Viktor Vasnetsov. Alyonushka.
1881. Huile sur toile. Galerie Tretiakov, Moscou, Russie.

Un rôle important dans la vie de l'artiste a été joué par sa connaissance de la famille moscovite d'un éminent industriel et entrepreneur, le célèbre philanthrope Savva Ivanovich Mamontov, qui a réussi à réunir autour de lui les plus grands artistes russes en une communauté, appelée plus tard le cercle d'Abramtsevo. Des soirées musicales, des représentations d'images en direct et des lectures nocturnes d'œuvres dramatiques et de monuments de l'épopée populaire, des conversations sur les problèmes de l'art et des échanges de nouvelles coexistaient dans la maison des Mamontov avec des conférences de l'historien Vasily Klyuchevsky sur le passé de la Russie. Dans la communauté gigantesque, Vasnetsov a ressenti la valeur esthétique de la culture russe avec une vigueur renouvelée.

Si les portraits de personnes proches ont aidé Vasnetsov à créer l'idéal de beauté nationale, le type national, alors à Abramtsevo et ses environs avec leurs forêts et bosquets de chênes, d'épicéas, de bouleaux caractéristiques de la Russie centrale, la rivière Vorey aux ruisseaux sombres, des étangs recouverts de carex, des ravins sourds et des pelouses et des collines gaies, ont développé un type de paysage national.

De nombreuses œuvres de l'artiste ont été conçues et réalisées ici en tout ou en partie. Ici était également écrit "Alyonushka", une image dans laquelle Vasnetsov incarnait le plus pleinement et avec le plus d'âme la poésie lyrique de son peuple natal. « Alyonushka », dira plus tard l'artiste, « comme si elle avait vécu dans ma tête depuis longtemps, mais en réalité je l'ai vue à Akhtyrka, quand j'ai rencontré une fille aux cheveux simples qui a frappé mon imagination. Il y avait tellement de mélancolie, de solitude et de tristesse purement russe dans ses yeux ... Une sorte d'esprit russe spécial soufflait d'elle. . , la nature prend vie à la fin de la journée, acquérant la capacité de se sentir en harmonie avec une personne. les sentiments de l'héroïne font écho au ciel gris pâle et à la surface sombre effrayante de la piscine avec des feuilles jaunes gelées dessus, et les tons gris délavés du feuillage de peuplier faux-tremble et le vert sombre et profond des arbres de Noël.

Viktor Vasnetsov. L'archange Michel bat le diable.
1914-1915. Toile, huile. 292,2 x 129. Maison-musée de V.M. Vasnetsov, Moscou, Russie.

Viktor Mikhailovich Vasnetsov avait une connaissance approfondie du symbolisme orthodoxe complexe. Comme de nombreuses générations de Vasnetsov, il a étudié au séminaire théologique. Plus tard, il a utilisé les connaissances acquises dans la peinture monumentale et dans ses peintures de temple. Tout comme dans la conscience populaire les croyances païennes et chrétiennes étaient intimement liées, l'artiste a réussi à concilier ces deux visions du monde dans ses peintures.

La peinture "Archange Michael" a été précédée par la peinture de la cathédrale de Vladimir à Kiev, des croquis des peintures de l'église Saint-Georges de Gus-Khrustalny, de l'église du Sauveur-sur-le-Sang-Versé à Saint-Pétersbourg, de l'Alexandre Cathédrale Nevsky de Sofia, commandée par la famille royale pour l'église Saint-Pierre. Madeleine à Darmstadt. Croyant, Viktor Vasnetsov a vu sa véritable vocation dans son travail pour l'église.

En 1915-1916, lors de la 13e exposition de l'Union des artistes russes, Vasnetsov a présenté une grande toile "Archange Michael". Cette image majestueuse et redoutable est répandue dans l'art religieux. L'archange Michel (en grec - le chef militaire suprême) est vêtu d'une cotte de mailles et armé d'une épée, d'un bouclier ou d'une lance, ou des deux. Les ailes déployées derrière son dos témoignent de sa nature angélique, appartenant à la Hiérarchie céleste. Satan - soit sous une forme semi-humaine soit sous la forme d'un dragon - est prosterné sous les pieds du Saint, qui est prêt à le tuer.

En Russie, l'archange Michel a toujours été considéré comme le saint patron des guerriers luttant pour une juste cause. Souvent, sa silhouette ailée ornait les casques de l'ancienne armée russe.

Dans l'Ancien Testament, l'archange Michel est l'un des sept archanges du Seigneur, l'ange gardien d'Israël, son nom vient de l'hébreu « qui est comme Dieu ». La tradition chrétienne le décrit comme se tenant à la tête de l'armée des anges célestes, le protecteur du monde contre le prince des ténèbres. Michael a conduit l'armée céleste à la victoire sur Lucifer et les anges déchus. Dans le livre de l'Apocalypse (12 : 7-9) il est écrit à ce sujet : « Et il y eut une guerre dans le ciel : Michel et ses anges combattirent le dragon, et le dragon et ses anges combattirent contre eux, mais ils ne purent résister, et il n'y avait plus de place pour eux dans le ciel. Et le grand dragon fut abattu, l'ancien serpent (...) "

Viktor Vasnetsov. Bogatyrs (Trois Bogatyrs).
1898. Huile sur toile. Galerie Tretiakov, Moscou, Russie.

Déjà pendant ses études à l'Académie des Arts, la gravitation de Vasnetsov vers les origines folkloriques s'est manifestée. Au cours de ces années, il a réalisé environ deux cents illustrations pour "L'alphabet du peuple", "L'alphabet des soldats" de Stolpyansky, pour "L'alphabet russe pour les enfants" de Vodovozov. Il a illustré les contes de fées "Le petit cheval bossu", "L'oiseau de feu" et d'autres. En 1871, un croquis au crayon du futur célèbre tableau "Heroes" est apparu, et depuis lors, cette intrigue n'a pas quitté l'artiste.

Au printemps 1876, Vasnetsov part pour Paris pendant un an, où I.E. Repin et V.D. Polenov. Grâce à Répine, Vasnetsov, dès son arrivée à Paris, s'est immédiatement impliqué dans l'étude et la compréhension de la vie artistique riche et intensément en difficulté de la capitale française. Les disputes, les débats houleux entamés lors des expositions ont été transférés au studio d'A.P. Bogolyubov, où les peintres russes se réunissaient souvent. Tout cela a intensément poussé les artistes russes à réfléchir à une école nationale de peinture. Le tableau parisien de Répine "Sadko dans le royaume sous-marin" (1876), où Vasnetsov a posé pour Sadko, bien qu'il soit resté le seul sur ce sujet, parlait clairement des voies possibles des quêtes nationales. À son tour, Vasnetsov, une fois entré dans l'atelier parisien de Polenov, a rapidement écrit le célèbre sketch des "Héros" (1876), étalant son "rêve" sur l'histoire épique de la Russie comme assez mature et établie. Vasnetsov a présenté cette esquisse à Polenov, mais il n'a accepté le cadeau qu'une fois la grande toile terminée. Cet événement a eu lieu en 1898, et depuis ce temps le croquis était dans la collection de peintures de Polenov dans le musée qu'il a organisé.

Au début de 1885, Viktor Mikhailovich Vasnetsov reçut d'A.V. Invitation de Prakhova à participer à la peinture de la nouvelle cathédrale Vladimir à Kiev. Vasnetsov avait une particularité qui a plus d'une fois surpris son entourage. Il pouvait effectuer simultanément les tâches les plus diverses, apparemment incompatibles. Ainsi, au milieu du travail intense sur les peintures murales de la cathédrale de Vladimir, il a trouvé le temps à la fois de réfléchir sur l'immense toile "Heroes", qu'il a apporté avec lui de Moscou à Kiev, et de travailler sur le tableau "Ivan Tsarevich on the Grey Wolf", qu'il montra en 1889 à l'exposition de l'Association des itinérants à Saint-Pétersbourg ; exécuté des croquis théâtraux et fait des illustrations de livres, sans parler des nombreux paysages et portraits qu'il a peints pendant les années de sa "séance à Kiev".

Viktor Vasnetsov. Ivan Tsarevich sur le loup gris.
1889. Huile sur toile. 249 x 187. Galerie Tretiakov, Moscou, Russie.

Il se trouve que près de trois décennies s'écoulent entre le premier croquis au crayon (1871), plus de deux décennies - entre l'esquisse parisienne et la toile "Heroes" (1898), couronnement du cycle héroïque des œuvres du peintre.

"J'ai travaillé sur les Héros, peut-être pas toujours avec la bonne intensité... mais ils étaient toujours implacables devant moi, mon cœur était toujours attiré par eux et ma main tendait la main ! Ils... étaient mon devoir créatif, une obligation envers mon peuple autochtone ... ", - a rappelé l'artiste.

"Heroes" - le tableau le plus grand et le plus important de Viktor Vasnetsov - est une chanson épique puissante de la Russie, son grand passé - une peinture conçue pour exprimer l'esprit du peuple russe.

Vasnetsov "respirait l'antiquité russe, le monde antique russe, la mentalité, les sentiments et l'esprit russes antiques", a noté le critique V. Stasov. Et ici, l'artiste démontre sa profonde compréhension de la Russie ancienne, les personnages des anciens Russes.

Conformément aux images épiques, Vasnetsov a développé les caractères de ses personnages. Au centre - Ilya Muromets. Ilya Muromets est simple et puissant, on peut ressentir en lui une force et une sagesse calmes et confiantes dans l'expérience de la vie. Fort de corps, il, malgré son apparence redoutable - dans une main, tendue vers ses yeux, il a une massue, dans l'autre une lance - est plein de « bonté, magnanimité et bonhomie ». Bogatyr à droite, le plus jeune, "prétendument courageux" - Aliocha Popovich. Un jeune bel homme, plein de courage et de courage, c'est un "soul-guy", un grand inventeur, un chanteur et un guslar, il a un arc et une lance dans les mains, et un gusli est attaché à sa selle. Le troisième héros, Dobrynya Nikitich, est représentatif et digne conformément aux épopées. Les traits fins du visage soulignent la "connaissance" de Dobrynya, ses connaissances, sa culture, sa prévenance et sa prévoyance. Il peut mener à bien les missions les plus difficiles qui demandent débrouillardise et tact diplomatique.

Les héros, comme il était d'usage dans la peinture réaliste et selon le principe créatif de Vasnetsov, sont des costumes, des armes, des cottes de mailles et des étriers spécifiques et historiquement précis. Les Bogatyrs sont dotés d'une apparence mémorable, de traits de caractère frappants. Seuls ces personnages ne sont pas du genre, mais héroïques.

Vous voyez les héros d'un seul coup. Ils sont servis comme d'en bas, du sol, et de là ils ont l'air solennels, monumentaux, personnifient la force du peuple.

L'artiste n'a pas lésiné sur les détails, chaque détail de l'image a sa propre signification. Les héros se tiennent à la limite du champ et de la forêt. Excellent maître du paysage « spiritualisé », Vasnetsov traduit avec brio l'état de nature, en phase avec l'humeur des héros. Et les mouvements des chevaux, les crinières des chevaux flottant au vent, trouvent un écho dans l'herbe à plumes jaunes. De lourds nuages ​​blancs tourbillonnent dans le ciel. Le vent libre les rassemble en nuages, marche sur la terre brûlée par le soleil. Un oiseau de proie planant au-dessus de la lisière de la forêt et des cimetières gris ajoutent une intonation supplémentaire de danger. Mais toute l'apparence des héros parle de la fiabilité de ces défenseurs de la terre russe.

Dans les épopées et les chansons anciennes, le plus souvent un héros n'est pas seulement un guerrier, mais aussi un homme pieux, "un héros dans l'humilité, dans la pauvreté". Tels sont les héros de Vasnetsov, les saints du peuple.

La peinture même de Vasnetsov dans "Heroes", ses formes monumentales, ses nobles qualités décoratives ont incité un différent, qu'auparavant, le comptage des mérites dans l'art, à la naissance de nouvelles conquêtes de ses "révélations et secrets". On peut dire que la peinture russe du XXe siècle est issue des "Héros" de Vasnetsov.

En avril 1898, Pavel Tretiakov visita Vasnetsov. Pendant plusieurs minutes, il scruta silencieusement le tableau, qui couvrait tout le mur droit de l'atelier de l'artiste, et la question de l'achat des "Héros" pour la galerie fut résolue. Le tableau a pris sa place permanente dans la galerie Tretiakov. Ce fut l'une des dernières acquisitions de Pavel Mikhailovich.

