rire dans Littérature européenne et la culture - comme presque tout dans la littérature et la culture européennes - commence avec l'antiquité. Et peut-être que la première forme de rire organisé était antique. Bien sûr, les Grecs, comme tout le monde personnes normales, apparemment, ils riaient toujours, mais au 5ème siècle avant JC, pour la première fois, nous sommes confrontés au fait que le rire devient une partie consciente de la culture, et même plus que la littérature. C'est ce phénomène qu'on appelle l'Attique antique Attique est une région de Grèce. Le centre est la ville d'Athènes. la comédie.

L'ancienne comédie attique est un phénomène étonnant dans l'histoire de la culture, même d'un point de vue moderne, car ce n'est pas seulement un genre littéraire, mais aussi une partie de la vie d'au moins une ville - Athènes. De plus, la comédie est l'une des composantes les plus importantes de la vie actuelle de la ville, puisque la représentation de comédies (et) faisait partie des comédies centrales, qui étaient célébrées assez souvent à Athènes : Petit et Grand (dédié au dieu Dionysos , qui était considéré comme le mécène du théâtre) et quelques autres.

D'où vient la comédie ? Il est séparé et un problème compliqué, ce qui n'est même plus l'habitude de s'engager en particulier. À ce sujet, il y a à peu près la même décision que l'Académie française des sciences a prise autrefois concernant la machine à mouvement perpétuel : les nouvelles versions ne seront plus envisagées.

Néanmoins, force est de constater que la comédie a des origines mythologiques, folkloriques, religieuses, mais on ne sait pas quoi exactement. Nous avons beaucoup d'histoires anciennes sur la façon dont les gens se promenaient dans les villages et chantaient toutes sortes de chansons, comme nous dirions maintenant, injurieuses ou viles adressées à leurs concitoyens - et il semble que la comédie soit née de ces chansons. En effet, de telles fêtes existent dans différentes cultures - et nous les avons toujours sous la forme d'une sorte de chants. Il y avait probablement d'autres racines.

Mais d'une manière ou d'une autre, la comédie est née d'une idée mythologique très profonde selon laquelle une personne est bonne, car d'une certaine manière elle équilibre l'état du monde : si vous grondez une personne, alors tout ira bien pour elle, et si vous louez , alors il peut y avoir toutes sortes de problèmes. Cette idée est conservée dans de nombreux signes et rituels, par exemple, qu'un nouveau-né ne peut pas être loué. La même chose s'est produite en Grèce.

Il est remarquable que cette prestation de serment devienne une composante de l'action la plus importante de l'histoire et de la vie d'un peuple hautement développé. centre culturel Grèce - Athènes, Ve siècle av.

Pourquoi? D'abord, comme on le croit généralement, grâce à son message politique : la comédie a non seulement fait rire, mais a aussi porté quelques idées politiques. Aristophane l'écrit en 405 av. C'est la fin de la guerre du Péloponnèse entre Athènes et Sparte, qu'Athènes perdait tout le temps, mais peu de temps avant la production de cette comédie, ils ont remporté une victoire navale - et il y avait quelques espoirs de succès.

C'est à cela que se rattache l'important message politique de la comédie. Selon le texte, le dieu du théâtre, Dionysos, se rend aux enfers pour ramener le tragédien dans la ville : tous les grands tragédiens sont morts, et pour que la ville gagne la guerre, grand poète. Il y a deux grands tragédiens dans le monde souterrain, Eschyle et Euripide, et le choix est déterminé par celui d'entre eux qui donnera le meilleur conseil à la ville. Et bien que Dionysos soit d'abord allé aux enfers pour Euripide, il ramène Eschyle, car il donne le conseil le plus merveilleux : d'une part, ramenez les exilés à la ville, et d'autre part, comptez sur la flotte.

Cela suscite une grande approbation dans la société, et on nous dit que c'est la composante politique de la comédie qui est la clé de son succès. Le paradoxe réside cependant dans le fait que la deuxième fois cette comédie, idée principale qui - pour s'appuyer sur la flotte, a été mis, apparemment, après que la flotte athénienne a subi une défaite écrasante dans la bataille d'Aegospotami, après quoi la guerre du Péloponnèse a pris fin. L'idée politique de la comédie s'est avérée absolument fausse - et pourtant la pièce est mise en scène une deuxième fois. Personne ne peut expliquer cela.

Une explication possible est que cette idée politique est correcte parce qu'elle est conforme à ce que pense le peuple. Et son tort final n'est pas un reproche à la comédie. Dans la comédie, tout a été bien dit, mais ce qui s'est passé dans la pratique - eh bien, cela n'a pas fonctionné. Cela n'a rien à voir avec la comédie. Il y a de la politique dans la comédie, mais, apparemment, l'essentiel n'est pas sa présence même, mais la façon dont elle est tissée dans la structure globale. Il s'avère que le contenu politique avait une signification momentanée, mais The Frogs est précieux pour nous et, à en juger par cette deuxième production, pour le public athénien, pas seulement et pas tellement.

Avec quoi? Apparemment, le fait que dans ce travail différents niveaux, différentes significations de la comédie s'entremêlent, peut-être de la manière la plus merveilleuse. Et c'est juste à temps pour la question de savoir de quoi ils ont ri et comment ils ont ri dans la comédie athénienne.

Le spectateur s'est mis à rire, juste au moment où les héros sont sortis. Dans la première scène, le dieu Dionysos apparaît avec son esclave et ils se parlent. L'esclave dit à Dionysos : "C'est une bonne blague !" Dionysos répond : « Parle hardiment ! Ne dites pas qu'une chose." "Quoi d'autre?" - "Quoi, je me décale, tu vas craquer." « Et ceci : je meurs sous le poids. Enlevez-le, ou alors dans votre pantalon... "-" Je vous en prie, ne continuez pas ! Ça me dérange depuis longtemps."

De notre point de vue, c'est quelque chose d'étrange. Le public athénien, apparemment, éclata de rire à ce moment-là : il y a un indice de la scène traditionnelle du début d'une comédie, quand un esclave apparaît, traînant quelque chose et disant à quel point il est mauvais, pleurant, exécutant même une chanson plaintive. En conséquence, il y a des mots qui doivent être utilisés dans cette scène.

Aristophane interdit à l'esclave de dire cela, car il est Aristophane, ce n'est pas une simple comédie. Néanmoins, l'esclave, comme vous le comprenez, le dit encore. Et tout le monde est terriblement content. Cela signifie qu'il y avait des scènes reconnaissables dans la comédie dans lesquelles le spectateur savait à l'avance qu'il était censé rire, presque comme s'il levait une pancarte avec le mot "Rire". V plus de comédie se développera précisément en fonction de ces scènes - l'intrigue et toutes les scènes, à partir du 4ème siècle avant JC, seront standard. Et tout le monde rira encore - rira de la reconnaissance du drôle. Et cela en soi est intéressant et révélateur.

De plus, la comédie continue comme d'habitude, et tout au long de sa première partie, le dieu Dionysos apparaît comme un dieu extrêmement lâche, constamment menteur et laid. À la fin, il juge qui est le meilleur poète tragique. Il est remarquable que la question de savoir qui est le meilleur poète de la tragédie soit décidée par Dieu dans son hypostase comique, Dieu en tant qu'acteur comique. Il s'avère que le dieu comique est exactement ce qu'il est censé être.

Cette comédie est aussi unique car elle en a deux. Le nom "Frogs" est le nom de l'un d'entre eux. Dionysos traverse, comme prévu, dans la barque de Charon le long du terrible fleuve Styx, qui dans la comédie se transforme en marécage ou en lac, et les grenouilles y croassent. C'est une merveilleuse performance scénique : une belle chorale croasse, apparemment déguisée en grenouilles. Grâce à cela, nous savons à peu près comment, du point de vue des Grecs, les grenouilles coassaient. Ce coassement est dépeint comme une chanson poétique, et il est aussi extrêmement drôle.

Avant son voyage aux enfers, Dionysos rencontre une autre chorale - une chorale de mysts, des initiés au culte athénien, une fête en l'honneur de Déméter et Perséphone - les déesses de la fertilité - et Dionysos. Ce chœur de mysts est également présent sur scène.

En général, l'un des principaux problèmes d'interprétation de cette comédie - y avait-il en fait deux chœurs ou un seul? Autrement dit, y avait-il différents acteurs dans des costumes différents, ou les mêmes acteurs étaient-ils habillés hors scène ? Ce n'est pas seulement un enjeu scénographique, mais aussi économique, car cela coûtait très cher de former deux chœurs, et à la fin de la guerre du Péloponnèse, apparemment, il n'y avait pas d'argent pour cela.

