À propos du programme. Les galeries d'art comme sujet du marché de l'art Les galeries d'art dans la structure du marché de l'art moderne

(Marché de l'art anglais, Kunstmarkt allemand). Le marché de l'art est un système de relations culturelles et économiques qui déterminent la valeur monétaire spécifique des œuvres d'art ; sphère d’échange de marchandises.
En termes artistiques et économiques, le marché de l'art implique la sphère de l'offre et de la demande d'œuvres d'art et des types spécifiques de services liés au service de ce marché (par exemple, l'expertise).
Le marché de l’art peut être considéré à l’échelle mondiale (marché mondial de l’art), à l’échelle d’un pays (marché national de l’art) et de ses différentes régions. Les marchés de l'art locaux, comme Moscou, Saint-Pétersbourg et Paris, ont leurs propres particularités en matière de prix. Il existe des centres spéciaux où ont lieu des ventes régulières (Londres, Tokyo, Kiev).
Le marché de l’art n’existe pas indépendamment de l’économie mondiale. Ses tendances, hauts et bas sont déterminés par la dynamique de l’économie régionale et mondiale. Une augmentation de la production contribue à une augmentation du marché de l’art et vice versa.
Les lignes directrices en matière de tarification sur le marché de l'art constituent des précédents pour la vente d'œuvres d'auteurs spécifiques, dont les prix sont généralement fixés lors d'enchères ou d'autres ventes publiques. Les prix mondiaux n'ont de signification universelle que pour les œuvres d'artistes reconnus comme des classiques de l'art mondial et très appréciés partout (par exemple Léonard de Vinci, Vincent van Gogh, K. S. Malevich, M. Z. Chagall). Dans tous les cas, les prix de certaines œuvres sont déterminés par la mode et les conditions du marché régional. Ainsi, la popularité et les prix élevés en Russie des peintures de V. M. Vasnetsov ou de V. I. Surikov ne peuvent affecter qu'indirectement le coût de ces peintures en Europe occidentale.
Leader en volume de ventes marchés internationaux les arts sont considérés comme Londres et New York. Il existe différents marchés de l'art pour l'art moderne et non contemporain (c'est-à-dire les antiquités et l'art ancien), les marchés « blanc » et « noir » (c'est-à-dire le commerce des œuvres d'art officiellement, par l'intermédiaire de galeries et de magasins avec transaction, et officieusement, en effectuant une transaction en privé, sans inscription appropriée).
Il existe des marchés d'art qui intéressent principalement les musées ou qui s'adressent aux collectionneurs privés. Structure organisationnelle Le marché de l'art est déterminé par des sociétés spécialisées dans le commerce, la publicité, la propagande et le contrôle des œuvres d'art (ventes aux enchères, galeries, salons, boutiques, foires, agences marchandes, etc.).

Liens aléatoires :
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Marché de l'art- est un système de relations socioculturelles et économiques associé au chiffre d'affaires des œuvres d'art et des prestations de performance ouvrages d'art. C'est une composante importante de la culture - elle constitue la base matérielle du développement de l'art et influence de manière significative et globale la création, la distribution et l'existence des œuvres d'art.

Le concept de marché de l'art est souvent utilisé dans un sens large, faisant référence au chiffre d'affaires de toute œuvre artistique, y compris les arts du spectacle, la musique et la littérature. Parallèlement à cela, une application plus étroite de ce concept est également autorisée - en ce qui concerne uniquement le domaine des beaux-arts.

D'après D.Ya. Selon Severyukhina, le marché de l'art comprend deux domaines, chacun ayant sa propre histoire de développement, ses propres spécificités et mécanismes internes. Le premier d’entre eux est le « marché primaire de l’art » ; sa particularité est que l'artiste, en tant que « producteur de biens », est un participant direct (« sujet ») des relations marchandes. Le second, il l’appelle le « marché secondaire de l’art » ; sa particularité réside dans le fait que les œuvres d'art en tant que « marchandise » sont aliénées de leur créateur et existent sur le marché indépendamment de lui. Le marché secondaire couvre non seulement le commerce des antiquités, comme l'interprète traditionnellement de nombreux chercheurs, mais aussi en général toute transaction commerciale relative aux œuvres d'art réalisée sans la participation de leur auteur et sans tenir compte de ses intérêts.

Les mécanismes traditionnels du marché de l'art sont la vente d'œuvres d'art par l'intermédiaire de commissionnaires, de boutiques et de magasins, de galeries et de salons, de ventes aux enchères et de loteries.

L'origine du marché de l'art à Saint-Pétersbourg remonte à début XVIII siècle - l'époque de la fondation de la nouvelle capitale russe par Pierre Ier. Au cours de ces années, grâce aux réformes de Pierre, l'art russe s'inscrit sur la voie européenne et commence à acquérir un caractère laïc ; L’émergence des relations marchandes dans le domaine artistique remonte à la même époque. Après avoir traversé plusieurs étapes historiques, le marché de l'art a atteint son plus haut développement dans les premières décennies du XXe siècle, lorsque la vie culturelle de la capitale était caractérisée par un dynamisme sans précédent, alimenté par une intérêt public aux beaux-arts.

Le marché de l'art est un phénomène socioculturel complexe et spécifique né dans le cadre de la transition de la sphère artistique vers une économie de marché et de la formation de nouvelles conditions d'existence de l'art. Ces changements sont dus à l'interaction d'une partie importante des phénomènes culturels avec les processus économiques : nouveau modèle conscience artistique de la société, basée sur la combinaison des affaires et de la culture, qui a intensifié la commercialisation de l'art. La circulation marchande des œuvres d’art commence à être perçue réalité objective, qui a un impact significatif à la fois sur le développement de l'art moderne et sur la personnalité de l'artiste-producteur.

L'histoire de la formation des relations marchandes est indissociable des processus de formation de la sphère artistique et du développement de l'art lui-même. Par conséquent, l'émergence du marché de l'art est liée aux besoins de la société en matière d'art et repose sur la formation de mécanismes spécifiques développés par la société pour promouvoir l'art auprès du consommateur. Le système de ces mécanismes appelé « marché de l'art » a commencé à se former dans les conditions de nouvelles relations entre l'État et l'environnement artistique, la société et l'artiste.

Il existe plusieurs approches pour comprendre le marché de l'art en tant que phénomène : culturelle, économique, sociologique.

