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Introduction

Le ballet est une forme d'art qui allie la beauté et la mélodie de la musique, la plasticité et le rythme de la danse, la subtilité du jeu et la diversité. intrigues littéraires. Ballet, selon V.V. Vanslova - « art synthétique ».

L'école de ballet russe est à juste titre considérée comme l'une des meilleures au monde. Il suffit de rappeler les noms de B. Eifman, G.S. Oulanova, A.Ya. Vaganova, N.M. Dudinskaya et autres.

Une école est un certain ensemble d’idées, d’orientations, de concepts et de points de vue. Pour qu'il existe et se développe, il faut un système clair de soutien pédagogique, qui permet de tirer le meilleur parti de ces idées et orientations, de les traduire dans la réalité et de les compléter avec de nouvelles idées. "Nous attendons de l'école des virtuoses de la danse parfaitement formés, techniquement forts et en même temps de vrais artistes, capables d'exprimer leurs pensées et leurs sentiments enflammés dans la danse la plus complexe, capables de se transformer à chaque fois en une nouvelle image artistique", écrit R.V. Zakharov.

Actuellement, le système d'enseignement chorégraphique en Russie subit des changements importants provoqués par des tendances mondiales, telles que l'adhésion de la Russie à l'Accord de Bologne et la réforme du système de formation professionnelle en général. Ces tendances s’expriment dans la formation de spécialistes de type « licence-master », l’introduction d’une éducation axée sur la pratique et l’informatisation généralisée du système d’enseignement supérieur.

Ce qui importe dans le système de formation des spécialistes modernes, c'est leur capacité à s'intégrer directement dans des activités professionnelles immédiatement après avoir obtenu leur diplôme d'une université ou d'un établissement professionnel secondaire. G.B. en parle dans ses ouvrages. Golub, E.Ya. Kogan, V.A. Bolotov, A.V. Khutorskoy et autres. Dans le cas de l'éducation chorégraphique, cela implique une transition en douceur d'une école chorégraphique, d'une académie au théâtre. Assurer cette transition signifie justifier l’essence formation des enseignants futur soliste de ballet, établir une interaction entre les théâtres et les établissements d'enseignement et être capable de déterminer le niveau de préparation de l'étudiant d'hier à l'activité professionnelle adulte d'aujourd'hui.

Il n'existe pratiquement aucun ouvrage consacré à une étude approfondie des processus de développement du professionnalisme d'un danseur de ballet. Il n’existe que des publications individuelles qui examinent un aspect ou un autre de cette vaste question. Cependant, il existe des précédents pour la construction compétente d'un système de transition vers l'activité professionnelle dans notre pays, et ils nécessitent étude détaillée. L'un de ces précédents peut être considéré comme la ville de Krasnoyarsk, où l'un des plus célèbres Théâtres russes- Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk, dont certains solistes ont été formés à l'École Chorégraphique de Krasnoïarsk. Et ces solistes occupent une place de premier plan dans le ballet de Krasnoïarsk.

Compte tenu de tout ce qui précède, soulignons la problématique de cette étude.

Problème : manque de recherches consacrées au développement du professionnalisme des danseurs de ballet, pénurie de modèles décrivant le développement du professionnalisme des danseurs de ballet.

Hypothèse de recherche : la formation du professionnalisme d'un danseur de ballet se déroule dans les conditions suivantes :

§ la présence d'un accompagnement pédagogique pour l'ensemble du processus de devenir artiste de la part d'un professionnel dans le domaine du ballet ;

§ la possibilité d'exercer une réelle pratique de l'activité professionnelle dès les premiers stades de la formation ;

§ la présence d'une concurrence constante de la part d'autres professionnels émergents ;

§ systématiques physiques, intellectuelles et préparation psychologique et autoformation du futur professionnel ;

§ la présence d'une préparation de base à l'activité professionnelle de danseur de ballet et la confirmation constante d'une préparation accrue tout au long du processus de devenir professionnel.

Objectif de l'étude : analyse et description du modèle moderne de devenir danseur de ballet professionnel.

Pour atteindre l'objectif, il est nécessaire de résoudre les tâches suivantes :

§ déterminer les spécificités de l'activité professionnelle de danseur de ballet ;

§ révélera les exigences du métier de danseur de ballet à la personnalité et au psychisme d'une personne ;

§ déterminer les critères de professionnalisme d'un danseur de ballet, les moyens de le mesurer et de le former ;

§ collecter des informations historiques sur le développement du ballet de Krasnoïarsk (en utilisant l'exemple du Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk et de l'École chorégraphique de Krasnoïarsk) ;

§ déterminer les tendances du système moderne de formation professionnelle en général et du système de formation des danseurs de ballet en particulier ;

§ élaborer des recommandations méthodologiques pour développer le professionnalisme d'un danseur de ballet en période postuniversitaire.

Objet d'étude : diplômés de l'école chorégraphique - artistes de théâtre d'opéra et de ballet.

Sujet de recherche : le processus de formation professionnelle d'un danseur de ballet.

Méthodes de recherche:

Observation;

Description;

Analyse théorique;

La base théorique du travail est la recherche sur la psychologie et la pédagogie du professionnalisme d'A.K. Markova, psychologie de l'activité créatrice A.I. Sevastyanova, B.S. Meilakha, B.M. Runina, Ya.A. Ponomarev, les fondamentaux de l'art du ballet V.V. Vanslova, M.M. Gabovitch, N.I. Tarasova et d'autres. L'ouvrage a également utilisé des périodiques, des mémoires, des biographies et des autobiographies décrivant les activités des principaux solistes de ballet du passé et du présent.

L'ouvrage comprend une introduction, deux chapitres, une conclusion et une bibliographie.

L'introduction justifie la pertinence du sujet de recherche, du but, des objectifs, de l'objet, du sujet de recherche, de sa signification théorique et pratique.

Le chapitre 1 « Aspects théoriques du développement du professionnalisme d'un danseur de ballet (en utilisant l'exemple des danseurs de ballet du Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk) » définit les spécificités de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet, les critères de professionnalisme, présente référence historique sur le développement du ballet de Krasnoïarsk.

Le chapitre 2, « Analyse des moyens de développer le professionnalisme d'un danseur de ballet au cours de la période de troisième cycle (en utilisant l'exemple des danseurs de ballet du Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk) », examine les principales tendances du système moderne de formation professionnelle, les caractéristiques du développement du professionnalisme d'un danseur de ballet et présente des recommandations méthodologiques développées pour développer le professionnalisme d'un danseur de ballet en période de troisième cycle.

Enfin, des conclusions générales pour l’ensemble du travail sont présentées.

D'un point de vue théorique, l'ouvrage peut intéresser les chercheurs dans le domaine de la psychologie et de la pédagogie de l'activité créatrice ; d'un point de vue pratique, l'ouvrage est intéressant pour les recommandations méthodologiques qu'il contient pour développer le professionnalisme d'un ballet danseuse en période postuniversitaire.

Chapitre 1. Aspects théoriques du développement du professionnalisme d'un danseur de ballet (en utilisant l'exemple des danseurs de ballet du Théâtre d'Opéra et de Ballet d'État de Krasnoïarsk)

1.1 Spécificités de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet

Pour déterminer les spécificités de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet, clarifions les concepts clés et, tout d'abord, la notion de « ballet ». Vanslov V.V. définit le ballet comme « un type d’art musical et théâtral dont le contenu s’exprime dans des images chorégraphiques ». L’image chorégraphique, à son tour, est une « incarnation dansée-plastique » contenu de la vie: humeurs, sentiments, états, actions, imprégnés de pensée et trouvant leur manifestation dans un système spécial de mouvements expressifs d'une personne » [ibid]. Selon Vanslov, le ballet est un « art synthétique », car il combine plusieurs types de ballets. créativité artistique: chorégraphie, musique, théâtre, arts visuels.

Chatalov O.V. « ballet » désigne un type d'art théâtral dont les principaux moyens d'expression sont la danse et la pantomime dites « classiques » (historiquement établies, soumises à un code strict de règles), accompagnées de musique, ainsi qu'une œuvre scénique appartenant à ce type d’art.

Comme le montrent ces définitions, le ballet est un phénomène assez multidimensionnel et systémique. La structure du ballet peut être distinguée :

1. Scénario de ballet - concept dramatique, livret (il convient de noter qu'il existe également des ballets sans intrigue). Il fournit un bref résumé verbal des idées, de l'intrigue, du conflit et des personnages de la pièce. Le scénario du ballet doit être écrit en tenant compte de son incarnation musicale et chorégraphique. Très souvent, un scénario de ballet est créé sur la base d'une œuvre littéraire. L'auteur du scénario est généralement un auteur de ballet spécialisé. Mais le scénario peut aussi être composé par un chorégraphe, un compositeur, un artiste ou plusieurs créateurs d'un spectacle de ballet en même temps.

2. Chorégraphie. La chorégraphie moderne distingue la danse de tous les jours (folklorique et de salon) ainsi que la danse de scène (variétés et ballet). Le ballet est la forme la plus élevée de l'art chorégraphique. La danse constitue le noyau efficace du ballet. « Les possibilités plastiques de la chorégraphie sont illimitées ; elle peut exprimer n'importe quel sentiment, y compris le chagrin, la dépression, le désespoir, etc. Elle a les moyens de caractériser plastiquement non seulement le mouvement, mais aussi la paix, l'incarnation non seulement de la beauté et du bien, mais aussi de la laideur et du mal », écrit V.V. Vanslov.

3. Accompagnement musical. Le caractère commun de la nature figurative crée l'opportunité composé organique musique et chorégraphie en un seul ensemble artistique. L'importance de la musique pour la chorégraphie d'un spectacle de ballet est avant tout significative. « Le chorégraphe met en scène le spectacle en s'appuyant non seulement sur le plan dramatique du scénario, mais aussi, avant tout, sur la musique, qui transforme ce plan du scénario et l'enrichit émotionnellement et de manière significative », explique V.V. Vanslov.

4. Pantomime, éléments de gymnastique et d'acrobatie. Un danseur de ballet n'est pas seulement un interprète de mouvements de danse pré-préparés et programmés. Il est également un acteur de théâtre à part entière. Comme pour tout acteur, la pantomime pour un danseur de ballet fait partie intégrante de son travail sur scène. Les petits mouvements et les expressions faciales subtiles transmettent une grande quantité d'informations, révèlent l'essence du héros, transmettent ses sentiments et ses humeurs.

5. Décoration. Ballet - complet performance théatrale. Outre le travail des personnes sur scène, cela comprend également l'atmosphère artistique générale, qui est créée sur scène et à l'aide d'accessoires, de costumes de héros et de jeux d'ombres et de lumière. Tout cela est extrêmement important pour transmettre les intentions du chorégraphe.

Et pourtant, le rôle principal dans le ballet est confié aux personnes - les danseurs de ballet. Ce sont les interprètes du plan du directeur de ballet, acteurs, danseurs, héros. « Sans acteur, il n’y a pas de spectacle chorégraphique, il n’y a pas de ballet en tant que forme d’art. Le meilleur livret, la plus belle musique, l'imagination la plus riche de l'artiste ne portent leurs fruits que si les personnages du ballet, les ballerines et les danseurs, prennent vie dans des images chorégraphiques », explique M.M. Gabovich.

La spécificité de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet réside dans la nécessité d'occuper plusieurs postes en même temps, de transmettre un sens artistique par des mouvements seuls, sans prononcer un mot.

1.2 Psychologie de l'activité professionnelle d'un danseur de ballet

Comme toute activité professionnelle, le ballet impose certaines exigences à la personnalité de l’artiste et au niveau de développement de ses fonctions mentales. Ainsi, l'activité motrice active d'un danseur de ballet nécessite le plein développement de fonctions mentales telles que les sensations. "Le développement de l'analyseur kinesthésique ou moteur est d'une grande importance, en particulier dans les activités humaines", écrit A.I. Sevastyanov. Les sensations kinesthésiques sont provoquées, par exemple, par l'irritation des terminaisons nerveuses intégrées dans les muscles, les articulations, les ligaments et les os, ainsi que celles résultant des mouvements du corps dans l'espace, et fournissent au corps les informations nécessaires pour effectuer des actions coordonnées et actes moteurs complexes de l’interprète.

Il est également clair que dans l'activité d'un danseur de ballet, des types de sensations telles que auditives, tactiles, statiques et visuelles sont également importantes. Il convient de noter que le développement d'une fonction mentale particulière implique leur état qualitatif. Chaque homme en bonne santé possède un certain ensemble de fonctions mentales, mais le degré de leur expression peut varier considérablement et créer ainsi des caractéristiques mentales individuelles de chaque personne. Dans le cas des sensations, on peut parler de caractéristiques qualitatives telles que le seuil absolu des sensations - l'irritation la moins puissante qui provoque une sensation à peine perceptible, une adaptation positive ou négative - l'adaptation des organes sensoriels aux stimuli agissant sur eux.