Avec l'achèvement du tableau, l'idée d'une exposition personnelle de l'artiste est devenue urgente. Une telle exposition a été organisée en mars-avril 1899 dans les locaux de l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg. Il comportait trente-huit tableaux. Le centre était le plus "capital", selon Stasov, le travail - "Bogatyrs".

Viktor Vasnetsov. Un chevalier à la croisée des chemins.
1882. Huile sur toile. 167 x 299.
Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg, Russie.

Des croquis au crayon et des croquis pour la peinture sont apparus au début des années 1870. En 1877, Vasnetsov a écrit le croquis "Un guerrier dans un casque avec une cotte de mailles" de son frère Arkady. L'intrigue de l'image est née sous l'impression de l'épopée "Ilya Muromets et les voleurs".

En 1877, le travail a été achevé sur la première version de la peinture. Vasnetsov l'expose à la VI exposition itinérante de 1878.

La version finale du tableau a été peinte en 1882 pour Savva Ivanovich Mamontov.

L'inscription sur la pierre correspond aux textes épiques, mais n'est pas entièrement visible. Dans une lettre à Vladimir Stasov, Vasnetsov écrit :

"Il est écrit sur la pierre:" En tant que droit ehati - je n'y habite pas - il n'y a aucun moyen pour un passant, ou une personne de passage, ou un passant ". Les inscriptions suivantes : « à droite ehati - être marié à l'être ; à gauche les ehati - riches en être »- ne sont pas visibles sur la pierre, je les ai cachés sous la mousse et en ai effacé une partie. Ces inscriptions ont été trouvées par moi à la bibliothèque publique avec votre aimable assistance. »

Le critique Stasov a fait l'éloge de l'image.

Dans les croquis initiaux, le chevalier était tourné pour faire face au spectateur. Dans la dernière version, la taille de la toile a été augmentée, la composition a été aplatie et la figure du chevalier est devenue plus monumentale. Les versions initiales du tableau étaient chères, mais Vasnetsov l'a supprimé dans la version de 1882 pour une plus grande émotivité, de sorte qu'il n'y avait pas d'autre issue que celle indiquée sur la pierre.

Vasnetsov s'est également tourné vers le thème épique dans ses premières aquarelles "Bogatyr" (1870) et ses peintures ultérieures "Bogatyrs" (1898) et "Bogatyr Skok" (1914)

Les peintures sont peintes à l'huile sur toile. La version de 1882 est conservée au Musée d'État russe. La version de 1878 est conservée au Musée d'histoire et d'art de Serpoukhov.

L'intrigue du « Chevalier à la croisée des chemins » est reproduite sur la pierre tombale de l'artiste au cimetière de Vvedenskoye.

Viktor Vasnetsov. Guerriers de l'Apocalypse.
1887. Huile sur toile. Esquisse pour la peinture de la cathédrale Vladimir à Kiev. Musée d'État de l'histoire des religions, Saint-Pétersbourg, Russie.

Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse est un terme décrivant quatre personnages du sixième chapitre de l'Apocalypse de Jean l'Évangéliste, le dernier des livres du Nouveau Testament. Les scientifiques ne sont toujours pas d'accord sur ce que chacun des cavaliers incarne exactement, mais ils sont souvent appelés le Conquérant (Antéchrist), la guerre, la faim et la mort. Dieu les appelle et leur donne le pouvoir de semer le chaos sacré et la destruction dans le monde. Les cavaliers apparaissent strictement les uns après les autres, chacun avec l'ouverture du suivant des quatre premiers des sept sceaux du livre de l'Apocalypse.
Cavaliers

L'apparition de chacun des cavaliers est précédée du retrait des sceaux du Livre de Vie par l'Agneau. Après avoir retiré chacun des quatre premiers sceaux, les tétramorphes s'exclament à John - "allez et voyez" - et des cavaliers apocalyptiques apparaissent à leur tour devant lui.
Cavalier sur un cheval blanc

Et je vis que l'Agneau avait ôté le premier des sept sceaux, et j'entendis l'un des quatre animaux, parler comme d'une voix tonitruante : va et vois. Je regardai, et voici, un cheval blanc, et sur lui un cavalier avec un arc, et une couronne lui fut donnée ; et il sortit victorieux et vainqueur. - Apocalypse 6 : 1-2

La couleur blanche du cheval est généralement considérée comme la personnification du mal ou de la justice.
Cavalier sur un cheval rouge

Et quand il a ouvert le deuxième sceau, j'ai entendu le deuxième animal dire : va voir. Et un autre cheval est sorti, un roux; et il fut donné à celui qui était assis dessus de retirer la paix de la terre, et de s'entretuer ; et une grande épée lui fut donnée. - Apocalypse 6 : 3-4

Le deuxième cavalier est généralement appelé Guerre ("Abus"), et il administre le jugement au nom de Dieu lui-même. Il personnifie souvent la guerre. Son cheval est rouge, dans certaines traductions - " ardent " rouge ou rouge. Cette couleur, comme la grande épée dans les mains du cavalier, signifie le sang versé sur le champ de bataille. Le deuxième cavalier peut aussi personnifier la guerre civile, comme par opposition à la conquête que peut personnifier le premier cavalier.

De l'avis de saint André, archevêque de Césarée, Ici est compris l'enseignement apostolique prêché par les martyrs et les enseignants. Par cet enseignement, après la diffusion de la prédication, la nature s'est divisée en elle-même, la paix du monde a été violée, car le Christ a dit : « Il n'est pas venu baptiser le monde (sur la terre), mais une épée » (Matthieu 10 :34). En confessant cette doctrine, les sacrifices des martyrs étaient élevés sur le plus haut autel. Un cheval rouge signifie soit le sang versé, soit le zèle du cœur des martyrs pour le nom du Christ. Les mots « il a été donné à celui qui s'y assied pour prendre la paix de la terre » indiquent la sage volonté de Dieu, qui envoie des épreuves pour les fidèles dans l'adversité.
Cavalier de cheval noir

Et quand Il ouvrit le troisième sceau, j'entendis le troisième animal dire : va et vois. J'ai regardé, et voici, un cheval noir, et sur lui un cavalier avec une mesure à la main. Et j'entendis une voix au milieu des quatre animaux, disant : Un chinix de blé pour un penny, et trois chinix d'orge pour un penny ; mais n'endommage pas l'huile et le vin." - Apocalypse 6 :5-6

Le troisième cavalier monte un cheval noir et est généralement considéré comme représentant la faim. La couleur noire d'un cheval peut être considérée comme la couleur de la mort. Le cavalier porte à la main une mesure ou une balance, c'est-à-dire la manière de diviser le pain lors d'une famine.

Des quatre cavaliers, le noir est le seul dont l'apparition est accompagnée d'une phrase parlée. John entend une voix provenant de l'un des quatre animaux, qui parle des prix de l'orge et du blé, tout en parlant de l'huile et du vin intacts, il est sous-entendu qu'en raison de la faim précipitée par le cavalier noir, les prix des céréales seront augmentera fortement, tandis que les prix du vin et de l'huile ne changeront pas. Cela s'explique naturellement par le fait que les céréales sont moins tolérantes à la sécheresse que les oliviers et les vignes enracinées. Ce dicton peut également signifier une abondance de produits de luxe avec un épuisement presque complet des produits de première nécessité tels que le pain. D'autre part, la conservation du vin et de l'huile peut symboliser la préservation des croyants chrétiens qui utilisent le vin et l'huile pour la communion.

Le cheval noir peut aussi signifier pleurer pour ceux qui se sont éloignés de la foi en Christ en raison de la sévérité du tourment. La Balance est une comparaison de ceux qui se sont éloignés de la foi, soit par les inclinations et les incohérences de l'esprit, soit par vanité, soit par la faiblesse du corps. Une mesure de blé pour un dinar, peut-être, signifie une faim sensuelle. Au sens figuré, la mesure du blé, évaluée par un denier, désigne tous ceux qui obéissent légalement et gardent l'image de Dieu qui leur est donnée. Les trois mesures d'orge peuvent être celles qui, par manque de courage, se sont soumises aux persécuteurs par peur, mais ont ensuite amené la repentance.
Le cavalier sur le cheval pâle

Et quand il ouvrit le quatrième sceau, j'entendis la voix du quatrième animal, disant : va et vois. Et je regardai, et voici, un cheval pâle, et sur lui un cavalier, dont le nom était "mort"; et l'enfer le suivait ; et pouvoir lui fut donné sur un quart de la terre, pour faire mourir par l'épée et la faim, et par la peste et les bêtes de la terre. - Apocalypse 6 : 7-8

Le quatrième et dernier cavalier s'appelle la Mort. Parmi tous les cavaliers, celui-ci est le seul dont le nom apparaît directement dans le texte. Cependant, il est également appelé d'une autre manière : "Peste", "Pestilence", sur la base de diverses traductions de la Bible (par exemple, la Bible de Jérusalem). De plus, contrairement au reste des cavaliers, il n'est pas décrit si le dernier cavalier porte un objet dans sa main. Mais l'enfer suit. Cependant, dans les illustrations, il est souvent représenté portant une faux ou une épée.

La couleur du cheval du dernier cavalier est décrite comme khl?ros (??????) en Koyne, ce qui se traduit par "pâle", mais des traductions sont également possibles par "cendré", "vert pâle" et "jaune". vert". Cette couleur représente la pâleur du cadavre. D'autres vrais costumes, comme les souris, pie, peuvent également s'adapter à cette couleur.

Dans certaines traductions, cela ne veut pas dire que le pouvoir lui a été donné, mais ce pouvoir leur a été donné, ce qui peut être interprété de deux manières : soit il leur a été donné - c'est la Mort et l'Enfer, soit il peut résumer le destin de tous les cavaliers ; les savants sont en désaccord ici.

Viktor Vasnetsov. Gamayun, un oiseau prophétique.
1897. Huile sur toile. 200x150.
Musée d'art du Daghestan, Makhatchkala, Russie.

Gamayu?N - selon la mythologie slave, un oiseau prophétique, le messager du dieu Veles, son héraut, chantant des hymnes divins aux gens et préfigurant l'avenir pour ceux qui savent entendre le secret. Gamayun sait tout sur l'origine de la terre et du ciel, des dieux et des héros, des gens et des monstres, des oiseaux et des animaux. Lorsque Gamayun vole depuis le lever du soleil, une tempête mortelle survient.

Originaire de la mythologie orientale (persane). Représenté avec une tête et une poitrine de femme.

La collection de mythes "Chants de l'oiseau Gamayun" raconte les premiers événements de la mythologie slave - la création du monde et la naissance des dieux païens.

Le mot « gamayun » vient de « gamayunit » - pour s'endormir (évidemment, parce que ces légendes servaient aussi d'histoires au coucher pour les enfants). Dans la mythologie des anciens Iraniens, il existe un analogue - l'oiseau de joie Humayun. Les "chansons" sont divisées en chapitres - "Balls".

Viktor Mikhailovich Vasnetsov a été le premier parmi les peintres à se tourner vers des sujets épiques et de contes de fées, convaincu que "dans les contes de fées, les chansons, les épopées, les drames et autres choses, toute l'image du peuple, interne et externe, avec le passé et le le présent, et peut-être l'avenir, se reflète."

"Le tapis volant" est le tout premier tableau de conte de fées de Vasnetsov, écrit par lui d'après le célèbre tableau "Après la bataille d'Igor Svyatoslavich avec les Polovtsy".

Vasnetsov a choisi un motif sans précédent pour les beaux-arts. Il a exprimé le rêve de longue date du vol libre du peuple, donnant à l'image un son poétique. Dans le ciel merveilleux de son enfance, Vasnetsov a représenté un tapis volant planant comme un oiseau fabuleux. Le héros victorieux en tenue élégante se tient fièrement sur le tapis, tenant par l'anneau d'or une cage avec l'oiseau de feu obtenu, d'où émane un éclat surnaturel. Tout est fait dans des couleurs vives et parle des brillantes capacités décoratives du jeune artiste. Vasnetsov est apparu ici comme un maître de l'ambiance subtile du paysage. La terre s'endort. La rivière reflète les buissons côtiers, et ces reflets, et le brouillard, et la lumière du mois évoquent des sentiments lyriques.

Ce tableau a été commandé à Vasnetsov par Savva Ivanovich Mamontov, un grand industriel et philanthrope, qui a contribué à l'unification de personnes talentueuses dans une union artistique créative, qui a reçu le nom de cercle Abramtsevo. En tant que président du conseil d'administration du chemin de fer de Donetsk en construction, il a commandé à l'artiste trois toiles, censées décorer le bureau du conseil d'administration de peintures qui ont servi de fabuleuses illustrations pour l'éveil du nouveau chemin de fer de la riche région de Donetsk. L'un des thèmes des peintures était « Tapis volant » - un moyen de transport fabuleusement rapide.

