Artistes japonais contemporains et leurs peintures. Peinture japonaise

La peinture japonaise est l'espèce la plus ancienne art. Il comprend diverses formes, genres et contenus variés.

Peinture japonaise est la forme d'art la plus ancienne. Il comprend diverses formes, genres et contenus variés. L'art élégant révèle au monde des tableaux que sont des paravents, des peintures murales, des rouleaux de soie ou de papier, des éventails, peintures de chevalet et gravures.

La peinture japonaise se distingue par un grand nombre de divers genres et styles. Place de premier plan Dans la peinture japonaise, comme dans la littérature, la nature est centrale. Elle est présentée comme la gardienne du principe divin. La peinture japonaise trouve ses origines dans l’art chinois, ses genres sont donc très similaires à ceux de l’Empire Céleste. De nos jours beaucoup Artistes japonais préfèrent étudier en Chine.

Peindre au Japon connaît plusieurs étapes dans son histoire de développement. Chacun d’eux a ses propres caractéristiques et particularités.

La phase initiale de développement est considérée comme la période allant du milieu du VIIe siècle à la fin du VIIIe siècle, appelée Nara. Le temple Horyuji a été peint durant cette période, fournissant d'excellentes preuves de l'influence culture japonaise Traditions indiennes et chinoises.

La prochaine période du développement de la peinture japonaise s'appelle Heian. Il est célèbre pour la prospérité active de la peinture des temples et des exemples d'art de représentation profane. Au cours de cette période, des illustrations ont été créées pour des romans et des histoires destinés à divertir les nobles messieurs.

Période Kamakura(occupe la période de la fin du XIIe siècle à la première moitié du XIVe siècle), qui occupait la période de la fin du XIIe siècle à la première moitié du XIVe siècle, se caractérise par un changement de styles , la recherche de nouvelles façons de représenter la vie. L’ambiance de la peinture japonaise change radicalement. Peintures antérieures dégageait une atmosphère optimiste, légère et joyeuse. Durant cette période, un grand pas a été franchi vers image réaliste, en plus de donner au tableau un caractère presque militaire. Sujets caractéristiques de la peinture - scènes de bataille des mythes et de l'histoire, des scènes religieuses de Tradition bouddhiste. Les portraits de personnalités gouvernementales importantes sont largement utilisés.

Pendant Muromachi(période allant de la première moitié du XIVe siècle à la seconde moitié XVI siècle), une tendance qui glorifiait la peinture japonaise à travers le monde s’imposait. La philosophie du bouddhisme zen a eu une influence significative sur la peinture, ce qui a conduit à la popularité de l’art du paysage. La technologie monochrome a acquis une élégance particulière. Durant cette période, la peinture japonaise est influencée par la Chine. Le plus connu artiste japonais A cette époque, Toyo Oda, spécialisé dans la peinture de paysages, réalise ses premiers tableaux lors de ses voyages à travers l'Empire du Milieu. Il a déjà développé cette direction dans son pays natal.

La tendance décrite ci-dessus s'est activement développée et a été complétée au cours des deux périodes suivantes dans le développement de la peinture japonaise - Monoyama Et Édo. La technique monochrome était une option plus sophistiquée. Les détails ont été soigneusement élaborés et dessinés. Les artistes n'ont pas eu peur d'expérimenter et ont commencé à utiliser des techniques auparavant utilisées pour peindre sur des rouleaux et des écrans, en peinture murale. Les paysages et les scènes de foule ont commencé à être complétés par des histoires psychologiques montrant le héros dans un moment de fort stress émotionnel. Outre la peinture traditionnelle, la gravure sur bois est devenue de plus en plus populaire au Japon. Elle était divisée en deux types : la gravure théâtrale et la gravure descriptive quotidienne. Le maître le plus célèbre de la gravure théâtrale est Choshusai Sharaku. La gravure quotidienne s'est activement développée dans les œuvres de Suzuki Harunobu et Kitagawa Utamaro.

Ce qui couvre de nombreuses techniques et styles. Tout au long de son histoire, elle a subi de nombreuses modifications. De nouvelles traditions et genres ont été ajoutés, et les principes japonais originaux sont restés. Avec histoire incroyable La peinture japonaise est également prête à présenter de nombreux faits uniques et intéressants.

Japon ancien

Les premiers styles apparaissent dans les temps les plus anciens période historique pays, même en Colombie-Britannique. e. L’art était alors assez primitif. D'abord, en 300 avant JC. e., divers figures géométriques, qui étaient réalisés sur des poteries à l'aide de bâtons. Une telle découverte par les archéologues comme l'ornementation des cloches en bronze remonte à une époque plus tardive.

Un peu plus tard, déjà en 300 après JC. e., apparaître dessins rupestres, qui sont beaucoup plus diversifiés ornement géométrique. Ce sont déjà des images à part entière avec des images. Ils ont été retrouvés dans des cryptes et, probablement, les personnages qui y sont peints ont été enterrés dans ces cimetières.

