«Étang aux nénuphars (pont japonais)», Claude Monet - description du tableau. Histoires de tableaux de grands artistes : « Les Nymphéas » de Monet - le pyromane « Un mariage inégal » a failli détruire une amitié

Étang aux nénuphars - Claude Monet. Huile sur toile, 90,5 x 89,7 cm

Cette œuvre dans le style « impressionnisme » appartient à l'œuvre tardive de l'artiste. En 1883, Claude Monet achète une maison dans la ville de Giverny, en Normandie du Nord. Après avoir acheté un terrain voisin, l'artiste a créé à sa place un jardin pittoresque avec des fleurs, des arbres exotiques, un étang avec des nénuphars et un pont en Style japonais. Dans ce coin ombragé et mystérieux, Monet a passé 30 ans à peindre toute une série de tableaux représentant des nénuphars.

Grâce à l'exposition réussie des œuvres de Monet, organisée par le mécène des impressionnistes, Paul Durand-Ruel à Paris en 1909, les tableaux de l'artiste de cette série furent rapidement épuisés. Y compris les Américains, qui montrèrent un grand intérêt pour les impressionnistes.

Claude Monet a préféré peindre d'après nature, traquant le jeu lumière du soleil sur la surface lisse de l'étang. Il pouvait peindre la même vue dans des conditions météorologiques et temporelles différentes, en suivant réaction émotionnelle sur la nature. Par conséquent, il travaillait souvent sur plusieurs histoires à la fois. Ainsi, il a toute une série de tableaux avec un étang et un pont japonais, peints de différentes manières.

Monet a appliqué de grands traits sur la toile. Il utilisait des peintures pures et les mélangeait sur la toile.

Le tableau est peint dans des tons bleu-vert et produit une impression apaisante. Cette gamme est diluée avec des touches blanches et roses de nénuphars sur l'eau. La peinture est basée sur le contraste de la lumière et de l'ombre. L'artiste utilise de nombreuses nuances de vert, bleu, jaune.

Au premier plan, nous voyons la surface envahie par la végétation de l'étang. L'eau reflète les carex et les arbres qui poussent sur le rivage. Ils sont également visibles en arrière-plan. Un élégant pont dans le style de Hokusai divise visuellement la toile en deux parties. Un reflet de l'eau se reflète au fond. Il est à la fois ombragé et éclairé par le soleil. Le pont rappelle la présence humaine dans ce tableau idyllique. On a envie de le longer, de se tenir au milieu et d'admirer la vue.

La surface de l'eau crée une perspective qui amène le regard vers en arrière-plan. Là, la profondeur est créée par des arbres denses. De plus, l'étang et les bosquets de nénuphars donnent une impression d'horizontalité, qui est répétée par l'arc du pont. Et les arbres avec de l'herbe agrandissent l'espace vers le haut avec leurs lignes verticales. Ce contraste se répète dans le reflet sur l'eau : entre de grands blocs de nénuphars horizontaux, l'artiste peint par petits traits verticaux le reflet des arbres et de l'herbe dans l'eau. Grâce à cette technique, le tableau semble spacieux et aéré, malgré sa petite taille.

De nombreux nénuphars sont représentés par des traits blancs, roses et bleus. Ils apportent un sentiment de vie au tableau. L'artiste a réussi à transmettre un sentiment de paix et de tranquillité. En regardant la toile, on entend des oiseaux gazouiller et des insectes bourdonner. Vous ressentez la légère brise et la chaleur du soleil. L'image laisse l'effet d'une présence complète. Le monde, en l’absence de l’homme, vit pleinement sa vie.

Cette image est stockée dans Musée d'art Université de Princeton. Il a été offert au musée par les héritiers de son fiduciaire de longue date. établissement d'enseignement William Church Osborne en 1972.