Les mystères éleusiniens sont le culte secret d'Athènes, qui ne pouvait être divulgué. L'accusation de divulguer le culte des mystères éleusiniens était l'une des plus terribles, avec la trahison. Il a été présenté à de nombreux des personnes célèbres. Et pourtant ce culte inavoué est présent sur scène, et de la manière la plus cocasse. Par exemple, on dit que les choristes sont vêtus de haillons extrêmes, et cela est mis en scène de toutes les manières possibles. D'un côté, c'est juste ridicule. D'un autre côté, c'est l'une des façons de résoudre le problème économique : ils avaient juste de mauvais costumes bon marché. Et d'autre part, c'est une blague sur le fait qu'en réalité les vêtements dans lesquels ils ont été initiés aux mystères éleusiniens, devaient alors être portés sans les enlever. On a dit que les gens étaient consacrés dans la déchirure elle-même, de sorte qu'elle tomba rapidement dans un état de délabrement complet - et qu'elle pouvait encore être enlevée. Autrement dit, ce sont des blagues sur le plus sacré - ce qui en soi est extrêmement révélateur. De plus, c'est aussi la joie de reconnaître les plus secrets, y compris de manière amusante.

Et enfin, c'est une comédie littéraire. Elle parle du statut qu'avait la littérature à Athènes : il faut un poète pour sauver la ville. Toute la deuxième partie de la comédie est une compétition entre Eschyle et Euripide. Au fil du concours, force est de constater qu'Euripide en tant que poète est bien meilleur. Mais il perd. Et c'est une comédie merveilleusement bien faite, purement technique : d'énormes balances sont amenées sur scène, sur lesquelles des poèmes sont pesés. C'est en même temps une parodie d'un des textes les plus importants, l'Iliade d'Homère, dans lequel le sort des héros, en particulier Achille et Hector, est pesé. Ce héros, dont le sort l'emportait, meurt. Dans la comédie, c'est le contraire qui est vrai : dont les couplets l'emportent, c'est-à-dire dont le bol est tombé, il gagne. Voici les versets d'Eschyle. Pourquoi? Parce qu'Euripide a des vers légers et gracieux, et qu'Eschyle écrit sur des choses sérieuses, et donc ses vers sont plus lourds. Autrement dit, il s'avère qu'il est un pire poète, mais il écrit sur des choses sérieuses, et puisque nous avons besoin de choses sérieuses, il gagne - et non Euripide, que Dionysos aime tant. Tout est à nouveau bouleversé.

La scène principale, extrêmement occupée par tout le monde, n'est peut-être pas tout à fait claire pour nous, mais c'est une merveilleuse démonstration de tout le mécanisme de la comédie. Dans celui-ci, Euripide lit ses poèmes et Eschyle insère tout le temps la phrase "J'ai perdu la bouteille".

Eh bien, par exemple: "Énée une fois, ayant soulevé une gerbe d'oreilles sacrificielles du sol ..." - lit Euripide. Et Eschyle ajoute : « J'ai perdu la bouteille. La phrase devient idiote. Et il y a beaucoup de telles phrases.

À quoi ça sert? L'explication la plus simple est qu'Euripide a des vers monotones dans lesquels vous pouvez mettre "Perdu la bouteille" partout. C'est certainement vrai. Il est remarquable que Dionysos interrompe le processus lorsque Euripide lit enfin les vers dans lesquels "Perdu la bouteille" ne peut pas être inséré. Dionysos dit à Euripide : arrête, car Eschyle dira encore : « J'ai perdu la bouteille ».

D'autre part, la bouteille a un caractère sexuel évident, voire obscène, car ce n'est pas seulement une bouteille, mais un récipient avec un col étroit et un corps large. C'est un symbole obscène : "perdu la bouteille" signifie "perdu le pouvoir masculin". C'est terriblement drôle. Et en même temps, il s'avère qu'Euripide est privé de la chose la plus importante qui soit dans la comédie - le pouvoir de la fertilité et perd donc.

Enfin, à partir de la façon dont ce texte littéraire a été joué plus loin, nous apprenons la troisième dimension de cette blague. Ce flacon, si gonflé, gros, gonflé, signifiait un style sublime et gonflé (dans le bon sens). Avec ce style, Eschyle l'emporte, car ce qu'il faut maintenant, c'est de la hauteur et de l'enflure.

Ainsi, il s'avère que même un mot dans la comédie a plusieurs significations à la fois. Le sens est sexuel, primordial pour la comédie ; le sens de l'humour littéral et délibéré; sens littéraire; le sens du jeu - et en même temps une image lumineuse, visuelle, purement scénique, parce que la bouteille, peut-être, était physiquement présente dans cette scène, Eschyle l'a jetée.

C'est dans cette combinaison en un seul mot de niveaux divers - du politique au religieux, comique, poétique, sexuel - qu'il y a point principal rire de la comédie antique.

Décryptage

Le Ve siècle en Grèce - l'âge d'or de la culture antique, associé principalement à Athènes - est traditionnellement appelé l'âge du drame, et même, plus spécifiquement, l'âge. La tragédie grecque surgit à la toute fin du 6ème siècle avant JC et s'épanouit tout au long du 5ème siècle, lorsque le tragique devient le centre de la vie culturelle d'Athènes - et en fait de toute la Grèce.

Pour commencer, il vaut la peine de dire ce qu'est une tragédie.

Pendant de nombreux siècles, le nom même de "tragédie" - un mot qui fait désormais partie de notre lexique - a été interprété comme une "chant de chèvre". Vous pouvez même vous souvenir du travail de Konstantin Vaginov, qui s'appelle ainsi - précisément parce que le mot "tragédie" est derrière.

Pourquoi la tragédie est le "chant de la chèvre" a été expliquée de diverses manières, et plusieurs théories sur l'origine de la tragédie y sont associées.

Il est plus ou moins clair pour tout le monde que la tragédie doit avoir des racines rituelles. Elle, comme la comédie, était directement associée au culte religieux en l'honneur du dieu Dionysos: Dionysos était considéré comme le patron du théâtre et des concours tragiques, et en grec il y avait un autel de Dionysos. Les Grecs avaient même un proverbe "Cela n'a rien à voir avec Dionysos". Comme nous le disent les anciens érudits, ils avaient l'habitude de dire cela à propos d'une mauvaise tragédie, un non-sens - quelque chose comme notre «ni au village ni à la ville».

Maintenant, ils aiment appeler différents articles et livres soit "Tout par rapport à Dionysos", soit "Quelque chose par rapport à Dionysos", soit "Rien par rapport à Dionysos". En même temps, dans presque aucune des tragédies grecques qui nous sont parvenues - même si, apparemment, moins de 15 % de toutes les tragédies qui ont été mises en scène au Ve siècle nous sont parvenues dans leur intégralité - il n'y a pas question de Dionysos. Il n'y a qu'une seule tragédie dans laquelle Dionysos est présent, les Bacchantes d'Euripide. On peut donc dire que la tragédie grecque ne concerne pas du tout Dionysos.

Néanmoins, le lien évident de la tragédie avec le culte de Dionysos indique l'origine religieuse et rituelle de la tragédie. À cause de leur nom, on croyait que c'était la chèvre qui les reliait les uns aux autres. Cela a été expliqué de différentes manières. Tout d'abord, la chèvre était considérée comme l'animal rituel de Dionysos. Deuxièmement, que la chèvre était un prix lors de concours tragiques (toutes les tragédies étaient présentées pendant les vacances, principalement au cours desquelles trois tragédiens s'affrontaient). Enfin, une troisième explication est que le chant du bouc est le chant des satyres, compagnons de Dionysos, des êtres ressemblant à des boucs qui ont peut-être composé à l'origine la tragédie grecque.

Chaque tragédien a présenté la soi-disant tétralogie lors de la célébration: trois tragédies, à l'origine reliées par une seule intrigue, et une. Un seul drame satyrique, le Cyclope d'Euripide, nous est parvenu plus ou moins dans son intégralité, où, en fait, le chœur est composé de satyres. On explique généralement que le drame satirique était nécessaire pour que le public puisse se détendre après la tragédie. Au début, au cours de trois drames, tout va très mal : des événements difficiles se déroulent, tout le monde est tué, une mer de sang coule, puis un léger relâchement en partie comique s'installe. Le drame satyre est quelque chose entre la tragédie et la comédie, et il donne une version positive voire comique du mythe, y compris celle présentée dans la tragédie.