Au 7ème siècle après JC e. Le Japon adopte une écriture venue de Chine. À la même époque, les premières peintures proviennent de là. La peinture apparaît alors comme une sphère d’art à part entière.

Édo

Edo est loin d'être le premier et non le dernier tableau, mais il a apporté beaucoup de nouveautés à la culture. Tout d'abord, c'est la luminosité et la couleur qui ont été ajoutées à la technique habituelle, réalisée dans des tons noir et gris. La plupart un artiste hors du commun Ce style est considéré comme Sotasu. Il a créé peintures classiques, mais ses personnages étaient très colorés. Plus tard, il se tourne vers la nature et la plupart de ses paysages sont peints sur des fonds dorés.

Deuxièmement, durant la période Edo, l’exotisme, le genre namban, apparaît. Il utilisait des techniques européennes et chinoises modernes étroitement liées aux styles japonais traditionnels.

Et troisièmement, l'école Nanga apparaît. Dans ce document, les artistes imitent d'abord complètement, voire copient, les œuvres des maîtres chinois. Ensuite, une nouvelle branche apparaît, appelée bunjing.

Période de modernisation

La période Edo cède la place à Meiji, et maintenant peinture japonaise obligé d'aller à nouvelle étape développement. À cette époque, des genres tels que le western et autres devenaient populaires dans le monde entier, de sorte que la modernisation de l’art est devenue une situation courante. Cependant, au Japon, un pays où tout le monde vénère les traditions, temps donné la situation était très différente de ce qui se passait dans d’autres pays. La concurrence entre techniciens européens et locaux est ici féroce.

Le gouvernement donne à ce stade la préférence aux jeunes artistes qui soumettent de grands espoirs pour améliorer les compétences dans les styles occidentaux. Alors ils les envoient dans des écoles en Europe et en Amérique.

Mais ce n’était qu’au début de la période. Le fait est que critiques célèbres assez critiqué art occidental. Pour éviter un grand émoi autour de cette question, les styles et techniques européens ont commencé à être interdits dans les expositions, leur présentation a cessé, tout comme leur popularité.

L'émergence des styles européens

Vient ensuite la période Taisho. A cette époque, les jeunes artistes partis étudier dans des écoles étrangères reviennent dans leur pays d'origine. Naturellement, ils apportent avec eux de nouveaux styles de peinture japonaise, très similaires aux peintures européennes. L'impressionnisme et le post-impressionnisme apparaissent.

À ce stade, de nombreuses écoles se forment dans lesquelles les anciens styles japonais font revivre. Mais il est impossible de se débarrasser complètement des tendances occidentales. Il faut donc combiner plusieurs techniques afin de plaire aussi bien aux amateurs de classiques qu'aux amateurs de peinture européenne moderne.

Certaines écoles sont financées par l'État, grâce auxquelles il est possible de préserver de nombreuses traditions nationales. Les propriétaires privés sont obligés de suivre l'exemple des consommateurs qui veulent quelque chose de nouveau et qui en ont assez des classiques.

Peinture de la Seconde Guerre mondiale

Après le début de la guerre, la peinture japonaise reste quelque temps à l’écart des événements. Il s'est développé séparément et indépendamment. Mais cela ne pouvait pas durer éternellement.

Au fil du temps, quand situation politique Alors que la situation empire dans le pays, des personnalités élevées et respectées attirent de nombreux artistes. Certains d'entre eux ont commencé à créer dans des styles patriotiques dès le début de la guerre. Les autres ne commencent ce processus que sur ordre des autorités.

En conséquence, les beaux-arts japonais n’ont pas pu se développer, notamment pendant la Seconde Guerre mondiale. Par conséquent, pour la peinture, cela peut être qualifié de stagnant.

Suibokuga éternel

La peinture japonaise sumi-e, ou suibokuga, signifie littéralement « peinture à l'encre ». Cela détermine le style et la technique de cet art. Il venait de Chine, mais les Japonais ont décidé de s’enapproprier ce modèle. Et au départ la technique n’avait aucun côté esthétique. Il était utilisé par les moines pour se perfectionner tout en étudiant le Zen. De plus, ils dessinaient d’abord des images, puis entraînaient leur concentration en les regardant. Les moines croyaient que les lignes strictes, les tons flous et les ombres - tout ce qu'on appelle monochrome - contribuaient à l'amélioration.

La peinture à l'encre japonaise, malgré la grande variété de peintures et de techniques, n'est pas aussi complexe qu'il y paraît à première vue. Il repose sur seulement 4 intrigues :

1. Chrysanthème.
2. Orchidée.
3. Branche de prunier.
4. Bambou.

Un petit nombre de parcelles ne permet pas de maîtriser la technique rapidement. Certains maîtres pensent que l’apprentissage dure toute la vie.

