Dans la vie des Grecs de l’Antiquité, l’art théâtral occupait la première place comme moyen de s’amuser. Des spectacles étaient organisés au niveau de l'État pour rendre hommage au dieu Dionysos pendant les vacances.
Structure des représentations
Les représentations dramatiques de la Grèce antique étaient différentes des représentations modernes. Il s'agissait de plusieurs représentations de poètes rivaux travaillant dans des directions tragiques et comiques. Chaque participant a présenté un histoire drôle. Lors de la production, un chœur de satyres et trois tragédies, unies par un scénario, ont été nécessairement utilisés. Les représentations ne se sont terminées que le quatrième jour. Ils duraient du matin jusqu'à tard le soir. L'action a commencé par des représentations tragiques, suivies d'un drame satyrique. En fin de soirée, une comédie a été jouée.
Accompagnement musical
La chorale était financée par l'État, car il était impossible de la préparer de manière indépendante. Au fil du temps, le nombre d’intervenants est passé de 6 à 15 personnes. Et les chanteurs étaient formés par de riches citoyens. La personne qui préparait le chœur pour les concours théâtraux et lui fournissait les costumes s'appelait choreg. Tout comme les acteurs et les chanteurs, les chorégs étaient exemptés du service militaire pendant le temps nécessaire à leur préparation et à leur représentation.
Structure de la scène
Le théâtre grec antique se composait de plusieurs parties, parmi lesquelles l'orchestre (un lieu pour les artistes et chanteurs), le théâtre (auditorium) et le skena (une sorte d'accessoires nécessaires pour obtenir une plus grande vraisemblance). Afin que le public puisse mieux entendre les paroles des acteurs, des récipients spéciaux ont été utilisés pour amplifier les sons prononcés.
Caractéristiques distinctives
Les arts du spectacle de la Grèce antique étaient à 90 % masculins. En plus de la simple interprétation de leurs rôles, les artistes ont fait preuve de capacités vocales, d'une diction parfaite, de flexibilité et de plasticité. Les visages des personnes qui se produisaient sur scène étaient cachés sous des masques. Leur utilisation répandue est associée à la vénération de Dionysos, à l’absence d’actrices féminines et à la taille énorme de l’arène. Les masques pouvaient être tragiques ou comiques, ce qui transmettait avec précision l'intention de l'auteur au spectateur.
Des vêtements spéciaux pour les participants au spectacle ont permis de représenter divers personnages. Étant long et spacieux, il cachait les oreillers ou coussinets nécessaires pour modifier les proportions naturelles du corps. Si le spectacle intéressait le public, celui-ci exprimait avec vigueur des émotions positives. La désapprobation ne fut pas moins vivement exprimée. Ces réactions négatives étaient souvent provoquées par des personnes spécialement embauchées par les concurrents.
Arène romaine antique
L'origine du théâtre dans la Rome antique est associée aux magnifiques célébrations des récoltes, qui étaient d'abord organisées sous forme de concours ludiques de petits chœurs. Les plaisanteries qu’ils échangeaient étaient parfois caustiques, ridiculisant les vices de la société, notamment des élites.
Les origines de l'art théâtral
Les premières représentations de l'art théâtral romain antique incluent Atellani, qui a reçu le nom de la ville du sud de l'Italie moderne. Il s'agissait de productions de comédie légère. De nombreux jeunes Romains y ont participé.
Le drame littéraire est venu de Grèce au théâtre romain antique. Ici, des créations similaires ont été mises en scène en latin.
Le Grec Livius Andronicus finit à Rome comme prisonnier de guerre. Le Grec fut nommé chef de la mise en scène de la première représentation dramatique. C'est précisément ce qui a donné une impulsion au développement ultérieur de l'art théâtral. Il ne pouvait pas, comme en Grèce, signaler les problèmes de la vie de la société, de sorte que les intrigues sont devenues plus compliquées et que la valeur divertissante des originaux grecs a augmenté. Malgré cela, les Romains avaient du mal à accepter les intrigues dramatiques traditionnelles.
Lunettes de gladiateur
Les représentations ont eu lieu pendant les jours fériés. Ils étaient accompagnés de spectacles de cirque et de gladiateurs, qui attiraient l'attention et étaient populaires parmi le peuple.
Au départ, il n'y avait pas d'espace réservé pour la mise en scène des pièces de théâtre, il n'y avait qu'une misérable plate-forme avec une échelle. Les acteurs sont devenus plus professionnels et ont joué sans masques. Les représentations étaient organisées avec l'accord du directeur du théâtre romain antique. En d’autres termes, simplement une troupe d’acteurs, avec des cercles dirigeants. Les costumes des personnages n'étaient pas différents de ceux grecs. Seuls certains accents, comme la hauteur de la plateforme des chaussures, la taille des perruques, créent une impression majestueuse.
Le premier théâtre romain permanent fut construit par Pompée. Les spectateurs se pressaient sur des bancs semi-circulaires disposés sur plusieurs rangées. Il y avait des sièges séparés pour les sénateurs. Toit, façades et rideaux finement décorés.
