Bâtiment classique : Nationalrat, Conseil national - la chambre basse du parlement autrichien. Veine. 1874 -1884 Le bâtiment a été conçu par l'architecte Theophil Hansen. La structure était censée ressembler à la Grèce antique, le « berceau de la démocratie ».

Il est souvent d'usage de comparer des styles architecturaux étroitement liés à l'architecture des pays européens : Empire, baroque, rococo, classicisme.

Chacun de ces styles est apparu au sommet d’une époque particulière, ils ont été précédés par certains événements qui ont joué un rôle clé dans le développement de la civilisation. Les styles variaient dans leur approche de la conception des bâtiments, basée sur des philosophies spécifiques caractéristiques d'une période historique particulière.

Empire et baroque

L'Empire et le baroque semblent être des styles complètement différents, mais ils ont quelque chose en commun : une théâtralité et un caractère décoratif accentués. Le baroque est né au XVIe siècle sous l'influence du mouvement réformiste, de l'affaiblissement de l'influence de l'Église catholique et du renforcement du pouvoir laïc.

Le baroque reflète le désir de richesse et de luxe et leur expression extérieure. Le berceau du style était l'Italie, où le baroque est apparu à la suite du développement de la Renaissance. Depuis l’Italie, le style s’est répandu à travers l’Europe, où il a régné jusqu’au XVIIIe siècle. Dans certains pays le style baroque est en vigueur raisons diverses développé à un rythme lent : par exemple, en Allemagne et en Autriche, en raison de la guerre de Trente Ans, pratiquement aucune construction à grande échelle n'a été réalisée et le style n'a commencé à apparaître dans l'architecture que dans la seconde moitié du XVIIe siècle.

Université Académie russeÉducation

Caractéristiques du baroque et du classicisme.

Les principaux styles de l'art du XVIIe siècle.

Réalisé par : étudiant de 2ème année

Département à temps plein

Études culturelles spéciales

Yakubova K.N.

Enseignant : Mareeva N.S.

Moscou 2010

Introduction………………………………………………………………………………...…3

1. Caractéristiques de la culture du XVIIe siècle………………………………………………………...4

2. Le baroque comme artistique au XVIIe siècles…………………………..5

2.1. Prérequis et caractéristiques du baroque……………………………………….…..5

2.2. Le baroque en architecture……………………………………………………………....6

2.3. Le baroque dans la littérature………………………………………………………..........8

2.4. Le baroque en peinture et en sculpture………………………………………..9

3. Le classicisme comme mouvement artistique du XVIIe siècle……………...……..10

3.1. Prérequis et caractéristiques du classicisme………………………………….….10

3.2. Le classicisme en littérature……………………………………………………..….....11

3.3. Le classicisme en architecture et en peinture…………………………………12

3.4. Le classicisme en sculpture…………………………………………….….13

Conclusion………………………………………………………………………………….14

Références……………………………………………………………....15

Introduction

Mon thème travail d'essai"Classicisme et baroque en Europe culture XVII in.: idées et mises en œuvre". Ce sujet a été choisi pour plusieurs raisons :

Premièrement, le baroque et le classicisme sont les deux mouvements artistiques les plus répandus et les plus influents de l’époque en question.

Deuxièmement, ces domaines sont complexes et de nature double, ce qui fait de cette question l’une des plus urgentes en matière de connaissances culturelles.

Troisièmement, le baroque et le classicisme représentent une contribution exceptionnelle au trésor mondial de l'art, qui suscite encore plus d'intérêt pour leur connaissance.

Le but de mon travail est d'étudier des tendances de l'art du XVIIe siècle telles que le classicisme et le baroque.

Pour atteindre cet objectif, je dois résoudre un certain nombre de problèmes :

· Considérer les modèles généraux de développement culture européenne XVIIe siècle ;

· Explorez les caractéristiques du baroque et du classicisme en tant que principaux mouvements artistiques de cette période.

1. Caractéristiques de la culture du XVIIe siècle

Le XVIIe siècle est le siècle de Descartes et de Port-Royal, de Pascal et Spinoza, de Rembrandt et de Milton, le siècle des braves marins, des migrations vers les pays d'outre-mer, du commerce audacieux, de l'épanouissement des sciences naturelles, de la littérature moralisatrice - et... le siècle de la perruque, qui a atteint son apogée dans les années 60, une perruque portée par tout le monde - du roi, de l'amiral au marchand.

Ce n'est pas un hasard si le XVIIe siècle ouvre la période des Temps Nouveaux : c'est bien le siècle d'un homme nouveau, d'une science nouvelle, d'un art nouveau.

En Europe, le Nouvel Âge se manifeste dans la formation et le renforcement des tendances capitalistes, et c'est en Angleterre que le capitalisme est le plus clairement ancré dans la réalité. Cette même époque est celle de la première révolution bourgeoise, qui a révélé la tragédie et l'inhumanité des changements violents dans la société, ainsi que la cruauté de ses organisateurs.

L'approche rationaliste de la réalité a émergé et s'est renforcée, Le rôle principal l'esprit commence à jouer dans le monde. Cela s'est exprimé avant tout dans la formation d'une nouvelle science, à la fois expérimentale et théorique. Les réalisations scientifiques du XVIIe siècle créent les conditions nécessaires au développement ultérieur des sciences fondamentales jusqu'à nos jours et constituent les bases d'une nouvelle vision philosophique au monde.

Le XVIIe siècle est la période initiale de la formation du mode de production bourgeois. Nous vivons une époque extrêmement difficile et contradictoire dans la vie des États européens. L'ère des premières révolutions bourgeoises et la montée des monarchies absolutistes ; l'époque de la révolution scientifique et l'étape finale de la Contre-Réforme ; l'ère du baroque grandiose et expressif et du classicisme sec et rationnel.

2. Le baroque comme mouvement artistique du XVIIe siècle

2.1. Contexte et caractéristiques du baroque

Le baroque (italien : Barosso - étrange, bizarre) est l'une des principales tendances stylistiques de l'art européen de la fin du XVIe au milieu du XVIIIe siècle. Il est originaire d'Italie et s'est répandu dans la plupart des pays européens. Incarnant de nouvelles idées sur l'éternelle variabilité du monde, le baroque gravite vers des spectacles spectaculaires, des contrastes forts, une combinaison de l'illusoire et du réel et une fusion des arts (ensembles de ville, de palais et de parc, opéra, musique religieuse, oratorio) ; en même temps - une tendance à l'autonomie des genres individuels (concerto grosso, sonate, suite en musique instrumentale).

Le style baroque s'est répandu principalement dans les pays catholiques touchés par les processus de la Contre-Réforme. L'Église protestante qui a émergé pendant la Réforme était très peu exigeante quant au côté divertissement externe du culte. Le divertissement est devenu le principal attrait du catholicisme ; la piété religieuse elle-même lui a été sacrifiée. Le style baroque, avec sa grâce, son expressivité parfois exagérée, son pathétique, son attention au principe sensuel et corporel, qui apparaît très clairement même dans la représentation de miracles, de visions et d'extases religieuses, convenait parfaitement aux objectifs de retour du troupeau au sein du Église catholique.

Mais l’essence du baroque est plus large que les goûts de l’Église catholique et de l’aristocratie féodale, qui cherchaient à utiliser les effets grandioses et éblouissants caractéristiques du baroque pour glorifier le pouvoir, le faste et la splendeur de l’État et de l’État. habitats des personnes proches du trône.

Le style baroque exprime avec une acuité particulière la crise de l'humanisme, le sentiment de disharmonie dans la vie, les pulsions sans but vers l'inconnu. En substance, il révèle un monde en devenir, et le monde du devenir était alors le monde de la bourgeoisie. Et dans ce monde qui se découvre, le bourgeois recherche la stabilité et l’ordre. Pour lui, luxe et richesse sont synonymes de stabilité de sa place dans le monde. Il s'avère que le style baroque allie l'incompatible : la monumentalité avec le dynamisme, l'éclat théâtral avec la solidité, le mysticisme, la fantaisie, l'irrationalité avec la sobriété et la rationalité, l'efficacité véritablement bourgeoise.

Centre de développement de l'art baroque au tournant des XVIe et XVIIe siècles. c'était Rome. Ensembles de parcs et de palais, architecture religieuse, peinture décorative et la sculpture, le portrait cérémonial, et plus tard la nature morte et le paysage, sont devenus les principaux types et genres de l'art baroque.

