L’art théâtral dans le monde moderne est l’une des branches culturelles les plus répandues. Il existe un grand nombre de théâtres construits dans le monde entier, dans lesquels des productions sont présentées quotidiennement. Avec le développement de technologies innovantes, de nombreuses personnes ont commencé à oublier vraies valeurs art. Tout d'abord, le théâtre donne à une personne la possibilité de s'améliorer et de se développer.
Le théâtre dans l'Antiquité
L'art théâtral est l'un des plus anciens. Ses origines sont loin de la société primitive. Il est né de jeux agricoles et de chasse de nature mystérieuse et magique. La société primitive croyait que si, avant de commencer un certain travail, on jouait une scène illustrant l'achèvement favorable du processus, le résultat serait positif. Ils imitaient également les animaux, leurs habitudes et leur apparence. Les anciens croyaient qu'il était ainsi possible d'influencer le résultat de la chasse ; ils dansaient souvent en portant des peaux d'animaux. Et c’est dans ces actions que commencent à apparaître les premiers éléments du théâtre. Un peu plus tard, les masques ont commencé à être utilisés comme principaux attributs du prêtre-acteur entrant dans l'image.
Théâtre dans l'Egypte ancienne
Le théâtre égyptien a commencé son développement dès le début du monde antique. C'était vers la fin du troisième millénaire avant JC. Chaque année, de petites représentations théâtrales à caractère dramatique et religieux étaient présentées dans les temples.
Théâtre dans la Grèce antique
Dans la Grèce antique, les théâtres étaient principalement construits en plein air et conçus pour accueillir des dizaines de milliers de spectateurs. Le public était assis sur de hauts bancs de pierre face à une large scène circulaire située au centre, on l'appelait « orchestre ». Le culte du grand dieu de la fertilité Dionysos a joué un rôle majeur dans le développement du théâtre grec. Le répertoire était composé de trois tragédies et comédies. Les acteurs étaient uniquement des hommes, qui jouaient parfois des femmes. Dans la comédie, ils devaient faire rire le public, pour cela ils utilisaient des masques faits maison, qui représentaient des nez aplatis, des lèvres saillantes et des yeux exorbités. Les masques étaient fabriqués à partir de bois sec, puis de tissu, après quoi ils étaient recouverts de plâtre et peints avec diverses peintures. Les masques permettaient aux spectateurs assis à l'écart de la scène antique de voir les expressions faciales correspondant à l'action. La bouche grande ouverte sculptée dans le masque permettait aux acteurs d'augmenter le volume de leur voix ; on pourrait même dire qu'elle servait de porte-parole.
Les représentations étaient très populaires en Grèce théâtre folklorique, que les anciens Grecs appelaient mimes. Un mime était considéré comme une petite scène de nature quotidienne ou satirique, dans laquelle des héros mythologiques, des guerriers courageux ou de simples voleurs de marché étaient représentés par des acteurs. Les femmes pouvaient également jouer des mimes ; les masques n'étaient pas utilisés pendant le spectacle.
Théâtre dans la Rome antique
Dans la Rome antique, le théâtre servait avant tout à divertir les foules de spectateurs. Et les acteurs étaient considérés comme l'une des classes inférieures de la population ; peu d'acteurs romains étaient respectés dans l'art théâtral. Le plus souvent, les affranchis et les esclaves devenaient acteurs. Dans le théâtre romain, comme dans le théâtre grec, les sièges des spectateurs étaient situés en fonction du cercle principal. En plus des tragédies et des comédies, les acteurs romains jouaient des antonymes, des pyrrhiciens, des mimes et des attelans. La fréquentation du théâtre était gratuite pour les femmes et les hommes, mais pas pour les esclaves. Pour attirer les spectateurs et les surprendre avec luxe, les organisateurs des jeux ont décoré la salle d'or, y ont aspergé les liquides les plus parfumés et ont parsemé le sol de fleurs.
Théâtre en Italie
Dans le théâtre italien de la Renaissance, les représentations étaient très différentes : elles étaient plus gaies, pleines d'humour et de satire. La représentation théâtrale s'est déroulée sur des scènes en bois spécialement conçues, autour desquelles se rassemblait toujours une immense foule de spectateurs. Les théâtres antiques commencèrent à se concentrer dans les grandes villes culturelles et industrielles. C'est l'art théâtral de l'Antiquité qui a révolutionné le théâtre dans son ensemble et divisé le théâtre en variétés. Depuis cette époque, aucun changement fondamental ni innovation révolutionnaire n’a été observé à ce jour.
Théâtre aux XVIIe et XVIIIe siècles
L'art théâtral des XVIIe et XVIIIe siècles était de plus en plus rempli de romantisme, de fantaisie et d'imagination. Au cours de ces années, le théâtre était le plus souvent créé par des troupes composées d'acteurs et de musiciens itinérants. Dans les années 1580, il était visité par les roturiers, mais à partir de 1610, les Français les plus riches et les plus élégants ont commencé à s'intéresser à cet art. Plus tard, le théâtre fut considéré comme une morale établissement culturel, le plus souvent il était visité par des aristocrates. Le théâtre français présentait principalement des pièces de théâtre costumées, des comédies et des ballets. Le paysage a pris une apparence plus proche de la situation réelle. L'art théâtral des XVIIe et XVIIIe siècles est devenu la base du développement de tout l'art mondial futur. De nombreux théâtres de cette époque ont survécu jusqu'à nos jours.
En Angleterre
L'art théâtral anglais du XVIIIe siècle a joué un rôle important dans l'histoire et le développement de l'ensemble du théâtre européen. Il devient le fondateur de la dramaturgie des Lumières. Également à cette époque, un nouveau genre dramatique est apparu, appelé drame bourgeois ou, comme l'appelait le public, tragédie bourgeoise. Pour la première fois, c'est en Angleterre que naquirent les représentations dramatiques bourgeoises ; plus tard elles pénétrèrent en Allemagne, en Italie et en France.
Transition de la Renaissance aux Lumières
La transition de la Renaissance aux Lumières a été très mouvementée, longue et assez douloureuse tant pour les acteurs que pour les spectateurs. Le Théâtre de la Renaissance mourut progressivement d'année en année, mais un miracle de la pensée humaine tel que l'art musical et théâtral n'a pas réussi à mourir comme ça. Le dernier et l'un des coups les plus violents lui fut porté par la révolution puritaine. L'Angleterre, qui était récemment pleine de vie et de joie, lumineuse et colorée, est soudainement devenue pieuse, vêtue de vêtements sombres et trop pieuse. Il n’y avait pas de place pour le théâtre dans une vie aussi grise. Ils ont tous été fermés et, un peu plus tard, les bâtiments ont été incendiés. En 1688, la révolution tant attendue a eu lieu en Angleterre, après quoi la transition de la Renaissance aux Lumières a eu lieu.
De retour au pouvoir, les Stuart restaurent complètement les théâtres, mais ils étaient désormais très différents de ceux de l'époque précédente. Au XVIIIe siècle, l'art musical et théâtral s'épanouit avec un riche bouquet de genres nouveaux. L'opéra-ballade, la pantomime et la répétition commencent à jouir d'une énorme popularité. À partir de ce moment, le théâtre anglais se préoccupe davantage des profits que des problèmes. En 1737, le gouvernement anglais approuva un acte de contrôle de la vie théâtrale et, à partir de ce moment, toutes les pièces écrites furent soumises à une censure stricte.
Théâtre dans la Russie antique
Dans les territoires qui étaient autrefois Russie kiévienne, l'art théâtral apparaît au XVIIe siècle. Cela a commencé avec des représentations à l’école et à la cour. Premiers ateliers arts théâtraux ont été fondées dans des écoles fraternelles et des tribunaux de riches. Les pièces de théâtre ont été écrites par des enseignants et des étudiants. Ils utilisaient principalement à la fois des légendes quotidiennes et des récits évangéliques. L'émergence du théâtre de cour a été provoquée par le grand intérêt de la noblesse de cour pour l'art et Culture occidentale. Les nobles aimaient tellement les représentations des étudiants produites par le premier studio d'art théâtral qu'ils pouvaient les regarder plus de 10 fois. Initialement, le théâtre de la cour n'avait pas lieu permanent, tous les costumes, décorations et décorations ont été transférés d'un endroit à un autre. Au fil du temps, plus près du XVIIIe siècle, les représentations théâtrales ont commencé à se distinguer en grande pompe et étaient accompagnées de danses et de jeux. instruments de musique.
Au XIXe siècle, le théâtre russe était d'abord divisé en troupes musicales et en troupes de théâtre, puis en groupes d'opéra et de ballet. C'est au cours de ces années qu'est ouverte l'une des premières scènes dramatiques, qui s'appellera plus tard le Théâtre Maly. Bien qu'une division se produise entre les troupes, elles restent longtemps inséparables. Bientôt, des institutions telles que l'Académie des arts du théâtre ont commencé à apparaître, et ce ne sont pas les pauvres, mais plutôt les personnes riches et instruites qui sont devenues des acteurs. Au fil du temps, le nombre de théâtres a commencé à croître rapidement et ils étaient gérés par le bureau des théâtres de l'empereur. Quant aux acteurs et aux ouvriers, ils commencent à se référer à tous les théâtres, et non spécifiquement à une troupe particulière. Au XXe siècle, l’art s’est amélioré sous une forme que nous pouvons constater encore aujourd’hui.
Un des les représentants les plus brillants, développé à cette époque, est le Théâtre Bolchoï.
Rôle dans le monde moderne
Le théâtre occupe une place essentielle dans le monde de l’art moderne, il s’adresse donc à un large public et attire chaque jour de plus en plus de nouveaux spectateurs. Très souvent, dans les théâtres modernes, il y a des pièces consacrées aux œuvres de classiques célèbres, cela permet d'acquérir de nouvelles connaissances et de mieux connaître l'histoire. Il existe aujourd’hui de nombreuses académies et écoles où l’on peut devenir acteur.
Mais, en plus de la grande académie, où sont formés les futurs acteurs, il existe également de petites institutions, par exemple un studio d'art théâtral, qui peut être fréquenté par toute personne talentueuse qui souhaite faire ses preuves et apprendre toutes les subtilités du jeu d'acteur. Certains théâtres modernes nous étonnent par la beauté et la plasticité des formes architecturales.
3. Théâtre et représentations théâtrales dans la Grèce antique.
4. Tragédies et comédies du théâtre grec antique.
5. Créateurs de théâtre.
6. Conclusion.
L'émergence du théâtre.
Le théâtre est né dans la Grèce antique il y a environ deux mille cinq cents ans.
Le mot « théâtre » lui-même est d’origine grecque et signifie « lieu de spectacle ».