Les origines de l'art théâtral dans l'Inde ancienne
L'art théâtral indien ancien était divisé en deux directions : folklorique et littéraire. Il existe plusieurs versions de l'origine, la plus populaire attribuant ce fait à l'empereur Bharata. Grâce à lui, le cinquième Veda a été transmis aux gens, reliant la Parole, l'Action et l'Harmonie. La version de l’unification reste plus probable performances drôles avec le mystère traditionnel qui existait lors des grandes fêtes.
A cette occasion, des concours d'hommes forts, des programmes de magiciens, de musiciens et de danseurs ont été organisés. La production a commencé avec numéros de danse. Les danseurs ont agrémenté le spectacle d'introductions pantomimiques et de récitation des Vedas. Peu à peu, la danse a été remplacée par la performance des artistes.
Système social
Un système social complexe Inde ancienne placé les acteurs au niveau le plus bas.
Ils étaient considérés comme des gens d'une caste irrespectueuse, car ils ridiculisaient les dieux dans leurs discours. Malgré cette circonstance, la plupart d’entre eux étaient des personnes instruites et respectables.
Les spectacles ont été mis en scène sous forme de spectacles de danse. La langue des signes, ancrée dans les rituels particuliers du clergé, était librement utilisée. Le théâtre de danse indien a emprunté des caractéristiques clés aux anciennes pièces de mystère. Par conséquent, les artistes devaient avoir une plasticité particulière et la capacité d'utiliser un riche arsenal de pantomime.
Montée en popularité
Vers la fin de la seconde moitié du premier millénaire avant JC. e. L'art théâtral indien a acquis sa plus grande popularité. Malgré la coïncidence de la représentation des pièces avec les principales fêtes religieuses, leur essence divertissante s'est imposée, déplaçant la composante rituelle.
Les groupes de comédiens deviennent plus professionnels. Chaque participant assume un rôle créatif. La composition par sexe des troupes variait - on sait qu'il y avait des groupes de même sexe et de sexe opposé. La plupart d’entre eux étaient nomades. Lorsqu'ils se rencontraient sur un territoire commun, des compétitions spectaculaires étaient organisées. En plus des récompenses monétaires, les gagnants ont reçu de nombreux honneurs.
L'arène de danse indienne était parfois située dans un bâtiment spécifique – petit mais relativement haut, capable d'accueillir 300 personnes. La durée des représentations variait de deux à trois heures à quelques jours.
Théâtres d'ombres
Le théâtre d’ombres indien représentait souvent des scènes des mythes légendaires et vénérés du Ramayana et du Mahabharata. Le public connaissait les histoires des personnages et pouvait donc découvrir par lui-même les éléments manquants. L'action s'est déroulée derrière un grand écran transparent où étaient placés acteurs et marionnettes. Pour plus de réalisme, les poupées étaient découpées en morceaux, permettant ainsi d'imiter facilement même des mouvements complexes. Ils étaient fabriqués en carton, en cuir ou en papier mâché.
Dans les croyances indiennes, le dieu Shiva se voyait confier le rôle de patron des poupées, c'est pourquoi des pièces de théâtre étaient jouées près de son temple. Selon la légende, le théâtre d'ombres indien est né du fait que Shiva lui-même et sa femme Parvati ont visité la boutique d'un maître marionnettiste qui sculptait des personnages en bois.
Elle fut tellement impressionnée par le savoir-faire de l'artisan que bientôt, à sa demande, Shiva permit aux jouets de prendre vie pour qu'ils puissent danser d'eux-mêmes. Peu de temps après le départ du couple divin, cette magie a cessé de fonctionner, mais le maître a restauré le merveilleux cadeau en contrôlant les personnages à l'aide de fils. C'est ainsi qu'est né le théâtre d'ombres indien, dont l'intérêt s'estompe actuellement en raison du développement des technologies modernes.
Le début de la vie théâtrale dans la Chine ancienne
Le théâtre chinois est né au début du XIIe siècle. Au départ, il s'agissait de spectacles sur des places dédiées aux fêtes religieuses. Les spectacles étaient basés sur des éléments de cirque, danses insolites avec figures d'animaux, performances acrobatiques, escrime.
Peu à peu, des rôles uniques apparaissent, utilisés dans chaque pièce, acquérant de nouveaux traits de caractère et de nouveaux détails de la biographie. Les plus populaires étaient le tsan-jun et le tsangu. Les artistes des théâtres chinois ne sont plus autodidactes, mais formés dans des écoles spéciales fonctionnant à la cour de l’empereur. Des costumes lumineux décorés de peintures traditionnelles et de nombreux accessoires sont librement utilisés.
Première affiche
Les pièces de théâtre se déroulent dans des cabines, des salles sous un auvent, équipées de sièges pour les spectateurs. Ou sur des plates-formes saillantes adjacentes aux temples centraux. C'est de là que vient le concept d'affiche : une fiche spéciale répertoriant les acteurs impliqués et les personnages qu'ils incarnent. Les genres du théâtre chinois se développent et deviennent plus complexes. Ils décrivent en détail des événements importants de la vie de l'État et des individus, donnant aux téléspectateurs des exemples à suivre.
