Rembrandt travaille. Rembrandt : tout ce que vous devez savoir sur le célèbre artiste néerlandais

Rembrandt Harmens van Rijn – peintre célèbre, graveur et dessinateur de « l'Age d'Or ». Reconnaissance universelle et la gloire, un déclin brutal et la pauvreté - c'est ainsi que l'on peut caractériser la biographie du grand génie de l'art. Rembrandt a cherché à transmettre l'âme d'une personne à travers des portraits; des rumeurs et des suppositions circulent encore sur de nombreuses œuvres de l'artiste, entourées de mystère.

Le début du XVIIe siècle fut calme pour l'État néerlandais, qui obtint l'indépendance de la république au moment de la révolution. Le pays s'est développé production industrielle, Agriculture et le commerce.

Dans l'ancienne ville de Leidin, située dans la province de Hollande méridionale, dans une maison du Vedesteg, Rembrandt, né le 15 juillet 1607, a passé son enfance.

Le garçon a grandi dans famille nombreuse, dont il était le sixième enfant. Le père du futur artiste Harmen van Rijn était homme riche, qui possédait un moulin et une malterie. Entre autres choses, la propriété de Rhein comprenait deux autres maisons et il reçut également une dot importante de son épouse Cornelia Neltje, donc grande famille vécu dans l'abondance. La mère du futur artiste était la fille d’un boulanger et savait cuisiner, la table familiale regorgeait donc de plats délicieux.

Malgré sa richesse, la famille Harmen vivait modestement, observant des règles catholiques strictes. Les parents de l’artiste, même après la Révolution néerlandaise, n’ont pas changé leur attitude envers la foi.

Autoportrait de Rembrandt à 23 ans

Rembrandt a été gentil avec sa mère tout au long de sa vie. Cela s'exprime dans un portrait peint en 1639, qui représente une vieille femme sage au regard gentil et légèrement triste.

Les événements sociaux et la vie luxueuse des gens riches étaient étrangers à la famille. Il convient de supposer que le soir, les van Rijn se réunissaient à table et lisaient des livres et la Bible : c'est ce que faisaient la plupart des citoyens néerlandais pendant « l'âge d'or ».

Le moulin à vent que possédait Harmen se trouvait sur les rives du Rhin : sous les yeux du garçon, un beau paysage une rivière azur, éclairée par les rayons du soleil qui traversent la petite fenêtre du bâtiment et traversent les brumes de poussière de farine. Peut-être, grâce à ses souvenirs d'enfance, le futur artiste a-t-il appris à maîtriser habilement la peinture, la lumière et l'ombre.

Enfant, Rembrandt a grandi pour devenir un garçon observateur. Les espaces ouverts des rues de Leidin étaient des sources d'inspiration : sur les marchés commerciaux, on pouvait rencontrer des gens différents les uns des autres. différentes nationalités et apprenez à dessiner leurs visages sur papier.

Au départ, le garçon fréquentait une école latine, mais les études ne l'intéressaient pas. Le jeune Rembrandt n'aimait pas sciences exactes, en privilégiant le dessin.

L'enfance du futur artiste fut heureuse, car ses parents voyaient les passe-temps de son fils et, lorsque le garçon eut 13 ans, il fut envoyé étudier avec l'artiste néerlandais Jacob van Swanenburg. On sait peu de choses de la biographie du premier professeur de Rembrandt : le représentant du maniérisme tardif ne possédait pas un énorme héritage artistique, c'est pourquoi il est presque impossible de retracer l'influence de Jacob sur le développement du style de Rembrandt.

En 1623, le jeune homme se rend dans la capitale, où son deuxième professeur est le peintre Peter Lastman, qui enseigne à Rembrandt pendant six mois la peinture et la gravure.

Peinture

Sa formation auprès de son mentor est réussie ; impressionné par les peintures de Lastman, le jeune homme maîtrise rapidement la technique du dessin. Des couleurs vives et saturées, des jeux d'ombres et de lumière, ainsi qu'une élaboration minutieuse des moindres détails de la flore, voilà ce que Peter a transmis à son éminent élève.

En 1627, Rembrandt revint d'Amsterdam pour ville natale. Confiant en ses capacités, l'artiste ouvre avec son ami Jan Lievens sa propre école de peinture, qui court instant a gagné en popularité parmi les Néerlandais. Lievens et Rembrandt suivaient le rythme, parfois des jeunes travaillaient soigneusement sur une seule toile, mettant une partie de leur propre style dans le dessin.

Le jeune artiste de vingt ans est devenu célèbre grâce à ses premières œuvres détaillées, parmi lesquelles :

• «Lapidation de saint Etienne l'Apôtre» (1625),
• "Palamédée devant Agamemnon" (1626),
• "David à la tête de Goliath" (1627),
• "Le Viol d'Europe" (1632),

Le jeune homme continue de s'inspirer des rues de la ville, arpentant les places afin de rencontrer un passant au hasard et de capturer son portrait au ciseau sur une planche de bois. Rembrandt a également réalisé une série de gravures avec des autoportraits et des portraits de nombreux proches.

Grâce au talent du jeune peintre, Rembrandt fut remarqué par le poète Constantin Heygens, qui admirait les tableaux de van Rijn et Lievens, les qualifiant d'artistes prometteurs. «Judas rend trente pièces d'argent», peint par un Hollandais en 1629, il le compare aux peintures célèbres de maîtres italiens, mais trouve des défauts dans le dessin. Grâce aux relations de Constantin, Rembrandt a rapidement acquis de riches admirateurs d'art : grâce à la médiation de Hagens, le prince d'Orange a commandé plusieurs œuvres religieuses à l'artiste, comme Devant Pilate (1636).