Un niveau élevé de développement de la perception et de l'attention est important dans les activités d'un danseur de ballet. Avec une activité élevée de ces fonctions, certaines personnes peuvent développer une observation créative, dont le trait caractéristique est « la capacité de remarquer des signes typiques subtils, mais très significatifs, d'un objet ou d'un phénomène dans les objets et les phénomènes ».

Une personne créative se manifeste dans l'originalité de capter les phénomènes de la réalité environnante. Le plus important pour une personne créative la mémoire dite figurative, « consistant en l’empreinte et la reconstruction ultérieure de la représentation d’objets précédemment perçus ». La mémoire émotionnelle est également extrêmement importante, car elle consiste à se souvenir, reproduire et reconnaître des émotions et des sentiments.

Pour tout le monde métier créatif La sensibilité et l'émotivité sont importantes. Le caractère unique des émotions et des sentiments est déterminé qualités personnelles, l'orientation de la personnalité, ses motivations, ses aspirations, ses intentions, ses propriétés mentales individuelles, par exemple son caractère et ses composantes émotionnelles-volontaires. Une personne éprouve non seulement des émotions et des sentiments, mais elle a également une conception « corporelle » externe sous la forme d'expressions faciales, de pantomimes, d'intonation et de manifestations végétatives-vasculaires.

Un élément essentiel de l'activité créatrice est sa prise de conscience et son élaboration mentale par une personne. En ballet, comme dans l’art en général, la capacité d’une personne à penser de manière créative est importante. Les principales propriétés de la pensée créative sont :

§ flexibilité de la pensée (passage d'une classe de phénomènes à une autre, parfois lointaines dans leur contenu) ;

§ liberté par rapport au modèle (non-trivialité, caractérisée par la recherche de nouvelles approches pour résoudre les problèmes) ;

§ largeur de pensée (la capacité d'attirer des connaissances de divers domaines et la capacité d'appliquer ces connaissances) ;

§ criticité (la capacité d'évaluer correctement l'objet de ses propres activités) ;

§ profondeur (le degré de pénétration dans l'essence des phénomènes) ;

§ ouverture (accessibilité de la pensée à divers types d'idées et de jugements entrants) ;

§ l'indépendance (la capacité de formuler et de résoudre de manière indépendante et originale des problèmes créatifs sans être influencé) ;

§ l'empathie (la capacité de pénétrer dans le fil de la pensée d'une autre personne).

Le processus de mise en scène d’un ballet implique un énorme travail mental de la part de tous les interprètes. Un danseur de ballet doit travailler avec des images artistiques. Leur formation et leur mise en œuvre relèvent de l'imagination.

Ainsi, toutes les capacités cognitives humaines sont impliquées dans le travail d'un danseur de ballet sur scène. En plus d’eux, les traits de caractère et le tempérament d’une personne ont également une influence significative. Leonhard K. a introduit le concept de personnalités accentuées, prenant en compte l'accent mis à la fois sur les traits de caractère, exprimés dans les caractéristiques de la sphère mentale, les motivations d'une personne et le tempérament, qui influencent les qualités réactives de l'individu, en particulier le rythme et profondeur des manifestations émotionnelles.

Il y a plusieurs divers classements accentuations de caractères, la plupart de qui sont accompagnés de techniques de diagnostic spéciales qui nous permettent d'identifier le type d'accentuation. Sans nous concentrer sur des méthodes spécifiques, notons que la division des personnes en types est toujours assez arbitraire. Il est possible d'identifier des traits de caractère et des types d'accentuation « favorables » à la profession, mais cela doit être fait avec prudence, en prêtant attention à la perception holistique de la personnalité du professionnel, à ses qualités professionnelles, aux avis des collègues et à l'environnement social. environnement dans lequel il s'inscrit.

Pour un métier créatif, dans le travail d'un danseur de ballet, des traits de caractère tels que l'ouverture, la convivialité, la patience, la responsabilité, l'indépendance, l'activité et l'initiative sont importants. Cette liste n'est pas exhaustive, mais elle reflète en général les spécificités de l'activité professionnelle créative.

En caractérisant les activités d'un danseur de ballet, on ne peut manquer de noter une caractéristique de son travail comme le collectivisme. Une troupe de ballet est un grand groupe de personnes, avec leurs propres caractéristiques individuelles, dans lesquelles certaines règles de comportement s'appliquent et une certaine hiérarchie de relations s'est développée. La communication comme capacité à trouver langage mutuel avec d'autres personnes est la caractéristique la plus importante le caractère d'une personne créative et d'un danseur de ballet également.

1.3 Le concept de « professionnalisme » dans le ballet, la recherche sur son niveau et les méthodes de formation

Sous le professionnalisme de Markov A.K. comprend «l'ensemble, un ensemble de caractéristiques personnelles d'une personne nécessaires à la réussite du travail». Le professionnalisme, selon l'auteur, se compose de deux éléments : motivationnel et opérationnel.

L’élément motivationnel implique :

§ la passion pour la mentalité, le sens, l'orientation du métier au profit des autres, le désir de pénétrer les orientations humanistes modernes, le désir de rester dans le métier ;

§ motivation pour des niveaux élevés de réussite dans son travail ;

§ désir de se développer en tant que professionnel, motivation pour une dynamique positive de croissance professionnelle, profitant de toute opportunité de croissance professionnelle, fixation d'objectifs professionnels solides ;

§ passage harmonieux de toutes les étapes de la professionnalisation - de l'adaptation au métier en passant par la maîtrise, la créativité, jusqu'à l'achèvement sans douleur du parcours professionnel ;

§ absence de déformations professionnelles dans la sphère motivationnelle, crises ;

§ lieu interne du contrôle professionnel, c'est-à-dire la recherche des raisons de réussite et d'échec en soi et au sein de la profession ;

§ le prix psychologique optimal pour des résultats élevés dans les activités professionnelles, c'est-à-dire l'absence de surcharge, de stress, de pannes et de conflits.

L'élément opérationnel comprend :

§ pleine conscience des traits et caractéristiques d'un professionnel, conscience professionnelle développée, vision holistique de l'apparence d'un professionnel à succès ;

§ se mettre en conformité avec les exigences de la profession ;

§ réalisation effective des activités professionnelles au niveau d'exemples et de normes élevés, maîtrise des compétences, productivité du travail élevée, fiabilité et durabilité des résultats élevés ;

§ l'épanouissement de la personne par le biais de sa profession, l'auto-compensation des qualités manquantes, l'apprentissage professionnel et l'ouverture ;

§ apporter une contribution créative d'une personne à la profession, enrichir son expérience, transformer et améliorer l'environnement professionnel qui l'entoure ;

§ susciter l'intérêt du public pour les résultats de son travail, car la société peut ne pas connaître ses besoins pour les résultats d'un travail professionnel donné, cet intérêt doit être formé.

Le professionnalisme, selon Markova, s'acquiert à travers les étapes suivantes :

1. L'étape d'adaptation d'une personne au métier, l'assimilation initiale par la personne des normes, des mentalités, des techniques nécessaires, des techniques, des technologies du métier ; cette étape peut se terminer rapidement dans les 1 à 2 premières années suivant le début du travail, ou elle peut durer des années et être douloureuse ;

2. L’étape de réalisation de soi d’une personne dans la profession ; la conscience d'une personne de ses capacités à remplir les normes professionnelles, le début du développement personnel par le biais de la profession, la conscience d'une personne de ses capacités individuelles à exercer des activités professionnelles, le renforcement conscient de ses qualités positives, l'atténuation des qualités négatives, le renforcement de style individuel, réalisation maximale de ses capacités dans les activités professionnelles;

3. Le stade de maîtrise d'une personne dans un métier, se manifestant sous forme de maîtrise, d'harmonisation d'une personne avec le métier ; ici s'effectue l'assimilation d'exigences élevées, la reproduction à un bon niveau de recommandations méthodologiques, de développements et d'instructions préalablement créés.

Des développements importants dans le domaine de la recherche sur les caractéristiques du professionnalisme ont permis de développer tout un complexe de diagnostics permettant de déterminer les niveaux de sa formation. Le diagnostic repose sur plusieurs principes :

1. Le principe de la sélection par étapes des candidats

La première étape - la sélection basée sur des indicateurs médicaux - est réalisée, en règle générale, par des médecins généralistes et n'est utilisée principalement que comme moyen de détection des contre-indications à la formation. L'absence de spécialistes au profil restreint - un psychologue ou un psychiatre-psycho-hygiéniste - lors du processus de sélection affecte négativement la pureté de la sélection professionnelle.

La deuxième étape est l'identification de ceux qui sont professionnellement aptes, de ceux qui sont conditionnellement aptes et de ceux qui ne sont pas aptes à étudier dans une université créative. Elle est réalisée dans le cadre d'une collaboration avec les candidats, les maîtres et les enseignants de l'établissement d'enseignement.

La troisième étape est le contrôle. Il identifie les changements à la fois favorables et défavorables dans les activités professionnelles et éducatives.

2. Le principe de prise en compte des réserves fonctionnelles du psychisme parle de la grande plasticité du système nerveux, des énormes potentiels cachés inhérents à une personnalité créatrice et des possibilités de développer et de révéler les réserves du psychisme humain. D'où la nécessité de procéder à une sélection selon des critères supérieurs, moyens et inférieurs afin de clarifier l'éventail d'acceptabilité des méthodes de sélection professionnelle et la variabilité des critères.

3. Principe professionnel.

Le professionogramme est l'un des principaux outils de diagnostic. Professionogramme, selon Sevastyanov A.I. il s’agit « d’un système d’exigences imposées à une personne par une certaine spécialité, profession ou groupe de celles-ci ». Une partie du professionogramme est un psychogramme - un bref résumé des exigences de la psyché humaine, qui constitue une liste de capacités nécessaires.

4. Le principe de fiabilité qui sous-tend le travail professionnel prend en compte les conditions complexes d'étude de l'activité professionnelle et la soi-disant « immunité au bruit » d'un individu.

Les outils ci-dessus aident à déterminer l’état de préparation d’une personne à une activité professionnelle en général. Mais activité créative a ses propres spécificités, qu'il ne faut pas oublier. Vous ne pouvez pas déterminer le professionnalisme d'un danseur de ballet à l'aide d'un professiogramme, tout comme vous ne pouvez pas identifier un futur maître parmi les candidats uniquement par les résultats d'un test, d'un examen ou d'autres méthodes objectives.

Le professionnalisme d'un danseur de ballet n'est pas tant des facteurs objectifs de l'activité professionnelle en général, mais plutôt un ensemble d'exigences et d'attentes liées aux actions de l'artiste sur scène, formées par les traditions, l'histoire du ballet, ses interprètes exceptionnels, ses directeurs de ballet et spectateurs ordinaires. Par conséquent, passons à la compréhension du professionnalisme du danseur de ballet des personnes directement associées à cet art.

Le travail d’un danseur de ballet est un travail difficile au quotidien. Selon A. Ol, le ballet devrait devenir un « style de vie » d'artiste. Il ne reste plus de temps pour autre chose. Par conséquent, avant tout, un professionnel du ballet est une personne qui se consacre entièrement à cet art, sans laisser de trace.

La volonté d’apprendre constamment des autres et de s’améliorer est une autre exigence importante pour un professionnel. Voici ce que dit à ce sujet l'un des principaux solistes du ballet de Krasnoïarsk, Alexandre Butrimovitch : « … toute allusion est perçue comme le chemin le plus court vers le mieux et n'est que bénéfique. J'essaie… d'écouter davantage…” . Nous trouvons confirmation de ces propos de A. Ol : « Après le travail... Je dois regarder la séquence vidéo de certaines productions classiques presque image par image. Et il ne s’agit pas de lécher sans réfléchir la technique de quelqu’un, mais de comprendre et de comprendre toute la profondeur de la performance.

La corrélation entre le ballet et l'art du théâtre est soulignée à plusieurs reprises : « Lorsqu'un acteur de ballet parvient à combiner une brillante connaissance du métier, de la technique de la danse avec l'intelligence, les sentiments et l'imagination créatrice, il appartient à juste titre au titre d'artiste », déclare M.M. Gabovich. . On retrouve la même chose chez A. Ol : « Si le spectacle n'a pas d'énergie, des rôles bien structurés, ni une belle musique ni des costumes et décors luxueux ne peuvent le sauver - ce sera ennuyeux et non professionnel.

Le ballet impose également de sérieuses exigences à la condition physique de l'interprète. "Tout d'abord, cela dépend de la structure des muscles et des ligaments, et dans une certaine mesure de la structure osseuse de la silhouette d'une personne, si elle est capable d'effectuer tel ou tel mouvement...", déclare F.V. Lopukhov. . Un professionnel du ballet est toujours en bonne forme physique, flexible et artistique. Les caractéristiques physiologiques individuelles du soliste déterminent son rôle sur scène.