Accompagnement musical productions théâtrales transformé à partir de mélodies folkloriques. Les performances étaient sacrément colorées, contenaient des éléments de danse, numéros de cirque. L'interprétation de certaines actions était donnée par les artistes eux-mêmes ou par des dramaturges. La plupart des rôles étaient joués par des femmes, y compris des hommes. La troupe de théâtre comprenait des membres de la même famille ; les étrangers étaient rares.
Spectacles de marionnettes
Les scènes traditionnelles chinoises se sont développées parallèlement au théâtre de marionnettes, tout aussi populaire. Il vivait sous de nombreuses variétés. À ce jour, les informations les concernant ont été perdues, leur étude présente donc certaines difficultés.
La popularité de ce type d'art est associée à la coutume de placer dans la tombe des figurines spéciales, conçues pour aider le défunt dans l'au-delà. Des scènes avec la participation de tels personnages se jouaient lors des funérailles, devenant progressivement un attribut de la vie quotidienne. Des informations ont été conservées sur un magnifique exemple de théâtre de marionnettes à plusieurs niveaux, dont les personnages se déplaçaient à l'aide de l'eau.
Le théâtre de marionnettes chinois s’est développé dans de nombreuses directions. Il convient de souligner les performances avec des figurines en papier plat, auxquelles ont participé les acteurs et les personnages qu'ils contrôlaient. Poudre à canon, scènes flottantes et autres, sur lesquelles seules des informations fragmentaires ont été conservées.
Cela a commencé dans l’Antiquité. Laissons l’esclavage régner à cette époque et il n’y a pas d’éducation. Mais les gens savaient ce qu’était le théâtre. Née des profondeurs d'une longue histoire humaine, ses racines remontent aux mystères des plus anciens rituels de masse, jeux et fêtes populaires. Les actions primaires traditionnelles de nature comique et tragique (telles que les Saturnales, les Mystères) qui sont nées sur cette base contenaient des éléments d'une intrigue dramatique (encadrée mythologiquement) et comprenaient des danses, des dialogues, des chants choraux, des mummers et des masques. Peu à peu, s'opère la séparation de l'action et des fondements rituels et cultes, la sélection d'un chœur de héros parmi la foule, la transformation d'une célébration massive et significative en un spectacle organisé. Tout cela a créé les conditions préalables à l’émergence d’un drame littéraire si apprécié. La division forcée entre spectateurs et acteurs a révélé les fonctions sociales importantes de ce
Ce processus s'est clairement exprimé dans le théâtre de la Grèce antique, qui a eu une énorme influence sur le développement actif art européen. Dans les cités-États, il devint un chef important vie publique. Qu’est-ce que le théâtre dans la Grèce antique ? Les représentations constituaient alors une grande fête nationale. Des dizaines de milliers de spectateurs fascinés se sont rassemblés dans d’immenses et gigantesques amphithéâtres à ciel ouvert. En plus des acteurs professionnels disponibles, le spectacle pourrait également être interprété par les citoyens eux-mêmes, directement par les participants de la chorale. La danse et la musique restaient nécessaires, éléments principaux de l'action.
Qu'était-ce que le théâtre dans la Rome antique ? Ici, le côté scénique de la plupart des spectacles s'est développé plus activement, même le type de scène a changé, la technologie théâtrale professionnelle s'est développée, divers types de spectacles sont apparus (spectacles musicaux et de danse en histoires mythologiques- les pantomimes, qui, ayant connu leur apogée sous l'Empire, le restèrent jusqu'au Ve siècle. le genre théâtral le plus populaire).
Le théâtre européen du Moyen Âge a pratiquement cessé d'exister. William Shakespeare et plusieurs autres dramaturges du XVe siècle. l'a relancé. Ensuite, sans exception, tous les rôles des représentations ont été interprétés par des garçons et des hommes. Les actrices sont apparues pour la première fois dans les troupes populaires d'acteurs itinérants italiens qui jouaient des comédies "cel arte" (petites pièces de théâtre comiques avec la participation obligatoire de personnages masqués).
La culture humaniste de la Renaissance a ravivé les traditions de l'art théâtral antique, en les combinant avec les riches traditions du folklore. Trésor national. Les pièces de théâtre de célèbres dramaturges de cette époque ont révélé l'histoire dans les conflits politiques et sociaux les plus aigus.
L'essor du théâtre est associé à la diffusion active du classicisme dont la base sociale est le renforcement de certains régimes absolutistes dans certains pays européens. La tâche des acteurs était de créer l'image complexe d'un héros qui, à travers des luttes internes et de dures épreuves, surmonte sa propre dichotomie entre les exigences de la société et l'intérêt privé. Les problèmes modernes au cours de cette période ont acquis un caractère à la fois abstrait et universellement significatif. C'est ce qu'est le théâtre du classicisme.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, il devient le principal représentant des idées des Lumières bourgeoises orageuses. Dans l'art des acteurs de cette époque, une haute citoyenneté se combinait parfaitement avec un désir actif de créer de nouveaux personnages holistiques qui s'intéressaient à la vérité historique.