Selon la compréhension culturelle, le marché de l'art existe comme « l'expérience artistique, culturelle et socio-économique de générations dans le contexte de l'histoire de l'art et de la culture, y compris les méthodes et technologies, les types et formes d'activité marchande dans le domaine de l'art ». .» Cette approche repose sur le fait qu'à un certain stade développement historique des relations marchandise-argent ont émergé. Les objets de la culture matérielle ont tout d'abord commencé à être échangés contre d'autres, en fonction des spécificités de leur production par des groupes sociaux individuels et de leur besoin par d'autres communautés et individus. La valeur de consommation et d'échange est née, dont l'analyse a été faite dans l'ouvrage classique de K. Marx « Capital ».

Sur la base de la théorie de K. Marx, la valeur d'usage d'un produit est déterminée par le niveau de besoin de ceux qui agissent en tant que consommateurs potentiels. Les besoins eux-mêmes, basés sur la théorie d'A. Maslow, surviennent à la fois sous l'influence de facteurs naturels et socioculturels. L’homme en tant qu’être biosocial a un ensemble de besoins dits physiologiques. Ils déterminent le désir d’acquérir les éléments de production matérielle qui assurent l’existence du corps humain. Il s'agit de sur les produits alimentaires, les vêtements, le logement, etc. Les différences dans les besoins qui assurent la vie des individus sont déterminées par les conditions climatiques, la présence dans une zone particulière de ces plantes, d'animaux pouvant être utilisés pour l'alimentation, etc. Pendant près de plusieurs siècles, la valeur de consommation de ces objets peut ne pas changer, tandis que la valeur d'échange est soumise à de grandes fluctuations, car elle est largement déterminée par la pénurie d'éléments spécifiques de la vie matérielle.

A un certain stade de l'évolution historique du marché, les objets d'échange sont devenus des œuvres de production spirituelle, notamment des œuvres d'art. Une situation fondamentalement nouvelle est apparue liée à la formation et à la mise en œuvre de la valeur de consommation. Elle a commencé à être déterminée non pas par les propriétés utilitaires du produit, mais par celles qui caractérisent une étape qualitativement différente du développement de l'homme en tant qu'être générique. Les gens ont commencé à apprécier ce qui suscite l’admiration, le plaisir et crée une expérience du beau et du sublime. Un système de valeurs est apparu et a commencé à s'établir, associé à l'importance d'expériences sensorielles et émotionnelles fortes qui surviennent non pas lors de la perception de phénomènes naturels, mais lors de la communication avec ce qui a été créé par des personnes dotées de capacités spéciales.

La capacité de réaliser de telles expériences esthétiques est apparemment apparue chez l’homme avant même l’avènement de l’échange marchand. Cependant, c'est le marché qui a créé le besoin pour les individus et les groupes d'avoir pour leur usage personnel ce qui provoque des expériences sublimes. Ils étaient prêts à s'engager avec le créateur d'une œuvre d'art pour déterminer la valeur d'échange d'un objet d'auto-réalisation créative. Dans ce cas, la condition la plus importante était le caractère unique, le caractère unique de l'œuvre acquise et sa capacité à susciter des émotions et des sentiments forts chez de nombreuses personnes. La présence d'un tel objet dans un usage personnel indiquait le statut d'une personne, l'élevant au-dessus des autres. Ainsi, d'un point de vue culturel, le marché de l'art a développé un système d'évaluation des différentes œuvres d'art, la possibilité de les traiter avec soin, de les transférer valeurs culturelles passé aux générations suivantes.

Le marché de l'art apparaît comme un système d'activités d'organisation de la culture artistique et économique de la société, fondé sur les critères esthétiques de l'art et la pragmatique du marché. De plus, le marché de l’art est exploré comme un espace contenant des objets artistiques comme des messages iconiques dotés d’une valeur symbolique. Une telle approche, interprétant l'art comme le symbole d'œuvres d'art réelles, nous permet de considérer la sphère artistique comme un « marché de produits symboliques ». Ainsi, la compréhension culturelle du marché de l'art implique de le considérer comme un « marché de produits symboliques ». système complexe, qui développe des normes et critères éthiques et esthétiques permettant de réguler et de mettre en œuvre la pratique artistique et économique, .

Son point de vue sur le phénomène du marché de l'art a été proposé par le culturologue et philosophe V. Bychkov dans son ouvrage « Lexicon of Nonclassics » : « le marché de l'art représente un système de mécanismes d'influence pour la formation de goûts divers ». L'auteur considère l'activité du marché de l'art comme un facteur assurant l'influence des créateurs et des distributeurs d'œuvres d'art sur les consommateurs. L'un est souligné caractéristique importante marché de l'art, qui réside dans le fait qu'il permet, d'une part, la formation d'idées sur ce qui est considéré comme précieux dans l'art chez ceux qui n'ont pas encore développé leurs propres critères pour comprendre la beauté. Comme on le sait, les gens ont des perceptions individuelles spécifiques de divers phénomènes du monde naturel et social. Par conséquent, comme le dit la sagesse populaire, « il n’y a pas de camarades selon la couleur et le goût ».

Désormais, dans l'art, des composants mutuellement exclusifs se combinent et se complètent, de nouvelles méthodes de synthèse artistique sont développées, y compris le développement de technologies modernes, les critères d'une nouvelle génération devraient apparaître. De plus, le marché de l'art, de par sa nature, nécessite une mise à jour constante de l'approche évaluative, qui est associée non seulement au mouvement du goût, mais également à l'émergence de nouvelles tendances créatives et à la mise à jour des matériaux artistiques. De nos jours, la sphère d'intérêt de l'activité artistique s'étend au-delà des limites d'un environnement réel bien vécu. L'art capture de plus en plus le domaine transcendantal, dans lequel il tente de trouver les véritables sources de la vie et de la créativité, et chaque auteur, selon la direction de son propre regard, clarifie par lui-même quelle est l'essence de l'activité artistique. Les créateurs commencent à s'intéresser aux possibilités virtuelles de l'informatique, aux espaces sémantiques créés par la pensée technique ou scientifique.

Grade phénomènes artistiques dans de telles conditions ne devraient pas être effectués simplement sur la base du fait de leur respect de toute caractéristiques traditionnelles forme ou style artistique.

Le commerce de l'art moderne n'est pas seulement l'activité consistant à introduire des œuvres d'art, des idées et des projets artistiques, des technologies artistiques dans une large circulation, mais aussi à assurer leur compréhension, leur interprétation et leur implication dans différentes régions l'activité humaine, ce qui implique la nécessité de participer au développement du marché de la critique d'art théorique, scientifique et critique. Et donc, la capacité de voir et d'évaluer (activité critique), d'identifier et de rechercher, de généraliser et de conceptualiser (activité scientifique), de se fixer un objectif et de déterminer le résultat (activité projective), d'imaginer, de montrer et de mettre en œuvre sa propre position (activité de présentation) sont les conditions les plus importantes pour le travail professionnel dans le domaine du marché de l'art.