2.2. Le baroque en architecture

L'architecture baroque (L. Bernini, F. Borromini en Italie, B.F. Rastrelli en Russie) se caractérise par l'étendue spatiale, l'unité et la fluidité de formes complexes, généralement curvilignes. On y trouve souvent de grandes colonnades, une abondance de sculptures sur les façades et à l'intérieur, des volutes, un grand nombre de contreventements, des façades cintrées avec contreventement au milieu, des colonnes et des pilastres bossagés. Des dômes sont en cours d'achat formes complexes, ils sont souvent à plusieurs niveaux, comme ceux de la basilique Saint-Pierre de Rome. Détails baroques caractéristiques - télamon (Atlas), cariatide, mascaron.

DANS Architecture italienne Le représentant le plus éminent de l'art baroque fut Carlo Maderna (1556-1629), qui rompit avec le maniérisme et créa son propre style. Sa principale création est la façade de l'église romane de Santa Susanna (1603). Le personnage principal du développement de la sculpture baroque fut Lorenzo Bernini, dont les premiers chefs-d'œuvre exécutés dans le nouveau style remontent à environ 1620. Le Bernin est également architecte. Il est responsable de la conception de la place de la basilique Saint-Pierre de Rome et des intérieurs, ainsi que d'autres bâtiments. Des contributions significatives ont été apportées par D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. En Sicile, après un tremblement de terre majeur en 1693, un un nouveau style Baroque tardif-Baroque sicilien.

La quintessence du baroque, une fusion impressionnante de peinture, de sculpture et d'architecture, est considérée comme la chapelle Coranaro de l'église de Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

Le style baroque s'est répandu en Espagne, en Allemagne, en Belgique (alors Flandre), aux Pays-Bas, en Russie et en France. Le baroque espagnol, ou localement Churrigueresco (en l'honneur de l'architecte Churriguera), qui s'est également répandu dans l'Amérique latine. Monument le plus populaire sa-cathédraleà Saint-Jacques-de-Compostelle, est également l'une des églises les plus vénérées d'Espagne. En Amérique latine, le baroque mêlé aux traditions architecturales locales, c'est sa version la plus élaborée, et on l'appelle ultra-baroque.

En France, le style baroque s'exprime plus modestement que dans d'autres pays. Auparavant, on pensait que le style ne se développait pas du tout ici et que les monuments baroques étaient considérés comme des monuments du classicisme. Le terme « classicisme baroque » est parfois utilisé en relation avec le français et Versions anglaises baroque. Aujourd'hui, le château de Versailles, ainsi que le parc régulier, le palais du Luxembourg et le bâtiment sont considérés comme du baroque français. Académie françaiseà Paris et autres travaux. Ils ont des caractéristiques classiques. Un trait caractéristique du style baroque est le style régulier des jardins paysagers, dont le parc de Versailles est un exemple.

2.3. Le baroque dans la littérature

Les écrivains et poètes de l’époque baroque perçus monde réel comme une illusion et un rêve. Les descriptions réalistes étaient souvent combinées à leur représentation allégorique. Les symboles, les métaphores, les techniques théâtrales, les images graphiques (les lignes de poésie forment une image), la richesse des figures rhétoriques, les antithèses, les parallélismes, les gradations et les oxymores sont largement utilisés. Il y a une attitude burlesque-satirique envers la réalité.

La littérature baroque se caractérise par un désir de diversité, une synthèse des connaissances sur le monde, l'inclusivité, un encyclopédisme qui se transforme parfois en chaos et en collection de curiosités, un désir d'étudier l'existence dans ses contrastes (esprit et chair, ténèbres et lumière, temps et éternité). L'éthique baroque est marquée par une soif de symbolisme de la nuit, le thème de la fragilité et de l'impermanence, la vie comme un rêve (F. de Quevedo, P. Calderon). La pièce de Calderon « La vie est un rêve » est célèbre. Des genres tels que le roman galant-héroïque (J. de Scudéry, M. de Scudery), le réel et roman satirique(Furetière, C. Sorel, P. Scarron). Dans le cadre du style baroque naissent ses variétés et ses orientations : le marinisme, le gongorisme (cultéranisme), le conceptisme (Italie, Espagne), l'école métaphysique et l'euphuisme (Angleterre).

L'action des romans est souvent transférée dans le monde fictif de l'Antiquité, en Grèce, les messieurs et dames de la cour sont représentés comme des bergères et des bergères, ce qu'on appelle pastorale (Honoré d'Urfé, « Astraea »). La prétention et l'utilisation de métaphores complexes fleurissent dans la poésie. Les formes courantes incluent le sonnet, le rondo, les concetti (un court poème exprimant une pensée pleine d'esprit) et les madrigaux.

En Occident, dans le domaine du roman, un représentant marquant est G. Grimmelshausen (le roman « Simplicissimus »), dans le domaine du théâtre, P. Calderon (Espagne). En poésie, V. Voiture (France), D. Marino (Italie) et Don Luis de Gongora y Argote (Espagne) sont devenus célèbres. En Russie, la littérature baroque comprend S. Polotsky, F. Prokopovich et le premier M. Lomonossov. En France à cette époque fleurit la « littérature précieuse ». Il était alors cultivé principalement dans le salon de Madame de Rambouillet, l'un des salons aristocratiques de Paris, les plus en vogue et les plus célèbres.

2.4. Le baroque en peinture et en sculpture

(P.P. Rubens « Prométhée enchaîné ») (L. Bernini « Énée et Anchise »)

Ainsi, le baroque est l'une des principales tendances stylistiques de l'art européen du XVIIe siècle. Pour lui, luxe et richesse sont synonymes de stabilité de sa place dans le monde. Le style baroque et ses chefs-d'œuvre représentent une contribution exceptionnelle au trésor mondial de l'art.

3. Le classicisme comme mouvement artistique du XVIIe siècle

3.1. Conditions préalables et caractéristiques du classicisme

Le classicisme (du latin classicus - exemplaire) est un mouvement créatif qui a façonné la vision artistique du monde qui s'est développée à l'époque de la formation et du renforcement des monarchies européennes et s'est basée sur les normes et les exemples de l'art ancien. Le classicisme fait également référence à des périodes et des tendances de l'histoire de l'Europe. culture artistique, quand les formes de l’art ancien constituent une norme esthétique.

Les États absolutistes ne pouvaient s'empêcher d'être impressionnés par l'idée d'un ordre majestueux, d'une stricte subordination et d'une unité impressionnante. L’État, se prétendant « raisonnable », cherchait à être considéré comme un principe équilibrant, unificateur et héroïquement sublime. Contrairement au baroque, le classicisme exprimait le désir d'un ordre de vie raisonnable et harmonieux, et ces aspirations étaient inhérentes non seulement aux monarques, mais aussi à la conscience populaire, avec ses idéaux de paix, de tranquillité et d'unité du pays. . De plus, le côté attrayant du classicisme était son pathétique moral et son orientation civique.

L'esthétique du classicisme est orientée vers l'imitation des modèles classiques : celle qui la définit est la thèse aristotélicienne sur l'imitation de l'art par la nature ; elle partage le principe important du théâtre antique sur les trois unités : le lieu, le temps et l'action. Mais en fait elle s'appuie sur la philosophie rationaliste de R. Descartes. Le classicisme s'est répandu dans la France absolutiste, ainsi que dans plusieurs autres pays (Italie, Allemagne, Angleterre).

Classicisme XVII V. était étroitement associé à la noble culture de l’État absolutiste français. Au cours de cette période, une esthétique normative s'est formée, qui exigeait que l'art se conforme à certaines lois et règles. Les images artistiques du classicisme se distinguaient par leur logique et leur expression harmonieuse ; ils étaient intelligemment organisés, logiquement construits et, en règle générale, dépourvus de caractéristiques individuelles. L'établissement de règles strictes de créativité est l'un des traits caractéristiques de l'esthétique du classicisme. Les classiques comprenaient une œuvre d'art non pas comme un organisme naturel, mais comme une œuvre artificielle, créée par des mains humaines selon un plan, avec une tâche et un but spécifiques.

Le programme culturel et esthétique le plus holistique a été formé par le classicisme français. Sa base idéologique était le rationalisme de René Descartes (1596-1650).