Presque toutes ces explications ne sont pas très convaincantes. La chèvre, bien sûr, était l'animal sacré de Dionysos, mais pas le seul, mais l'un d'une longue liste, et en aucun cas le plus important. La chèvre était un prix dans des concours tragiques, mais pas le premier. Et, comme vous le comprenez, lorsque trois personnes concourent, quiconque n'a pas pris la première place a perdu - il est donc étrange d'appeler l'ensemble du travail par le nom d'autre chose que le premier prix. Et enfin, il semble que les satyres soient devenus boucs assez tard et ne l'étaient pas au moment où survint le drame. Par conséquent, certains chercheurs pensent que les Grecs eux-mêmes n'ont pas compris ce que signifie le mot «tragédie». Et quand les Grecs ne savaient pas ce que signifiait un mot, ils l'expliquaient immédiatement d'une manière ou d'une autre. Ils ont donc proposé une explication très détaillée pour nous pourquoi la tragédie est une chanson de chèvre.

Je raconte cette histoire juste pour indiquer que nous ne savons pas d'où vient la tragédie grecque. Il y avait des scientifiques qui ont déclaré avec confiance et fermeté qu'ils savaient qu'elle était née d'un certain rituel, presque dans un endroit précis à un moment précis, mais tout cela est dans une certaine mesure une bonne aventure - sinon sur du marc de café, alors sur une petite quantité de preuves, qui nous sont parvenues. Nous pouvons seulement dire que la tragédie avait des origines rituelles, cultuelles.

Lorsque nous parlons de la façon dont la tragédie s'est développée, nous devons croire en l'information que les Grecs eux-mêmes nous ont donnée - principalement Aristote. La partie de la « Poétique » d'Aristote qui nous est parvenue est entièrement consacrée à la tragédie. Pour commencer, il dit que la tragédie est venue et qu'il a montré presque comment écrire une tragédie correctement. Puis Aristote rapporte que la tragédie est issue du même drame satyre. Et, enfin, il écrit que la tragédie est venue des chœurs sacrés en l'honneur de Dionysos, du soi-disant dithyrambe. Les dithyrambes ont été joués les mêmes jours fériés que la tragédie - et il semble qu'au début, ce n'étaient que des chansons en l'honneur de Dionysos, que la chorale chantait. Puis un chanteur s'est démarqué du chœur - il s'appelait le luminaire - et la tragédie est apparue du dialogue entre le luminaire et le chœur.

C'est-à-dire qu'Aristote nous informe que la tragédie est issue immédiatement de tous les genres qui existaient avant elle : l'épopée, et quelque autre drame. Ceci, très probablement, indique que les Grecs eux-mêmes ne savaient pas exactement d'où venait la tragédie. Mais l'idée que la tragédie englobe un grand nombre de divers cultes en l'honneur de Dionysos ou un grand nombre de genres littéraires, témoigne au moins d'une chose - que la tragédie au 5ème siècle était perçue comme le principal et presque le seul genre de littérature. Un genre qui intègre tout ce qui l'a précédé, et pas seulement la littérature.

Le récit de l'origine de la tragédie à partir du dithyrambe reflète la structure même de la tragédie, qui se compose de deux principes : les parties du chœur et les actions. Cette interaction entre le chœur et les acteurs est la principale caractéristique de la tragédie.

Les parties alternées du chœur et les parties dialogiques sont écrites un peu en différentes langues, dans différents dialectes littéraires. Certains chercheurs pensent même que si les parties dialogiques sont écrites en grec familier, ce qui était compréhensible pour le public athénien, alors les chœurs pourraient ne pas être très compréhensibles, d'autant plus qu'ils étaient également chantés. Ainsi, le genre de la tragédie est quelque chose entre le drame théâtral tel que nous le connaissons maintenant et, apparemment, l'opéra.

D'où un autre gros problème : comment mettre en scène et traduire la tragédie grecque. Ce qui aurait pu être incompréhensible pour les spectateurs athéniens est déjà complètement incompréhensible pour les spectateurs modernes. Mais en même temps, le chœur était l'essentiel de la tragédie, c'est sa ligne principale, le contenu principal et, en passant, les principales dépenses.

La tragédie et la comédie ont d'abord été mises en scène avec de l'argent de l'État, puis avec de l'argent privé - l'argent des soi-disant producteurs, à qui l'État a confié cela et qui se sont battus pour ce droit. Et, bien sûr, la chorale était la plus chère : c'était quinze personnes pour chaque tragédien, qui spécialement formées, apprenaient leurs rôles. Il n'y avait pas beaucoup d'acteurs. Aristote dit qu'il y avait d'abord un acteur, puis deux, puis trois.

Il y avait, bien sûr, plus d'acteurs dans la tragédie grecque, ce qui signifie que les acteurs ont joué des rôles différents. Et les acteurs n'étaient que des hommes, respectivement, ils jouaient des rôles masculins et féminins. Grâce à cela, les visages n'étaient pas visibles et il était possible de jouer différents personnages. Et l'un des problèmes les plus intéressants que nous résolvons dans l'analyse de la tragédie grecque est de savoir quel acteur a joué qui. Cela se fait en comptant simplement le nombre de personnages dans chaque scène particulière. Il y avait cependant encore des personnages sans discours, les soi-disant acteurs muets.

Alors, j'ai dit qu'il est très difficile de rendre compte de l'interaction du chœur et des acteurs parlant des langues presque différentes. En même temps, les principales pensées de la tragédie sont véhiculées précisément dans les parties des chœurs, que le chœur soit extérieur à l'action ou y participe - comme, par exemple, dans l'Agamemnon d'Eschyle.

La difficulté des traductions de chœurs réside aussi dans le fait que, contrairement aux parties dialogiques, qui sont écrites en iambique, les parties de chœur sont écrites en complexe. Les traductions de la tragédie antique ont toujours tendance à transmettre plus ou moins fidèlement la taille de l'original, mais il s'avère parfois que pour transmettre cette perception du chœur comme quelque chose de spécial et d'indépendant, il faut chercher une autre forme.

A mon sens, la traduction la plus aboutie du chœur est celle qui ne correspond à rien - pas au tout symbolisme figuratif, ni taille ; il est fait comme un vers russe moderne, en rime (bien sûr, les Grecs écrivaient sans rime). Il s'agit d'une traduction d'un des chœurs de "Médée" d'Euripide par Joseph Brodsky.

Quand, excité, Eros
avec une flèche pointue, sans viser,
transperce le coeur à travers
le coeur perd sa valeur.
Envoie-moi - je prie Cypride -
l'amour, pas les euménides,
amour facile à maîtriser
trahison et ressentiment
l'amertume et la douleur de la discorde.
Un tel amour est un délice.
Je n'ai pas besoin d'un autre amour.

Dans cette traduction, il n'y a presque rien du chœur d'Euripide. Mais il transmet la partie la plus importante du chœur grec et de la tragédie grecque : c'est une sorte de texte envoûtant et vivant, attaché avec des leitmotivs verbaux internes très importants, qui en russe sont remplacés par la rime. C'est un texte extrêmement intense. Pour nous, c'est à la fois incompréhensible et, en même temps, attirant avec un contenu qui nous semble intemporel et général.

Bien qu'en réalité la tragédie grecque ait toujours été mise en scène à un moment précis et dans un lieu précis. Mais nous en reparlerons plus loin.

Décryptage

Aller au théâtre était un devoir civique financé par l'État : les gens étaient payés pour le faire. Un orateur athénien a déclaré que cet argent théâtral est le ciment de la démocratie. C'est-à-dire que la démocratie est gardée par le théâtre, c'est là que les Athéniens font l'expérience de la démocratie.

Platon a parlé de la même chose, quoique dans la position opposée. Il s'est avéré que presque toute la démocratie athénienne contemporaine, qu'il n'aimait pas vraiment, venait du théâtre. Il a dit : ce serait bien si seulement des personnes bien informées étaient assises dans le théâtre, mais le diable sait qui est assis là. Ils crient, expriment leur opinion, et par conséquent, au lieu d'une connaissance subtile, la "théatrocratie" régnait dans les théâtres. Et ce serait bien si elle restait au théâtre - mais elle a été transférée à la ville, et maintenant dans la ville, nous avons aussi une théocratie. Platon fait évidemment allusion à la démocratie - tout comme au théâtre n'importe qui peut exprimer son opinion sur la tragédie, de même dans la ville n'importe qui (c'est-à-dire, en fait, n'importe quel citoyen athénien) peut exprimer son opinion sur l'état des choses dans l'État.

Et cette relation entre la tragédie et la ville - comme on dirait maintenant, la tragédie et la politique - est peut-être la chose la plus importante qui ait été perçue par le spectateur. Toute tragédie grecque, quelle que soit son intrigue, est une tragédie d'Athènes.

Je ne donnerai qu'un exemple. C'est la tragédie des Perses, dédié à la victoire Athènes sur les Perses.