Le professionnalisme est une caractéristique globale du niveau de compétence d’un spécialiste. Le professionnalisme d'un danseur de ballet se forme au cours d'une longue formation et d'un travail quotidien. Un professionnel du ballet est une personne physiquement et intellectuellement développée, douée pour la créativité et psychologiquement résistante à toutes sortes de problèmes. Atteindre le professionnalisme n'est possible que grâce aux activités pratiques d'une personne, grâce au développement personnel et à l'aide active de maîtres déjà formés.

1.4 Histoire du ballet dans la ville de Krasnoïarsk

Le Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk a été créé sur la base d'une décision du Conseil des ministres de la RSFSR du 30 décembre 1976, par arrêté du ministère de la Culture de la RSFSR du 17 janvier 1977. Le fondateur du théâtre est l'administration de la région de Krasnoïarsk, représentée par le département de la culture. Le théâtre a officiellement ouvert ses portes le 12 août 1978.

Le bâtiment a été construit entre 1966 et 1978 selon les plans de l'architecte I.A. Mikhaleva. L'ouverture du théâtre a été programmée pour coïncider avec le 350e anniversaire de Krasnoïarsk, situé sur la place du même nom (aujourd'hui place Teatralnaya).

La saison 1978-1979 est marquée par onze premières. Les spectateurs ont pu découvrir de merveilleuses œuvres du répertoire d'opéra et de ballet. Le 20 décembre 1978 eut lieu la première de l’opéra d’A.P. Borodine "Prince Igor". Cette performance est devenue une sorte de carte de visite notre théâtre. Le 21 décembre 1978, le ballet de P. I. Tchaïkovski « Le lac des cygnes", 22 décembre 1978 - L'opéra "Le Barbier de Séville" de G. Rossini, 23 décembre 1978 - premières de deux ballets en un acte "Suite Carmen" de J. Bizet - R. Shchedrin et "La Demoiselle et le voyou " de D. Chostakovitch, 24 décembre 1978 - opéra P.I. Tchaïkovski « Eugène Onéguine », 26 décembre 1978 - Le ballet « Giselle » de A. Adam.

En 1979, le répertoire du théâtre s'est régulièrement enrichi de magnifiques représentations : opéras - « Hurricane » de V.A. Grokhovsky, « Aïda » de G. Verdi, « Iolanta » de P.I. Tchaïkovski et ballets - « Chopiniana » et « Paquita » de L. Minkus, ainsi que spectacle pour enfants« L'histoire du prêtre et de son ouvrier Balda » M.I. Bas. En seulement 30 ans d'existence du théâtre, 53 opéras, 2 pièces de mystère, 57 ballets et 16 représentations pour enfants ont été mis en scène.

Il convient également de noter les noms de maîtres exceptionnels qui ont contribué à la formation du Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk. Ce sont des directeurs de production - M.S. Vysotski, R.I. Tikhomirov, G. Pankov, B. Ryabikin, L. Kheifits, V. Tsyupa, E. Buzin ; chefs d'orchestre - I. Shavruk, V. Kovalenko, N. Silvestrov, I. Latsanich, A. Kosinsky, A. Chepurnoy, A. Yudasin ; artistes - N. Kotov, T. Bruni, G. Arutyunov, V. Arkhipov, Cherbadzhi, M. Smirnova-Nesvitskaya ; chorégraphes - N. Markryants, V. Burtsev, V. Fedyanin, A. Gorsky, S. Drechin, A. Polubentsev, Vl. Vassiliev, S. Bobrov. Les musiciens étrangers J. Stanek, M. Piecuch et d'autres ont également travaillé au Théâtre de Krasnoïarsk.

Les noms des principaux solistes d’opéra et de ballet sont largement connus en Russie et à l’étranger. Parmi eux Artiste national de Russie V. Efimov, Artiste du peuple de Russie A. Kuimov, Artiste du peuple de Russie L. Marzoeva, Artiste du peuple de Russie L. Sycheva, Artistes émérites de Russie V. Baranova, Zh. Tarayan, S. Kolyanova, A. Berezin, S. Efremova, G Efremov, N. Sokolova, I. Klimin, artiste émérite de la République de Tyva G. Kontsur. Les œuvres des jeunes solistes d'opéra A. Lepeshinskaya, O. Basova, A. Bocharov, E. Baldanov et des solistes de ballet A. Ol, E. Bulgutova, M. Kuimova, I. Karnaukhov, V. Kapustin, V. Guklenkov, etc. Les noms des célèbres danseurs N. Chekhovskaya et V. Polushin, le magnifique chanteur d'opéra D. Hvorostovsky, qui a travaillé au Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk.

L'école chorégraphique de Krasnoïarsk a été créée en 1978. Son ouverture est associée au début des activités du Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk et de l'Ensemble de Danse de Krasnoïarsk "Sibir". Le premier réalisateur est I. G. Shevchenko.

La direction artistique à différentes époques a été assurée par : G. N. Gurchenko, R. T. Khakulova, V. I. Burtsev, B. G. Fedchenko.

Au cours de son existence, l'école a formé plus de 150 spécialistes qui travaillent avec succès dans des théâtres et des troupes de danse à travers le pays.

Enseignants principaux : G.N. Gurchenko, T.A. Dzyuba, Khakulova, L.V. Vtorushina.

Parmi les étudiants et diplômés de l'école figurent des lauréats de concours de ballet de toute l'Union, russes et internationaux (S. V. Dauranova, A. V. Yukhimchuk, E. Koshcheeva, etc.).

conclusions

Dans le premier chapitre, nous avons pu identifier les caractéristiques essentielles du ballet comme art et comme domaine d'activité professionnelle.

Le métier de danseur de ballet est polyvalent et multiforme. Cela nécessite une préparation assez longue et de haute qualité pendant le processus de formation, ainsi qu'une amélioration constante à la fin de la formation. Le travail d'un danseur de ballet implique un entraînement physique quotidien, un haut niveau d'éducation morale et esthétique, de l'intelligence et de la conscience de soi. Le métier de danseur de ballet nécessite du développement qualités personnelles activité humaine et constante des fonctions cognitives, capacités créatives.

Définir le professionnalisme est un double processus. D’une part, il existe des outils objectifs permettant de mesurer la préparation physique, intellectuelle et psychologique à la profession. D'un autre côté, même les performances les plus élevées dans ces domaines ne garantissent pas l'émergence d'un véritable maître suite à la profession. Qu'est-ce qui est décisif dans le processus de préparation d'un soliste de ballet ? Quels sont les facteurs de son succès ? Le deuxième chapitre est consacré à la divulgation de ces questions.

Chapitre 2. Analyse des moyens de développer le professionnalisme d'un danseur de ballet au cours de la période de troisième cycle (en utilisant l'exemple des danseurs de ballet du Théâtre d'Opéra et de Ballet d'État de Krasnoïarsk)

2.1 Tendances du système moderne d'enseignement chorégraphique

2.1.1 État actuel du système de formation professionnelle

L'analyse des actes juridiques et autres documents normatifs nous permet de formuler les caractéristiques suivantes de l'enseignement professionnel dans la Fédération de Russie.

Pendant longtemps, dans notre pays, il y avait une division claire de l'enseignement professionnel en secondaire, dispensé dans les écoles techniques, les collèges, les lycées et supérieur, dispensé dans les instituts et les universités. Cette approche a été progressivement abolie depuis que la Russie a adopté l’accord de Bologne.

Depuis 2007, l'enseignement professionnel supérieur en Russie est dispensé aux niveaux suivants :

§ formation professionnelle supérieure, confirmée par l'affectation à une personne ayant réussi la certification finale, diplôme (diplôme) « baccalauréat » - baccalauréat ;

§ formation professionnelle supérieure, confirmée par l'affectation à une personne ayant réussi la certification finale, le titre (diplôme) « spécialiste » ou le titre (diplôme) « master » - formation spécialisée ou master.

Les programmes de licence durent quatre ans, les programmes de spécialité durent au moins cinq ans et les programmes de maîtrise durent deux ans.

Il est prévu de regrouper les établissements professionnels secondaires sous la forme d'une licence appliquée afin de réunir des programmes et des établissements éducatifs disparates en un système unifié d'enseignement professionnel.

Outre la division en niveaux, l'adhésion de la Russie à l'accord de Bologne a introduit un système de notation des crédits et la possibilité d'une intégration dans un espace éducatif européen unique. Le système d'évaluation de la notation de crédit consiste à attribuer un crédit en tant qu'unité pour évaluer la réussite de la maîtrise d'un programme éducatif et calculer la note parmi tous les étudiants inscrits à ce programme.

L'accord de Bologne prévoit également la possibilité d'une transition en douceur d'un étudiant d'un établissement d'enseignement à un autre dans toute l'Europe grâce à un système d'évaluation unifié. programmes éducatifs et un classement en fait similaire de la « charge » de crédits de chaque cours éducatif.

Il convient de noter que l’adhésion de la Russie à l’accord de Bologne est jugée extrêmement ambivalente par de nombreux enseignants. Ainsi, il est pratiquement impossible de reconstruire le système national de formation du personnel médical, mondialement connu, selon les principes de Bologne. Certaines difficultés surviennent également lors de la formation de spécialistes dans le domaine de la culture et de l'art. Dans ce domaine, le professionnalisme d'un enseignant individuel et les traditions de formation qui se sont développées au fil des années dans une institution particulière sont d'une grande importance. L'expérience accumulée au fil des années ne peut pas être simplement convertie en unités de crédit et divisée en formations universelles. En attendant, nous ne pouvons pas arrêter le processus de réforme et la transition vers le système « licence + master » est inévitable. Et tous les établissements d’enseignement doivent s’adapter à ces tendances. Ainsi, par exemple, il forme avec succès des bacheliers et des masters » Académie russe Ballet russe nommé d'après A.Ya. Vaganova."

Un autre trait caractéristique de l'enseignement professionnel moderne en Russie, mentionné à plusieurs reprises dans le « Concept de développement socio-économique à long terme jusqu'en 2020 » et dans le « Programme de développement de l'éducation russe pour 2010-1015 », est l'accent mis sur la pratique en tant que l'outil principal de la formation professionnelle. Pendant longtemps, le système éducatif russe a été surchargé de connaissances fondamentales, absolument inutiles pour un spécialiste de la vie réelle : « L'éducation fondamentale russe, écrit F. Yalalov, a été créée sur un paradigme de la connaissance. Le processus éducatif dans le système d'enseignement général et professionnel a été construit pendant plusieurs décennies sur une base déductive selon la triade didactique « connaissances - capacités - compétences », l'attention principale étant portée à l'acquisition de connaissances.

Récemment, il y a eu une révision du contenu éducatif, un abandon de la théorie excessive et la création de plus grandes possibilités pour les étudiants de suivre une formation pratique dans des activités professionnelles réelles.

Les documents ci-dessus établissent le concept de « compétence » comme unité de base de mesure de la qualité de l’éducation.

Le Glossaire des termes du marché du travail de la Fondation européenne pour la formation définit la compétence comme :

§ la capacité de faire quelque chose bien ou efficacement ;

§ le respect des conditions d'emploi ;

§ capacité à exercer des fonctions professionnelles spéciales.

Ivanova T.V. la compétence est considérée comme « ... une capacité réalisée de manière indépendante, basée sur les connaissances acquises par l'étudiant, ses expériences éducatives et de vie, ses valeurs et ses inclinations, qu'il a développées à la suite de l'activité cognitive et de la pratique éducative. »

La particularité de la compétence résultant de l'éducation est que, par rapport aux autres résultats de l'éducation, elle :

§ est un résultat intégré ;

§ permet de résoudre toute une classe de problèmes ;

§ existe sous forme d'activité, pas d'information à ce sujet ;

§ se manifeste consciemment.

Une tendance importante dans la formation professionnelle nationale moderne est son informatisation active. Les établissements d'enseignement sont équipés de technologies informatiques modernes, les environnements éducatifs électroniques sont utilisés comme l'un des outils d'apprentissage, les technologies de réseau permettent d'établir un enseignement à distance, élargissant ainsi les possibilités d'éducation des personnes handicapées et des personnes vivant loin des villes densément peuplées.

2.1.2 L'enseignement du ballet moderne en Russie

La formation des professionnels dans le domaine de la chorégraphie dans notre pays s'effectue à trois niveaux :

1. Niveau d'entrée - écoles de ballet.

2. Niveau professionnel moyen - écoles chorégraphiques.

3. Le plus haut niveau professionnel - les académies.

4. Établissements d'enseignement atypiques engagés dans une formation complète et systématique (combinant les trois niveaux précédents).