"En interrogeant et en parlant, après avoir découvert de quoi je rêvais", a déclaré plus tard l'artiste, "Savva Ivanovich a suggéré que, soi-disant pour les murs du panneau de la future route, j'écrive simplement ce que je voulais." Le conseil d'administration n'a pas accepté d'avoir les peintures, les considérant inappropriées pour le bureau, puis Mamontov a acheté lui-même deux toiles - "Tapis d'avion" et "Trois princesses des enfers", et son frère a acheté "La bataille des Scythes avec le Slaves".

Le « Tapis volant » a été présenté à la VIIIe Exposition des itinérants, provoquant une tempête de controverses journalistiques, de journaux et de spectateurs. Aucun des principaux Wanderers n'a écouté des opinions aussi polaires, venant souvent du même cercle, concernant leurs œuvres. On ne peut pas dire que Viktor Mikhailovich était indifférent à la popularité et à la critique. Mais tout le monde sentit que la force intérieure en lui l'élevait pour ainsi dire au-dessus de la louange et du blasphème. On l'appelait "le vrai héros de la peinture russe".

Plus tard, Vasnetsov se tourne à nouveau vers cette intrigue lorsqu'il travaille sur son "Poème des sept contes". Ici, Ivan est représenté avec sa fiancée Elena la Belle (dans les versions de contes de fées - Elena la Sage, Vasilisa la Belle, etc.) L'image est pleine de romantisme et de tendresse. Les cœurs aimants s'unissent et les héros, après de nombreuses épreuves, se retrouvent enfin.

Le poème des sept contes comprend sept tableaux : la princesse endormie, Baba Yaga, la princesse grenouille, Kashchei l'immortelle, la princesse Nesmeyana, Sivka Burka, le tapis volant. Ces peintures ont été créées par l'artiste exclusivement pour l'âme et sont maintenant un ornement de la maison-musée commémorative de V.M. Vasnetsov à Moscou.

Les tapis volants sont connus dans la littérature depuis les temps presque bibliques. Bien que l'idée ait prévalu dans la littérature du Moyen-Orient, la popularité des contes des mille et une nuits l'a portée dans la civilisation occidentale. Dans différentes versions, le tapis volant se retrouve également dans les contes de fées russes.

Viktor Vasnetsov. Après le massacre d'Igor Svyatoslavich avec les Polovtsy.
1880. Huile sur toile. 205 x 390. Galerie Tretiakov, Moscou, Russie.

En 1880, Vasnetsov a terminé l'une de ses toiles les plus importantes - "Après la bataille d'Igor Sviatoslavich avec les Polovtsy". Pour le public, tout était nouveau dans cette image, et la nouveauté n'est pas immédiatement acceptée. "Ils se tiennent davantage le dos devant ma peinture", s'est affligé Viktor Mikhailovich. Mais I. Kramskoy, qui a récemment tenté de persuader Vasnetsov de ne pas abandonner le genre, a qualifié "Après le massacre ..." "une chose étonnante ... qui ne sera pas vraiment comprise de sitôt". L'artiste et professeur exceptionnel Pavel Petrovich Chistiakov a compris l'essence de l'image plus profondément que quiconque, il y a ressenti la très ancienne Russie et dans une lettre à Viktor Mikhailovich s'est exclamé avec enthousiasme: "Je sentais l'esprit russe original!"

Le thème de la peinture était le champ après la bataille et la mort des régiments d'Igor Sviatoslavich, qui sont devenus un avant-poste héroïque aux frontières de leur terre natale, lorsque «les bannières d'Igor sont tombées et les Russes ont péri dans le champ inconnu». Le rythme pictural de l'image est proche du son épique de "The Lay of Igor's Host". Dans le pathétique tragique de la mort, Vasnetsov a voulu exprimer la grandeur et l'altruisme des sentiments, créer une tragédie éclairée. Les corps de soldats non morts sont éparpillés sur le champ de bataille, mais, comme dans le folklore russe, "endormis à jamais". Dans les postures et les visages stricts retenus, Vasnetsov déchu accentue l'importance et le calme majestueux. Le caractère des images pittoresques recréées par Vasnetsov correspond aussi au Laïc. Ils sont majestueux et sublimement héroïques. L'image d'un beau jeune prince, inspirée de la description de la mort du jeune prince Rostislav, résonne avec une note lyrique pénétrante dans la structure solennelle de l'image. Les strophes poétiques de la Parole sur la mort du courageux Izyaslav s'inspirent de l'image d'un héros se reposant à proximité - l'incarnation de la vaillance et de la grandeur de l'armée russe. Pour la peinture, l'artiste a utilisé tout ce qui est apparu devant lui dans le musée historique, lorsqu'il a étudié ici des armures anciennes ornées, des armes, des vêtements. Leurs formes, motifs et ornements créent de beaux motifs supplémentaires de composition décorative sur la toile de Vasnetsov, contribuant à transmettre la saveur d'un conte épique.

La toile de Vasnetsov a été présentée à la VIIIe exposition des Itinérants, et les opinions à son sujet étaient partagées. Les désaccords dans l'évaluation de l'image pour la première fois ont indiqué la différence de points de vue parmi les itinérants sur l'essence du processus artistique russe et les voies ultérieures du développement de l'art russe. Pour Repin, qui a accepté inconditionnellement la toile de Vasnetsov, c'était "une chose exceptionnellement merveilleuse, nouvelle et profondément poétique. Il n'y a jamais eu de telles choses dans l'école russe. n'ont-ils pas accepté le tableau, mais ont également vivement protesté contre son acceptation pour l'exposition. Cependant, Pavel Mikhailovich Tretiakov n'est pas passé à côté de la toile et l'a acquise pour sa galerie lors de la VIIIe exposition des Itinérants.

Viktor Vasnetsov. Sirin et Alkonost. L'oiseau de joie et l'oiseau de douleur.
1896. Huile sur toile. 133 x 250. Galerie Tretiakov, Moscou, Russie.

Alkono? St (alkonst, alkonos) - dans les légendes médiévales russes et byzantines, l'oiseau de paradis-jeune fille du dieu soleil Khors, apportant le bonheur, dans les apocryphes et les légendes, un oiseau de lumière, de tristesse et de chagrin. L'image d'Alkonost remonte au mythe grec d'Alcyone, transformé par les dieux en martin-pêcheur. Cet oiseau de paradis de conte de fées est devenu connu des monuments de la littérature russe ancienne (Paleya du XIVe siècle, livres ABC des XVIe et XVIIe siècles) et des estampes populaires.

Selon la légende du 17ème siècle, l'Alkonost reste près du paradis et lorsqu'il chante, il ne se sent pas. Alkonost console les saints avec son chant, annonçant leur vie future. Alkonost pond des œufs au bord de la mer et, les plongeant dans les profondeurs de la mer, la calme pendant 7 jours. Le chant d'Alkonost est si beau que celui qui l'entend oublie tout du monde.

Alkonost est représenté dans les estampes populaires russes comme une mi-femme, mi-oiseau avec de grandes plumes multicolores (ailes), des mains humaines et un corps. Une tête de jeune fille, ombragée par une couronne et une auréole, dans laquelle une courte inscription est parfois placée. Dans ses mains, il tient des fleurs de paradis ou un rouleau déplié avec une inscription explicative. Dans certaines descriptions d'Alkonost, la rivière Euphranius est mentionnée comme son habitat.

Il y a une légende sous l'une des gravures populaires avec son image : « Alkonost reste près du paradis, parfois cela se produit sur l'Euphrate. Quand il émet une voix en chantant, alors il ne se sent pas. Et celui qui est proche alors oubliera tout dans le monde : alors l'esprit le quitte, et l'âme quitte le corps." Seul l'oiseau Sirin peut se comparer à Alkonost en son doux.

La légende de l'oiseau Alkonost fait écho à la légende de l'oiseau Sirin et la répète même partiellement. Les origines de ces images sont à chercher dans le mythe des sirènes.

Si? Rin [du grec. monsieur?n, cf. sirène] - oiseau-vierge. Dans la poésie spirituelle russe, elle, descendant du paradis sur terre, enchante les gens en chantant, dans les légendes d'Europe occidentale, elle est l'incarnation d'une âme malheureuse. Dérivé des sirènes grecques. Dans la mythologie slave, un oiseau merveilleux, dont le chant dissipe le chagrin et le désir ; n'apparait qu'aux gens heureux. Sirin est l'un des oiseaux du paradis, même son nom même est en accord avec le nom du paradis : Iriy. Cependant, ce ne sont en aucun cas des Alkonost et Gamayun brillants. Sirin est un oiseau sombre, une force sombre, un messager du souverain des enfers.

1879. Première option. Toile, huile. 152,7 x 165,2. Galerie Tretiakov, Moscou, Russie.

En 1880-1881, Savva Mamontov commanda trois tableaux à Viktor Vasnetsov pour le bureau du conseil d'administration du chemin de fer de Donetsk. Vasnetsov a écrit "Trois princesses des enfers", "Tapis volant" et "La bataille des Scythes contre les Slaves". L'image est basée sur un conte de fées. Le tableau "Trois princesses du royaume souterrain" personnifie la richesse des entrailles du Donbass, pour lesquelles l'intrigue du conte a été légèrement modifiée - il représente la princesse du charbon. Les membres du conseil n'ont pas accepté le travail de Vasnetsov sur un thème de conte de fées comme inapproprié pour l'espace de bureau. En 1884, Vasnetsov a écrit une autre version de l'image, en modifiant légèrement la composition et la couleur. Le tableau a été acquis par le collectionneur et mécène de Kiev I.N. Terechchenko. Dans la nouvelle version, la position des mains de la princesse du charbon a changé, maintenant elles reposent le long du corps, ce qui rend la silhouette calme et digne. Dans le tableau "Trois princesses des enfers", l'un des personnages - le troisième, la plus jeune princesse - sera davantage développé en personnages féminins. La tristesse spirituelle cachée de cette fille humblement fière se retrouvera à la fois dans ses portraits et dans des images fictives.

Trois princesses des enfers.
1884. Deuxième option. Toile, huile. 173 x 295. Musée d'art russe, Kiev, Ukraine.

V.M. Vasnetsov et la tendance religieuse-nationale dans la peinture russe de la fin du XIXème au début du XXème siècle.

Viktor Mikhailovich Vasnetsov est aimé par beaucoup en tant qu'artiste d'épopées et de contes de fées russes, qui a réussi à pénétrer dans leur monde merveilleux plein de mystères. Mais peu se souviennent que Vasnetsov a exprimé son dévouement désintéressé à la patrie dans la peinture religieuse, où il a chanté la gloire de la terre russe - le gardien de l'orthodoxie.

Viktor Vasnetsov est né le 15 mai 1848 dans le village de Lopyal, province de Viatka, dans la famille d'un prêtre qui, selon l'artiste, « a versé dans nos âmes une idée vivante et indéracinable du Vivant, véritablement Dieu existant!"

Après des études au Séminaire théologique de Vyatka (1862-1867), Vasnetsov entre à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg, où il réfléchit sérieusement à la place de l'art russe dans la culture mondiale.

En 1879, Vasnetsov a rejoint le cercle de Mamontov, dont les membres ont organisé des lectures en hiver, peint et mis en scène des spectacles dans la maison de l'éminent mécène Savva Mamontov dans la rue Spasskaya-Sadovaya, et en été, ils se sont rendus dans sa propriété de campagne Abramtsevo.

À Abramtsevo, Vasnetsov a fait les premiers pas vers la direction religieuse-nationale: il a conçu une église au nom du Sauveur non fait à la main (1881-1882) et a peint un certain nombre d'icônes pour elle.

Le meilleur était l'icône de St. Serge de Radonezh n'est pas canonique, mais profondément ressenti, tiré du cœur même, image aimée et vénérée d'un humble vieil homme sage. Derrière lui s'étendent les étendues infinies de la Russie, on peut voir le monastère fondé par lui et dans les cieux - l'image de la Sainte Trinité.

En 1885, un célèbre historien et artiste, professeur à l'Université de Saint-Pétersbourg, A.V. Prakhov a invité Vasnetsov à peindre des icônes et à peindre la nef principale de la cathédrale Vladimir à Kiev. L'artiste a accepté cette commande comme une opportunité de servir Dieu et d'accomplir son devoir. Il se lance à corps perdu dans l'œuvre qu'E.G. Mamontova, l'épouse d'un philanthrope, a appelé "le chemin vers la lumière".

L'auteur du projet de peinture, Prakhov, pensait que la décoration intérieure de la cathédrale devait lui donner "le sens d'un monument de l'art russe" et incarner "l'idéal qui inspire une génération", c'est pourquoi une mission spéciale a été confiée à Vasnetsov - la création d'un nouveau tableau, qui exprime au figuré les idéaux religieux, éthiques et esthétiques de l'époque...