À la fin du siècle dernier, l'ophtalmologiste britannique Richard Marmore a publié des informations sensationnelles. Un médecin anglais a découvert que les caractéristiques du style pictural du « père de l'impressionnisme » Claude Monet ne sont en réalité pas associées à nouvelle technologie peindre, mais avec sa vue faible !

Claude Monet est l'un des fondateurs de l'impressionnisme. Il était une fois un groupe de jeunes artistes, qui comprenait Manet, Monet, Degas, Pissarro, Renoir, Sisley et d'autres - seulement trente personnes, présentaient une technique de peinture complètement nouvelle par opposition à la technique classique généralement acceptée. Leur postulat principal était la représentation d’un bref instant de réalité, qui change à chaque minute. Les impressionnistes ont essayé de transmettre l'impression de ce moment dans leurs peintures. Leurs peintures semblaient inondées de lumière : un jeu bizarre d'ombre et de lumière, des éclaboussures de peinture transmettaient le mouvement, rendant les objets familiers nouveaux et intéressants. Les sujets pour les artistes étaient d'une importance secondaire ; ils les prenaient de Vie courante qui était bien connu : paysages ruraux, les rues de la ville, des gens simplesà son travail.

"Nymphéas" de Claude Monet

Un scandale éclate à l'exposition. Les artistes de la nouvelle approche de la peinture ont été ridiculisés. Le célèbre reporter du Charivari, Louis Leroy, les qualifiait avec mépris d'impressionnistes. Il ne pouvait même pas imaginer qu'il avait baptisé une direction entière fin XIX- le début du XXe siècle, qui a changé toute l'histoire ultérieure de la peinture.

Les artistes se réunissaient souvent dans les cafés et discutaient des nouvelles formes de peinture. Ils pensaient qu’après l’avènement de la photographie, la peinture académique ne serait plus en mesure de répondre aux besoins du public. De nouvelles approches sont nécessaires nouvelle technologie. Et puis les impressionnistes ont quitté les ateliers étouffants dans lesquels des paysages avaient été peints avant eux et sont sortis en plein air. Un petit homme vêtu de toile grise, enduit de peinture, penché sous le poids d'un chevalet, errait à la recherche d'un endroit pittoresque - une image aussi merveilleuse pouvait maintenant être vue par les paysans de la Provence française. Les jeunes peintres étaient surnommés les farfelus, et quand l'un d'eux demandait à se rendre dans une cabane de paysan pour faire le croquis d'une cuisinière ou d'une lavandière, tout le village accourut pour le voir.

Les impressionnistes mélangeaient rarement les peintures, les appliquant sur la toile sous une forme « pure », par traits séparés. Ce n'est qu'en regardant l'image de loin qu'on pouvait être convaincu que ces coups de pinceau étaient rassemblés en une seule image - une botte de foin, un champ de coquelicots, un vase de tournesols, une élégante figurine de ballerine ou une tahitienne pensive. La composition pour les artistes perd de sa signification, l'attention principale est portée au fragment. Leurs peintures semblent divisées en parties égales - personnage central et un objet apparemment accidentellement inclus dans le cadre ont la même signification. Les impressionnistes nient aussi le genre : où est le portrait, où est le paysage, où est la nature morte, c'est impossible à dire. Tout était mélangé, comme dans la vie.

L'initiateur de l'association des artistes destinés à présenter leurs œuvres au Salon de 1874 fut Claude Oscar Monet (1840-1926). Les jeunes maîtres peignaient ainsi depuis six à huit ans, mais l’idée de Monet était la suivante : leurs œuvres étaient rejetées individuellement, mais si elles se réunissaient, elles ne pouvaient être ignorées. Et c’est ce qui s’est passé. Monet crée la « Société Anonyme des Peintres, Artistes et Graveurs », en opposition aux maîtres. peinture classique. Plus de sept expositions impressionnistes ont eu lieu entre 1876 et 1886. Certes, après l'exposition de 1886, seul Monet a continué à suivre strictement les idéaux de l'impressionnisme.

