Caractéristiques de la culture musicale de la Renaissance. Musique de la Haute Renaissance

Quelle est la différence entre le coma et décès clinique?

Le coma est proche du sommeil normal. Autrement dit, la personne dort simplement. Le subconscient le force à être dans cet état. C'est juste qu'une personne a perdu le sens de la vie et a décidé de se reposer un peu jusqu'à ce qu'elle trouve le sens. Mais la mort clinique est la mort ; cette condition est supprimée par des actions soudaines, telles que la stimulation cardiaque, etc. et ici le sens de la vie n'a rien à voir avec cela, une personne ne sortira plus d'un tel état sans aide extérieure.

La mort clinique fait référence à un état associé à l'absence de contractions hémodynamiquement efficaces du cœur et de la circulation sanguine, dans le contexte de laquelle une anoxie cérébrale se développe rapidement, ce qui conduit à l'arrêt de son fonctionnement en une minute. En 2-3 minutes, les changements cellules nerveuses le cerveau est toujours réversible (avec l'hypothermie, ce temps est prolongé), puis les cellules commencent à mourir, donc après 4 à 6 minutes de manque de circulation sanguine, il n'est plus possible de restaurer le plein fonctionnement du cerveau. Ainsi, la mort clinique est un état de très courte durée qui se transforme rapidement en mort biologique.

Le coma est une dépression de conscience et activité cérébrale, qui est associée à des modifications organiques ou métaboliques, qui peuvent être réversibles ou irréversibles, peut également conduire à terme à la mort cérébrale - mais se développe généralement beaucoup plus lentement. L'activité du tronc cérébral s'estompe particulièrement lentement, de sorte que les fonctions vitales ne commencent pas à être perturbées immédiatement.

Je pense que tu connais la réponse. La mort est un arrêt cardiaque, la mort clinique est une mort temporaire. Le coma n'est pas la mort, une personne est dans un état inconscient pendant que son cœur fonctionne, il est possible que sa vie soit soutenue par des médicaments et des appareils.

Si la mort clinique n'est pas pompée à temps, les minutes comptent, l'apport d'oxygène au cerveau, etc. alors la mort biologique survient. Dont, contrairement à la clinique, il n'y a pas de retour en arrière...

Et le coma n'est qu'un rêve, une noirceur dont il y a une chance de sortir.

Parfois, les médecins mettent même les cas particulièrement graves dans un coma artificiel. Pour que la personne se rétablisse bientôt.

Avec tout type de coma, le rythme cardiaque et la circulation sanguine sont préservés à un degré ou à un autre ; la respiration dans certains types de coma (par exemple, une lésion du diaphragme) peut être pratiquement imperceptible, voire complètement absente, alors les ventilateurs sont connectés. En cas de mort clinique, la respiration et le rythme cardiaque s'arrêtent complètement ; c'est la principale différence. Encore une fois, une personne ne peut pas sortir seule d'un état de mort clinique, mais elle peut sortir du coma.

Le phénomène le plus frappant était les genres vocaux laïques très répandus à cette époque, imprégnés de l'esprit des tendances humanistes. La professionnalisation de l'art musical a joué un rôle particulier dans leur développement : les compétences des musiciens se sont développées, des écoles de chant ont été organisées, dans lesquelles jeune âge j'ai enseigné le chant, l'orgue, théorie de la musique. Tout cela a conduit à la création d'une polyphonie d'un style strict, exigeant une grande compétence et une maîtrise professionnelle de la composition et des techniques d'interprétation. Dans le cadre de ce style, il existe des règles assez strictes de guidage vocal et d'organisation rythmique tout en conservant une indépendance maximale des voix. Bien que la musique religieuse occupe une place importante dans l'œuvre des maîtres du style strict, aux côtés des œuvres sur des textes spirituels, ces compositeurs ont écrit de nombreux chants polyphoniques profanes. Les images musicales et poétiques des genres vocaux profanes sont particulièrement intéressantes. Les textes se distinguent par leur vivacité et la pertinence de leur contenu. En plus paroles d'amour Les textes satiriques, frivoles et dithyrambiques, combinés à d'excellentes techniques d'écriture polyphoniques professionnelles, étaient extrêmement populaires. Voici quelques textes de chansons françaises, exemples de paroles du quotidien « Lève-toi, chère Colinette, c'est l'heure d'aller boire un verre, c'est ce que je recherche, que chacun s'abandonne à la joie. .", "Au diable la richesse, elle m'a enlevé mon amie : j'ai pris possession de son amour, et l'autre - la richesse, l'amour sincère dans les relations amoureuses ne vaut pas grand-chose."