Contrairement à un musée, une galerie est généralement engagée dans des activités commerciales actives. Pour de nombreuses galeries, vendre des œuvres d’art est une condition essentielle à leur existence. Mais en même temps, la commercialisation complète devient un signe de la mort de la galerie, puisque dans ces conditions la galerie perd ses fonctions principales et se transforme en un ordinaire salon de vente de souvenirs.

Le prestige d'une galerie ne repose pas sur le nombre de ventes, mais sur l'ampleur de la résonance artistique et culturelle qu'elle acquiert dans le domaine de l'art contemporain, sur son autorité.

Le développement favorable de la pratique des galeries dépend directement du développement économique et politique.

Les fonctions des galeries ont changé au fil des siècles : galerie couverte pour les promenades, salle pour les fêtes et les spectacles. Au XIVe siècle, des collections de peintures et de sculptures commencèrent à être exposées dans ces locaux. Les galeries des hôtels particuliers des XVIIe et XVIIIe siècles combinent salles de réception et lieux de promenade, mais aussi d'exposition de diverses collections.

Chercheur structures sociales art A. Mol définit les fonctions suivantes de la galerie :

• 1. La galerie combine les fonctions de production et de vente, représentant un atelier d'assemblage de pièces (création de collections à partir de œuvres individuelles), réalisés par des entrepreneurs dans le cadre d'un contrat (artistes sous contrat avec un galeriste) ;
• 2. La galerie vend des investissements immatériels (œuvres d'art) qui n'ont rien à voir avec de la simple publicité ;
• 3. En vendant des œuvres d'art, la galerie influence un marché étroit et particulier ;
• 4. La galerie doit assurer la circulation des objets culturels qui y sont placés, ainsi que stimuler leur pénétration sur le marché, en tenant compte du degré « d'usure » du style d'un artiste, de la banalité, de l'insuffisance de nouveauté du les produits culturels qu'il crée, .

Les activités de la galerie effectuent une communication active à travers plusieurs canaux de diffusion de l'information :

• 1. Avec des critiques d’art qui diffuseront des informations à travers des revues d’art et d’autres médias
• 2. Avec différents salons « où se déroulent les conversations » et qui peuvent influencer l'information sur les artistes et les expositions des galeries.
• 3. Attiré par la publicité et les conversations dans les salons et les articles dans les magazines des amateurs d'art, qu'il étudie pour distinguer les collectionneurs.
• 4. La distribution aléatoire d'œuvres d'art auprès des touristes ou des acheteurs occasionnels, à ne pas négliger.

Le marché de l'art est un phénomène et un mécanisme socio-économiques et historico-culturels, qui est un système de circulation marchande d'œuvres d'art, un moyen de distribution et de redistribution des valeurs culturelles dans la société. Le marché de l'art remplit des fonctions informationnelles, intermédiaires, tarifaires, stimulantes et régulatrices, ainsi qu'artistiques et esthétiques. Les conditions socioculturelles de l'émergence du marché de l'art étaient diverses facteurs : politiques, économiques et notamment éducatifs. Le marché de l’art, phénomène puissant et multifonctionnel, a traversé plusieurs étapes majeures de développement, parmi lesquelles il convient de souligner la plus significative.

L’une des premières étapes à noter est la révolution bourgeoise, qui a contribué à la formation d’une économie de marché. L’éthique protestante des débuts du capitalisme a également joué un rôle important. Avec l'avènement du marché de l'art, le statut d'un artiste est devenu largement déterminé par les enchères, c'est-à-dire un indicateur constitué du prix d'une œuvre et du nombre d'œuvres vendues. Les marchés nationaux de l'art ont commencé à se développer rapidement aux Pays-Bas, en Allemagne et aux États-Unis. La date exacte de l'émergence du marché de l'art était le 21 juin 1693, lorsqu'une grande vente aux enchères d'œuvres d'art fut organisée par Lord Melford dans le Banqueting Maison sur le domaine de Whitehall. Dans la première moitié du XVIIIe siècle, ces ventes aux enchères sont devenues l’un des divertissements de l’aristocratie britannique.

DANS milieu du 19ème siècle, la matrice du marché de l'art se constitue (une structure se crée : marchands, marchands d'art, expositions et galeries, ventes et enchères, édition de catalogues et de revues spéciales, publicité) ; des collectionneurs, des critiques d'art et des spécialistes de musées apparaissent.

L'expansion du marché de l'art commence avec le deuxième moitié du 19ème siècle siècle, le marché de l'art se divise en deux sphères : celle des ventes de maîtres du passé et celle des ventes d'auteurs modernes. La classe des consommateurs d'art coûteux a changé (l'aristocratie et les riches représentants de la bourgeoisie). Nouvelle vague L'essor du marché de l'art commence au tournant des XXe et XXIe siècles : c'est la virtualisation du marché, l'émergence de nouveaux types d'art, les systèmes d'enchères virtuelles, les centres du marché mondial de l'art sont déterminés - Londres, Nouveau York, Tokyo.

On distingue les types de marchés de l'art suivants :

· mondial,

· National,

· régional.

Chaque type de marché de l'art a ses propres caractéristiques en matière de tarification, de procédures d'achat et de vente d'œuvres d'art et de pertinence d'un produit donné sur un marché particulier. Le marché de l’art n’existe pas séparément du marché mondial marché financier. Tous les troubles et changements dans l’économie mondiale et locale réagissent également au marché de l’art. Chacun des marchés de l'art, qu'il soit mondial ou régional, possède sa propre infrastructure. Dans les conditions du marché de l'art moderne, l'infrastructure joue le rôle de lien entre les deux éléments principaux du marché : entre l'artiste, producteur de valeurs artistiques, et l'acheteur.

Le marché mondial de l’art est aujourd’hui l’industrie la plus attractive pour les investissements, agissant ainsi comme un domaine rentable pour l’entrepreneuriat. Le marché de l'art est plus stable que le même marché des valeurs mobilières, qui fluctue constamment au gré des divers bouleversements sociaux et économiques. De plus en plus de personnes fortunées commencent à investir dans des œuvres d’art.