Chez les Perses, s'affirme cette image d'Athènes, qui ensuite, comme une sorte de mythe athénien, traversera tout le Ve siècle et restera jusqu'à nos jours - d'ailleurs, elle est affirmée par les paroles des Perses, ennemis ; il n'y a pas d'Athénien sur scène. Athènes est une ville riche dominée par les idéaux de liberté, sagement gouvernée, forte par la mer (puisque c'est la flotte qui a toujours été ressentie comme la principale force d'Athènes, dans cette tragédie la principale victoire des Grecs sur les Perses est une victoire navale, une victoire à Salamine, remportée principalement grâce à la flotte athénienne ; bien qu'en réalité les Athéniens remportèrent plusieurs victoires, et les victoires terrestres n'étaient pas moins importantes). C'est une image brillante.

D'un autre côté, si vous regardez attentivement la tragédie, il s'avère que la Perse déchue est dessinée avec des traits très similaires : avant c'était un état extrêmement sagement arrangé, dans lequel, comme à Athènes, les lois régnaient. Même la richesse de la Perse, traditionnelle pour l'image de l'Orient, est semblable à la richesse d'Athènes. La Perse s'est aventurée dans un voyage en mer, et c'est la mer qui devient la source de la force des Perses - et en même temps le lieu où ils sont vaincus.

Beaucoup de chercheurs disent que, bien que cette tragédie soit dessinée image positive, qui était perçue par le public comme l'idéologème "nous avons gagné", la même image devient simultanément un avertissement. En Perse aussi, tout était correct auparavant - la structure correcte, les lois, la richesse. Et elle s'est précipitée dans la mer, tout comme Athènes. Et comment ça s'est terminé ? La défaite de l'État perse.

Apparemment, c'est au moment même où les « Perses » sont mis en scène qu'Athènes commence à songer à étendre son influence, à se transformer en une sorte d'empire, qu'ils deviendront au bout d'un moment. Et la tragédie, montrant la puissance et la grandeur d'Athènes, avertit en même temps la ville de ce que la grandeur peut devenir.

Cette dualité, la double face du monde, qui dans "Antigone" se manifeste comme deux vérités, dans "Perses" se manifeste comme une grandeur qui peut se transformer en chute. Et peu importe la tragédie grecque que nous lisons, son idée principale porte précisément sur l'ambiguïté de ce qui se passe autour, sur la complexité de l'ordre mondial. Y compris la complexité politique, que l'état momentané d'une personne et d'une ville (et la tragédie, je le rappelle, a été mise en scène une fois, dans un lieu précis, à un moment précis) doit toujours être corrélé avec ce qui a été, et avec ce qui sera être. .

En d'autres termes, la tragédie en tant que littérature est inextricablement liée à la tragédie en tant que reflet de l'histoire, à la tragédie en tant que événement politique. La nature à deux faces du monde est la même à la fois en politique et dans le monde intérieur d'une personne. Et c'est de cela qu'il s'agit dans la tragédie grecque.

Décryptage

Enfin, cela vaut la peine de parler de n'importe quel Grec. D'une part, c'est très difficile de choisir, et d'autre part, c'est très simple, car avec la main légère de deux personnes séparées par un grand intervalle de temps, on sait quelle tragédie grecque est la principale.

Dans la Poétique d'Aristote, l'idée est sans équivoque que le meilleur tragique grec des trois grands tragédiens est Sophocle, et que la meilleure tragédie grecque de toutes les tragédies grecques est Œdipe Rex.

Et c'est l'un des problèmes de la perception de la tragédie grecque. Le paradoxe est que l'opinion d'Aristote n'était apparemment pas partagée par les Athéniens du Ve siècle av. J.-C., lors de la mise en scène d'Oedipus Rex. Nous savons que Sophocle n'a pas perdu avec cette tragédie, le public athénien n'a pas apprécié Œdipe Roi comme Aristote.

Néanmoins, Aristote, qui dit que la tragédie grecque est la tragédie de deux émotions, la peur et la compassion, écrit à propos d'Œdipe Rex que quiconque en lit ne serait-ce qu'une ligne aura simultanément peur de ce qui est arrivé au héros et sympathisera avec lui.

Aristote s'est avéré avoir raison: presque tous les grands penseurs ont prêté attention à la question du sens de cette tragédie, comment nous devrions percevoir le protagoniste, si Œdipe est coupable ou non coupable. Il y a vingt ans, un article était publié D. A. Hester. Œdipe et Jonas // Actes de la Cambridge Philological Society. Vol. 23. 1977. un chercheur américain, dans lequel il recueillait scrupuleusement les opinions de tout le monde, à commencer par Hegel et Schelling, qui disaient qu'Œdipe était coupable, qui disaient qu'Œdipe n'était pas coupable, qui disaient qu'Œdipe était bien sûr coupable, mais involontairement. En conséquence, il a obtenu quatre groupes principaux et trois groupes auxiliaires de postes. Et il n'y a pas si longtemps, notre compatriote, mais en allemand, a publié un énorme livre intitulé "La recherche de la culpabilité" M.Lurje. Die Suche nach der Schuld. Oedipus Rex de Sophocle, Poetik und das Tragödienverständnis der Neuzeit d'Aristote. Leipzig, 2004., consacré à la façon dont Oedipus Rex a été interprété au cours des siècles depuis sa première mise en scène.

La deuxième personne, bien sûr, était Sigmund Freud, qui, pour des raisons évidentes, a également consacré de nombreuses pages à Œdipe Rex (mais pas autant qu'il semblerait qu'il le devrait) et a qualifié cette tragédie d'exemple exemplaire de psychanalyse - avec la seule différence que le psychanalyste et le patient y coïncident : Œdipe agit à la fois en médecin et en patient, puisqu'il s'analyse lui-même. Freud a écrit que dans cette tragédie le commencement de tout - la religion, l'art, la morale, la littérature, l'histoire, que c'est une tragédie pour tous les temps.

Néanmoins, cette tragédie, comme toutes les autres tragédies grecques antiques, a été mise en scène à un moment précis et dans un lieu précis. Problèmes éternels- arts, morale, littérature, histoire, religion et tout le reste - en corrélation avec temps spécifique et événements spécifiques.

Oedipus Rex a été mis en scène entre 429 et 425 av. C'est un moment très important dans la vie d'Athènes - le début de la guerre du Péloponnèse, qui finira par conduire à la chute de la grandeur d'Athènes et à sa défaite.

La tragédie s'ouvre, qui vient à Œdipe, qui règne à Thèbes, et dit qu'à Thèbes il y a une peste et la cause de cette peste, selon la prophétie d'Apollon, est celui qui a tué l'ancien roi de Thèbes Laius. Dans la tragédie, l'action se passe à Thèbes, mais toute tragédie concerne Athènes, dans la mesure où elle est mise en scène à Athènes et pour Athènes. A ce moment, une terrible peste venait de passer à Athènes, qui en faucha beaucoup, y compris des tout à fait exceptionnelles - et ceci, bien sûr, en est une allusion. Y compris pendant ce fléau, Périclès, le chef politique, auquel la grandeur et la prospérité d'Athènes sont associées, est mort.

L'un des problèmes qui occupent les interprètes de la tragédie est de savoir si Œdipe est associé à Périclès, si oui, comment, et quelle est la relation de Sophocle à Œdipe, et donc à Périclès. Il semble qu'Œdipe soit un terrible criminel, mais en même temps il est le sauveur de la ville à la fois avant le début et à la fin de la tragédie. Des volumes ont également été écrits sur ce sujet.

En grec, la tragédie s'appelle littéralement Œdipe le Tyran. Mot grec () d'où mot russe"tyran", trompeusement : il ne peut pas être traduit par "tyran" (il n'est jamais traduit, comme on peut le voir dans toutes les versions russes - et pas seulement russes - de la tragédie), car initialement ce mot n'avait pas les connotations négatives qui il a en russe moderne. Mais, apparemment, à Athènes au 5ème siècle, il possédait ces connotations - parce qu'Athènes au 5ème siècle était fière de la sienne, qu'il n'y a pas de pouvoir d'un seul, que tous les citoyens décident également qui est le meilleur tragédien et ce qui est le mieux pour l'état. Dans le mythe athénien, l'expulsion des tyrans d'Athènes, qui a eu lieu à la fin du VIe siècle av. J.-C., est l'une des idéologies les plus importantes. Et donc le nom « Œdipe le Tyran » est plutôt négatif.

En effet, Œdipe se comporte comme un tyran dans la tragédie : il reproche à son beau-frère Créon une conspiration qui n'existe pas, et traite le devin Tirésias, qui parle d'un sort terrible qui attend Œdipe, soudoyé.

