Un message sur le thème de la Symphonie 8 de Schubert. Schubert, Symphonie "Inachevée"

La symphonie romantique créée par Schubert se définit principalement en deux dernières symphonies- la huitième, en si mineur, dite « Inachevée », et la 9e, en do majeur. « Inachevé » incarnait le thème de la privation et du désespoir tragique. De tels sentiments, qui reflétaient le sort de toute une génération, n’avaient pas encore trouvé d’expression symphonique avant Schubert. Créé deux ans avant la 9e Symphonie de Beethoven (en 1822), « Inachevé » marque l'émergence d'un nouveau genre symphonique - lyrique-psychologique.L’une des principales caractéristiques de la symphonie en si mineur concerne son faire du vélo, composé de seulement deux parties. De nombreux chercheurs ont tenté de percer le « mystère » de cette œuvre : la brillante symphonie était-elle vraiment laissée inachevée ? D'une part, il ne fait aucun doute que la symphonie a été conçue comme un cycle en quatre parties : son esquisse originale pour piano contenait un grand fragment du 3ème mouvement - le scherzo. Le manque d'équilibre tonal entre les mouvements (domi mineur à la 1ère et mi majeur à la 2ème) est également un argument de poids en faveur du fait que la symphonie n'a pas été conçue à l'avance comme une symphonie à deux voix. En revanche, Schubert avait suffisamment de temps s'il voulait terminer la symphonie : après « Inachevé », il créa un grand nombre de travaux, y compris. 9ème symphonie en 4 mouvements. Il existe d’autres arguments pour et contre. Entre-temps, « Inachevée » est devenue l'une des symphonies les plus connues du répertoire, sans absolument donner l'impression d'être sous-estimée. Son plan en deux parties s'est avéré pleinement réalisé. Concept idéologique la symphonie reflétait la discorde tragique de l'avancée personne XIX siècle avec toute la réalité environnante. Pour la première fois, des sentiments de solitude et de privation ne sont pas apparus en elle comme le ton d'un individu. état émotionnel, mais comme le principal « sens de la vie », comme vision du monde. La tonalité principale de l'œuvre est caractéristique - h-moll, rare dans la musique des classiques viennois. Le héros de « Inachevé » est capable de vives explosions de protestation, mais cette protestation ne conduit pas à la victoire du principe d'affirmation de la vie... C'est la caractéristique la plus importante de la symphonisme romantique, dont le premier exemple fut la symphonie de Schubert. . La toute première image de la symphonie, donnée dans son introduction, est tout à fait inhabituel : à l'unisson des violoncelles et des contrebasses, un thème sombre surgit tranquillement, s'estompant de manière interrogative sur le ré de la tonalité principale (le thème principal partira du même son). C'est l'épigraphe de toute la symphonie et l'idée principale et directrice de la première partie, la recouvrant d'un cercle vicieux. Cela sonne non seulement au début, mais aussi au centre et à la conclusion de la première partie, une idée constante et persistante. De plus, les intonations d'une réflexion sans joie se transforment progressivement en pathétique tragique du désespoir. Une fois inséré sujet principal Schubert utilise une méthode caractéristique de la technique du chant : la présentation du matériel de base avant l'introduction de la mélodie. Cet accompagnement uniforme de cordes, précipitées vers l'avant, sonne jusqu'à l'introduction de la face, unifiant toute la ligne thématique (également une technique de chant). L'accompagnement crée un sentiment de malaise anxieux, tandis que le thème lui-même a un caractère touchant et triste et est perçu comme une plainte. Le compositeur a trouvé une instrumentation expressive - une combinaison de hautbois et de clarinette, qui adoucit une partie de la dureté du timbre principal. Un trait caractéristique de l’exposition de la Symphonie « Inachevée » est la comparaison directe des thèmes principaux et secondaires, sans partie de liaison développée. Ce - caractéristique un symphonisme chanté, fondamentalement opposé à la logique des transitions successives de Beethoven. Les thèmes principaux et secondaires sont contrastés, mais pas contradictoires ; ils sont comparés comme différentes régions paroles de chansons. AVEC fête secondaire La première situation dramatique de la symphonie est liée : le thème, brillant et merveilleux, comme un rêve, se termine soudainement, et après une pause générale, sur fond d'accords mineurs tonitruants et tremblants, la cinquième intonation initiale du thème principal sonne tristement. Cet accent tragique frappe par une vive surprise et est associé à l'effondrement du rêve lorsqu'il entre en collision avec la réalité (un procédé typiquement romantique). A la fin de l'exposition, le thème d'ouverture est à nouveau entendu dans un silence concentré. Tous développement est basé uniquement sur le matériel de l’introduction. Schubert apparaît ici comme le créateur du développement de type monologue, si caractéristique de la symphonie romantique. L'appel à lui a été provoqué par un plan dramatique particulier : le compositeur n'a pas cherché à capturer la lutte de principes opposés, surmontant les obstacles. Son objectif est de transmettre le désespoir de la résistance, un état de catastrophe. Le développement de bout en bout du thème d’introduction se déroule en 2 étapes. Le premier d'entre eux est associé à l'intensification de l'expression lyrique-dramatique. La ligne mélodique du thème ne descend pas, mais monte vers le haut dans un fort crescendo. Augmenter stress émotionnel conduit au premier point culminant - un dialogue conflictuel entre le motif d'ouverture menaçant et les syncopes mélancoliques de la partie latérale (il est interprété trois fois). La première phase de développement se termine par une interprétation tonitruante du thème de l'introduction du tutti de l'orchestre en e-moll. La deuxième étape du développement est subordonnée à la démonstration de l’inévitable assaut des forces fatales. Les intonations du thème deviennent de plus en plus dures, dures et autoritaires. Mais à l’approche de la fin du développement et de l’ultime explosion climatique, l’intensité tragique se tarit soudainement. Cette technique consistant à « dissiper » le point culminant avant la reprise est très caractéristique de Schubert. DANS reprise Il n'y a pas de changements significatifs, seul le lot latéral augmente de volume et devient plus triste (passage à h-moll). L'absence de changement après des impulsions douloureuses, des angoisses et des luttes de développement acquiert sens profond: "Tout cela en vain". On prend conscience de l'insoluble du conflit, de l'humilité devant l'inévitabilité tragique. Cette sortie donne code, où le thème de l'introduction revient, acquérant un ton encore plus triste. Dans Partie II un autre côté caractéristique du romantisme apparaît : la paix dans un rêve. La paix contemplative et la tristesse rêveuse de l’Andante ne sont pas perçues comme un dépassement d’un conflit, mais comme une réconciliation avec l’inévitable (semblable à « La belle femme du meunier »). La composition de l’Andante est proche de la forme sonate sans développement. En même temps, une grande partie de celui-ci remonte aux formes de chant en deux parties : thématisme chant-lyrique, remplacement du développement thématique par un développement mélodique variable, présentation fermée du thème principal. En forme de chanson, large, pleine de paix et de tranquillité contemplatives, sujet principal sonne dans les violons et les altos après une courte phrase d'introduction Comme la première partie, une nouvelle pensée musicale - sujet secondaire- n'est pas introduit comme une force opposée, mais comme un passage à une autre sphère émotionnelle - élégiaque. Touchante et douce, enfantinement naïve et à la fois sérieuse, elle vous rappelle pp. Première partie : accompagnement syncopé (violons et altos), préparation de l'introduction de la mélodie, basculement soudain vers le domaine des expériences dramatiques. Mais le sens de ces sujets est complètement différent. Si dans la première partie, le thème secondaire ouvrait l'accès au monde d'un rêve brillant, alors dans l'Andante, il caractérise un état de rupture et d'impuissance. DANS reprise les deux thèmes sont présentés presque inchangés (la tonalité du secondaire est A-moll). La coda, construite sur des motifs individuels du thème principal, revient au courant dominant de la contemplation paisible.