La place centrale dans l'œuvre de Vasnetsov appartient à l'image du Sauveur. En travaillant sur l'image du Tout-Puissant dans le dôme de la cathédrale Vladimir à Kiev, l'artiste a traité avec un soin particulier la recherche d'une forme digne de transmettre un contenu spirituel profond. Dans une lettre à E. G. Mamontova, il écrit : "... Je crois vraiment que c'est l'artiste russe qui est destiné à trouver l'image du Christ du monde."

Après avoir analysé les réalisations iconographiques des temps passés, Vasnetsov a noté la prospérité évidente des artistes russes, et a également distingué "Christ de Ravenne et Palerme", l'image "personnelle" créée par Léonard de Vinci et Titien, "complètement impersonnelle" par Raphaël et Michel-Ange et l'image du Christ dans les peintures de I. Kramskoy, N. Ge et V. Polenov appelées "folk". Vasnetsov considérait l'image du Christ créée par les AA. Ivanov.

L'œuvre de Vasnetsov a été couronnée de succès. Le visage du Tout-Puissant de Kiev est comparable aux images en mosaïque de la cathédrale Sainte-Sophie (2e moitié du 13e siècle) et de l'église du choeur (14e siècle) à Constantinople. Ils sont unis par un seul état - un calme spiritualisé, mais en général les compositions diffèrent.

La figure du Christ dans le dôme de la cathédrale de Vladimir est engloutie dans une dynamique de vortex, ce qui a donné à l'image une expressivité vive. Le mouvement général commence à l'image de nuages ​​en forme de ruban, puis se développe en spirale dans les plis de l'himation et atteint son point culminant dans les doigts fermés de la main droite du Christ. Toute expression se ramène à ce point - la bénédiction du Seigneur - le point clé de l'iconographie. Bénissant les gens du ciel, le Christ les appelle à s'engager sur le vrai chemin pour gagner la vie éternelle. L'Evangile révélé en parle avec le texte "Je suis la lumière du monde entier. Marchez sur moi, ne devez pas marcher dans les ténèbres, mais ayez la lumière de l'animal" (Jean 13-46) dans la main gauche de le sauveur. Le métropolite Hilarion croyait que l'image dans le dôme de la cathédrale de Vladimir concluait l'idée principale de l'ensemble du tableau - la diffusion de la source évangélique aux croyants.

Au début du XXe siècle. Vasnetsov a réalisé la mosaïque "Savior Not Made by Hands" pour la tombe du général Ming (amiral du grand-duc Konstantin Nikolaevich). Plus tard, l'artiste a répété cette icône sur les portes avec un beffroi menant à la cathédrale du Christ-Sauveur à Saint-Pétersbourg ("Sauveur sur les eaux") - un temple-monument aux marins morts lors de la bataille de Tsushima. Dans cette image, Vasnetsov a reflété son expérience personnelle du sort de la Russie et de son peuple. La tragédie de la guerre russo-japonaise a choqué l'artiste, et il a considéré la mort du cuirassé "Petropavlovsk" comme une catastrophe qui "peut difficilement être supportée".

La révolution de 1905 est devenue « la principale douleur et blessure de l'âme » de l'artiste. "Que Dieu pardonne nos péchés et aide notre pauvre Patrie qui souffre si durement ! Envoyez de bonnes choses aux gens ! Dieu aide ceux qui se sont égarés à reprendre la raison !" - a écrit l'artiste quelques jours après "Bloody Sunday".

Le Christ de Vasnetsov était présenté sur les épaules dans une couronne d'épines, dans une tunique rouge sang, sur fond de coucher de soleil. Son visage, marqué d'une souffrance insupportable, suggère que l'artiste a représenté un fragment de la scène de la « Crucifixion » et a montré le Seigneur au moment de sa souffrance sur la Croix. Une lampe inextinguible brûlait devant l'icône. L'image en mosaïque n'a pas survécu. En 1932, la cathédrale du Christ-Sauveur est dynamitée. Vasnetsov n'a pas vécu pour voir ce triste événement.

Les contemporains de Viktor Vasnetsov l'appelaient "le créateur de la Vierge russe". L'image de la Reine du Ciel sonne comme le leitmotiv de toute sa créativité religieuse. La première icône de la Mère de Dieu, portant l'Enfant Jésus devant elle, a été peinte par Vasnetsov pour l'église d'Abramtsevo. Déjà dans cette œuvre de petit format se dessine l'iconographie monumentale de la Sainte Vierge, à laquelle l'artiste sera fidèle jusqu'à la fin de ses jours, et que l'on peut appeler "Vasnetsovskaya". Vasnetsov l'a répété, mais à plus grande échelle, sur l'autel de la cathédrale de Vladimir.

L'iconographie de la Très Sainte Théotokos, portant le Christ enfant dans ses bras et le donnant au monde, était le résultat de la recherche créative de Vasnetsov de l'image idéale de la Mère de Dieu. L'artiste a signé l'esquisse préliminaire "La Mère de Dieu marche à travers les nuages, entourée de séraphins et de chérubins": "Quasi una fantasia" ("Comme si un seul fantasme").

L'artiste a représenté la reine du ciel sur un fond doré, marchant à travers les nuages ​​vers tous ceux qui entraient dans le temple. Avec ses deux mains Elle serre dans ses bras, comme pour protéger du mal à venir, le Fils, dans lequel se devinent les traits du fils de l'artiste Misha. Le geste de ses mains est un geste naturel des petits enfants, ouverts à un nouveau monde pour eux, tirés de la vie : un matin, la femme a porté son fils hors de la maison, et l'enfant a joyeusement tendu les bras vers la nature environnante. . Mais le visage de l'Enfant Christ n'est pas d'une gravité et d'une concentration enfantines.

Toute la figure de la Vierge est engloutie dans le même mouvement que le Tout-Puissant dans la coupole. Le correspondant du journal Moskovskie vedomosti S. Flerov a attiré l'attention sur ceci: "Si vous levez les yeux sur cette image (le Tout-Puissant. - VG) et que vous les baissez ensuite vers l'image de la Mère de Dieu, qui se trouve juste devant toi, tu vivras un sentiment étonnant : tu verras tout à coup que la Mère de Dieu se précipite tranquillement, là, vers le Sauveur...".

La Vierge est entourée de neuf angelots. Leur nombre correspond à l'heure à laquelle a eu lieu l'exécution du Christ. Ils regardent anxieusement la Sainte Vierge et l'Enfant dans ses bras, comme s'ils prévoyaient son sort.

À l'image de la Mère de Dieu, Vasnetsov a montré l'idéal national de maternité et d'intercession, "l'essence du devoir moral et l'idée d'héroïsme ... l'abnégation, qui constitue un trait populaire du caractère russe avec son idéal simplicité dans la mise en œuvre du nécessaire et du dû."

Le retable de la cathédrale de Vladimir est devenu la meilleure œuvre d'église de Vasnetsov, "un symbole de sa foi dans l'orthodoxie, en Russie, dans son renouveau". La Mère de Dieu sait que son Fils deviendra un sacrifice expiatoire pour le salut des hommes. Représentée au-dessus de l'autel de la cathédrale de Vladimir, elle amène humblement et humblement le bébé à cet autel. Après avoir enduré une angoisse sincère lors de la crucifixion, pleurant la mort du Christ, mais croyant en sa résurrection, elle est devenue une intercesseuse pour les gens. Au Jugement dernier, la Très Pure Vierge s'afflige et demande au Christ d'avoir pitié des pécheurs. Il s'agit de la représentation de la Mère de Dieu dans la composition "Le Jugement dernier" sur le mur ouest de la cathédrale de Vladimir. Ses yeux sont remplis de larmes, d'une main Elle serre la tête, l'autre touche légèrement l'épaule du Fils, essayant d'adoucir Sa colère. L'image de la Mère de Dieu, saisie d'une grande tristesse pour les gens, apporte une note lumineuse à la structure globale dramatiquement intense de l'iconographie du Jugement dernier - l'espoir de la miséricorde et du pardon du Seigneur.

Vasnetsov a réalisé trois autres images d'autel de la Mère de Dieu pour l'église russe Sainte-Marie-Madeleine égale aux apôtres à Darmstadt (1901), l'église Saint-Georges à Gus-Khrustalny (1895-1904) et la cathédrale de la Sainte Le Bienheureux Prince Alexandre Nevski à Varsovie (1904-1912). ).

Sur la mosaïque de Darmstadt, l'artiste a présenté la Très Sainte Théotokos sur un trône dans les nuages ​​avec deux anges debout devant elle, planant au-dessus d'un paysage marécageux, et dans les deux autres, il a développé ses propres compositions de l'intrigue "Réjouis-toi en toi ...".

L'un d'eux, dans la cathédrale de Varsovie, reflète le désir de Vasnetsov de glorifier l'histoire séculaire de la Russie orthodoxe. La composition de l'esquisse est étirée horizontalement et est divisée en sphères terrestre et céleste par des bandes étendues de nuages. Au centre trône la Mère de Dieu, avec l'Enfant à genoux. Sur les côtés d'Elle, dans la sphère céleste, les anges sont symétriquement représentés, et au-dessus d'Elle se trouve un temple à trois dômes. Ci-dessous sont montrés les saints orthodoxes selon leur position hiérarchique. À droite de la Mère de Dieu se trouvent des représentants de l'Église œcuménique : Constantin égal aux apôtres avec une croix et Hélène, Jean Damascène avec le texte de l'hymne, agenouillé Roman le doux auteur-compositeur, Nicolas le merveilleux, Basile le Grand, Grégoire le Théologien, Jean Chrysostome, Athanase le Grand... Derrière eux se trouvent les prophètes de l'Ancien Testament. À gauche de la Vierge Marie sont représentés des représentants de l'Église russe : l'égal des apôtres Vladimir avec une croix et Olga, Anthony et Theodosius des grottes, Sergius de Radonezh, Moscou saints Pierre, Jonas et Alexy, Cyril et Méthode, Nestor le Chroniqueur et d'autres... Derrière eux se trouvent les apôtres.

Vasnetsov a écrit à propos de la création de l'image de la Mère de Dieu avec l'enfant: "... Je n'ose pas rivaliser avec les peintres d'icônes sacrées, mais je considère qu'il est obligatoire de s'inspirer d'eux." "Tendresse" qui touche moi au plus profond de mon âme."

Dans les scènes des Saintes Écritures, l'artiste a développé sa propre ligne iconographique, basée sur la riche expérience de ses prédécesseurs. Vasnetsov a créé son propre "cycle passionné", qui comprenait: des mosaïques "La Crucifixion", "Porter la Croix", "Descente de Croix" et "Descente aux Enfers" sur la façade de l'église de la Résurrection et le maintenant perdu fresques "Prière pour la coupe" et "Portage de croix" de l'église du Sauveur sur les eaux" à Saint-Pétersbourg; tableau "Calvaire" pour l'église Saint-Georges de Gus-Khrustalny.

Dans ces compositions, Vasnetsov a fusionné des motifs de peinture d'icônes avec les techniques d'une peinture ou d'un panneau monumental. S'efforçant d'obtenir une fiabilité maximale dans la représentation des événements, l'artiste a souvent surchargé l'intrigue avec des détails narratifs, des éléments de costume et de paysage. Mais, même en tenant compte de toutes les lacunes, les œuvres de Vasnetsov attirent les gens avec leur humeur émotionnelle et la capacité du maître à transmettre le sens spirituel de l'événement qui lui est montré. Les œuvres du Cycle passionné de Vasnetsov sont polyphoniques. Ils peuvent entendre le martèlement des pas du Christ torturé et le tintement des copies romaines ("Portant la Croix"), le cri silencieux de la Mère de Dieu et les sanglots effrénés de Marie-Madeleine ("La Crucifixion"), l'exultation de les justes et le chant des anges ("La descente du Christ aux enfers").

L'iconographie du "Golgotha" n'a pas de prototypes dans la peinture russe ancienne. La composition est basée sur un remaniement créatif de la célèbre intrigue "Crucifixion". La composition "Golgotha" est pleine de personnages, chacun étant marqué d'une humeur particulière allant de la haine et de la colère au chagrin silencieux et au désespoir. Toutes les nuances de l'état d'esprit des personnes présentes au moment de l'exécution du Seigneur étaient véhiculées exclusivement par des moyens plastiques. Les mains des personnages représentés expriment plus d'émotion que leurs visages. Au centre - les bras tendus du Christ, ressemblant aux ailes d'un oiseau blessé, à côté d'une ligne brisée représente un voleur crucifié, les mains de Marie-Madeleine mollement abaissées au pied de la croix, soulevées dans un cri de colère et les poings fermés dans tourment impuissant dans la foule.