Grâce à une formation professionnelle (de niveaux intermédiaire et supérieur), vous pouvez accéder aux métiers suivants :

1. Un danseur de ballet est un créateur de théâtre, un danseur professionnel qui interprète les rôles qui lui sont assignés dans des spectacles de ballet et d'autres œuvres d'art du ballet conformément à sa description de poste et à ses qualifications.

2. Un artiste d'un groupe de danse (ensemble) est un créateur, un danseur professionnel qui interprète les parties (rôles) qui lui sont assignées dans les œuvres d'art chorégraphique (à l'exception du ballet) conformément à sa description de poste et à ses qualifications.

3. Un chorégraphe est un créateur qui, conformément à sa description de poste, sous la direction d'un chorégraphe (chorégraphe), participe à la création (composition) de nouvelles, au renouvellement d'œuvres chorégraphiques précédemment mises en scène et à leur diffusion sur scène.

4. Chorégraphe (chorégraphe) est un créateur qui, conformément à sa description de poste, crée (compose) ses propres œuvres chorégraphiques, fait revivre des œuvres chorégraphiques précédemment mises en scène et met en œuvre un ensemble de mesures d'organisation pour leur diffusion sur scène.

5. Un tuteur est un travailleur créatif qui, conformément à sa description de poste, mène des travaux d'apprentissage de parties avec des artistes dans des spectacles nouveaux et déjà créés, en répétant des spectacles du répertoire actuel.

6. Enseignant - un employé d'un établissement d'enseignement qui dispense une formation aux étudiants sous diverses formes et y développe certaines compétences.

7. Enseignant-tuteur - un employé d'un établissement d'enseignement, un enseignant professionnel qui exerce les fonctions d'assistant, de consultant, de mentor, de confident d'un étudiant, qui est l'organisateur de sa vie et l'accompagne dans sa volonté de résoudre de manière autonome le problèmes d'éducation.

8. Balletiste - un spécialiste dans le domaine de la recherche sur l'art du ballet, un historien du ballet, un critique de ballet, qui combine souvent ces fonctions avec des activités d'enseignement dans le domaine concerné.

9. Choréologue - spécialiste dans le domaine des études complexes et interdisciplinaires de la chorégraphie dans son ensemble (y compris le ballet), critique d'art qui combine souvent ces fonctions avec l'enseignement dans le domaine concerné.

10. Kinésiologue - médecin, travailleur médical, spécialiste en kinésiologie.

12. Danse-thérapeute - médecin, psychologue, travailleur médical, spécialiste dans le domaine de la danse-thérapie.

Les objectifs de la formation professionnelle d’un danseur de ballet sont fixés par une liste de compétences définies dans la norme éducative de l’État fédéral pour l’enseignement professionnel supérieur dans le domaine de la formation « Art chorégraphique ».

Ainsi, dans le projet de la norme éducative de l'État fédéral pour l'enseignement professionnel supérieur de la troisième génération, les bacheliers en cette direction doit avoir:

Compétences sociales, personnelles et culturelles générales ;

Compétences scientifiques générales ;

Compétences instrumentales ;

Compétences professionnelles.

Ces dernières sont réparties en compétences professionnelles générales et compétences spécialisées (selon le type d'activité professionnelle).

Parmi les compétences professionnelles que doit posséder un bachelier :

Connaissance du répertoire chorégraphique;

Expérience pratique dans l'interprétation du répertoire chorégraphique ;

Connaissance des bases du dessin, de la peinture, de la composition, etc.

La liste des compétences est assez longue. Reste à savoir comment vérifier la maturité de chacun et s’il est possible de juger du professionnalisme de l’élève en tant que futur danseur de ballet sur la base de l’ensemble de sa maturité.

À l'avenir, sous la forme la plus générale, nous caractériserons le contenu de la formation professionnelle du futur danseur de ballet dans les établissements d'enseignement en Russie.

Comme déjà indiqué, la formation à l'art du ballet commence à l'âge de dix ans dans les écoles de ballet. N.I. Tarasov, posant la question à quel âge faut-il commencer la formation en danse classique : « …pour apprendre ses moyens d'expression, son langage, que, bien entendu, le futur danseur de ballet doit maîtriser techniquement parfaitement, virtuose, artistiquement libre, flexible et musicalement », il lui-même et répondit : « Nous pouvons affirmer avec certitude que pour qu'un futur artiste de théâtre de ballet commence à maîtriser l'école danse classique nécessaire de l'âge de neuf à dix ans... Les années d'enfance manquées, en tant que période initiale de formation du futur danseur, l'affecteront certainement d'une manière et d'une autre. arts performants comme une sorte d’ombre et un côté pas entièrement révélé.

Il est tout aussi important que « l’enfance soit particulièrement réceptive à la beauté – à la musique et à la danse. C'est l'enfance qui est une période d'énorme intensité émotionnelle, d'impression, de rêves et d'action active » [ibid.], qui joue un rôle important dans la formation d'un danseur de ballet, en particulier pendant la période de formation initiale, où il est nécessaire de intéresser l'enfant, exciter et captiver son âme et commencer à être créatif et curieux, la développer.

« Tout commence par des choses simples », écrit E.A. Menchikov. Les mouvements affinés quotidiennement en classe et qui semblent ennuyeux et non dansants, lorsqu'ils sont inclus dans le texte d'une composition chorégraphique, sont perçus par les enfants comme partie intégrante de la danse... plus tôt se présente l'occasion de mettre les lettres du l'alphabet du ballet en mots... plus l'existence sur scène sera organique. Au stade initial, l'auteur propose de prêter attention à l'entraînement physique de l'enfant, au développement de la plasticité, du sens du rythme : « … sans enseigner aux enfants les premiers éléments de l'alphabétisation chorégraphique, on ne peut pas leur apprendre à danser, sinon l'enseignement perd tout ce qui a un sens. »

Une attention particulière doit être accordée à cultiver la patience, la discipline et à inculquer l'amour de la musique et de l'art. "En classe, vous devez développer votre volonté, votre caractère et votre discipline", écrit N.M. Doudinskaïa". L'accent est également mis sur le développement de l'imagination, de la mémoire, de l'attention, de la perception et de l'émotivité.

La formation se déroule dans les disciplines suivantes : rythme, gymnastique, chorégraphie, danse, disciplines scolaires générales. Les cours se déroulent en groupes de 10 à 12 personnes.

Il est à noter que les élèves des écoles de ballet s'impliquent dès leur plus jeune âge dans des activités professionnelles et participent à des productions. "La soirée commençait toujours par un concert de classe... Chaque danseur avait un ou deux numéros solo, que je sélectionnais en fonction de son individualité et de son état de préparation", écrit N.M. Doudinskaïa. Le choix du thème des productions est déterminé par les caractéristiques de développement des enfants d'une période d'âge particulière : « Les enfants de chaque âge ont leurs propres danses. Les plus jeunes dansent la « Polka », la « Polonaise ». Milieu - "Oies", "Rock and Roll", senior - "Victory Salute". "Les productions doivent correspondre à l'âge et au niveau de développement des enfants, elles doivent leur être compréhensibles, puis le public les comprendra et les acceptera."

La formation dans les écoles chorégraphiques dure de cinq à huit ans. Le processus de sélection pour ces institutions, ainsi que pour les écoles de ballet, est assez strict. Des exigences strictes sont imposées en matière de préparation physique, de santé et de niveau de développement intellectuel et psycho-émotionnel de l’enfant. Les examens à l'école se déroulent en trois étapes :

Vérification des données professionnelles, des caractéristiques du corps (données externes) - ajout de proportions, présence scénique, participation, levage, pas, saut, flexibilité ;

Commission médicale - vision, audition, organes internes, système nerveux, appareil. Test de langue russe ;

Commande artistique - données musicales et rythmiques : rythme, audition, mémoire ; données professionnelles, danse.

Les principales méthodes et moyens d'enseignement sont (en utilisant l'exemple de la POO utilisé à l'Académie de ballet russe A.Ya. Vaganova) :

Séminaire;

Travail indépendant;

Consultation;

Cours pratique ;

Excursion;

Pratique pédagogique et industrielle ;

Travaux de cours ;

Travail de fin d'études.

Parmi les disciplines de base des écoles chorégraphiques : la danse classique, la danse folklorique, la danse historique et quotidienne, le jazz, le step, le rythme, la gymnastique, le théâtre, le maquillage, langues étrangères, histoire du théâtre, de la musique, arts visuels, culture musicale, philosophie, fondamentaux du droit, économie, sociologie, anatomie, etc.

La danse classique joue un rôle majeur dans la préparation du danseur de ballet. « Il s’agit d’un entraînement du corps en mouvement, qui peut servir d’aide à toute décision de danse. »

La danse classique est une discipline fondamentale de l'école chorégraphique ; elle joue un rôle prépondérant dans la formation professionnelle des futurs danseurs de ballet. C'est dans un cours de danse classique que s'apprend le langage de la chorégraphie. Pour maîtriser les hautes performances de la danse classique, il est nécessaire de connaître et d'assimiler sa nature, ses moyens d'expression, son école. L'école de danse classique constitue la base d'une formation systématique, cohérente et méthodique au métier de danseur de ballet.

L'un des principaux éléments de la préparation d'un futur danseur est la pratique sur scène, qui est systématiquement incluse dans le programme des cours. L'objectif de cette matière est le développement global et l'amélioration des compétences d'interprétation des étudiants sur la base du travail de répétition et des performances scéniques, y compris dans les représentations théâtrales. La pratique sur scène fait partie intégrante et finale du processus éducatif.

Ainsi, les caractéristiques de la formation d'un danseur de ballet en Russie sont les suivantes :

§ en raison des caractéristiques physiologiques du corps humain, il existe des délais stricts pour l'activité professionnelle d'un danseur de ballet : début de la formation professionnelle à 10 ans, début de l'activité professionnelle à 18-19 ans, fin de l'activité professionnelle à 38-40 ans ;

§ la formation dans un établissement d'enseignement du ballet (école chorégraphique, académie de ballet) est considérée comme une formation professionnelle dès les premiers pas, dès l'âge de 10 ans ;

§ le régime particulier et le niveau de charge de travail de l'étudiant sont comparables au régime et à la charge de travail d'un artiste adulte, ce qui correspond à l'activité physique des sports de haut niveau ;

§ l'enseignement général (scolaire) et l'enseignement professionnel (primaire, secondaire, supérieur) sont combinés en un seul processus éducatif, il est souvent impossible de faire une distinction claire entre eux ;

§ la nécessité d'un développement avancé des disciplines humaines et artistiques conduit à l'inclusion d'éléments d'enseignement supérieur dans le programme d'un établissement d'enseignement professionnel secondaire ;

§ transfert direct de compétences, de connaissances, d'expériences de génération en génération (« de main en main - de pied en pied », en contournant les médias matériels) ;

§ le fonctionnement de l'école chorégraphique (académie de ballet) à la fois en tant qu'établissement d'enseignement et en tant que troupe de théâtre, l'unité du processus éducatif lui-même et de la pratique ;

§ interaction obligatoire entre une école chorégraphique (académie de ballet) et une troupe de ballet professionnelle « de base » (théâtre) : la troupe est majoritairement composée de diplômés de cet établissement d'enseignement, et la plupart de ses professeurs sont des artistes anciens et actuels de la troupe ; orientation du processus pédagogique vers les caractéristiques stylistiques et le répertoire de la troupe ; la possibilité pour les étudiants de participer à des performances professionnelles dès les premières années d'études.

2.2 Activités pédagogiques pour préparer un danseur de ballet

« Le rôle de l'enseignant est énorme ; de lui dépend en grande partie la croissance créative des artistes », a écrit N.M. Doudinskaïa.

Nous avons mené une étude pour déterminer les spécificités du développement du professionnalisme d'un danseur de ballet.

Base de recherche : École chorégraphique de Krasnoïarsk et Théâtre d'opéra et de ballet de Krasnoïarsk.

Méthodes de recherche:

Observation;

"Le seul moyen possible d'accumuler et de préserver l'expérience socioculturelle dans le contexte de la continuité des générations est le système d'éducation humanitaire continue", explique V. M. Zakharov. Sous la forme visuelle la plus convaincante, ce système a été développé dans le cadre de la formation chorégraphique continue « école - école chorégraphique (université) - théâtre ». Les professeurs de l'école chorégraphique de Krasnoïarsk adhèrent à des positions similaires.

L'école a été fondée en 1978. Aujourd'hui, 56 enseignants y travaillent, dont 18 à temps partiel. Depuis 2010, l'école prépare des licences dans le domaine de l'Art Chorégraphique. Les activités professionnelles des bacheliers dans ce domaine s'exercent dans le domaine de la culture et de l'art liés à l'art chorégraphique et à ses modes de fonctionnement dans la société, dans les établissements d'enseignement, de culture, d'art et de gestion.