« Symphonie inachevée » en si mineur est l'une des plus oeuvres célébres Compositeur autrichien Franz Peter Schubert, dédié à la société musicale amateur de Graz. Les deux premières parties furent présentées en 1824.

En 1865, le chef d'orchestre de la cour viennoise Johann Herbeck, élaborant un programme pour un concert de musique viennoise ancienne, fouilla dans des piles de manuscrits oubliés. Dans les archives non démontées du président de la Société de musique amateur de Styrie, A. Hüttenbrenner, il a découvert une partition jusqu'alors inconnue de Schubert. C'était une symphonie en si mineur. Sous la direction de Herbeck, elle fut jouée pour la première fois le 17 décembre 1865 lors d'un concert de la Société viennoise des mélomanes.

Franz Schubert a créé la Symphonie inachevée au cours de les derniers mois 1822. Durant ces annéesSchubert étaitest déjà largement connu à Vienne comme l'auteur de nombreuses belles chansons et chansons populaires morceaux de piano, mais personne, à l'exception de ses amis les plus proches, ne le connaissait comme symphonisteet aucune de ses symphonies n'a été jouée publiquement. La nouvelle symphonie a été créée d’abord sous forme d’arrangement pour deux pianos, puis sous forme de partition. L'édition pour piano contient des esquisses de trois mouvements de la symphonie, mais le compositeur n'en a écrit que deux dans la partition. Schubert n'est plus revenu vers elle, carla symphonie s'appelait: "Inachevé"

Gustav Klimt "Schubert au piano" 1899

Il y a encore un débat pour savoir si cette symphonie est vraiment inachevée ou si Franz Schubert a pleinement réalisé son projet en deux mouvements au lieu des quatre généralement acceptés. Ses deux parties laissent une impression d'intégrité et d'épuisement étonnantes, ce qui permet à certains chercheurs d'affirmer que le compositeur n'avait pas l'intention de poursuivre, puisqu'il a incarné son projet en deux parties. Cependant, des esquisses de la partition du troisième mouvement ont été conservées, mais pour une raison quelconque, elles ont été laissées dans l'esquisse. De plus, parmi la musique de la pièce « Rosamund », écrite à la même époque, il y a un entracte, également écrit en si mineur - une tonalité extrêmement rarement utilisée - et dont le caractère est similaire au finale symphonique traditionnel. Certains chercheurs de l'œuvre de Schubert sont enclins à croire que cet entracte, couplé aux esquisses du scherzo, constitue un cycle régulier en quatre parties.