Le romantisme est devenu l'expression des aspirations des masses démocratiques et des idéaux humanistes. Sous la bannière de cette époque, une lutte sérieuse s'est déroulée sous forme de drame contre le soi-disant classicisme épigone - pour la nationalité, l'historicisme et l'identité nationale.
Le réalisme, préparé par le théâtre puis par le romantisme, acquiert dans les années 30-40 de dignes formes indépendantes. 19ème siècle et a atteint sa position de domination la plus élevée au milieu du siècle.
Dans le théâtre moderne, il existe une synthèse de nombreux types d'art, de problèmes sociaux et d'émotions - analyse psychologique, questions morales élevées, spontanéité. état émotionnel, authenticité et grotesque, expérience et détachement, lyrisme et satire. Tout cela se présente dans les combinaisons les plus audacieuses et les plus inattendues. Qu'est-ce que le théâtre moderne ? Il s'agit d'une tendance prononcée à rechercher une activité accrue des images, à sauvegarder des moyens artistiques, ainsi que leur contenu. Aujourd’hui, ce type d’art est impensable sans réalisateur. La scénographie est également importante désormais.
Le mot « théâtre » est traduit du grec par « spectacle » et par « lieu pour les spectacles ».
« Spectacle », « spectateur », « vision » sont des mots apparentés ayant la même racine.
Autrement dit, le théâtre est :
- ce que le spectateur regarde : des représentations, des concerts, des représentations (nécessairement sur scène, pour que l'on puisse voir la représentation de n'importe où dans la salle) ;
- là où le spectateur regarde : un lieu privilégié, un bâtiment dans lequel se déroule la représentation théâtrale.
On peut donc dire : « Nous étions au théâtre ». Ou vous pourriez dire « Nous avons regardé le théâtre ».
L'émergence du théâtre
Le théâtre est né dans l’Antiquité. Dans la Grèce antique, il était d'usage de célébrer des événements marquants : l'arrivée du printemps, les vendanges. Les Grecs aimaient particulièrement la fête du dieu Dionysos, qui personnifiait les forces de la nature qui s'endorment en hiver et renaissent aux premiers rayons du soleil.
(Commentaire pour adultes : Sa deuxième hypostase, le dieu du raisin et de la vinification, est également liée à cette essence de Dionysos. L'ensemble du processus de transformation des raisins, de leur fermentation et de leur transformation en une expérience passionnantele vin peut être considéré comme une métaphore de la mort et de la renaissance de DionEst un.)
Cette fête joie et liberté, lorsque les prisonniers ont été libérés sous caution, les débiteurs ont été laissés seuls et personne n'a été arrêté, afin que tout le monde puisse participer à la fête,C’est ainsi qu’on l’appelait « Grande Dionysie » et célébrait la victoire complète du printemps sur l’hiver.
Les gens chantaient des chansons, changeaient de vêtements, mettaient des masques et fabriquaient des animaux en peluche. Au début, la fête se déroulait sur les places de la ville, puis des structures architecturales spéciales ont commencé à être construites pour accueillir des spectacles.
Le bâtiment du théâtre a été construit à flanc de colline. Au pied se trouvait une plate-forme ronde - un orchestre sur lequel se produisaient des chanteurs, des récitants et des acteurs. Derrière l'orchestre se trouvait un skena - une tente pour changer de vêtements pour les acteurs et les accessoires.
Certains théâtres étaient vraiment immenses et comparables en capacité aux stades modernes.
Théâtre grec antique situé dans la ville de Larisa, sur le versant sud du mont Furourio
Acteurs dans théâtre grec antique Il ne pouvait y avoir que des hommes : ils jouaient à la fois des rôles masculins et féminins. C'était un métier très respecté. Et très difficile. Les acteurs devaient jouer avec des masques spéciaux (plus de détails ici), le public ne pouvait pas voir leurs expressions faciales, il fallait donc transmettre toutes les émotions avec des gestes et une voix.
De plus, les acteurs de la tragédie montaient sur scène portant des sandales spéciales sur une plate-forme haute - on les appelait cothurnes. Ces sandales hautes rendaient la démarche plus lente, plus majestueuse et plus fière, comme il sied à un personnage de tragédie.
(Il est intéressant de noter que dans la Rome antique, les bottes en cothurne n'étaient portées quedes acteurs représentant des dieux et des empereurs pour se différencier des acteurs représentant des gens ordinaires.
Et sur ce lien, vous pouvez lire une étude qui prouve une origine différente des cothurnes : « Lorsque le tragédien grec reçut le rôle de dieu, il dut résoudre un dilemme :<...>comment se déplacer sur scène ? Descendre les dieux de leurs piédestaux jusqu'à la terre de l'orchestre, les mettre sur la scène antique « au même niveau » que l'homme ? Grec 6ème-5ème siècles avant JC e. Je ne pensais pas qu'il était possible de faire cela avec des images de dieux. Il était encore trop étroitement lié à eux par les liens de la religion. L'acteur n'a plus qu'un chemin à parcourir : traverser la scène avec le piédestal, sans le quitter. Pour ce faire, le piédestal a été coupé en deux moitiés et chacune d'elles a été attachée à une jambe. C'est ainsi qu'ont été inventés les cothurnes. »)
Comme nous le voyons, le théâtre a survécu jusqu'à nos jours, préservant les concepts de base. Visiter le théâtre est toujours vacances, UN acteur et maintenant pièces sur un site spécial - scène- avant spectateurs, en essayant de montrer toute la gamme émotions son personnage.
