le ballet en trois actes, bien qu'il conserve sa structure, est compressé à deux heures et demie, le mouvement ne s'arrête pas une minute<...>L'opportunité de la reprise ne pose pas de questions - dans le final, la salle est si furieuse que, semble-t-il, seule la fermeture rapide du rideau ne permet pas au public de se précipiter vers la place, où se lèvent les deux héroïnes principales du ballet. dans des supports imposants.

Aristocrates, que leur retenir ! - stupide et arrogant jusqu'au bout. Ils regardent avec horreur la bannière révolutionnaire avec l'inscription en russe : « Paix aux huttes - guerre aux palais » et battent le paysan pacifique avec un fouet, provoquant la colère du peuple à l'apogée du soulèvement, tout en oubliant facilement dans le royal palais un document important qui les compromet, les nobles. Vous pouvez passer beaucoup de temps à essayer de faire preuve d’esprit à ce sujet, mais Vainonen ne se souciait pas de ces absurdités. Il pensait selon des catégories théâtrales plutôt qu’historiques et n’avait en aucun cas l’intention de styliser quoi que ce soit. Il ne faut pas plus chercher ici la logique de l'histoire et son exactitude que d'étudier L'Egypte ancienne d'après le ballet "La Fille du Pharaon".

Le romantisme de la lutte révolutionnaire avec ses appels à la liberté, à l'égalité et à la fraternité s'est avéré proche du public d'aujourd'hui. Le public est probablement fatigué de résoudre des énigmes en cours directeur artistique troupe de ballet Nacho Duato a répondu avec vivacité aux événements présentés de manière claire et logique dans l'intrigue des «Flammes de Paris». La pièce a de beaux décors et costumes. Les 140 participants sur scène ont l'occasion de montrer leurs talents en exécutant des techniques de danse et de jeu d'acteur complexes. "Dance in Character" n'est pas du tout dépassé et n'a pas cessé d'être très apprécié par le public. C’est pourquoi la première des « Flammes de Paris » au Théâtre Mikhaïlovski a été accueillie par le public de Saint-Pétersbourg avec un véritable enthousiasme.

Sur la base de quelques phrases plastiques survivantes, Messerer Jr. est capable de restituer la farandole et la carmagnole, et à partir des descriptions - la danse de Cupidon, et on ne penserait pas que ce n'est pas un texte de Winona. Messerer, amoureux des « Flammes de Paris », recrée le spectacle de manière colorée et extrêmement expressive. Viatcheslav Okunev a travaillé sur les décors historiques et les costumes luxueux, en s'appuyant sur les sources primaires de l'artiste Vladimir Dmitriev.

Du point de vue d’un esthète, un spectacle est comme une chose bien faite : bien coupée et bien cousue. À l’exception de projections vidéo trop longues, où flottent tour à tour les étendards des opposants – royaux et révolutionnaires –, le ballet ne présente aucun défaut dramatique. L'action prononce brièvement et clairement des moments de pantomime et, pour le plus grand plaisir du spectateur, passe à des danses délicieusement exécutées, alternant judicieusement leurs exemples courtois, folkloriques et classiques. Même le « cut » musical maintes fois condamné de Boris Asafiev, où l'académicien superpose sans plus attendre des citations de Grétry et de Lully à ses propres thèmes simples, semble assez travail entier- Grâce à des notes compétentes et à un tempo réfléchi, Mikhaïl Messerer et le chef d'orchestre Pavel Ovsyannikov parviennent à résoudre cette tâche difficile.

Mike Dixon, Danse Europe

La superbe production des Flammes de Paris de Mikhaïl Messerer au Théâtre Mikhaïlovski est un exemple d'une excellente synthèse de clarté narrative et de rythme chorégraphique. Cette histoire reste vivante et captivante tout au long des trois actes qui se déroulent dans la banlieue de Marseille, à Versailles et sur le parvis du palais des Tuileries.

L'été chaud actuel n'a probablement pas encore atteint son apogée : un véritable feu se prépare au Théâtre Mikhaïlovski de Saint-Pétersbourg. "Flammes de Paris" restaurées, une représentation mythique ère soviétique sur la Grande Révolution française, sera la dernière première de la saison des ballets russes.