Claude Oscar Monet, dans sa jeunesse, a commencé à peindre des caricatures, exposées pour quelques centimes dans un magasin d'art et très demandées. La connaissance de l'artiste Eugène Boudin a ouvert Monet vraie peinture. "J'ai réalisé mon objectif!" – a écrit le jeune homme ravi dans son journal. Il demande de l'argent à son père et part pour Paris, où il découvre la vie bohème des artistes locaux. Après avoir dépensé tout son argent, Claude, dix-neuf ans, s'est enrôlé dans l'armée et s'est rendu en Algérie, mais a rapidement été démobilisé pour cause de maladie.

Les proches se sont détournés de Monet, l'abandonnant. Seule la tante n'a pas perdu confiance en son neveu, mais elle n'a pas non plus approuvé son travail. Dans une lettre à l'artiste Aman Gautier, elle se plaint : « Quand il veut terminer quelque chose et faire un tableau, tout se transforme en un terrible barbouillage, et il admire ce barbouillage et trouve des idiots qui le félicitent !

En novembre 1862, Monet revient à Paris, où il commence à étudier la peinture avec Charles Gleyre. Deux ans plus tard, lorsque Gleyre fut contraint de fermer son atelier sous peine de perdre la vue, Monet, avec ses amis Renoir et Sisley, commença à maîtriser activement la peinture en plein air.

En 1865, Monet fait ses débuts au Salon : deux de ses paysages marins ont été exposés et acceptés par le public. Apprendre les techniques de la peinture académique et les oublier immédiatement, telle fut la tâche que Monet s'est fixée. Sa première œuvre significative est « Breakfast on the Grass ». Malheureusement, le tableau ne nous est pas parvenu - Claude l'a utilisé pour payer le propriétaire de la chambre du village de Chailly, où il vivait pendant qu'il peignait le tableau. Parmi les plus oeuvres célébres"Splash Pool" de Claude Monet (1869), "Boulevard des Capucines" (1873), les séries "Meules de foin", "Peupliers" et "Cathédrale de Rouen", "Nymphéas blancs" (1899).

En 1865, Monet rencontre Camille Doncier, qui deviendra son modèle favori pendant quatorze ans, et en 1870, sa première épouse. Elle a donné naissance à deux fils à l'artiste, que Monet a également souvent représenté sur ses toiles. Contrairement aux autres impressionnistes, Monet était heureux en amour. Son épouse Camille fut une merveilleuse compagne pour Monet, et à sa mort le 5 septembre 1879, commencèrent pour l'artiste les jours les plus difficiles de sa vie, qui se reflétèrent dans ses tableaux à la palette sombre.

En 1883, avec son ami Hoschede et sa femme Alice, Monet achète une maison à Giverny et réalise son rêve de longue date. Image principale tout au long de sa vie, il a vaincu le plan de la toile : à côté de sa maison, Monet a aménagé un jardin et l'a planté de fleurs pour qu'elles forment une composition entière. « La nature elle-même devient un tableau, illuminé par l'œil attentif de l'artiste. Ce jardin merveilleux et harmonieux est la toute première esquisse ou palette prête à être travaillée », écrivait Marcel Proust à propos du jardin de Monet. Pour créer un « jardin d'eau » - un étang avec des nénuphars, sur lequel est jeté un pont courbe de style japonais, l'artiste a obtenu l'autorisation des autorités pour détourner les eaux de la rivière Ept vers son domaine. Monet aimait peindre un jardin et un lac avec des lys flottant à sa surface.