Ce n'était pas sa première symphonie qui s'avérait inachevée : avant cela, en août 1821, il avait écrit une symphonie en mi majeur, elle est considérée comme la Septième, dont la partition était écrite en esquisses. De manière générale, pour créer une œuvre qui commence en si mineur et se termine en mi majeur,à l'époque de Schubertc'était complètement impensable.

En 1968, est sortie la bonne vieille pièce télévisée soviétique « La Symphonie inachevée » sur la vie et l'œuvre du remarquable compositeur autrichien Franz Schubert.

Le Schubert de Kalyagin est très organique et charmant. Et Vedernikov de la manière la plus sincère chanteDans les coulisses

Malgré une certaine naïveté et tout à fait naturel pour son époque et le genre choisi la didacticité,le film est intéressant. Le sérieux des auteurs dans la transmission du portrait des personnages et de leur jeu d'acteur est impressionnant.

Parties vocales : A. Vedernikov, E. Shumskaya, G. Kuznetsova, S. Yakovenko.

La mélodie du premier mouvement est simple et expressive, comme pour plaider pour quelque chose, entonnée par le hautbois et la clarinette. L’arrière-plan excité et tremblant et la cantilène extérieurement calme, mais remplie de tension interne, créent une image des plus expressives, typiquement romantiques. La bande mélodique se déroule progressivement. La musique devient de plus en plus intense, atteignant le fortissimo. Sans lien de connexion, obligatoire pour les classiques viennois, séparé seulement par une transition laconique (le son prolongé des cors) de la principale, une partie latérale commence. Une douce mélodie de valse est chantée sans effort par les violoncelles. Une île de paix sereine apparaît, une idylle lumineuse. L'accompagnement se balance régulièrement, comme pour s'endormir. Ce thème prend un caractère encore plus éclatant lorsqu'il est repris et transféré vers un registre supérieur du violon. Soudain, la danse chantée, libre et détendue, s'interrompt. Après un silence complet (pause générale) - une explosion de tutti orchestral. Une autre pause – et encore une explosion de trémolo tonitruant. L'idylle est interrompue, le drame prend tout son sens. Des accords écrasants s'élèvent violemment et des fragments de l'accompagnement d'un thème secondaire répondent par des gémissements plaintifs. Elle semble vouloir remonter à la surface, mais lorsqu'elle revient enfin, son apparence a changé : elle est brisée, teintée de chagrin. A la fin de l'exposition, tout se fige. Le motif mystérieux et inquiétant de l’introduction revient, comme un destin inéluctable. Le développement est construit sur le motif d'ouverture et les intonations de l'accompagnement des parties latérales. Le drame s'intensifie et évolue vers un pathétique tragique. Développement musical atteint un point culminant colossal. Soudain, une prosternation totale s’installe. Les fragments affaiblis des motifs se dissipent, ne laissant résonner qu’une note mélancolique et solitaire. Et encore une fois, le thème d’ouverture surgit des profondeurs. La reprise commence. La coda, dans la tradition de Beethoven, a été créée comme un deuxième développement. Il contient la même tension douloureuse, le pathétique du désespoir. Mais le combat est terminé, il n’y a plus de force. Les dernières mesures sonnent comme un épilogue tragique.

La deuxième partie de la symphonie est un monde d'autres images. Voici la réconciliation, la recherche d'autres côtés plus lumineux de la vie, la contemplation. Comme un héros qui a survécu tragédie mentale, à la recherche de l'oubli. Les pas de basse (doubles basses pizzicato) sonnent rythmiquement, recouverts d'une mélodie simple mais étonnamment belle des violons, rêveuse et émouvante. Répété à plusieurs reprises, il varie et acquiert des mélodies expressives. Un court tutti de décollage dynamique - et encore un mouvement calme. Après une courte connexion apparaît Nouvelle image: la mélodie est naïve et, à la fois, profonde, plus individuelle que le premier thème, triste, chaleureuse, rappelant les timbres de la voix humaine de la clarinette et du hautbois qui la remplace, remplis d'une vive appréhension. Il s’agit d’une partie latérale d’une forme de sonate laconique. Cela varie également, acquérant parfois un caractère agité. Soudain, il y a un changement dans son déroulement fluide - cela semble dramatique dans la présentation puissante de l'ensemble de l'orchestre. Mais un bref éclat est remplacé par un développement expressif, riche en imitations : il s'agit d'un développement bref, se terminant par de longs accords de cordes, des appels mystérieux de cors et des appels de bois individuels. Une conception sonore orchestrale subtile mène à la reprise. Dans le code il y a atténuation, dissolution thème initial. Le silence revient...