3.2. Le classicisme en littérature

Le fondateur de la poétique du classicisme est le Français François Malherbe (1555-1628), qui réalisa la réforme Français et des vers et des canons poétiques développés. Les principaux représentants du classicisme dans le théâtre étaient les tragédiens Corneille et Racine (1639-1699), dont le principal sujet de créativité était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles. Pierre Corneille a écrit les comédies poétiques «Mélita ou les lettres forgées» (1629, publiées en 1633), «La veuve ou le traître puni» (1631-1632), etc., la tragi-comédie en vers «Le Cid» (1637), la tragédie « Horace » (1641), « Cinna ou la Miséricorde d'Auguste » (1643), etc. La tragédie « Andromaque » de Jean Racine exprime l'héroïsme de l'opposition à la tyrannie despotique. La tragédie « Phèdre » se distingue par un haut niveau de psychologisme dans la description de la personnalité de l'héroïne.

Les genres « bas » connaissent également un fort développement : fable (J. Lafontaine), satire (Boileau), comédie (Molière 1622-1673). écrivain français Jean de La Fontaine est connu comme l'auteur de contes de fées, de comédies et de fables qui dépeignent de manière satirique la vie dans la France absolutiste.

Le dramaturge français Jean-Baptiste Molière a développé le genre de la comédie populaire dans ses pièces, ridiculisant l'oisiveté et les préjugés de la noblesse. Ses personnages parlent un langage ordinaire. Dans la comédie «Le Bourgeois dans la noblesse», un représentant du tiers état qui voulait ressembler à un noble est représenté sous une forme satirique. Molière a ridiculisé l'oisiveté des nobles, l'égoïsme (« Don Juan »), l'escroquerie (« L'Avare ») et l'hypocrisie de l'Église (« Tartuffe »). Les personnages négatifs contrastent avec les autres héros de Molière - des gens ingénieux et pleins d'esprit issus du peuple. Sa production de Don Juan a été condamnée par les cercles officiels pour athéisme et libre pensée.

Boileau est devenu célèbre dans toute l'Europe comme le « législateur du Parnasse », le plus grand théoricien du classicisme, qui a exprimé ses vues dans le traité poétique « L'art poétique ». Sous son influence en Grande-Bretagne se trouvaient les poètes John Dryden et Alexander Pope, qui ont fait des alexandrins la principale forme de poésie anglaise. La prose anglaise de l'époque classique (Addison, Swift) se caractérise également par une syntaxe latinisée.

3.3. Classicisme en architecture et en peinture.

(complexe architectural à proximité de la ville de Potsdam) (Leighton Frederick « Girl »)

3.4. Le classicisme en sculpture

(J.A. Houdon « La sculpture de Voltaire »)

Conclusion.

À la fin de mon travail, je peux tirer des conclusions importantes.

Le XVIIe siècle est une époque extrêmement complexe et contradictoire dans la vie des États européens. C'est précisément au cours de cette période - la période des premières révolutions bourgeoises, l'apogée des monarchies absolutistes, la révolution scientifique - que sont apparus des styles artistiques tels que le baroque et le classicisme.

Le baroque ne peut pas être considéré uniquement comme style artistique, c'est aussi une manière particulière de se rapporter au monde et avec le monde. Elle est associée à la crise des idéaux de l'humanisme, aux bouleversements socio-politiques caractéristiques du XVIIe siècle.

Le classicisme, comme le baroque, était immanent à toute la culture du XVIIe siècle. Si le baroque, avec sa richesse et sa variété de sensations, gravite vers le sensationnalisme comme moyen de connaissance sensorielle du monde, alors le classicisme nécessite une clarté rationaliste, une méthode ordonnée de division du tout en parties et une considération séquentielle de chacune d'elles.

Le but de mon test était d'étudier le classicisme et le baroque comme principaux styles du XVIIe siècle. Pour atteindre cet objectif, le premier chapitre a présenté une description générale de la culture de cette période. Dans les deuxième et troisième chapitres, j'ai essayé de révéler le plus pleinement possible les caractéristiques des courants stylistiques du baroque et du classicisme dans divers domaines de l'art : peinture, architecture, littérature, sculpture. Pour résumer, je peux dire que l'objectif du travail a été atteint.

Ainsi, le baroque et le classicisme sont l'une des principales tendances stylistiques de l'art européen du XVIIe siècle. Ils représentent une contribution exceptionnelle au trésor artistique mondial

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Différences entre baroque et classicisme.

À l'ère du classicisme, qui succède à l'ère baroque, le rôle de la polyphonie polyphonique diminue et passe au premier plan. polyphonie homophonique
( du grec "homos" - "un" et "fone" - "son", "voix")

Contrairement à polyphonie, où toutes les voix sont égales, dans polyphonie homophonique se démarque un, effectuer sujet principal , et le reste joue un rôle accompagnement(escorte). L'accompagnement est généralement un système d'accords (harmonies). D'où le nom de la nouvelle façon de composer de la musique - homophonique-harmonique.

Il y a moins d’ornementation et de décoration dans la musique. Les œuvres sont devenues plus harmonieuses, plus claires dans leur structure, notamment celles écrites en forme de sonate.

À l'époque baroque dans une œuvre musicale, chacune des parties se concentre sur l'expression et la divulgation un, brillamment dessiné sentiments, ce qui a été décidé à l'aide de la présentation un sujet qui a changé (varié) tout au long de la période et à l'époque classicisme dans une partie de l'œuvre, il a été révélé beaucoup d'émotions, qui ont été exprimés à travers la présentation et le développement deux ou plus thèmes de contenu figuratif différent.

Musique du premier baroque (1600-1654)

Le développement de l'opéra italien par un compositeur italien peut être considéré comme le point de transition conventionnel entre les époques de la Renaissance et du baroque. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Le compositeur est né dans la ville italienne de Crémone dans la famille d'un médecin. Monteverdi s'est développé en tant que musicien dans sa jeunesse. Il a écrit et interprété des madrigaux ; jouait de l'orgue, de la viole et d'autres instruments. Monteverdi a étudié la composition de musique auprès de compositeurs célèbres de l'époque. En 1590, comme chanteur et musicien, il fut invité à Mantoue, à la cour du duc Vincenzo Gonzaga ; plus tard, il se dirigea chapelle de la cour. En 1612, Monteverdi quitta son service à Mantoue et s'installa à Venise à partir de 1613. En grande partie grâce à Monteverdi, le premier opéra public au monde a ouvert ses portes à Venise en 1637. Là, le compositeur dirigeait la chapelle de la cathédrale Saint-Marc. Avant sa mort, Claudio Monteverdi était entré dans les ordres sacrés.

Après avoir étudié l'œuvre lyrique des compositeurs de la Renaissance Peri et Caccini, Monteverdi a créé ses propres œuvres lyriques. Déjà dans les premiers opéras - "Orphée" (1607) et "Ariane" (1608) - le compositeur réussit moyens musicaux transmettre des sentiments profonds et passionnés, créer une action dramatique intense. Monteverdi est l'auteur de nombreux opéras, mais seuls trois ont survécu : Orphée, Le retour d'Ulysse dans sa patrie (1640 ; basé sur l'ancien poème épique grec L'Odyssée) et Le Couronnement de Poppée (1642).

Les opéras de Monteverdi combinent harmonieusement musique et texte. Les opéras sont basés sur monologue – récitatif (de l'italien recitare - « réciter »), dans lequel récité chaque mot, et la musique transmet avec souplesse et subtilité les nuances d'ambiance. Monologues, dialogues et épisodes choraux s'enchaînent en douceur, l'action se développe lentement (dans les opéras de Monteverdi, il y a trois ou quatre actes), mais de manière dynamique. Le compositeur a attribué un rôle important à l'orchestre. Dans Orphée, par exemple, il a utilisé presque tous les instruments connus à l’époque. La musique orchestrale n'accompagne pas seulement le chant, mais elle raconte elle-même les événements qui se déroulent sur scène et les expériences des personnages. Apparu pour la première fois dans "Orphée" ouverture(ouverture française, ou apertura latine - "ouverture", "début")- introduction instrumentale à un morceau de musique majeur. Les opéras de Claudio Monteverdi ont eu une influence significative sur les compositeurs vénitiens et ont jeté les bases de l'école d'opéra vénitienne. .

Monteverdi a écrit non seulement des opéras, mais aussi de la musique sacrée, religieux Et madrigaux profanes. Il est devenu le premier compositeur qui n'oppose pas les méthodes polyphoniques et homophoniques - les épisodes choraux de ses opéras incluent des techniques polyphoniques.
Dans l'œuvre de Monteverdi, le nouveau était combiné avec l'ancien - les traditions de la Renaissance.