La culture de la Renaissance est apparue d’abord en Italie, puis dans d’autres pays. L'histoire a conservé des informations sur les mouvements fréquents musiciens célèbres de pays en pays, sur leur travail dans l'une ou l'autre chapelle, sur la communication fréquente des représentants différentes nationalités etc. Par conséquent, dans la musique de la période de la Renaissance, nous observons une relation significative entre les œuvres créées par des compositeurs de différentes écoles nationales.

Le XVIe siècle est souvent appelé « l’âge de la danse ». Influencé par les idéaux humanistes Renaissance italienne le barrage des interdits ecclésiaux a finalement été brisé, et l'envie de joies terrestres « mondaines » s'est révélée comme une explosion sans précédent d'éléments de danse et de chant. Un puissant facteur de popularisation du chant et de la danse au XVIe siècle. L'invention des méthodes d'impression musicale a joué un rôle : les danses publiées en grande quantité ont commencé à voyager d'un pays à l'autre. Chaque nation contribuait au passe-temps général, ainsi les danses, s'éloignant de leur sol natal, voyageaient à travers le continent, changeant d'apparence, et parfois même de nom. La mode pour eux s'est répandue et a changé rapidement.

Dans le même temps, la Renaissance est une époque de vastes mouvements religieux (hussiteisme en République tchèque, luthéranisme en Allemagne, calvinisme en France). Toutes ces diverses manifestations des mouvements religieux de cette époque peuvent être combinées concept général Protestantisme. Le protestantisme sous diverses formes mouvements nationaux a joué un rôle majeur dans le développement et le renforcement de la communauté des cultures musicales des peuples, et principalement dans le domaine musique folklorique. Contrairement à l’humanisme, qui englobait un cercle relativement restreint de personnes, le protestantisme était un mouvement plus répandu qui s’étendait à de larges couches de la population. L'un des phénomènes les plus marquants de l'art musical de la Renaissance est le choral protestant. Né en Allemagne sous l'influence du mouvement de Réforme, contrairement aux attributs du culte catholique, il se distinguait par son contenu émotionnel et sémantique particulier. Luther et d'autres représentants du protestantisme attachaient une importance énorme à la musique : « La musique rend les gens joyeux, leur fait oublier la colère, élimine la confiance en soi et autres défauts... Il faut constamment enseigner aux jeunes la musique, car elle forge des gens adroits qui peuvent tout faire. .» Ainsi, la musique dans le mouvement de la Réforme n'était pas considérée comme un luxe, mais comme une sorte de « pain quotidien » - elle était appelée à jouer un rôle important dans la promotion du protestantisme et la formation de la conscience spirituelle des larges masses.

GENRES :

Genres vocaux

L'époque dans son ensemble se caractérise par une nette prédominance des genres vocaux, et notamment vocaux polyphonie. La maîtrise inhabituellement complexe de la polyphonie dans un style strict, une véritable érudition et une technique virtuose coexistaient avec l'art brillant et frais de la diffusion quotidienne. La musique instrumentale acquiert une certaine indépendance, mais sa dépendance directe à l'égard des formes vocales et des sources quotidiennes (danse, chant) ne sera surmontée qu'un peu plus tard. Les grands genres musicaux restent associés au texte verbal. L'essence de l'humanisme de la Renaissance se reflétait dans la composition de chants choraux dans le style frottol et villanelle.
Genres de danse