Les représentations théâtrales étaient les spectacles préférés des Grecs de l’Antiquité.
L'origine du théâtre était associée à la religion des anciens Grecs, à savoir
festivités en l'honneur du dieu Dionysos, patron des vignerons. Dans l'un des
les mythes disent que Dionysos erre à travers la terre avec une foule
leurs compagnons. Ce sont des satyres - des dieux de la forêt, mi-humains, mi-chèvres. Chez les satyres
longues queues, oreilles et sabots pointus. Quand aux sons des flûtes et des trompettes
Dionysos vient en Grèce, puis le printemps commence dans ce pays, il fait plus chaud
le soleil se réchauffe, les fleurs s'épanouissent, toute vie renaît.
Fin mars, la Grèce a célébré la fête principale du dieu du vin - le Grand
Dionysie. Lorsqu'ils représentaient des satyres, les Grecs portaient des peaux de chèvre et attachaient
longues barbes de feuilles de chêne, leur a peint le visage ou les a couverts
masques de chèvre. Un joyeux cortège de momies s'est déplacé dans les rues de la ville et
arrêté quelque part sur la place. Le chanteur s'est manifesté. Il chante
a parlé des pérégrinations de Dionysos, de sa rencontre avec des pirates et autres
aventures, et le reste des mamans chantaient avec lui en chœur. J'ai interprété le chanteur principal
puis l'un des héros du mythe, puis Dionysos lui-même, puis l'un des satyres. Scènes,
joués par les participants de la fête, et ont été les premières pièces de théâtre
spectacles : le chanteur et les mummers étaient des acteurs, et les spectateurs étaient tout
population de la ville.
Théâtre et représentations théâtrales dans la Grèce antique.
Dans les villes grecques de la fin du VIe siècle. avant JC e. construit pour les représentations théâtrales
bâtiments spéciaux. Dans presque toutes les villes grecques, y compris les colonies
rives de la Méditerranée et de la mer Noire, il y avait son propre théâtre, et parfois plusieurs (ainsi,
il y avait plus de dix théâtres en Attique). Chacun des théâtres antiques abritait
plusieurs milliers de spectateurs. Par exemple, le Théâtre de Dionysos à Athènes comptait environ 17
mille lieux.
Le théâtre était un spectacle favori dans la Grèce antique, tous les habitants le recherchaient
arriver à la fête de Dionysos, mais ces célébrations (dont ils faisaient partie
des représentations théâtrales) n'avaient pas lieu quotidiennement, mais seulement deux fois par an.
Il n'y avait pas de représentations en soirée dans la Grèce antique. Représentations dans les théâtres grecs
a commencé vers sept heures du matin et s'est poursuivi jusqu'au coucher du soleil : ils ont placé en rang
plusieurs représentations.
"Le grec ancien billets de théâtre" : ils facturaient une somme modique pour entrer au théâtre
(à Athènes le pouvoir appartenait à aux gens ordinaires, des démos, donc
l'État, prenant soin des citoyens les plus pauvres, leur a donné de l'argent pour acheter
des billets). Le ticket était en plomb ou en terre cuite. Les lettres sont visibles sur le billet
"bêta" (B) et "epsilon" (E). La lettre indiquait l'un des « coins » auxquels
le théâtre était divisé par des escaliers, rayonnant des rayons. Comme indiqué sur le billet
Le « coin » pourrait prendre n'importe quelle place, à partir de la deuxième rangée. Pour ne pas
assis tout en haut, les Grecs allaient au théâtre avant l'aube. Ils ont emporté avec eux un paquet de
des tartes et une bouteille de vin, un manteau chaud, un oreiller placé sous
soi-même sur un banc de pierre. Le théâtre était rarement à moitié vide.
La plupart des spectateurs étaient des hommes, des citoyens et des Grecs en visite.
Les femmes, constamment occupées aux tâches ménagères, fréquentaient beaucoup le théâtre
moins souvent que les hommes. Les esclaves n'entraient dans le théâtre qu'en tant que serviteurs accompagnant
leurs maîtres
Les sièges de la première rangée étaient non seulement en marbre, mais aussi gratuits, attribués
ils sont destinés aux spectateurs d'honneur (prêtres de Dionysos, vainqueurs des Jeux Olympiques,
stratèges).
Il y avait une excellente audibilité dans le théâtre. Si vous lancez une pièce de monnaie au centre de l'orchestre,
sa sonnerie se fera entendre jusque sur les bancs les plus reculés. Le bâtiment du théâtre avait la forme
un immense fourré qui, tel un mégaphone, amplifiait tous les sons de la parole et de la musique.
Le théâtre grec n'avait pas de rideau. L'action s'est déroulée sans entracte,
ceux. Pas de pauses.
Les théâtres étaient situés en plein air sur les pistes et accueillaient des milliers de personnes.
spectateurs. Le bâtiment du théâtre se composait de trois parties.
Une partie du théâtre est constituée de sièges pour les spectateurs. Ils étaient divisés par des passages en sections,
ressemblant à des coins.
Une autre partie du théâtre est l'orchestre - une plate-forme ronde ou semi-circulaire sur laquelle
acteurs et chœur se sont produits. Pas un seul événement n'a eu lieu sans chants et danses.
performance. Membres du chœur en fonction du contenu de la représentation
représentait soit des amis du personnage principal, soit des citadins, soit des guerriers, et
parfois des animaux - des oiseaux, des grenouilles et même des nuages.
La troisième partie du théâtre s'appelait skene. C'était à côté de l'orchestre
construction Des planches ou panneaux peints étaient fixés à son mur,
représentant l'entrée du palais, le portique du temple ou le bord de mer. À l'intérieur du Skene
les costumes et les masques des acteurs étaient stockés.
Seuls les hommes participaient aux représentations. Ils ont joué chez les hommes ou
masques pour femmes, portant des chaussures spéciales à semelles épaisses pour paraître plus grandes
hauteur. Les traits du visage des acteurs étant peu visibles depuis les derniers rangs
théâtre, les acteurs portaient de grands masques peints qui couvraient non seulement
le visage, mais aussi la tête. En regardant les acteurs, il est devenu clair qui ils étaient.
représenter. Les personnes âgées ont les cheveux blancs et les joues fines et creuses. Si le héros
plus jeunes, leurs cheveux et leur barbe devinrent à moitié gris, des jeunes hommes étaient représentés
imberbe. L'esclave pouvait être reconnu immédiatement - ses traits trahissaient le non-Grec
origine. Habituellement, pas plus de trois personnes participaient à chaque représentation.
acteurs. Il pourrait y avoir beaucoup de choses dans la pièce personnages, et puis chaque acteur
joué plusieurs rôles.
Tragédies et comédies du théâtre grec antique.
Dans la Grèce antique, il existait deux principaux types de spectacles : la tragédie et la comédie.
Les pièces de théâtre au contenu sérieux étaient appelées tragédies. Généralement dans les tragédies
les héros des mythes jouaient, leurs exploits, leurs souffrances et souvent leur mort étaient représentés.
Tragédie en grec signifie « chant des chèvres ». Des tragédiens grecs au monde
Trois sommités du drame antique sont devenues célèbres : Eschyle, Sophocle, Euripide.
Les comédies étaient des pièces amusantes ou des chansons de villageois joyeux.
Les personnages de comédies - performances drôles et moqueuses -
Aux côtés des héros des mythes se trouvaient les contemporains du public. En démocratie
Athènes, avec sa vie politique très développée, fournit le matériel le plus riche pour
la vie politique elle-même offrait de la comédie. Un maître inégalé
Aristophane (450-388 avant JC), originaire d'Athènes, était considéré comme une comédie politique,
le seul auteur de comédie politique dont les 11 pièces ont survécu
nos jours. Les propriétés distinctives de l'œuvre d'Aristophane sont :
beauté artistique de la forme, esprit inépuisable, combinaison
ambiances dramatiques, comiques et lyriques. Dans ses comédies
Aristophane exprime les intérêts de la paysannerie attique et des couches moyennes
démocratie urbaine.
Des représentations théâtrales ainsi que jeux olympiquesétaient aimés
les spectacles des Hellènes.
Sophocle (vers 497 - 406 av. J.-C.) est un grand dramaturge grec ancien. Créé
à l'époque de l'apogée de la démocratie esclavagiste athénienne et de ses
culture. Avec Périclès, Sophocle fut élu stratège (440-439 avant JC), c'est-à-dire
chefs militaires. Avec Eschyle et Euripide, Sophocle a créé et développé
tragédie antique classique du grenier; il a augmenté le nombre de pièces
acteurs de 2 à 3, parties chorales réduites par rapport au dialogue et à l'action,
décorations introduites et masques améliorés. Parmi ceux écrits par Sophocle, plus de 120
pièces de théâtre, 7 tragédies et plus de 90 extraits ont été conservés, dont un fragment
drame satirique "Pathfinders". Popularité de Sophocle à Athènes
confirmé par le fait que dans les compétitions dramatiques, il a remporté la première place 18 fois
récompense et jamaisn'a pas pris la troisième place. Thème des tragédies de Sophocle, de près
associés à des sujets mythologiques. Les drames de Sophocle se caractérisent par
harmonie compositionnelle, proportionnalité des parties, stricte subordination du particulier
général - idée artistique. Sophocle révèle psychologiquement sincèrement
le monde intérieur de leurs héros. L'œuvre de Sophocle avait grande influence sur
littérature mondiale depuis la Renaissance.
Conclusion.
L'étape la plus importante dans le développement du théâtre fut la culture théâtrale de l'Antiquité,
Dans la Grèce antique, un théâtre était créé sur la base des traditions populaires et des nouvelles
idéologie humaniste. Le théâtre occupait une place importante dans la vie publique
cités-États démocratiques grecques antiques. Son développement a été
inextricablement lié à l’essor du drame grec. Représentations de théâtre grec
faisaient partie de célébrations publiques organisées par l'État,
reflétait les questions les plus importantes de la vie publique.
L'histoire du théâtre est le monde de l'humanité
Théâtre de la Grèce antique
Origines du théâtre et du théâtre grecs antiques.
L'apparition du drame en Grèce fut précédée d'une longue période, durant laquelle la place dominante fut occupée d'abord par l'épopée puis par le lyrique. Nous connaissons tous les riches poèmes épiques héroïques « Iliade » et « Odyssée », les poèmes épiques didactiques (instructifs) d'Hésiode (7e siècle avant JC) ; Ce sont des œuvres de poètes lyriques du VIe siècle. AVANT JC.