L'institution a noué des liens assez étroits avec le Théâtre d'Opéra et de Ballet de Krasnoïarsk. Les étudiants de l'école réalisent constamment des reportages sur la scène théâtrale ; leurs futurs mentors, les chorégraphes du théâtre, rencontrent et travaillent régulièrement avec les étudiants.

En ballet, les étudiants doivent avoir une bonne préparation, la capacité d'appliquer de manière significative un ensemble de connaissances et de compétences acquises et de comprendre un certain éventail de questions interdisciplinaires. L'enseignant doit gérer le processus de formation, de développement et d'éducation, et pour cela « il faut être compétent, il faut connaître pleinement et précisément toutes les conditions de production, il faut connaître la technologie de cette production à son niveau moderne, il faut avoir une formation scientifique reconnue. La connaissance, la compétence et l’éducation ne peuvent être remplacées par aucune autre qualité humaine, même les meilleures. »

Les conditions éducatives actuelles exigent professeur moderne une condition indispensable est la connaissance des sciences fondamentales. De plus, « non seulement le volume des connaissances est d'une importance décisive, mais aussi leur exactitude, leur systématicité et leur mobilité. Ce n'est pas le maximum de connaissances, mais sa mobilité et sa contrôlabilité, son adaptation flexible aux conditions de l'établissement d'enseignement qui rendent un spécialiste apte à activité pédagogique».

Sur la base de ces dispositions, nous avons analysé le niveau de formation fondamentale des enseignants de l'école chorégraphique de Krasnoïarsk. Tous les enseignants ont une formation professionnelle supérieure, suivent régulièrement des formations avancées, participent à des conférences et des colloques et préparent et publient leurs propres articles.

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Un danseur de ballet est un créateur de théâtre, un danseur professionnel qui, conformément à sa description de poste et à ses qualifications, interprète les rôles qui lui sont assignés dans des spectacles de ballet et d'autres œuvres d'art du ballet. Le travail d'un danseur de ballet, comme tout type d'activité, nécessite que l'interprète possède des qualités spécifiques qui déterminent son aptitude et assurent un certain niveau de réussite dans sa mise en œuvre.

Il est impossible d'imaginer maîtriser le métier de danseur de ballet sans cours et répétitions quotidiens, améliorant les compétences développées avec enfance. Pureté stricte, légèreté et légèreté sont obtenues grâce à un travail long et méthodique.

Les conditions préalables immédiates pour atteindre les objectifs sont les compétences. Les compétences décrivent le comportement d’une personne au travail, qui est déterminé par son état mental, capacités, expérience, connaissances et motivation.

Le lien entre le processus éducatif et la formation des compétences est traditionnel. Actuellement, la question de la formation des « compétences culturelles générales » a été étudiée de la manière la plus complète, la plus approfondie et la plus approfondie. Parallèlement, le concept complexe de « compétences professionnelles » dans la théorie et la pratique de l'enseignement chorégraphique spécialisé est en train de se développer.

Dévoiler Compétences créatives, inculquer un goût artistique élevé, qui comprend le sens des proportions et le sens du style, la sensibilité musicale, la capacité de pénétrer non seulement le contenu du spectacle, mais aussi son ambiance, éveiller l'amour pour le théâtre, pour le futur métier , développer le sens du devoir artistique - ces tâches et d'autres valent la peine d'être confiées aux enseignants. C'est pourquoi la principale caractéristique de la formation des futurs danseurs de ballet est l'interrelation de disciplines particulières. L'influence complexe de tous les objets contribue au développement du niveau technique de performance, de l'expressivité plastique et de la culture générale.

Il convient de noter qu'il existe une certaine contradiction dans les spécificités du transfert de connaissances et de compétences dans l'enseignement chorégraphique professionnel, car l'aspect pratique du processus d'apprentissage ne peut être remplacé, même partiellement, par des recommandations et des programmes détaillés. Le facteur le plus important ici est le style et le style d'un enseignant particulier qui révèle sa vision, individualité créative, compétence et expérience. Grâce à cela, chaque professeur possède ses propres techniques. Cette approche donne à l'enseignant le droit de décider de manière indépendante des questions les plus urgentes et les plus urgentes du processus pédagogique.

Le talent artistique en tant que professionnel compétence significative.

En danse, une personne utilise son propre corps comme moyen d'expression, comme instrument qu'elle fait sonner plastiquement. Par conséquent, le théâtre de ballet, de par sa nature même, se caractérise par des exigences de virtuosité, et le travail d'un danseur de ballet pour améliorer la technique chorégraphique se poursuit tout au long de sa vie d'acteur. Dans diverses opinions sur la formation chorégraphique professionnelle, il existe une idée dominante forte et stable sur la nécessité d'améliorer la technique chorégraphique. Nous convenons que la performance d’un danseur qui n’a pas confiance en lui et qui n’est pas libre dans ses combinaisons est loin d’être de l’art ; ici toute l’attention de l’artiste est dirigée uniquement vers le maintien de la forme. Sans aucun doute, une bonne formation technique élargit les compétences d'un danseur de ballet, représente le développement de son langage scénique et améliore sa capacité à révéler le contenu interne de l'image. Dans le même temps, un danseur de ballet ne peut et ne doit pas concentrer toute son attention sur la performance technique.

Pourquoi les poses, les gestes et les expressions faciales de certains acteurs créent-ils l’illusion nécessaire des expériences psychologiques complexes du héros, alors que la performance d’autres artistes semble peu convaincante ? Combien d’artistes qui maîtrisent parfaitement l’école manquent de quelque chose d’important dans leur performance. Qu'est-ce qui distingue un danseur de ballet brillant et expressif d'un danseur « pâle » et « inarticulé » ?

Le talent artistique est une compétence professionnellement significative qui confère aux activités un caractère esthétique et émotionnel prononcé. Cette opinion était justifiée par les idées des classiques de la chorégraphie : J. Novera, C. Didelot et autres.

Il n’y a pas de barrière linguistique pour l’art du ballet ; sa signification interne est accessible à la conscience et aux sentiments de tous les peuples du monde. Ce raison principale, selon lequel un danseur de ballet doit avoir la capacité de créer une atmosphère autour de lui. Si un artiste est vraiment une personnalité, s’il est intérieurement riche et extraordinaire, il intéresse le public.

Il est important qu'un futur danseur de ballet se rende compte que l'art ouvre des espaces illimités pour l'expression de sa personnalité. Selon le principe de base de la culture scénique, un artiste, en montrant son travail sur scène, démontre simultanément son niveau intellectuel au public. La créativité des danseurs de ballet, orientée vers l'adhésion formelle aux règles et aux canons, est improductive ; Seule une créativité axée sur l’auto-éducation, le développement personnel et l’auto-amélioration peut être fructueuse.

Formation des compétences d'un futur danseur de ballet pendant la période de formation.

Les compétences professionnelles d'un futur danseur de ballet se forment sur une longue période, de manière intense et persistante. Les capacités de danse démontrées par un enfant ne garantissent en aucun cas qu’il sera un danseur de ballet. Pour que cela se produise, une formation particulière est nécessaire. Le chemin vers la scène est rude : il subjugue tout le mode de vie de l’étudiant et requiert toutes ses forces. Afin d'atteindre le sommet dans n'importe quel art à l'avenir, vous avez besoin d'un caractère particulier, d'une capacité de travail, d'un amour pour votre travail, d'une richesse spirituelle, d'une intelligence et d'une personnalité brillante.

Les capacités pour la danse classique s'expriment non seulement dans les capacités motrices, physiques et musicales d'un enfant, pour lesquelles il est testé lors des examens d'entrée, mais également dans la capacité d'appliquer ces capacités dans la formation de compétences créatives. Sans la persévérance dont font preuve l'enseignant et l'enfant, une bonne santé et bien d'autres conditions, les capacités peuvent se figer et ne jamais se développer.

C'est pourquoi pendant la période de formation, une attention primordiale est accordée à la formation chez les étudiants de la motivation interne pour leur futur métier, au développement de la personnalité et à l'orientation vers les activités professionnelles. Dans la construction du processus éducatif, l'étudiant prend d'abord une position active. Et le facteur de choix conscient d'un futur métier confère à la formation un caractère ciblé.

Dans l'analyse du processus pédagogique chorégraphique, un certain nombre de propriétés mentales sont identifiées, nécessaires à la maîtrise du métier de danseur de ballet : attention, mémoire, volonté, etc.

L'attention est l'une des principales fonctions mentales supérieures de la nature créatrice d'un acteur, sa capacité à maîtriser un métier. Un danseur de ballet doit développer une attention concentrée sur l'ensemble du corps, tandis que toutes les sensations dans leur ensemble doivent être impliquées au maximum - visuelles, auditives et musculaires, avec l'inclusion maximale de la pensée analytique.

Un contrôle professionnel correct du travail de vos muscles est la clé de la libre exécution de la chorégraphie. Ainsi, dès les premiers jours de formation, le professeur de « Danse Classique » accorde la plus grande attention à inculquer une culture de compréhension musculaire. Il veille à ce que les étudiants non seulement apprennent et performent, mais analysent également chaque mouvement, développent en eux le désir de travailler avec une efficacité maximale, consciemment, avec une compréhension du « pourquoi » et du « pourquoi ». Grâce à une telle formation, les étudiants acquièrent non seulement l'expérience du spectacle, mais sont également capables d'expliquer eux-mêmes les lois de l'exécution des mouvements.

L'une des compétences les plus précieuses d'un futur danseur de ballet est la rapidité de perception et de mémorisation de diverses combinaisons. La reproduction des mouvements est associée au travail contrôlé de la conscience et haut niveau mémoire motrice, dont la caractéristique la plus importante est la capacité de conserver longtemps les mouvements appris. Progressivement, au fur et à mesure d'un certain degré de professionnalisme, les étudiants développent une exécution automatisée des mouvements, ce qui permet de libérer son attention pour des tâches créatives.

Lors de l'exécution d'une danse, les objets d'attention sont la chorégraphie avec ses difficultés techniques inhérentes, la musique avec son contenu mélodique et rythmique, le mouvement dans l'espace scénique, la communication avec les partenaires, etc. Basculant instantanément son attention d'un objet à un autre, l'artiste doit néanmoins pouvoir garder les autres dans sa zone de contrôle. De plus, tous les objets d'attention non appris devraient toujours être perçus par lui comme frais. Ainsi, lors d'une représentation sur scène, une concentration complète de tous les processus mentaux est obtenue.

Une autre qualité importante de l'activité créatrice est acte de volonté. "La volonté est la capacité d'une personne à contrôler consciemment son comportement, à mobiliser toutes ses forces pour atteindre ses objectifs." Au cours du processus d'apprentissage, le développement de la volonté se produit grâce au développement d'une attitude face aux difficultés et d'un mécanisme pour les surmonter. Grâce aux efforts volontaires, le processus d'apprentissage lui-même devient beaucoup plus efficace : la concentration sur le travail musculaire s'améliore, la vitesse et la dextérité des réactions musculaires changent.

Nourrir l'état intérieur d'un danseur de ballet est également impossible sans influencer sa sphère émotionnelle, car malgré toutes les conventions extérieures du ballet, c'est précisément la réserve psychologique qui en fait une forme artistique à part entière.

Pour que chaque mouvement devienne pittoresque, « parlant », reçoive sa propre logique, il faut qu'il soit compris, ressenti, ressenti. Tout mouvement peut être exécuté avec différentes colorations émotionnelles ou caractéristiques. Par exemple, le pas de bourrée peut être perlé, léger, coquet et capricieux, ou métallique, dur, gaufré. Un léger changement de posture, de tour de tête ou de direction du regard entraîne un changement dans le caractère et l'ambiance de l'image. Ce genre de nuances plastiques ouvre de larges possibilités à l'interprète. Apprendre à donner aux mêmes poses et aux mêmes mouvements un contenu, des nuances et des nuances différents signifie inculquer l'habileté de la conscience agissante.

Interrelation des disciplines spéciales.

La haute qualité du processus éducatif chorégraphique professionnel ne sera révélée que dans l'analyse de l'ensemble des connaissances acquises par les étudiants aux différents niveaux de formation spécialisée.

Ainsi, par exemple, dans les cours « Danse historique et quotidienne », les élèves absorbent les règles du savoir-vivre, le caractère unique de la posture et les particularités du port d'un costume. La tâche principale ici est d'apprendre à reproduire les caractéristiques stylistiques des danses historiques et le comportement des personnages de différentes époques.

Chaque danseur de ballet du théâtre doit connaître et être capable de jouer diverses danses siècles passés. "Pas un seul chorégraphe, travaillant à la production d'un nouveau ballet, n'apprendra à un artiste à danser la valse nécessaire pendant l'action : on suppose que l'artiste du ballet sait bien la danser."