Malgré le fait que le sumi-e soit apparu il y a longtemps, il est toujours très demandé. De plus, on peut aujourd'hui rencontrer des maîtres de cette école non seulement au Japon, mais elle est répandue bien au-delà de ses frontières.

Période moderne

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, l’art au Japon ne prospéra qu’en grandes villes, les villageois et les villageois avaient de quoi s'inquiéter. La plupart des artistes ont essayé de se détourner des pertes de la guerre et de représenter sur toile la vie urbaine moderne avec tous ses embellissements et ses caractéristiques. Les idées européennes et américaines furent adoptées avec succès, mais cet état de fait ne dura pas longtemps. De nombreux maîtres ont commencé à s'en éloigner progressivement vers les écoles japonaises.

Toujours resté à la mode. Par conséquent, la peinture japonaise moderne ne peut différer que par la technique d'exécution ou les matériaux utilisés dans le processus. Mais la plupart des artistes perçoivent mal les différentes innovations.

Il est impossible de ne pas mentionner la mode sous-cultures modernes, comme l'anime et des styles similaires. De nombreux artistes tentent de brouiller la frontière entre les classiques et ce qui est demandé aujourd'hui. Cet état de choses est dû en grande partie au commerce. Les classiques et les genres traditionnels ne s'achètent pratiquement pas, il n'est donc pas rentable de travailler en tant qu'artiste dans votre genre préféré, vous devez vous adapter à la mode.

Conclusion

Sans aucun doute, la peinture japonaise est un trésor arts visuels. Peut-être que le pays en question était le seul à ne pas suivre les tendances occidentales et à ne pas s'adapter à la mode. Malgré de nombreux coups durs lors de l'avènement des nouvelles techniques, les artistes japonais savaient encore défendre traditions nationales dans de nombreux genres. C'est probablement la raison pour laquelle les peintures réalisées dans des styles classiques sont aujourd'hui très appréciées dans les expositions.

Bonjour, Chers lecteurs– chercheurs de connaissance et de vérité !

Les artistes japonais ont un style unique, affiné par des générations entières de maîtres. Aujourd'hui, nous parlerons des représentants les plus éminents de la peinture japonaise et de leurs peintures, de l'Antiquité aux temps modernes.

Eh bien, plongeons-nous dans l'art du Pays du Soleil Levant.

La naissance de l'art

L'art ancien de la peinture au Japon est principalement associé aux particularités de l'écriture et repose donc sur les fondements de la calligraphie. Les premiers échantillons comprennent des fragments de cloches en bronze, de plats et d'objets ménagers trouvés lors des fouilles. Beaucoup d'entre eux ont été peints avec des peintures naturelles et les recherches donnent à penser que ces produits ont été fabriqués avant 300 avant JC.

Un nouveau cycle de développement artistique a commencé avec l'arrivée au Japon. Des images de divinités du panthéon bouddhiste, des scènes de la vie de l'enseignant et de ses disciples ont été appliquées sur des emakimono - des rouleaux de papier spéciaux.

La prédominance des thèmes religieux dans la peinture est retracée dans le Japon médiéval, notamment du Xe au XVe siècle. Les noms des artistes de cette époque, hélas, n'ont pas survécu jusqu'à nos jours.

Dans la période des XVe-XVIIIe siècles commence une nouvelle époque, caractérisée par l'apparition d'artistes aux compétences développées style individuel. Ils ont tracé le vecteur du développement ultérieur des beaux-arts.

Représentants brillants du passé

Tendu Xubun (début du XVe siècle)

Afin de devenir un maître exceptionnel, Xiubun a étudié les techniques d'écriture des artistes chinois de la chanson et leurs œuvres. Par la suite, il devient l’un des fondateurs de la peinture au Japon et le créateur du sumi-e.

Sumi-e – style artistique, qui est basé sur le dessin à l’encre, ce qui signifie une seule couleur.

Xubun a fait beaucoup pour un nouveau style s'enracine dans les milieux artistiques et enseigne l'art à d'autres talents, notamment aux futurs peintres célèbres, par exemple Sesshu.

Le plus peinture populaire Syubuna est appelée « Lire dans le bosquet de bambous ».

"Lecture dans le bosquet de bambous" par Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Il est devenu le créateur d'une école qui porte son nom - Hasegawa. Au début, il essaya de suivre les canons de l'école de Kano, mais peu à peu son « écriture » individuelle commença à se retrouver dans ses œuvres. Tohaku a été guidé par les graphiques Sesshu.

La base des œuvres était des paysages simples, laconiques mais réalistes avec des titres simples :

• "Pins";
• "Érable";
• "Pins et plantes à fleurs."

"Pins" de Hasegawa Tohaku

Frères Ogata Korin (1658-1716) et Ogata Kenzan (1663-1743)

Les frères étaient d'excellents artisans du XVIIIe siècle. L'aîné, Ogata Korin, se consacre entièrement à la peinture et fonde le genre rimpa. Il évite les images stéréotypées, préférant le genre impressionniste.