Odéon d'Hérode Atticus et salle acoustique du Théâtre Mariinsky (Mariinsky-2 )
Acteurs grecs anciens et acteurs de la pièce "Cipollino" ("Théâtre Taganka")
Le théâtre est un grand miracle.Comme le disait l'une des héroïnes de Tove Jansson, « le théâtre est la chose la plus importante au monde, car il montre ce que chacun devrait être et ce qu'il rêve d'être - cependant, beaucoup n'ont pas le courage de le faire - et à quoi ils ressemblent. dans la vie."
L’histoire du théâtre russe est divisée en plusieurs étapes principales. L'étape initiale et ludique trouve son origine dans la société clanique et se termine au XVIIe siècle, lorsque, parallèlement à une nouvelle période de l'histoire russe, commence une nouvelle étape plus mature dans le développement du théâtre, aboutissant à la création d'un professionnel d'État permanent. théâtre en 1756.
Les termes « théâtre » et « drame » ne sont entrés dans le dictionnaire russe qu'au XVIIIe siècle. DANS fin XVII des siècles, le terme « comédie » était utilisé, et tout au long du siècle – « amusant » (Poteshny chulan, Amusing Chamber). Parmi les masses, le terme « théâtre » était précédé du terme « honte », du terme « drame » - « jeu », « jeu ». Au Moyen Âge russe, les définitions qui en étaient synonymes étaient courantes : jeux de bouffons « démoniaques » ou « sataniques ». Aux XVIe et XVIIe siècles, toutes sortes de merveilles apportées par les étrangers, ainsi que les feux d'artifice, étaient également appelés divertissements. Les activités militaires du jeune tsar Pierre Ier étaient également qualifiées de amusantes. Le terme « jeu » est proche du terme « jeu » (« jeux de bouffons », « jeux de fête »). En ce sens, les mariages et les mamans étaient appelés « jeu », « jeux ». « Jouer » a une signification complètement différente par rapport aux instruments de musique : jouer du tambourin, renifler, etc. Les termes « jeu » et « jeu » appliqués au théâtre oral ont été conservés parmi les gens jusqu'aux XIXe et XXe siècles.
Art folklorique
Le théâtre russe est né dans l’Antiquité. Ses origines remontent à l'art populaire - rituels, fêtes associées au travail. Au fil du temps, les rituels ont perdu leur signification magique et se sont transformés en jeux de performance. Des éléments de théâtre y sont nés - action dramatique, marmonnements, dialogue. Par la suite, les jeux les plus simples se sont transformés en drames populaires ; ils ont été créés dans le processus de créativité collective et ont été stockés dans la mémoire des gens, passant de génération en génération.
Au cours de leur développement, les jeux se sont différenciés, se divisant en variétés apparentées et en même temps s'éloignant de plus en plus les unes des autres - en drames, rituels, jeux. La seule chose qui les rapprochait était qu'ils reflétaient tous la réalité et utilisaient des méthodes d'expression similaires - dialogue, chant, danse, musique, déguisement, jeu d'acteur, jeu d'acteur.
Les jeux ont inculqué le goût de la créativité dramatique.
Les jeux étaient à l'origine le reflet direct de l'organisation communautaire clanique : ils avaient un caractère de danse en rond et de chorale. Dans les jeux de danse en rond, la créativité chorale et dramatique a été organiquement fusionnée. Des chansons et des dialogues abondamment inclus dans les jeux ont contribué à caractériser les images des jeux. Les commémorations de masse avaient également un caractère ludique : elles étaient programmées pour coïncider avec le printemps et étaient appelées « Rusalia ». Au XVe siècle, le contenu du concept de « Rusalia » était défini comme suit : des démons sous forme humaine. Et l’« Azboukovnik » de Moscou de 1694 définit déjà les rusalia comme des « jeux de bouffons ».
L'art théâtral des peuples de notre Patrie trouve son origine dans des rituels et des jeux, des actions rituelles. Sous la féodalité, l'art théâtral était cultivé, d'une part, par les « masses populaires », de l'autre, par la noblesse féodale, et les bouffons étaient différenciés en conséquence.
En 957, la grande-duchesse Olga fait la connaissance du théâtre de Constantinople. Les fresques de la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev du dernier tiers du XIe siècle représentent des spectacles d'hippodrome. En 1068, les bouffons furent mentionnés pour la première fois dans les chroniques.
La Russie kiévienne était connue pour trois types de théâtres : de cour, d'église et folklorique.