L'ensemble des mouvements, pris isolément, ne présente le plus souvent aucune difficulté technique ; toute la difficulté réside dans la maîtrise du style. Un artiste qui possède des caractéristiques stylistiques sera facilement capable d'incarner avec goût et plastique les compétences comportementales acquises dans un cadre historique spécifique.

La discipline « Danse des personnages » révèle les particularités de la couleur nationale, en attirant l'attention des étudiants sur les différences de manière, de tempérament et de caractéristiques plastiques. Sans développer la noblesse, l'élégance et le chic dans la mise en scène du corps, le sens sensible du mouvement et de la posture, l'ampleur du geste, l'expressivité des mains, l'élan intérieur, la performance scénique professionnelle. danse des personnages impossible.

Dans les cours de « Duet Dance », les élèves apprennent la culture de la communication entre partenaires. Seul un lift exécuté avec précision, lorsque les deux artistes travaillent de manière synchrone, donne un bel effet scénique. Dans le même temps, le contact interne et l'attention des partenaires les uns envers les autres contribuent à révéler plus profondément les images plastiques.

C'est la structure de l'ensemble des sujets spéciaux qui assure la manifestation de la culture développée d'un danseur de ballet, capable de répondre à toutes les exigences créatives du théâtre, et donne au futur artiste la possibilité de réaliser pleinement ses capacités.

Formation d'auto-éducation, d'auto-développement, d'auto-amélioration.

Le processus d’apprentissage ne peut pas être basé sur la coercition et la répétition mécanique. Exigences modernes confier aux professeurs de ballet la tâche de développer chez les élèves la capacité de activité indépendante. Un développement personnel efficace n'est possible que dans des conditions de forte activité et d'indépendance.

« La réalisation de soi est la condition principale dans laquelle l'activité créatrice se manifeste comme le principal facteur du développement harmonieux de l'individu. Le désir d’une personne de réaliser ses pouvoirs et capacités créatrices qui lui sont inhérents est le besoin le plus profond de l’individu, un besoin qui détermine le sens de sa vie et la signification de son Soi aux yeux des autres. La tâche de la pédagogie est de donner l’opportunité de se révéler. Exprimer votre monde intérieurà travers la manifestation extérieure est la caractéristique la plus importante de tout artiste.

L’auto-éducation est une activité humaine visant à changer sa personnalité conformément à des objectifs consciemment fixés, des idéaux et des croyances établis. Le principe de l'indépendance des étudiants dans le processus éducatif présuppose une orientation de telle sorte qu'ils participent directement à la préparation de leurs activités futures, et que les objectifs d'apprentissage fixés de l'extérieur deviennent leurs propres objectifs personnels. Basé sur le principe de maîtrise de soi et d’auto-organisation, l’enseignant n’enseigne pas, mais aide à apprendre. Il démontre aux étudiants la nécessité et la justesse de maîtriser les compétences d'apprentissage afin de les exécuter de manière autonome, développe chez les étudiants l'habitude de s'améliorer constamment, de travailler sur eux-mêmes, sur leur croissance créative, ce dont ils auront besoin tout au long de leur activité créatrice.

La magie de l'art.

Un rôle important dans la formation la pensée créative Le futur danseur de ballet reçoit une pratique scénique qui apporte aux petits artistes non seulement la joie d’être sur scène, contribue à une compréhension plus profonde du métier choisi et forme la bonne attitude envers le travail de leur vie. C'est lors de la pratique scénique que les étudiants font leurs premiers pas sur le chemin de l'art.

Les tendances modernes du ballet ont mis la technique virtuose au premier plan, ce qui a conduit au fait que le danseur est devenu plus important que l'acteur. Cependant, la danse doit exprimer des sentiments et doit donc être compréhensible non seulement pour les connaisseurs et les amateurs de ballet, mais aussi pour tout spectateur réceptif. Par conséquent, je voudrais souligner une fois de plus que le talent artistique est une compétence professionnellement importante d'un danseur de ballet, qui ne doit pas être négligée.

Si un artiste, lorsqu'il monte sur scène, ne sait pas montrer au spectateur son état intérieur et son expressivité, il sera un acteur ennuyeux. Chaque image doit être révélée artistiquement, musicalement, émotionnellement et psychologiquement justifiée. Tout geste, pose, nuance doit avoir une impulsion interne. Pour remplir une pose de contenu, vous devez la faire revivre, y découvrir certains de vos propres éléments, la remplir de votre pensée intérieure - elle sera alors organique et significative.

Malgré le fait que la chorégraphie soit fixe, chaque interprète y recherche ses propres nuances psychologiques de plasticité, recherche la pose la plus expressive, l'angle le plus avantageux, l'inclinaison et la rotation de la tête, les positions des mains, et colore ainsi le rôle avec son individualité. Les personnages humains ont de multiples facettes, tous expriment leurs sentiments différemment, il ne peut donc pas y avoir de masques d'émotions absolument identiques. personnes différentes. Utiliser une seule peinture pour révéler une image est une méthode complètement erronée.

« Chaque sentiment a de nombreuses nuances et, par conséquent, la force et l'ampleur de sa manifestation. Ainsi, par exemple, la joie peut être calme et douce, mais elle peut aussi être orageuse et effrénée. Être capable non seulement d’évoquer en soi un sentiment de tendresse, mais aussi d’en déterminer avec précision l’ampleur est un art de jeu grand et subtil.

Il est important de rappeler que l’inspiration ne vient pas à l’artiste d’elle-même, par exemple au milieu de la nuit ou pendant les vacances, au bord d’une rivière ou d’une mer. Il est nécessaire un soir précis, à une heure précise, lorsque les cloches sonnent dans le théâtre et que le public est assis sur ses chaises. Par conséquent, l'artiste doit pouvoir évoquer lui-même son inspiration, à sa guise et à sa discrétion. Même dans les moments de mauvaise santé, il doit trouver des moyens d'éveiller en lui l'exaltation avant le travail à venir, pour atteindre la plus haute manifestation des pouvoirs mentaux, spirituels et créatifs. Pour donner vie à l'image créée, le talent d'un acteur nécessite un travail spirituel.

Le théâtre exige de l'indépendance, des qualités personnelles et de la créativité sur scène de la part d'un danseur de ballet moderne. Il ne faut pas oublier que les danseurs de ballet ne sont pas des danseurs ou des danseurs, mais des acteurs de l'art chorégraphique ! Dans le processus de préparation d'une représentation au théâtre, un travail de création d'image et d'amélioration technique de la danse se déroule en parallèle. La maîtrise de la forme de danse classique permet d'exécuter la danse sans sensation de tension, mais l'exhaustivité absolue de l'image ne peut être obtenue sans la maîtrise des talents d'acteur, qui permettent aux artistes de pénétrer profondément dans le monde spirituel du héros et émotionnellement. saturer sa plasticité. Un danseur de ballet doit avoir non seulement un professionnalisme technique, mais aussi une expressivité d'acteur ; la performance doit captiver le spectateur avec des images.

Le niveau de culture du spectacle est l'élément principal qui détermine le visage du théâtre, car souvent les mêmes titres de représentations sont joués dans différentes troupes. La différence réside dans le niveau d’exécution. Aujourd’hui, malheureusement, nous sommes souvent confrontés à certaines pertes de performance artistique. Il n’est plus si fréquent aujourd’hui que des spectacles surprennent le public par leur profond contenu intérieur ; l’individualité et la personnalité ont disparu.

Les principaux interprètes s'efforcent de se concentrer sur la technique de l'interprétation, en montrant au public tout le poids de leur métier, en oubliant la perte d'imagerie et l'expression naturelle des sentiments sur scène. Le style de jeu lui-même est souvent caractérisé par des sentiments de fermeture et de retenue. La domination de la technologie introduit une note d’artificialité et de mensonge. Le spectacle perd sa magie, le côté artistique du spectacle est perdu. L'essence insaisissable qui touche l'âme du public disparaît sans laisser de trace.

Mais après tout, l’art du ballet russe s’est toujours distingué par sa chaleur, sa capacité à refléter la vie intérieure sous forme artistique. Rappelons-nous que dans années soviétiques il y avait un concept de « style de l'école de Léningrad ». Pendant de nombreuses années, à l'école et au théâtre, une grande importance a été attachée à la précision de la forme, à la qualité et à la certitude du style. Les artistes ont facilement démontré une danse cristalline ; en même temps, la technique n'était pas la fin en soi de la performance.

La chose la plus importante dans le ballet est vivre la créativité artiste. Une création à part entière d'une image artistique dans un spectacle de ballet n'est possible que si l'on maîtrise à la fois les techniques chorégraphiques et théâtrales. La compétence d'un danseur de ballet, qui réside dans la capacité de jouer non seulement avec la plasticité de la forme extérieure, mais aussi dans la capacité de transmettre son contenu intérieur, son expérience intérieure dans un langage chorégraphique, est la clé du succès sur le chemin de créativité scénique.

3.5. Analyse et transformation des critères de classification des capacités (processus mentaux)

Schéma raffiné de la base de classification des types de processus mentaux

Base des classifications des types de processus mentaux

3.6. Analyse des propriétés des processus mentaux, de l'attention et des capacités psychomotrices

Propriétés de productivité des processus mentaux

3.7. Structure des capacités cognitives

3.8. Psychologie des capacités spéciales

Sentiment

4. Psychologie des capacités générales

4.1. À propos du scientifique-poète

4.2. Personnalité créative et son chemin de vie

4.3. Approchez-vous de V.N. Druzhinin et N.V. Khazratova

4.4. Psychogénétique de la créativité et de la capacité d'apprentissage

4.5. Apprentissage, créativité et intelligence

5. Approche métasystémique pour développer le problème des capacités (A.V. Karpov)

5.1. Objectifs et hypothèses de recherche

5.2. Sur le concept de capacités intégrales de l'individu

5.3. Réflexivité dans la structure des capacités générales

Coefficients de corrélation de rang entre le niveau de développement des capacités générales

Résultats de la factorisation "oblique"

Valeurs des « poids » structurels des variables incluses dans le premier facteur1

Résultats de la factorisation par la méthode des composantes principales

Coefficients de corrélation linéaire entre le niveau de réflexivité et les scores aux sous-tests du test d'aptitudes mentales

Indicateurs de l'importance des différences entre les sujets hautement et peu réflexifs lors de la réalisation des sous-tests du « Test d'aptitudes mentales »

5.4. Statut de niveau des capacités métacognitives

6. Psychologie des capacités multilatérales et spéciales

6.3. À propos de la psychologie des capacités musicales

Analyse de certaines composantes des capacités musicales Sensation

Fréquences moyennes des formants de voyelles (en Hz)

6.5. Genèse de la perception musicale

Perception du rythme musical

6.7. Mémoire musicale

6.8. Les principales raisons d'échec dans l'activité musicale (E.F. Yashchenko)

6.9. Psychologie des capacités littéraires

Personnalité

6.11. Un bref aperçu de la recherche sur les capacités mathématiques

6.12. Capacités pédagogiques

6.13. Caractéristiques méta-individuelles d'un enseignant

Résistance au stress mental

6.14. Capacités artistiques et créatives

Exigences professionnelles de base pour les caractéristiques individuelles d'un danseur de ballet

7. Étude de la réalisation de soi en tant que capacité chez des étudiants de différents horizons professionnels

7.1. Possibilités d'auto-développement créatif de la personnalité des étudiants (basées sur l'étude du type de personnalité, des accentuations de caractère et de leurs connexions)

Orientations de valeur des types de tempérament

7.2. Modèles d'orientation perceptuelle et sociale de la personnalité d'étudiants de différents horizons professionnels

7.3. Qualités professionnelles et personnelles et orientations de valeurs des étudiants de la Faculté de Service et d'Industrie Légère

Méthodologie de recherche

Résultats de la recherche et discussion

Classements des carrières professionnelles selon J. Holland

7. 4. Caractéristiques de la réalisation de soi des étudiants des facultés d'économie et de technologie

matériel et méthodes

Résultats et sa discussion

7.5. Différences entre les complexes de symptômes des traits de personnalité chez les étudiants des facultés d'économie et de technologie ayant des niveaux élevés et faibles de développement de la réalisation de soi

Cartographie factorielle de la structure de la personnalité des étudiants des facultés d'économie et de technologie ayant des niveaux élevés et faibles de développement de la réalisation de soi, après rotation varimax

7.6. Différences entre les sexes et les professions dans la réalisation de soi

Méthodologie

résultats

Valeurs moyennes des indicateurs de test p. Cattell et s'est assis parmi les étudiants des facultés d'économie et de technologie (analyse de variance)

Données utilisées pour l'analyse de la variance d'un échantillon d'étudiants des facultés d'économie et de technologie de différents sexes et niveaux de réalisation de soi

Données issues de l'analyse de la variance et des niveaux de signification des différences dans les propriétés psychologiques individuelles des étudiants des facultés d'économie et techniques de différents sexes et niveaux de réalisation de soi

La discussion des résultats

7.7. Le concept valeur-sémantique de la réalisation de soi

Complexes de symptômes de différences dans les traits de personnalité et les orientations significatives de la vie des étudiants de différentes facultés

Complexes de symptômes de différences dans les traits de personnalité et les orientations de vie des étudiants de différentes facultés avec des niveaux élevés et faibles de réalisation de soi (sa)

Étape 3. Analyse comparative des relations entre les traits de personnalité et les orientations de vie chez les étudiants ayant des niveaux de sa élevés et faibles.