Le summum de la créativité religieuse de Vasnetsov et de l'art religieux russe de la fin du XIXe siècle. peut être considérée comme l'iconographie du « Jugement dernier ».

L'artiste a abordé le thème de la fin du monde à deux reprises - dans la cathédrale Vladimir à Kiev et dans l'église Saint-Georges de Gus-Khrustalny. En termes d'expressivité artistique, la peinture de Kiev surpasse la peinture de l'église de Gusev, pour laquelle elle était très appréciée des contemporains. Cela confirme une fois de plus l'idée que la société russe à la fin du 19e et au début du 20e siècles. avait besoin d'une nouvelle interprétation des sujets de l'Écriture Sainte, qui a été donnée par la peinture de Vasnetsov.

La composition de "Le Jugement dernier" sur le mur ouest de la cathédrale de Vladimir est équilibrée par un rapport clair de masses et de taches de couleur et a un centre clairement marqué - un nœud sémantique, qui représente un ange avec des écailles et un parchemin. Vasnetsov utilise ici sa technique préférée de division horizontale de la composition dans les sphères céleste et terrestre.

Dans la sphère céleste, sur les nuées, le Seigneur est représenté avec la croix et l'Évangile, rempli d'un formidable élan vers les pécheurs, la Mère de Dieu affligée sur Son épaule et le prophète Jean-Baptiste agenouillé. Ils sont entourés de symboles des évangélistes, des apôtres et des anges.

En bas, à droite du Christ, sont les justes, regardant vers le ciel en prière, à gauche sont les pécheurs, jetés par un ruisseau chaotique dans l'abîme de feu, d'où jaillit le Serpent. Les anges trompettistes - messagers de l'Apocalypse - sont les maillons de liaison des parties supérieure et inférieure de la composition.

Les justes qui sortent des tombeaux suivent St. Macaire d'Egypte, le fondateur du monachisme, et aspire au Christ. Vasnetsov a délibérément allongé les proportions de leur corps, comparant les bougies allumées.

Les figures des pécheurs tourbillonnent dans un tourbillon de lancer et de passion. Parmi eux, il y a des personnages en vêtements royaux et ecclésiastiques. Par ce Vasnetsov a montré l'égalité de tous devant le Jugement de Dieu. A la porte du temple, l'artiste a placé la figure de la femme vertueuse tournée vers le haut, en la contrastant avec le chaos général des pécheurs. Ici, Vasnetsov a représenté le moment de la séparation des âmes, dont l'une va aux justes, et l'ami se noie dans un tourbillon pécheur. Des mains tendues l'une vers l'autre, des visages en deuil apportent des expériences humaines universelles dans ce grand thème.

La combinaison contrastée de couleurs : bleu en haut, blanc au centre et rouge sang en bas crée une ambiance mystique. Ici, la peur, l'horreur, la tristesse incommensurable et la sainteté se confondent.

Le « Jugement dernier » de Vasnetsov a un fort impact émotionnel sur les membres de l'église. Ce n'est pas seulement un rappel de la fin prochaine du monde. La scène attire le spectateur à l'intérieur et lui fait ressentir ce qui se passe.

La peinture a été accueillie avec enthousiasme dans la société, mais Vasnetsov n'était pas satisfait de ce qu'il avait réalisé. Il réfléchit pendant de nombreuses années à la composition du tableau suivant pour le mur ouest de l'église Saint-Georges, étudiant constamment les anciens échantillons russes de "l'Apocalypse".

En 1895, commençant à travailler sur la toile, il écrit : « La composition est très complexe, elle doit être élaborée d'après les images de la « Cour » dans l'ancienne peinture d'icônes orthodoxes. Vasnetsov a refusé l'offre du client, Yu. S. Nechaev-Maltsev, de visiter à nouveau Rome pour s'inspirer de la peinture de Michel-Ange et Raphaël. Il se demanda : « Ne faut-il pas plutôt éviter de les voir, pour ne pas succomber au charme de ces grands sorciers du monde des images ? Il a réalisé 21 croquis préparatoires, choisissant l'aquarelle pour l'œuvre, avec laquelle vous pouvez obtenir les effets coloristiques d'une fresque sur papier. Vasnetsov a peint l'œuvre finale à l'huile sur toile. Dans ce document, il a essayé de reproduire le plus fidèlement l'iconographie ancienne, mais le choix de la technique de la peinture à l'huile ne lui a pas permis d'obtenir un résultat réussi.

Cette image était moins expressive que la peinture de la cathédrale de Vladimir, mais elle a également fait une "impression écrasante" sur le public. "Ce n'est pas une composition de Vasnetsov, c'est la somme des fantasmes religieux douloureusement passionnés d'artistes chrétiens de tous les temps et de tous les peuples. l'icône. Tout est mis en harmonie avec les exigences de la peinture de notre église. .. "- c'est ainsi que l'écrivain et historien PP Gnedich a décrit l'œuvre de Vasnetsov.

Une autre peinture murale, grandiose par son échelle et son design, dans la cathédrale de Vladimir mérite l'attention - "Le Fils unique de la Parole de Dieu" sur la voûte. L'idée principale de l'intrigue est l'expiation des péchés humains par Jésus-Christ et la victoire du Seigneur sur la mort, sur laquelle Vasnetsov a concentré son attention.

La crucifixion est devenue la pièce maîtresse de sa composition. Vasnetsov a présenté le Christ au moment de la mort, entouré d'anges, couvrant son corps d'ailes. Deux anges soutiennent la croix, essayant en vain de soulager les souffrances du Seigneur. L'arrière-plan est une lueur rouge sang dans le ciel après l'éclipse.

La scène suivant la Crucifixion au-dessus du chœur de la cathédrale représente le Verbe Dieu à l'image d'Emmanuel, assis sur les nuages ​​avec une croix et un rouleau à la main, entouré d'un tétramorphe. Les paroles de la prière "Le Fils unique, la Parole de Dieu..." sont inscrites sur le rouleau. Au lieu d'une mandorle autour du Christ, Vasnetsov a représenté un disque du soleil levant, d'où émane la lumière. Cela donne le sentiment que le tableau est illuminé de l'intérieur par les faveurs, la lumière divine.

De l'autre côté de la "Crucifixion", Vasnetsov a développé l'iconographie "Dieu des hôtes". Il s'est tourné vers elle à deux reprises - dans la cathédrale de Vladimir et dans la cathédrale Alexandre Nevski de Varsovie.

Sur la voûte de la cathédrale de Vladimir, Vasnetsov a présenté Dieu le Père assis sur un arc-en-ciel dans l'espace universel, entouré de séraphins de feu et d'anges. Le Saint-Esprit est représenté dans une boule dorée sur sa poitrine. Savaof Vasnetsov est sage, sévère et triste. Les séraphins se prosternent devant Lui avec révérence, les anges se prosternent devant Lui. Il est le Créateur du monde, qui a donné sa création aux hommes et voit sa souillure. Afin de sauver les gens qui ont péché contre lui, il envoie son Fils en sacrifice expiatoire avec un amour et une tristesse illimités pour lui. C'est ainsi que Dieu le Père est représenté sur la voûte du temple de Kiev.

Cette image, avec des modifications mineures, a été répétée dans l'intrigue "Le Seigneur de la Trinité lui-même en personne" dans la cathédrale de Varsovie. Le tableau a été perdu, mais le carton préparatoire a été conservé. L'image est inscrite dans un cercle formé par les ailes tissées des séraphins, à gauche et à droite sur lesquelles tombent les séraphins de feu et noirs. Une foule d'hôtes aux cheveux gris vêtus de robes blanches flottantes est assis sur un arc-en-ciel et bénit à la manière de l'évêque - avec les deux mains. Autour de sa tête se trouve un halo octogonal, caractéristique de la première hypostase de la Trinité. Sur le genou gauche de Dieu le Père est assis le jeune Christ dans une tunique dorée et un himation avec un évangile ouvert dans ses mains. Lui, comme auparavant, est doté des traits du portrait du fils de l'artiste. À côté de lui, dans une boule, le Saint-Esprit est représenté sous la forme d'une colombe.

Contrairement à la représentation de Dieu le Père dans la cathédrale de Vladimir, l'image de Varsovie est dotée de sévérité et d'ascétisme, ce qui la rapproche des versions anciennes.

Les images de saints occupent une place particulière dans l'œuvre religieuse de Vasnetsov. L'artiste a développé de nombreuses iconographies, mais les saints russes ont réussi le mieux.

"Dans ces images - toute la Russie antique, tout le symbolisme religieux de son histoire: l'évêque, la sainte princesse, le moine-chroniqueur solitaire et le prince héritier des Varègues ..." - a écrit sur les œuvres de Vasnetsov par son art contemporain critique S. Makovsky.

L'hôte d'ascètes, de nobles princes, de saints et de saints créés à l'intérieur de la cathédrale de Vladimir est devenu une sorte d'hymne à l'ensemble du monde chrétien et à son centre - la Russie orthodoxe. Si la décoration d'une église médiévale était appelée par les chercheurs "la bible des analphabètes", alors la peinture de l'église de Vasnetsov peut à juste titre être appelée "une encyclopédie de l'ascétisme", et l'artiste lui-même - le créateur de la galerie de la sainteté russe.

Les œuvres de Vasnetsov montrent le saint et l'époque à laquelle il a vécu. Contrairement à l'hagiographie canonique, dans laquelle sont enregistrés des épisodes individuels, les icônes de Vasnetsov traduisent l'esprit du temps. L'artiste a délibérément mis l'accent sur le transfert de temps et de lieu d'action, car il souhaitait que sa peinture glorifie l'exploit "Pour la foi, le tsar et la patrie", accompli dans la Sainte Russie. Les images des saints saints reflétaient l'attitude religieuse et patriotique de la majorité de la société russe. Ici, la direction religieuse-nationale proposée par Vasnetsov était pleinement incarnée.

En écrivant des icônes, Vasnetsov s'est inspiré de la littérature hagiographique et des descriptions documentaires. Exécuté par lui sur le pilier de la cathédrale de Vladimir, l'image de St. Alipy, le peintre d'icônes de Kiev-Petchersk, correspond pleinement à l'original de la peinture d'icônes du XVIIIe siècle, mais pour une meilleure reconnaissance, Vasnetsov a introduit des détails narratifs supplémentaires dans l'iconographie. Il a représenté le saint dans un atelier de peinture d'icônes et a placé des pots de peinture à ses pieds.

Ces techniques, qui sont aussi caractéristiques d'autres matières, sont devenues décisives dans la reconnaissance des saints. Nestor le Chroniqueur est représenté en train d'écrire dans sa cellule à la fenêtre ouverte, derrière laquelle s'étend un paysage avec des tours de la ville et des églises. Procope pour l'amour du Christ, le saint fou est présenté dans le contexte d'un terrible nuage suspendu au-dessus de Veliky Ustyug, et l'éclaireur du Vyatichi Kuksha est représenté avec une croix et un évangile ouvert dans ses mains, indiquant son travail de prédication dans la patrie de Vasnetsov en Viatka.

Vasnetsov a doté certains des saints de traits de portrait de ses contemporains (par exemple, le prince Vladimir dans Le Baptême de Rus et Le Baptême de Vladimir rappelle Vladimir Soloviev, un célèbre philosophe et poète au tournant des XIXe et XXe siècles). Cette tendance était caractéristique du tournant des XIXe et XXe siècles, lorsque le portrait est devenu une sorte d'icône d'une personne spécifique et que l'icône, au contraire, est devenue le portrait d'un saint. Mais les images de saints, interprétées par Vasnetsov, ne peuvent toujours pas être attribuées à de telles icônes. L'artiste a plutôt suivi le concept de "l'idéal-type sacré" auquel "le peuple russe a exprimé ses conceptions de la dignité humaine" et auquel "avec la prière, il s'est adressé en tant que modèles et leaders dans sa vie".

Les icônes de Vasnetsov ont trouvé l'expression de la chaleur ("Procope Ustyuzhsky", "Serge de Radonezh"), de la sagesse spirituelle ("Nestor le chroniqueur", "Alipy le peintre d'icônes"), du courage et de la persévérance ("Andrey Bogolyubsky", "Princesse Olga") , qualités, typiques des saints russes. Pour rehausser la monumentalité de la composition, l'artiste a pratiquement abandonné les images de tête et de taille et a présenté des figures en hauteur avec une ligne d'horizon extrêmement basse.