Le vrai succès pour un artiste vient à Amsterdam. Le 8 juin 1633, Rembrandt rencontre la fille d'un riche bourgeois, Saskia van Uylenburch, et acquiert une position forte dans la société. L'artiste a peint la plupart de ses tableaux dans la capitale des Pays-Bas.

Rembrandt s'inspire de la beauté de sa bien-aimée, c'est pourquoi il peint souvent ses portraits. Trois jours après le mariage, van Rijn a représenté une femme au crayon d'argent portant un chapeau à larges bords. Saskia est apparue dans les peintures du Néerlandais dans une ambiance chaleureuse environnement de la maison. L’image de cette femme aux joues rebondies apparaît sur de nombreuses toiles, par exemple, la mystérieuse fille du tableau « Night Watch » ressemble fortement à la bien-aimée de l’artiste.

En 1632, Rembrandt est glorifié par le tableau « La leçon d'anatomie du docteur Tulp ». Le fait est que van Rijn s'est éloigné des canons des portraits de groupe standards, qui étaient représentés avec des visages tournés vers le spectateur. Extrêmement portraits réalistes Les médecins et ses étudiants ont rendu l'artiste célèbre.

Écrit en 1635 peinture célèbre Par histoire biblique«Le sacrifice d'Abraham», apprécié dans la société laïque.

En 1642, van Rijn reçut une commande de la Société de Tir pour un portrait de groupe destiné à décorer le nouveau bâtiment avec une toile. Le tableau a été appelé par erreur « Night Watch ». Elle était tachée de suie et ce n'est qu'au XVIIe siècle que les chercheurs sont parvenus à la conclusion que l'action qui se déroulait sur la toile se déroulait pendant la journée.

Rembrandt a méticuleusement représenté chaque détail des mousquetaires en mouvement : comme si à un certain moment le temps s'était arrêté lorsque les miliciens sortaient de la cour sombre pour que van Rijn les capture sur la toile.

Les clients n'aimaient pas le fait que le peintre hollandais s'écartait des canons développés au XVIIe siècle. Ensuite, les portraits de groupe étaient cérémoniaux et les participants étaient représentés de face, sans aucune statique.

Selon les scientifiques, ce tableau serait à l’origine de la faillite de l’artiste en 1653, car il faisait fuir les clients potentiels.

Technique et peintures

Rembrandt croyait que le véritable objectif de l'artiste était d'étudier la nature, c'est pourquoi toutes les peintures du peintre se sont révélées trop photographiques : le Néerlandais a essayé de transmettre toutes les émotions de la personne représentée.

Comme beaucoup de maîtres talentueux du Siècle d’Or, Rembrandt a des motivations religieuses. Les toiles de Van Rijn représentent non seulement des visages capturés, mais aussi des scènes entières avec leur propre histoire.

Dans le tableau « La Sainte Famille », peint en 1645, les visages des personnages sont naturels ; le Hollandais semble vouloir utiliser son pinceau et sa peinture pour transporter le spectateur dans l'atmosphère chaleureuse d'une simple famille paysanne. On ne retrouve aucune pompe dans les œuvres de van Rijn. a dit que Rembrandt avait peint la Madone sous la forme d'une paysanne hollandaise. En effet, tout au long de sa vie, l'artiste s'est inspiré des gens qui l'entouraient ; il est possible que sur la toile une femme, copiée sur une servante, berce un bébé.

Tableau de Rembrandt "La Sainte Famille", 1646

Comme beaucoup d'artistes, Rembrandt regorge de mystères : après la mort du créateur, les chercheurs ont longuement réfléchi aux secrets de ses peintures.

Par exemple, van Rijn a travaillé sur le tableau « Danae » (ou « Égine ») pendant 11 ans, à partir de 1636. La toile représente une jeune fille après son réveil. L'intrigue est basée sur mythe grec ancienà propos de Danaé, fille du roi d'Argos et mère de Persée.

Les chercheurs de la toile n'ont pas compris pourquoi la jeune fille nue ne ressemblait pas à Saskia. Cependant, après une radiographie, il est devenu clair que Danae était à l'origine dessinée comme Eulenburch, mais après la mort de sa femme, van Rijn est revenu au tableau et a modifié les traits du visage de Danae.

Il y avait aussi des différends parmi les critiques d'art au sujet de l'héroïne représentée sur la toile. Rembrandt n'a pas signé le titre du tableau et l'interprétation de l'intrigue était compliquée par l'absence de pluie dorée, selon la légende, sous la forme de laquelle Zeus serait apparu à Danaé. Les scientifiques étaient également confus Alliance sur l’annulaire de la jeune fille, ce qui n’était pas cohérent avec la mythologie grecque antique. Le chef-d'œuvre de Rembrandt, "Danaé", est disponible Musée russe Ermitage.

"La mariée juive" (1665) - un autre image mystérieuse van Rijn. Le tableau a reçu ce nom au début du XIXe siècle, mais on ne sait toujours pas qui est représenté sur la toile, car une jeune fille et un homme sont vêtus de costumes anciens rappelant les vêtements bibliques. Le tableau « Retour fils prodigue" (1669), dont la création a mis 6 ans.

Fragment du tableau de Rembrandt « Le retour du fils prodigue »

Si l’on parle du style de peinture de Rembrandt, l’artiste a utilisé un minimum de couleurs, tout en parvenant à rendre les tableaux « vivants », grâce aux jeux d’ombres et de lumière.

Van Rijn parvient également à représenter avec succès les expressions faciales : tous les personnages des tableaux du grand peintre semblent vivants. Par exemple, dans le portrait d'un vieil homme, le père de Rembrandt (1639), chaque ride est visible, ainsi qu'un regard sage et triste.