Conclusion et conclusions

Conclusion

Liste générale des références

Exigences professionnelles de base pour les caractéristiques individuelles d'un danseur de ballet

	Exigences professionnelles activités	Professionnellement qualités importantes	Adéquat techniques recherche
Réalisations (morphologiques et psychologiques)	Exigences corporelles particulières	Rapport taille/poids d'un danseur de ballet	Indice de taille et de poids
	"Pied de danseur" Le système musculo-squelettique d'un danseur de ballet supporte une charge importante et ciblée	Indice de charge du pied. Orientation latérale du pied	Méthodologie de M. Sulkhanishvili
	Parmi les nombreuses manifestations du tempérament, les manifestations des propriétés dont dépendent principalement la dynamique de l'activité d'un danseur de ballet et sa performance revêtent une importance particulière pour la chorégraphie.	Excitabilité émotionnelle, stabilité émotionnelle, plasticité, impulsivité, extraversion	1. L'expérience d'association de Jung. 2. « Installation fixe dans la sphère haptique » d'Uznadze. 3. "Dessins non structurés de Cattell"
Capacités générales (émotionnel-volontaire et sphère intellectuelle)	Un stress physique et mental régulier, intense et maximal, nécessitant des efforts volontaires importants	Régulation émotionnelle-volontaire élevée de l'activité utile	"Trouver des numéros avec commutation"
	Le ballet est l'intégration de la pensée et du mouvement, c'est pourquoi le talent créatif en ballet repose non seulement sur l'activité musculaire, mais aussi sur la pensée créatrice.	Maîtrise, flexibilité, originalité et élaboration de la pensée	«Études sur la pensée créative» E. Torrence
Capacités chorégraphiques particulières	Le talent artistique, la capacité de transmettre les émotions du héros et la musique avec des mouvements	La dansabilité est un indicateur complexe qui allie musicalité et expressivité émotionnelle des mouvements.	Méthodologie des évaluations d'experts et ponctuelles
	Orientation vers les objectifs - amélioration constante des compétences professionnelles	Motivation, besoin de maîtriser un métier
	L'objet de la volonté et de la conscience d'un danseur de ballet en activité professionnelle est son propre corps, sa motricité. Pour maîtriser une technique de danse complexe, une différenciation subtile des caractéristiques spatiales et de puissance du mouvement est nécessaire.	Capacité très développée à réguler les mouvements en vitesse, force, amplitude	Cinématométrie, test de tapotement maximum en 1 minute, coordination des mouvements
Spécial capacités chorégraphiques	Un danseur de ballet devrait tirer de la satisfaction d'un travail monotone, ressentir une joie musculaire en exécutant des mouvements complexes pendant les répétitions et en pratiquant la chorégraphie.	L'attrait émotionnel des mouvements chorégraphiques	Technique modifiée T. V. Dembo, S. Ya. Rubinshtein

Le premier groupe (30 personnes), qui comprenait des sujets lauréats, lauréats et diplômés de concours internationaux de ballet, ainsi que ceux ayant obtenu leur diplôme universitaire avec des notes « excellentes », a été désigné comme « hautement capable », l'autre (52 personnes) – « capable ».

On a supposé que les capacités de danse à différents niveaux de leur développement différaient : premièrement, par la plus ou moins de sévérité des composantes individuelles ; deuxièmement, le caractère unique des corrélations entre leurs indicateurs.

La comparaison des valeurs moyennes des composantes des capacités chorégraphiques de ces groupes à l'aide du test t de Student a montré qu'il existe un certain nombre de différences significatives :

– les élèves « hautement capables » ont un rapport taille/poids optimal pour le ballet (p<0,01), меньшим индексом нагруженности стопы (р<0,05), меньшей импульсивностью (р<0,05), меньшей эмоциональной возбудимостью (р<0,01), более высокой активностью волевой регуляции (р<0,05), более высокими показателями беглости и оригинальности мышления (р<0,01), более высокими показателями максимального теппинг-теста и танцевальности (р<0,001);

– les étudiants « capables » se distinguent par des niveaux plus élevés d'indicateurs d'attractivité émotionnelle des mouvements (p<0,05).

Pour identifier les caractéristiques structurelles des capacités chorégraphiques dans les groupes « hautement capables » et « capables », des analyses de corrélation et factorielles ont été effectuées pour chaque groupe séparément. En conséquence, il a été révélé que la structure des capacités chorégraphiques dans le groupe « capable » se compose de quatre facteurs, et dans le groupe « hautement capable » de cinq. Au groupe "capable":je prends en compte absorbé avec les plus grands poids les quatre indicateurs de la pensée créatrice, un indicateur de l'activité de régulation volitive, des indicateurs de propriétés psychodynamiques (excitabilité émotionnelle et plasticité), des indicateurs de la structure du pied et de la coordination des mouvements, qui indiquent la gravité des inclinaisons et les capacités générales, ce facteur a été désigné comme « inclinations et capacités générales » ; en facteur II avec les poids de facteur les plus élevés comprenant des indicateurs de l'attractivité émotionnelle des mouvements et de la danse, ce qui indique la gravité des capacités chorégraphiques particulières, ce facteur a été désigné comme "capacités spéciales"; en facteur III avec les poids de facteur les plus élevés comprenant des indicateurs de précision des mouvements à moyennes et grandes amplitudes, la précision des efforts de mesure, le test de tapotement maximum en 1 minute, l'impulsivité et la nécessité de maîtriser un métier, ce facteur a été nommé "psychomoteur", cela indique l'expression de capacités chorégraphiques particulières ; facteur IV, combinant des indicateurs d'extraversion et d'instabilité émotionnelle, désignés comme "psychodynamique" ce qui indique la gravité de ces inclinations. Au groupe "hautement capable":dans le facteur I ceux avec les pondérations factorielles les plus élevées comprenaient des indicateurs de la précision de la mesure des efforts et des mouvements à petites amplitudes, de l'attractivité émotionnelle des mouvements (niveau de capacités spéciales), un indicateur d'impulsivité, un indice de charge du pied (niveau d'inclinaison) et un indicateur de le développement de la pensée (niveau des capacités générales) ; en facteur II ceux ayant les pondérations factorielles les plus élevées comprenaient des indicateurs de capacité à danser et la nécessité de maîtriser un métier (niveau de capacités spéciales) et un indicateur de fluidité de pensée (niveau de capacités générales) ; en facteur III les indicateurs avec les pondérations factorielles les plus élevées comprenaient : l'introversion, l'inexcitabilité émotionnelle, la stabilité émotionnelle (niveau d'inclinations), l'activité de régulation volontaire et l'originalité de la pensée (niveau de capacités générales), la précision des mouvements sur une grande amplitude (niveau de capacités spéciales) ; Facteur IV indicateurs absorbés de coordination et de précision des mouvements à amplitudes moyennes (niveau de capacités spéciales) et un indicateur de la structure du pied (niveau d'inclinaisons); V Facteur V avec le facteur de poids le plus élevé comprenait l'indicateur du test de tapotement maximum pendant 1 minute. (niveau de capacités spéciales), des indicateurs de plasticité et d'indice taille-poids (niveau d'inclinaison), ainsi qu'un indicateur de flexibilité de pensée (capacités générales).

Une analyse comparative de la structure des capacités chorégraphiques de groupes avec différents niveaux de développement a montré que pour le groupe « capable », deux facteurs comprennent des indicateurs de composantes du niveau de capacités chorégraphiques particulières, un facteur est les inclinaisons et un facteur combine des indicateurs de le niveau d'inclinations et de capacités générales, tandis que dans Dans le groupe « hautement capable », chacun des cinq facteurs combine des indicateurs des trois niveaux de capacités chorégraphiques : les inclinations, les capacités générales et les capacités chorégraphiques particulières. Par conséquent, plus le niveau de développement des capacités particulières d’un danseur de ballet est élevé, plus la relation entre les indicateurs d’aptitudes générales, les capacités chorégraphiques particulières et les inclinations est étroite. Ainsi, il a été établi que la structure des capacités chorégraphiques est largement déterminée par le niveau de leur développement.

Ensuite, nous avons étudié comment les caractéristiques structurelles des capacités chorégraphiques des personnes « hautement capables » et « capables » se manifestent dans la nature de la relation entre les indicateurs d'inclinations, les capacités générales et les capacités chorégraphiques particulières, c'est-à-dire avec les indicateurs de propriétés multi-niveaux. de l'individualité intégrale.

Il a été constaté que plus le niveau de développement des capacités chorégraphiques est élevé, plus le nombre d'indicateurs de propriétés de l'individualité auxquels leurs indicateurs sont associés est élevé. De plus, il convient de noter que dans le groupe « capable », des liens étroits ont été trouvés entre les indicateurs de capacités spéciales et générales (principalement avec les indicateurs de volonté et de pensée), et dans le groupe « hautement capable », les indicateurs morphologiques, ainsi que indicateurs de précision, de vitesse et de coordination des mouvements, de capacité de danse, d'attrait émotionnel des mouvements et de motivation pour maîtriser un métier, dans le groupe des « hautement capables », il y a plus de liens avec le niveau d'inclinations que dans le groupe des « capables ». Sur la base de ces données, l'auteur conclut que les capacités générales assurent le succès des activités des personnes ayant un niveau moyen de développement des capacités chorégraphiques, et qu'un niveau élevé de développement des capacités chorégraphiques dépend davantage des inclinations que des capacités générales, c'est-à-dire que la base d'activités de ballet très réussies est largement déterminée par les inclinations naturelles. Autre chose est important pour nous : Plus le niveau de développement des capacités est élevé, plus le nombre de propriétés à plusieurs niveaux avec lesquelles elles sont interconnectées est grand. Par conséquent, l'idée selon laquelle une certaine combinaison de propriétés individuelles à différents niveaux constitue une condition préalable au développement des capacités est dans une certaine mesure confirmée.

Ainsi, les résultats des recherches d’I.G. Sosnina indiquent ce qui suit.

1. Les capacités artistiques et créatives, en particulier les capacités particulières d'un danseur de ballet, sont déterminées par les exigences spécifiques et très strictes de l'activité professionnelle imposées au corps, au psychisme et à la personnalité de l'artiste.

2. Les capacités particulières d'un danseur de ballet représentent un système intégral à plusieurs niveaux et à plusieurs composants, qui a une structure complexe et comprend : les inclinations, les capacités générales et les capacités chorégraphiques elles-mêmes, qui déterminent le succès de l'activité professionnelle.

3. Les capacités particulières d'un danseur de ballet sont déterminées par un complexe symptomatique de propriétés à plusieurs niveaux de l'individualité intégrale, commençant par les caractéristiques du corps (structure du corps et ses parties) et se terminant par les caractéristiques de la personnalité (motivation, intérêt, etc.).

4. La structure des capacités particulières d’un danseur de ballet est largement déterminée par son niveau de développement. La particularité de la structure des capacités spéciales des danseurs de ballet à un niveau élevé de développement est que les indicateurs d'inclinations, de capacités générales et de capacités chorégraphiques spéciales sont interdépendants et qu'à un niveau de développement moyen, une telle interrelation est pratiquement absente.

5. Le niveau élevé de développement des capacités de danse est déterminé principalement par les composantes des capacités chorégraphiques spéciales, le niveau moyen de développement - par les composantes des capacités générales.

6. Le niveau de développement des capacités chorégraphiques joue un rôle systémique dans l'individualité intégrale d'un danseur de ballet. La nature de la relation entre les niveaux d'individualité intégrale agit comme un indicateur de capacités chorégraphiques particulières.