L. Mikheeva

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Le symphonisme romantique créé par Schubert a été défini principalement dans les deux dernières symphonies - la 8e, en si mineur, appelée « Inachevée », et la 9e, en do majeur. Ils sont complètement différents, opposés les uns aux autres. Le 9 épique est imprégné d'un sentiment de joie d'être conquérante. « Inachevé » incarnait le thème de la privation et du désespoir tragique. De tels sentiments, qui reflétaient le sort de toute une génération, n’avaient pas encore trouvé d’expression symphonique avant Schubert. Créé deux ans avant la 9e Symphonie de Beethoven (en 1822), « Inachevé » marque l'émergence d'un nouveau genre symphonique - lyrique-psychologique.

L'une des principales caractéristiques de la symphonie en si mineur concerne son faire du vélo, composé de seulement deux parties. De nombreux chercheurs ont tenté de percer le « mystère » de cette œuvre : la brillante symphonie était-elle vraiment laissée inachevée ? D'une part, il ne fait aucun doute que la symphonie a été conçue comme un cycle en quatre parties : son esquisse originale pour piano contenait un grand fragment du 3ème mouvement - le scherzo. Le manque d'équilibre tonal entre les mouvements (domi mineur à la 1ère et mi majeur à la 2ème) est également un argument de poids en faveur du fait que la symphonie n'a pas été conçue à l'avance comme une symphonie à deux voix. D'un autre côté, Schubert avait suffisamment de temps s'il voulait achever la symphonie : après « Inachevé », il a créé un grand nombre d'œuvres, dont. 9ème symphonie en 4 mouvements. Il existe d’autres arguments pour et contre. Entre-temps, « Inachevé » est devenu l’une des symphonies les plus inscrites au répertoire, absolument sans donner l’impression de non-dit. Son plan en deux parties s'est avéré pleinement réalisé.

Concept idéologique la symphonie reflétait la discorde tragique personne avancée XIXème siècle avec toute la réalité environnante. Les sentiments de solitude et de privation sont d'abord apparus en elle non pas comme le ton d'un état émotionnel séparé, mais comme le principal « sens de la vie », comme attitude. La tonalité principale de l'œuvre est caractéristique - h-moll, rare dans la musique des classiques viennois.

Le héros de "Inachevé" est capable de vives explosions de protestation, mais cette protestation ne conduit pas à la victoire d'un principe affirmant la vie. En termes d'intensité du conflit, cette symphonie n'est pas inférieure œuvres dramatiques Beethoven, mais celui-ci conflit d'un autre genre, il est transféré dans la sphère lyrico-psychologique. C’est le drame de l’expérience, pas de l’action. Sa base n'est pas la lutte de deux principes opposés, mais la lutte au sein de la personnalité elle-même.. C’est là l’aspect le plus important de la symphonie romantique, dont le premier exemple fut la symphonie de Schubert.

1 partie

La toute première image de la symphonie, donnée dans son introduction, est tout à fait inhabituel : à l'unisson des violoncelles et des contrebasses, un thème sombre surgit tranquillement, s'estompant de manière interrogative sur le ré de la tonalité principale (le thème principal partira du même son). C'est l'épigraphe de toute la symphonie et l'idée principale et directrice de la première partie, la recouvrant d'un cercle vicieux. Cela sonne non seulement au début, mais aussi au centre et à la conclusion de la première partie, une idée constante et persistante. De plus, les intonations d'une réflexion sans joie se transforment progressivement en pathétique tragique du désespoir.

Une fois inséré principalLes sujets Schubert utilise une méthode caractéristique de la technique du chant - présentation du matériel de base avant introduction mélodique. Cet accompagnement uniforme de cordes, précipitées vers l'avant, sonne jusqu'à l'introduction de la face, unifiant toute la ligne thématique (également une technique de chant). L'accompagnement crée un sentiment de malaise anxieux, tandis que le thème lui-même a un caractère touchant et triste et est perçu comme une plainte. Le compositeur a trouvé une instrumentation expressive - une combinaison de hautbois et de clarinette, qui adoucit une partie de la dureté du timbre principal.

Un trait caractéristique de l’exposition de la Symphonie « Inachevée » est la comparaison directe des thèmes principaux et secondaires, sans partie de liaison développée. C’est un trait caractéristique du chant symphoniste, fondamentalement opposé à la logique des transitions successives de Beethoven. Thèmes principaux et secondaires contrastes, Mais Pas conflictuel, ils sont comparés comme différentes sphères des paroles de chansons.

AVEC fête secondaire La première situation dramatique de la symphonie est liée : le thème brillant et merveilleux, comme un rêve, (Sol-dur, violoncelle) se termine soudainement, et après une pause générale, sur fond d'accords mineurs tonitruants et tremblants, la cinquième intonation initiale de le thème principal sonne tristement. Cet accent tragique frappe par une vive surprise et est associé à l'effondrement du rêve lorsqu'il entre en collision avec la réalité (un procédé typiquement romantique). A la fin de l'exposition, le thème d'ouverture est à nouveau entendu dans un silence concentré.

Tous développement est basé uniquement sur le matériel de l’introduction. Schubert est le créateur ici monologue le type de développement si caractéristique d’une symphonie romantique. L'appel à lui a été provoqué par un plan dramatique particulier : le compositeur n'a pas cherché à capturer la lutte de principes opposés, surmontant les obstacles. Son objectif est de transmettre le désespoir de la résistance, un état de catastrophe.