D'ailleurs, quand Œdipe et sa femme et, plus tard, mère Jocaste, parlent du caractère imaginaire des prophéties et de leur engagement politique, c'est aussi lié aux réalités d'Athènes au Ve siècle, où ils étaient un élément de technologie politique. Chaque chef politique avait presque ses propres devins, qui spécialement, pour ses tâches, interprétaient ou même composaient des prophéties. Ainsi, même des problèmes apparemment intemporels comme la relation des gens avec les dieux à travers la prophétie ont une signification politique très spécifique.

D'une manière ou d'une autre, tout cela indique qu'un tyran est mauvais. D'autre part, d'après d'autres sources, par exemple de l'histoire de Thucydide, nous savons qu'au milieu du Ve siècle les alliés appelaient Athènes "tyrannie" - entendant par là état puissant, qui est contrôlé en partie par des processus démocratiques et rassemble des alliés autour de lui. C'est-à-dire que derrière le concept de "tyrannie" se cache l'idée de pouvoir et d'organisation.

Il s'avère qu'Œdipe est un symbole du danger que porte le pouvoir puissant et qui réside dans tout système politique. C'est donc une tragédie politique.

D'autre part, Oedipus Rex est, bien sûr, une tragédie des thèmes les plus importants. Et le principal d'entre eux est le thème de la connaissance et de l'ignorance.

Œdipe est un sage qui à un moment donné a sauvé Thèbes d'un terrible (parce que le Sphinx est une femme), après avoir résolu son énigme. Tout comme un sage, un chœur de citoyens thébains, d'anciens et de jeunes vient à lui avec une demande pour sauver la ville. Et en tant que sage, Œdipe déclare la nécessité de percer le mystère du meurtre de l'ancien roi et le résout tout au long de la tragédie.

Mais en même temps, c'est un aveugle qui ne sait pas l'essentiel : qui il est, qui sont son père et sa mère. Dans un effort pour découvrir la vérité, il ignore tout ce dont les autres l'avertissent. Ainsi, il s'avère qu'il est un homme sage qui n'est pas sage.

L'opposition du savoir et de l'ignorance est en même temps l'opposition de la vision et de l'aveuglement. Le prophète aveugle Tirésias, qui au début s'adressait à l'Œdipe voyant, lui répétait sans cesse : « Tu es aveugle. Œdipe à ce moment voit, mais ne sait pas - contrairement à Tirésias, qui sait, mais ne voit pas.

Il est d'ailleurs remarquable qu'en grec vision et connaissance soient un seul et même mot. Savoir et voir en grec se dit οἶδα (). C'est la même racine qui, du point de vue des Grecs, se trouve dans le nom d'Œdipe, et cela est répété à plusieurs reprises.

Finalement, ayant appris que c'est lui qui a tué son père et épousé sa mère, Œdipe s'aveugle - et ainsi, devenant enfin un vrai sage, perd la vue. Avant cela, il dit que l'aveugle, c'est-à-dire Tirésias, était trop voyant.

La tragédie est construite sur un jeu extrêmement subtil (y compris verbal, entourant le nom d'Œdipe lui-même) de ces deux thèmes - la connaissance et la vision. A l'intérieur de la tragédie, ils forment une sorte de contrepoint, changeant constamment de place. Grâce à cela, Œdipe Rex, étant une tragédie de la connaissance, devient une tragédie pour tous les temps.

Le sens de la tragédie s'avère également double. D'un côté, Œdipe est la personne la plus misérable, et le chœur le chante. Il a été plongé du bonheur complet dans le malheur. Il sera expulsé de sa propre ville. Il a perdu propre femme et une mère qui s'est suicidée. Ses enfants sont le fruit de l'inceste. Tout est horrible.

Par contre, paradoxalement, Œdipe triomphe à la fin de la tragédie. Il voulait savoir qui était son père et qui était sa mère, et il l'a découvert. Il voulait savoir qui avait tué Lai, et il l'a découvert. Il voulait sauver la ville de la peste, de la peste - et il l'a fait. La ville est sauvée, Œdipe a acquis le plus important pour lui : la connaissance, mais au prix d'incroyables souffrances, au prix de la perte de sa propre vision.

À propos, Sophocle a apporté des modifications à l'intrigue bien connue : Œdipe ne s'était pas aveuglé auparavant, mais dans le drame de Sophocle, la cécité est une fin naturelle, une expression à la fois de la défaite et de la victoire.

Cette dualité est le sens littéraire et politique de la tragédie, puisqu'elle manifeste la dualité du pouvoir, l'interdépendance du pouvoir et du savoir. C'est la clé de l'intégrité, de l'étonnant alignement de cette tragédie à tous les niveaux, de l'intrigue au verbal. C'est la garantie de sa grandeur, préservée au fil des siècles.

Pourquoi le public athénien n'a-t-il pas apprécié Oedipus Rex ? Peut-être était-ce l'intellectualisme de la tragédie, l'emballage très complexe de divers thèmes, qui s'est avéré trop compliqué pour le public athénien du Ve siècle. Et c'est précisément pour cet intellectualisme qu'Aristote appréciait très certainement Œdipe Rex.

D'une manière ou d'une autre, "Oedipus Rex" incarnait le sens principal et le message principal de la tragédie grecque. Il s'agit d'abord d'une expérience intellectuelle, corrélée à l'expérience du propriété différente, du religieux et littéraire au politique. Et plus ces différentes significations interagissent étroitement les unes avec les autres, plus sa signification est réussie et importante et plus son effet est fort.

Comédie antique

1. Comédie antique : concept, histoire, caractéristiques

Le terme « comédie » remonte au mot grec ancien comoidia, signifiant littéralement « chant de komos », c'est-à-dire le chant des participants à la procession festive du village dédiée à la glorification des forces vivifiantes de la nature.

Son autre source était une forme élémentaire et tout aussi ancienne spectacle folklorique- une scène comique dans laquelle un riche stupide, un voyou, un voleur tente de tromper, empiète sur les intérêts du personnage principal, mais échoue toujours, et quitte la scène en disgrâce, accompagné de coups de bâton et d'un chœur amical de spectateurs.

L'une des caractéristiques les plus remarquables de la structure de la comédie attique antique est le rôle actif du chœur, porteur de l'idée publicitaire principale de la pièce, bien que souvent vêtu de costumes bizarres d'oiseaux, d'animaux, de nuages, etc. La participation du chœur a créé une structure de composition spéciale de la comédie ancienne, reflétant les principales caractéristiques et origines des éléments choral (accusatoire) et dialogique (farce-farce).

Aristophane est le seul représentant de la comédie antique dont les pièces nous soient parvenues (à savoir, 11 pièces, il en a écrit plus de 40). L'apogée de son travail coïncide avec l'époque de la guerre du Péloponnèse. Ses difficultés ont imposé le fardeau le plus lourd aux habitants de l'Attique, qui ont été ruinés. Par conséquent, le thème de la condamnation de la guerre a résonné avec force dans l'œuvre d'Aristophane (la comédie "Le Monde", "Aharnians", "Lysistrata") Kun N. Mythes et légendes de la Grèce antique. Edité par E. Rodina. - M. : Olma-MediaGroup, 2011, p.52.. Aristophane a joué un rôle important dans le développement de la satire, posant ses techniques de base, utilisant largement le grotesque, la caricature, le fantastique.

La comédie d'Aristophane, ce "poète tendancieux prononcé" frappe désormais par l'intrépidité de sa satire.

Ménandre a écrit plus de 199 comédies, mais selon des auteurs anciens, il n'a remporté que 8 fois des concours de théâtre. Ménandre est pratiquement le seul représentant de la nouvelle comédie attique dont les œuvres nous soient parvenues. Il s'est fait connaître en tant que grand dramaturge grâce à sa magnifique maîtrise de l'art de la caractérisation psychologique, qui lui permet de créer des personnages humains individualisés, trahissant les masques traditionnels d'une manière véritablement caractéristiques humaines, diversifier et approfondir les types conditionnels du théâtre masqué Corneille Pierre. Raisonnement sur l'utilité et les parties d'une œuvre dramatique. Traduction de N. P. Kozlova // Pierre Corneille. Pièces. - M. : BEK, 2010, p.41..

Ménandre était très demandé dans l'Antiquité ; les recueils de ses paroles, connus dans l'ancienne Russie, étaient très largement diffusés.

La comédie de Ménandre rendue grande influence sur le développement ultérieur du théâtre mondial.

Terentius (195-159 av. J.-C.) a créé 6 comédies, et toutes nous sont parvenues. Nous leur avons également donné de brèves instructions, à partir desquelles nous apprenons l'époque de la mise en scène des comédies et de leurs interprètes.