Après la mort d'Hoschede, Monet épouse Alice - son deuxième mariage est aussi réussi que le premier. Cependant, la peinture ne lui satisfait plus : essayant d'atteindre la perfection, il rejette une esquisse après l'autre. Finalement, ayant finalement abandonné les principes de l'impressionnisme, il essaya de peindre ce qui était impossible à transmettre avec un pinceau et des peintures. De plus, dans dernières années Monet développe des cataractes aux deux yeux - une maladie insupportable pour l'artiste. Il déterminait de mémoire où il avait quelles couleurs de peinture. L'opération a restauré la vision, mais la perception des couleurs a été altérée. Derniers travaux Les monets n'ont pas l'éclat de leurs couleurs : tous les tons sur eux ont une teinte légèrement jaunâtre.

Au début de ce siècle, l’ophtalmologiste anglais Richard Marmore a prouvé scientifiquement que l’écart de Monet des principes de l’impressionnisme vers la peinture abstraite était associé à la déficience visuelle de l’artiste. Marmor a étudié la façon dont les patients malvoyants voient le monde et a corrélé les résultats avec les peintures « floues » de Monet. Artificiellement flou en utilisant Programme d'ordinateur une photographie d'un étang aux nénuphars à Giverny coïncide avec les "Nymphéas" de Monet. Quoi qu'il en soit, dire qu'un mouvement pictural aussi vaste et influent que l'impressionnisme est né uniquement à cause de la maladie oculaire de Claude Monet équivaudrait à dire qu'au moment d'écrire « Le Carré Noir », Malévitch avait épuisé tous les autres des peintures.

(Basé sur des matériaux de T. Sukhoterina)

Le cycle des Nymphéas, qui occupe Monet pendant 37 ans, de 1889 à 1926, comprend plus de 250 œuvres, de composition et de couleur variées. Le « Cycle » lui-même peut être considéré comme un indicateur évolution créative Monet, qui a systématiquement suivi la voie de l'abandon du paysage classique vers la « peinture d'impression ». En revenant à plusieurs reprises dans son jardin d'eau, Monet a pleinement révélé les possibilités coloristiques et de composition d'une tache de couleur pure. Au bout du carrière créative, Monet s'est rapproché de l'abstraction comme d'un pur jeu de formes et de couleurs, mais n'a jamais franchi cette ligne.

L'analyse de la diversité des œuvres de la série « Nymphéas » permet de les classer selon cinq caractéristiques principales : le temps de création, l'espace et la profondeur, la technique d'écriture, le format de l'œuvre et la palette de couleurs.

Par heure de création Les peintures du cycle « Nymphéas » peuvent être divisées en trois périodes :

• 1. 1889-1901 - les années de création du jardin de Giverny et de travaux sur d'autres séries de peintures. Cette période couvre le moins de travaux. Les "Nénuphars" datés de 1889-1901 se distinguent par un plus grand réalisme dans la représentation des détails et une couche de peinture multicolore.
• 2. 1901-1913. À partir de 1908, Monet commence à consacrer beaucoup de temps aux peintures de son jardin. Les œuvres de cette période sont riches en sujets variés. L'artiste crée de nombreuses images d'un pont « japonais », d'un arc entrelacé de roses et d'un étang avec des nénuphars. Au début des années 1900, il travaille sur un ensemble d'images du pont. Au total, le cycle comprend 18 tableaux peints sur toiles carrées. Par la suite, Monet s'est concentré sur l'image des nénuphars dans un étang, les capturant dans temps différent jour et année.

Un trait distinctif des peintures de cette période est la représentation fréquente de reflets à la surface de l'eau, pratiquement absente de ses œuvres ultérieures. « Dans les peintures écrites vers la fin de la première décennie du XXe siècle, le thème représenté semble enveloppé d'une brume qui s'épaissit, les contours deviennent plus flous, les flux de lumière s'estompent et deviennent moins tangibles, de plus en plus difficiles à localiser. " La couleur et les valeurs sont si proches de ces formes presque insubstantielles qui menacent de se dissoudre dans un mélange particulier constitué de molécules et de particules d'un faisceau lumineux" O. Reutersvärd. Claude Monet. M, 1963. - page 136.