La naissance du théâtre et du théâtre grecs est associée à des jeux rituels dédiés aux dieux protecteurs de l'agriculture : Déméter, sa fille Koré et Dionysos. À partir de jeux rituels et de chants en l'honneur de Dionysos, trois genres de drame grec ancien se sont développés : la tragédie, la comédie et la comédie satyrique (du nom du chœur composé de satyres).
- La tragédie reflète le côté sérieux du culte dionysiaque.
- Comédie - carnaval-satirique.
- Le drame satirique semblait être un genre moyen. Son caractère joyeux et ludique et sa fin heureuse déterminaient sa place dans les festivals en l'honneur de Dionysos : le drame satyrique était mis en scène en conclusion de la présentation des tragédies.
Le rôle des idées tragiques dans l'éducation sociopolitique et éthique était énorme. Déjà dans la seconde moitié du VIe siècle avant JC. La tragédie a atteint un développement significatif. L'histoire ancienne rapporte que le premier poète tragique athénien fut Thespis (VIe siècle avant JC). La première représentation de sa tragédie (son nom est inconnu) eut lieu au printemps 534 av. à la fête du Grand Denys. Cette année est considérée comme l’année de la naissance du théâtre mondial.
La comédie est bien plus large que la tragédie motifs mythologiques s'y mêlèrent les comédies quotidiennes, qui devinrent progressivement prédominantes, voire uniques, même si en général la comédie était encore considérée comme dédiée à Dionysos. Sketches impromptus représentaient une forme élémentaire de théâtre de farces folkloriques et étaient appelés mimes (traduit par « imitation », « reproduction » ; les interprètes de ces scènes étaient également appelés mimes). Les héros des mimes étaient des masques de théâtre populaire traditionnel : un aspirant guerrier, un voleur de marché, un charlatan scientifique, un simplet trompant tout le monde, etc.
Théâtre d'Athènes.
L'art théâtral de la Grèce antique a atteint son apogée dans l'œuvre de trois grands tragédiens du Ve siècle avant JC - Eschyle, Sophocle, Euripide et le comédien Aristophane, dont l'activité s'est étendue au début du IVe siècle. AVANT JC. D'autres dramaturges ont également écrit à la même époque, mais seuls de petits extraits de leurs œuvres nous sont parvenus, et parfois seulement des noms et de maigres informations.
Théâtre de l'époque hellénistique.
À l’époque hellénistique (VI-I siècles avant JC), le théâtre grec de l’époque classique a subi des changements importants en termes de théâtre, de jeu d’acteur et d’architecture du bâtiment du théâtre. Ces changements sont associés à de nouvelles conditions historiques. Des comédies et des tragédies sont encore mises en scène dans le théâtre de l'époque hellénistique. Mais des tragédies du IVe siècle. AVANT JC. Seuls de petits fragments ont survécu et, apparemment, les mérites artistiques de la tragédie hellénistique étaient minimes. Il existe beaucoup plus de données pour juger la comédie, puisqu'une seule pièce et plusieurs extraits d'autres pièces du plus grand comédien de l'époque, Ménandre, ont survécu.
La comédie de l’époque hellénistique est appelée nouvelle comédie attique (ou néo-attique). Le motif de l'amour joue un rôle important dans la nouvelle comédie. Les auteurs de la nouvelle comédie attique ont largement utilisé la théorie psychologique de Théophraste, étudiant d'Aristote, selon laquelle tous les traits de caractère se manifestent dans l'apparence et dans les actions d'une personne. Les descriptions physionomiques de Théophraste ont sans aucun doute influencé le dessin des masques, qui aidaient le spectateur à reconnaître tel ou tel personnage. L'influence d'Euripide est perceptible dans la nouvelle comédie. La proximité de nombre de ses héros avec la vie, la révélation de leurs expériences émotionnelles, voilà ce que la nouvelle comédie a emprunté à Euripide.
Architecture du théâtre grec antique.
Initialement, le lieu des représentations était aménagé d'une manière extrêmement simple : le chœur, avec ses chants et ses danses, se produisait sur une plate-forme-orchestre ronde et compacte (du verbe orheomai - « Je danse »), autour de laquelle le public se rassemblait. Mais comme l'importance de l'art théâtral en public et une vie culturelle En Grèce, et à mesure que le théâtre devenait plus complexe, des améliorations devenaient nécessaires. Le paysage vallonné de la Grèce suggérait la disposition la plus rationnelle de la scène et des sièges des spectateurs : l'orchestre commençait à être situé au pied de la colline et le public le long de la pente.
Tous les théâtres grecs antiques étaient ouverts et pouvaient accueillir grande quantité spectateurs. Le théâtre de Dionysos à Athènes, par exemple, pourrait accueillir jusqu'à 17 000 personnes, le théâtre d'Épidaure - jusqu'à 10 000 personnes. Au 5ème siècle AVANT JC. En Grèce, un type stable de structure théâtrale s'est développé, caractéristique de toute l'époque de l'Antiquité. Le théâtre comprenait trois parties principales : l'orchestre, le theatron (sièges pour les spectateurs, du verbe teaomai - « je regarde ») et skene (skene - « tente », plus tard une structure en bois ou en pierre).
La taille du théâtre était déterminée par le diamètre de l'orchestre (de 11 à 30 m) et le skene était situé tangentiellement à la circonférence de l'orchestre. Le mur avant du skene-proskenium, qui avait généralement l'apparence d'une colonnade, représentait la façade d'un temple ou d'un palais. Attenant au skene se trouvaient deux bâtiments latéraux appelés paraskenia. Paraskenia servait de lieu de stockage de décors et d'autres biens théâtraux. Entre le skene et les sièges des spectateurs, qui occupaient un peu plus de la moitié du cercle, se trouvaient des passages par lesquels les spectateurs entraient dans le théâtre avant le début de la représentation, puis le chœur et les acteurs entraient dans l'orchestre. Dans le théâtre de l'époque classique, l'attention du public était portée sur le déroulement de l'action, sur le sort des héros, et non sur les effets extérieurs. La disposition du théâtre grec garantissait une bonne audibilité. De plus, dans certains théâtres, des vaisseaux résonants étaient placés parmi les sièges du public pour amplifier le son. Il n'y avait pas de rideau dans le théâtre grec antique, bien qu'il soit possible que dans certaines pièces, certaines parties du proskenium aient été temporairement fermées au public.
Théâtre romain
Origines du théâtre romain.
Les origines du théâtre et du drame romain remontent, comme en Grèce, à des jeux rituels riches en éléments carnavalesques. Telle est, par exemple, la fête des Saturnales - en l'honneur de la divinité italienne Saturne. La particularité de cette fête était le « renversement » de l'habituel relations publiques: les maîtres sont temporairement devenus des « esclaves », et les esclaves sont devenus des « maîtres ».
L’une des origines du théâtre et du drame romains était les fêtes des récoltes rurales. Même dans les temps lointains, lorsque Rome était une petite communauté du Latium, les villages célébraient des fêtes liées à la fin des récoltes. Lors de ces vacances, des chansons-fescennins joyeuses et rudes étaient chantées. Comme en Grèce, deux semi-chœurs jouaient généralement et échangeaient des plaisanteries, parfois caustiques.
Originaires du système clanique, les Fescennines ont existé au cours des siècles suivants et, selon Horace, se reflétaient la lutte sociale entre les plébéiens et les patriciens. C'est ainsi qu'est née la satura (traduite par « mélange »). Les saturas étaient des scènes dramatiques de nature quotidienne et comique, comprenant des dialogues, des chants, de la musique et de la danse.
Un autre type de représentation dramatique de nature comique étaient les atellans, empruntés à d'autres tribus habitant la péninsule des Apennins, avec lesquelles Rome menait des guerres continues. Les jeunes se sont intéressés à ces jeux et ont commencé à les organiser pendant les vacances. L'atellan présentait quatre personnages de bande dessinée permanents : Makk, Bukkon, Papp et Dossin. Les Atellans n'avaient pas de texte dur, donc lors de leur interprétation, il y avait une large marge d'improvisation. Le mime renvoie également au drame populaire. Comme en Grèce, le mime reproduisait des scènes de vie populaire, et parfois des mythes parodiés, décrivant les dieux et les héros comme des bouffons. Ainsi, à Rome, il y avait à peu près les mêmes jeux rituels que dans la Grèce antique. Mais le développement du théâtre populaire n’a pas dépassé les faibles débuts du théâtre. Cela s'explique par le mode de vie conservateur des Romains et par la forte résistance des prêtres. Par conséquent, à Rome, il n'existait pas de mythologie indépendante qui, en Grèce, servait de « sol et d'arsenal » à l'art, y compris le théâtre.
Théâtre romain de l'époque républicaine.
Les Romains ont pris le drame littéraire sous sa forme finale des Grecs et l'ont traduit en latin, en l'adaptant à leurs concepts et à leurs goûts. Après la fin victorieuse de la première guerre punique, lors des jeux festifs de 240 avant JC, il fut décidé d'organiser une représentation dramatique. La production fut confiée au grec Livius Andronicus, asservi par un sénateur romain, qui lui donna le nom latin Livius. Après sa libération, il resta à Rome et commença à enseigner le grec et le latin aux fils de la noblesse romaine. Ce professeur a mis en scène lors des jeux une tragédie et probablement aussi une comédie, qu'il a révisées sur le modèle grec ou peut-être simplement traduites de langue grecque en latin. Cette production donna la première impulsion au développement du théâtre romain.
À partir de 235 avant JC Le dramaturge Gnaeus Nevius commence à mettre en scène ses pièces. Titus Maccius Plautus, le jeune contemporain de Naevius. Son œuvre remonte à l'époque où Rome, d'une communauté agricole, se transformait en un État puissant - d'abord de la péninsule des Apennins, puis de l'ensemble du bassin méditerranéen. Publius Terence Afr, qui, comme Plaute, travaillait dans le genre de la palliata, appartenait à la prochaine génération d'auteurs dramatiques. Terence peut être considéré comme le précurseur du nouveau drame européen. Le théâtre européen s'est tourné à plusieurs reprises vers son œuvre. L'influence de ses comédies "Formion" et "Frères" se fait sentir dans l'œuvre de Molière.
Théâtre romain de l'époque impériale.
Au 1er siècle avant JC, la république de Rome tomba. Après l'assassinat de César et la victoire sur Antoine en 31 av. Octave devint empereur à Rome et reçut par la suite le surnom honorifique d'Auguste (« Sacré »). Auguste a bien compris l'importance sociale du théâtre et a contribué de toutes les manières possibles à son développement. Tout d'abord, Auguste voulait faire revivre la tragédie de type grec sur la scène romaine, y voyant un moyen d'améliorer et d'éduquer les mœurs de ses citoyens. Ces aspirations d’Auguste étaient soutenues par l’un des poètes romains les plus remarquables, Horace, et se reflétaient dans sa « Science de la poésie ». Cependant, tous les efforts d'Auguste pour faire revivre le genre sérieux sur la scène romaine ont échoué.