À début XVIII V. a développé école d'opéra de Naples. Les particularités de cette école sont une attention accrue portée au chant et au rôle dominant de la musique. C'est à Naples qu'il a été créé Style vocal Bel Canto(bel canto italien - « beau chant »). Bel Canto est célèbre pour l'extraordinaire beauté de son son, de sa mélodie et de sa perfection technique. Un interprète de bel canto doit être capable de reproduire de nombreuses nuances de timbre de voix, ainsi que de transmettre magistralement de nombreuses séquences rapides de sons chevauchant la mélodie principale. - coloratura (coloratura italienne - « décoration »).

Au XVIIIe siècle opéra est devenue l'espèce principale art musical en Italie, ce qui a été facilité par le haut niveau professionnel des chanteurs qui ont étudié en vérandas(Conservatorio italien, euh lat. conserver - "protéger") - les établissements d'enseignement qui a formé des musiciens. À cette époque, quatre conservatoires avaient été créés dans les centres de l'art lyrique italien : Venise et Naples. La popularité du genre a également été renforcée par les opéras ouverts dans différentes villes du pays, accessibles à toutes les couches de la société. Des opéras italiens ont été mis en scène dans les théâtres des principales capitales européennes, et des compositeurs d'Autriche, d'Allemagne et d'autres pays ont écrit des opéras basés sur des textes italiens.

Figure significative du début de la période baroque, dont la position était du côté du catholicisme, s'opposant à la croissance idéologique, culturelle et influence sociale Le protestantisme était Giovanni Gabrieli (1555-1612). Ses œuvres appartiennent au style « Haute Renaissance » (l'apogée de la Renaissance). Cependant, certaines de ses innovations dans le domaine de l'instrumentation (attribuant ses propres tâches spécifiques à un instrument donné) indiquent clairement qu'il était l'un des compositeurs qui ont influencé l'émergence d'un nouveau style.

L'une des exigences imposées par l'Église à la composition de la musique sacrée était que des textes dans les œuvres avec chant, il y avait difficile. Cela nécessitait de s'éloigner de la polyphonie pour se tourner vers des techniques musicales où les mots prenaient le dessus. Le chant est devenu plus complexe et plus fleuri que l'accompagnement.

Le compositeur allemand a également grandement contribué à la diffusion de nouvelles techniques. Heinrich Schutz (1585-1672), Formé à Venise, il est le compositeur allemand le plus célèbre avant Jean-Sébastien Bach et l'un des compositeurs les plus importants du début du baroque avec D. Gabrieli et C. Monteverdi. Il a utilisé de nouvelles techniques dans ses œuvres alors qu'il était chef de chœur à Dresde.

Musique du baroque mature (1654-1707)

La période de centralisation du pouvoir suprême en Europe est souvent appelée Absolutisme. L'absolutisme atteint son apogée sous le roi de France Louis XIV. Pour toute l’Europe, la cour de Louis était un modèle. Y compris la musique jouée à la cour. La disponibilité accrue d'instruments de musique (en particulier de claviers) a donné une impulsion au développement chambre musique (de la caméra italienne - « pièce »), réalisé dans de petits espaces ou à la maison.

Baroque mature est différent dès la première diffusion généralisée du nouveau style polyphonique ( écriture libre) et la séparation croissante des formes musicales, notamment dans l'opéra. Comme en littérature, la possibilité d'avoir un large tirage imprimer les œuvres musicales ont conduit à un élargissement du public ; les échanges entre les centres de culture musicale se sont intensifiés.

En théorie musicale, le baroque mature est défini par l'accent mis par les compositeurs sur l'harmonie et leurs tentatives de créer des systèmes cohérents. formation musicale.
Au cours des années suivantes, cela a conduit à l'émergence de nombreux théorique travaux Un exemple remarquable d'une telle activité est l'œuvre de la période baroque tardive - « Gradus ad Parnassum » (en russe : marches vers le Parnasse), publiée en 1725 par Johann Joseph. Fuchs(Allemand : Johann Joseph Fux) (1660-1741), théoricien et compositeur autrichien. Cet ouvrage, qui systématise la théorie du contrepoint, constitue l'outil le plus important pour l'étude du contrepoint presque jusqu'à la fin du XIXe siècle.

Un représentant éminent des compositeurs de la cour de Louis XIV fut Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Jean-Baptiste). Dès l’âge de 21 ans, il reçut le titre de « compositeur de cour de musique instrumentale ». Travail créatif Lully fut dès le début étroitement lié au théâtre. Suite à l'organisation de la musique de chambre de cour et à la composition d'airs de cour, il commence à écrire de la musique de ballet. Louis XIV lui-même dansait dans des ballets qui étaient alors le divertissement favori de la noblesse de cour. Lully était un excellent danseur. Il a eu l'occasion de participer à des productions, en dansant avec le roi. Il est célèbre pour son articulation travaillant avec Molière, pour les pièces duquel il a écrit de la musique. Mais l’essentiel dans l’œuvre de Lully était encore d’écrire opéras. Étonnamment, Lully a créé un type complet d’opéra français ; ainsi appelé en France tragédie lyrique(tragédie lyrique française), et atteint une maturité créative incontestable dès les premières années de son travail dans Opéra. Lully utilise souvent le contraste entre le son majestueux de la section orchestrale et les simples récitatifs et airs. Langage musical Lully n'est pas très complexe, mais certainement nouveau: la clarté de l'harmonie, l'énergie rythmique, la clarté de la division de la forme, la pureté de la texture parlent de la victoire des principes de la pensée homophonique. Dans une large mesure, son succès a également été facilité par sa capacité à sélectionner les musiciens de l'orchestre et son travail avec eux (il dirigeait lui-même les répétitions). L'attention portée à l'harmonie et à l'instrument soliste faisait partie intégrante de son travail.

Compositeur et violoniste Arcangelo Corelli(1653-1713) connu pour ses travaux sur le développement du genre concerto grosso (concerto grosso - "grand concert"). Corelli fut l'un des premiers compositeurs à voir ses œuvres publiées et interprétées dans toute l'Europe. À l'instar des œuvres d'opéra de J.B. Lully, le genre du concerto grosso est construit sur une comparaison contrastée du son de petits groupes d'orchestre solo et du son d'un orchestre complet. La musique est construite sur des transitions nettes entre les parties fortes et les parties calmes, les passages rapides contrastent avec les passages lents. Parmi les disciples d'Arcangelo Corelli se trouvait Antonio Vivaldi, qui composa plus tard des centaines d'œuvres écrites dans les formes préférées de Corelli : sonates en trio et concertos.

DANS Angleterre baroque mature marqué par un génie brillant Henri Purcell(1659-1695). Il meurt jeune, à l'âge de 36 ans, après avoir écrit de nombreux ouvrages et s'être fait connaître de son vivant. Purcell connaissait l'œuvre de Corelli et d'autres compositeurs italiens de l'époque baroque. Au cours de sa courte vie, Purcell a écrit de nombreuses œuvres vocales, instrumentales, musicales et théâtrales, dont la plus significative était l'opéra. "Dido et Enée"(1689). C'est le premier anglais opéra national. Le professeur de danse de la pension lui a ordonné de jeunes filles nobles. Le caractère privé de la commande influence l'apparence de l'œuvre : contrairement aux opéras monumentaux de Monteverdi ou de Lully, la composition de Purcell de petite taille, l'action se développe rapidement. Le livret de l'opéra (auteur Nicholas Tait) a été écrit sur la base de épopée héroïque"Énéide" du poète romain Virgile.

Dans Virgile, l'un des défenseurs de Troie, Enée, part errer après la chute de la ville. Une tempête emporte son navire jusqu'aux côtes de l'Afrique ; il y rencontre Didon, reine de Carthage. Didon tomba amoureuse d'Énée et, lorsque le héros la quitta à la demande des dieux, elle se suicida. Dans l'opéra de Purcell, le messager qui sépare les héros n'est pas envoyé par les dieux, mais par les sorcières des forêts (personnages populaires du folklore anglais). Énée a pris la tromperie pour un devoir sacré envers les dieux et a détruit la chose la plus précieuse : l'amour.