Le marché de l'art est un phénomène complexe à plusieurs niveaux qui intègre un grand nombre de des sujets qui réalisent tous les processus de son actualisation. Les principaux sujets du marché de l'art sont les producteurs (les artistes) et les consommateurs (le public). Entre les sujets principaux de différentes époques culturelles et historiques, il y avait un groupe d'intermédiaires qui se sont aujourd'hui différenciés au maximum. La condition la plus importante pour le bon fonctionnement du marché de l'art est la formation et le développement de son infrastructure, assurant la promotion continue des produits artistiques de l'artiste auprès du public. Aujourd’hui, le monde a développé une infrastructure complexe et à plusieurs niveaux du marché de l’art. Les acteurs clés du marché de l'art sont les producteurs du produit artistique et ses consommateurs. Entre ces deux principaux groupes d’infrastructures se trouvent un certain nombre d’intermédiaires. Le marché moderne diffère du marché du début des relations capitalistes en ce sens de manière significative sa partie auxiliaire-accompagnante et organisationnelle-intermédiaire s'est développée, qui comprend :

§ les organismes d'information ;

§ organisation de l'accompagnement juridique ;

§ les organismes intermédiaires commerciaux ;

§ les organismes de conseil et intermédiaires ;

§ structures financières.

Les fabricants d'un produit artistique sont les principaux acteurs du marché de l'art, puisque les résultats de leurs activités font l'objet d'achat et de vente. DANS beaux-Arts le créateur est personnifié, mais ici aussi des interprètes collectifs peuvent apparaître, associations créatives. En tant que consommateurs d'un produit artistique, des membres individuels du public peuvent agir : admirateurs et connaisseurs d'art, investisseurs, collectionneurs, représentants de l'État, associations publiques, structures commerciales, musées, organisations et entreprises. Les organisations intermédiaires commerciales comprennent les galeries, les foires, les maisons de ventes aux enchères et les revendeurs. Les services de conseil et d'intermédiation au sein du marché de l'art sont fournis par des organismes impliqués dans l'examen des œuvres artistiques, leur enregistrement, leur évaluation, leur assurance, leur sécurité, leur logistique et leur audit. Un bloc de services juridiques est fourni par des organisations impliquées dans l'assistance juridique pour l'achat et la vente d'objets d'art, la formation de relations contractuelles, la fourniture de services de représentation et de défense devant les tribunaux, les questions de succession et divers autres. les aspects légaux survenant lors de la circulation des valeurs artistiques. Organismes financiers, notamment les banques, fournissent des services spécialisés et accompagnent le développement et le fonctionnement du marché de l'art.

Les organismes de contrôle sont également appelés à jouer un rôle important : diverses associations, syndicats, fonds qui surveillent les actions illégales des sujets du marché de l'art, les autorités fiscales et douanières et d'autres organisations. Un marché de l’art civilisé ne peut fonctionner en dehors des organisations d’information et d’une variété de médias qui contribuent à la transparence et à l’ouverture de ce marché. Il s'agit de publications imprimées et électroniques spécialisées et non essentielles dans lesquelles sont publiés les avis de la communauté d'experts - critiques et critiques d'art ; Il s'agit de l'activité des services de relations publiques de diverses organisations qui rendent public opinion publique informations caractérisant les activités de presque tous les sujets de l'infrastructure du marché de l'art.

Pour révéler l’essence du marché de l’art, il faut considérer ses principales fonctions.

Fonction d'information du marché de l'art. Au sens large, il s’agit d’informer la société sur le travail de l’artiste, c’est le champ d’information qui se développe autour de l’artiste, à savoir : un ensemble de références à l’artiste dans la critique d’art, les textes biographiques et biographies, les documents ecclésiastiques et historiques. Dans les conditions modernes, les médias professionnels imprimés et électroniques jouent un rôle particulier. L’élargissement du champ d’information est facilité par la présence de catalogues et de monographies sur l’œuvre de l’artiste, qui sont des formes traditionnelles de notification aux intéressés. La fonction d’information est l’une de ses fonctions les plus anciennes.

Fonction intermédiaire du marché de l'art.Médiation – faciliter la conclusion de transactions entre les parties. DANS entreprise artistique la médiation est la facilitation des transactions entre l'artiste ou le propriétaire oeuvre d'art et l'acheteur (marché primaire et secondaire). Cela peut se faire « ouvertement », c'est-à-dire sur la base de relations contractuelles, ou de manière informelle, par accord privé.

Tant un particulier qu'une entreprise spécialement créée à cet effet peuvent servir d'intermédiaire. Dans le monde des affaires, les intermédiaires traditionnels sont les marchands, les galeries, les ventes aux enchères et les salons d’art. L'intermédiaire peut mettre en relation directement l'acheteur avec le vendeur ou réaliser la transaction pour le compte de l'une ou des deux parties, dans le respect de ses propres intérêts commerciaux. En rémunération de son travail, l'intermédiaire reçoit une commission, c'est-à-dire un certain pourcentage du montant payé par l'une ou l'autre des parties, ou par les deux. Le marché de l'art est conçu pour rassembler le produit artistique et son consommateur sur une seule plateforme, contribuant ainsi à satisfaire les besoins des deux parties : l'artiste et le public.

Fonction de tarification du marché de l'art Le problème du prix de l’art est l’un des plus difficiles. Ici fonctionnent à la fois des lois générales de tarification et des lois spécifiques, développées spécifiquement dans l'espace du marché de l'art. En raison de la domination des valeurs esthétiques non pragmatiques dans l'art, des débats surgissent souvent selon lesquels l'art ne doit pas être considéré comme une marchandise. Par conséquent, certains pensent que l'art et l'argent sont incompatibles, tandis que d'autres estiment que l'art a des valeurs à la fois non pragmatiques et pragmatiques qui, en raison de raisons objectives obligés de cohabiter les uns avec les autres.

Une œuvre d’art est le résultat du talent et de la créativité de l’artiste, incarnés dans une forme matérielle unique. Ce n'est pas seulement son spirituel, mais aussi valeur matérielle. À cet égard, une branche particulière de l'entrepreneuriat artistique est née, du point de vue de laquelle les œuvres artistiques sont considérées non seulement comme des valeurs spirituelles, mais aussi comme des valeurs commerciales. La question de la valorisation matérielle d’une œuvre d’art se pose. Facteurs influençant les prix :

§ ancienneté de l'œuvre ;

§ le genre dans lequel l'œuvre a été interprétée ;

§ disponibilité des œuvres du maître dans les principales collections et galeries de musées ;

§ master class généralement reconnue ;

§ évaluation des critiques ;

§ l'artiste appartient à une certaine époque ;

§ provenance du tableau (de la provenance anglaise - origine, source).

§ taille du tableau ;

§ la technique dans laquelle le travail a été réalisé ;

§ niveau d'innovation, puisque la nouveauté est le critère principal et principal de la créativité ;

§ participation à des projets internationaux ;

§ fréquence expositions personnelles;

Ainsi, la tarification des beaux-arts est influencée par une combinaison de facteurs objectifs et subjectifs. Il convient d'ajouter à ce qui précède qu'il existe des mécanismes qui peuvent augmenter considérablement le coût d'une œuvre d'art en utilisant un certain nombre de technologies de marketing associées, par exemple, à la technologie de branding, lorsque le prix initial de l'œuvre peut augmenter plusieurs fois.