À la Renaissance, la danse quotidienne acquiert grande importance. De nombreuses nouvelles formes de danse émergent en Italie, en France, en Angleterre et en Espagne. Différentes couches de la société ont leurs propres danses, développent une manière de les exécuter et des règles de conduite lors des bals, des soirées et des célébrations. Les danses de la Renaissance sont plus complexes que de simples branles fin du Moyen Âge. Les danses avec des danses en rond et des compositions en ligne sont remplacées par des danses en couple (en duo), construites sur des mouvements et des figures complexes.
Volta - danse en couple d'origine italienne. Son nom vient de mot italien Voltare, qui signifie « tourner ». La mesure est à trois temps, le tempo est modéré-rapide. Le schéma principal de la danse est que le monsieur fait tourner rapidement et brusquement la dame qui danse avec lui dans les airs. Cet ascenseur se fait généralement très haut. Il exige du monsieur grande force et dextérité, puisque, malgré la netteté et une certaine impétuosité des mouvements, le levage doit être effectué de manière claire et belle.
gaillarde - une danse ancienne d'origine italienne, répandue en Italie, en Angleterre, en France, en Espagne et en Allemagne. Le tempo des premières gaillardes est moyennement rapide, le mètre est à trois temps. La gaillarde était souvent jouée après la pavane, avec laquelle elle était parfois liée thématiquement. Galliards 16ème siècle maintenu dans une texture mélodique-harmonique avec une mélodie à la voix supérieure. Les mélodies gaillardes étaient populaires parmi de larges pans de la société française. Lors des sérénades, les élèves d'Orléans jouaient des mélodies de gaillarde aux luths et aux guitares. Comme le carillon, la gaillarde avait le caractère d'une sorte de dialogue dansé. Le monsieur se déplaçait dans le hall avec sa dame. Lorsque l'homme jouait un solo, la dame restait en place. Le solo masculin consistait en une variété de mouvements complexes. Après cela, il s'est approché de nouveau de la dame et a continué la danse.
Pavane - la danse de cour des XVIe-XVIIe siècles. Le tempo est moyennement lent, taille 4/4 ou 2/4. DANS différentes sources il n'y a pas de consensus sur son origine (Italie, Espagne, France). La version la plus populaire est une danse espagnole qui imite les mouvements d'un paon marchant avec une queue magnifiquement fluide. C'était proche du bassdance. Diverses processions cérémonielles se déroulaient au son de la pavane : l'entrée des autorités dans la ville, les adieux d'une noble épouse à l'église. En France et en Italie, la pavane s'impose comme danse de cour. Le caractère solennel du pavan permettait à la société de cour de briller par l'élégance et la grâce de ses manières et de ses mouvements. Le peuple et la bourgeoisie n’ont pas exécuté cette danse. La pavane, comme le menuet, était exécutée strictement selon les rangs. Le roi et la reine commencèrent la danse, puis le dauphin et une noble dame y entrèrent, puis les princes, etc. Les cavaliers exécutaient la pavane avec une épée et des capes. Les dames portaient des robes formelles avec des pantalons longs et épais, qu'il fallait habilement contrôler pendant les mouvements sans les soulever du sol. Le mouvement du tren rendait les mouvements magnifiques, donnant au pavan pompe et solennité. Les serviteurs de la reine portaient un train derrière elle. Avant le début de la danse, les gens étaient censés se promener dans la salle. À la fin de la danse, les couples ont de nouveau fait le tour de la salle avec des révérences et des révérences. Mais avant de mettre son chapeau, monsieur devait mettre main droite par derrière sur l'épaule de la dame, celle de gauche (tenant le chapeau) - sur sa taille et embrasse-la sur la joue. Pendant la danse, la dame avait les yeux baissés ; seulement, de temps en temps, elle regardait son gentleman. Le pavan a été conservé le plus longtemps en Angleterre, où il était très populaire.
Allemande - une danse lente d'origine allemande en temps à 4 temps. Elle appartient aux danses de masse « basses », non sautantes. Les artistes se tenaient par paires l'un après l'autre. Le nombre de paires n'était pas limité. Le monsieur tenait les mains de la dame. La colonne s'est déplacée dans la salle, et lorsqu'elle a atteint la fin, les participants ont fait un tour sur place (sans séparer les mains) et ont continué à danser dans la direction opposée.
Kuranta - danse de cour d'origine italienne. Le carillon était simple et complexe. La première consistait en des pas simples et glissants, exécutés principalement vers l’avant. Le carillon complexe était de nature pantomime : trois messieurs invitaient trois dames à participer à la danse. Les dames ont été emmenées dans le coin opposé de la salle et invitées à danser. Les dames ont refusé. Les messieurs, ayant été refusés, partirent, puis revinrent et s'agenouillèrent devant les dames. Ce n’est qu’après la scène de pantomime que la danse a commencé. Il existe différents types de carillons de type italien et français. Le carillon italien est une danse vivante en 3/4 ou 3/8 avec un rythme simple dans une texture mélodique-harmonique. Français - danse solennelle ("danse des manières"), une procession douce et fière. Taille 3/2, rythme modéré, texture polyphonique assez développée.
Sarabande - danse populaire des XVIe - XVIIe siècles. Dérivé de l'espagnol danse féminine avec des castagnettes. Initialement accompagné de chants. Chorégraphe célèbre et le professeur Carlo Blasis, dans une de ses œuvres, donne une brève description de la sarabande : « Dans cette danse, chacun choisit une dame à laquelle il n'est pas indifférent. La musique donne un signal, et deux amants exécutent une danse, noble,. mesurée cependant, l'importance de cette danse ne gêne en rien le plaisir, et la pudeur lui donne encore plus de grâce ; les yeux de chacun suivent avec plaisir les danseurs, qui exécutent diverses figures, exprimant par leurs mouvements toutes les phases de l'amour. » Initialement, le tempo de la sarabande était moyennement rapide ; plus tard (à partir du XVIIe siècle) apparut une sarabande française lente avec un motif rythmique caractéristique : ...... Dans son pays d'origine, la sarabande tombait dans la catégorie des danses obscènes et dans 1630. a été interdit par le Conseil castillan.
Jiga - danse Origine anglaise, le plus rapide, en trois parties, se transformant en triolets. Initialement, la gigue était une danse de couple ; elle s'est répandue parmi les marins comme une danse solo, très rapide, à caractère comique. Plus tard, il apparaît dans la musique instrumentale comme partie finale d’une suite de danse ancienne.