Vie privée

En 1642, Saskia mourut de tuberculose ; les amants eurent un fils, Titus (trois autres enfants moururent en bas âge), avec qui Rembrandt entretenait des relations amicales. Fin 1642, l'artiste rencontre la jeune femme Gertje Dirks. Les parents de Saskia étaient bouleversés par la façon dont le veuf disposait de la dot tout en vivant dans le luxe. Plus tard, Dirks poursuit son amant pour avoir rompu sa promesse de l'épouser. De la deuxième femme, l'artiste a eu une fille, Cornelia.

Le tableau de Rembrandt "Saskia en tant que déesse Flore"

En 1656, Rembrandt, en raison de difficultés financières, se déclare en faillite et part pour une maison isolée à la périphérie de la capitale.

La vie de Van Rijn n’a pas progressé, mais au contraire, elle a décliné : une enfance heureuse, la richesse et la reconnaissance ont été remplacées par des clients partis et une vieillesse misérable. L'humeur de l'artiste se reflète dans ses toiles. Ainsi, tout en vivant avec Saskia, il peint des tableaux joyeux et ensoleillés, par exemple « Autoportrait avec Saskia à genoux » (1635). Sur la toile, van Rijn rit d'un rire sincère, et une lumière rayonnante illumine la pièce.

Si avant la peinture l'artiste a été détaillé, puis sur scène créativité tardive Rembrandt utilise des traits larges et les rayons du soleil sont remplacés par l'obscurité.

Le tableau « La Conspiration de Julius Civilis », peint en 1661, n’a pas été payé par les clients car les visages des participants à la conspiration n’étaient pas soigneusement élaborés, contrairement aux œuvres précédentes de van Rijn.

Le tableau de Rembrandt "Portrait du fils de Titus"

Peu avant sa mort, vivant dans la pauvreté, en 1665, Rembrandt peint un autoportrait à l'effigie de Zeuxis. Zeukis est un peintre grec ancien décédé d'une mort ironique : l'artiste s'est amusé du portrait qu'il a peint d'Aphrodite sous la forme d'une vieille femme, et il est mort de rire. Dans le portrait, Rembrandt rit ; l'artiste n'a pas hésité à mettre une dose d'humour noir dans la toile.

La mort

Rembrandt inhuma son fils Titus, décédé de la peste, en 1668. Ce triste événement a fortement aggravé l’état d’esprit de l’artiste. Van Rijn est décédé le 4 octobre 1669 et a été enterré dans l'église néerlandaise de Westerkerk à Amsterdam.

Monument à Rembrandt sur la place Rembrandt à Amsterdam

Au cours de sa vie, l'artiste a peint environ 350 toiles et 100 dessins. Il a fallu deux siècles à l’humanité pour apprécier pleinement ce grand artiste.

Création Rembrandt Harmens van Rijn(1606-1669) marque la plus haute floraison des Hollandais art XVII siècle et l’un des sommets de l’art mondial en général. Démocratique et véritablement humain, imprégné d'une foi ardente dans le triomphe de justes principes de vie, il incarnait les idées les plus avancées et les plus vivifiantes de son époque. L'artiste a élevé artà un nouveau niveau, l'enrichissant d'une vitalité et d'une profondeur psychologique sans précédent. Rembrandt a créé un nouveau langage pictural dans lequel Le rôle principal joué des techniques finement développées de clair-obscur et de coloration riche et émotionnellement intense. La vie spirituelle de l’homme est désormais accessible à la représentation grâce à l’art réaliste.

Rembrandt était un innovateur dans de nombreux genres. En tant que portraitiste, il est le créateur d’un genre unique de portrait-biographie, où la longue vie d’une personne et son monde intérieur se révèlent dans toute sa complexité et ses contradictions. En tant que peintre historique, il a transformé des légendes anciennes et bibliques lointaines en une histoire d'événements terrestres réels, réchauffée par un grand humanisme. sentiments humains ah et les relations.

Le milieu des années 1630 est l’époque de la plus grande proximité de Rembrandt avec le style baroque paneuropéen, luxuriant et bruyant, plein de pathétique théâtral et de mouvements orageux, de contrastes d’ombre et de lumière, de juxtaposition contradictoire de moments naturalistes et décoratifs, de sensualité et de cruauté.

DANS Période baroque écrite "Descente de Croix"(1634). Le tableau illustre la légende évangélique selon laquelle Joseph d’Arimathie, Nicodème et d’autres disciples et parents du Christ, après avoir reçu la permission de Pilate, démontèrent le corps du Christ la nuit, l’enveloppèrent dans un riche linceul et l’enterrèrent.

La légende est racontée par Rembrandt avec une vérité étonnante et réaliste. Mort tragique l'enseignant et son fils ont plongé les participants à l'événement dans un profond chagrin. L’artiste scrute les visages, tente de pénétrer l’âme des gens, de lire la réaction de chacun face à ce qui se passe. Il transmet avec enthousiasme l'évanouissement de Marie, la mère du Christ, les pleurs et les gémissements des femmes, la souffrance et le chagrin des hommes, la peur et la curiosité des adolescents.

Dans cette œuvre, Rembrandt s'est basé sur le célèbre tableau de Rubens du même nom, en utilisant des motifs de composition individuels du grand Flamand et en essayant de le surpasser en termes d'expression. mouvements émotionnels héros.

Aux autres réalisation importante cette image, avec l'individualisation des sentiments personnages, était l'utilisation de la lumière pour obtenir l'intégrité d'une composition à plusieurs figures. Les trois moments principaux de la légende - la descente de croix, l'évanouissement de Marie et l'étalement du linceul - sont éclairés par trois sources lumineuses différentes, dont l'intensité décroît selon la signification décroissante de la scène.