Bouffonnerie
Le « théâtre » le plus ancien était celui des jeux d'acteurs folkloriques - les bouffons. La bouffonnerie est un phénomène complexe. Les bouffons étaient considérés comme une sorte de sorciers, mais c'est une erreur, car les bouffons, participant aux rituels, non seulement n'amélioraient pas leur caractère religieux et magique, mais, au contraire, introduisaient un contenu mondain et profane.
Se ridiculiser, c'est-à-dire chanter, danser, faire des blagues, jouer des sketches, jouer du instruments de musique et n'importe qui pouvait agir, c'est-à-dire représenter une sorte de personne ou de créature. Mais seuls ceux dont l'art se démarquait du niveau de l'art des masses par son talent artistique devenaient et étaient qualifiés de bouffons habiles.
Parallèlement au théâtre populaire, s'est développé l'art théâtral professionnel, dont les détenteurs dans la Russie antique étaient des bouffons. L'apparition du théâtre de marionnettes en Russie est associée aux jeux de bouffons. Les premières informations de la chronique sur les bouffons coïncident avec l'apparition de fresques représentant des spectacles de bouffons sur les murs de la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev. Le moine chroniqueur appelle les bouffons les serviteurs des diables, et l'artiste qui a peint les murs de la cathédrale a jugé possible d'inclure leur image dans les décorations de l'église aux côtés des icônes. Les bouffons étaient associés aux masses et l’un de leurs types d’art était la « maussade », c’est-à-dire la satire. Les Skomorokhs sont appelés « moqueurs », c'est-à-dire moqueurs. La moquerie, la moquerie, la satire continueront d'être fermement associées aux bouffons.
L'art mondain des bouffons était hostile à l'église et à l'idéologie cléricale. La haine que le clergé avait pour l'art des bouffons est attestée par les récits des chroniqueurs (« Le Conte des années passées »). Les enseignements de l'Église des XIe et XIIe siècles déclarent que les momies auxquelles ont recours les bouffons sont également un péché. Les bouffons ont été soumis à des persécutions particulièrement sévères pendant les années du joug tatare, lorsque l'Église a commencé à prêcher intensément un mode de vie ascétique. Aucune persécution n’a éradiqué l’art de la bouffonnerie parmi le peuple. Au contraire, il s’est développé avec succès et sa piqûre satirique est devenue plus aiguë.
Dans la Russie antique, on connaissait des métiers liés à l'art : peintres d'icônes, bijoutiers, sculpteurs sur bois et sur os, scribes de livres. Les bouffons en faisaient partie, étant « rusés », « maîtres » du chant, de la musique, de la danse, de la poésie et du théâtre. Mais ils n’étaient considérés que comme des amuseurs, des amateurs d’amusement. Leur art était idéologiquement lié aux masses populaires, aux artisans, qui étaient généralement opposés aux masses dirigeantes. Cela rendait leur compétence non seulement inutile, mais, du point de vue des seigneurs féodaux et du clergé, idéologiquement nuisible et dangereuse. Représentants église chrétienne ils placèrent des bouffons à côté des magiciens et des sorciers. Dans les rituels et les jeux, il n'y a toujours pas de division entre interprètes et spectateurs ; ils manquent d'intrigues développées et de transformation en images. Ils apparaissent dans des drames populaires, imprégnés de motivations sociales aiguës. L’émergence des théâtres publics de tradition orale est associée au théâtre populaire. Les acteurs de ces théâtres populaires (bouffons) ridiculisaient les pouvoirs en place, le clergé, les riches et montraient avec sympathie les gens ordinaires. Les représentations de théâtre folklorique étaient basées sur l'improvisation et comprenaient de la pantomime, de la musique, du chant, de la danse et des numéros d'église ; les artistes utilisaient des masques, du maquillage, des costumes et des accessoires.
La nature des performances des bouffons n'exigeait pas initialement de les regrouper en grands groupes. Pour interpréter des contes de fées, des épopées, des chansons et jouer d'un instrument, un seul interprète suffisait. Les Skomorokhs quittent leur lieu d'origine et parcourent les terres russes à la recherche de travail, se déplaçant de villages en villes, où ils servent non seulement les ruraux, mais aussi les citadins, et parfois même les cours princières.
Les bouffons étaient également impliqués dans des spectacles folkloriques de cour, qui se multipliaient sous l'influence de la connaissance de Byzance et de sa vie de cour. Lorsque le Placard Amusant (1571) et la Chambre Amusante (1613) furent installés à la cour de Moscou, les bouffons se retrouvèrent dans la position de bouffons de la cour.
Les performances des bouffons combinaient différents types d’arts : dramatique, religieux et pop.
L'Église chrétienne opposait les jeux folkloriques et l'art des bouffons à l'art rituel, saturé d'éléments religieux et mystiques.
Les représentations de bouffons ne se sont pas développées en théâtre professionnel. Il n'y avait aucune condition pour la naissance de troupes de théâtre - après tout, les autorités persécutaient les bouffons. L'Église a également persécuté les bouffons, se tournant vers les autorités laïques pour obtenir de l'aide. Une Charte du monastère Trinité-Serge du XVe siècle et une Charte du début du XVIe siècle ont été envoyées contre les bouffons. L'Église a constamment placé les bouffons sur un pied d'égalité avec les porteurs de la vision païenne du monde (mages, sorciers). Et pourtant, les spectacles de bouffons ont continué à vivre, le théâtre populaire s'est développé.