Le développement de bout en bout du thème d’introduction se déroule en 2 étapes. Le premier d'entre eux est associé à l'intensification de l'expression lyrique-dramatique. La ligne mélodique du thème ne descend pas, mais monte vers le haut dans un fort crescendo. L'augmentation de la tension émotionnelle conduit au premier point culminant - un dialogue conflictuel entre le motif d'ouverture menaçant et les syncopes mélancoliques de la partie latérale (il est réalisé trois fois). La première phase de développement se termine par une interprétation tonitruante du thème de l'introduction du tutti de l'orchestre en e-moll.

La deuxième étape du développement est subordonnée à la démonstration de l’inévitable assaut des forces fatales. Les intonations du thème deviennent de plus en plus dures, dures et autoritaires. Mais à l’approche de la fin du développement et de l’ultime explosion climatique, l’intensité tragique se tarit soudainement. Cette technique consistant à « dissiper » le point culminant avant la reprise est très caractéristique de Schubert.

DANS reprise Il n'y a pas de changements significatifs, seule la partie latérale augmente de volume et devient plus triste (passage à h-moll). L’absence de changement après les impulsions douloureuses, les angoisses et les luttes du développement prend un sens profond : « tout est vain ». On prend conscience de l'insolubilité du conflit, de l'humilité devant l'inévitabilité tragique. Cette sortie donne code, où le thème de l'introduction revient, acquérant un ton encore plus triste.

partie 2

Dans la deuxième partie, un autre côté caractéristique du romantisme apparaît : la paix dans un rêve. La paix contemplative et la tristesse rêveuse de l’Andante ne sont pas perçues comme un dépassement d’un conflit, mais comme une réconciliation avec l’inévitable (semblable à « La belle femme du meunier »). La composition de l’Andante est proche de la forme sonate sans développement. En même temps, une grande partie remonte à des formes de chansons en deux parties :

• thématiques lyriques de chansons,
• remplacer le développement thématique par un développement mélodique variable,
• présentation fermée du sujet principal.

En forme de chanson, large, pleine de paix et de tranquillité contemplatives, sujet principal sonne dans les violons et les altos après une courte phrase d'introduction (gamme descendante de contrebasses рizzicato sur fond d'accords doux de cors et de bassons).

Comme la première partie, une nouvelle pensée musicale - sujet secondaire- n'est pas introduit comme une force opposée, mais comme un passage à une autre sphère émotionnelle - élégiaque. Touchante et douce, enfantinement naïve et à la fois sérieuse, elle vous rappelle pp. Première partie : accompagnement syncopé (violons et altos), préparation de l'introduction de la mélodie, basculement soudain vers le domaine des expériences dramatiques. Mais le sens de ces sujets est complètement différent. Si dans la première partie, le thème secondaire ouvrait l'accès au monde d'un rêve brillant, alors dans l'Andante, il caractérise un état de rupture et d'impuissance. DANS reprise les deux thèmes sont présentés presque inchangés (la tonalité du secondaire est A-moll). La coda, construite sur des motifs individuels du thème principal, revient au courant dominant de la contemplation paisible.

Chez Schubert, le h-moll comme tonalité principale de l’œuvre ne se retrouve dans aucun autre instrument. composition (sauf danses). Dans ses compositions, au contraire, il utilise souvent le h mineur, l'associant, en règle générale, à l'incarnation d'une situation tragique et insoluble (« Double » selon les mots de Heine).

Franz Schubert "Symphonie inachevée"

Peu de gens le savent, mais l’une des œuvres les plus reconnaissables de Schubert n’a pas été reconnue de son vivant. DANS texte musical les essais chiffraient tout ce qui était le plus caractéristique de période romantique. La musique laisse un arrière-goût incroyable. Il y a un mystère en elle car elle ne correspondait pas aux standards. Après avoir lu la page, tout le monde peut le découvrir Faits intéressants, l'histoire et le contenu, et profitez d'excellentes performances.

Histoire de la création

Le compositeur a travaillé activement sur l'œuvre de 1822 à 1823. Une version pour piano a d’abord été composée, puis deux des trois parties ont été orchestrées. Le scherzo est resté sous forme d'esquisses. Les musicologues supposent la décision de l'auteur selon laquelle la poursuite de la pensée serait inutile et entraînerait une perte contenu idéologique, mais ce fait n'a pas été confirmé. À ce jour, personne ne sait pourquoi il a été contraint d’abandonner la forme classique.

Cependant, le fait que la composition ne soit pas terminée est totalement réfuté, car après avoir terminé le travail Schubert activement engagé dans d’autres projets. Comme le notent ses amis, il n'a commencé de nouvelles œuvres qu'après avoir terminé l'ancienne. Il confia d'ailleurs la partition à Anselm Hüttenbrenner, qui était lui-même un grand musicien célèbre avec une spécialisation en genre symphonique. Mais lui, craignant que son ami ne soit déshonoré, a laissé la partition sans attention. Bientôt, Franz oublia son propre travail.