Anna Galaida, quotidien RBC
18.07.2013

Le chorégraphe raconte à Belcanto.ru les caractéristiques du "Don Quichotte" de Moscou, légendes familiales et les légendes des Messerers, ainsi que les idées de production de « La Flamme de Paris ».

Je pense que les critiques annonceront discrètement le « style stalinien » et d'autres absurdités similaires - nous avons une profonde ignorance de l'histoire du ballet, en particulier de celle qui est relativement récente. Le « style stalinien » regroupe tous les ballets grandioses des années 1930, dans le volume monumental et le décor festif où plane une vague menace. Comme dans les stations de métro de Staline. Ou dans les immeubles de grande hauteur staliniens, dans lesquels le réalisateur Timur Bekmambetov a correctement discerné quelque chose de sombrement gothique. Le ballet, le métro et les immeubles de grande hauteur des années 1930 dégageaient un tel plaisir satisfait et indéniable que toute personne qui doutait, une fois à l'intérieur, se sentait immédiatement comme un pou sur le point d'être passé au peigne soviétique (comme ce fut bientôt le cas). ).

Par un étrange caprice du sort, le chorégraphe Alexei Ratmansky (« Flames of Paris » deviendra son dernier travail comme chef Ballet du Bolchoï) précisément de ces personnes à qui la complaisance et l'incontestable sont organiquement étrangères. Que représente pour lui « Flamme de Paris » ? fête soviétique sur le thème de la Révolution française ? Un mystère... Mais Ratmansky aime depuis longtemps et fermement le ballet soviétique, les variations sur Thèmes soviétiques occupent une place de choix dans son portefeuille d'œuvres, et dans cet amour se distinguent clairement le sifflement nostalgique et le crépitement d'une aiguille de gramophone. Le gramophone lui-même est à la datcha, et la datcha, par exemple, est à Peredelkino. L’horreur animale avait disparu. La tyrannie telle que décrite par Ratmansky est généralement drôle. Et même douce dans sa bêtise de jeune fille. C’est pourquoi Ratmansky a fait un excellent travail avec « Bright Stream » (une comédie agricole collective soviétique) et un mauvais travail avec « Bolt » (une extravagance de production soviétique).

Et les critiques raconteront une blague ensemble. Comment Nemirovich-Danchenko était assis à la représentation des "Flammes de Paris", et le délégué qui travaillait dur à proximité se demandait toujours pourquoi les citoyens sur scène se taisaient et si cela continuerait à être le cas. Nemirovitch a assuré : hélas - ballet ! Et puis les citoyens ont fustigé la Marseillaise depuis la scène. "Et toi, papa, je vois, c'est aussi ta première fois en ballet", a encouragé le travailleur acharné au lauréat. D'où il est au moins clair que « Les Flammes de Paris » était en partie le dernier souffle de l'avant-garde ballet mourante des années 1920 avec ses collages de chants, de danses, de cris et de quelques « suprêmes ». Cependant, il n’a toujours pas survécu à son époque. De lui, il ne restait plus qu'un pas de deux cascadeur, éculé dans toutes sortes de concours de ballet, et quelques danses pseudo-folkloriques. La probabilité d'échec d'une nouvelle production du Théâtre Bolchoï (pas un échec scandaleux, mais un échec silencieux, comme une berge emportée glissant dans une rivière) est de 50 %. C'est juste qu'Alexey Ratmansky est un tel chorégraphe, pour qui tout ce qu'il fait est intéressant : en termes de qualité artistique, c'est toujours un fait d'art, toujours avec une grande part de platine. Même s'ils chantent La Marseillaise.

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Ballet "Flammes de Paris"

Un bref historique de la création du ballet

Le ballet «Flammes de Paris», mis en scène en 1932 sur la scène du Théâtre d'Opéra et de Ballet de Leningrad. CM. Kirov, longue durée est resté au répertoire des théâtres de la capitale. En 1947, Asafiev crée nouvelle édition ballet, où il a fait quelques coupes dans la partition et réarrangé certains numéros. Mais la dramaturgie musicale du ballet dans son ensemble reste inchangée. Son genre peut être défini comme un drame folk-héroïque.