Questions de révision

1. Qu’est-ce qui est unique dans l’approche de V.S. ? Merlin au problème des capacités ?

2. Nommez les critères des capacités de V.S. Merlin ?

3. Quelle est la nouveauté des recherches de T.I. ? Poroshina ?

4. Qu'est-ce que la musicalité ?

5. Nommez les composants capacités musicales.

6. Qu'est-ce que le ressenti modal ?

7. Définir les perceptions musicales-auditives et le sens musical-rythmique.

8. Qu’est-ce que l’audition intérieure ?

9. Comment s'effectue l'interaction des sensations ?

10. Quels types d'audition musicale pouvez-vous nommer ?

11. Qu'est-ce qui peut causer des performances irrégulières ?

12. Quelle est la principale approche pour la formation de sensations motrices correctes ?

13. Quelle est la différence entre la sensation et la perception ?

14. Comment la perception de la musique dépend-elle des paramètres socio-démographiques de l'auditeur ?

15. Quelles sont les principales différences dans la perception de la musique sérieuse et légère ?

16. Donnez des exemples de l'influence des significations personnelles sur la perception d'un morceau de musique.

17. Comment le processus de développement de la perception peut-il se dérouler ?

18. Quels types de mémoire sont les plus importants pour un musicien ?

19. Quelles sont les techniques logiques pour mémoriser un morceau de musique ?

21. Que faut-il prendre en compte lors de la répétition d'un morceau de musique pour une meilleure mémorisation ?

22. Quelle est la structure des capacités littéraires, pédagogiques, visuelles, d'acteur et chorégraphiques ?

Littérature

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E.V. Leibov en 1904. a étudié les blessures parmi les danseurs de ballet du Théâtre d'Opéra et de Ballet de Leningrad du nom de S. M. Kirov et en partie parmi les danseurs de ballet du Théâtre Bolchoï de l'URSS. Il a recueilli 100 rapports d'accidents de danseurs de ballet et effectué une analyse des blessures. Les résultats de cette méthode sont peu fiables, car les rapports d’accidents sont établis par des ingénieurs de sécurité qui n’ont pas une compréhension suffisante des spécificités du travail des artistes ; dans la colonne sur la cause des blessures, ils écrivent le plus souvent « mais la faute de l’artiste ».

Cependant, certains dispositions de E. B. Leibov méritent attention et étude. Il s'agit de la création d'une clinique médicale de ballet, d'une répartition inégale de la charge de travail entre les artistes, d'un contrôle sanitaire et hygiénique de leur travail, de leur alimentation et de leur repos.

Pour identifier le vrai causes de blessures et de maladies Le système musculo-squelettique nécessite une observation à long terme des danseurs de ballet, la présence d'un médecin en classe, l'étude des mouvements des artistes, les méthodes pédagogiques d'un professeur particulier, la présence aux répétitions, dans les coulisses lors de la représentation. Le médecin doit travailler en collaboration avec les enseignants et les tuteurs, soigner les danseurs de ballet en clinique et à l'hôpital.

En février 1965. une résolution a été publiée par le Présidium du Comité central des syndicats des travailleurs culturels « sur le statut et les mesures visant à améliorer les conditions de travail des danseurs de ballet ». Après cela, avec la participation des professeurs M.V. Volkov (CITO)), S.P. Letunov (Institut de recherche en éducation physique) et du médecin-chef de la clinique du Théâtre Bolchoï de l'URSS et de l'OMC, docteur émérite de la RSFSR M.I. Gorlovin, a été organisée au Théâtre Bolchoï une clinique médicale avec une équipe de médecins, d'infirmières et de massothérapeutes. Les travaux d'étude et de prévention des blessures chez les danseurs de ballet ont débuté dans ce dispensaire en 1967, ce qui a permis de réduire le nombre de blessures et de maladies de plus de 2,5 fois par rapport à 1965.

Afin d'interpréter correctement mécanisme de blessure et de maladie système musculo-squelettique chez les danseurs de ballet, pour fournir correctement une assistance médicale afin de ramener rapidement l'artiste sur scène en raison d'une perte de forme de ballet, il est nécessaire de connaître certains éléments de la chorégraphie, tant classique que parodique.

Le principal moyen de traction expressivité dans le ballet moderne est une danse qui comporte plusieurs branches : danse classique, caractéristique, folklorique, moderne. L'affinité auxiliaire est la pantomime, c'est-à-dire l'art d'exprimer des sentiments et des pensées à travers des expressions faciales et des gestes.

Toutes sortes de danses impose empreinte sur la nature de la blessure et le type de maladie d'une partie particulière du système musculo-squelettique ; Les chaussures et les vêtements du danseur sont également importants.

Connaissance de tous types charges nécessaires aux médecins qui soignent les artistes. Selon le type de blessure ou de maladie et la durée du traitement, les questions de réadaptation générale et professionnelle sont résolues.

Sous le professionnalisme de Markov A.K. comprend «l'ensemble, un ensemble de caractéristiques personnelles d'une personne nécessaires à la réussite du travail». Le professionnalisme, selon l'auteur, se compose de deux éléments : motivationnel et opérationnel.

L’élément motivationnel implique :

§ la passion pour la mentalité, le sens, l'orientation du métier au profit des autres, le désir de pénétrer les orientations humanistes modernes, le désir de rester dans le métier ;

§ motivation pour des niveaux élevés de réussite dans son travail ;

§ désir de se développer en tant que professionnel, motivation pour une dynamique positive croissance professionnelle, profitant de toutes les chances d'évolution professionnelle, définition d'objectifs professionnels solides ;

§ passage harmonieux de toutes les étapes de la professionnalisation - de l'adaptation au métier en passant par la maîtrise, la créativité, jusqu'à l'achèvement sans douleur du parcours professionnel ;

§ absence de déformations professionnelles dans la sphère motivationnelle, crises ;

§ lieu interne du contrôle professionnel, c'est-à-dire la recherche des raisons de réussite et d'échec en soi et au sein de la profession ;

§ le prix psychologique optimal pour des résultats élevés dans les activités professionnelles, c'est-à-dire l'absence de surcharge, de stress, de pannes et de conflits.

L'élément opérationnel comprend :

§ pleine conscience des traits et caractéristiques d'un professionnel, conscience professionnelle développée, vision holistique de l'apparence d'un professionnel à succès ;

§ se mettre en conformité avec les exigences de la profession ;

§ réalisation effective des activités professionnelles au niveau d'exemples et de normes élevés, maîtrise des compétences, productivité du travail élevée, fiabilité et durabilité des résultats élevés ;

§ l'épanouissement de la personne par le biais de sa profession, l'auto-compensation des qualités manquantes, l'apprentissage professionnel et l'ouverture ;

§ apporter une contribution créative d'une personne à la profession, enrichir son expérience, transformer et améliorer l'environnement professionnel qui l'entoure ;

§ susciter l'intérêt du public pour les résultats de son travail, car la société peut ne pas connaître ses besoins pour les résultats d'un travail professionnel donné, cet intérêt doit être formé.

Le professionnalisme, selon Markova, s'acquiert à travers les étapes suivantes :

1. L'étape d'adaptation d'une personne au métier, l'assimilation initiale par la personne des normes, des mentalités, des techniques nécessaires, des techniques, des technologies du métier ; cette étape peut se terminer rapidement dans les 1 à 2 premières années suivant le début du travail, ou elle peut durer des années et être douloureuse ;

2. L’étape de réalisation de soi d’une personne dans la profession ; la conscience d'une personne de ses capacités à remplir les normes professionnelles, le début du développement personnel par le biais de la profession, la conscience d'une personne de ses capacités individuelles à exercer des activités professionnelles, le renforcement conscient de ses qualités positives, l'atténuation des qualités négatives, le renforcement de style individuel, réalisation maximale de ses capacités dans les activités professionnelles;

3. Le stade de maîtrise d'une personne dans un métier, se manifestant sous forme de maîtrise, d'harmonisation d'une personne avec le métier ; ici se produit l'assimilation de normes élevées, la reproduction à un bon niveau de ce qui a été créé auparavant par quelqu'un recommandations méthodologiques, développements, instructions.

Des développements importants dans le domaine de la recherche sur les caractéristiques du professionnalisme ont permis de développer tout un complexe de diagnostics permettant de déterminer les niveaux de sa formation. Le diagnostic repose sur plusieurs principes :

1. Le principe de la sélection par étapes des candidats

La première étape - la sélection basée sur des indicateurs médicaux - est réalisée, en règle générale, par des médecins généralistes et n'est utilisée principalement que comme moyen de détection des contre-indications à la formation. L'absence de spécialistes au profil restreint - un psychologue ou un psychiatre-psycho-hygiéniste - lors du processus de sélection affecte négativement la pureté de la sélection professionnelle.

La deuxième étape est l'identification de ceux qui sont professionnellement aptes, de ceux qui sont conditionnellement aptes et de ceux qui ne sont pas aptes à étudier dans une université créative. Elle est réalisée dans le cadre d'une collaboration avec les candidats, les maîtres et les enseignants de l'établissement d'enseignement.

La troisième étape est le contrôle. Il identifie les changements à la fois favorables et défavorables dans les activités professionnelles et éducatives.

2. Le principe de prise en compte des réserves fonctionnelles du psychisme parle de la grande plasticité du système nerveux, des énormes potentiels cachés inhérents à une personnalité créatrice et des possibilités de développer et de révéler les réserves du psychisme humain. D'où la nécessité de procéder à une sélection selon des critères supérieurs, moyens et inférieurs afin de clarifier l'éventail d'acceptabilité des méthodes de sélection professionnelle et la variabilité des critères.

3. Principe professionnel.

Le professionogramme est l'un des principaux outils de diagnostic. Professionogramme, selon Sevastyanov A.I. il s’agit « d’un système d’exigences imposées à une personne par une certaine spécialité, profession ou groupe de celles-ci ». Une partie du professionogramme est un psychogramme - un bref résumé des exigences de la psyché humaine, qui constitue une liste de capacités nécessaires.

4. Le principe de fiabilité qui sous-tend le travail professionnel prend en compte les conditions complexes d'étude de l'activité professionnelle et la soi-disant « immunité au bruit » d'un individu.

Les outils ci-dessus aident à déterminer l’état de préparation d’une personne à une activité professionnelle en général. Mais l'activité créatrice a ses spécificités qu'il ne faut pas oublier. Vous ne pouvez pas déterminer le professionnalisme d'un danseur de ballet à l'aide d'un professiogramme, tout comme vous ne pouvez pas identifier un futur maître parmi les candidats uniquement par les résultats d'un test, d'un examen ou d'autres méthodes objectives.

Le professionnalisme d'un danseur de ballet n'est pas tant des facteurs objectifs de l'activité professionnelle en général, mais plutôt un ensemble d'exigences et d'attentes liées aux actions de l'artiste sur scène, formées par les traditions, l'histoire du ballet, ses interprètes exceptionnels, ses directeurs de ballet et spectateurs ordinaires. Par conséquent, passons à la compréhension du professionnalisme du danseur de ballet des personnes directement associées à cet art.

Le travail d’un danseur de ballet est un travail difficile au quotidien. Selon A. Ol, le ballet devrait devenir un « style de vie » d'artiste. Il ne reste plus de temps pour autre chose. Par conséquent, avant tout, un professionnel du ballet est une personne qui se consacre entièrement à cet art, sans laisser de trace.

La volonté d’apprendre constamment des autres et de s’améliorer est une autre exigence importante pour un professionnel. Voici ce que dit à ce sujet l'un des principaux solistes du ballet de Krasnoïarsk, Alexandre Butrimovitch : « … toute allusion est perçue comme le chemin le plus court vers le mieux et n'est que bénéfique. J'essaie… d'écouter davantage…” . Nous trouvons confirmation de ces propos de A. Ol : « Après le travail... Je dois regarder la séquence vidéo de certaines productions classiques presque image par image. Et il ne s’agit pas de lécher sans réfléchir la technique de quelqu’un, mais de comprendre et de comprendre toute la profondeur de la performance.

La corrélation entre le ballet et l'art du théâtre est soulignée à plusieurs reprises : « Lorsqu'un acteur de ballet parvient à combiner une brillante connaissance du métier, de la technique de la danse avec l'intelligence, les sentiments et l'imagination créatrice, il appartient à juste titre au titre d'artiste », déclare M.M. Gabovich. . On retrouve la même chose chez A. Ol : « Si le spectacle n'a pas d'énergie, des rôles bien structurés, ni une belle musique ni des costumes et décors luxueux ne peuvent le sauver - ce sera ennuyeux et non professionnel.

Le ballet impose également de sérieuses exigences à la condition physique de l'interprète. "Tout d'abord, cela dépend de la structure des muscles et des ligaments, et dans une certaine mesure de la structure osseuse de la silhouette d'une personne, si elle est capable d'effectuer tel ou tel mouvement...", déclare F.V. Lopukhov. . Un professionnel du ballet est toujours en bonne forme physique, flexible et artistique. Les caractéristiques physiologiques individuelles du soliste déterminent son rôle sur scène.

Le professionnalisme est une caractéristique globale du niveau de compétence d’un spécialiste. Le professionnalisme d'un danseur de ballet se forme au cours d'une longue formation et d'un travail quotidien. Un professionnel du ballet est une personne physiquement et intellectuellement développée, douée pour la créativité et psychologiquement résistante à toutes sortes de problèmes. Atteindre le professionnalisme n'est possible que grâce aux activités pratiques d'une personne, grâce au développement personnel et à l'aide active de maîtres déjà formés.