Le début d'une nouvelle période de la vie et activité créative les maîtres ont reçu deux événements importants survenu en 1642 : la mort prématurée de Saskia, son épouse bien-aimée, qui lui a laissé un fils d'un an, et la création du tableau « Night Watch » - un grand portrait de groupe des tirailleurs d'Amsterdam, l'œuvre la plus célèbre du maître.

Une tragédie familiale et l'achèvement d'une commission responsable ont confronté Rembrandt à des problèmes personnels et personnels complexes. vie créative. L’artiste sort de cette crise mûr et sage. Son art devient plus sérieux, plus recueilli et plus profond, et surtout, son intérêt pour vie intérieure d'une personne, à ce qui se passe dans son âme.

En lien étroit avec l’évolution de l’œuvre de Rembrandt dans les années 1640, l’un des les œuvres les plus importantes artiste - "Danaé", bien qu'il y ait une date sur la photo 1636. Rembrandt s'est inspiré de son premier amour, Saskia, pour créer l'image de Danaé, la légendaire princesse grecque emprisonnée par son père pour éviter sa mort prévue aux mains de son petit-fils. Mais dix ans plus tard, comme le montrent des recherches récentes, l'artiste, insatisfait de la décision initiale, retravaille considérablement l'image du personnage principal. Apparemment, le modèle de la version finale du tableau était Gertje Dirks, une jeune veuve qui s'est installée dans la maison de Rembrandt après la mort de Saskia, d'abord comme nounou pour Titus, un an, puis comme maîtresse à part entière. Ainsi, la tête, la main droite et, dans une large mesure, le corps de Danaé, attendant dans sa prison son amant (selon la légende, Zeus, tombé amoureux de Danaé, entra en elle sous la forme d'une douche dorée) , ainsi que la figure de la vieille servante, ont été repeints, de manière audacieuse et large, au milieu et dans la seconde moitié des années 1640. Presque tous les autres détails du tableau sont restés les mêmes que ceux peints en 1636, avec un trait de dessin soigné, caractéristique de la période précédente.

La coloration du tableau a également subi des changements importants. La version originale était dominée par des tons froids, typiques du milieu des années 1630. Après avoir remplacé la pluie dorée de la première version par une lumière dorée, comme pour préfigurer l'apparition d'un dieu aimant, Rembrandt peint désormais la partie centrale du tableau dans un ton chaud avec comme dominantes l'ocre doré et le cinabre rouge.

Dans la deuxième version, c'est-à-dire en 1646-1647, Danaé a reçu une description psychologique approfondie, grâce à laquelle le monde intérieur le plus profond d'une femme a été révélé, toute la gamme complexe et contradictoire de ses sentiments et de ses expériences. « Danae » est donc visuel exemple spécifique la formation du célèbre psychologisme de Rembrandt.

L'œuvre de Rembrandt dans les années 1650 est principalement marquée par des réalisations dans le domaine du portrait. Extérieurement, les portraits de cette période se distinguent généralement par leur grande taille et leurs formes monumentales. poses calmes. Les modèles sont généralement assis dans des fauteuils profonds, les mains sur les genoux et face au spectateur. Le visage et les mains sont mis en valeur par la lumière. Ce sont toujours des personnes âgées, sages grâce à une longue expérience de la vie, des hommes et des femmes âgés avec l'empreinte de pensées sombres sur le visage et un travail acharné sur les mains. De tels modèles ont donné à l'artiste de brillantes occasions de montrer non seulement les signes extérieurs de la vieillesse, mais aussi l'apparence spirituelle d'une personne. Dans la collection de l'Ermitage, ces œuvres sont bien représentées par des portraits non commandés :

« Le vieil homme en rouge », « Portrait d'une vieille dame » et « Portrait d'un vieux juif ».

On ne connaît pas le nom de la personne qui a servi de modèle au portrait "Le vieil homme en rouge" Rembrandt l'a peint deux fois : dans un portrait de 1652 (National Gallery, Londres), il est représenté assis sur une chaise avec accoudoirs, baissant la tête en pleine réflexion. main droite; la version Hermitage interprète la même chose sujet - homme seul avec mes pensées. L’artiste utilise cette fois une composition strictement symétrique, représentant un vieil homme assis, immobile, de face. Mais le plus visible est le mouvement de la pensée, le changement subtil de l'expression du visage : il semble tantôt sévère, tantôt plus doux, tantôt fatigué, tantôt soudainement illuminé par un élan de force et d'énergie intérieure. La même chose se produit avec les mains : elles semblent soit serrées convulsivement, soit épuisées. L'artiste y parvient principalement grâce à la brillante maîtrise du clair-obscur qui, selon sa force et son contraste, introduit dans l'image une relaxation élégiaque ou une tension dramatique. La manière d'appliquer la peinture sur la toile joue également un rôle important. Le visage ridé du vieil homme et ses mains noueuses et usées acquièrent une expressivité artistique grâce à un mélange visqueux de peintures, dans lequel des traits épais entrelacés traduisent la structure de la forme et de fines émaux lui donnent du mouvement et de la vie.

Le vieil homme sans nom en rouge, mettant l’accent sur la dignité, le courage et la noblesse, est devenu l’expression de la nouvelle position éthique de l’artiste, qui a découvert que la valeur d’un individu ne dépend pas de sa position officielle dans la société.

Au milieu des années 1660, Rembrandt acheva son œuvre la plus émouvante : "Le retour du fils prodigue" Cela peut être considéré comme un témoignage de Rembrandt l'homme et de Rembrandt l'artiste. C'est là que l'idée amour qui pardonneà l'homme, aux humiliés et aux souffrants - l'idée que Rembrandt a servie toute sa vie - trouve son incarnation la plus élevée et la plus parfaite. Et c’est dans cette œuvre que l’on retrouve toute la richesse et la variété des techniques picturales et techniques que l’artiste a développées au cours de plusieurs décennies de créativité.