Dans le même temps, l’Église a pris toutes les mesures pour affirmer son influence. Cela a trouvé son expression dans le développement du drame liturgique. Certains drames liturgiques nous sont parvenus avec le christianisme, d'autres - au XVe siècle, avec la charte solennelle nouvellement adoptée de la « grande église » (« Procession pour balayer », « Lavement des pieds »).
Malgré l'utilisation de formes théâtrales et de divertissement, l'Église russe n'a pas créé son propre théâtre.
Au XVIIe siècle, Siméon de Polotsk (1629-1680) tenta de créer un drame artistique basé sur le drame liturgique. drame littéraire, cette tentative s’est avérée isolée et infructueuse.
Théâtres du XVIIe siècle
Au XVIIe siècle, les premiers drames oraux se développent, avec une intrigue simple, reflétant les sentiments populaires. La comédie de marionnettes sur Petrouchka (son nom d'origine était Vanka-Ratatouille) racontait les aventures d'un garçon intelligent et joyeux qui n'avait peur de rien au monde. Le théâtre apparaît véritablement au XVIIe siècle : théâtre de cour et d'école.
Théâtre de la Cour
L'émergence du théâtre de cour a été provoquée par l'intérêt de la noblesse de cour pour Culture occidentale. Ce théâtre est apparu à Moscou sous le tsar Alexeï Mikhaïlovitch. La première représentation de la pièce « L'Acte d'Artaxerxès » (l'histoire de l'Esther biblique) a eu lieu le 17 octobre 1672. Au début, le théâtre de cour ne disposait pas de locaux propres, les décors et les costumes étaient déplacés d'un endroit à l'autre. Les premières représentations ont été mises en scène par le pasteur Gregory de la colonie allemande ; les acteurs étaient également étrangers. Plus tard, ils ont commencé à attirer et à former avec force la « jeunesse » russe. Ils étaient payés de manière irrégulière, mais ils ne lésinaient pas sur les décorations et les costumes. Les représentations se distinguaient en grande pompe, parfois accompagnées de jeux d'instruments de musique et de danses. Après la mort du tsar Alexeï Mikhaïlovitch, le théâtre de la cour fut fermé et les représentations ne reprirent que sous Pierre Ier.
Théâtre scolaire
En plus du théâtre de cour, en Russie, au XVIIe siècle, un théâtre scolaire s'est également développé à l'Académie slave-grecque-latine, dans les séminaires et écoles théologiques de Lvov, Tiflis et Kiev. Les pièces de théâtre étaient écrites par les professeurs et les étudiants mettaient en scène des tragédies historiques, des drames allégoriques proches des miracles européens, des intermèdes - des scènes satiriques de la vie quotidienne dans lesquelles il y avait une protestation contre l'ordre social. Les spectacles de théâtre scolaire ont jeté les bases du genre comique en dramaturgie nationale. Les origines du théâtre scolaire remontent au célèbre personnalité politique, le dramaturge Siméon Polotsky.
L'émergence des théâtres scolaires de cour a élargi la sphère de la vie spirituelle de la société russe.
Théâtre du début du XVIIIe siècle
Sur ordre de Pierre Ier en 1702, il a été créé Théâtre public, conçu pour un public de masse. Un bâtiment a été construit spécialement pour lui sur la Place Rouge à Moscou - le « Temple Comédial ». La troupe allemande de J. H. Kunst s'y est produite. Le répertoire comprenait des pièces étrangères qui n'eurent pas de succès auprès du public et le théâtre cessa d'exister en 1706, avec la fin des subventions de Pierre Ier.
Conclusion
Une nouvelle page de l'histoire des arts du spectacle des peuples de notre patrie a été ouverte par les théâtres serfs et amateurs. Les troupes de serfs qui existaient depuis la fin du XVIIIe siècle mettaient en scène du vaudeville, des opéras-comiques et des ballets. Sur la base des théâtres de servage, des entreprises privées ont vu le jour dans plusieurs villes. L'art théâtral russe a eu une influence bénéfique sur la formation du théâtre professionnel des peuples de notre patrie. Les troupes des premiers théâtres professionnels comprenaient des amateurs talentueux, représentants de l'intelligentsia démocratique.
En Russie, au XVIIIe siècle, le théâtre a acquis une énorme popularité et est devenu la propriété des larges masses, une autre sphère d’activité spirituelle publique accessible au public.
L'histoire du théâtre est le monde de l'humanité
Théâtre de la Grèce antique
Origines du théâtre et du théâtre grecs antiques.
L'apparition du drame en Grèce a été précédée par une longue période, durant laquelle la place dominante était occupée d'abord par l'épopée puis par les paroles. Nous connaissons tous les riches poèmes épiques héroïques « Iliade » et « Odyssée », les poèmes épiques didactiques (instructifs) d'Hésiode (7e siècle avant JC) ; Ce sont des œuvres de poètes lyriques du VIe siècle. AVANT JC.