Ogata Korin peint la nature en général et les fleurs sous forme d'abstractions lumineuses en particulier. Ses pinceaux appartiennent aux tableaux :

• « Fleur de prunier rouge et blanche » ;
• « Vagues de Matsushima » ;
• "Chrysanthèmes".

"Vagues de Matsushima" d'Ogata Korin

Le frère cadet, Ogata Kenzan, avait de nombreux pseudonymes. Bien qu'il soit engagé dans la peinture, il était davantage connu comme un merveilleux céramiste.

Ogata Kenzan maîtrisait de nombreuses techniques de création de céramique. Il s'est distingué par une approche non standard, par exemple, il a créé des assiettes en forme de carré.

Sa propre peinture ne se distinguait pas par sa splendeur - c'était aussi sa particularité. Il aimait appliquer des calligraphies en forme de parchemin ou des extraits de poésie sur ses objets. Parfois, ils travaillaient avec leur frère.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Il a créé dans le style de l'ukiyo-e - une sorte de gravure sur bois, en d'autres termes, une peinture gravée. Au cours de sa carrière, il a changé une trentaine de noms. Œuvre célèbre– « La Grande Vague de Kanagawa », grâce à laquelle il est devenu célèbre en dehors de son pays natal.

"La Grande Vague au large de Kanagawa" de Hokusai Katsushika

Hokusai a commencé à travailler particulièrement dur après l'âge de 60 ans, ce qui lui a valu bons fruits. Van Gogh, Monet et Renoir connaissaient son œuvre et, dans une certaine mesure, elle a influencé le travail des maîtres européens.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Un des les plus grands artistes 19ème siècle. Il est né, a vécu et travaillé à Edo, a poursuivi l'œuvre de Hokusai et s'est inspiré de ses œuvres. La manière dont il représente la nature est presque aussi impressionnante que le nombre d’œuvres elles-mêmes.

Édo – ancien nom Tokyo.

Voici quelques chiffres de son œuvre, représentés par une série de peintures :

• 5,5 mille – le nombre de toutes les gravures ;
• « 100 vues d'Edo ;
• « 36 vues du Fuji » ;
• « 69 stations de Kisokaido » ;
• "53 stations du Tokaido."

Peinture d'Ando Hiroshige

Il est intéressant de noter que l'éminent Van Gogh a peint quelques exemplaires de ses gravures.

La modernité

Takashi Murakami

Artiste, sculpteur, créateur de vêtements, il s'est fait connaître dès la fin du XXe siècle. Dans son travail, il suit les tendances de la mode avec des éléments classiques et s'inspire des dessins animés et mangas.

Peinture de Takashi Murakami

Les œuvres de Takashi Murakami sont considérées comme une sous-culture, mais en même temps elles sont incroyablement populaires. Par exemple, en 2008, une de ses œuvres a été achetée aux enchères pour plus de 15 millions de dollars. À une époque, le créateur moderne travaillait en collaboration avec les maisons de couture Marc Jacobs et Louis Vuitton.

Ashima tranquille

Collègue de l'artiste précédent, elle crée des peintures surréalistes modernes. Ils représentent des vues de villes, de rues de mégalopoles et de créatures comme provenant d'un autre univers - fantômes, mauvais esprits, filles extraterrestres. À l’arrière-plan des peintures, on peut souvent remarquer une nature intacte, parfois même effrayante.

Ses peintures atteignent de grands formats et se limitent rarement aux supports papier. Ils sont transférés sur le cuir et les matières plastiques.

En 2006, dans le cadre d'une exposition dans la capitale britannique, une femme a créé une vingtaine de structures voûtées qui reflétaient la beauté de la nature du village et de la ville, de jour comme de nuit. L'un d'eux a décoré une station de métro.

Salut Arakawa

Le jeune homme ne peut pas être qualifié d'artiste au sens classique du terme - il crée des installations si populaires dans l'art du 21e siècle. Les thèmes de ses expositions sont véritablement japonais et touchent aux relations amicales ainsi qu'au travail de toute l'équipe.

Hei Arakawa participe souvent à diverses biennales, par exemple à Venise, et expose au musée art contemporain dans son pays natal, reçoit à juste titre diverses récompenses.

Ikenaga Yasunari

Le peintre contemporain Ikenaga Yasunari a réussi à combiner deux choses apparemment incompatibles : la vie des jeunes filles modernes sous forme de portrait et les techniques traditionnelles japonaises des temps anciens. Dans son travail, le peintre utilise des pinceaux spéciaux, des peintures pigmentées naturelles, de l'encre et du fusain. Au lieu du lin habituel, du tissu en lin.

Peinture d'Ikenaga Yasunari

Une technique similaire consistant à contraster l'époque représentée et apparence Les héroïnes donnent l’impression qu’elles nous reviennent du passé.