En lambeaux, épuisé et malade, ayant dilapidé sa fortune et abandonné par ses amis, le fils apparaît sur le seuil de la maison de son père et ici, dans les bras de son père, trouve pardon et consolation. L'immense joie lumineuse de ces deux-là - le vieil homme, qui a perdu tout espoir de rencontrer son fils, et le fils, accablé de honte et de remords, cachant son visage sur la poitrine de son père - constitue le principal contenu émotionnel de l'œuvre. Les témoins involontaires de cette scène restèrent silencieux, choqués.

L'artiste se limite extrêmement à la couleur. L'image est dominée par des tons ocre doré, rouge cannelle et brun noir avec une richesse infinie de transitions subtiles au sein de cette maigre gamme. Un pinceau, une spatule et un manche de pinceau sont impliqués dans l'application de la peinture sur la toile ; mais même cela semble insuffisant à Rembrandt - il applique de la peinture sur la toile directement avec son doigt (c'est ainsi que, par exemple, est peint le talon du pied gauche du fils prodigue). Grâce à une variété de techniques, une vibration accrue de la surface de la peinture est obtenue - les peintures brûlent, ou scintillent, ou couvent sourdement, ou comme si elles brillaient de l'intérieur, et pas un seul détail, pas un seul, même le plus insignifiant , coin de la toile laisse le spectateur indifférent.

Seul le sage expérience de la vie un homme et un grand homme qui a fait grand chemin l'artiste a pu créer cette œuvre brillante et simple.

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) le plus grand artiste, peintre, graveur et dessinateur néerlandais. Né dans une famille de meuniers à Leiden, où il travailla jusqu'en 1632 environ, après quoi il s'installa à Amsterdam. En 1634, Rembrandt épousa une fille issue d'une famille aisée, Saskia van Uylenburch, dont il immortalisa l'image dans de nombreux portraits avec une tendresse et un amour extraordinaires.

Depuis les années 1640, dans l’œuvre de Rembrandt, notamment dans les peintures à thème religieux, le clair-obscur est devenu important, créant une atmosphère émotionnelle tendue. L'artiste s'intéresse à l'essence cachée des phénomènes, au monde intérieur complexe des personnes représentées.

En 1642, le destin porte un coup dur à Rembrandt : Saskia meurt. La même année, il écrit son ouvrage le plus remarquable et peinture célèbre La veille de nuit, solution compositionnelle ce qui n'a rien de commun avec un portrait de groupe traditionnel.

Ses dernières œuvres étonnent par la précision de son savoir-faire. Dans les derniers autoportraits de Rembrandt, qui sont devenus le summum de sa galerie de portraits sans précédent, le spectateur est présenté face à un homme stoïquement endurant. épreuves sévères et l'amertume de la perte (en 1668, il perdit sa bien-aimée Hendrickje Stoffels, et en 1668 son fils Titus).

Rembrandt a créé des œuvres merveilleuses dans presque tous les genres et a utilisé diverses techniques d'écriture (peinture, dessin, gravure). Le plus grand maître, il a influencé beaucoup artistes célèbres. L'auréole de renommée autour du nom de Rembrandt ne s'est pas estompée et après sa mort, il a été véritablement reconnu comme l'un des peintres les plus remarquables de tous les temps.

Les tableaux de Rembrandt :

		Danaé 1636-1647

Le grand Néerlandais Rembrandt Harmens van Rijn est né en 1606 dans la ville de Leiden. Après des études d'apprenti, il commence à 19 ans à travailler comme artiste indépendant.

Dans ses premières compositions bibliques, l'influence du baroque italien est perceptible : dans les contrastes marqués du clair-obscur et la dynamique de la composition. Mais Rembrandt a vite trouvé son propre style en utilisant le clair-obscur pour exprimer ses émotions dans ses portraits.

En 1632, le peintre s'installe à Amsterdam et épouse un riche patricien. Durant cette période, il fut particulièrement prospère, célèbre et heureux. Et ses œuvres sont saturées de couleurs riches et respirent la joie. Il peint de grandes compositions religieuses, de nombreux portraits et autoportraits avec son épouse bien-aimée.

Rembrandt est devenu particulièrement célèbre en tant que portraitiste, peignant plus d'une centaine de portraits et des dizaines d'autoportraits au cours de sa carrière. C'est en se représentant que l'artiste expérimente audacieusement à la recherche d'une expressivité particulière du visage.

Rembrandt fut le premier à résoudre le problème des portraits de groupe ennuyeux en réunissant les personnes représentées action générale, ce qui donnait aux visages et aux figures une aisance naturelle.

L'artiste a été glorifié par un portrait de groupe intitulé «La leçon d'anatomie du docteur Tulp» (1632), qui ne représente même pas des rangées de visages pompeux, mais les héros d'une histoire fascinante, comme pris par l'artiste au milieu de l'action.

Les chercheurs considèrent que le couronnement du talent de portraitiste de Rembrandt est « La Ronde de nuit » (1642), un portrait commandé d’une société de fusiliers. Cependant, les clients n'ont pas accepté la photo, rejetant l'idée innovante où, au lieu de tireurs alignés, une composition héroïque sur le thème de la lutte de libération était représentée. Pour les tireurs, parmi lesquels se trouvaient des nobles, ces images semblaient étrangères et politiquement intempestives.

Ce rejet devient la première corde tragique de la vie de l’artiste. Et lorsque sa femme bien-aimée est décédée, l’œuvre de Rembrandt a perdu ses notes joyeuses. Les années 1640 deviennent une période de motifs bibliques calmes, où l'artiste révèle de plus en plus subtilement les nuances des expériences émotionnelles des héros. Dans ses graphismes, le clair-obscur joue avec encore plus de grâce, créant une atmosphère dramatique.