Un trait distinctif de l'œuvre de Purcell est harmonie. Le compositeur avait un don incroyable pour créer des mélodies parfaites - calmes, majestueuses et de forme impeccable. D'après Henry Purcell dans la musique anglaise jusqu'au XXe siècle. Il est difficilement possible de nommer des maîtres aussi brillants.

Contrairement aux compositeurs ci-dessus Dietrich Buxtehude (1637-1707)) n'était pas un compositeur de cour. Buxtehude a travaillé organiste, d'abord à Helsingborg (1657-1658), puis à Elseneur (1660-1668), puis, à partir de 1668, dans l'église Saint-Pierre. Marie à Lübeck. Il gagnait de l'argent non pas en publiant ses œuvres, mais en les interprétant, et plutôt que de fréquenter la noblesse, il préférait composer de la musique aux textes d'église et interpréter ses propres compositions pour orgue. Ses œuvres pour orgue se distinguaient par une richesse d'imagination, une abondance des comparaisons inattendues et colorées et un drame profond. Malheureusement, toutes ses œuvres n'ont pas survécu à ce compositeur. La musique de Buxtehude est en grande partie construite sur l'ampleur de ses projets, la richesse et la liberté d'imagination, un penchant pour le pathétique, le drame et une intonation quelque peu oratoire. Son œuvre a eu une forte influence sur des compositeurs tels que J. S. Bach et G. F. Telemann.

Musique du baroque tardif (1707-1760)

La frontière précise entre le baroque mature et tardif est un sujet de débat ; elle ment quelque part entre les deux 1680 et 1720. Dans une large mesure, la complexité de sa définition réside dans le fait qu'en différents pays les styles ont changé de manière asynchrone ; les innovations déjà acceptées comme règle dans un endroit étaient de nouvelles découvertes dans un autre. Italie, merci à Arcangelo Corelli et ses étudiants Francesco Geminiani et Pietro Locatelli deviennent le premier pays dans lequel Le baroque passe de la période mature à la période tardive. Une étape importante peut être considérée comme la quasi-absolue primauté de la tonalité, comme principe structurant pour la composition musicale. Ceci est particulièrement visible dans les travaux théoriques de Jean Philippe Rameau, qui a remplacé Lully comme principal compositeur français. Parallèlement, l'apparition de l'œuvre majeure de Johann Joseph Fuchs « Degree ad Parnassum » (1725), consacrée à la polyphonie d'un style strict, témoigne de la présence dans la musique deux styles d'écriture - homophonique-harmonique et polyphonique.

Formes, ouvert par la période précédente, arrivé à maturité et une grande variabilité ; concert, suite, sonate, concerto grosso, oratorio, opéra et ballet n'ont plus de caractéristiques nationales clairement définies. Les modèles d'œuvres généralement acceptés s'établissent partout : la forme répétée en deux parties (AABB), la forme simple en trois parties (ABC) et le rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- Compositeur italien, né à Venise.
En 1703, il fut ordonné prêtre catholique. Le premier décembre de la même année, il devient maître de violon à l'orphelinat vénitien "Pio Ospedale della Pieta" pour filles. La renommée de Vivaldi ne vient pas de ses concerts ou de ses relations à la cour, mais de la publication de ses œuvres, qui comprennent ses sonates en trio, ses sonates pour violon et ses concertos. Ils ont été publiés à Amsterdam et largement distribués dans toute l'Europe. C'est pendant ces genres instrumentaux, alors encore en développement (Sonate baroque et Concerto baroque), Vivaldi apporte sa contribution la plus significative. La musique de Vivaldi se caractérise par certaines techniques : une forme cyclique en trois parties pour le concerto grosso et l'utilisation de la ritournelle dans les mouvements rapides. Vivaldi a composé plus de 500 concertos. Il a également donné des titres programmatiques à certaines de ses œuvres, comme les fameuses « Saisons ». La carrière de Vivaldi montre une opportunité accrue pour le compositeur d'exister de manière indépendante : grâce aux revenus de activités de concerts et la publication de leurs travaux.

Domenico Scarlatti(1685-1757) fut l'un des principaux compositeurs et interprètes pour clavier de son époque. Il a commencé sa carrière comme compositeur de cour ; d'abord au Portugal, et à partir de 1733 à Madrid, où il passa le reste de sa vie. Son père Alessandro Scarlatti est considéré comme le fondateur de l'école d'opéra napolitaine. Domenico composa également des opéras et de la musique religieuse, mais sa renommée (après sa mort) fut assurée par son fonctionne pour les claviers. Il a écrit certaines de ces œuvres pour son propre plaisir et d'autres pour ses nobles clients.

Le compositeur de cour le plus célèbre de l'époque baroque était Georges-Frédéric Haendel(1685-1759). Il est né en Allemagne, a étudié trois ans en Italie, mais en 1711 il quitte Londres, où il commence sa brillante carrière commerciale. carrière réussie un compositeur d'opéra indépendant exécutant des commandes pour la noblesse. Possédant une énergie infatigable, Haendel retravailla le matériel d'autres compositeurs et constamment refait leur propres compositions. Par exemple, il est connu pour avoir retravaillé le célèbre oratorio "Messie" tellement de fois qu'il n'existe aujourd'hui aucune version qui puisse être qualifiée d'originale. Malgré le fait qu'il condition financière tour à tour en amélioration et en déclin, sa renommée s'est accrue grâce à la publication d'œuvres pour claviers, musique de cérémonie, opéras, concertos grossos et oratorios. Après sa mort, il fut reconnu comme l'un des principaux compositeurs européens et fut étudié par des musiciens de l'époque classique. Au cours de sa vie, Haendel a écrit sur 50 opéras (« Almira », « Agrippine », « Rinaldo », « Jules César », etc.), 23 des oratorios (« Messie », « Samson », « Judas Macovei », « Hercule »), d'innombrables chorals d'église, des concerts d'orgue, ainsi qu'un certain nombre d'œuvres de divertissement (« Water Music », « Music for Royal Fireworks »).

Un des les plus grands compositeursÉpoque baroque - Jean-Sébastien Bach est né
Né le 21 mars 1685 dans la ville d'Eisenach, en Allemagne. Au cours de sa vie, il a composé plus de 1000 œuvres dans des genres variés, sauf l'opéra. Mais de son vivant, il n’obtint aucun succès significatif. Ayant déménagé à plusieurs reprises, Bach a occupé des postes peu élevés les uns après les autres : à Weimar, il a été musicien à la cour du duc de Weimar Johann Ernst, puis est devenu gardien de l'orgue de l'église Saint-Pierre. Boniface à Arnstadt, accepta quelques années plus tard le poste d'organiste dans l'église Saint-Pierre. Blasius à Mühlhausen, où il n'a travaillé qu'un an environ, après quoi il est retourné à Weimar, où il a pris la place d'organiste de la cour et d'organisateur de concerts. Il est resté à ce poste pendant neuf ans. En 1717, Léopold, duc d'Anhalt-Köthen, engagea Bach comme chef d'orchestre et Bach commença à vivre et à travailler à Köthen. En 1723, Bach s'installe à Leipzig, où il reste jusqu'à sa mort en 1750.

J. S. Bach était bien connu en Allemagne de son vivant en tant que compositeur, interprète, professeur et père des jeunes Bach, principalement Carl Philipp Emmanuel. Mais dans les dernières années de sa vie et après la mort de Bach, sa renommée de compositeur commença à décliner : son style était considéré comme démodé par rapport au classicisme naissant.

En 1802, Johann Nikolai Forkel publie la première biographie la plus complète de Johann Sebastian Bach. En 1829, 79 ans après la mort de J. S. Bach, Felix Mendelssohn interprète la Passion selon saint Matthieu de Bach à Berlin. Le succès de ce concert a ravivé l'intérêt pour l'œuvre de J. S. Bach et est devenu la raison de l'émergence d'un énorme intérêt pour la musique de Bach en Allemagne, puis dans toute l'Europe.

Aujourd’hui, J. S. Bach est l’un des compositeurs les plus populaires de tous les temps : par exemple lors du vote « Meilleur compositeur Millennium", organisé sur Cultureciosque.com, Bach a pris la première place.