Populaire dans Dernièrement Dans la communauté en ligne, une série de peintures sur les complexités de la vie d'un crocodile ont également été créées par le caricaturiste japonais Keigo.

Conclusion

Ainsi, la peinture japonaise a commencé vers le 3ème siècle avant JC et a beaucoup changé depuis. Les premières images ont été appliquées à la céramique, puis les motifs bouddhistes ont commencé à prédominer dans les arts, mais les noms des auteurs n'ont pas survécu jusqu'à nos jours.

À l'ère moderne, les maîtres du pinceau acquièrent de plus en plus d'individualité et créent différentes directions et écoles. Les beaux-arts d'aujourd'hui ne se limitent pas à la peinture traditionnelle : des installations, des caricatures, des sculptures artistiques et des structures spéciales sont utilisées.

Merci beaucoup pour votre attention, chers lecteurs ! Nous espérons que vous avez trouvé notre article utile et nos histoires sur la vie et la créativité. les représentants les plus brillants l'art nous a permis de mieux les connaître.

Bien entendu, il est difficile de parler de tous les artistes de l’Antiquité à nos jours dans un seul article. Que cela soit donc le premier pas vers la compréhension de la peinture japonaise.

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Si vous pensez que tous les grands artistes appartiennent au passé, vous n’imaginez pas à quel point vous vous trompez. Dans cet article, vous découvrirez les plus célèbres et artistes talentueux la modernité. Et, croyez-moi, leurs œuvres resteront dans votre mémoire tout aussi profondément que celles des maestros des époques passées.

Wojciech Babski

Wojciech Babski – moderne Artiste polonais. A terminé ses études en silésien Institut Polytechnique, mais s'est associé à . Dernièrement, il peint principalement des femmes. Se concentre sur l'expression des émotions, s'efforce d'obtenir le plus grand effet possible en utilisant des moyens simples.

Aime la couleur, mais utilise souvent des nuances de noir et de gris pour réaliser meilleure expérience. Je n'ai pas peur d'expérimenter différentes nouvelles techniques. Récemment, il a gagné en popularité à l'étranger, principalement au Royaume-Uni, où il vend avec succès ses œuvres, que l'on retrouve déjà dans de nombreuses collections privées. Outre l'art, il s'intéresse à la cosmologie et à la philosophie. Écoute du jazz. Vit et travaille actuellement à Katowice.

Warren Chang

Warren Chang - moderne artiste américain. Né en 1957 et élevé à Monterey, en Californie, il est diplômé avec distinction de l'Art Center College of Design de Pasadena en 1981, où il a obtenu un BFA. Au cours des deux décennies suivantes, il travaille comme illustrateur pour diverses entreprises en Californie et à New York avant de se lancer dans une carrière d'artiste professionnel en 2009.

Ses peintures réalistes peuvent être divisées en deux catégories principales : les peintures intérieures biographiques et les peintures représentant des personnes au travail. Son intérêt pour ce style de peinture remonte au travail de l'artiste du XVIe siècle Johannes Vermeer et s'étend aux sujets, aux autoportraits, aux portraits de membres de la famille, d'amis, d'étudiants, aux intérieurs d'atelier, de salles de classe et de maisons. Son objectif est de peintures réalistes créez une ambiance et des émotions grâce à la manipulation de la lumière et à l'utilisation de couleurs douces.

Chang est devenu célèbre après s'être tourné vers les beaux-arts traditionnels. Au cours des 12 dernières années, il a remporté de nombreux prix et distinctions, dont le plus prestigieux est la Master Signature des Oil Painters of America, la plus grande communauté de peinture à l'huile aux États-Unis. Seule une personne sur 50 a la possibilité de recevoir ce prix. Warren vit actuellement à Monterey et travaille dans son atelier. Il enseigne également (connu comme un professeur talentueux) à la San Francisco Academy of Art.

Aurélio Bruni

Aurélio Bruni – artiste italien. Né à Blair, le 15 octobre 1955. Il a obtenu un diplôme en scénographie de l'Institut d'Art de Spolète. En tant qu’artiste, il est autodidacte, car il a « construit de manière indépendante une maison du savoir » sur les fondations posées à l’école. Il commence à peindre à l'huile à l'âge de 19 ans. Vit et travaille actuellement en Ombrie.

Les premières peintures de Bruni sont enracinées dans le surréalisme, mais au fil du temps, il commence à se concentrer sur la proximité du romantisme lyrique et du symbolisme, renforçant cette combinaison par la sophistication exquise et la pureté de ses personnages. Les objets animés et inanimés acquièrent une dignité égale et semblent presque hyperréalistes, mais en même temps ils ne se cachent pas derrière un rideau, mais vous permettent de voir l'essence de votre âme. Polyvalence et sophistication, sensualité et solitude, prévenance et fécondité sont l'esprit d'Aurelio Bruni, nourri par la splendeur de l'art et l'harmonie de la musique.