ère Haute Renaissance.

(De l'histoire de la musique italienne depuis 1500)

La Renaissance est une période de changement dans tous les domaines de l'art : peinture, architecture, sculpture, musique. Cette période marque la transition du Moyen Âge à la modernité. La période entre 1500 et 1600, appelée la Haute Renaissance, est la période la plus révolutionnaire de l'histoire. musique européenne, c'est le siècle où l'harmonie s'est développée et où l'opéra est né.

Au XVIe siècle, l'imprimerie musicale se répandit pour la première fois ; en 1501, l'imprimeur vénitien Ottaviano Petrucci publia Harmonice Musices Odhecaton, le premier grand recueil de musique profane. Ce fut une révolution dans la diffusion de la musique et contribua également à la domination du style franco-flamand. langage musical L'Europe au siècle suivant, car, étant Italien, Petrucci incluait principalement dans sa collection la musique de compositeurs franco-flamands. Il publie par la suite de nombreuses œuvres de compositeurs italiens, tant profanes que sacrés.

L'Italie devient le centre de création de clavecins et de violons. De nombreux ateliers de lutherie ouvrent. L'un des premiers maîtres fut le célèbre Andrea Amati de Crémone, qui posa les bases de la dynastie. luthiers. Il a apporté des modifications significatives à la conception des violons existants, ce qui a amélioré le son et l'a rapproché de son apparence moderne.
Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - un luthiste italien exceptionnel et compositeur de la Renaissance, a créé la réputation de l'Italie en tant que pays de musiciens virtuoses. Il est toujours considéré comme le meilleur luthiste de tous les temps. Après le déclin de la fin du Moyen Âge, la musique est devenue un élément important de la culture.
À la Renaissance, le madrigal atteint l'apogée de son développement et devient l'œuvre la plus populaire. genre musicalère. Les madrigalistes cherchaient à créer du grand art, en utilisant souvent la poésie retravaillée des grands poètes italiens de la fin du Moyen Âge : Francesco Pétrarque, Giovanni Boccace et d'autres. La caractéristique la plus caractéristique du madrigal était l'absence de canons structurels stricts ; le principe principal était la libre expression des pensées et des sentiments.
Des compositeurs tels que l'école vénitienne Cipriano de Rore et l'école franco-flamande Roland de Lassus ont expérimenté un chromatisme, une harmonie, un rythme, une texture et d'autres moyens croissants. expressivité musicale. Leur expérience se poursuivra et culminera à l'époque maniériste de Carlo Gesualdo.
En 1558, Gioseffo Zarlino (1517-1590), le plus grand théoricien de la musique depuis l'époque d'Aristote jusqu'à l'époque baroque, créa les « Fondements des Harmoniques », dans cette plus grande création de la science musicale du XVIe siècle, il renouvela l'ancien concept. de nombre sonore, a étayé la justification théorique et esthétique des grandes et petites triades. Son enseignement de la musique a eu une influence significative sur la science musicale d'Europe occidentale et a constitué la base de nombreux caractéristiques ultérieures majeur et mineur.