3. La plupart des tableaux du cycle « Nymphéas », peints entre 1914 et 1926, se distinguent par l’absence de ligne d’horizon et par des changements généraux dans le langage figuratif et expressif de Monet, qui a adopté de nombreux éléments de l’art abstrait. Dans les œuvres de 1914-1926, Monet abandonne de plus en plus la perspective et l'élaboration réaliste des détails au profit de l'effet d'une perception holistique et imaginative de l'objet image, résolue au moyen d'une tache de couleur contrastée.

Basé sur le principe de l'interprétation picturale Espace et profondeur, les peintures du cycle des « Nymphéas » peuvent également être divisées en trois groupes.

• 1. Peintures avec une ligne d’horizon clairement définie. Ce groupe comprend presque toutes les œuvres créées avant 1901, y compris toutes les images du pont. Monet crée des compositions paysagères complètes avec des perspectives, des lignes d'horizon et des plans de dessin (le premier plan représentant des nénuphars et l'arrière-plan représentant un rivage couvert d'arbres et de buissons).
• 2. Le deuxième groupe comprend les œuvres dont la profondeur est obtenue grâce au dessin de plans, mais qui n'ont pas de ligne d'horizon. Ce type comprend les peintures créées principalement entre 1901 et 1914 et représentant le mouvement de l’artiste vers une organisation décorative plus abstraite de la surface picturale de la toile. L'artiste se concentre sur l'image de la surface de l'eau, parsemée de feuilles de nymphes, et ne dessine que la ligne d'horizon. En préservant les reflets des objets à la surface de l'eau, l'artiste semble faire allusion au spectateur à la présence d'un certain monde en dehors du jardin d'eau, qui contribue à créer une impression de profondeur et de corrélation spatiale de l'espace pictural.
• 3. Le troisième groupe comprend les œuvres tardives, qui se distinguent par leur design plat et décoratif, leur manque de perspective, de ligne d'horizon et de plans. Les œuvres de ce type (dont les gigantesques toiles réalisées pour le pavillon de l’Orangerie) reflètent la recherche de Monet sur les relations ombre-lumière, qui occupe toute l’attention de l’artiste. Monet exclut tout de sa peinture sauf jeu stimulant la lumière et l'ombre, qui servent l'impression, la perception d'un état éphémère environnement. Peintures période tardive Ils se distinguent également par leur totale inutilité spatiale. Monet ne montre ni le rivage, ni le pont, ni le reflet du rivage dans le miroir de l'étang, encore moins la ligne d'horizon. Le monde pictural du tableau se limite aux nénuphars à la surface de l’eau.

Technique. La classification du cycle « Nymphéas » par technique de peinture est très arbitraire. Toutes les œuvres de Monet, y compris les plus abstraites, tableaux décoratifs, écrits à la fin de sa vie, appartiennent sans aucun doute à la peinture impressionniste. Cependant, la différence de technique entre les œuvres anciennes et tardives reste grande. En analysant la variété des peintures de la série « Nymphéas » basée sur la technique de l'image, trois groupes principaux peuvent être distingués.