Même après la mort de Schubert, le manuscrit prit la poussière en possession de Hüttenbrenner. Un beau jour de 1865, le chef d’orchestre autrichien Herbeck triait des notes inédites. Il a cherché essais intéressants pour un concert dédié à la musique viennoise d'autrefois. C’est ainsi qu’a été retrouvé un enregistrement jusqu’alors inconnu. La première a lieu la même année et connaît un franc succès auprès du public.

Un an plus tard, la symphonie est publiée et commence à être jouée dans le monde entier. C'est ainsi que la renommée d'un génie est venue à Franz Schubert.

Faits intéressants

• Il existe une version selon laquelle les parties III et IV ont été perdues parce qu'elles n'étaient pas conservées par des amis proches, à qui l'auteur montrait souvent ses propres créations.
• Le chef d'orchestre Johann Herbeck, qui fut le premier à interpréter la symphonie, l'a découverte complètement par hasard.
• Schubert oubliait constamment ses propres œuvres. Il pouvait ainsi improviser pendant des heures, créant de véritables chefs-d'œuvre. Lorsque Franz recevait les notes de ses compositions, il disait toujours la même chose : « Quelle chose merveilleuse ! Qui est l'auteur?
• Certains musiciens ont essayé d'écrire la fin. Il s’agit notamment du musicologue anglais Brian Newbauld et du scientifique russe Anton Safronov.
• Lors de la première représentation, le finale de la Troisième Symphonie a été interprété en complément.
• Il s'agit d'une œuvre absolument achevée, puisque deux ans se sont écoulés après sa création lorsqu'il a finalement décidé de montrer la symphonie à son ami le plus proche.
• La présentation a eu lieu seulement quarante ans après la mort du premier romantique.
• En inédit notations musicales Des croquis de partition du Scherzo ont été trouvés.
• Les amis de Schubert croyaient ouvertement que la grande forme ne lui était pas donnée dans ses compositions. On se moquait souvent de Franz pour ses tentatives de créer un cycle symphonique complet.
• On pense que l'auteur n'a pas eu le temps d'achever la composition à cause de son décès, ce qui est bien sûr un mythe.

Conducteurs

Ce n'est un secret pour personne que la composition est très connue dans les cercles musicaux. Elle est réalisée sur grande scène le meilleur orchestres symphoniques. Mais tout le monde ne parvient pas à rapprocher l'auditeur de la véritable intonation sonore caractéristique de cette époque.

Les performances suivantes sont considérées comme des performances exemplaires :

• Nikolaus Harnoncourt a mis l'accent sur la transparence et la légèreté. La précision en termes dynamiques a rendu la musique plus sophistiquée et élégante.
• Leonard Bernstein a des points de vue différents de ceux du musicien précédent. Le drame et l'intensité sont fondamentaux dans son interprétation.
• Herbert von Karajan souligne le thème de l'introduction, en en définissant la place principale.

La symphonie « inachevée » est terminée, le contenu en parle. Le compositeur soulève d'éternelles questions sur le sort de l'homme. Dans la série en deux parties, la question semble désespérément posée : « Quelle est la différence entre la fiction et le fantastique, où trouver les limites de la réalité ?

La symphonie se compose de deux parties, qui ne s'opposent pas mais se complètent. La seule chose à noter est la différence dans l’ambiance des paroles :

• I. Expériences lyriques.
• II. Contemplation, rêverie éclairée.

Tout au long de Première partie le héros est à la recherche d'un idéal. Il se précipite, son âme est tourmentée par de vagues doutes, il perd confiance en la recherche du bonheur. Ensuite, on comprend que le bonheur se trouve à l’intérieur et qu’il n’est pas nécessaire de le chercher partout dans le monde. Il vous suffit de vivre et de profiter de chaque jour. La vie est belle à contempler.

Le cycle s'ouvre sur une introduction sombre qui résume tout un complexe d'images caractéristiques du romantisme : l'éternité, l'anxiété, la langueur. La mélodie descend, créant la couleur du brouillard de minuit. C'est la conscience floue du héros lyrique, dans laquelle tout est dans le chaos. Le thème de l'introduction joue un rôle formateur, il porte aussi l'idée principale de l'œuvre. À l’avenir, il apparaîtra avant le développement et le code. Il est à noter que l'épisode musical contraste avec le matériel intonationnel qui le suit.

DANS Fête principale la voix du héros entre. Il s’agit d’un thème de chanson mineur au timbre plaintif. flûtes Avec hautbois est un indicateur clair de l'individualité de Schubert en tant que compositeur. Les paroles de la chanson permettent d’exprimer toute l’intensité émotionnelle. L'accompagnement caractéristique ajoute de l'inquiétude et de l'excitation. Le pendule commence à osciller. L'ambiance frise l'élégie et le nocturne.

Une image plus active peut être vue dans la Side Party. Rythme syncopé, structure harmonique simple - tout cela sont aussi des attributs de la chanson, mais le caractère a changé pour devenir plus positif et joyeux. La tonalité de sol majeur est dans un rapport tertiaire et traduit parfaitement l'ambiance. Ensuite, le compositeur jouera activement avec l’harmonie de la partie, soit en l’assombrissant, soit en la rendant à nouveau énergique.