La naissance de l'opéra (Camerata florentine)

La fin de la Renaissance est marquée par l'événement le plus important dans l'histoire de la musique - la naissance de l'opéra.
Un groupe d'humanistes, de musiciens et de poètes s'est réuni à Florence sous le patronage de leur chef, le comte Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Le groupe s'appelait "camerata", ses principaux membres étaient Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (père de l'astronome Galilée), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri et Ottavio Rinuccini dans leurs jeunes années.
La première réunion documentée du groupe eut lieu en 1573 et les années les plus actives de la Camerata florentine furent de 1577 à 1582.
Ils croyaient que la musique avait « mal tourné » et cherchaient à revenir à la forme et au style. la Grèce ancienne, étant donné que art musical peut être amélioré et, par conséquent, la société s’améliorera également. Camerata a critiqué la musique existante pour son utilisation excessive de la polyphonie au détriment de l'intelligibilité du texte et de la perte de la composante poétique de l'œuvre, et a proposé la création d'un nouveau style musical dans lequel le texte de style monodique était accompagné de musique instrumentale. Leurs expériences ont conduit à la création d'une nouvelle forme vocale et musicale - le récitatif, utilisé pour la première fois par Emilio de Cavalieri, qui fut ensuite directement lié au développement de l'opéra.
À la fin du XVIe siècle, les compositeurs ont commencé à repousser les limites des styles de la Renaissance, laissant la place à l'époque baroque avec ses propres caractéristiques et ses nouvelles découvertes musicales. L'un d'eux était Claudio Monteverdi.

Monteverdi. Presso à Fiume Tranquillo.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15/05/1567 - 29/11/1643) - compositeur, musicien, chanteur italien. Compositeur le plus important du baroque, ses œuvres sont souvent considérées comme révolutionnaires, marquant la transition de la musique de la Renaissance au baroque. Il a vécu à une époque de grands changements dans la musique et c’est lui-même l’homme qui l’a changée.

Monteverdi.Venite, Venite.

Monteverdi. Extrait de l'opéra "Orphée"

Le premier opéra officiellement reconnu répondant aux normes modernes fut Daphné, créé pour la première fois en 1598. Les auteurs de Daphné étaient Jacopo Peri et Jacopo Corsi, sur un livret d'Ottavio Rinuccini. Cet opéra n'a pas survécu. Le premier opéra survivant est « Euridice » (1600) des mêmes auteurs - Jacopo Peri et Ottavio Rinuccini. Cette union créatrice a également donné naissance à de nombreuses œuvres dont la plupart sont perdues.

Jacopo Péri. Tu dors, et je dolce sonno.

Jacopo Péri. Hor che gli augelli.

Musique religieuse du XVIe siècle.

Le XVIe siècle se caractérise par une très forte influence de l'Église catholique et de son Inquisition sur le développement de l'art et de la science en Europe. En 1545, se réunit le Concile de Trente, l'un des conciles les plus importants de l'histoire de l'Église catholique, dont le but était de donner une réponse mouvement de réforme. Entre autres choses, la musique d'église a été discutée lors de ce concile.
Certains délégués ont cherché à revenir au chant grégorien à une seule voix et à exclure le contrepoint des chants ; en coulisses, il existait déjà une interdiction de l'utilisation du style polyphonique dans la musique sacrée, y compris dans presque toutes les séquences. La raison de cette position était la conviction que la musique polyphonique, en raison de l'entrelacement contrapuntique, repousse le texte au second plan et que l'euphonie musicale de l'œuvre est également perturbée.
Une commission spéciale a été créée pour résoudre le différend. Cette commande a commandé à Giovanni Pierluigi da Palestrina (1514-1594), l'un des plus grands compositeurs musique d'église, créer des masses de procès, en tenant compte de toutes les exigences des parties. Palestrina a créé trois messes à six voix, dont sa plus célèbre « Messe du pape Marcellus », dédiée au pape Marcellus II, son patron dans sa jeunesse. Ces œuvres eurent une forte influence sur le clergé et mirent fin aux protestations contre l'usage du contrepoint dans la musique religieuse.
L'œuvre de Giovanni Pierluigi Palestrina constitue l'apogée du développement de la musique sacrée contrapuntique a capella, combinant toutes les combinaisons possibles de polyphonie et de clarté des textes.