Fonction régulatrice du marché de l'art.Le marché doit réguler l’offre et la demande. On sait que la proportion de personnes constamment intéressées par l’art est assez faible. Les besoins que l’art satisfait ne sont ni vitaux ni existentiels ; une personne peut vivre sans eux. Le cercle des personnes qui créent la demande d’art est assez restreint. Mais l'art, dans l'accomplissement de ses tâches sociales, agit souvent comme un enregistreur et un transmetteur de diverses conditions actuelles de la société. Par conséquent, la demande d'œuvres d'art peut varier considérablement en fonction de l'état de l'art lui-même.

La fonction régulatrice du marché de l’art passe également par la législation des différents pays. Dans les pays où les lois et la fiscalité sur l’art sont défavorables aux collectionneurs, l’importation et l’exportation d’art différeront considérablement de celles des pays où le système fiscal est favorable.

Fonction stimulante du marché de l’art. Le marché encourage les producteurs à créer au moindre coût les biens économiques nécessaires à la société et à réaliser des bénéfices suffisants. Un élément important ici est la concurrence, la rivalité des participants à ce processus pour le marché de vente. Cela implique une compétition entre artistes pour attirer l'attention et la reconnaissance du public. La conséquence de la reconnaissance est une augmentation du nombre de commandes et une augmentation des ventes d'œuvres d'art. Or, les libertés économiques contribuent au développement progressif de la société, mais elles stimulent davantage la concurrence commerciale que la concurrence artistique. La valeur commerciale de l’art sur le marché prévaut sur sa valeur spirituelle. La qualité de l’art souffre généralement de ce type de concurrence. Le marché s'efforce toujours d'obtenir des bénéfices, il se concentre donc sur la majorité, ce qui conduit inévitablement à une diminution de la qualité du produit artistique et à sa massification. Mais ce sont les mécanismes du marché qui doivent être utilisés pour trouver un compromis en faveur du soutien à l’art véritable.

À mesure que le marché de l'art se développe, de telles formes de financement de l'art par des entreprises, des institutions ou personnes, tels que le parrainage, le mécénat, la charité, le mécénat, les dons. En règle générale, un mécène est un mécène désintéressé et finance des activités culturelles ; le mécène agit en tant qu'investisseur dans des projets, recevant une partie de la publicité d'image ou des revenus des bénéfices après la mise en œuvre de projets culturels.

Thème 8

Informations connexes.

Une nouvelle étude du portail Artprice.com, basée sur l'analyse des résultats des ventes aux enchères de juillet 2015 à juin 2016, est consacrée au marché de l'art contemporain. «Artguide» porte à votre connaissance ses principales thèses et, bien sûr, ses conclusions optimistes. Spoiler : le nom de l’artiste russe contemporain le plus titré ne vous dira probablement rien.

Constantin Razumov. Odalisque avec un miroir. Première moitié des années 2010. Toile, huile. Source : gargantya.dreamwidth.org. Selon Artprice.com, Konstantin Razumov est l'artiste contemporain le plus titré artiste russe selon les résultats des enchères ouvertes de 2015-2016, il occupe la 297e place : 43 de ses tableaux ont été vendus 475 634 $, dont le plus cher a coûté 22 478 $.

Le portail Artprice publie son prochain bilan annuel de l'état du marché de l'art contemporain de juillet 2015 à juin 2016, basé sur une analyse des ventes aux enchères de cette période. Depuis 2000, le volume du marché de l'art contemporain a été multiplié par 14. Cette croissance a été tirée par la facilité d'accès au marché et la dématérialisation des ventes, Internet étant devenu le principal moyen de recherche et de partage d'informations. Au moins 95 % des acteurs du marché effectuent des transactions à l'aide d'appareils mobiles. Parmi les autres facteurs qui influencent le développement du marché de l’art contemporain, la financiarisation n’est pas le moindre (telle que définie par certains chercheurs, il s’agit du « processus de transformation du capital financier en capital fictif et virtuel et de sa séparation du capital réel, secteur de production" - Guide artistique). Cet aspect se conjugue à une augmentation massive du nombre d'acheteurs d'art (de 500 000 dans l'après-guerre à 70 millions en 2015), à une diminution significative de leur âge moyen et à l'expansion géographique du marché vers l'Asie, l'Asie -Région Pacifique, Afrique du Sud, Inde, Moyen-Orient et l'Amérique latine. L’industrie muséale mondiale est un autre moteur du développement du marché de l’art contemporain : chaque année, environ 700 nouveaux musées ouvrent leurs portes dans le monde, faisant de l’industrie muséale une réalité économique du 21e siècle. Ces institutions entrent également sur le marché de l’art à la recherche d’œuvres de la plus haute qualité et signification artistique et historique. Actuellement, le marché de l'art contemporain est également attractif pour les investissements : pour les œuvres coûtant plus de 20 000 dollars. valeur moyenne L'augmentation de la valeur du capital investi est d'environ 9 %. Le développement du marché de l’art contemporain a également entraîné une évolution sociologique : le cliché « Un grand artiste est un artiste mort » est déjà oublié. Dans le « village global » moderne, l'artiste élargit la profondeur et l'étendue de nos liens avec le monde. Ce rôle répond à un besoin constant à mesure que nous progressons vers la virtualisation, ce qui entraînera sans aucun doute un changement de paradigme dans un avenir pas trop lointain.