La dynamique augmente progressivement, la sonorité augmente. Le rythme pointé représente les battements inégaux du cœur. La musique perd son caractère ludique et commence à se soumettre à une atmosphère de tragédie et de drame. Envahit soudainement nouvel épisode dans la tonalité de do mineur. C’est un tournant. Pause générale. Il n'y a plus de mots. Mais il faut se lever et avancer. La détermination à continuer le chemin se reflète dans la dynamique du forte, mais elle a été supprimée par le symbole du tragique - l'accord de la sous-dominante altérée. Après des cris d'émotion, le matériel de la Side Party est restauré.

Le développement se compose de deux sections. Il est précédé d'un matériel d'introduction dont le thème se transforme en chant ariose sur fond d'accompagnement. Le thème sonne au point culminant dans la texture des accords. Il a épuisé toutes les intonations interrogatives et sonne affirmativement. Une métamorphose sémantique s’est produite. Le sujet est passé de la pensée à la réalité. Le conflit s’est ouvert grâce à la transformation.

Il n'y aura plus de collisions dramatiques dans la reprise, tout est arrivé. La coda est aiguisée par l'intonation de l'introduction, qui crée une impression d'arc.

Partie II. Andante con moto est la personnification du triste détachement. Les couleurs harmoniques délicates ont des transitions tonales inhabituelles. Le changement de majeur et de mineur suggère des changements dans la vie du héros lyrique. Le son brillant du groupe à cordes en combinaison avec les instruments à vent prédomine. Cette technique d'orchestration nous permet d'exprimer la poésie et l'ambiance contemplative associées au fait d'être dans la nature. Héros lyrique, a enfin trouvé son havre de paix, qui lui procure paix et équilibre. Plus rien ne l'inquiète, plus rien ne trouble sa conscience. Le héros est devenu libre.

Le travail est devenu innovant en ce genre, et est devenu un exemple de l'époque romantique. Les traits caractéristiques de la nouvelle époque comprennent les qualités suivantes :

• Amélioration de la dramaturgie ;
• L'émergence d'une structure de conflit différente ;
• Différences de caractère ;
• Attirance pour le programme ;
• Représentation différente ;
• Nouveau style;
• Interne et changement externeéchelle;
• Augmenter la forme d'expression;
• Refus de la structure cyclique ;
• Composition mise à jour.

La principale différence entre les œuvres de grande forme de Schubert est la préservation extérieure de la structure traditionnelle avec de sérieux changements dans le thème thématique. A l'époque des romantiques, il n'était pas d'usage de se cacher propres sentiments, ils ne pouvaient plus répondre aux standards du classicisme.

La signification artistique de cette pièce ne peut être sous-estimée. œuvre symphonique. Grâce au compositeur, un nouveau type de symphonie lyrique-dramatique est apparu dans musique instrumentale. Par la suite, de nombreux génies ont utilisé l’œuvre comme modèle pour construire la ligne dramatique correcte.

La « Symphonie inachevée » en si mineur est l'une des œuvres les plus célèbres du compositeur autrichien Franz Peter Schubert, dédiée à la société musicale amateur de Graz. Les deux premières parties furent présentées en 1824.

En 1865, le chef d'orchestre de la cour viennoise Johann Herbeck, élaborant un programme pour un concert de musique viennoise ancienne, fouilla dans des piles de manuscrits oubliés. Dans les archives non démontées du président de la Société de musique amateur de Styrie, A. Hüttenbrenner, il a découvert une partition jusqu'alors inconnue de Schubert. C'était une symphonie en si mineur. Sous la direction de Herbeck, elle fut jouée pour la première fois le 17 décembre 1865 lors d'un concert de la Société viennoise des mélomanes.

Franz Schubert créa la Symphonie inachevée au cours des derniers mois de 1822. Au cours de ces annéesSchubert étaitétait déjà largement connu à Vienne comme l'auteur de nombreuses belles chansons et de pièces pour piano populaires, mais personne, à l'exception de ses amis les plus proches, ne le connaissait comme symphonisteet aucune de ses symphonies n'a été jouée publiquement. La nouvelle symphonie a été créée d’abord sous forme d’arrangement pour deux pianos, puis sous forme de partition. L'édition pour piano contient des esquisses de trois mouvements de la symphonie, mais le compositeur n'en a écrit que deux dans la partition. Schubert n'est plus revenu vers elle, carla symphonie s'appelait: "Inachevé"

Gustav Klimt "Schubert au piano" 1899

Il y a encore un débat pour savoir si cette symphonie est vraiment inachevée ou si Franz Schubert a pleinement réalisé son projet en deux mouvements au lieu des quatre généralement acceptés. Ses deux parties laissent une impression d'intégrité et d'épuisement étonnantes, ce qui permet à certains chercheurs d'affirmer que le compositeur n'avait pas l'intention de poursuivre, puisqu'il a incarné son projet en deux parties. Cependant, des esquisses de la partition du troisième mouvement ont été conservées, mais pour une raison quelconque, elles ont été laissées dans l'esquisse. De plus, parmi la musique de la pièce « Rosamund », écrite à la même époque, il y a un entracte, également écrit en si mineur - une tonalité extrêmement rarement utilisée - et dont le caractère est similaire au finale symphonique traditionnel. Certains chercheurs de l'œuvre de Schubert sont enclins à croire que cet entracte, couplé aux esquisses du scherzo, constitue un cycle régulier en quatre parties.