• 1. Traditionnel paysage. Les œuvres de ce groupe se distinguent par une présentation plus réaliste. Ils se distinguent par la présence d'une ligne d'horizon, un dessin plus soigné des détails, des transitions de couleurs plus claires et un plus grand contraste par rapport aux œuvres de la période ultérieure. C'est la technique unique et préférée de Monet, dans laquelle il a travaillé toute sa vie, mais dont il a commencé à s'éloigner à la fin de sa créativité vers une représentation moins claire et une tentative de transmettre non pas ce qu'il a vu, mais comment il l'a vu. . Il tente d'exprimer une nouvelle perception du monde visible dans toute sa richesse colorée. Et, bien que les peintures de la série « Nymphéas » puissent être conditionnellement attribuées à cette catégorie, il ne s'agit toujours pas de la même technique que Monet utilisait dans les années 60 et 70, où la composition tendait vers des verticales et des horizontales stables, qu'il introduisit dans au centre ou au bord avant de la toile. Dans les œuvres de la période tardive, ce n’est plus le cas ; on y retrouve une prédilection pour les formes agitées et chaotiques.
• 2. Impressionnisme créativité tardive- un groupe qui couvre la plupart des tableaux de la série et représente nouveau tour dans l'évolution de la peinture de Monet. "Dans les toiles avec des nénuphars, apparaissent des signes avant-coureurs de quelque chose de nouveau, auparavant non inhérent à Monet - des sensations vagues et étranges qui ne peuvent pas être immédiatement saisies et transmises. Un motif vague et aqueux à l'image des lys peut facilement sembler monotone au spectateur qui voit de nombreuses variantes similaires. Mais pour Monet, cette forme schématique et épurée représentait l'opportunité de concentrer davantage son attention sur ce qu'il considérait comme le plus essentiel" O. Reutersvärd. Claude Monet. M, 1963. - page 136. La composition conserve toujours les contours clairs du sujet représenté. Le spectateur peut facilement déterminer ce qui est exactement représenté sur la toile, mais cependant, la méthode de transmission de l'image s'éloigne de plus en plus de la peinture des contours vers des silhouettes floues et des transitions de couleurs douces.

Le refus de détailler l'image, les contours et les volumes modèles de l'image avec du clair-obscur a été provoqué par le désir de capturer l'état momentané du vivant et du mouvement. monde visible. "En tendant sa vision pour remarquer les moindres changements, il perdait souvent le sens de l'ensemble. Poussant son dédain pour l'intrigue à l'extrême, Monet abandonna finalement la forme et essaya de ne retenir que les merveilles du monde dans le tissu informe des plus beaux tissus. nuances» D. Rewald. Histoire de l'impressionnisme. M : AST, 2009. - p.388. Monet a passé les 37 dernières années de sa vie à la recherche d'une « impression vivante ».

3. "Peinture abstraite". Pendant la période d'exacerbation du glaucome, Monet a failli perdre la vue, mais a continué à peindre. A cette époque, ses œuvres deviennent très proches de la peinture abstraite et non objective. Les formes des objets se dissolvent complètement dans des couleurs luxuriantes, l'horizon disparaît sous la pression effets de couleur, et la technique de peinture en général devient si non figurative qu'il devient parfois difficile de déterminer ce qui est exactement représenté sur la toile. Ce sont ces œuvres, peintes au cours d'une maladie, qui ont conduit le chercheur américain Alfred Barr le Jeune à conclure que Monet est l'un des fondateurs de l'art abstrait. Il est peu probable que le maître se soit fixé de telles tâches, d'autant plus qu'après avoir retrouvé sa vision, il a commencé à peindre de la même manière et est resté jusqu'à la fin dans le camp de l'impressionnisme. Expérimentant la technologie, Monet ne pensait cependant pas à l’art en dehors de la nature. D'un autre côté, on peut supposer que plus l'artiste approchait de la fin de sa carrière créative, plus sa perception de la nature passait des objets réels du monde à la lumière pure réfléchie par les objets. monde réel et passé par le prisme de la perception monde intérieur artiste.

La forme des peintures. En analysant les travaux ultérieurs de Claude Monet, on ne peut ignorer un facteur tel que la forme de ses toiles. On sait que pour le genre paysager, la forme la plus réussie et la plus courante est un rectangle à orientation horizontale. Cependant, Mone a également fonctionné dans d'autres formats.