De la tragédie de l'époque impériale, rien ne nous est parvenu sauf les tragédies du philosophe Sénèque. Lucius Annaeus Seneca était le tuteur de l'empereur Néron, il occupa autrefois les postes les plus élevés de l'État sous ses ordres, mais il fut ensuite accusé de complot contre l'empereur et, sur ordre de Néron, se suicida en se coupant les veines. Sénèque commença à écrire des tragédies en dernières années vie, lorsque l'attitude de Néron à son égard a changé et qu'il a été contraint d'exprimer plus soigneusement son point de vue sur l'ordre existant.
Organisation de représentations théâtrales.
Des représentations ont eu lieu à Rome pendant divers jours fériés. Les pièces ont été jouées lors de la fête des patriciens - les Jeux Romains, organisés en septembre en l'honneur de Jupiter, Junon et Minerve ; aux Jeux Apollo - en juillet. Il n'y avait pas de bâtiment de théâtre permanent à Rome jusqu'au milieu du Ier siècle. AVANT JC.; le Sénat conservateur s'est opposé à sa construction. Pour les représentations, une plate-forme en bois d'une demi-hauteur d'homme était généralement érigée sur le forum. Un escalier étroit de 4 à 5 marches menait à la scène, le long duquel les acteurs montaient sur scène.
Dans la tragédie, l'action s'est déroulée devant le palais. Dans les comédies, le décor représentait presque toujours une rue de la ville avec les façades de deux ou trois maisons en face, et l'action se déroulait devant la maison. Le public était assis sur des bancs devant la scène. Mais parfois, le Sénat interdisait l'aménagement des sièges dans ces théâtres temporaires : assister aux représentations, de l'avis du Sénat, était un signe d'effémination. Toutes les structures construites pour les jeux théâtraux se sont effondrées immédiatement après leur achèvement.
Un événement pour Rome fut l'apparition du premier théâtre permanent construit en pierre. Ce théâtre a été construit en 55 avant JC. Gnaeus Pompée le Grand et pouvait accueillir jusqu'à 40 000 personnes. A la fin du Ier siècle. AVANT JC. Deux autres théâtres en pierre ont été construits à Rome : le Théâtre de Balbus et le Théâtre de Marcellus. De ce dernier, les restes du mur extérieur, divisé en trois étages, qui correspondent aux trois niveaux intérieurs, ont survécu jusqu'à nos jours.
Théâtre du Moyen Âge
Drame liturgique et semi-liturgique.
L'une des formes de l'art théâtral du début du Moyen Âge était le drame religieux. En luttant contre les vestiges du théâtre antique, contre les jeux ruraux, l'Église cherchait à utiliser l'efficacité de la propagande théâtrale à ses propres fins.
Déjà au IXe siècle, la messe était dramatisée et un rituel de lecture d'épisodes de légendes sur la vie du Christ, son enterrement et sa résurrection était développé. De ces dialogues naît le premier drame liturgique. Il y a eu deux cycles de ce drame : celui de Noël, racontant la naissance du Christ, et celui de Pâques, racontant l'histoire de sa résurrection. Dans le drame liturgique de Noël, une croix était placée au milieu du temple, puis elle était enveloppée d'un tissu noir, ce qui signifiait l'enterrement du corps du Seigneur.
Au fil du temps, le drame liturgique se complexifie, les costumes des « acteurs » se diversifient et des « instructions du metteur en scène » sont créées avec des instructions précises pour l'épreuve et les mouvements. Les prêtres eux-mêmes faisaient tout cela. Les organisateurs des représentations liturgiques ont accumulé une expérience de mise en scène et ont commencé à montrer habilement au peuple l'ascension du Christ et d'autres miracles évangéliques. Abordant la vie et utilisant les effets de production, le drame liturgique n'attirait plus, mais distrayait les paroissiens du service. Le développement du genre cache son autodestruction. Ne voulant pas renoncer aux services du théâtre et ne pouvant y faire face, les autorités ecclésiales déplacent le drame liturgique sous les arcades des églises vers le porche. Un drame semi-liturgique est né. Et ici, le théâtre de l'église, étant formellement au pouvoir du clergé, tomba sous l'influence de la foule de la ville. Maintenant, elle lui dicte déjà ses goûts, l'obligeant à donner des spectacles dans des foires, et non lors des jours fériés, et à passer complètement à sa langue maternelle, compréhensible pour la foule. Soucieux de réussir, le clergé commença à sélectionner des sujets plus quotidiens et le matériel du drame semi-liturgique devint histoires bibliques, sujet à une interprétation quotidienne. Les légendes bibliques font l’objet d’un traitement poétique au fil du temps. Des innovations techniques sont également introduites : le principe du décor simultané est enfin établi, lorsque plusieurs scènes d'action sont montrées simultanément ; le nombre de tours augmente. Cependant, malgré tout cela, le drame ecclésial a continué à entretenir un lien étroit avec l’Église. Le drame a été mis en scène sur le porche, avec les fonds de l'église, son répertoire a été compilé par le clergé (bien que les participants aux représentations, ainsi que les prêtres et les laïcs). Ainsi, combinant de manière complexe des éléments mutuellement exclusifs, le drame religieux a existé pendant longtemps.
Drame profane.
Le début du mouvement réaliste
Les premiers germes d'un nouveau mouvement réaliste sont associés au nom du trouvère (troubadour) Adam de La Halle (vers 1238-1287) de ville française Arras. De La Al était passionné de poésie, de musique et de théâtre. Il vécut à Paris et en Italie (à la cour de Charles d'Anjou) et devint largement connu comme poète, musicien et dramaturge.
Au XIIIe siècle, le courant de la comédie était déjà noyé par le Théâtre des Miracles, qui avait aussi pour thème événements de la vie, mais s'est tourné vers la religion.
Miracle.
Le nom « miracle » vient du mot latin « miracle ». Et en effet, tous les conflits, reflétant parfois très clairement les contradictions de la vie, dans ce genre ont été résolus grâce à l'intervention pouvoirs divins- Saint Nicolas, Vierge Marie, etc. Le temps lui-même - le XIVe siècle, plein de guerres, de troubles populaires et de massacres inhumains - explique le développement d'un genre aussi controversé que le miracle. Ce n'est pas un hasard si un miracle, qui commençait habituellement par une image compromettante de la réalité, se terminait toujours par un compromis, un acte de repentir et de pardon, qui signifiait pratiquement une réconciliation avec les atrocités seulement montrées, car il présupposait un possible juste dans chaque méchant. Cela convenait à la fois à la conscience bourgeoise et à l’Église.
Mystère.
L'apogée du théâtre mystérieux se situe aux XVe-XVIe siècles, époque de croissance rapide des villes et d'aggravation des contradictions sociales. La ville a déjà largement surmonté la dépendance féodale, mais n’est pas encore tombée sous le règne d’un monarque absolu. Le mystère était l'expression de l'épanouissement de la cité médiévale et de sa culture. Il est né des soi-disant «mystères mimiques» - des processions urbaines en l'honneur des fêtes religieuses, en l'honneur des voyages cérémoniels des rois. De ces festivités naît peu à peu un carré de mystère, exploitant les premières expériences du théâtre médiéval. Des spectacles mystérieux n'étaient pas organisés par l'église, mais par les ateliers de la ville et les municipalités. Les auteurs étaient des personnalités d'un type nouveau : théologiens, avocats, médecins. Malgré le fait que les représentations étaient dirigées par la haute bourgeoisie de la ville, les pièces de mystère étaient un art amateur public de masse. Des centaines de personnes ont participé aux représentations.
Le mystère montrait la création du monde, la rébellion de Lucifer contre Dieu et les miracles bibliques. Le mystère a élargi la gamme thématique du théâtre médiéval et accumulé une vaste expérience scénique, qui a été utilisée par les genres ultérieurs du Moyen Âge. Les interprètes du mystère étaient les citadins. Des épisodes individuels de cette immense représentation théâtrale ont été interprétés par des représentants de divers ateliers de la ville. En même temps, le mystère donne à chaque métier l'occasion de s'exprimer le plus pleinement possible. Les mystères développèrent la technique théâtrale, établirent le goût du peuple pour le théâtre et préparèrent certains aspects du théâtre de la Renaissance. Mais dès 1548, il est interdit aux sociétés de mystère, particulièrement répandues en France, de montrer des pièces de mystère : la ligne comique critique du théâtre de mystère est devenue trop visible. La raison de sa mort est également qu’elle n’a pas reçu le soutien des nouvelles forces progressistes de la société.
Mouvement de réforme
Caractère anti-féodal
La Réforme s'est déroulée en Europe au XVIe siècle. Elle était de nature anti-féodale et prenait la forme d'une lutte contre le soutien idéologique du féodalisme - église catholique.
Le mouvement de Réforme affirme le principe de « communication personnelle avec Dieu », le principe de vertu personnelle. Aux mains des riches bourgeois, la moralité devient une arme de lutte à la fois contre les seigneurs féodaux et contre les masses urbaines pauvres. Le désir de conférer une sainteté à la vision bourgeoise du monde donne naissance au théâtre moral.
Moralité.
La moralité a libéré la moralisation des sujets religieux et des distractions quotidiennes et, devenue isolée, a acquis une unité stylistique et une plus grande orientation didactique.
Farce.
La farce carrée est devenue un genre théâtral indépendant depuis la seconde moitié du XVe siècle. Cependant, il avait déjà parcouru un long chemin de développement caché. Le nom lui-même vient du latin farta (« remplissage »). Et en effet, les organisateurs des mystères écrivaient souvent : « Insérez ici une farce. » Joyeux spectacles de Maslenitsa et spectacles folkloriques donner naissance à des « sociétés stupides » - une association de petits fonctionnaires judiciaires, de bohèmes urbaines diverses, d'écoliers et de séminaristes. Au XVe siècle, les sociétés clownesques se répandent dans toute l'Europe. Il y avait quatre grandes organisations à Paris et des défilés réguliers de leurs spectacles farfelus étaient organisés. Dans ces défilés, les discours des évêques, les débats des juges et l'entrée des rois dans la ville étaient ridiculisés. En réponse à cela, les autorités laïques et spirituelles ont persécuté les Farsers, les ont expulsés de la ville et les ont jetés en prison. La farce est orientée avec tout son contenu et sa structure artistique vers la réalité. Il ridiculise les soldats en maraude, les moines vendant des indulgences, les nobles arrogants et les marchands avares. Les traits de caractère nettement remarqués et soulignés portent un matériau de vie satiriquement aiguisé. Les grands principes du jeu des farceurs étaient la caractérisation, poussée jusqu'à la caricature parodique, et le dynamisme, exprimant l'activité et la gaieté des interprètes eux-mêmes. Les autorités monarchiques et ecclésiales s'en prennent de plus en plus à la libre pensée urbaine et à l'une de ses formes : le théâtre farfelu.