La première comédie de Terence - "Andrianka" a été mise en scène en 166, la seconde - "Belle-mère" a été mise en scène pour la première fois en 165, mais la représentation a été perturbée, car. le public au milieu de la pièce s'est enfui pour regarder des combattants de poing et des funambules. La deuxième fois que Terentius met en scène une comédie, c'est en 160, mais le public, après le premier acte, se précipite vers les jeux de gladiateurs. Dans la même année 160, il réussit encore à mettre en scène la comédie "Belle-mère" Ibid., p.43..

La troisième comédie de Terence - "The Self-Tormentor" a été mise en scène en 163, la quatrième "Eunuque" - en 161, la cinquième - "Formion" - également en 161 et la sixième comédie - "The Brothers" - en 160.

Terence pose dans ses pièces des questions sur la famille, la vie, l'éducation, promeut les idées d'humanité, le respect de la femme. Les conflits caractéristiques des comédies de Térence sont les conflits entre pères et enfants, entre mari et femme.

Les héros de Terence parlent avec grâce langue littéraire. Il n'y a pas d'expressions familières grossières dans leur discours, il n'y a presque pas d'archaïsmes, mais il a aussi cette richesse caractéristique du langage des personnages de Plavtov.

Térence était très apprécié au XVIIIe siècle. Théoriciens de la soi-disant "comédie larmoyante", ils le considéraient comme une sorte de pionnier de ce genre.

Plaute - le comédien romain le plus important (milieu du IIIe siècle - 184 avant JC). Il n'y a aucune information fiable sur sa vie. Plaute est crédité d'environ 130 comédies, mais au 1er siècle. AVANT JC. le célèbre érudit romain et connaisseur de littérature Varro a distingué 21 comédies de ce nombre, les considérant comme étant vraiment celles de Plavtov, et ces comédies nous sont parvenues. Les plus populaires d'entre eux sont « Treasure » (ou « Pot »), « Curculion » (ou « Tricks of the Parasite »), « Menechmas » (ou « Gemini »), « Boastful Warrior », « Pseudol » (ou « Esclave-Trompeur"), "Prisonniers" et "Amphitrion" de Corneille Pierre. Raisonnement sur l'utilité et les parties d'une œuvre dramatique. Traduction de N. P. Kozlova // Pierre Corneille. Pièces. - M. : BEK, 2010, p.49..

Plaute aimait dépeindre des esclaves adroits, intelligents et énergiques qui aidaient généralement leurs maîtres loin d'être intelligents et passifs. Les comédies de Plaute étaient très populaires parmi les masses plébéiennes, captivées par leur esprit, leur dynamisme et leur extraordinaire richesse de langage.

culture ancienne comme base de la civilisation européenne

Un rôle particulier dans l'histoire de la culture est donné à la culture antique (gréco-romaine). C'est la culture ancienne qui a créé ce mode particulier de relation de l'homme au cosmos, à la société et à lui-même, qui a prédéterminé le destin du monde occidental...

Iconographie de Jésus-Christ

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Les origines de l'art théâtral de l'époque de l'antiquité

Passant au type de drame suivant, il faut dire que la comédie est née, comme la tragédie, des mêmes festivités en l'honneur de Dionysos. Les origines de son origine proviennent des chants phalliques ci-dessus. Des jeunes, souvent étrangement déguisés...

Caractéristiques mentales de la culture

La mentalité est l'un des concepts de base de la connaissance humanitaire moderne. Il comprend les principales caractéristiques d'une ethnie et est l'un des principaux critères de comparaison des nations entre elles ...

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Comédie (autre - grec kschm-?dYab, de k?mpt - "fête en l'honneur de Dionysos" + ?pydYu /? dYu, ?db - "chanson") - un genre de fiction, caractérisé par une approche humoristique ou satirique, et aussi une sorte de drame...

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La comédie est ancienne un drame culte dédié à Dionysos, interprété par une chorale et des comédiens. Tous les types de comédies anciennes (folkloriques et littéraires) avaient une forme poétique et étaient jouées accompagnées de musique ; les acteurs et les chorégraphes portaient des masques. Il y avait deux formes historiquement et typologiquement indépendantes comédie littéraire : sicilienne et attique. La nature de la comédie attique a considérablement changé au fil du temps, donc déjà dans l'Antiquité, il y avait trois étapes successives: ancienne, moyenne et nouvelle comédie attique. La comédie folklorique du sud de l'Italie s'est développée sous l'influence prédominante du grenier littéraire. La comédie romaine a été créée et développée sur le modèle d'une comédie attique exclusivement nouvelle. À partir de différents types les comédies au sens strict doivent être distinguées des autres genres dramatiques, qui étaient "comiques" dans l'esprit, mais n'étaient pas considérés comme des comédies en Grèce, car ils n'étaient pas génétiquement liés à strictement certaines formes culte de Dionysos. Ceux-ci incluent le drame satyre (une sorte de tragédie) et divers, dépourvus d'unité de genre, de petites formes dialogiques, appelées mimes. Ce n'est qu'à Rome, où le culte grec et les formalités théâtrales ont perdu leur sens, que le mime latin a commencé à être considéré comme une forme de comédie.

Comédie sicilienne

La comédie sicilienne est déjà connue sous une forme développée à partir de l'œuvre du poète Epicharmus(environ 550-460 av. J.-C.) de Syracuse. Des fragments de 40 de ses comédies ont été conservés, ce qui montre que l'original et Thème principal La comédie sicilienne était une représentation parodie de mythes (Les Noces d'Hébé, Pyrrha et Prométhée, Philoctète, etc.). Cependant, comme le souligne Aristote (Poétique, V), Epicharme et (pratiquement inconnu de nous) Formius ont commencé à utiliser "fictif", c'est-à-dire pas des histoires mythologiques. Un exemple du développement d'un thème purement quotidien est donné par l'image d'un parasite dans un long passage de la comédie "Hope, or Wealth", mais ici, à en juger par le nom, des divinités de personnification pourraient participer. Certains passages touchent à des questions philosophiques. Les comédies d'Epicharmus sont écrites en dorien iambique.

Comédie antique du grenier

À partir de 487 avant JC à Athènes, les concours officiels de chœurs comiques commencent. Le premier poète comique connu sous son nom fut Chionide. La comédie ancienne est connue par l'œuvre de son dernier représentant, Aristophane, dont 11 comédies mises en scène en 425-388 av. J.-C. ont survécu. D'autres poètes 5ème siècle avant JC (Kratin, Cratet, Eupolis) des fragments sont tombés. La comédie antique s'ouvre sur un prologue qui, comme dans la tragédie classique développée, se développe en une scène dialogique étendue; suivi de parod, c'est-à-dire le chant qui accompagne l'entrée du chœur dans l'orchestre. Derrière la parode commence l'agon, la compétition des deux personnages principaux ; la partie centrale de la comédie est occupée par une parabaza, une longue exécution par le chœur (exécutant une parabaza, les chœurs ont enlevé leurs masques). La parabaza est entourée d'une série de petites scènes vaguement liées interprétées par les acteurs, et la comédie se termine par l'exode, la chanson qui accompagne le départ du chœur de l'orchestre. La parabasis est une composition mélique complexe construite principalement sur le principe antistrophique ; il n'est pas directement lié à l'intrigue de la comédie et contient les déclarations de l'auteur consacrées à diverses questions d'actualité. Une intrigue se développant de manière séquentielle n'était pas importante pour la comédie ancienne. Selon Aristote (Poétique, V), le "mythe" comique cohérent (c'est-à-dire l'intrigue) a été introduit pour la première fois par Crates (après 450 avant JC) à l'instar de la comédie sicilienne. Le contenu de la comédie était largement déterminé par son origine cultuelle : des scènes de gourmandise, des bagarres, des blagues érotiques caractéristiques des rituels associés au culte de la fertilité étaient nécessaires ainsi que des injures (invectives) dirigées contre des individus spécifiques. À partir de la Poétique d'Aristote, cet abus personnel était considéré comme un élément nécessaire de la comédie antique. Dieux souvent représentés ou traditionnels, ou divinités-personnifications. Il existe des comédies bien connues dont l'intrigue était purement mythologique, par exemple : Dionysos-Alexandre de Cratinus (après 430 av. J.-C.), dans laquelle le mythe du jugement de Paris était présenté ; mythologiques (bien qu'en dehors de la mythologie traditionnelle) sont les comédies Le Monde (421 av. J.-C.) et Les Oiseaux (414 av. J.-C.) d'Aristophane. La comédie antique se caractérise par une interprétation allégorique (principalement politique) des mythes, ce qui indique son rôle idéologique important dans une société dont la conscience était encore basée principalement sur la mythologie. Les comédies sur des intrigues "fictives" étaient des pamphlets politiques, pas des drames quotidiens, mais pas seulement des politiciens, mais aussi des philosophes ("Nuages" d'Aristophane, 423 avant JC), des musiciens et des poètes sont devenus les victimes des auteurs de comédies : les attaques contre les tragédiens et les comédiens rivaux sont souvent trouve chez Aristophane. Un motif préféré était une parodie d'une tragédie. Ainsi, la comédie est devenue l'une des premières formes de critique littéraire et artistique. Les personnages de la comédie antique sont caricaturés, s'ils sont de vraies personnes, alors leurs personnages sont rétrécis et réduits à une ligne, choisie par le poète pour le ridicule; les questions d'éthique en général n'intéressent pas les comédiens. Comme pour les autres genres de poésie grecque, la comédie a développé ses propres règles métriques. Les principales dimensions dialogiques du drame grec - le trimètre iambique et le tétramètre tchéique - sont interprétées dans la comédie de bien des manières différentes de celles de la tragédie, et le développement métrique des parties chorales est également particulier ; le langage de la comédie était proche du familier. La chorale comique était composée de 24 personnes, le nombre d'acteurs pouvant atteindre jusqu'à cinq. Les masques de la comédie antique étaient grotesques et laids, les masques vrais visages avait une ressemblance.