Alexandre Balos

Alkasander Balos est un artiste polonais contemporain spécialisé dans la peinture à l'huile. Né en 1970 à Gliwice, en Pologne, mais depuis 1989, il vit et travaille aux États-Unis, à Shasta, en Californie.

Enfant, il a étudié l'art sous la direction de son père Jan, artiste et sculpteur autodidacte. jeune âge, activité artistique a reçu le plein soutien des deux parents. En 1989, à l'âge de dix-huit ans, Balos quitte la Pologne pour les États-Unis, où il professeur de l'école et l'artiste à temps partiel Katie Gaggliardi a encouragé Alkasander à s'inscrire à une école d'art. Balos a ensuite reçu une bourse complète à l'Université de Milwaukee, Wisconsin, où il a étudié la peinture avec le professeur de philosophie Harry Rozin.

Après avoir obtenu un baccalauréat en 1995, Balos s'installe à Chicago pour fréquenter l'École des Beaux-Arts, dont les méthodes sont basées sur la créativité. Jacques-Louis David. Réalisme figuratif et portrait constitués la plupart Les œuvres de Balos dans les années 90 et au début des années 2000. Aujourd'hui, Balos utilise la figure humaine pour mettre en évidence les caractéristiques et les défauts de l'existence humaine, sans proposer de solutions.

Les compositions thématiques de ses peintures sont destinées à être interprétées indépendamment par le spectateur, ce n'est qu'alors que les peintures acquerront leur véritable signification temporelle et subjective. En 2005, l'artiste a déménagé en Californie du Nord. Depuis lors, le sujet de son travail s'est considérablement élargi et comprend désormais des méthodes de peinture plus libres, notamment l'abstraction et divers styles multimédias qui aident à exprimer des idées et des idéaux d'existence à travers la peinture.

Alyssa Moines

Alyssa Monks est une artiste américaine contemporaine. Né en 1977, à Ridgewood, New Jersey. J'ai commencé à m'intéresser à la peinture quand j'étais encore enfant. A étudié à la New School de New York et Université d'État Montclair et est diplômé du Boston College en 1999 avec un B.A. Parallèlement, elle étudie la peinture à l'Académie Laurent de Médicis à Florence.

Elle poursuit ensuite ses études dans le programme de maîtrise de la New York Academy of Art, dans le département d'art figuratif, où elle obtient son diplôme en 2001. Elle est diplômée du Fullerton College en 2006. Pendant quelque temps, elle a enseigné dans des universités et les établissements d'enseignement dans tout le pays, elle a enseigné la peinture à la New York Academy of Art, ainsi qu'à la Montclair State University et à la Lyme Academy of Art College.

"En utilisant des filtres tels que le verre, le vinyle, l'eau et la vapeur, je déforme corps humain. Ces filtres vous permettent de créer grandes surfaces dessin abstrait, avec des îlots de couleurs qui apparaissent à travers des parties du corps humain.

Mes peintures changent look moderne aux poses et gestes traditionnels déjà établis des baigneuses. Ils pourraient en dire beaucoup à un spectateur attentif sur des choses apparemment évidentes comme les bienfaits de la natation, de la danse, etc. Mes personnages sont pressés contre la vitre de la fenêtre de la douche, déformant propre corps, réalisant qu'ils influencent ainsi le fameux regard masculin sur une femme nue. D'épaisses couches de peinture sont mélangées pour imiter de loin le verre, la vapeur, l'eau et la chair. Cependant, de près, l'étonnant propriétés physiques peinture à l'huile. En expérimentant avec des couches de peinture et de couleur, je trouve un point où les coups de pinceau abstraits deviennent autre chose.

Lorsque j’ai commencé à peindre le corps humain, j’ai immédiatement été fasciné, voire obsédé, et j’ai cru que je devais rendre mes peintures aussi réalistes que possible. J’ai « professé » le réalisme jusqu’à ce qu’il commence à se dénouer et à révéler ses contradictions. J’explore maintenant les possibilités et le potentiel d’un style de peinture où la peinture figurative et l’abstraction se rencontrent – ​​si les deux styles peuvent coexister au même moment, je le ferai.

Antonio Finelli

Artiste italien – " Observateur du temps» – Antonio Finelli est né le 23 février 1985. Vit et travaille actuellement en Italie entre Rome et Campobasso. Ses œuvres ont été exposées dans plusieurs galeries en Italie et à l'étranger : Rome, Florence, Novare, Gênes, Palerme, Istanbul, Ankara, New York, et se trouvent également dans des collections privées et publiques.

Dessins au crayon " Observateur du temps"Antonio Finelli nous emmène dans un voyage éternel à travers monde intérieur la temporalité humaine et l'analyse scrupuleuse qui y est associée de ce monde, dont l'élément principal est le passage dans le temps et les traces qu'il laisse sur la peau.