La farce a eu une grande influence sur la poursuite du développement théâtre d'Europe occidentale. En Italie, la commedia dell'arte est née de la farce ; en Espagne - l'œuvre du « père du théâtre espagnol » Lope de Rueda ; et en Angleterre, John Heywood écrivait ses intermèdes comme une farce, en Allemagne, Hans Sachs ; en France, les traditions farfelues ont nourri l'art du brillant Molière et du grand Shakespeare.
C'est la farce qui devient le lien entre l'ancien et le nouveau théâtre.
Nouveau théâtre
Théâtre (du grec theatre - lieu de spectacle, spectacle). Le concept générique de théâtre est divisé en types d'art théâtral : théâtre dramatique, opéra, ballet, théâtre de pantomime, etc. L'origine du terme est associée au théâtre grec antique, où c'était le nom donné aux sièges de l'auditorium. Cependant, aujourd'hui, la signification de ce terme est extrêmement diversifiée.
Au siècle des Lumières, le passage à culture moderne. Un nouveau mode de vie et de pensée prenait forme, ce qui signifie que la conscience artistique d'un nouveau type de culture changeait également. Le nom « Lumières » caractérise bien l’esprit général de ce mouvement dans le domaine de la vie culturelle et spirituelle, qui se donne pour objectif de remplacer les conceptions fondées sur des autorités religieuses ou politiques par celles résultant des exigences de l’esprit humain.
XVIIIe siècle a donné à la culture mondiale des artistes et théoriciens de l'art théâtral aussi remarquables que Sheridan en Angleterre, Voltaire, Diderot, Beaumarchais en France, Lessing, Goethe, Schiller en Allemagne, Goldoni en Italie. La domination de la raison a conduit au fait que l'art des Lumières souffrait de rationalité : une analyse rationnelle de la vie exigeait des formes ordonnées.
Cependant, les éclaireurs, qui voyaient l'idéal de l'homme dans une personnalité harmonieuse, ne pouvaient négliger les exigences du sentiment lorsqu'il s'agissait d'art. Le théâtre des Lumières exprimait remarquablement, tant dans son contenu que dans sa méthode, une nouvelle vision du monde adaptée à l’époque.
Le théâtre au siècle des Lumières en Angleterre.
Le public du théâtre du XVIIIe siècle se démocratise beaucoup. De simples bancs ont été installés dans les étals pour les citadins. Les étagères étaient remplies de domestiques, d'étudiants et de petits artisans. Pendant les représentations, le public s'est comporté très activement, réagissant avec animation à ce qui était montré sur scène.
Ainsi, en Angleterre, le théâtre des Lumières critiquait les vices du système bourgeois naissant. Une nouvelle doctrine idéologique du théâtre émerge : le public et éducation morale téléspectateur. Cette doctrine s'intègre parfaitement dans les traditions puritaines de l'Angleterre - plus tard, les puritains ont assoupli leur position par rapport à l'art théâtral, et n'ont plus lutté contre le théâtre en tant que tel, mais pour sa réforme : l'éradication de l'immoralité et la transformation du théâtre en un institution socialement utile.
Document de programme La réforme du théâtre était le traité du théologien puritain Jeremy Collier contre le théâtre aristocratique Bref aperçu immoralité et méchanceté de la scène anglaise (1698). Ce traité a déterminé la moralisation et le didactisme emphatiques du théâtre anglais tout au long du XVIIIe siècle. Le travail d'auteurs dramatiques tels que Joseph Addison (Cato, The Drummer), Richard Steele (The Liar Lover, or Women's Friendship; The Carefree Husband), Samuel Johnson (Irene), Colley Cibber (The Carefree Husband; The Wife's Last Bid; The Mari irrité) a évolué dans ce sens. ).
En 1731, dans la préface de sa pièce The London Merchant, or the History of George Barnwell, le dramaturge George Lillo publia le manifeste d'un nouveau programme esthétique - une théorie réaliste du drame bourgeois. Il s'oppose aux restrictions de classe de la tragédie, qui n'a fait apparaître comme héros que des individus de haut rang. Sans cacher son hostilité envers l'aristocratie, il exige que la tragédie devienne conductrice des idées morales de la bourgeoisie. Dix ans plus tôt, en 1721, parut en Angleterre la pièce anonyme «Fatal Madness», écrite sur l'un des thèmes favoris du drame bourgeois: les conséquences désastreuses de la passion du jeu. Ensuite, la pièce est passée pratiquement inaperçue : l’heure d’un nouveau genre n’était pas encore venue. Mais maintenant, les questions bourgeoises sont devenues très demandées par les téléspectateurs.
Les tendances satiriques dans le théâtre ont été développées avec succès par Henry Fielding (« Don Quichotte en Angleterre » ; « Grabstreet's Opera, ou Under the Shoe of the Wife » ; « Calendrier historique pour 1736"). La sévérité de la dénonciation satirique conduisit en 1737 à la publication d'une loi gouvernementale sur la censure théâtrale, qui mit fin à la satire politique. L'attention des dramaturges et des éducateurs s'est concentrée sur la comédie des mœurs, qui offrait au moins l'occasion d'une satire sociale. Les œuvres de comédie de mœurs les plus intéressantes de cette période appartiennent à la plume d'Oliver Goldsmith (Good ; Night of Errors) et Richard Sheridan (The Rivals ; The School for Scandal).
Le meilleur représentant de l’art artistique anglais fut le célèbre David Garrick (1717-1779), humaniste et pédagogue de scène. Il a promu avec succès la dramaturgie de Shakespeare, jouant les rôles de Hamlet, Lear et d'autres.
Fin du XVIIIe siècle marqué en Angleterre par l'émergence d'un nouveau genre - la tragédie des « cauchemars et horreurs », qui fut le prédécesseur d'un nouveau mouvement esthétique : le romantisme. Le créateur de ce genre était Horace Walpole. Bien qu’il n’ait écrit qu’une seule pièce, « La Mère mystérieuse » (1768), racontant l’histoire d’une passion incestueuse, l’écrivain a eu une grande influence sur le drame préromantique et romantique.
Théâtre français du XVIIIe siècle.
Le processus de démocratisation de la société au siècle des Lumières a donné naissance à un nouveau genre dramatique : le drame bourgeois, dont les créateurs en France étaient D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier.
Les défauts du drame bourgeois et de la « comédie larmoyante » furent surmontés dans les comédies de P. O. Beaumarchais « Le Barbier de Séville » (1775) et « Les Noces de Figaro » (1784), dans lesquelles les traditions de Molière furent ravivées avec une vigueur renouvelée et les meilleures caractéristiques de l’esthétique éducative étaient incarnées.
Les aspirations héroïques et civiques du théâtre éducatif se sont révélées avec la plus grande force lors de la révolution bourgeoise française de la fin du XVIIIe siècle. Les tragédies de M. J. Chénier, empreintes d'un pathos anti-féodal (Charles IX, 1789, Henri VIII, 1791, Jean Calas, 1791, Caius Gracchus, 1792), sont des exemples de la dramaturgie du classicisme révolutionnaire.
En France, le philosophe des Lumières Voltaire, tournant dans son drame vers l'incendie questions publiques et dénonçant le despotisme, il continue de développer le genre de la tragédie.
Parallèlement, la tradition comique-satirique se maintient sur la scène française. Ainsi, Lesage (1668-1747) dans la comédie « Turcaré » critiquait non seulement la noblesse décadente, mais aussi la bourgeoisie usurière. Il cherchait à créer des comédies pour le théâtre populaire de masse.
Un autre éducateur et dramaturge, Denis Diderot (1713-1784), défendait sur scène la vérité et le naturel. Outre de nombreuses pièces de théâtre (« Mauvais fils », « Père de famille », etc.), Diderot écrit un traité « Le paradoxe de l'acteur », dans lequel il développe la théorie du jeu d'acteur.
Dans les productions des tragédies éducatives de Voltaire, un nouveau type d'acteurs est apparu, capable d'exprimer le pathétique civique des thèmes héroïques et accusateurs.
Les théâtres de foire et de boulevard ont occupé une grande place dans le développement du théâtre au siècle des Lumières en France. Le genre du théâtre équitable était celui des pantomimes, des farces, des pièces de moralité et des fastachtspiels, dont les représentations étaient basées sur l'art de l'improvisation. Il s'agissait de spectacles souvent satiriques, avec des éléments de grotesque et de bouffonnerie, remplis d'humour grossier. Des danseurs de corde, des jongleurs et des animaux dressés – des prototypes d'acteurs de cirque – se produisaient également lors des foires. Ils ont largement eu recours à la parodie et à la satire. Le caractère démocratique de cet art lui a valu des attaques de la part de théâtres privilégiés.
Formation du théâtre allemand.
Le véritable créateur du théâtre national allemand fut le plus éminent écrivain allemand des Lumières Gotthold-Ephraim Lessing (1729 -1781). Il a créé la première comédie nationale allemande « Minna von Barnholm », la tragédie anti-féodale « Emilia Galotti » et plusieurs autres œuvres dramatiques. Dans la tragédie éducative « Nathan le Sage », l’auteur s’est prononcé contre le fanatisme religieux.
Dans le célèbre livre « Hamburg Drama », Lessing expose ses opinions sur l’esthétique et la théorie du drame. G. E. Lessing est le créateur du drame social, de la comédie nationale et de la tragédie éducative, théoricien du théâtre et fondateur du mouvement réaliste du théâtre allemand du XVIIIe siècle.
Les idées des Lumières ont eu une grande influence sur le théâtre allemand, le rapprochant du réalisme. L'acteur le plus important en Allemagne de ces années-là était Friedrich Ludwig Schröder (1744-1816), associé aux idées de « stum et stress ». Dans les années 70 XVIIIe siècle V art allemand un nouveau mouvement appelé « tempête et stress » est apparu.
Il reflétait le mouvement des cercles les plus avancés et révolutionnaires de la bourgeoisie, qui luttaient contre la féodalité et l'absolutisme. Les plus grands poètes et dramaturges allemands, Goethe et Schiller, participèrent à ce mouvement. En 1777, fut inauguré le Théâtre national de Mannheim, qui devint l'un des plus grands théâtres allemands des années 80-90. Au XVIIIe siècle, l'activité de l'acteur, metteur en scène et dramaturge A.V. Iffland s'y développe. Il a implanté sur la scène de Mannheim une dramaturgie bourgeoise-philistine (ses propres pièces, ainsi que celles de A. Kotzebue), qui ont déterminé le visage créatif du théâtre.