Etat général du marché de l'art contemporain

Le volume du marché des enchères pour la période sous revue s'est élevé à 1,5 milliard de dollars (pour la période correspondante de l'année dernière - 2,1 milliards de dollars), c'est-à-dire que le marché a diminué de plus d'un quart, mais la tendance de développement à long terme reste positive (un augmentation de 1370% depuis 2000). Après quatre années de croissance continue, le chiffre d'affaires dans le segment de l'art contemporain a commencé à baisser fortement au premier semestre 2015, et la baisse au second semestre a poursuivi cette tendance. La baisse globale du marché en 2015 était de 39 %. Après les résultats exceptionnels de 2013-2014, une correction du marché de l’art contemporain devenait inévitable. Les collectionneurs d’art contemporain sont devenus plus prudents. Alors que le "Nu couché" d'Amedeo Modigliani a rapporté 170 millions de dollars sur le marché de l'art moderniste en novembre 2015, les ventes d'art contemporain ont continué de baisser au second semestre 2015. Les nouvelles œuvres (créées au plus tard trois ans avant la date de vente) ont été les premières à ressentir la baisse de la demande : leur prix moyen est passé de 28 000 $ à 20 000 $. Début 2016, le marché de l'art contemporain a commencé à montrer des signes de ralentissement. reprise : au premier semestre, elle a chuté de 14 %, soit moins que la baisse du marché de l'art dans son ensemble. Le marché de l'art contemporain s'est adapté aux nouvelles conditions : les ventes aux enchères ont cessé de courir après de nouveaux records et se sont concentrées sur les œuvres de la partie inférieure du segment haut de gamme et les œuvres de prix moyen. Cela a immédiatement affecté la structure des ventes - 6% des lots vendus étaient des œuvres coûtant plus de 50 000 dollars, contre 8% pour la période correspondante de l'année dernière - et cela a permis de stabiliser les prix. L’offre limitée d’œuvres dans le segment haut de gamme n’a cependant pas empêché des œuvres de grande qualité d’établir de nouveaux records aux enchères. Le tableau "Sans titre" de Jean-Michel Basquiat aux enchères chez Christie's New York par Yusaku Maezawa pour 57,3 millions de dollars.

Un autre indicateur de la stabilité du marché est la part des lots invendus, dont le « niveau dangereux » est estimé à 37 %. Actuellement, les niveaux d'invendus chez Christie's et Phillips sont inférieurs à 30 %, tandis que ceux de Sotheby's sont à 34 %. Au plus fort de la crise, cette part était de 50 %. En revanche, la part des lots invendus est inférieure à 20%, ce qui témoigne du caractère spéculatif de l'enchère. Ainsi, on peut affirmer que le marché de l’art contemporain se trouve actuellement dans une période de stabilité à long terme.

L'art contemporain (artistes nés après 1945) constitue actuellement le deuxième segment du marché de l'art après l'art d'après-guerre (artistes nés entre 1920 et 1944). Œuvres phares artistes contemporains vendues aux mêmes prix que les œuvres des grands artistes des périodes précédentes. Ce changement s'est produit en deux dernières décennies, au XXe siècle, cela semblait totalement impossible.

Géographie du marché de l'art contemporain

Alors que le marché de l'art chinois traverse une phase de profonde réorganisation, la part combinée des États-Unis et du Royaume-Uni a augmenté de 5 %, et ils représentent 65 % du marché mondial des enchères d'art contemporain et un quart de toutes les ventes d'art contemporain. les artistes transitent par Londres et New York. Les États-Unis constituent actuellement le marché le plus important pour l'art contemporain, représentant 38 % du marché mondial, soit 582 millions de dollars, dont près de 95 % sont générés à New York. Derrière l'année dernière Le chiffre d'affaires américain sur ce segment de marché a diminué de 24 %, mais ils restent toujours leaders. Le Royaume-Uni représente un quart du marché mondial de l'art contemporain, en baisse de 10 %, à 399 millions de dollars, mais c'est 40 millions de dollars de plus que la Chine, qui a perdu sa deuxième place dans l'art contemporain mais reste le leader incontesté du marché mondial de l'art en général. Le marché chinois connaît une profonde restructuration depuis 2014. L’attention des collectionneurs chinois s’est tournée vers les œuvres d’art « historiques », ce qui a entraîné une chute du marché chinois de l’art contemporain de 47 % et un doublement du volume des transactions. Les collectionneurs chinois se sont recentrés sur " grands noms"comme Claude Monet ou Vincent Van Gogh. Dans le même temps, le marché chinois de l’art contemporain a connu une croissance de 470 % au cours des six dernières années. En outre, elle a été fortement influencée par l'adoption gouvernement chinois mesures et réglementations draconiennes destinées à éradiquer la pratique des (faux) paris non rémunérés.

Le marché européen de l'art contemporain dans son ensemble n'a pas été trop sensible au ralentissement et a même augmenté dans certaines villes : à Vienne (7,3 millions de dollars), Amsterdam (4,9 millions de dollars), Berlin (4,2 millions de dollars), Bruxelles (3,2 millions de dollars) et Milan. (1,6 millions de dollars). Cela est principalement dû aux ventes aux enchères particulièrement prestigieuses, dans lesquelles les villes spécifiées ont un poids important. Dans le même temps, le marché allemand de l'art contemporain a diminué de 19 %, à 17,6 millions de dollars, et la part des lots invendus dans les ventes aux enchères allemandes a augmenté de 44 % à 55 %. Le marché de l'art contemporain en France, qui occupe la quatrième place avec un chiffre d'affaires de 41,4 millions de dollars, a diminué de 6,8 %, ce qui semble tout à fait naturel dans le contexte actuel. les conditions du marché. Les volumes de transactions en France sont restés élevés et le pays a réussi à maintenir sa position sur le segment haut de gamme du marché.

Une analyse du classement des 500 meilleurs artistes contemporains montre une forte représentation nationale des pays détenant une part élevée du marché mondial de l’art. 99 Américains et 187 Chinois représentent près de 60 % du top 500. Dans le même temps, on compte cinq Américains et un seul Chinois dans le top 10. Il n'y a que 36 Britanniques dans le top 500, mais la plupart d'entre eux figurent en tête de liste : Peter Doig (5), Damian Hirst (14), Antony Gormley (31). L'Allemagne est représentée par 31 artistes, dont Anselm Kiefer, Günter Förg, Martin Kippenberger, Neo Rauch et d'autres. Malheureusement, les meilleures œuvres de l'art moderne Artistes allemands vendus aux enchères à Londres et à New York, ce qui a un impact négatif sur le marché allemand. Au total, ces quatre pays représentent 70 % du top 500. La Russie est représentée dans le classement par cinq artistes : Konstantin Razumov (297), Georgy Guryanov (333), Pavel Pepperstein (443), Valery Koshlyakov (460) et Timur Novikov (475).

Les principales maisons de ventes aux enchères réduisent leur chiffre d'affaires

Malgré une baisse de 19% de ses ventes, Christie's reste la première maison de ventes aux enchères d'art contemporain, avec des ventes annuelles de 545 millions de dollars. Son rival historique, Sotheby's, a été moins touché par la contraction du marché, ses pertes ne s'élevant qu'à 2%, sur ces deux opérateurs représentent 61 % du marché mondial des enchères d'art contemporain. Phillips a affiché un chiffre d'affaires stable et a obtenu la troisième place au classement mondial, mais en termes de volume de ventes, il reste nettement inférieur aux leaders. Afin d’assurer la stabilité des prix dans un marché en perte de vitesse, Sotheby’s et Christie’s ont limité la vente des œuvres les plus chères proposées aux enchères, généralement avec d’importantes garanties de prix, ce qui a entraîné une baisse du chiffre d’affaires chez Christie’s et Sotheby’s.