Finelli peint des portraits de personnes de tout âge, sexe et nationalité, dont les expressions faciales indiquent un passage dans le temps, et l'artiste espère également trouver des preuves de l'impitoyabilité du temps sur les corps de ses personnages. Antonio définit ses œuvres par une chose, Nom commun: « Autoportrait », car dans ses dessins au crayon, il représente non seulement une personne, mais permet au spectateur de contempler de vrais résultats le passage du temps chez une personne.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni est une artiste italienne de 37 ans, fille de diplomate. Elle a trois enfants. Elle a vécu douze ans à Rome et trois ans en Angleterre et en France. Elle est diplômée en histoire de l'art de la BD School of Art. Elle obtient ensuite un diplôme de restauratrice d'art. Avant de trouver sa vocation et de se consacrer entièrement à la peinture, elle a travaillé comme journaliste, coloriste, dessinatrice et comédienne.

La passion de Flaminia pour la peinture est née dès l'enfance. Son médium principal est l'huile car elle adore « coiffer la pâte » et aussi jouer avec la matière. Elle a reconnu une technique similaire dans les œuvres de l'artiste Pascal Torua. Flaminia s'inspire de grands maîtres de la peinture tels que Balthus, Hopper et François Legrand, ainsi que de divers mouvements artistiques : street art, réalisme chinois, surréalisme et réalisme de la Renaissance. Son artiste préféré est le Caravage. Son rêve est de découvrir le pouvoir thérapeutique de l'art.

Denis Tchernov

Denis Tchernov - talentueux Artiste ukrainien, né en 1978 à Sambir, région de Lviv, Ukraine. Après avoir obtenu son diplôme de Kharkov école d'art en 1998, il est resté à Kharkov, où il vit et travaille actuellement. Il a également étudié à Kharkov Académie d'État design et arts, département de graphisme, diplômé en 2004.

Il participe régulièrement à expositions d'art, sur ce moment plus de soixante d'entre elles ont eu lieu, tant en Ukraine qu'à l'étranger. La plupart des œuvres de Denis Chernov sont conservées dans des collections privées en Ukraine, Russie, Italie, Angleterre, Espagne, Grèce, France, États-Unis, Canada et Japon. Certaines œuvres ont été vendues chez Christie's.

Denis travaille dans un large éventail de techniques graphiques et picturales. Les dessins au crayon sont l'une de ses méthodes de peinture préférées, une liste de ses sujets dessins au crayon est également très diversifié, il peint des paysages, des portraits, des nus, des compositions de genre, des illustrations de livres, littéraires et reconstitutions historiques et des fantasmes.

La peinture japonaise est un mouvement absolument unique dans l’art mondial. Il existe depuis l'Antiquité, mais en tant que tradition, il n'a pas perdu de sa popularité et de sa capacité à surprendre.

Attention aux traditions

L'Orient, ce n'est pas seulement des paysages, des montagnes et soleil levant. Ce sont aussi ces personnes qui ont créé son histoire. Ce sont ces peuples qui soutiennent la tradition de la peinture japonaise depuis de nombreux siècles, développant et valorisant leur art. Ceux qui ont apporté une contribution significative à l’histoire sont des artistes japonais. Grâce à eux, les modernes ont conservé tous les canons de la peinture traditionnelle japonaise.

Mode d'exécution des peintures

Contrairement à l’Europe, les artistes japonais préféraient peindre plus près du graphisme que de la peinture. Dans de telles peintures, vous ne trouverez pas les coups d’huile bruts et négligents qui sont si caractéristiques des impressionnistes. Quelle est la nature graphique d'arts tels que les arbres, les rochers, les animaux et les oiseaux japonais - tout dans ces peintures est dessiné aussi clairement que possible, avec des lignes d'encre solides et confiantes. Tous les objets de la composition doivent avoir un contour. Le remplissage à l’intérieur du contour est généralement réalisé à l’aquarelle. La couleur est délavée, d'autres nuances sont ajoutées et quelque part la couleur du papier reste. Le caractère décoratif est précisément ce qui distingue les peintures japonaises de l'art du monde entier.

Contrastes en peinture

Le contraste est une autre technique caractéristique utilisée par les artistes japonais. Cela peut être une différence de ton, de couleur ou le contraste des nuances chaudes et froides.

L'artiste recourt à cette technique lorsqu'il souhaite mettre en valeur un élément du sujet. Il peut s'agir d'une veine sur une plante, d'un pétale séparé ou d'un tronc d'arbre sur le ciel. Ensuite, la lumière, la partie éclairée de l'objet et l'ombre en dessous sont représentées (ou vice versa).

Transitions et solutions de couleurs

Lors de la peinture de peintures japonaises, des transitions sont souvent utilisées. Ils peuvent être différents : par exemple, d’une couleur à l’autre. Sur les pétales des nénuphars et des pivoines, vous remarquerez une transition d'une teinte claire à une couleur riche et lumineuse.