Fin du XVIIIe siècle. Le développement du théâtre allemand est associé aux activités des grands dramaturges allemands J. W. Goethe et F. Schiller au théâtre de Weimar. Ici, pour la première fois en Allemagne, les plus grandes œuvres du drame classique mondial (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire et autres) furent mises en scène, les bases de l'art de la mise en scène furent posées et le principe d'un ensemble d'acteurs subordonné à un un seul concept artistique a été mis en œuvre.
Goethe dans son programme théorique et pratique artistique affirmait les principes de la création d'un théâtre monumental répondant aux normes strictes de l'art ancien. L’école de théâtre de Weimar était à l’opposé de l’école de Mannheim et était plus proche de l’école classique.
Théâtre italien.
Malgré son retard économique et politique, l'Italie se distingue par la richesse et la diversité de sa vie théâtrale. Au XVIIIe siècle L'Italie possédait le meilleur théâtre musical au monde, dans lequel on distinguait deux types : l'opéra sérieux et l'opéra-comique (opera buffa). Il y avait un théâtre de marionnettes et des spectacles de commedia dell'arte étaient donnés partout.
Cependant, la réforme théâtre dramatique se prépare depuis longtemps. Au siècle des Lumières, la comédie improvisée ne répond plus aux exigences de l’époque. Il fallait un nouveau théâtre littéraire sérieux. La comédie des masques ne pouvait exister sous sa forme antérieure, mais ses acquis devaient être préservés et soigneusement transférés à nouveau théâtre.
La pénétration des idées des Lumières dans le théâtre italien s'est accompagnée d'une longue lutte contre le formalisme et le manque d'idées sur la scène théâtrale. En Italie, le remarquable dramaturge Carlo Goldoni (1707 -1793) fut un innovateur. Il a créé une nouvelle comédie de personnages. Au lieu d’improvisation, le spectacle était basé sur un texte littéraire.
La seconde moitié du XVIIIe siècle est restée dans l’histoire italienne comme une période de guerres théâtrales. L'abbé Chiari, dramaturge médiocre et donc inoffensif, s'oppose à lui, mais son principal adversaire, égal à lui en termes de talent, est Carlo Gozzi. Gozzi a défendu le théâtre des masques, se donnant pour mission de faire revivre la tradition de la comédie improvisée. Et à un moment donné, il semblait qu'il avait réussi. Et bien que Goldoni ait laissé une place à l'improvisation dans ses comédies et que Gozzi lui-même ait finalement écrit presque toutes ses œuvres dramatiques, leur dispute était cruelle et sans compromis. Car le nerf principal de l'affrontement entre les deux grands Vénitiens est l'incompatibilité de leurs positions sociales, de leurs visions différentes du monde et de l'homme.
Carlo Gozzi (1720-1806) était un dramaturge talentueux. Dans un effort pour contraster son répertoire avec les comédies de Goldoni, Gozzi a développé le genre des contes de fées théâtraux. Ce sont ses pièces « L'amour des trois oranges », « Le roi des cerfs », la célèbre « Princesse Turandot », « La femme serpent » et d'autres. Grâce à leur riche ironie et leur riche humour, les talentueux contes de fées de Gozzi pour la scène sont toujours populaires aujourd’hui.
Le plus grand auteur de tragédies était Vittorio Alfieri. La naissance de la tragédie du répertoire italien est associée à son nom. Il a créé une tragédie civile presque à lui seul. Patriote passionné qui rêvait de libérer sa patrie, Alfieri s’opposait à la tyrannie. Toutes ses tragédies sont empreintes du pathétique héroïque de la lutte pour la liberté.
Alfieri a soutenu que le peuple devrait recevoir la liberté des mains de l'aristocratie ; il a affirmé la liberté de la personne humaine, dont la volonté n'est soumise qu'à la raison et au sens du devoir. Dans son traité « Du prince et de la littérature » (1778-86), Alfieri définit la tâche de la poésie dramatique comme l'éveil des sentiments de vertu et de l'amour de la liberté. Les tragédies d'Alfieri Saül, Philippe, Virginie, Brutus I et Brutus II ont contribué au développement du théâtre italien.
Théâtre danois des Lumières.
Le théâtre professionnel au Danemark est né au XVIIIe siècle, sa création a été motivée par des raisons économiques et développement culturel des pays. Le 23 septembre 1722, le théâtre danois a ouvert ses portes à Copenhague avec la pièce « L'Avare », et bientôt a eu lieu la première de la première comédie de L. Holberg « L'homme politique de fer-blanc ».
En 1728, les représentants des milieux judiciaires obtinrent la fermeture de la scène danoise. Le théâtre ne reprit ses activités qu'en 1748 (dans les locaux de la Place Royale). En 1770, elle reçut le nom de Royal et passa sous la juridiction du Ministère de la Cour. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Le théâtre mettait en scène des singspiels, des comédies de J. Ewald, des tragédies de Voltaire et de ses épigones danois, mais la base du répertoire du théâtre restait la dramaturgie de Holberg.
Un rôle important dans la promotion des idées des Lumières au Danemark a été joué par le travail de I. H. Wessel, l'auteur de la tragédie parodique « L'amour sans bas » (1772), qui a perpétué les traditions de Holberg.
Le théâtre des Lumières est l’un des phénomènes les plus marquants et les plus significatifs de l’histoire de la culture mondiale ; c'est une source puissante d'art théâtral européen - pour tous les temps. Le nouveau théâtre est né de la nécessité de mettre la jeune énergie en action. Et si vous vous posez la question dans quelle sphère artistique cette action, cette mer de plaisir aurait dû aboutir, alors la réponse est claire : bien sûr, dans la sphère du théâtre.
Au XVIIIe siècle, le théâtre européen connut une grande et vie compliquée. Les normes esthétiques, considérées comme absolues, ont perdu leur sens d’antan à cette époque. Au cours d'un siècle, les opinions et les goûts furent en conflit constant, et les auditoriums se transformèrent plus d'une fois en une arène d'affrontements publics. Les auteurs étaient des opposants politiques qui, pour la première fois, ont compris qu'il pouvait aussi y avoir une lutte acharnée dans leur art.
Le théâtre en tant que forme d'art n'est pas préservé dans des monuments matériels tels que la peinture et la sculpture, ainsi que dans les œuvres littéraires et musicales. Mais l’histoire du théâtre raconte les grands acteurs du passé, la manière dont ils jouaient, les aspirations de leurs contemporains qu’ils incarnaient dans leur jeu, les exigences de l’époque auxquelles ils répondaient.
La vie au théâtre Russie XIXème siècle.
Au début du XIXe siècle, un réseau de théâtres impériaux russes se constitue, gérés
"le ministère de la Cour de Sa Majesté Impériale". Subordonnés à la cour, il y avait trois théâtres à Saint-Pétersbourg - Alexandrie, Mariinsky et Mikhaïlovski - et deux à Moscou - les théâtres Bolchoï et Maly.
Avec l'avènement des pièces d'A.N. Ostrovsky, I.S. Tourgueniev, prose de F.M. Dostoïevski, la poésie de Nekrassov et le réalisme sont entrés dans la culture russe.
L’art du jeu d’acteur a changé avec la dramaturgie, brisant les vieilles idées sur ce qu’est la vérité sur scène. Le 16 novembre 1859 fut le jour de la première de la pièce « L'Orage » d'Ostrovsky au Théâtre Maly. Une tempête a éclaté autour du spectacle. La première interprète du rôle de Katerina était la merveilleuse actrice L.P. Nikouline - Kositskaïa. Avec les pièces d'Ostrovsky, les éléments de la vie russe font irruption sur scène, nouveaux, juteux et langue moderne. Les acteurs de Maly ont brillé dans les pièces d'Ostrovsky au cours des décennies suivantes. G.N. Fedotova, M.N. Ermolova est une merveilleuse actrice du Théâtre Maly.
Artistes russes de la première moitié du XIXe siècle M.S. Chtchepkine, P.S. Mochalov, V.A. Karatygin est resté dans la mémoire des descendants comme des personnages de légende. Chtchepkine a joué près de 600 rôles dans des pièces de Shakespeare, Molière, Gogol, Ostrovsky et Tourgueniev. Il fut l'un des premiers à affirmer le réalisme sur le théâtre russe ; il créa la vérité sur la scène russe.
Mochalov est l'opposé direct de Shchepkin. Il a joué des rôles principaux dans des pièces de théâtre russes et occidentales - Hamlet de Shakespeare, Karl Moor dans le drame de Schiller Les Voleurs, Chatsky dans Malheur de l'esprit.
Dans les productions de pièces de théâtre, les acteurs russes ont créé des images qui sont entrées dans l'histoire de l'art théâtral. Le public admirait Ekaterina Semionova et Alexei Yakovlev. Ces acteurs se sont complètement transformés en la personne qu'ils représentaient. Peu à peu, le Théâtre Maly a commencé à se spécialiser dans les productions dramatiques et le Bolchoï dans l'opéra et le ballet.
Théâtre Bolchoï Petrovsky 1825-1853
L'ouverture du Théâtre Bolchoï Petrovsky le 6 janvier 1825 fut très solennelle. Les spectateurs qui ont visité le nouveau théâtre ce soir-là ont été choqués par la noblesse de la conception architecturale et de sa mise en œuvre, l'ampleur sans précédent du bâtiment et la beauté de la décoration de sa salle.
L'écrivain Sergueï Aksakov a rappelé : « Le Théâtre Bolchoï Petrovsky, qui a émergé de vieilles ruines calcinées... m'a émerveillé et enchanté... L'immense bâtiment magnifique, exclusivement dédié à mon art préféré, rien que par son apparence m'a plongé dans une joyeuse excitation. .. »
Avant le début de la représentation, le public a appelé sur scène le constructeur de théâtre Ossip Bové et l'a applaudi.
Par un matin nuageux et glacial du 11 mars 1853, pour une raison inconnue, un incendie se déclara dans le théâtre. Les flammes ont instantanément englouti tout le bâtiment, mais le feu a fait rage avec la plus grande force sur la scène et dans la salle. "C'était effrayant de regarder ce géant englouti dans le feu", a décrit un témoin oculaire. "Quand il brûlait, il nous semblait qu'une personne qui nous était chère, qui nous avait doté des plus belles pensées et sentiments, était en train de mourir. sous nos yeux… »
Pendant deux jours, les Moscovites ont combattu les flammes et le troisième jour, le bâtiment du théâtre ressemblait aux ruines du Colisée romain. Les restes du bâtiment ont brûlé pendant environ une semaine. Des costumes de théâtre rassemblés depuis la fin du XVIIIe siècle, d'excellents décors pour les représentations, les archives de la troupe, une partie de la bibliothèque musicale et des instruments de musique rares ont été irrémédiablement perdus dans l'incendie.