Les œuvres de Vasnetsov regorgent de nombreux détails narratifs (livres avec signets aux pieds de Nestor le chroniqueur, petites béquilles de Procope Ustyug, chapelet et bougie dans les mains de saint Evdokia, toutes sortes d'ornements). Les motifs décoratifs nationaux sont présents même dans les œuvres où ils ne sont pas du tout appropriés. Par exemple, dans l'iconostase centrale de la cathédrale de Vladimir, Marie-Madeleine est représentée sur fond d'architecture épique. De toute évidence, l'enthousiasme de Vasnetsov pour l'art populaire a affecté ici. Élevé dans les traditions russes primordiales, l'artiste s'est imprégné de tout son cœur de l'art populaire. C'est ce qui l'a inspiré à représenter des images épiques de saints, véritables piliers de la foi orthodoxe.

La peinture religieuse de Vasnetsov était très appréciée de ses contemporains. L'artiste lui-même était modeste et ne parlait pas de ses mérites. Aujourd'hui, peu de gens savent qu'en 1896, pour avoir peint la cathédrale de Vladimir, il a reçu l'Ordre de Saint-Prince Vladimir, égal aux apôtres, 4e degré.

Le 13 juin 1912, Vasnetsov a été élevé à la noblesse héréditaire pour son travail dans l'église de Varsovie et le 31 décembre 1913, l'empereur Nicolas II a accordé à l'artiste le rang de véritable conseiller d'État en dehors de l'ordre du service.

Le début de la Première Guerre mondiale est accueilli par l'artiste avec beaucoup d'enthousiasme. Il se sentit personnellement responsable du sort de la Russie et décida de transférer le loyer annuel de 1 500 roubles que lui avait attribué l'empereur aux besoins des soldats blessés. "Peu importe de quoi je parle, peu importe ce que je pense, mais dans mon âme il y a tout le temps une grande pensée dure inoubliable - la guerre!" - a écrit Vasnetsov.

En 1914, il participe à une exposition organisée par le Comité "L'artiste aux camarades soldats" dirigé par son frère Apollinaire Vasnetsov. Il a présenté le dessin "Le chevalier", exécuté par lui pour la soirée de l'Union panrusse Zemstvo d'assistance aux blessés, et l'affiche-photo "Le combat d'Ivan Tsarévitch avec le serpent de mer", écrit pour le bazar de la ville pour aider les blessés. L'image du glorieux chevalier Ivan Tsarevich, combattant courageusement le méchant détesté, a eu un fort impact sur les personnes qui se sont levées pour défendre la patrie, car elle a donné un exemple frappant d'histoire épique, un exemple de courage, de force et de droiture.

La Révolution d'Octobre de 1917 a apporté de grands changements dans la vie de l'artiste. Vasnetsov n'a pas accepté le nouveau système politique et l'a appelé « social-Pugachevisme ».

Dans les années post-révolutionnaires, il a vécu à Moscou dans sa maison de la ruelle Troitsky (aujourd'hui Vasnetsovsky), qu'il a personnellement conçue en 1893-1894. Selon la remarque pertinente de F. I. Shalyapine, la maison de Vasnetsov était "un croisement entre une hutte paysanne moderne et un ancien manoir princier".

Ici, menant une vie tranquille, l'artiste a continué à écrire des histoires fabuleuses. Le monde magique du conte de fées russe a égayé les dernières années de Vasnetsov et il s'est entièrement consacré à son art bien-aimé.

Tout au long de sa carrière, l'artiste s'est tourné vers les images légendaires et héroïques des légendes russes, qu'il s'agisse de peintures, d'illustrations, de costumes ou de décors. Le thème de l'épopée féerique de la Russie sonne comme un leitmotiv de l'œuvre de Vasnetsov, tandis que le travail dans les églises est devenu « l'œuvre de toute une vie ».

Le 23 juillet 1926, Viktor Mikhailovich Vasnetsov est décédé subitement. Peu de temps avant sa mort, l'artiste a peint une croix avec un crucifix pour l'église d'Adrien et Natalia, dont il était paroissien.

Tout au long de sa vie, l'artiste Vasnetsov brûla d'un seul désir - incarner "l'esprit original russe" dans ses œuvres, quel que soit leur genre. Pour cela, il a souvent délibérément dérogé aux règles et aux canons.

Vasnetsov rêvait de réunir l'intelligentsia et les gens qui ne se comprenaient pas sous les arcades de l'église, construite et décorée à la gloire de la foi orthodoxe et de l'histoire russe. Ce rêve l'a amené à créer un courant religieux et national unique, qui reflétait graphiquement les aspirations esthétiques, éthiques et théologiques de la société russe à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. De nature éclectique, la nouvelle tendance était basée sur l'héritage national, mais s'exprimait exclusivement sous une nouvelle forme, dont la caractéristique principale était la beauté.

Les œuvres de l'église de Vasnetsov sont devenues un exemple de la décoration pittoresque des églises orthodoxes de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, car elles reflétaient non seulement l'enseignement de l'Église orthodoxe sur le Seigneur, mais aussi les croyances des croyants à propos de la Russie avec son histoire héroïque et sa culture unique, imprégnées de la lumière de la vraie foi.

Victoria Olegovna Gusakova,
Chef du cycle culturel et artistique du corps de missiles et d'artillerie des cadets de Saint-Pétersbourg,
Doctorat en histoire des arts.

Titre du tableau : "Alyonushka"

Toile, huile.
Taille : 173 × 121 cm

Une brève histoire de la création

Description et analyse

Peinture "Alyonushka" V. Vasnetsov

Artiste : Viktor Mikhaïlovitch Vasnetsov
Titre du tableau : "Alyonushka"
Le tableau a été écrit : 1880 - 1881.
Toile, huile.
Taille : 173 × 121 cm

Alyonushka, fatiguée de la recherche infructueuse de son frère, est assise dans une position solitaire sur une grosse pierre près d'un étang sombre, inclinant la tête vers les genoux. Les pensées anxieuses à propos de son frère Ivanushka ne la quittent pas. Alyonushka est en deuil - elle ne pouvait pas suivre son frère - et avec elle la nature environnante ...

Une brève histoire de la création

L'idée du tableau "Alyonushka" a été inspirée par l'image lyrique du même nom du célèbre conte de fées russe "About Sister Alyonushka and Her Brother Ivanushka". Le prototype du tableau était une vraie fille que l'artiste a rencontrée lors de son séjour au domaine d'Akhtyrka à l'été 1880. Dans une fille au hasard, l'artiste a vu, dans ses mots, une mer de nostalgie, de solitude et une sorte de tristesse purement russe. À partir d'elle, le premier croquis a été réalisé et presque immédiatement Vasnetsov a décidé lui-même du concept de la future image. Malgré l'intrigue simple, "Alyonushka" a une histoire intéressante.

L'artiste a commencé à travailler sur la peinture en 1880. Jusqu'à présent, il existe plusieurs croquis réalisés par lui au cours de cette période qui a précédé l'écriture de "Alenushka": "L'étang à Akhtyrka", "Alenushkin Pond", "Sedge". Vasnetsov a également fait plusieurs croquis préliminaires d'une fille assise sur une pierre en peinture. Le maître a admis qu'en écrivant le personnage principal sur la toile principale, il avait scruté les traits du visage de Verusha Mamontova, la fille du célèbre philanthrope moscovite Savva Mamontov. Le tableau lui-même a été achevé à l'hiver 1881, après quoi l'auteur l'a envoyé à l'exposition des artistes itinérants, qui s'est tenue à Moscou.

Initialement, la photo a reçu le nom de "Fool Alyonushka". Selon certaines sources, le mot "fou" à cette époque était appelé orphelins ou saints fous. L'artiste n'a pas immédiatement mentionné que la peinture avait une intrigue fabuleuse. On sait également que Vasnetsov l'a corrigé et affiné à plusieurs reprises. Les experts ont pris des radiographies de la peinture, ce qui a permis d'établir - le visage, le cou, l'épaule de la fille, ainsi que la palette de couleurs de la peinture dans son ensemble, ont été repensés. Apparemment, dans la première version, "Alyonushka" a suscité de nombreuses critiques de la part des amis et collègues de l'artiste. À l'heure actuelle, le tableau est conservé dans la galerie Tretiakov, mais lors de la première exposition à laquelle il a été présenté, Tretiakov, malgré tous les efforts de Vasnetsov, n'a pas honoré Alenushka de son attention et le tableau a été acheté par AI Mamontov pour cinq cent roubles.

Description et analyse

La peinture "Alyonushka" est l'une des peintures les plus populaires du maître, écrite sur la base du conte populaire russe. Une jeune fille assise sur une pierre au bord d'une rivière envahie attire par sa beauté naturelle simple. Des sentiments profonds se lisent dans ses yeux tristes - de la tristesse et en même temps le rêve d'un moment heureux qui viendra un jour, des rêves de fille et le désir ardent de son jeune frère. L'artiste a réussi à transmettre magistralement l'ambiance générale triste et apaisée de l'image, qui est renforcée par des images de la nature - des arbres immobiles, des nuages ​​flottant lentement au-dessus de la tête.

Dans le tableau "Alyonushka", le maître reflète parfaitement la relation étroite d'un simple Russe avec la nature environnante. Il semble que la nature soit aussi attristée que la jeune fille elle-même représentée sur la toile. Pas un seul fragment de l'image ne distrait le spectateur de l'intrigue principale, mais, au contraire, la renforce et la souligne. Chaque détail de l'image est suggestif.

Le peuple russe et les écrivains russes ont écrit de nombreux contes de fées, transmis de génération en génération. Le mérite de Vasnetsov réside dans le fait qu'il a réussi à créer des images artistiques convaincantes remplies d'un véritable esprit national russe à travers des moyens picturaux.

Travaillant sur l'intrigue de l'image, Vasnetsov a décidé de placer une jeune fille sans défense dans un endroit vraiment mauvais. Apparemment, l'auteur a cherché de cette manière à provoquer un pincement constant dans le cœur du public. L'artiste a utilisé avec succès une intrigue de conte de fées pour révéler pleinement le personnage russe ambigu et complexe. Malgré le jeune âge de l'héroïne, elle éprouve une véritable tristesse d'adulte. L'apparence d'une fille aux cheveux roux négligés, aux yeux noirs et à la bouche écarlate charnue trahit en elle un enfant au destin difficile.

En fait, il n'y a rien de fabuleux et de fantastique dans l'apparence d'Alyonushka, et toute la fabuleuse intrigue est soulignée par le seul détail de la composition - un groupe d'hirondelles assises au-dessus de la tête de la fille. On sait que les hirondelles ont longtemps été un symbole d'espoir. Vasnetsov a profité de cette technique inhabituelle, souhaitant équilibrer l'image mélancolique du personnage principal et apporter l'espoir d'une fin heureuse au conte de fées russe.

L'artiste a habilement rempli le paysage général du tableau d'une atmosphère de tristesse et de silence. Il a parfaitement réussi à représenter la surface gelée de l'eau de l'étang, le carex et les épicéas immobiles. Silence, calme - même l'étang reflète le personnage principal à peine, très délicatement. Les jeunes arbres tremblent légèrement, le ciel est légèrement renfrogné. Les tons vert foncé du paysage environnant contrastent avec le rougissement délicat du visage de la fille et la tristesse automnale - avec des couleurs vives sur la robe d'été délabrée d'Alyonushka. Selon les légendes populaires, la nature prend vie à la fin de la journée et acquiert la capacité magique de se sentir en phase avec une personne. Cette capacité unique de vivre en résonance avec la nature était inhérente à l'artiste lui-même. Par conséquent, sur la photo, les sentiments d'Alyonushka sont si cohérents avec l'état de la forêt environnante. Le spectateur, scrutant l'image, a le sentiment que dans un instant le conte de fées va continuer ...

L'image lyrique d'une simple fille russe au regard triste a incité Vasnetsov à peindre un tableau d'où respire l'esprit russe d'origine. Cette œuvre du célèbre peintre se distingue par son âme et sa simplicité particulières.

En 2013, le moteur de recherche Google, en l'honneur de l'anniversaire de l'artiste, a changé le logo habituel de sa page d'accueil en un doodle basé sur l'intrigue d'Alyonushka. Les buissons à l'arrière-plan du logo ont été redessinés pour former le nom de l'entreprise.

Matériel pour la préparation et le déroulement de l'événement.

1. Reproductions du tableau de V.М. Vasnetsova: "Alyonushka" et des croquis pour elle - l'étude "Sitting Girl" (1880) et "Pond in Akhtyrka" (1880).

2. Littérature.

Maîtres de la peinture. Viktor Vasnetsov. - M. : Ville blanche, 1999 ;

E.I. Kirichenko.à la russe. - M. : Galart, 1997.