Le XVIIe siècle s'avère étonnamment favorable au développement culture artistique. Ce fut non seulement un siècle de science, mais aussi un siècle d’art. C’est vrai, si l’on tient compte du fait que l’épanouissement de la science ne faisait que commencer, alors que l’art avait déjà atteint son apogée. Néanmoins, le ciel au-dessus de lui est toujours clair et sans nuages. Son prestige dans la société est exceptionnellement élevé. En termes de nombre de grands artistes du XVIIe siècle, il surpasse apparemment tous les autres, y compris la Renaissance. D'ailleurs, si à la Renaissance l'Italie n'a pas d'égal dans le domaine de l'art, alors au XVIIe siècle. l'art est en hausse chez tout le monde pays européens, et la France semble désormais préférable.

Comme d’autres domaines de la culture, l’art a subi les effets de la différenciation. Son isolement devient de plus en plus marqué et distinct. Même le lien avec la religion s’en trouve sensiblement affaibli. En conséquence, les sujets religieux et mythologiques se débarrassent du pathétique excessif et sont remplis d'une vitalité et d'un naturel profonds.

Une autre conséquence de la différenciation est que parmi les artistes, les personnalités universelles caractéristiques de l'époque disparaissent. n'était pas seulement un artiste brillant, mais aussi un grand scientifique, penseur et inventeur. Bien que dans une moindre mesure, on peut en dire autant de L. Alberti, F. Brunelleschi. Piero della Francesche, F. Rabelais et d'autres... Aujourd'hui, des figures d'une telle envergure deviennent rares. En même temps, on constate une augmentation du principe subjectif dans l’art. Cela se manifeste par un nombre croissant d’individus brillants, par une plus grande liberté de création et un plus grand courage, ainsi que par une vision plus large des choses.

Au sein de l’art, il existe également un processus de différenciation, les genres existants changent et de nouveaux émergent. DANS peinture Le paysage et le portrait deviennent des genres totalement indépendants, dans lesquels le psychologisme est mis en valeur. Des natures mortes et des images d'animaux apparaissent. L’importance des originaux augmente solutions de composition, couleur, pittoresque, saveur.

DANS musique l'opéra est né. Le créateur de ce genre est le compositeur italien C.Monteverdi (1567-1643), a écrit l'opéra "Orphée", qui a été mis en scène 1607 et est devenu un véritable chef-d'œuvre de l'art lyrique. Pour la première fois, la musique complète non seulement la poésie, mais constitue également le personnage principal, exprimant le sens de tout ce qui se passe sur scène. Outre l'opéra, les cantates et les oratorios apparaissent également en musique.

Les principaux styles de l'art du XVIIe siècle. Le baroque et le classicisme apparaissent. Certains historiens de l'art pensent qu'au même moment le réalisme est apparu comme un style artistique particulier, mais ce point de vue est contesté, bien que l'existence d'une tendance réaliste soit reconnue.

Baroque

Baroque apparaît à la fin du XVIe siècle. en Italie. Le mot « baroque » lui-même signifie « étrange », « bizarre ». Le style baroque se caractérise par des images dynamiques, la tension, la luminosité, l'élégance, le contraste, le désir de grandeur, le faste et le faste, une synthèse des arts, une combinaison de réalité et d'illusion, une émotivité et une sensualité accrues. Le baroque était le style de l’élite aristocratique de la société féodale sortante, le style de la culture catholique.

Un représentant éminent du baroque italien est l'architecte, sculpteur et peintre romain. L. Le Bernin (1598-1680). Son œuvre incarnait tous les traits les plus caractéristiques du style, à la fois forts et faibles. Beaucoup de ses œuvres étaient concentrées dans le monument principal de la Rome catholique - la cathédrale Saint-Pierre. Pétra. Sous son dôme, construit par le grand Michel-Ange, s'élève une grandiose structure monumentale et décorative - un dais de trente mètres, et dans l'autel - une chaire en marbre tout aussi majestueuse de Pierre, décorée d'or et de figures représentant des anges et des amours, des pères de l'église et saints.

Une création encore plus magnifique du Bernin fut la grandiose colonnade, composée de 284 colonnes disposées sur quatre rangées et encadrant une immense place devant la cathédrale Saint-Pierre. Pétra. Les œuvres sculpturales les plus significatives du Bernin sont considérées comme « Apollon et Daphné » et « L'Extase de Saint-Pierre ». Thérèse."

La figure la plus célèbre du baroque européen est l'artiste flamand P. Rubens (1577-1640). Il peut à juste titre être qualifié de personnalité universelle, non inférieure en ampleur aux titans de la Renaissance. Il était proche des humanistes et aimait les classiques de l'Antiquité - Plutarque. Sénèque, Horace, connaissait six langues, dont le latin. Rubens n'était ni un scientifique ni un inventeur, mais il comprenait les problèmes de l'astronomie et de l'archéologie, s'intéressait aux horloges sans mécanisme, à l'idée du mouvement perpétuel, suivait les nouveaux développements de la philosophie, comprenait beaucoup de choses sur la politique et participait activement à il. Il aimait par-dessus tout la vie humaine elle-même.

Rubens a incarné son engagement envers l'humanisme dans son œuvre. Il devient un grand poète d'une vie remplie de bonheur, de plaisir et de lyrisme. Il reste un chanteur inégalable de la chair humaine – masculine et surtout féminine, beauté sensuelle corps humain. Seul Rubens pouvait, avec autant de courage et d'amour, transmettre la beauté de la chair elle-même, sa douce chaleur, sa douce souplesse. Il a réussi à montrer que la chair peut être belle sans avoir une belle forme.

L'un des thèmes centraux de son œuvre est la femme, l'amour et l'enfant comme fruit naturel et beau de l'amour. Cet aspect de son œuvre peut être vu et ressenti dans des films tels que « Vénus et Adonis ». « Junon et Argus », « Persée et Andromède », « Bethsabée ».

En Italie, Rubens fréquente une bonne école d'art. Cependant, son tempérament flamand n’enlève pas tout aux grands Italiens. On sait que les maîtres italiens préféraient l'équilibre, le calme et l'harmonie, ce qui leur permettait de créer une beauté éternelle. Rubens casse tout cela au profit du mouvement. Les figures humaines qu’il représente ressemblent souvent à un ressort comprimé, prêt à se déployer instantanément. À cet égard, il est le plus proche de Michel-Ange, dont les sculptures sont pleines de tensions et de mouvements internes. Ses œuvres sont également empreintes d'un dynamisme vigoureux. Il s'agit notamment des tableaux « La bataille des Amazones », « L'enlèvement des filles de Leucippe », « Chasse au lion », « Chasse au sanglier ».

Dans les œuvres de Rubens, la couleur et le pittoresque prévalent sur le dessin. Ici, Titien lui sert d'exemple. Rubens n'aime pas les contours trop nets. Il semble séparer la matière de la forme, la rendant libre, vivante et charnelle. Quant à la couleur, l'artiste préfère les tons vifs, nets et riches, remplis de couleurs saines. vitalité. Il ne s'efforce pas tant de leur harmonie que de l'orchestration, pour créer une symphonie de couleurs. Rubens est à juste titre appelé le grand compositeur de couleurs.

Classicisme

Patrie classicisme est devenue la France. Si le baroque privilégie les sentiments, alors le classicisme repose sur la raison. La norme la plus élevée et l’exemple idéal pour lui sont l’art ancien. Ses grands principes sont la clarté, l'ordre, la cohérence logique, l'harmonie et l'harmonie.

Selon le classicisme, le sujet de l'art doit être sublime et beau, héroïque et noble. L'art est censé exprimer de hauts idéaux moraux, glorifier la beauté et la richesse spirituelle de l'homme, glorifier le triomphe du devoir conscient sur l'élément sentimental. Le juge de l’art n’est pas seulement le goût, mais aussi la raison.

Le classicisme partage les principes fondamentaux du rationalisme et, surtout, l'idée d'une structure rationnelle du monde. Cependant, dans sa compréhension de la relation entre l'homme et la nature, il diffère de lui, poursuivant la ligne de l'humanisme de la Renaissance et estimant que ces relations doivent être construites sur les principes de consentement et d'harmonie, et non de domination et de soumission. Cela est particulièrement vrai pour l'art, dont l'une des tâches est de glorifier l'harmonie de l'homme avec la belle nature.

Le fondateur et figure principale du classicisme en peinture est un artiste français N. Poussin (1594-1665). Dans son travail, il s'appuie entièrement sur le rationalisme de R. Descartes, estimant que la sensation est toujours partielle et unilatérale, et que seule la raison peut appréhender le sujet dans son ensemble et dans toute sa complexité. La raison doit donc tout juger.