Dans "Danaé" (1647), l'artiste révèle son vues esthétiques sur beauté féminine, défiant la Renaissance. Son nu Danae est résolument loin des idéaux classiques, mais sensuel et chaleureux, comme une femme vivante.

La période de maturité créative de Rembrandt s'est produite dans les années 1650 - une période d'épreuves de vie difficiles. Sa propriété a été vendue aux enchères pour dettes, mais le peintre n'a pratiquement pas exécuté les commandes. Il peint des portraits de proches, de gens ordinaires et de personnes âgées. L’attention particulière de l’artiste, à l’aide de points de lumière diffuse, s’est portée sur des visages aux émotions riches mais subtiles et aux mains usées.

Rembrandt a interprété à sa manière les images bibliques, des légendes religieuses clairement « terre-à-terre », les privant de l'au-delà. Il donnait souvent aux visages des saints les traits de personnes spécifiques qui posaient pour lui pour des peintures.

Au milieu des années 1650, le peintre était devenu un véritable maître, conquérant habilement la lumière et la couleur au nom de l'expressivité émotionnelle des images. Mais il a vécu sa vie dans la pauvreté et la solitude, après avoir enterré sa seconde épouse et son fils. Derniers travaux l'artiste se consacre à réfléchir sur la collision dans l'âme humaine le mal avec le bien. L'accord final était chef d'oeuvre principal maître - «Le retour du fils prodigue», écrit en 1669, année de la mort de l'artiste. Le fils repentant, agenouillé, exprimait toute la tragédie Le chemin de la vie une personne, et à l'image d'un père, on peut voir l'amour lui-même et le pardon sans fin.

L'attribution des peintures de Rembrandt est établie selon les dernières recherches d'un groupe de scientifiques réputés sur son œuvre et est mise à jour au cours des recherches en cours. " Projet de recherche Rembrandt" a été fondée en 1968 et s'est fixé pour objectif de vérifier l'authenticité et la propriété des tableaux du maître sur la base d'une étude détaillée de chaque tableau en utilisant les dernières avancées de l'histoire de l'art et des techniques dans ce domaine.

Mise en page et traduction de l'album - Konstantin (koschey)

Et son travail, présenté dans l'article, vous fera découvrir l'un des les plus grands artistes de tous les temps. Rembrandt Harmens van Rijn (vie - 1606-1669) - célèbre peintre hollandais, graveur et dessinateur. Son œuvre est imprégnée du désir de comprendre l'essence de la vie, ainsi que le monde intérieur de l'homme. Rembrandt s'intéressait à la richesse des expériences spirituelles inhérentes aux gens. L'œuvre de cet artiste constitue le summum de l'art hollandais du XVIIe siècle. Elle est également considérée comme l'une des pages les plus importantes culture artistique dans le monde entier. Même les personnes éloignées de la peinture connaissent ses œuvres. Rembrandt est un artiste étonnant dont la vie et l'œuvre vous intéresseront certainement.

L'héritage artistique de Rembrandt

Exceptionnellement diversifié patrimoine artistique qu'il nous a laissé. Rembrandt peint des portraits, des paysages, des natures mortes et des scènes de genre. Il a créé des peintures sur des thèmes mythologiques, bibliques et historiques, ainsi que d'autres œuvres. Rembrandt est maître consommé gravure et dessin.

La vie à Leyde

La vie de Rembrandt en 1620 est marquée par une courte période d'études, puis il décide de consacrer entièrement sa vie à l'art. À cette fin, il étudia d'abord à Leiden avec J. van Swanenburch (vers 1620-23), puis à Amsterdam avec P. Lastman (en 1623). Entre 1625 et 1631, l'artiste travaille à Leyde. Rembrandt a créé ici ses premières œuvres.

Il convient de noter que ses œuvres datant de la période de Leiden se caractérisent par la recherche de l'indépendance créatrice de l'auteur, malgré le fait que l'influence de Lastman, ainsi que des représentants du caravagisme hollandais, y est perceptible. Un exemple est l’œuvre « Bringing to the Temple », créée vers 1628-29. Dans « L’Apôtre Paul » (vers 1629-30), ainsi que dans « Siméon au Temple » (1631), l’artiste a d’abord eu recours au clair-obscur comme moyen destiné à rehausser l’expressivité émotionnelle et la spiritualité des images. Parallèlement, Rembrandt travaille dur sur le portrait. Il a étudié les expressions faciales.

1630 ans dans la vie de Rembrandt

Un événement important dans la vie du maître eut lieu en 1632. La biographie de l'artiste Rembrandt a été marquée par le déménagement à Amsterdam. Sa biographie relative à cette époque est la suivante.

A Amsterdam, l'artiste qui nous intéresse s'est rapidement marié. Son élue était Saskia van Uylenburgh, une riche patricienne (son portrait est présenté ci-dessus). Cette femme était orpheline. Son père était membre du conseil municipal de Frise, bourgmestre de Leeverden. Les deux frères de Saskia étaient avocats. Parmi les proches de cette femme se trouvent de nombreux responsables gouvernementaux et scientifiques. Elle a apporté une lueur de bonheur dans la maison solitaire de l’artiste. Rembrandt a meublé sa maison de nombreux objets rares, ce qui en a fait un véritable musée. Le maître passait beaucoup de temps dans les brocantes, les ventes et les enchères. Il acheta des gravures et des peintures, des bibelots sculptés indiens et chinois, des armes anciennes, des statues, des cristaux et de la porcelaine précieux. Toutes ces choses ont servi de toile de fond aux peintures qu’il a créées. Ils ont inspiré l'artiste. Rembrandt aimait habiller sa femme de velours, de brocart et de soie. Il l'a couverte de perles et de diamants. Sa vie était facile et joyeuse, pleine de créativité, de travail et d'amour. En général, 16h30 est une heure le bonheur en famille et une grande réussite artistique.