Dictionnaire encyclopédique biologique. - M. : Encyclopédie soviétique, 1986.

La vie des animaux. T.6. Des oiseaux. - M. : Éducation, 1989.

Faune du monde. T.2. Des oiseaux. - M. : Agropromizdat, 1991.

Plantes et animaux. Un guide du naturaliste. - M. : Mir, 1991.

Alain Pease. Le langage du corps. - Nijni Novgorod.: IQ, 1992.

DÉROULEMENT DE L'ÉVÉNEMENT

1. Attitude

Une mélodie folklorique russe chante. Le professeur lit de la poésie.

Une fille s'assit au bord d'un étang,
La tresse est lâche, la robe est arrachée,
La pierre froide gèle les pieds nus
La tête tombait sur les mains des enfants...

Quel malheur lui est arrivé ?
Ou la méchante belle-mère est partie la nuit à la recherche?
Ou j'ai perdu mon frère agité -
J'ai couru longtemps dans la forêt, j'ai crié,
Je me suis assis pour me reposer, mais je ne peux pas me lever -
Le deuil est dur, ne permet pas de monter.

Et la forêt se tut. Les oiseaux se sont tus
Le tremble a cessé de trembler,
L'eau a gelé - pas de cercles, pas de son,
Tout est gardé par la paix d'Alyonushka.

2. Mot d'introduction du professeur

Les gars, c'est une peinture du célèbre artiste russe Viktor Mikhailovich Vasnetsov. Vous connaissez bien ses peintures - "Heroes", "Après le massacre d'Igor Svyatoslavovich avec les Polovtsy", "Ivan Tsarevich sur le loup gris" et d'autres. Il n'était pas seulement parmi les premiers artistes qui se sont tournés vers les sujets du folklore russe. Il a été le premier des maîtres de l'art du chevalet qui a réussi à transmettre des histoires épiques et de contes de fées dans un esprit correspondant aux caractéristiques artistiques des contes de fées et des épopées.
Mais aujourd'hui, nous allons nous tourner vers l'œuvre qui reflétait le plus fortement la croyance dans les effets bénéfiques et transformateurs de l'art et de la beauté. C'est "Alyonushka".
À l'été 1880, Viktor Mikhailovich a vécu dans le village d'Akhtyrka, à quelques kilomètres d'Abramtsevo, où il a commencé à peindre des croquis. Bientôt, un croquis à l'huile apparaît - une paysanne aux pieds nus, recroquevillée en boule, est assise sur une pierre au bord de l'eau. Derrière elle se trouve une tache sombre de la forêt. Ainsi, la grande image de Vasnetsov est progressivement née. L'artiste a élaboré avec soin et sans hâte l'idée initiale, sans en changer l'essentiel: l'image d'Alyonushka, qui est apparue dans son imagination bien avant la fin de l'œuvre.
L'été suivant, 1881, après de nombreux croquis et esquisses de V.M. Vasnetsov a commencé à travailler sur l'une de ses œuvres lyriques les plus émouvantes et les plus sincères. Il termina le tableau à l'hiver 1881 à Moscou et l'envoya à la prochaine exposition itinérante. "Pour exprimer l'âme si profondément, pour représenter le type si poétiquement - cela nécessite le talent de l'artiste", ont écrit les critiques à propos de l'image. Mais personne n'a remarqué cette nouveauté que Vasnetsov a introduite dans l'art russe en créant "Alyonushka".

3. Énoncé du problème

Essayons ensemble de répondre à la question : quelle découverte l'artiste a-t-il fait en peignant la toile ?

4. Organisation du travail en groupe

La classe est divisée en groupes : « Écologistes », « Ornithologues », « Peintres », « Psychologues ». Chaque groupe reçoit une tâche spécifique sur des cartes (voir ci-dessous) et commence à travailler.

5. Discussion des résultats des travaux

Discours des "Ecologues"

(Lors de la réalisation de la tâche, ils ont été invités à utiliser le livre Plantes et animaux. Guide du naturaliste", p. 57, 64, 66.)

Des questions

1. Quelles biocénoses sont représentées sur l'image ? ( Marais, étang, forêt d'épicéas en arrière-plan.)

2. Pourquoi un étang, pas une rivière, un ruisseau ? ( Eau stagnante - pas de mouvement, tristesse, désespoir.)

3. Quelles plantes sont représentées dans le tableau "Alyonushka" ? ( Quenouilles à feuilles étroites, carex panicule, queue commune (pin d'eau), tremble, épinette.)

4. Quelles plantes sont représentées dans le croquis "L'étang d'Akhtyrka" ? ( Bouleaux, dans l'eau - un nénuphar blanc.)

5. Pourquoi l'artiste a-t-il remplacé certaines plantes dans le tableau principal ? ( Le bouleau est un symbole de lumière, de bonté, d'espoir, le tremble est un symbole de chagrin, de chagrin, les feuilles tremblantes sont la peur, l'excitation; les fleurs de nénuphar blanc ont également inspiré l'espoir. Les sapins sombres sont le symbole d'une catastrophe imminente.)

6. Les arbres du tableau sont-ils jeunes ou vieux ? Pourquoi? ( Jeune, le même qu'Alyonushka.)

7. Quelle saison? ( Le début de l'automne - les trembles ont commencé à jaunir.)

8. A quelle heure de la journée ? ( Très probablement le soir. Le soleil est à peine visible.)

9. Quel temps fait-il? ( Principalement nuageux. Triste.)

Sortir. La nature aspire avec Alyonushka, ajoutant à l'image "l'humeur de la tristesse frémissante". L'eau est sombre, stagnante - il n'y a aucun mouvement. Les fourrés de carex dans l'eau sombre semblent protéger Alyonushka d'un faux pas. Les jeunes épicéas qui la gardaient, les sentinelles debout derrière elle. Comme il est chanté dans une chanson folklorique : « Le deuil me suit, après il menace : « Je vais abattre, abattre toutes les forêts sombres, et je vous retrouverai, misérable !

Discours des "Ornithologues"

(On leur a demandé de répondre à la question : « Quel genre d'oiseaux l'artiste a-t-il représenté sur la photo ? Pourquoi pensez-vous? ")

Des questions

1. Quel genre d'hirondelles est représenté sur la photo ? Utilisez le Dictionnaire encyclopédique biologique, p. 312, article "Avaler". ( À en juger par le corps allongé, la longue queue fourchue, les longues ailes pointues, le plumage sombre de la face dorsale et l'abdomen blanc, la photo montre une hirondelle rustique ou un épaulard.)

2. L'artiste a-t-il eu raison de représenter un oiseau des grands espaces à l'orée d'une forêt à côté d'un réservoir ? Utilisez la "Faune du monde. Oiseaux", p. 225, article "Famille hirondelle". ( « Les hirondelles habitent des espaces ouverts près des réservoirs d'eau douce - vallées fluviales, rives de lacs, lisières de forêts... Les hirondelles volent merveilleusement bien, elles passent une partie importante de leur vie dans les airs. Ils descendent au sol à contrecœur, préférant s'asseoir sur des branches d'arbres, des toits d'immeubles, des câbles… « Oui, les hirondelles peuvent se trouver sur un arbre à côté d'un réservoir d'eau douce.)

3. Combien d'hirondelles sont représentées sur l'image ? Pourquoi pensez-vous? Est-il possible de déterminer la période de l'année par les oiseaux? Utilisez le livre Vie animale. Oiseaux", p. 374, article "Famille hirondelle". ( « Les hirondelles sont des oiseaux sociaux. Dans les parties nord de l'aire de nidification, le nid contient une couvée, généralement de 4 à 6 œufs. Après avoir quitté le nid, les parents nourrissent les poussins pendant plusieurs jours. Ensuite, les jeunes oiseaux devenus indépendants se rassemblent en grands groupes et, à la recherche de nourriture, volent le long des prairies riveraines, des rives des lacs et des marécages. En septembre, le nombre d'hirondelles augmente dans les troupeaux individuels à un millier ou plus, et elles commencent à voler vers les aires d'hivernage. " Le tableau représente une famille d'hirondelles peu après avoir quitté le nid. La saison est à la fin de l'été, mais pas encore en septembre.)

4. Regardez de plus près les hirondelles sur la photo. Que pouvez-vous dire sur la composition de ce groupe ? ( Sur les six oiseaux, l'artiste en a représenté quatre en train de se détourner. Habituellement, les hirondelles gazouillent agréablement, virevoltant, ici elles dorment très probablement. Avec leur silence, les oiseaux soulignent la tristesse d'Alyonushka.)

5. Pourquoi les hirondelles, et pas les moineaux, les corbeaux, etc. ? Utilisez le dictionnaire de V. Dahl, peut-être qu'il vous aidera. ( Ce n'est pas par hasard que l'artiste a choisi les hirondelles pour montrer la tristesse de la jeune fille. "Swallow" - si affectueusement adressé à la fille en Russie. Le symbolisme dans le choix de l'oiseau noir et blanc est également visible. Devinettes sur l'hirondelle : "Le blanc c'est le mariage, le noir c'est la tristesse." "La lumière est blanche, mais les gens sont noirs."

Performance de "Peintres"

Des questions

1. Quelle couleur l'artiste a-t-il choisie pour le tableau ? ( Toutes les nuances de vert, à prédominance sombre.)

2. Pourquoi pensez-vous? ( Le vert est la couleur du calme et de la tranquillité.)

3. Comment l'artiste s'est-il concentré sur Alyonushka ? ( Placé la fille au premier plan; a mis en évidence un endroit plus lumineux d'une robe d'été.)

4. Quelle est la composition générale du tableau ? ( Premier plan - Alyonushka et un étang, arrière-plan - une tache sombre de la forêt et un ciel gris.)

5. Comparez les croquis pour la peinture et la version finale. Qu'est ce qui a changé? ( Sur le croquis - un croquis d'une fille assise - on ne voit pas le ciel. Sur la photo, il est apparu, symbolisant une lueur d'espoir. Le croquis montre une palette de couleurs différente dans les vêtements de la fille - une robe violet foncé, sur la photo la robe d'été se démarque avec une tache plus lumineuse.)

Sortir. Dans la palette de couleurs argentées et fumées de l'image, un air triste se fait entendre: "Ahti chagrin, nostalgie, grand chagrin." Mais le ciel lumineux derrière la forêt sombre inspire l'espoir d'un avenir radieux.

Discours de "Psychologues"

(Lors de la réalisation du devoir, il leur a été demandé d'utiliser le livre d'Allan Pisa "Body Language", page 104.)

Des questions

1. Pourquoi le tableau représente-t-il une fille (et non une femme, un homme) ? ( Les enfants évoquent un sentiment naturel de pitié. Les hommes n'ont pas tendance à montrer de la tristesse et du chagrin, c'est le lot des femmes.)

2. Faites attention à la pose de la fille. Pourquoi est-elle assise ? Essayez d'analyser l'inclinaison de la tête, le regard, la position des bras, des jambes, la coiffure. ( La tête baissée dans les mains, les cheveux dénoués - une expression de chagrin. Des cheveux, pour ainsi dire, isolés du monde environnant. Mains croisées sur les genoux - barrières pour les mains, couvre également de tout le monde.)

3. Faites attention aux vêtements. Que pouvez-vous dire d'elle à propos d'Alyonushka ? ( Les vêtements sont vieux et déchirés. La manche est déchirée, l'ourlet de la robe d'été. La fille est très pauvre et paresseuse - elle ne peut pas coudre une manche.)

4. Comparez le croquis du tableau ("Étude d'une fille assise") et "Alyonushka". Qu'est ce qui a changé? ( Dans le croquis, la fille regarde directement le spectateur et sur la photo - dans l'eau, immergée en elle-même. Sur le croquis, la fille a une robe bleu foncé presque neuve, sur la photo les vêtements sont très usés. Dans le croquis, une fille est assise dans une prairie entourée d'herbe verte brillante et de fleurs blanchissant ici et là, sur la photo il n'y a qu'une surface sombre d'un étang.)

5. Pourquoi l'artiste a-t-il apporté ces modifications à la peinture ? ( Souligner le chagrin de la jeune fille, susciter la pitié et la compassion du spectateur pour elle.)

Sortir. Une fille, des arbres, des oiseaux sur une branche sont tristes ensemble, se fondant dans un conte de fées calme et pensif. La personnification de la part féminine russe, et peut-être la Russie elle-même.

6. Conclusions

Viktor Mikhailovich Vasnetsov a révélé le lien le plus subtil entre les expériences humaines et l'état de la nature, qui est superbement véhiculé dans la poésie populaire. La nature de l'image aspire avec Alyonushka, ajoutant à la toile "l'ambiance de la tristesse frémissante". Une telle image artistique et poétique était nouvelle pour la peinture russe.