• 1. Rectangle à orientation verticale. La plupart de les œuvres peintes sur toiles verticales sont incluses dans les compositions composites et ne sont pas œuvres indépendantes. Ce groupe comprend notamment les tableaux que Monet a réalisés pour son projet « Nymphaeas » sur commande de l'État pour le Musée de l'Orangerie de Paris. Dans d’autres cas, l’artiste utilisait rarement des toiles orientées verticalement, qui ne convenaient pas au genre paysager.
• 2. Rectangle avec orientation horizontale de la toile. La plupart des tableaux de la série ont la forme d’un rectangle horizontal, considéré comme le format le plus réussi pour le genre paysager. En travaillant avec une toile horizontale, l'artiste a pu composer tous les détails de l'image, y compris l'étang, le pont, les branches de saules pleureurs suspendues au-dessus de l'eau et les nénuphars peints séparément. Certains panneaux du projet « Nymphaeas » ont été rédigés dans ce format.
• 3. Carré. Monet a utilisé des toiles carrées pour la série « Pont japonais », dont la composition s'inscrit bien dans ce format. Le pont occupe la place centrale des tableaux. La ligne d'horizon s'étend clairement juste en dessous du milieu de la toile, divisant l'espace en trois zones horizontalement. La place centrale est occupée par le pont, dans la partie supérieure il y a des cimes d'arbres et dans la partie inférieure il y a des nénuphars flottant à la surface de l'eau. La rythmicité de la composition ferme le reflet des cimes des arbres sur la surface de l'eau, combinant tous les composants en une seule composition intégrale. L’image de nénuphars sans ligne d’horizon dans ce format semble moins réussie. Enfermés dans une forme carrée ainsi que dans un rectangle d'orientation verticale, les objets représentés semblent être un fragment de l'ensemble plutôt qu'une œuvre indépendante.
• 4. Ovale. En de rares occasions, à titre expérimental, Monet a utilisé des toiles ovales qui composent le plus petit groupeœuvres - la forme la plus rare de cette série.. Le sujet présenté sur les toiles de forme ovale est uniforme : ce sont des nénuphars, peints selon la technique impressionniste de la créativité tardive, sans ligne d'horizon et principalement dans des couleurs claires et douces. Selon l'époque de création, ce groupe de tableaux remonte à 1907-1908. On voit que l'artiste a tenté, à titre expérimental, d'enfermer son sujet favori sous la forme d'un ovale, mais s'en est rapidement désintéressé.

Couleur. La couleur est sans aucun doute un élément clé de la technique de Monet, qui a atteint un expression artistique jouant sur le contraste entre les traits d'empâtement clairs, transparents et plus mats, créant un contraste de couleurs vibrant de traits en filigrane qui créent une illusion spatiale. Monet était un maître de la peinture de Valérie, traduisant la variabilité des nuances de couleur et le mouvement de la vie. L'artiste a su représenter les objets dans leur relation avec l'environnement lumière-air, ce qui crée une profondeur et une richesse de couleur particulières, une subtilité des relations et des transitions de couleurs. De plus, Monet n’a jamais verni ses toiles ni travaillé leurs bords, c’est pourquoi de nombreuses œuvres semblent inachevées ou « légèrement endommagées ».

Les tableaux de la série "Nymphéas" sont variés dans leurs solutions de couleurs, c'est naturel, car c'était l'effet momentané de l'éclairage, changeant la couleur de la nature, qui intéressait avant tout l'artiste. La couleur était sa principale préoccupation et son obsession. Grâce à ses expériences, Monet a pu montrer à quel point le monde est beau et diversifié, quel que soit le temps et l'éclairage. Cependant, analyse détaillée Les peintures de la série « Nymphéas » nous permettent d'identifier plusieurs combinaisons de couleurs de base.