Poussin a passé presque toute sa vie en Italie, mais cela ne l'a pas empêché de devenir un véritable artiste français, qui a créé l'un des mouvements oculaires de l'art qui existent à ce jour. Parmi les maîtres italiens, Raphaël a eu la plus grande influence sur lui. dont les œuvres sont des exemples idéaux de perfection complète, ainsi que Titien, auprès duquel tous les artistes ultérieurs prennent des leçons de pur pittoresque.

Bien que Poussin privilégie la raison, son art ne peut pas être qualifié de sec, froid et rationnel. Il note lui-même que le but de l'art est le plaisir, que tous les efforts de l'artiste visent à procurer un plaisir esthétique au spectateur. Ses œuvres contiennent déjà deux éléments principaux de l'art, lorsqu'elles deviennent un phénomène complètement indépendant et autosuffisant.

L'un d'eux est associé à la plasticité, créée par des moyens purement artistiques et picturaux, une combinaison de lignes et de couleurs, qui constitue une source de plaisir esthétique particulier. La seconde est associée à l'expression, à l'expressivité, à l'aide de laquelle l'artiste influence le spectateur et évoque en lui l'état d'esprit qu'il a lui-même vécu.

La présence de ces deux principes permet à Poussin d'allier l'intellect et le sentiment. La primauté de la raison se conjugue avec son amour de la chair et de la sensualité. En témoignent ses peintures « Vénus et Adonis », « Vénus endormie », « Bacchanales » et autres, où l'on voit une personne parfaite de corps et d'esprit.

Dans la période initiale de la créativité de Poussin, les toiles sur des thèmes historiques et religieux-mythologiques prédominaient. Des œuvres telles que « Le Viol des Sabines », « La Capture de

Jérusalem", "Bergers Arcadiens". Ensuite, le thème de l’harmonie entre l’homme et la nature revient au premier plan. Elle est représentée dans les tableaux « Le Triomphe de Flore », « Paysage avec Polyphème », « Paysage avec Orphée et Eurydice », etc. La nature n'est pas seulement un lieu de séjour pour une personne. Un accord sensoriel profond s'établit entre eux, une certaine communauté d'âmes, ils forment un tout unique. Poussin a créé de véritables symphonies entre l'homme et la nature.

Dans les dernières années de sa vie, l'artiste consacre toute son attention à l'éloge de la nature. Il crée la série de poésie « Saisons ».

Le classicisme en architecture a trouvé son incarnation idéale dans le château de Versailles, construit par la volonté du roi de France Louis XIV. Cet ensemble grandiose comprend trois palais majestueux et un immense parc avec bassins, fontaines et sculptures. L'ensemble se distingue par son tracé strict, ses allées géométriques du parc, ses sculptures majestueuses, ses arbres et buissons taillés.

Le réalisme

tendance réaliste dans l'art du XVIIe siècle. est représenté principalement par l'artiste néerlandais Rembrandt(1606-1669). Les origines de cette tendance se trouvent dans l'œuvre du peintre italien Caravage (1573-1610), qui grande influence sur de nombreux artistes.

L'art de Rembrandt occupe en quelque sorte une position intermédiaire entre le baroque et le classicisme. Dans ses œuvres, on retrouve des caractéristiques de ces deux styles, mais sans les extrêmes inhérents à chacun d'eux. En particulier, son célèbre "Danae" semble très sensuel et charnel, mais pas dans la même mesure que Rubens l'aurait interprété. C'est la même chose avec le classicisme. Certains de ses traits sont présents dans les œuvres de Rembrandt, mais il n'y a pas de beauté pure et idéalisée, il n'y a rien de majestueux ou d'héroïque. pas de pathos, etc. Chez eux, tout semble plus proche du sol, tout est beaucoup plus simple, plus naturel, plus véridique, plus réaliste.

Mais la principale originalité de l’art de Rembrandt réside ailleurs. Cela réside dans le fait que grâce à lui une nouvelle direction est née dans la peinture européenne - psychologisme. Rembrandt fut le premier à répondre sérieusement au célèbre appel de Socrate : « connais-toi toi-même ». Il tourna son regard vers l'intérieur et un monde intérieur immense et inconnu, à la mesure de l'Univers infini, lui fut révélé. Le sujet de son art est la richesse inépuisable de la vie spirituelle humaine.

Rembrandt semble regarder et écouter les reflets sans fin états psychologiques, manifestations inépuisables du caractère humain individuel. D'où l'abondance non seulement de portraits, mais aussi d'autoportraits, dans lesquels il se représente à différentes périodes de sa vie - dans la jeunesse et la vieillesse, dans différents états - plein de vitalité et après une maladie. Dans ses œuvres, le portrait devient non seulement un genre indépendant, mais atteint également des sommets sans précédent. Tout son travail peut être qualifié d'art portrait.

Ce tournant s’explique en grande partie par le fait que Rembrandt – contrairement aux catholiques Rubens et Poussin – était protestant. Avant l’avènement du protestantisme, l’homme ne cherchait pas consciemment à se séparer des autres. Au contraire, il ne se pensait pas en dehors de la communauté collective. Dans l’Antiquité, une telle communauté était soutenue par des normes politiques et morales. Au Moyen Âge, le christianisme a renforcé ses fondements antérieurs par une communauté de foi.

Le protestantisme a violé cette tradition, plaçant sur lui-même la principale responsabilité du sort d’une personne. Désormais, la question du salut est devenue avant tout une affaire personnelle pour chaque individu. Un profond changement s’est produit dans la conscience de l’homme occidental, et Rembrandt a été le premier à ressentir profondément les changements en cours et à les exprimer dans son art.

De nombreuses œuvres des débuts de l’œuvre de Rembrandt, et surtout ses autoportraits, parlent d’une attention particulière portée aux secrets de la vie intérieure, de la recherche de sa propre vérité personnelle. En témoignent également ses peintures telles que « L'Apôtre Paul en prison », « Le Christ à Emmaüs », etc., où les expériences psychologiques et les réflexions sur le sens de la vie et de l'existence sont mises en avant. Dans la période de maturité et surtout après le fameux "Veille de nuit" ces tendances deviennent encore plus fortes. Ils apparaissent particulièrement clairement dans les tableaux "Portrait d'un vieil homme en rouge" et "Portrait d'une vieille dame". Le tableau « Les Syndics » devient le summum de l’art du portrait de groupe.

DANS la dernière Epoque La créativité de Rembrandt plonge de plus en plus en profondeur conscience humaine. Il aborde un problème complètement nouveau pour l'art européen : le problème de la solitude humaine. Un exemple en est ses peintures « Le Philosophe » et « Le retour du fils prodigue ».

Quand on parle du 17ème siècle. en tant qu'ère littéraire, nous ne parlons pas de cadres de calendrier : de nouveaux tendances artistiques se déclarent à la fin du XVIe siècle, d'autres, au contraire, n'apparaissent pas avant les années 20.

le siècle prochain. Depuis les années 90 environ. XVIIe siècle

commencent des processus sociaux et culturels qui peuvent être attribués à une nouvelle étape : le siècle des Lumières. Cependant, bien qu'il soit impossible de déterminer la limite chronologique exacte et unique à partir de laquelle l'ère de la Renaissance cesse d'exister et qu'une nouvelle période apparaît, l'ère culturelle qui suit la Renaissance commence précisément avec le sentiment aigu d'un temps, d'un monde et d'un homme changés. : la civilisation médiévale est remplacée par la civilisation des temps modernes. Durant cette période, selon les experts, l’homme moderne commence à se reconnaître beaucoup plus clairement et mieux qu’auparavant. De nombreuses coutumes, objets ménagers et vêtements qui nous sont familiers sont apparus pour la première fois au XVIIe siècle : c'est par exemple à cette époque que l'on a commencé à utiliser le verre à vitre ; Pour la première fois, les couverts comprennent une fourchette ; La semelle plate traditionnelle des chaussures pour femmes est remplacée par une innovation inventée : le talon. C'est au cours de ce siècle que, selon un historien, s'opère une rupture avec l'ancienne tradition alimentaire : la nourriture devient à la fois plus simple et plus variée, la consommation de café et de thé, auparavant inconnus ou peu connus, devient courante.