Dans le contexte de la lutte entre les États-Unis et la Chine pour la domination du marché de l'art, une attention particulière est portée à la plus grande participation de Sotheby's, à hauteur de 13,5%, ce qui a sens spécial en raison du fait que 24% des actions de Taikang Life Insurance appartiennent à la maison de vente aux enchères chinoise China Guardian. Ainsi, on a parlé de tentatives d'acquisition de la maison de vente aux enchères britannique Bonhams par le chinois Poly Auction.

Structure du marché de l'art contemporain

Au cours de l'année écoulée, 55 000 œuvres ont été vendues sur le marché des enchères d'art contemporain, soit 4,7 fois plus qu'en 2000. Cette expansion du marché a permis d'augmenter le chiffre d'affaires des enchères sur la même période de 1370%. Les prix augmentent en raison de la mondialisation, des ventes en ligne et de la demande accrue due au fait que tout plus de gens intéressé par l'achat d'œuvres d'art. La croissance de la demande est tirée par un certain nombre de facteurs nouveaux sur le marché de l'art : un accès beaucoup plus facile à une information fiable et l'organisation de ventes aux enchères et de ventes en ligne (95 % des enchérisseurs utilisent appareils mobiles), financiarisation du marché, augmentation du nombre d'acheteurs (de 500 mille après la Seconde Guerre mondiale à 70 millions en 2015), baisse âge moyen acheteurs, élargissant le marché de l’art contemporain à l’Asie, à l’Inde, à l’Afrique du Sud, au Moyen-Orient et à l’Amérique latine. Christie's affirme que sa clientèle en ligne a augmenté de 96 %. Un autre moteur du marché de l'art a été l'industrie muséale (jusqu'à 700 nouveaux musées apparaissent chaque année), ce qui a entraîné une augmentation significative de la demande des institutions muséales et une augmentation de la demande d'œuvres d'art de la plus haute qualité.

Le record mondial de ventes aux enchères d'art contemporain a été multiplié par dix au cours des dix dernières années, mais les résultats les plus impressionnants dans ce segment du marché proviennent de trois artistes seulement : Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat et Peter Doig. La première fois qu'un tableau d'un artiste contemporain a dépassé la barre du million de dollars, c'était en 1998, lorsqu'une œuvre de Basquiat a été vendue pour 3,3 millions de dollars ; en 2014 (il s'agit du résultat le plus élevé jamais atteint), 307 œuvres d'artistes contemporains ont été vendues aux enchères pour 3,3 millions de dollars. plus d'un million de dollars. Au premier semestre 2016, 115 lots ont été vendus pour plus d'un million de dollars.

Ce serait une erreur de réduire l'ensemble du marché de l'art contemporain aux seules œuvres du segment le plus cher : le marché de l'art contemporain a atteint sa maturité et toutes les catégories de prix y sont représentées. Le plus grand nombre de ventes (69 %) se produit dans le segment des œuvres coûtant moins de 5 000 $.

La plus grande part du marché de l'art contemporain provient de la vente de tableaux, qui génère un chiffre d'affaires de plus d'un milliard de dollars, soit les deux tiers du marché mondial de l'art contemporain. C'est la peinture qui constitue la part du lion du segment haut de gamme du marché - elle représente 173 lots d'une valeur de plus d'un million de dollars, tandis que tous les autres types arts visuels il n'y a que 38 résultats similaires. Néanmoins, la plus grande proportion des 28 000 tableaux vendus (60 %) concernait des lots d'un prix inférieur à 5 000 $, dont les acheteurs étaient plus probablement motivés par un désir de nouvelles découvertes que par des motifs spéculatifs. Quoi qu'il en soit, le nombre de ventes aux enchères de tableaux a augmenté de 15 % au cours de l'année écoulée.

En deuxième position après la peinture se trouve la sculpture, qui représente 225 millions de dollars, dont deux œuvres de Jeff Koons, vendues pour plus de 15 millions de dollars chacune. Mais la véritable surprise est venue de Maurizio Cattelan, dont l’œuvre « He » a été vendue le 8 mai 2016 chez Christie’s New York pour 17,2 millions de dollars. Mais ce ne sont que des exceptions : la plupart des œuvres sculpturales sont vendues à des prix inférieurs à 50 000 dollars.

Sur le marché graphique, vous pouvez acheter des œuvres bon marché d'artistes célèbres. La majorité des lots (60 %) de ce segment sont vendus à moins de 5 000 $. Par exemple, les graphismes de Tracey Emin ou Wim Delvoye peuvent être achetés pour moins de 10 000 $, et parfois la moitié de ce prix. Cependant, en cas de forte augmentation des prix du travail d'un artiste, cette augmentation affecte également ses œuvres graphiques, qui peuvent être vendues à des prix supérieurs à 100 000 dollars.

En l’absence de ventes significatives d’œuvres des photographes Andreas Gursky ou Cindy Sherman, le top 100 des enchères de l’année dernière ne comprenait que des images de Richard Prince. Trois de ses photographies ont été vendues pour plus d'un million de dollars chacune aux enchères Christie's à New York le 10 mai 2016. L'année dernière, 15 photographies de Cindy Sherman ont été vendues pour plus de 100 000 dollars chacune, tandis que la plupart de ses œuvres ont été collectées entre 5 000 et 20 000 dollars. En général, aucun record d'enchères significatif n'a été établi dans le segment photo du marché, ce qui ne reflète pas l'état actuel du marché, le nombre de lots vendus qui a augmenté de 10% sur l'année.

Parmi les artistes qui représentent le plus grand nombre parmi les lots vendus sur le marché de l'imprimerie, Takashi Murakami, Keith Haring et Damian Hirst se démarquent. La plus grande part des tirages vendus appartient à Takashi Murakami, dont 86 % des lots vendus sont des tirages. Murakami est également un artiste à succès dans d'autres segments du marché de l'art, se classant parmi les 100 meilleurs artistes en termes de chiffre d'affaires annuel aux enchères.

Les artistes et le marché de l'art contemporain

Même si de nouveaux artistes contemporains apparaissent constamment sur le marché, son état actuel reste déterminé par les plus noms célèbres. Les trois artistes les plus performants du marché secondaire de l'art contemporain - Jean-Michel Basquiat, Jeff Koons et Christopher Wool (un trio inchangé depuis cinq ans) - génèrent près de 19% du chiffre d'affaires total du marché, tandis que 4 268 nouveaux venus représentent car le marché ne représente que 2,3% du chiffre d'affaires du marché de l'art contemporain. Cette tendance est devenue plus visible au cours de la dernière année, alors qu'un nombre important de collectionneurs ont détourné leur attention des nouveaux artistes vers des noms plus établis.