Palestine. Sicut Cervus.

Palestine. Gloria

La Renaissance, ou Renaissance, est une période de l'histoire culturelle de l'Europe occidentale et centrale, s'étendant approximativement sur les XIVe et XVIe siècles. Cette période tire son nom du regain d'intérêt pour l'art ancien, devenu un idéal pour les personnalités culturelles des temps modernes. Les compositeurs et théoriciens de la musique - J. Tinctoris, G. Tsarlino et d'autres - ont étudié les traités musicaux grecs anciens ; dans les œuvres de Josquin Despres, comparé à Michel-Ange, selon les contemporains, « la perfection perdue de la musique des anciens Grecs a été ravivée » : qui apparaît à la fin XVIe-début XVIIe siècle l'opéra était guidé par les lois du drame antique.

Cours de solfège. D'après une gravure du 16ème siècle.

J.P. Palestrina.

Le développement de la culture de la Renaissance est associé à l'essor de tous les aspects de la société. Une nouvelle vision du monde est née : l'humanisme (du latin humanus - « humain »). L’émancipation des forces créatrices a conduit au développement rapide de la science, du commerce et de l’artisanat, et de nouvelles relations capitalistes ont pris forme dans l’économie. L'invention de l'imprimerie a contribué à la diffusion de l'éducation. Les grandes découvertes géographiques et le système héliocentrique du monde de N. Copernic ont changé les idées sur la Terre et l'Univers.

A atteint une prospérité sans précédent art, architecture, littérature. La nouvelle attitude se reflète dans la musique et transforme son apparence. Elle s'écarte progressivement des normes du canon médiéval, le style s'individualise et la notion même de « compositeur » apparaît pour la première fois. La texture des œuvres change, le nombre de voix augmente jusqu'à quatre, six ou plus (par exemple, le canon à 36 voix attribué au plus grand représentant de l'école hollandaise, J. Ockeghem, est connu). En harmonie, les consonances dominent ; l'utilisation des dissonances est strictement limitée par des règles spéciales (voir Consonance et Dissonance). Des modes majeurs et mineurs et un système d'horloge de rythmes caractéristiques de la musique ultérieure sont formés.

Tous ces nouveaux moyens ont été utilisés par les compositeurs pour transmettre la structure particulière des sentiments de l'homme de la Renaissance - sublime, harmonieux, calme et majestueux. Le lien entre le texte et la musique se resserre, la musique commence à transmettre l'ambiance ou, comme on disait alors, les effets du texte, souvent de manière particulière. moyens musicaux des mots individuels sont illustrés, tels que « vie », « mort », « amour », etc.

La musique de la Renaissance s'est développée dans deux directions : religieuse et profane. Les principaux genres de musique religieuse sont la messe et le motet - œuvres polyphoniques polyphoniques pour chœur, non accompagné ou accompagné d'un ensemble instrumental (voir Musique chorale, Polyphonie). Parmi les instruments, la préférence a été donnée à l'orgue.

Le développement de la musique profane a été facilité par la croissance de la création musicale amateur. La musique résonnait partout : dans les rues, dans les maisons des citoyens, dans les palais des nobles. Les premiers interprètes virtuoses de concert se produisirent au luth, au clavecin, à l'orgue, à la viole, divers types flûtes longitudinales. Dans les chants polyphoniques (madrigal en Italie, chanson en France), les compositeurs parlaient de l'amour et de tout ce qui se passe dans la vie. Voici les titres de certaines chansons : « Stag Hunt », « Echo », « Battle of Marignano ».

Aux XVe-XVIe siècles. L'importance de l'art de la danse augmente, de nombreux traités et manuels pratiques sur la chorégraphie et les collections paraissent musique de danse, qui comprenait des danses populaires de l'époque - danse de la basse, branle, pavane, gaillarde.

À la Renaissance, des écoles nationales de musique furent créées. La plus grande d’entre elles est l’école polyphonique néerlandaise (franco-flamande). Ses représentants sont G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. Les autres écoles nationales comprennent l'italien (JP Palestrina), l'espagnol (TL de Victoria), l'anglais (W. Bird) et l'allemand (L. Senfl).

L'historien Jules Michelet a utilisé pour la première fois le concept de « Renaissance » au XIXe siècle. Les musiciens et compositeurs évoqués dans l'article appartiennent à la période qui commence au XIVe siècle, lorsque la domination médiévale de l'Église a été remplacée par une culture laïque avec son intérêt pour la personne humaine.