Comédie du grenier moyen

La comédie Middle Attic est traditionnellement datée de 404-336 av., représenté par les noms de Platocomique, Antiphane, Aristophon, Alexis ; la conservation des textes est très médiocre, mais une idée de cette période peut être tirée des drames ultérieurs d'Aristophane - "Les grenouilles" (405), "Les femmes à l'Assemblée nationale" (389), "La richesse" ( 388). Il n'y a pas de changements structurels significatifs, mais des intermèdes choraux apparaissent, séparant les scènes de comédie; puis ça devient la norme. Les thèmes politiques perdent de leur pertinence et disparaissent ; à leur place vient une utopie politique ; la vie quotidienne est représentée de manière plus réaliste. Le mythe intéresse Aristophane soit comme allégorie, soit comme prétexte à une parodie de tragédie, mais Platon et d'autres poètes ont des noms mythologiques. Un sujet de prédilection est la moquerie des philosophes.

Nouvelle comédie de grenier

Dans les années 330 av. La comédie attique a été radicalement réformée, et déjà en 324 av. fait référence à la première comédie de Ménandre, reconnue plus tard comme la meilleure représentante de la nouvelle comédie. Grâce à la découverte déjà au XXe siècle d'anciens manuscrits sur papyrus, de longs extraits des sept comédies de Ménandre sont devenus connus, le texte de "Bruzgi" (316 avant JC) a été complètement préservé. Autres poètes importants de la Nouvelle Comédie actifs dans la seconde moitié du IVe siècle av. (Diphil, Philémon, Apollodore), sont connus par fragments et par imitations libres dans la palliata romaine. Il y a très peu d'informations sur les représentants ultérieurs du genre. La nouvelle comédie attique, ni dans la forme ni dans le fond, n'est dans la continuité de l'antique, et est une « comédie de personnages » éthique, dont les tragédies d'Euripide ont servi de modèle. La structure de la nouvelle comédie est également généralement orientée vers la tragédie de la fin du Ve siècle av. La comédie se compose d'un prologue et d'un exode, suivis de plusieurs actes correspondant aux épisodes de la tragédie et séparés par les parties du chœur. Le chœur ne participe pas à l'action, dans de nombreux cas, le poète n'a pas écrit le texte pour le chœur, mais seulement "laissé de l'espace" pour lui. Déjà Ménandre présente une division en cinq actes, les théoriciens romains, à commencer par Horace ("La science de la poésie"), considèrent une telle division comme une exigence structurelle nécessaire de la comédie. L'intrigue doit être complexe, mais construite avec soin et cohérence, tandis que dans les comédies néo-attiques bien connues (comme dans la palliata romaine), les principes de construction de l'intrigue, formulés dans la Poétique d'Aristote, sont assez fidèlement observés. Comme dans la tragédie tardive, la comédie est résumée dans le prologue. Les intrigues fantastiques et mythologiques ne sont pas autorisées dans la nouvelle comédie, les dieux ne sont possibles qu'en tant que personnages du prologue. Sujets - de la vie quotidienne des gens ordinaires ; et statut social personnages est également une exigence primordiale du genre. Cependant, la tâche principale et le but artistique de la nouvelle comédie n'étaient pas dans la représentation naturaliste de la vie quotidienne, mais dans l'étude poétique des types éthiques, qui dans la philosophie de Platon et d'Aristote étaient appelés ethos (ethos - «nature»). Le sens familier du mot « personnage » apparaît précisément dans la nouvelle comédie (Ménandre, fragment 72). L'action était considérée comme une manifestation extérieure de l'ethos; chaque personnage de bande dessinée était associé à un ensemble limité de mouvements et de situations de l'intrigue; apparence et le discours des personnages devait être strictement conforme à leur caractère. méthode artistique la nouvelle comédie devient claire à bien des égards grâce à la collection d'essais éthiques "Personnages", compilée par l'étudiant d'Aristote, Théophraste. Le schématisme rigide et les stéréotypes étaient perçus dans l'Antiquité comme une vertu, mais le poète devait appliquer l'intrigue et les schémas éthiques avec subtilité, sans transgresser les limites de la vraisemblance de la vie. Une différence importante (pour les anciens théoriciens - la principale) entre la nouvelle comédie et l'ancienne était le rejet complet de l'invective personnelle. La comédie devait, tout en divertissant, enseigner au public, par conséquent, les maximes étaient un élément nécessaire de la comédie. La représentation scénique du personnage était un masque aux traits nets et facilement reconnaissables. Des descriptions des masques de la nouvelle comédie ont été conservées, qui sont données par le lexicographe du IIe siècle après JC. Julius Pollux (Polydeuces).

Comédie du sud de l'Italie

Dans les villes grecques du sud de l'Italie, les représentations d'acteurs fliac itinérants, considérés comme des serviteurs de Dionysos, étaient populaires. Les fliacs présentaient des comédies mythologiques travesties ou des parodies de tragédies. L'adaptation littéraire du drame des fliacs a été réalisée par Rinton de Tarente (IIIe siècle av. J.-C.), qui a retravaillé les intrigues de la tragédie dans l'esprit de la comédie néo-attique. Un tel drame s'appelait hilarotragedia (de hilaros - «joyeux»), les théoriciens romains ont distingué le genre du drame rinthonique (rinthonica). Le seul texte entièrement conservé est la comédie latine de Plaute (IIIe-IIe siècle av. J.-C.) Amphitryon, que l'auteur lui-même définit comme une tragi-comédie. La participation à l'action des dieux et des rois, les personnages nécessaires de la tragédie, était considérée comme une caractéristique importante de la formation du genre qui distingue le drame rinton de la comédie habituelle, mais sinon "Amphitrion" est une comédie néo-attique typique. À partir des peuples indigènes d'Italie, les Osci ont créé une comédie appelée atellana. Au IIe siècle av. atellana est apparu sur Latin.

Comédie romaine

Les représentations à Rome de comédies en latin ont commencé au milieu du IIIe siècle av. À la fin du 1er siècle, un vaste système de genres comiques avait été créé, y compris la togata, la palliata, l'atellana littéraire et le mime.

Le mot comédie vient de Grec komoidia - "chanson comique" de komos "procession bachique" et oide, qui signifie "chanson" en traduction

La comédie est l'un des genres du théâtre grec ancien. Outre la comédie, la tragédie et drame satirique. Cette direction tire ses origines d'actions rituelles folkloriques qui ont eu lieu en l'honneur de la fertilité. Ces festivités consistaient principalement en des chansons joyeuses, des blagues, des moqueries et des obscénités, qui, selon la société grecque antique, étaient nécessaires pour louer et plaire aux forces productives de la nature. Un rôle important dans ces actions rituelles a été attribué à la dispute.

Le plus souvent, des représentations comiques étaient organisées pendant les vacances en l'honneur du Grand Denys. Ils étaient la dernière étape de chacun des 3 jours du festival. Il vaut la peine de dire que ces jours étaient une véritable "arène" dans laquelle tous les dramaturges, comédiens et tragédiens organisaient des compétitions de supériorité et de compétence. On pense que le premier dramaturge comique grec ancien était Epicharmus. Ses créations sont ensuite devenues la base de la comédie folklorique romaine Atellana et des œuvres de Plaute.

Nouvelle étape

La prochaine étape de maturation a été le développement de l'ancienne comédie attique. Elle avait déjà plus d'expressivité et avait quelques traits et caractéristiques. Par exemple:

La base de toute l'action était une thèse. Il est devenu le sujet de controverse et a été prouvé à la fin de la présentation;
Une partie importante de la comédie était la parabasis , qui consistait en la chorale s'adressant au public;
Toutes les intrigues de l'action scénique étaient tirées de la vie quotidienne ordinaire et révélaient les problèmes du public;
Dans la comédie grecque antique, non seulement des scènes de la vie étaient ridiculisées, mais aussi de vrais individus.