L'année dernière, les œuvres de 4 268 nouveaux artistes contemporains ont fait leur entrée sur le marché des enchères, rejoignant les œuvres des 8 248 artistes déjà présents. Si la plupart des œuvres des nouveaux arrivants n'ont pas réussi à franchir le seuil des 5 500 $, certaines ont réussi à se hisser directement dans le top 500, notamment Xu Jin, Barry Ball et Ella Kruglyanskaya.

Les artistes nés après 1980 commencent à jouer un rôle de plus en plus important sur le marché de l'art contemporain. Avec le soutien de grandes galeries, leurs œuvres parviennent à atteindre des niveaux de prix inimaginables il y a à peine cinq ans. La position instable de ces jeunes artistes sur le marché rend leur travail particulièrement sensible aux changements des conditions du marché. Parmi les artistes les plus marquants nés en 1980 figurent Tauba Auerbach, Oscar Murillo et Alex Israel. Quelques artistes ont attiré l'attention au cours des 12 derniers mois et se sont hissés directement dans le top 500, notamment l'artiste belgo-américain Harold Anckaert et les Américains Petra Cortright et Mat Bass. Les œuvres des jeunes artistes sont les plus demandées aux enchères à Londres et à New York.

Parmi les artistes qui ont le plus progressé sur le marché figure le Roumain Adrian Genie, dont la participation réussie à la Biennale de Venise 2015 l'a propulsé sur le devant de la scène de l'art contemporain et a contribué à une forte hausse de ses ventes. Son plus récent record a été établi chez Sotheby's à Londres le 10 février 2016 à 4,5 m$, ce qui lui a permis de passer de la 62e à la 15e place du top 500. artiste américain Mark Bradford a également démontré des progrès significatifs sur le marché, son travail a été vendu chez Phillips Londres pour 5,8 millions de dollars et en un an seulement, ses œuvres ont récolté plus de 16 millions de dollars aux enchères. Yoshimoto Nara, Rudolf Stingel et Anselm Kiefer ont également amélioré considérablement leurs résultats aux enchères.

Investissements sur le marché de l'art contemporain

Le marché de l'art contemporain vend des œuvres d'artistes dont la réputation aux enchères n'est pas encore pleinement établie et est soumise à des fluctuations, ce qui rend ce segment moins stable que les autres segments du marché de l'art. Dans le même temps, ces mêmes caractéristiques en font le plus attractif pour les investissements risqués. Les explosions de prix dépendent généralement de deux phénomènes complémentaires : l’émergence de nouveaux artistes et la transition d’artistes confirmés vers la catégorie des icônes du marché de l’art. Le risque de ralentissement du marché et d’ajustements périodiques des prix n’a pas ralenti la croissance des collectionneurs d’art contemporain. Alors que les banques centrales pratiquent des taux d'intérêt négatifs qui détruisent l'épargne, le marché de l'art a vu son chiffre d'affaires augmenter de 1 370 % en 16 ans. Le coût moyen d'une œuvre d'art contemporain sur la même période a augmenté de 115 %, ce qui donne un rendement annuel moyen de 4,9 %, et même de 9 % par an pour les œuvres achetées pour des montants supérieurs à 20 000 $. Ces dernières années, les prix des œuvres des plus grands artistes contemporains ont atteint des sommets auparavant réservés aux grands chefs-d’œuvre du passé. Même si elles n’ont pas acquis l’aura des maîtres anciens, les stars de l’art contemporain bénéficient en outre de l’utilisation des médias.

La hausse des prix des œuvres d’art contemporain est bien illustrée par l’histoire du marché du tableau « Two Leopard Jokes » de Richard Prince (1989). Vendu en mai 1993 chez Sotheby's à New York pour 26,5 mille dollars, 13 ans plus tard, il a été vendu 13 fois plus. Bien entendu, personne n'aurait pu prédire la place qu'occuperait Richard Prince dans l'histoire de l'art moderne : l'indice des prix de ses œuvres n'a commencé à être calculé qu'en 2003. Un autre facteur important influençant le niveau des prix est le décès de l'artiste. Une mort subite peut entraîner un regain d’intérêt et une augmentation explosive de la valeur des œuvres, comme ce fut le cas pour les œuvres de Günter Förg, décédé en décembre 2013. En 2012, un an avant la mort de l'artiste, son tableau « Sans titre » (1987) a été vendu pour 26 000 dollars, en juin 2016, la même œuvre a rapporté 438 000 dollars. l’artiste influence. Cela est dû au fait que lors de la génération de la demande, toutes les informations disponibles sont prises en compte, ce qui a parfois un impact très important sur la structure des prix des œuvres vendues aux enchères.

L’extraordinaire augmentation de la rentabilité du travail de certains artistes est inévitablement contrebalancée par une correction des prix du travail des autres. Dans le même temps, il y a un retour « juste » au niveau de prix correspondant à l’état actuel du marché de l’art. Par exemple, le tableau « Sans titre » (2010) de Jacob Cassay, vendu en mai 2014 pour 125 000 $, n’a pu recevoir que 50 000 $ en novembre 2015 aux enchères Christie’s à New York. En outre, les stars de l'art contemporain ne sont pas à l'abri d'une correction des prix : l'objet « Jim Beam Boxcar » (1986) de Jeff Koons a été vendu pour 2 millions de dollars en 2008, peu avant la crise hypothécaire, et en novembre 2015, il n'a pu récolter que 845 dollars. mille.

Heureusement, le marché de l’art contemporain reste un investissement rentable à moyen ou long terme. Malgré les ajustements, le marché reste viable et la croissance du chiffre d'affaires de 1 370 % au cours des 16 dernières années parle de lui-même. Pour la première fois au cours de ce siècle, la hausse des prix des œuvres d'art contemporain a été interrompue en 2008 en raison de la crise financière, et il a fallu 2 à 3 ans pour que le marché se redresse. Alors que le marché connaît périodiquement d'importants records de prix, 99 % des transactions s'effectuent sous la barre des 400 000 $. Lorsqu'un collectionneur achète une œuvre d'art contemporain, il est bien conscient qu'il ne peut pas savoir à quelle place l'artiste est destiné dans l'histoire de l'art contemporain. art. Cependant, au cours des 15 dernières années, un portefeuille d'art contemporain bien diversifié a généré un rendement annuel moyen d'environ 5,6 %, bien supérieur aux 2,3 % du marché de l'art dans son ensemble.