Musique de la Renaissance

Les pays européens ont conclu à différentes époques nouvelle ère. Ils sont apparus un peu plus tôt en Italie, mais la culture musicale était dominée par l'école hollandaise, où pour la première fois des metrizes (abris) spéciaux furent créés dans les cathédrales, formant les futurs compositeurs. Les principaux genres de cette époque sont présentés dans le tableau :

Les artistes de la Renaissance les plus importants aux Pays-Bas sont Guillaume Dufay, Jacob Obrecht et Josquin Despres.

Grands Hollandais

Johannes Ockeghem Il fit ses études au monastère Notre-Dame (Anvers) et, dans les années 40 du XVe siècle, il devint chanteur de chapelle à la cour du duc Charles Ier (France). Par la suite, il dirigea la chapelle de la cour royale. Ayant vécu jusqu'à un âge avancé, il a laissé un grand héritage dans tous les genres, s'imposant comme un polyphoniste hors pair. Les manuscrits de ses 13 messes appelés Chigi codex nous sont parvenus, dont l'une est écrite à 8 voix. Il utilisait non seulement les mélodies des autres, mais aussi les siennes.

Orlando Lasso né sur le territoire de la Belgique moderne (Mons) en 1532. Son capacités musicales apparu dès la petite enfance. Le garçon a été kidnappé à son domicile à trois reprises pour devenir un grand musicien. Tous mes vie consciente il passe en Bavière, où il se produit comme ténor à la cour du duc Albrecht V, puis dirige la chapelle. Son équipe hautement professionnelle a contribué à faire de Munich le centre musical de l'Europe, visité par de nombreux compositeurs célèbres Renaissance.

Des talents tels que Johann Eckard, Leonard Lechner, l'italien D. Gabrieli sont venus étudier avec lui . Il trouva son dernier refuge en 1594 sur le territoire d'une église de Munich, laissant un formidable héritage : plus de 750 motets, 60 messes et des centaines de chants, parmi lesquels le plus populaire fut Susanne un jour. Ses motets (« Prophéties des Sibylles ») se distinguaient par leur innovation, mais il est également connu pour sa musique profane, qui contenait beaucoup d'humour (villanella O bella fusa).

école italienne

Des compositeurs exceptionnels de la Renaissance italienne, en plus des directions traditionnelles, ont activement développé la musique instrumentale (orgue, instruments à cordes, clavier). L'instrument le plus répandu était le luth, et à la fin du XVe siècle, le clavecin, prédécesseur du piano, fait son apparition. Basé sur des éléments de musique folk, deux des plus influents écoles de composition: Romain (Giovanni Palestrina) et vénitien (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi a pris le nom Palestine d'après le nom de la ville proche de Rome, dans laquelle il est né et a servi dans l'église principale comme chef de chœur et organiste. La date de sa naissance est très approximative, mais il décède en 1594. Derrière longue vie a écrit environ 100 messes et 200 motets. Sa « Messe du pape Marcellus » suscita l'admiration du pape Pie IV et devint un exemple de musique sacrée catholique. Giovanni - le plus représentant brillant chant vocal sans accompagnement musical.

Andrea Gabrieli Avec son élève et neveu Giovanni, il a travaillé dans la chapelle Saint-Marc (XVIe siècle), « colorant » le chant du chœur avec le son de l'orgue et d'autres instruments. L’école vénitienne s’orientait davantage vers la musique profane et, lors de la mise en scène d’Œdipe de Sophocle sur scène de théâtre Andrea Gabrieli a écrit de la musique chorale, un exemple de polyphonie chorale et un signe avant-coureur du futur art de l'opéra.

Caractéristiques de l'école allemande

L'État allemand a mis en avant Ludwig Senfl, le meilleur polyphoniste du XVIe siècle, qui n'atteint cependant pas le niveau des maîtres hollandais. Les chants des poètes-chanteurs parmi les artisans (Meistersingers) sont également une musique particulière de la Renaissance. Les compositeurs allemands représentaient des sociétés de chant : ferblantiers, cordonniers, tisserands. Ils se sont unis par territoire. Un représentant éminent de l'école de chant de Nuremberg était Hans Sachs(années de vie : 1494-1576).