Ce n'était pas sa première symphonie qui s'avérait inachevée : avant cela, en août 1821, il avait écrit une symphonie en mi majeur, elle est considérée comme la Septième, dont la partition était écrite en esquisses. De manière générale, pour créer une œuvre qui commence en si mineur et se termine en mi majeur,à l'époque de Schubertc'était complètement impensable.

En 1968, est sortie la bonne vieille pièce télévisée soviétique « La Symphonie inachevée » sur la vie et l'œuvre du remarquable compositeur autrichien Franz Schubert.

Le Schubert de Kalyagin est très organique et charmant. Et Vedernikov de la manière la plus sincère chanteDans les coulisses

Malgré une certaine naïveté et tout à fait naturel pour son époque et le genre choisi la didacticité,le film est intéressant. Le sérieux des auteurs dans la transmission du portrait des personnages et de leur jeu d'acteur est impressionnant.

Parties vocales : A. Vedernikov, E. Shumskaya, G. Kuznetsova, S. Yakovenko.

La mélodie du premier mouvement est simple et expressive, comme pour plaider pour quelque chose, entonnée par le hautbois et la clarinette. L’arrière-plan excité et tremblant et la cantilène extérieurement calme, mais remplie de tension interne, créent une image des plus expressives, typiquement romantiques. La bande mélodique se déroule progressivement. La musique devient de plus en plus intense, atteignant le fortissimo. Sans lien de connexion, obligatoire pour les classiques viennois, séparé seulement par une transition laconique (le son prolongé des cors) de la principale, une partie latérale commence. Une douce mélodie de valse est chantée sans effort par les violoncelles. Une île de paix sereine apparaît, une idylle lumineuse. L'accompagnement se balance régulièrement, comme pour s'endormir. Ce thème prend un caractère encore plus éclatant lorsqu'il est repris et transféré vers un registre supérieur du violon. Soudain, la danse chantée, libre et détendue, s'interrompt. Après un silence complet (pause générale) - une explosion de tutti orchestral. Une autre pause – et encore une explosion de trémolo tonitruant. L'idylle est interrompue, le drame prend tout son sens. Des accords écrasants s'élèvent violemment et des fragments de l'accompagnement d'un thème secondaire répondent par des gémissements plaintifs. Elle semble vouloir remonter à la surface, mais lorsqu'elle revient enfin, son apparence a changé : elle est brisée, teintée de chagrin. A la fin de l'exposition, tout se fige. Le motif mystérieux et inquiétant de l’introduction revient, comme un destin inéluctable. Le développement est construit sur le motif d'ouverture et les intonations de l'accompagnement des parties latérales. Le drame s'intensifie et évolue vers un pathétique tragique. Le développement musical atteint un point culminant colossal. Soudain, une prosternation totale s’installe. Les fragments affaiblis des motifs se dissipent, ne laissant résonner qu’une note mélancolique et solitaire. Et encore une fois, le thème d’ouverture surgit des profondeurs. La reprise commence. La coda, dans la tradition de Beethoven, a été créée comme un deuxième développement. Il contient la même tension douloureuse, le pathétique du désespoir. Mais le combat est terminé, il n’y a plus de force. Les dernières mesures sonnent comme un épilogue tragique.

La deuxième partie de la symphonie est un monde d'autres images. Voici la réconciliation, la recherche d'autres côtés plus lumineux de la vie, la contemplation. C’est comme si le héros, qui a vécu une tragédie spirituelle, cherchait l’oubli. Les pas de basse (doubles basses pizzicato) sonnent rythmiquement, recouverts d'une mélodie simple mais étonnamment belle des violons, rêveuse et émouvante. Répété à plusieurs reprises, il varie et acquiert des mélodies expressives. Un court tutti de décollage dynamique - et encore un mouvement calme. Après une courte connexion, une nouvelle image apparaît : la mélodie est naïve et, en même temps, profonde, plus individuelle que le premier thème, triste, dans les timbres chauds de la clarinette et du hautbois qui la remplace, rappelant un être humain. voix, remplie d’une vive appréhension. Il s’agit d’une partie latérale d’une forme de sonate laconique. Cela varie également, acquérant parfois un caractère agité. Soudain, il y a un changement dans son déroulement fluide - cela semble dramatique dans la présentation puissante de l'ensemble de l'orchestre. Mais un bref éclat est remplacé par un développement expressif, riche en imitations : il s'agit d'un développement bref, se terminant par de longs accords de cordes, des appels mystérieux de cors et des appels de bois individuels. Une conception sonore orchestrale subtile mène à la reprise. Dans le code il y a un effacement, une dissolution du thème initial. Le silence revient...

L. Mikheeva

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