Aujourd'hui, dans la leçon, nous avons fait une découverte : quelle connaissance approfondie dans le domaine de la biologie, de l'écologie, de la psychologie, de la peinture un artiste doit avoir eu pour créer ce chef-d'œuvre !

7. Affectation à la maison

Essayez d'écrire un court essai sur la peinture.

"Les légendes de l'antiquité profonde" ont pris vie grâce au pinceau de Viktor Vasnetsov. Bogatyrs et princesses ont dépassé les limites des livres et des illustrations. L'artiste a grandi dans la nature sauvage des forêts de l'Oural sur des contes de fées russes qui résonnaient au crépitement d'une torche. Et étant déjà à Saint-Pétersbourg, il n'a pas oublié ses souvenirs d'enfance et a transféré ces histoires magiques sur la toile. Nous considérons des toiles fabuleuses avec Natalia Letnikova.

Alyonushka

Fille aux cheveux simples aux pieds nus sur la rive d'une rivière forestière. Avec une tristesse inexprimable, il regarde dans une piscine profonde. La triste image a été inspirée par l'histoire de la sœur Alyonushka et du frère Ivanushka, et il a dessiné un orphelin d'une paysanne du domaine Akhtyrka, ajoutant, comme il l'a lui-même admis, les traits de Verusha Mamontova, la fille d'un célèbre patron de Moscou de arts. La nature fait écho au chagrin de la jeune fille, se mêlant à la poésie des contes populaires.

Ivan Tsarévitch sur le loup gris

Forêt sombre et sombre. Et un loup gris, tout à fait attendu pour un tel fourré. Seulement au lieu d'un sourire diabolique, le prédateur a des yeux humains, et dessus il y a deux cavaliers. Alert Ivanushka tient soigneusement Elena la Belle, résignée au destin. Nous reconnaissons non seulement l'intrigue du conte de fées russe, mais aussi l'image de la fille. L'artiste a doté l'héroïne de conte de fées de véritables caractéristiques - la nièce de Savva Mamontov, Natalia.

V.M. Vasnetsov. Alyonushka. 1881 g.

V.M. Vasnetsov. Ivan Tsarevich sur le loup gris. 1889 g.

Bogatyrs

Viktor Vasnetsov. Héros. 1898

Vasnetsov a consacré 20 ans de sa vie à l'un des tableaux les plus célèbres de la peinture russe. "Bogatyrs" est devenu le tableau le plus ambitieux de l'artiste. La taille de la toile est de près de 3 sur 4,5 mètres. Les Bogatyrs sont une image collective. Ilya, par exemple, est le paysan Ivan Petrov, le forgeron d'Abramtsevo et le cocher du pont de Crimée. La peinture est basée sur les sentiments d'enfance de l'auteur. « Alors c'est venu devant mes yeux : les collines, l'espace, les héros. Un merveilleux rêve d'enfance."

Un chant de joie et de tristesse

Viktor Vasnetsov. Sirin et Alkonost. Un chant de joie et de tristesse. 1896

Alkonost et Sirine. Deux demi-oiseaux avec des promesses fantomatiques d'un paradis sans nuages ​​dans le futur et avec des regrets pour le paradis perdu. Vasnetsov a embelli les oiseaux asexués, donnant aux créatures mythiques de beaux visages féminins et de riches couronnes. Le chant du Sirin est si triste que les feuilles de l'arbre séculaire sont devenues noires, le délice de l'Alkonost peut vous faire tout oublier... si vous vous attardez sur la photo.

tapis magique

Viktor Vasnetsov. Tapis magique. 1880

Peinture pour l'Office des chemins de fer. Pas un train ni même une troïka postale. Tapis magique. C'est ainsi que Viktor Vasnetsov a répondu à la demande de Savva Mamontov de dresser un tableau pour un nouveau projet de l'industriel. La fabuleuse machine volante, symbole de victoire sur l'espace, a intrigué les administrateurs et inspiré l'artiste lui-même. Mamontov a acquis le tableau et Vasnetsov a découvert un nouveau monde pour lui-même. Dans lequel il n'y a pas de place pour l'ordinaire.

Trois princesses des enfers

Viktor Vasnetsov. Trois princesses des enfers. 1884

Or, cuivre et charbon. Trois richesses cachées dans les entrailles de la terre. Trois princesses fées sont l'incarnation des bénédictions terrestres. Or fier et hautain, cuivre curieux et charbon timide. Les princesses sont les maîtresses des mines de montagne, habituées à commander aux gens. Il y a deux images avec une telle intrigue à la fois. Sur l'un d'eux dans le coin - en tant que suppliants, les figures de deux hommes, scrutant obséquieusement de beaux visages froids.

Koschei l'Immortel

Viktor Vasnetsov. Koschei l'Immortel. 1917-1926

De riches demeures aux teintes chocolat, rouge et or. Le luxe du brocart et des essences de bois rares est un cadre digne de coffres au trésor écrasants, et le principal trésor que Koshchei ne met pas entre ses mains est une jeune beauté. La fille s'intéresse à l'épée, qui, cependant, ne peut pas être vaincue par Koshchei. Viktor Vasnetsov a peint l'image du principal méchant fabuleux pendant neuf ans. Chronologiquement, le tableau était le dernier pour l'artiste.

Il a fallu environ 20 ans à Viktor Vasnetsov pour peindre le tableau "Bogatyrs" (Trois Bogatyrs). Le 23 avril 1898, il est achevé et bientôt acheté par P.M. Tretiakov pour sa galerie.
Et combien de personnes ont posé pour lui pendant cette période - ne comptez pas. L'artiste cherchait son "Ilya", "Dobrynya" et "Aliocha" partout: parmi les gens du commun, les amis, les mécènes et même les parents. Le résultat est une mosaïque de types russes.

Viktor Vasnetsov. Héros. 1881-1898. Toile, huile. 295,3 × 446 cm.
Galerie nationale Tretiakov, Moscou

Terrain
V.M. Vasnetsov lui-même (dans une lettre à P.P. Chistyakov) a décrit l'image comme suit :

"Les héros Dobrynya, Ilya et Alioshka Popovich sur la sortie héroïque - ils remarquent sur le terrain, y a-t-il une passerelle, où offensent-ils quelqu'un?"

La peinture représente trois héros - Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets et Aliocha Popovich (les personnages principaux des épopées russes).
Avec ce complot, Vasnetsov a voulu au seuil du XXe siècle désigner la continuité du passé héroïque du peuple russe avec son grand avenir. Les héros ici ne sont pas des personnages épiques spécifiques, mais une allégorie de forces créatrices. De plus, le terrain n'est pas un endroit précis sur la carte, mais l'ensemble de la Russie.

Première esquisse d'un tableau, début des années 1870
Les héros "vivaient" à des époques différentes et ne pouvaient "se rencontrer" que dans la peinture de Vasnetsov.
Lorsque Ilya Muromets était la façon dont l'artiste le dépeint, Dobrynya était censé être un vieil homme et Aliocha Popovich était un garçon.

Derrière les héros se trouvent les tombes des guerriers morts au combat. Au premier plan, la jeune croissance en tant que symbole des générations futures. Les héros sont entre les symboles du passé et du futur comme les maillons d'une chaîne sans fin de défenseurs de la Patrie.

La mise en œuvre du plan est devenue pour Vasnetsov, comme il l'a dit lui-même, "un devoir, une obligation envers les personnes qui [moi] ont élevé, éduqué, armé avec compétence". "J'ai travaillé sur" Heroes ", peut-être pas toujours avec la bonne intensité, mais ils étaient toujours implacables devant moi, mon cœur était toujours attiré par eux et ma main se tendait!" - le peintre a admis.

L'immense toile se déplaçait avec l'artiste et sa famille d'appartement en appartement ; de Moscou à Kiev et retour; en été - hors de la ville. Le fils de Vasnetsov, Alexei, a rappelé: "Bogatyrs" était pour nous ... pas une image, mais quelque chose de nécessaire dans la vie - une atmosphère de vie constante, comme les murs, les plafonds, le déjeuner, le thé ... ".

Au milieu de l'image sur un cheval noir, Ilya Muromets, regarde au loin sous sa paume, dans une main le héros a une lance et un bouclier, dans l'autre une massue damassée.
Ilya Muromets est d'une nature extraordinaire, il est puissant, calme, recueilli, la sagesse et la confiance se ressentent dans son apparence. Sa main, levée vers ses yeux, tient facilement la lourde massue, la lance de l'autre main scintille vivement. Néanmoins, l'apparence du bogatyr n'est pas effrayante - il respire partout avec une bonté apaisée.
Ilya Muromets personnifie la minutie, la prudence sage et la confiance dans l'expérience et les traditions du peuple.

L'un des prototypes d'Ilya Muromets était le paysan de la province de Vladimir Ivan Petrov
"Pour Ilya Muromets, l'artiste cherchait de plus en plus de nouveaux types, esquissant soit Ivan Petrov, le forgeron d'Abramtsevo - calme, beau, aux yeux calmes et attentifs; pose.

« Je marche le long de la berge près du pont de Crimée », dit plus tard V. Vasnetsov, « et je vois : il y a un gaillard, tout comme mon Ilya, debout près du régiment.

V.M. Vasnetsov

Le paysan Ivan Petrov.
Un croquis pour le tableau "Heroes".
1883
Galerie nationale Tretiakov, Moscou

À gauche d'Ilya se trouve Dobrynya, la deuxième plus importante de la trinité héroïque. Prince de naissance, guerrière par vocation, Dobrynya Nikitich est intelligente et instruite. Dans une pose décisive et un regard acéré, l'artiste souligne le caractère remarquable du combattant de serpents Dobrynya (c'est lui qui bat le Serpent Gorynych dans les épopées). Dans ses mains se trouve une épée que le héros tient non pas avec une audace téméraire, mais avec une force confiante. En regardant le héros, nous sommes convaincus qu'il saura manier habilement l'arme au bon moment.
Un fier esprit de combat et un désir de défendre leur terre sont incarnés dans Dobryna Nikitich.

Dans les épopées, Dobrynya est toujours jeune, comme Aliocha, mais Vasnetsov le dépeint comme un homme mûr avec une barbe luxueuse. Certains chercheurs pensent que les traits du visage de Dobrynya ressemblent à l'artiste lui-même.

Aliocha Popovich est jeune et mince par rapport à ses camarades.
Il est représenté avec un arc et des flèches dans les mains, mais la harpe attachée à la selle témoigne du fait qu'il n'est pas seulement un guerrier intrépide, mais aussi un guslar, un auteur-compositeur et un joyeux compagnon.

L'image d'Aliocha Popovich reflétait le principe poétique et contemplatif de l'âme russe, la sensibilité à toutes les manifestations de la beauté.

Sans les caractéristiques des chevaux, la description de l'image ne sera pas complète.

Trois héros Vasnetsov voient des amis et des compagnons d'armes dans leurs chevaux. L'apparence de chaque animal est associée aux qualités du héros.

Sous Ilya - un corbeau solide, têtu et fidèle.

Le cheval blanc de Dobrynya est fier et plein de dignité.

Le cheval rouge d'Aliocha est gracieux et simple, une harpe est attachée à la couverture.

Vasnetsov au tableau "Heroes". Moscou, 1898

Victor Mikhaïlovitch Vasnetsov
(1848-1926)
Artiste-peintre et architecte russe, maître de la peinture historique et folklorique.
Né le 15 mai 1848 dans le village russe de Lopyal dans le district d'Urzhum de la province de Vyatka, dans la famille du prêtre orthodoxe Mikhail Vasilyevich Vasnetsov, qui appartenait à l'ancienne famille Vyatka des Vasnetsov.
Au début, il allait suivre les traces de son père. Mais au cours de la dernière année du séminaire théologique, il abandonna ses études et se rendit à Saint-Pétersbourg pour entrer à l'Académie des Arts.

Au début, Vasnetsov a écrit sur des sujets quotidiens. Par la suite, il a développé le soi-disant "style Vasnetsov" - une base épique et historique avec un fort parti pris patriotique et religieux.

Vasnetsov a joué de toutes sortes : il était peintre d'histoire, et religieux, et portraitiste, et peintre de genre, et décorateur, et graphiste. En outre, il était architecte - selon ses conceptions, l'église d'Abramtsevo, la façade de la galerie Tretiakov, la galerie Tsvetkovskaya et sa propre maison avec un atelier dans la ruelle Troitsky ont été construites.

Viktor Vasnetsov est décédé à Moscou le 23 juillet 1926, à l'âge de 79 ans. L'artiste a été enterré au cimetière de Lazarevskoye, après la destruction de laquelle les cendres ont été transférées au cimetière de Vvedenskoye.