Né dans une famille de tailleurs, il a travaillé toute sa vie comme cordonnier, impressionnant par son érudition et ses intérêts musicaux et littéraires. Il lisait la Bible telle qu'interprétée par le grand réformateur Luther, savait poètes anciens et appréciait Boccace. En tant que musicien folk, Sax ne maîtrisait pas les formes de polyphonie, mais créait des mélodies de type chanson. Ils étaient proches de la danse, faciles à retenir et avaient un certain rythme. La plupart œuvre célèbreétait "Silver Chant".

Renaissance : musiciens et compositeurs de France

La culture musicale française n'a connu une véritable renaissance qu'au XVIe siècle, lorsque le terrain social du pays a été préparé.

L'un des meilleurs représentants est Clément Janequin. On sait qu’il est né à Châtellerault (fin du XVe siècle) et qu’il est passé d’enfant chanteur à compositeur personnel du roi. De son héritage créatif, seules les chansons profanes publiées par Attenian ont survécu. Il y en a 260, mais la vraie renommée revient à ceux qui ont résisté à l'épreuve du temps : « Le chant des oiseaux », « La chasse », « L'Alouette », « La guerre », « Les cris de Paris ». Ils étaient constamment réédités et utilisés par d’autres auteurs à des fins de révision.

Ses chansons étaient polyphoniques et ressemblaient à des scènes chorales, où, en plus des onomatopées et des chants de cantilène, il y avait des exclamations responsables de la dynamique de l'œuvre. Il s'agissait d'une tentative audacieuse de trouver de nouvelles techniques d'imagerie.

Parmi les compositeurs célèbres de France figurent Guillaume Cotlet, Jacques Mauduit, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , donner à la musique une structure harmonieuse, ce qui a contribué à l'assimilation de la musique par le grand public.

Compositeurs de la Renaissance : Angleterre

Le XVe siècle en Angleterre a été influencé par les travaux de John Dubstyle, et XVI - William Oiseau. Les deux maîtres étaient attirés par la musique sacrée. Bird a commencé comme organiste à la cathédrale de Lincoln et a terminé sa carrière à la Chapelle Royale de Londres. Pour la première fois, il a réussi à lier musique et entrepreneuriat. En 1575, en collaboration avec Tallis, le compositeur devient monopole de la publication oeuvres musicales, ce qui ne lui a pas apporté de profit. Mais il m’a fallu beaucoup de temps pour défendre mon droit de propriété devant les tribunaux. Après sa mort (1623), dans les documents officiels de la chapelle, il fut appelé « le fondateur de la musique ».

Que laisse la Renaissance ? Bird, en plus des collections publiées (Cantiones Sacrae, Gradualia), a conservé de nombreux manuscrits, les considérant comme adaptés uniquement au culte à domicile. Les madrigaux publiés plus tard (Musica Transalpina) montraient grande influence auteurs italiens, mais plusieurs messes et motets figuraient au fonds d'or de la musique sacrée.

Espagne : Cristóbal de Morales

Les meilleurs représentants de l'école de musique espagnole sont passés par le Vatican pour se produire dans la chapelle papale. Ils ont ressenti l'influence des auteurs néerlandais et italiens, de sorte que seuls quelques-uns ont réussi à devenir célèbres en dehors de leur pays. Les compositeurs espagnols de la Renaissance étaient des polyphonistes, créant œuvres chorales. Le représentant le plus éminent est Cristóbal de Morales(XVIe siècle), qui dirigea la metriza de Tolède et forma plus d'un étudiant. Disciple de Josquin Despres, Cristobal introduit dans nombre d'œuvres une technique particulière, dite homophonique.

Les deux requiems de l'auteur (le dernier à cinq voix), ainsi que la messe « L'Homme armé », sont devenus les plus célèbres. Il a également écrit des œuvres profanes (une cantate en l'honneur de la conclusion d'un traité de paix en 1538), mais cela s'applique à ses œuvres plus premières œuvres. Dirigeant la chapelle de Malaga à la fin de sa vie, il reste l'auteur de musique sacrée.

Au lieu d'une conclusion

Les compositeurs de la Renaissance et leurs œuvres préparent l'épanouissement musique instrumentale XVIIe siècle et l'émergence d'un nouveau genre - l'opéra, où la complexité de plusieurs voix est remplacée par la primauté d'une seule, dirigeant la mélodie principale. Ils ont fait une véritable avancée dans le développement culture musicale et a jeté les bases de l'art moderne.