Portraits des années 1630

Tous les portraits datant des années 1630 démontrent la subtilité et la capacité d'observation de Rembrandt. Cela le rapproche de Keyser, van der Helst, Rubens et Van Dijk. Ces peintures sont généralement réalisées sur un fond plat gris clair. Ses œuvres sont souvent de format ovale. Rembrandt a créé des portraits qui étonnent par leur énorme pouvoir plastique. Elle est obtenue en simplifiant le clair-obscur et l’harmonie du noir et blanc, ainsi qu’en orientant le regard du modèle. Toutes les œuvres sont pleines de dignité, attirant l’attention par leur composition et leur légèreté dynamique. Les peintures de la période d'Amsterdam, comparées à celles de Leiden, ont une texture plus lisse. Le rythme des mains a une signification symbolique (l'artiste ne montre volontairement pas une seule main). Ceci, ainsi que la tournure de la tête du personnage, rappelle la variabilité et la fugacité du baroque.

Caractéristiques de quelques portraits de 1630

Lorsqu'on décrit la vie et l'œuvre de Rembrandt durant cette période, on ne peut s'empêcher de se tourner vers les portraits qu'il a réalisés. Ils sont assez nombreux. La Leçon d'anatomie du Dr Tulp de Rembrandt (photo ci-dessus) a été créée en 1632. Dans ce document, l'auteur a adopté une approche innovante pour résoudre le problème du portrait de groupe, aboutissant à une composition détendue. Rembrandt a uni toutes les personnes représentées dans le tableau par une seule action. Ce travail lui apporta une grande renommée.

Dans d'autres portraits, créés selon de nombreuses commandes, l'artiste a soigneusement transmis des vêtements, des traits du visage et des bijoux. Un exemple est l’œuvre « Portrait d’un Burgrave », peinte en 1636 par Rembrandt Garmens van Rijn. La vie et l’œuvre de tout artiste sont étroitement liées. Par exemple, les portraits de proches de Rembrandt, ainsi que ses autoportraits (l'un d'eux, réalisé en 1634, est présenté ci-dessus), sont plus variés et plus libres dans leur composition. L'artiste n'y avait pas peur d'expérimenter, recherchant une expressivité psychologique. Il convient également de mentionner ici l'autoportrait réalisé en 1634 et « Saskia souriante », peint en 1633.

Le célèbre tableau « Merry Society », ou « Autoportrait avec Saskia » (la photo de cette œuvre est présentée ci-dessus), complète la quête de cette période. Elle a été peinte vers 1635. La vie et l'œuvre de l'artiste sont révélées d'une manière particulière dans cette œuvre. Il y rompt avec audace avec les canons qui existaient à cette époque. Le tableau se distingue par sa manière libre de peindre, la spontanéité vivante de la composition, ainsi que par la palette lumineuse, ample et colorée.

Compositions bibliques et scènes mythologiques 1630

Dans les années 1630, l’artiste crée également des compositions bibliques. L’un des plus célèbres est le « Sacrifice d’Abraham ». Elle date de 1635. Les compositions bibliques de cette époque sont marquées par l'influence de la peinture baroque italienne. Son impact se manifeste dans la dynamique de la composition (quelque peu forcée), les contrastes d’ombre et de lumière et la netteté des angles.

Dans l'œuvre de Rembrandt de cette époque, une place particulière appartient aux scènes mythologiques. L'artiste ne les a pas suivis traditions classiques et les canons, les défiant avec audace. L'une des œuvres que l'on peut noter ici est L'Enlèvement de Ganymède (1635).

"Danaé"

La composition monumentale intitulée « Danaé » incarne pleinement les vues esthétiques de Rembrandt. Dans cette œuvre, il semble entrer en dispute avec les grands artistes de la Renaissance. La figure nue de Danaé représentée par Rembrandt ne correspond pas aux idéaux classiques. L'artiste a réalisé cette œuvre avec une spontanéité réaliste, très audacieuse pour l'époque. Il a contrasté la beauté idéale, sensuelle et physique des images créées Maîtres italiens, la beauté spirituelle, ainsi que la chaleur du sentiment humain.

Autres emplois

Toujours dans les années 1630, Rembrandt consacra beaucoup de temps à travailler sur les techniques de gravure et d'eau-forte. On peut noter ses œuvres telles que « The Wandering Couple » et « The Rat Poison Seller ». L'artiste a également créé dessins au crayon, généralisé de manière et très audacieux.

L'œuvre de Rembrandt dans les années 1640

Ces années ont été marquées par des conflits entre travaux innovants Rembrandt et les exigences très limitées de ses contemporains. Ce conflit se manifeste clairement en 1642. Ensuite, l'œuvre "Night Watch" de Rembrandt a provoqué de violentes protestations de la part des clients. Ils n'ont pas accepté l'idée principale de l'artiste. Rembrandt, au lieu du portrait de groupe habituel, a représenté une composition héroïquement optimiste dans laquelle, à l'alarme, la guilde des tireurs s'avance. C'est-à-dire que c'est, pourrait-on dire, qu'elle a réveillé les souvenirs des contemporains de la guerre de libération menée par le peuple néerlandais.

Après ces travaux, l'afflux de commandes pour Rembrandt diminue. Sa vie a également été assombrie par la mort de Saskia. Dans les années 1640, l’œuvre de l’artiste perd son efficacité extérieure. Les notes majeures qui en étaient caractéristiques auparavant ont également disparu. Rembrandt commence à peindre des scènes de genre et bibliques calmes, pleines d'intimité et de chaleur. Il y révèle les nuances les plus subtiles des expériences, des sentiments familiaux, de proximité spirituelle. Parmi ces œuvres, il convient de noter la « Sainte Famille » de 1645, ainsi que le tableau « David et Jonathan » (1642).