La performance comique était toujours accompagnée d'amusement et de rires. La pantomime, les danses, les chansons faisaient partie intégrante de toute action. Il convient de noter que la chorégraphie utilisée dans la comédie était assez franche, voire de nature érotique, ce qui se manifestait par des mouvements et des expressions faciales. Une attention particulière dans la représentation a été accordée aux costumes et aux masques. La tenue comique de scène était assez différente du tragique. Les masques des acteurs étaient laids, défigurés et personnifiaient différents états émotionnels. Les participants à la comédie ne portaient pas de cothurnes, mais utilisaient des doublures spéciales qui agrandissaient leur ventre et leur derrière à une taille grandiose.

Déjà au IVe siècle av. le genre de la comédie grecque antique était assez développé. Une nouvelle étape d'évolution a apporté plus de profondeur et plus d'attention à monde intérieur héros qui se sont retrouvés dans différentes situations de vie amusantes.

Une ancienne comédie attique due à l'originalité de ce genre ? l'une des sections les plus difficiles à comprendre de la littérature ancienne.

Il est appelé Attique d'après son lieu d'existence en Attique ; ancienne pour la distinguer des genres comiques ultérieurs : comédie moyenne (IVe siècle av. J.-C.) et nouvelle comédie attique (IVe-IIIe siècles av. J.-C.).

L'extraordinaire originalité de la comédie attique antique tient au fait qu'en termes de structure, caractéristiques artistiques et de contenu, il était étroitement lié aux jeux rituels, dans lesquels il fallait chercher ses origines. Par conséquent, pour une compréhension et une évaluation correctes des œuvres de ce genre, il est nécessaire de bien comprendre la question de son origine : les rites qui sous-tendent les comédies et ont été exécutés pendant les fêtes dédiées aux dieux de la fertilité sont enracinés dans les temps anciens. . Traduit du grec, le mot "comédie" signifie "chanson de komos". Komos, quant à lui, était la procession de personnes louant Dieu dans des chants enjoués, parfois très libres, entrecoupés de chants accusateurs. Parfois, c'étaient des fermiers qui venaient en ville la nuit et chantaient des chansons moqueuses aux maisons de leurs agresseurs ? les citadins. Ainsi, les chants des komos contenaient un élément de lutte sociale, qui s'est transformé en comédie, qui avait au 5ème siècle avant JC. AVANT JC. orientation politique forte.

Des « chants phalliques » exécutés lors de processions dédiées aux dieux de la fertilité, notamment en l'honneur de Dionysos, avec le port du phallus ? symboles de fertilité, étaient la source de blagues obscènes caractéristiques de l'ancienne comédie attique, qui, comme d'autres violations des normes de comportement quotidiennes, selon les concepts des peuples anciens, avaient un effet positif sur la fertilité de la terre et une augmentation dans le nombre de têtes de bétail. Selon les anciens, la fécondité pouvait aussi être causée par le rire et la lutte ? d'où la comédie sans bornes et la présence d'agon dans la comédie ? concours verbal? comme la partie compositionnelle principale de l'œuvre. Outre la lutte entre les hémichories, l'agon peut être une lutte, une dispute, une compétition entre les personnages de la pièce.

Ainsi, les chants de komos et les chants phalliques formaient la base des parties chorales de l'antique comédie attique. Les parties dramatiques de la comédie remontent à des scènes de foire sans prétention à caractère farfelu avec querelles et bagarres, c'est-à-dire, comme les chants de la chorale, elles sont d'origine folklorique.

L'une des variétés du genre comique était la « comédie sicilienne », dont Epicharm (Ve siècle avant J.-C.) était un représentant éminent. Seuls des fragments de ses comédies nous sont parvenus, mais ils donnent également une idée qu'il s'agissait d'une série. de scènes au contenu quotidien ou mythologique. Les héros préférés des comédies mythologiques d'Epicharmus étaient Ulysse, dépeint comme un voyou intelligent, et Hercule ? non pas un ascète et un passionné, comme il nous apparaît dans les tragédies de Sophocle et d'Euripide, mais un glouton, un ivrogne et un voluptueux, comme le dépeint plus tard l'antique comédie attique. Dans les comédies d'Epicharmus, il y avait des réponses à la vie moderne. Il s'est également occupé des courants philosophiques de la modernité, et en cela ses œuvres se rapprochent de l'antique comédie attique.

À Athènes, les comédies ont commencé à être mises en scène au théâtre plus tard que les tragédies (dans les années 80 du 5ème siècle - deux fois par an)? sur Denys et Lénée. Habituellement, trois comédiens se sont produits au festival, chacun avec une comédie. Les acteurs jouaient dans des masques représentant des visages rieurs ou laids, puisque dans la compréhension des anciens Grecs, le laid correspondait au ridicule. Toute l'apparence de l'acteur : son costume, équipé d'accessoires spéciaux, la manière de tenir et de se déplacer sur la scène ? tout était censé être drôle. Dans la comédie, un certain nombre de personnages spécifiques se sont développés, que l'on appelle généralement des masques typiques : un bouffon, un charlatan savant, un dandy lâche, une vieille femme ivre, un glouton, un guerrier, un « barbare » (étranger, déformant langue grecque), un esclave intelligent, etc. Les images de ces personnages trouveront leur développement ultérieur dans le nouvel Attique, puis dans la comédie romaine et, enfin, dans la comédie européenne du New Age.

Le lien étroit entre la comédie attique antique et les jeux rituels est attesté par le rôle actif du chœur, qui occupe ici une plus grande place que dans la tragédie. Si le chœur tragique était composé de 12, puis de 15 personnes, alors le chœur comique ? de 24 personnes, et elle était divisée en deux demi-chœurs, ce qui permettait d'avoir un agon choral. Les titres de la plupart des comédies d'Aristophane ("Cavaliers", "Guêpes", "Nuages", "Oiseaux", etc.) indiquent la composition du chœur et témoignent du rôle prépondérant du chœur dans la comédie attique antique.

Le rôle du chœur détermine également la structure de la comédie. Il s'ouvre sur un prologue : le monologue de l'un des acteurs ou un dialogue qui introduit le public dans la situation de la performance. S'ensuivit une parodie (sortie vers l'orchestre) du chœur et son premier chant, destiné à éveiller la curiosité du public, l'intérêt pour l'intrigue présentée, d'autant plus que les membres du chœur étaient souvent vêtus de fantastiques costumes de nuages. , guêpes, grenouilles, etc. D'autres actions ont été divisées en épisodes (scènes d'acteur) et stasimas (chansons de la chorale). Dans une comédie, il y avait nécessairement un ou deux agons, c'est-à-dire des scènes de dispute entre demi-chœurs ou entre personnages, aboutissant parfois à des bagarres. Y avait-il une parabasa quelque part au milieu de la comédie ? appel direct du chœur au public avec dénonciation d'hommes d'État, les accusant d'ambition, de détournement de fonds, d'agressivité politique militaire(ou, au contraire, dans la lâcheté) ou avec une présentation des vues de l'auteur de la comédie sur la politique de l'État, sur la vie publique, la littérature, etc. Le contenu de la parabasa n'était donc pas lié à l'action de la comédie, mais le lien de la comédie avec les chants accusateurs du komos y est particulièrement visible. La comédie s'est-elle terminée par un exode ? dernière chanson chœur et son départ de la scène. À la fin de l'action, une série de scènes se jouait généralement, reflétant différents moments de la fête de la fertilité : une fête, un mariage (ou une scène érotique), courir avec des torches (ou un feu), etc.

La forme la plus simple d'un spectacle folklorique est une scène comique; des personnages de contes de fées y agissent souvent ou des motifs de contes de fées y sont contenus. La farce populaire se caractérise par le grotesque, d'où la caricature, la fantaisie, la bouffonnerie de l'antique comédie attique.

L'unité d'action, c'est-à-dire le développement cohérent d'un scénario, dans l'ancienne comédie attique n'a pas toujours été respectée.

L'ancienne comédie attique était liée à la fois au culte et à la modernité vie sociale: il est conservateur dans sa forme et d'actualité dans son contenu ; la fantaisie et la comédie grossière y sont combinées avec une discussion sur les problèmes politiques et problèmes sociaux. Cette incohérence fait l'originalité du genre, qui change de caractère à mesure que s'affaiblit son lien avec le rite. Tendentique, politique dans son contenu, naturaliste dans ses détails et caricaturale dans sa forme, la comédie attique antique était une puissante arme de lutte sociale.