Des transitions sont également utilisées dans l'image de la surface de l'eau et du ciel. La transition en douceur du coucher du soleil au crépuscule sombre et qui s'approfondit est très belle. Lorsqu'ils dessinent des nuages, ils utilisent également des transitions de différentes nuances et les réflexes.

Motifs fondamentaux de la peinture japonaise

Dans l’art, tout est lié vrai vie, avec les sentiments et les émotions de ceux qui y participent. Comme dans la littérature, la musique et d’autres manifestations de la créativité, il existe en peinture plusieurs thèmes éternels. Ce sont des sujets historiques, des images de personnes et de nature.

Les paysages japonais se présentent sous de nombreuses variétés. Les peintures contiennent souvent des images d'étangs - un meuble préféré des Japonais. Un étang décoratif, plusieurs nénuphars et des bambous à proximité, voilà à quoi ressemble une image typique des XVIIe et XVIIIe siècles.

Les animaux dans la peinture japonaise

Les animaux sont également un élément fréquemment récurrent dans la peinture asiatique. Traditionnellement, il s'agit d'un tigre rôdeur ou d'un chat domestique. En général, les Asiatiques en sont très friands et leurs représentants se retrouvent donc dans toutes les formes d'art oriental.

Le monde de la faune est un autre thème suivi par la peinture japonaise. Les oiseaux - grues, perroquets décoratifs, paons luxueux, hirondelles, moineaux discrets et même coqs - se retrouvent tous dans les dessins des maîtres orientaux.

Les Poissons sont un thème tout aussi pertinent pour les artistes japonais. La carpe Koi est la version japonaise du poisson rouge. Ces créatures vivent en Asie dans tous les étangs, même dans les petits parcs et jardins. La carpe Koi est une sorte de tradition propre au Japon. Ces poissons symbolisent la lutte, la détermination et la réalisation de votre objectif. Ce n’est pas pour rien qu’ils sont représentés flottant au gré du courant, toujours avec des crêtes de vagues décoratives.

Peintures japonaises : représentation de personnages

Les personnages de la peinture japonaise constituent un thème particulier. Les artistes ont représenté des geishas, ​​des empereurs, des guerriers et des anciens.

Les geishas sont représentées entourées de fleurs, toujours vêtues de robes élaborées comportant de nombreux plis et éléments.

Les sages sont représentés assis ou expliquant quelque chose à leurs élèves. L'image du vieux scientifique est un symbole de l'histoire, de la culture et de la philosophie de l'Asie.

Le guerrier était dépeint comme redoutable, parfois terrifiant. Les plus longs étaient dessinés en détail et ressemblaient à du fil de fer.

Habituellement, tous les détails de l'armure sont clarifiés à l'encre. Les guerriers nus sont souvent décorés de tatouages ​​représentant dragon oriental. C'est un symbole de la force et de la puissance militaire du Japon.

Les dirigeants étaient représentés pour les familles impériales. De beaux vêtements et des décorations dans les cheveux des hommes constituent l’abondance de ces œuvres d’art.

Paysages

Paysage japonais traditionnel - montagnes. Les peintres asiatiques ont réussi à représenter une variété de paysages : ils peuvent représenter le même sommet dans Couleurs différentes, avec une ambiance différente. La seule chose qui reste inchangée est la présence obligatoire de fleurs. Habituellement, avec les montagnes, l'artiste représente une sorte de plante au premier plan et la dessine en détail. Les montagnes et les fleurs de cerisier sont magnifiques. Et s'ils peignent des pétales tombants, le tableau suscite l'admiration pour sa triste beauté. Le contraste dans l’atmosphère de l’image est une autre qualité merveilleuse de la culture japonaise.

Hiéroglyphes

Souvent, la composition d'un tableau dans la peinture japonaise est combinée avec l'écriture. Les hiéroglyphes sont disposés de manière à avoir une belle composition. Ils sont généralement dessinés à gauche ou à droite du tableau. Les hiéroglyphes peuvent représenter ce qui est représenté dans le tableau, son titre ou le nom de l'artiste.

Le Japon est l'un des pays les plus riches en histoire et en culture. Partout dans le monde, les Japonais sont généralement considérés comme des pédants qui trouvent l'esthétique dans absolument toutes les manifestations de la vie. Les peintures japonaises sont donc toujours très harmonieuses en couleur et en ton : s'il y a des inclusions de certains couleur vive- alors seulement dans les centres sémantiques. En utilisant comme exemple des peintures d'artistes asiatiques, vous pouvez étudier la théorie des couleurs, la représentation correcte de la forme à l'aide de graphiques et la composition. La technique d'exécution des peintures japonaises est si élevée qu'elle peut servir d'exemple pour travailler l'aquarelle et réaliser un « lavis » d'œuvres graphiques.