• 1. Couleurs multicolores et vives. Monet utilise toute la palette pour transmettre le sentiment du moment présent. Les relations de couleurs contrastées traduisent la richesse des couleurs naturelles par une journée ensoleillée. Clair ciel bleu, nénuphars scintillants de différentes couleurs, arbres sur le rivage, surface de l'eau réfléchissant éblouissement du soleil. Le spectateur absorbe avec impatience la richesse de la palette de couleurs, les reflets multicolores du soleil répartis sur toute la surface de la toile, ressentant l'ambiance d'une chaude journée ensoleillée.
• 2. Des tons clairs, doux et sourds. Les couleurs douces et sourdes transmettent la tendresse et le silence du moment, créant une sensation de légère brume matinale. Une ambiance de calme, de silence et de tranquillité remplit le spectateur debout devant ces œuvres. L'auteur utilise doucement nuances pastel: bleu clair, rose clair, violet clair. Intercalés de taches rouge vif et jaunes de nénuphars, ils créent les accents nécessaires, afin que les transitions douces entre les couleurs de la palette ne se fondent pas en un point inutile et indiscernable. Jaune dans la partie supérieure gauche de la composition, représentant le reflet du feuillage d'automne sous les rayons du soleil, ne semble pas brillant en raison de la connexion et de l'interpénétration avec le général Schéma de couleurétang. Toutes les lignes s'enchaînent très doucement et sans à-coups, il n'y a pratiquement aucun contraste.
• 3. Des tons sombres et profonds. Les tons sombres et riches transmettent l’atmosphère du crépuscule ou du temps nuageux. Les lignes sont plus claires et plus contrastées. Les traits sont plus épais et saturés, les couleurs sont plus vives et plus profondes. La peinture transmet la sensation d’un crépuscule qui s’approfondit et la magnificence de la beauté de la nature dans la lumière du soir.

Photo d'un célèbre artiste français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme, Claude Monet, « Les Nymphéas » a été peint en 1916.

Le tableau est peint à l'huile sur une toile carrée de deux mètres. L'artiste a peint un tableau au bord de son étang préféré, où il a passé des heures à admirer la surface de l'eau et les nénuphars jouant avec des reflets colorés.

Composition

La toile représente une partie d'un étang, dont l'eau scintille de teintes bleu-vert-violet. De volumineux nénuphars roses et jaunes flottent à la surface de l’eau. Certains d'entre eux sont coupés sur les bords, de sorte que les téléspectateurs ont le sentiment que l'image est quelque chose de plus que ce que l'auteur nous a montré. Il peut s'agir d'un grand étang situé au milieu d'un jardin pittoresque ou d'un immense lac pittoresque sans horizon.

Technique de représentation

Grâce aux traits verticaux de vert et violet Monet a réussi à donner au tableau dynamique, réflexion et sensation grande quantité algues et racines sous l'eau. L'auteur a obtenu la nature multicouche visible de l'eau en appliquant de nouvelles touches d'eau sur les feuilles de nénuphar déjà représentées. Des zones séparées de toile non peinte donnent au tableau un sentiment de spontanéité et d’incomplétude.

Les nénuphars ne sont pas rares dans les tableaux de Claude Monet. L'auteur a représenté plus d'une fois ces étonnantes plantes aquatiques peuplant son propre étang. Après une intervention chirurgicale pour enlever la cataracte, la perception des couleurs de l’artiste a changé, ce qui lui a permis de commencer à voir des couleurs ultraviolettes invisibles à la lumière. Entre 1914 et 1918, l’artiste peint une soixantaine de tableaux représentant des nénuphars. Claude Monet construit un nouvel atelier équipé d'un éclairage spécial spécialement pour travailler sur de grandes toiles. L'artiste a légué à sa France bien-aimée toutes les œuvres représentant un étang aux nénuphars.

Cependant, aujourd'hui, les peintures de la série « Étang aux Nymphéas » décorent les plus grands musées paix. Les tableaux de Claude Monet occupent une honorable troisième place dans le classement des tableaux les plus chers du monde. Le 24 juin 2008, l'un de ces tableaux a été vendu par le leader du marché de l'art, Maison de vente aux enchères Christie's pour 41 millions de livres sterling. Le tableau « Nymphéas » décrit ci-dessus est en musée national Art occidental, situé à Tokyo.