Tant dans le graphisme que dans la peinture de Rembrandt, un jeu très subtil de clair-obscur prend de plus en plus d’importance. Cela crée une atmosphère particulière – émotionnellement intense, dramatique. Il convient de noter la feuille graphique monumentale de Rembrandt "Le Christ guérissant les malades" ainsi que la "Feuille des cent florins", créée vers 1642-46. Il faut aussi appeler le paysage de 1643 « Trois Arbres », plein de dynamique lumineuse et aérienne.

1650 dans les œuvres de Rembrandt

Cette période a été marquée par des épreuves de vie difficiles qui ont frappé l'artiste. C'est en 1650 que commence la période de sa maturité créatrice. Rembrandt commence à se tourner de plus en plus souvent vers le portrait. Il représente les personnes les plus proches de lui. Parmi ces œuvres, il convient de noter de nombreux portraits d’Hendrikje Stoffels, la seconde épouse de l’artiste. Tout aussi remarquable est le « Portrait d’une vieille femme » réalisé en 1654. En 1657, l'artiste peint un autre de ses œuvre célèbre- "Fils Titus en train de lire."

Images de gens ordinaires et de personnes âgées

Les images de gens ordinaires, notamment de personnes âgées, attirent de plus en plus l’artiste. Ils sont l'incarnation dans ses œuvres richesse spirituelle et la sagesse de la vie. En 1654, Rembrandt a créé le "Portrait de la femme du frère de l'artiste" et en 1652-1654 - "Portrait d'un vieil homme en rouge" (photo ci-dessus). Le peintre s'intéresse aux mains et au visage qui s'illuminent Lumière douce. C’est comme s’ils avaient été arrachés aux ténèbres. Les visages des personnages se caractérisent par des expressions faciales à peine perceptibles. Cela montre le mouvement complexe de leurs sentiments et de leurs pensées. Rembrandt alterne les traits de lumière et d'empâtement, ce qui fait scintiller la surface du tableau d'ombres et de lumières et de nuances colorées.

Situation financière difficile

En 1656, l'artiste fut déclaré débiteur insolvable, à la suite de quoi tous ses biens furent vendus sous le marteau. Rembrandt a été contraint de déménager dans le quartier juif de la ville d'Amsterdam. Ici, il a passé le reste de sa vie dans des conditions extrêmement exiguës.

Œuvres de Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Les compositions bibliques créées dans les années 1660 résument les réflexions de Rembrandt sur le sens de la vie. Dans son œuvre de cette époque, il y a des peintures consacrées au choc des principes de lumière et d'obscurité dans l'âme humaine. Un certain nombre d'œuvres sur ce sujet ont été créées par Rembrandt Harmens van Rijn, dont la biographie et la liste des peintures nous intéressent. Parmi ces œuvres, il convient de noter l'œuvre « Assur, Haman et Esther », créée en 1660 ; et aussi « David et Urie », ou « La Chute d'Haman » (1665). Ils se caractérisent par un style de pinceau flexible, des couleurs riches et chaudes, une texture de surface complexe et un jeu intense d'ombre et de lumière. Tout cela est nécessaire à l'artiste pour révéler des expériences émotionnelles et des conflits complexes, pour affirmer la victoire du bien sur le mal.

Le tableau historique de Rembrandt intitulé La Conspiration de Julius Civilis, également connu sous le nom de La Conspiration des Bataves, a été créé en 1661. Il est empreint d’héroïsme et de drame dur.

"Le retour du fils prodigue"

DANS L'année dernière Au cours de sa vie, l'artiste a créé l'œuvre « Le retour du fils prodigue ». Elle date de 1668-69. Ce tableau monumental est le principal chef-d'œuvre de Rembrandt. Il incarne tout ce qui est moral, esthétique et questions artistiques, caractéristique de période tardive sa créativité. L'artiste le plus talentueux recrée dans cette image toute une gamme de sentiments humains profonds et complexes. Médias artistiques il subordonne à la révélation de la beauté du pardon, de la compassion, de la compréhension. Le point culminant de la transition de la tension des sentiments à la résolution réussie des passions s'incarne dans des gestes sobres et des poses expressives. Vous pouvez le voir sur la photo ci-dessus dernier morceau Rembrandt.

La mort de Rembrandt, l'importance de son œuvre

Le célèbre peintre, graveur et dessinateur néerlandais est décédé à Amsterdam le 4 octobre 1669. Harmens van Rijn Rembrandt, dont les œuvres sont connues et appréciées de beaucoup, a eu une énorme influence sur le développement ultérieur de la peinture. Cela se remarque non seulement dans le travail de ses élèves, parmi lesquels Carel Fabricius était le plus proche de Rembrandt, mais aussi dans les œuvres de tous les artistes néerlandais, plus ou moins importants. Les peintures de nombreux maîtres reflètent l'influence d'artistes tels que Rembrandt van Rijn. L'ouvrage "Le marais", écrit par Jacob van Ruisdael, fait probablement partie de ces œuvres. Il montre une partie désertique de la zone forestière inondée d’eau. Cette image a une signification symbolique.

Par la suite, le grand Rembrandt a eu une forte influence sur le développement de l’art réaliste en général. Ses peintures et sa biographie intéressent toujours de nombreuses personnes. Cela suggère que son travail est en effet très précieux. Les chefs-d'œuvre de Rembrandt, dont beaucoup ont été décrits dans cet article, inspirent toujours les artistes.