Le dramaturge N. Volkov, l'artiste V. Dmitriev et le compositeur lui-même ont participé à la création du scénario et du livret du ballet. Les auteurs ont choisi l'aspect historique et social de l'interprétation de l'intrigue, qui a déterminé un certain nombre de caractéristiques essentielles de l'œuvre dans son ensemble. Le contenu est basé sur des événements de l'histoire de la Révolution française au début des années 90 du XVIIIe siècle : la prise des Tuileries, la participation aux actions révolutionnaires des marins marseillais, les actions révolutionnaires des paysans contre leurs dirigeants féodaux. Des modèles séparés ont également été utilisés motifs de l'intrigue, ainsi que des images de certains personnages de Roman historique F. Gras « Marseille » (paysanne Jeanne, commandant du bataillon marseillais).

En composant le ballet, Asafiev, selon ses propres termes, a travaillé « non seulement comme dramaturge-compositeur, mais aussi comme musicologue, historien et théoricien, et comme écrivain, sans dédaigner les méthodes du roman historique moderne ». Les résultats de cette méthode ont notamment affecté la fiabilité historique des séries personnages. "Les Flammes de Paris" met en scène le roi Louis XVI, fille d'un tonnelier, Barbara Paran (dans le ballet, la paysanne Jeanne), et l'actrice de la cour Mirelle de Poitiers (dans le ballet, elle a reçu le nom de Diana Mirel).

Conformément au livret, la dramaturgie musicale des « Flammes de Paris » repose sur l'opposition de deux sphères musicales : les caractéristiques musicales du peuple et de l'aristocratie. Le peuple occupe la place principale dans le ballet. Trois actes sont consacrés à son image : le premier, le troisième et le quatrième, et en partie aussi le deuxième acte (son final). Les gens sont représentés dans une variété de groupes sociaux différents qui les composent. Les paysans français se réunissent ici - la famille de Jeanne ; des soldats de la France révolutionnaire et parmi eux le commandant du bataillon marseillais - Philippe ; les acteurs du théâtre de cour qui agissent aux côtés du peuple lors des événements sont Diana Mirel et Antoine Mistral. À la tête du camp des aristocrates, des courtisans et des officiers réactionnaires se trouvaient Louis XVI et le marquis de Beauregard, propriétaire de vastes domaines.

L'attention des auteurs du livret se porte sur l'image événements historiques, grâce à quoi « Flames of Paris » n'a presque aucune caractéristique musicale individuelle. Destins personnels héros individuels y occupent une place subordonnée dans le tableau général de l’histoire de la France révolutionnaire. Portraits musicaux les acteurs sont en quelque sorte remplacés par leurs caractéristiques généralisées de représentants de l'une ou l'autre force socio-politique. La principale opposition dans le ballet est le peuple et l'aristocratie. Le peuple est caractérisé par des scènes de danse d'un type efficace (les actions révolutionnaires du peuple, sa lutte) et d'un caractère de genre (scènes festives joyeuses à la fin du premier acte, au début du troisième et dans la deuxième scène du dernier acte). Dans l'ensemble, le compositeur crée une caractérisation musicale aux multiples facettes du peuple en tant que héros collectif de l'œuvre. Dans la représentation du peuple Le rôle principal jouez des thèmes de chant et de danse révolutionnaires. Ils sonnent à leur maximum les points importants actions, et certaines d'entre elles parcourent tout le ballet et peuvent dans une certaine mesure être appelées des leitmotivs qui caractérisent l'image peuple révolutionnaire. Il en va de même pour les représentations du monde aristocratique. Et ici le compositeur se limite à un discours généralisé caractéristique musicale cour royale, aristocratie, officiers. En décrivant la France féodale-aristocratique, Asafiev utilise des intonations et des moyens stylistiques de genres musicaux qui se sont répandus dans la vie de cour aristocratique de la France royale.