Le projet du nouveau bâtiment du théâtre, élaboré par le professeur A. Mikhailov, fut approuvé par l'empereur Alexandre Ier en 1821 et sa construction fut confiée à l'architecte Osip Bova.
Un des les plus grands théâtres Europe, a été construite sur le site d'un théâtre incendié, mais la façade faisait face à la place Teatralnaya...
Grand Théâtre(1856-1917)
Le 20 août 1856, le Théâtre Bolchoï restauré est inauguré en présence de famille royale et des représentants de tous les États avec l’opéra « Les Puritains » de V. Bellini interprété par une troupe italienne. Le ballet moscovite de cette époque doit ses succès au talent du Français Marius Petipa, installé à Saint-Pétersbourg. Le chorégraphe est venu à plusieurs reprises à Moscou pour mettre en scène des spectacles. La plus importante de ses œuvres moscovites était « Don Quichotte » de L. Minkus, présentée pour la première fois en 1869. Petipa a ensuite transféré l'édition moscovite de ce ballet sur la scène de Saint-Pétersbourg.
Le travail de P. Tchaïkovski a été d'une grande importance pour le développement de la culture du spectacle. Les débuts du compositeur dans la musique d'opéra - "La Voevoda" (1869) et la musique de ballet - " Le lac des cygnes" (1877) a eu lieu sur la scène du Théâtre Bolchoï. C'est ici que l'opéra « Eugène Onéguine » (1881) a vu le jour, sa première tentative sur la grande scène après la production du Conservatoire de 1879 ; L'opéra "Mazeppa" est sorti pour la première fois (1884), l'un des sommets créativité lyrique compositeur; la version finale de l'opéra « Forgeron Vakula », qui a reçu le nouveau nom « Cherevichki » lors de la représentation de 1887.
Une représentation mémorable dans les annales du théâtre fut la première représentation, le 16 décembre 1888, du drame populaire de I. Moussorgski « Boris Godounov ». Le premier opéra de N. Rimski-Korsakov à voir le jour sur la scène du Théâtre Bolchoï fut « La Fille des neiges » (1893), puis « La nuit avant Noël » (1898). Dans le même 1898, le théâtre présenta pour la première fois au public l'opéra «Prince Igor» d'A. Borodine et, deux ans plus tard, les amateurs d'art chorégraphique se familiarisèrent avec le ballet «Raymonda» d'A. Glazunov.
La troupe d'opéra du théâtre de la fin du XIXe et du début du XXe siècle comprend de nombreux chanteurs remarquables. Parmi les noms glorieux des années passées figurent Eulalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov, etc. Des chanteurs sont apparus sur la scène du théâtre au cours de ces années, dont les noms sont rapidement devenus largement connus non seulement dans La Russie, mais aussi à l'étranger - Leonid Sobinov, Fiodor Chaliapine, Antonina Nezhdanova.
L'activité au théâtre de Sergueï Rachmaninov, qui s'est également déclaré un brillant musicien à la tribune du chef d'orchestre, a été fructueuse. Rachmaninov a amélioré la qualité sonore des classiques de l'opéra russe au théâtre. D'ailleurs, le nom de Rachmaninov est associé au transfert de la console du chef d'orchestre à l'endroit où elle se trouve actuellement : auparavant, le chef d'orchestre se tenait derrière l'orchestre, face à la scène.
En 1899, La Belle au bois dormant est représentée pour la première fois au Théâtre Bolchoï. La production de ce ballet, qui a établi le partenariat de la musique et de la danse dans le théâtre de ballet russe, a marqué le début d'un long et heureux travail à Moscou pour le chorégraphe, librettiste et professeur Alexandre Gorski. Un grand groupe a travaillé avec lui artistes talentueux— Ekaterina Geltser, Vera Caralli, Sofia Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, le chef d'orchestre et compositeur Andrei Arende, etc. Pour concevoir une nouvelle production du ballet « Don Quichotte » (1900), Gorsky a pour la première fois invité des jeunes les artistes Konstantin Korovin et Alexander Golovin, futurs grands maîtres de la peinture théâtrale.
1911 Le projet présenté par Albert Kavos a remporté le concours pour la restauration du bâtiment du théâtre.
Kavos, tout en conservant l'agencement et le volume du bâtiment de Beauvais, augmente la hauteur, change les proportions et redessine le décor architectural. En particulier, de fines galeries en fonte avec des lampes ont été construites sur les côtés du bâtiment. Les contemporains ont noté l'aspect de cette colonnade, particulièrement belle le soir, quand on la regarde de loin, et une rangée de lampes allumées ressemble à un fil de diamant courant le long du théâtre.
Le groupe d'Apollon en albâtre qui décorait le Théâtre de Beauvais a été détruit dans un incendie. Pour en créer un nouveau, Kavos a invité le célèbre sculpteur russe Piotr Klodt (1805-1867), auteur des célèbres quatre groupes équestres du pont Anitchkov sur la rivière Fontanka à Saint-Pétersbourg.
Klodt a créé avec Apollo le groupe sculptural désormais mondialement connu. Il a été coulé dans les usines du duc de Lichtenberg à partir d'un alliage métallique plaqué de cuivre rouge.
Lors de la reconstruction de l'auditorium, Kavos a modifié la forme de la salle, en la rétrécissant vers la scène, et a approfondi la fosse d'orchestre. Derrière les stalles, là où se trouvait autrefois une galerie, il construisit un amphithéâtre. Les dimensions de l'auditorium sont devenues : profondeur et largeur presque égales - environ 30 mètres, hauteur - environ 20 mètres. L'auditorium a commencé à accueillir plus de 2 000 spectateurs.
Sous cette forme, le Théâtre Bolchoï a survécu jusqu'à nos jours, à l'exception de petites reconstructions internes et externes.
Le théâtre est un miracle du monde humain.
Théâtre
Théâtre nom, m., utilisé souvent
Morphologie: (non quoi? théâtre, quoi? théâtre, (voir quoi? théâtre, comment? théâtre, à propos de quoi? à propos du théâtre;
PL.
Quoi? théâtres, (non quoi? théâtres, quoi? théâtres, (voir quoi? théâtres, comment? théâtres, à propos de quoi? sur les théâtres
1.
Théâtre est une forme d'art, une représentation scénique d'œuvres dramatiques interprétées par des acteurs devant un public. Théâtre amateur et professionnel. | Théâtre européen et oriental. | Théâtre de masques, miniatures, pantomime. | Impliquez-vous dans le théâtre. | Il connaît bien le théâtre et surtout le ballet.
2. Théâtre appelé une organisation qui organise des spectacles et met en scène des spectacles.
Drame, opéra. | Théâtre Bolchoï et Maly. | Théâtre de ballet. | Capitale, théâtre provincial. | Spectacle de marionnettes. | Théâtre pour jeunes spectateurs. | Théâtre public et privé. | Théâtre dramatique et comique. | Théâtre nommé d'après A.S. Pouchkine. | Troupe de théâtre.
3. Théâtre appelé le bâtiment dans lequel les représentations ont lieu.
Théâtre luxueux et cosy. | Théâtre de mille places. | Construction, reconstruction du théâtre. | Foyer, salle du théâtre. | Reconstruire et réparer le théâtre.
4. Théâtre d'été appelé pavillon dans le parc, où des spectacles amateurs sont présentés pendant la saison chaude.
5. Théâtre solo appelé une performance dramatique jouée et interprétée par une seule personne.
6. Cinéma maison sont appelés spectacles amateurs qui sont exécutés par des membres d'une même famille pour des proches, des invités, etc.
7. Théâtre d'ombres appelée pantomime manuelle, dans laquelle les ombres sur un mur ou un écran représentent des animaux, des personnes et des mouvements.
Une veilleuse brûlait derrière le rideau et un théâtre d'ombres familier se jouait sur l'écran.
8. Théâtre Anatomique est un établissement hospitalier qui sert à former les étudiants en médecine aux techniques d'autopsie et de dissection des cadavres.
9. Théâtre de guerre- Il s'agit d'une zone où se déroulent des opérations militaires à grande échelle pendant la guerre.
Quittez le théâtre des opérations.
Dictionnaire Langue russe Dmitriev. D.V. Dmitriev. 2003.
Synonymes:
Voyez ce qu’est « théâtre » dans d’autres dictionnaires :
théâtre- théâtre … Dictionnaire Nanai-Russe
- (du grec theatre place for spectacles, spectacle), un type de bâtiment architectural destiné aux représentations théâtrales. D'abord bâtiments de théâtre est apparu vraisemblablement au 6ème siècle. avant JC e. dans la Grèce antique. Ils étaient ouverts et... Encyclopédie des arts
Si deux personnes parlent et qu’une troisième écoute leur conversation, c’est déjà du théâtre. Le Théâtre Gustav Holoubek est un département à partir duquel on peut dire beaucoup de bien au monde. Nikolaï Gogol Ne confondons pas le théâtre et l'église, car il est plus difficile de transformer une cabine en église que... Encyclopédie consolidée des aphorismes
THÉÂTRE, théâtre, mari. (Théâtre grec). 1. unités uniquement Art qui consiste à représenter quelque chose chez des personnes, réalisé sous forme de spectacle public. La musique et le théâtre sont ses principaux passe-temps. ère soviétique temps fort... Dictionnaire explicatif d'Ouchakov
Théâtre- Théâtre. Représentation de la tragédie grecque antique. THÉÂTRE (du grec theatre, lieu de spectacle, spectacle), type d'art dont le moyen d'expression spécifique est l'action scénique qui surgit au cours du processus de performance d'un acteur devant un public.… … Dictionnaire encyclopédique illustré
Théâtre 19 ... Wikipédia
THÉÂTRE, hein, mari. 1. L'art de présenter sur scène des œuvres dramatiques ; juste une telle performance. Musique, etc. Impliquez-vous dans le théâtre. 2. Une entreprise de divertissement, une salle où de telles œuvres sont présentées sur scène. Dramatique, opératique... Dictionnaire explicatif d'Ojegov
Album Theatre Studio d'Irina Allegrova Date de sortie 25 novembre 1999 ... Wikipédia
Scène, scène, scène, stand. Voir le lieu... Dictionnaire des synonymes russes et expressions similaires. sous. éd. N. Abramova, M. : Dictionnaires russes, 1999. théâtre d'arène, temple de Melpomène, scène (de théâtre), art théâtral, dramaturgie, ... ... Dictionnaire de synonymes
- (du grec theatre, lieu de spectacle, spectacle), type d'art dont le moyen d'expression spécifique est l'action scénique qui se produit lors de la représentation de l'acteur devant le public. Les origines du théâtre dans l'Antiquité cynégétique et agricole... ... Grand dictionnaire encyclopédique
Les débuts de l’art théâtral existaient dans la société primitive, avant l’avènement des premières civilisations. L'art théâtral en tant que tel est apparu en Orient, dans la Grèce antique et à Rome, puis a continué à se développer dans l'Europe occidentale médiévale et de la Renaissance et en Russie.