Mais l’homme moderne se reconnaît dans la culture du XVIIème siècle. non seulement par ces signes, mais, peut-être plus encore, par le sentiment de la complexité et de la nature contradictoire de la vie, de son drame profond. Les espoirs optimistes quant aux possibilités de transformation de l'esprit de la Renaissance sont remplacés par un sentiment alarmant de disharmonie de l'existence, d'incohérence et de fragilité de l'homme - le « roseau pensant », selon les mots du philosophe français Pascal du XVIIe siècle. Ce fut une période mouvementée et mouvementée dans l’histoire de l’Europe occidentale. Nous vivons une époque où les conflits religieux entre catholiques et protestants se poursuivent et où la contre-réforme gagne en force, où la révolution bourgeoise aux Pays-Bas prend fin, où de nombreux États européens se retrouvent impliqués dans la longue guerre de Trente Ans, particulièrement destructrice pour l'Allemagne. là où se déroulèrent les principales hostilités, ce conflit tragique venait à peine de se terminer (en 1648), puisqu'en Angleterre commençait la révolution bourgeoise, et en France - le mouvement Fronde contre l'absolutisme. Ainsi, même si le XVIIe siècle est souvent appelé le siècle de l'absolutisme, l'instauration d'un régime plus ou moins stable États monarchiques, le processus de formation des nations au cours de cette période n'a pas été du tout indolore ; au contraire, il a été difficile et contradictoire.

Cependant, comme pour contraster avec l'existence contradictoire et instable, l'homme du XVIIe siècle s'appuie sur la raison : c'est le siècle du développement rapide des sciences physiques et mathématiques, l'époque de la révolution scientifique, menée par de tels des scientifiques célèbres comme Kepler, Galilée, Descartes, Newton. Et pourtant, les résultats les plus brillants de la recherche scientifique au cours de cette période n'ont pas éliminé, mais ont encore aggravé le sentiment d'inconnu - le mystère de la vie humaine intérieure. Comme l’a écrit un poète néerlandais : « Nous voulons comprendre la somme des connaissances !

/Hélas! Il n’y a aucun moyen de se plonger dans nous-mêmes. Le regard sur le monde et sur soi d'un homme du XVIIe siècle, d'un homme des temps modernes, était plus sobre et plus amer qu'à la Renaissance. Il n’y a pas de place ici pour une croyance joyeuse et optimiste en ses capacités, ou une confiance dans l’harmonie de l’univers. L’esprit humain est compris comme un instrument de connaissance assez vrai et subtil, mais le seul et fragile. C'est pourquoi les succès de la science se combinaient avec le scepticisme, la confiance coexistait avec le doute, la rationalité s'opposait à l'émotivité et, en général, l'apparition de cette époque dans son ensemble était déterminée par des principes contradictoires.

Une époque complexe et différente d'elle-même apparaît dans les œuvres d'artistes aussi différents mais tout aussi grands que Rembrandt et Vélasquez, des musiciens comme Schutz et Lully, des écrivains comme Calderoy et Molière, Milton et Corneille, des philosophes comme Descartes et Pascal. Les contradictions constituent la base des œuvres d'art et de la littérature de cette époque. L'aspect artistique de l'époque est déterminé par deux directions principales opposées : le baroque et le classicisme. Dans ces mêmes définitions, il y a déjà un contraste expressif : si baroque -. un mot d'origine peu claire, qui a plusieurs sens et est utilisé dans plusieurs langues, d'ailleurs, a longtemps été utilisé dans le sens de « insipide, étrange, bizarre », alors le classicisme est un mot qui vient du latin et signifie "exemplaire". Pendant longtemps, les critiques ont perçu la littérature baroque et classique de cette manière : la première - comme une littérature « de mauvais goût », de « mauvais goût », la seconde - comme « correcte », « parfaite ». Mais les goûts esthétiques modernes sont beaucoup plus tolérants et variés.

Les lecteurs ont appris à apprécier la fantaisie baroque, l'étrangeté et la clarté, l'harmonie du classicisme. De plus, dans les deux cas, nous sommes confrontés à une réaction esthétique à la crise des idées optimistes de la Renaissance sur l’homme et le monde.

L'art et la littérature baroques cherchaient à être transmis images artistiques incohérence et disharmonie de la vie humaine et n'a donc pas abouti à un certain résultat, mais à une complexité. La littérature baroque n’a pas peur de souligner la possibilité d’interprétations différentes des images.

Le style baroque aime la métaphore, construite sur le rapprochement d'objets dissemblables, rapprochement inattendu et paradoxal. Il y a quelques similitudes avec le Moyen Âge vision artistique: le monde semble divisé en deux, en tragique et comique, en sublime et en bas, en physique et en spirituel. La littérature baroque véhicule le sentiment de l'impermanence de la vie, perçue comme une illusion, comme un rêve. Une personne remet constamment tout en question, qu'elle soit en état de sommeil ou d'éveil, qu'elle observe un phénomène réel ou apparent, qu'elle voie un visage ou un masque. Les métaphores baroques - l'illusion du monde, le rêve du monde - se combinent avec un certain nombre d'autres, tout aussi importantes : le théâtre du monde, le livre du monde. La réalité environnante apparaît ici comme une immense encyclopédie de symboles et d'emblèmes ; le sens allégorique caché se trouve dans les phénomènes et les objets et est porteur d'enseignement et d'édification, mais la littérature baroque n'enseigne pas directement, mais à travers un impact émotionnel - excitation, surprise. D'où l'amour des écrivains baroques pour les images insolites et l'originalité.

Parmi les écrivains les plus importants du baroque européen figurent le dramaturge espagnol P. Calderon, les poètes italiens Marino et Tasso, le poète anglais D. Donne, le romancier français O. d'Urfe et quelques autres. Le classicisme du XVIIe siècle, tout comme le baroque, cherchait à s'opposer sentiment général l'instabilité et le chaos de l'existence, l'ordre de l'art.

Les classiques considéraient les normes et règles de la créativité esthétique comme un moyen de surmonter les contradictions de la réalité. Le principe de vraisemblance a été proclamé, mais ce principe a été compris non pas comme une représentation naïvement véridique de la vie, mais comme une recréation de la belle nature, « construite selon les lois des mathématiques » (Galileo). Dans le même temps, le classicisme était axé sur une sorte de compétition. avec l'Antiquité : l'art de l'Antiquité classique était perçu comme un exemple de stricte observance des lois immuables de l'art.

Contrairement au désir de compliquer l'image et le style caractéristiques du baroque, le classicisme veut atteindre la simplicité et la clarté. Les phénomènes complexes de la réalité semblent décomposés en phénomènes plus simples ; le tragique et le comique, le haut et le bas, ne se heurtent pas dans une seule image contradictoire, comme dans le baroque, mais sont séparés selon différents genres. La tragédie, l'ode et l'épopée étaient considérées comme des genres « élevés » ; la comédie, la fable et la satire étaient considérées comme des genres « bas ». Genres élevés se tournaient généralement vers des histoires mythologiques anciennes, décrivaient des situations sublimement héroïques dans lesquelles ils agissaient nobles héros. Les genres comiques reflètent la modernité, leurs personnages sont plus démocratiques. Mais tous deux se sont donné pour mission « d’éduquer tout en divertissant », suivant l’ordre du poète antique Horace.

Tous deux étaient soumis à certaines règles, particulièrement strictes pour les genres dramatiques : elles exigeaient le respect de l'unité de lieu, de l'unité de temps, de l'unité d'action. Le classicisme a accordé une grande attention à la théorie de l'art et de nombreux traités sur la poétique du classicisme ont été créés au cours du siècle. Le plus célèbre d’entre eux est le traité poétique « Art poétique » de N. Boileau. Les classiques les plus célèbres du XVIIe siècle. - les dramaturges Corneille et Racine en France, Ben Jonson en Angleterre, le poète allemand M. Opitz.

Le baroque et le classicisme se sont développés de manière inégale tout au long du siècle (le baroque prédominait dans la première moitié du siècle, le classicisme dans la seconde), différemment selon les pays. Ainsi, en Espagne, bien sûr, le baroque dominait, en France, le classicisme. Mais outre le fait que ces tendances s'opposaient, elles ont parfois interagi de manière fructueuse même dans l'œuvre d'un seul écrivain - par exemple, le poète anglais Milton, auteur du poème « Paradis perdu", est considéré comme un exemple de poète baroque-classique. Vrai vie littérature XVII siècle n’est pas schématique ; il révèle une richesse d’aspirations artistiques et une diversité d’individus créatifs. N.P.