En ce qui concerne le passé historique du théâtre, je voudrais souligner que divers spectacles et représentations ont existé depuis les temps anciens. Cela est dû à diverses circonstances. Premièrement, c'est le besoin de repos, deuxièmement, la connaissance et la découverte de soi, du monde, de l'âme humaine, troisièmement, la manipulation de la conscience publique. Réflexion artistique la réalité a été accomplie grâce à une action dramatique. L'interaction des personnages, la révélation de conflits psychologiques ou sociaux, une tentative d'inciter le spectateur à participer à la mise en œuvre du plan, voilà ce qui sous-tend l'action théâtrale.
Le contexte historique de la formation des représentations théâtrales apparaît dans période primitive. En règle générale, ces rituels étaient accompagnés de sorts, de chants, de danses et de jeux d'instruments de musique anciens. Les rituels comprenaient également diverses performances directement liées à la vie des tribus. Un rôle important était joué par les attributs et la tenue vestimentaire d'un sorcier ou d'un chaman, qui créaient également des effets sonores, renforçant l'impact sur les spectateurs et les participants à l'action. Des fêtes avec des éléments théâtraux étaient organisées en l'honneur des dieux, identifiés aux forces de la nature, phénomène naturel et les éléments. C'est ainsi qu'apparaissent les premières représentations à caractère théâtral.
L'ensemble du spectacle visait à impliquer grand nombre les gens, tout le monde est devenu participant à ce qui se passait. L'ampleur de ce qui se passait dépendait du but de l'action, c'est-à-dire c'étaient des rites et des rituels adressés aux dieux - on supposait que les dieux voyaient tout et étaient inclus dans ce qui se passait. En règle générale, les spectacles primitifs étaient exécutés par des prêtres, considérés comme dotés de pouvoirs magiques et capables de demander des faveurs aux dieux : chasse réussie, pluie en cas de sécheresse, etc. Certains prêtres « entraient en contact » avec des divinités directement lors de l'accomplissement d'un rite ou d'un rituel. Cela a créé un sentiment d'être choisi, qui se reflétait non seulement dans les œuvres du théâtre, mais aussi dans les peintures rupestres qui capturaient tout ce qui se passait. Une compréhension a émergé d'une sorte de « professionnalisation » de certains éléments de la représentation théâtrale. Il semblait qu’il était possible de prouver sa reconnaissance aux dieux en améliorant le dialogue ou le monologue. Ainsi, les premiers « professionnels » des formes théâtrales archaïques furent des prêtres et des chamanes. Plus tard, ils furent remplacés par des pleureuses, des chanteurs et des danseurs. Ils glorifient les anciens dieux égyptiens, grecs, romains et slaves : Osiris, Dionysos, Astarté, Baal, Saturne, Yarila, Kolyada et d'autres.
Les prêtres et les chamanes, réalisant l'impact des rites et des rituels sur la société, perfectionnèrent leurs compétences, gagnèrent pouvoir et autorité, et les actions rituelles théâtralisées commencèrent à être utilisées par les prêtres comme le moyen le plus important gérer l’opinion publique et maintenir l’ordre. Peu à peu, les fonctions du théâtre commencent à se dessiner : sociales, religieuses, idéologiques. Ceci a été réalisé grâce au grand nombre de participants au rituel et au degré élevé d'implication émotionnelle de chaque membre de l'équipe. Il existe un besoin pour d’autres types d’art ( peinture rupestre, petites sculptures - figurines de la Terre Mère, animaux totems, etc., costumes ou robes des participants au rituel), qui ont enrichi les représentations théâtrales et contribué à créer l'effet d'une expérience de masse. Par conséquent, on a longtemps cru que le théâtre était un moyen puissant de manipulation de la conscience publique, à l'aide duquel des idées politiques, juridiques, sociales et autres sont inculquées.
On ne peut manquer de mentionner la fonction de divertissement du théâtre, qui est le plus souvent prioritaire. Dans le même temps, le divertissement a généralement un sous-texte caché et détourne parfois l'attention des problèmes urgents de la société. Il suffit de rappeler le slogan de la foule romaine à l'époque du pouvoir impérial : « Du pain et des cirques » (lat. Rapet et circenses). Le théâtre était largement utilisé par les structures de pouvoir pour atteindre leurs objectifs. De plus, le théâtre non seulement divertissait, mais générait également des revenus. A Rome, on vendait des billets en os. La construction du Théâtre de Marcellus fut achevée (13 avant JC), ce qui était très pratique pour les spectateurs. Le public a réagi violemment à ce qui se passait sur scène, exprimant son approbation ou son indignation par des exclamations et des cris. Pour une mauvaise action, ils auraient pu être blessés.
Il est important de noter que les rituels et les cérémonies étaient étroitement liés à la composante artistique de tout spectacle. Ils ont servi de base à un culte, à une fête et, par conséquent, à une représentation théâtrale. Et bien que la relation entre le rituel ou le rite et tous les types d'art puisse être retracée, c'est le théâtre, en tant que l'une des formes d'art les plus anciennes, qui a su préserver cette forme de construction rituelle de l'action qui lui est propre.
L’interaction étroite du théâtre et du rituel peut être observée dans tous les systèmes théâtraux de l’Antiquité, mais la présence de la magie était alors obligatoire. Le rituel pouvait être réalisé sans l'aide de spectacles théâtraux, l'effet de perception était simplement renforcé lorsqu'ils coexistaient harmonieusement. Performance théatrale, selon le but, avait importance nationale, car le non-respect des schémas rituels obligatoires menaçait le désastre pour le peuple. Sur cette base, ils ont ensuite commencé à diviser les spectacles en rituels et divertissements.
L’apparition des premières tragédies repose également sur des actions rituelles. La conscience humaine était étroitement liée à la nature et à ses capacités. De nombreuses sectes ont fourni matière à réflexion sur ces idées. Ils ont démontré le sort cruel d'un héros qui n'a pas obéi aux lois de la nature ou s'est opposé à elles. Poids éléments naturelsétaient habitées par des esprits et des divinités présents à des degrés divers dans les représentations théâtrales. L'implication du spectateur dans ce qui se passe est devenue en quelque sorte le précurseur du développement de la présentation des tragédies en Grèce. Pas une seule production n'était complète sans un rituel ou un rite magique.
Les actions scéniques apparues à différentes époques avaient des fondements communs. Les formes magiques et rituelles prenaient de l'ampleur dès l'apparition des premiers États d'Orient. Les premières tentatives de création de spectacles professionnels ont été menées sur des bases religieuses et se sont développées pour inclure des drames liturgiques, des tragédies, des comédies, des farces et des mystères. Dans l’Antiquité, les théâtres se sont développés avec leurs propres traditions, idées innovantes et technologie scénique. Des formes intéressantes de spectacles ont été créées dans les États de l’Orient ancien, en Inde, en Chine et au Japon. En Europe occidentale au Moyen Âge créativité théâtrale diffusé par des acteurs ambulants, en France c'étaient des troubadours et des trouvères, en Allemagne - des minnesingers, en Angleterre - des ménestrels, en Russie - des bouffons, mais il faut dire qu'à partir du XIe siècle. leurs représentations ont été interdites par l'Église orthodoxe.
Le théâtre du Moyen Âge traitait le plus souvent de questions religieuses. La comédie folklorique italienne des masques est à juste titre considérée comme un exemple frappant de théâtre professionnel. de l'art (XVI-XVII siècles). Née en Italie à la Renaissance, la « comédie scientifique » donne naissance à une approche scientifique et littéraire du travail scénique. À la Renaissance, le théâtre devint stationnaire et dans les grands centres culturels, des locaux spéciaux furent construits pour les représentations dramatiques. Depuis cette époque, le théâtre s'est développé rapidement dans tous les pays du monde. Il devient un lieu et un moyen de divertissement, attire les masses dans son cercle, des dramaturges et metteurs en scène, des acteurs et de grandes œuvres apparaissent.
Nouvelle heure a nécessité de nouvelles approches dans la présentation de l'action dramatique : la poétique du classicisme et du baroque est étroitement associée au théâtre, un aspect important est l'appel constant aux travaux théoriques d'Aristote et d'Horace. L'aspect idéologique se reflète directement dans les performances de cette époque. Au siècle des Lumières, le public du théâtre se démocratise et une nouvelle galaxie de dramaturges et de théoriciens du théâtre apparaît : Voltaire et Diderot en France et Lessing en Allemagne. Une nouvelle doctrine idéologique du théâtre est en train d'émerger. Jusqu'à l'avènement du cinéma, le théâtre conservera une position stable.
Une attention particulière portée au théâtre se poursuivra jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. Mais avec l’avènement du cinéma, le théâtre a été contraint de faire de la place. Le théâtre intéresse souvent les professionnels et les amateurs de théâtre, et dans une moindre mesure le spectateur moyen. Actuellement, l'intérêt pour le théâtre a été ravivé et la raison du nouvel épanouissement de l'art théâtral peut être considérée comme l'approche innovante des metteurs en scène et des graphistes du répertoire classique, ainsi que l'émergence de productions ultramodernes qui attirent l'attention. des jeunes. De nombreux festivals de théâtre attirent un grand nombre non seulement de spécialistes et de théoriciens du théâtre, mais aussi de spectateurs ordinaires.
L'histoire du théâtre est étroitement liée à l'histoire des États, c'est pourquoi les principales sources d'informations sur le théâtre sont les ouvrages historiques et théoriques et les mémoires, qui reflètent les jalons du développement de l'art théâtral. De tout temps, le théâtre a fait partie intégrante de la vie culturelle, sociale et vie politique. Chaque étape de l'histoire du théâtre est associée à des noms auteurs célèbres qui a créé des chefs-d'œuvre qui nous rendent fiers répertoire théâtral et à ce jour. Mais l'art du théâtre est momentané et les descendants ne peuvent que sources littéraires découvrez le succès retentissant de certaines productions, les performances d'acteurs marquants du passé.
Nous retracerons le développement du théâtre au cours d'une période spécifique et sa place dans la culture mondiale.
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