La naissance du théâtre et du théâtre grecs est associée à des jeux rituels dédiés aux dieux protecteurs de l'agriculture : Déméter, sa fille Koré et Dionysos. À partir de jeux rituels et de chants en l'honneur de Dionysos, trois genres de drame grec ancien se sont développés : la tragédie, la comédie et la comédie satyrique (du nom du chœur composé de satyres).
- La tragédie reflète le côté sérieux du culte dionysiaque.
- Comédie - carnaval-satirique.
- Le drame satirique semblait être un genre moyen. Son caractère joyeux et ludique et sa fin heureuse déterminaient sa place dans les festivals en l'honneur de Dionysos : le drame satyrique était mis en scène en conclusion de la présentation des tragédies.
Le rôle des idées tragiques dans l'éducation sociopolitique et éthique était énorme. Déjà dans la seconde moitié du VIe siècle avant JC. La tragédie a atteint un développement significatif. Histoire ancienne rapporte que le premier poète tragique athénien fut Thespis (VIe siècle avant JC). La première représentation de sa tragédie (son nom est inconnu) eut lieu au printemps 534 av. à la fête du Grand Denys. Cette année est considérée comme l’année de la naissance du théâtre mondial.
Dans la comédie, beaucoup plus large que dans la tragédie, les motifs quotidiens se mêlaient aux motifs mythologiques, qui devinrent progressivement prédominants, voire uniques, même si en général la comédie était encore considérée comme dédiée à Dionysos. Les sketchs improvisés étaient une forme élémentaire de théâtre de farces folkloriques et étaient appelés mimes (traduit par « imitation », « reproduction » ; les interprètes de ces sketchs étaient également appelés mimes). Les héros des mimes étaient des masques de théâtre populaire traditionnel : un aspirant guerrier, un voleur de marché, un charlatan scientifique, un simplet trompant tout le monde, etc.
Théâtre d'Athènes.
L'art théâtral de la Grèce antique a atteint son apogée dans l'œuvre de trois grands tragédiens du Ve siècle avant JC - Eschyle, Sophocle, Euripide et le comédien Aristophane, dont l'activité s'est étendue au début du IVe siècle. AVANT JC. D'autres dramaturges ont également écrit à la même époque, mais seuls de petits extraits de leurs œuvres nous sont parvenus, et parfois seulement des noms et de maigres informations.
Théâtre de l'époque hellénistique.
À l’époque hellénistique (VI-I siècles avant JC), le théâtre grec de l’époque classique a subi des changements importants en termes de théâtre, de jeu d’acteur et d’architecture du bâtiment du théâtre. Ces changements sont associés à de nouvelles conditions historiques. Des comédies et des tragédies sont encore mises en scène dans le théâtre de l'époque hellénistique. Mais des tragédies du IVe siècle. AVANT JC. Seuls de petits fragments ont survécu et, apparemment, les mérites artistiques de la tragédie hellénistique étaient minimes. Il existe beaucoup plus de données pour juger la comédie, puisqu'une seule pièce et plusieurs extraits d'autres pièces du plus grand comédien de l'époque, Ménandre, ont survécu.
La comédie de l’époque hellénistique est appelée nouvelle comédie attique (ou néo-attique). Le motif de l'amour joue un rôle important dans la nouvelle comédie. Les auteurs de la nouvelle comédie Grenier largement utilisée théorie psychologique Théophraste, élève d'Aristote, selon lequel tous les traits de caractère se manifestent dans l'apparence d'une personne et dans ses actions. Les descriptions physionomiques de Théophraste ont sans aucun doute influencé le dessin des masques, qui aidaient le spectateur à reconnaître tel ou tel personnage. L'influence d'Euripide est perceptible dans la nouvelle comédie. La proximité de nombre de ses héros avec la vie, la révélation de leurs expériences émotionnelles, voilà ce que la nouvelle comédie a emprunté à Euripide.
Architecture du théâtre grec antique.
Initialement, le lieu des représentations était aménagé d'une manière extrêmement simple : le chœur, avec ses chants et ses danses, se produisait sur une plate-forme-orchestre ronde et compacte (du verbe orheomai - « Je danse »), autour de laquelle le public se rassemblait. Mais à mesure que l’importance de l’art théâtral augmentait dans la vie sociale et culturelle de la Grèce et que le théâtre devenait plus complexe, le besoin d’améliorations s’est fait sentir. Le paysage vallonné de la Grèce suggérait la disposition la plus rationnelle de la scène et des sièges des spectateurs : l'orchestre commençait à être situé au pied de la colline et le public le long de la pente.
Tous les théâtres grecs antiques étaient ouverts et pouvaient accueillir un grand nombre de spectateurs. Le théâtre de Dionysos à Athènes, par exemple, pourrait accueillir jusqu'à 17 000 personnes, le théâtre d'Épidaure - jusqu'à 10 000 personnes. Au 5ème siècle AVANT JC. En Grèce, un type stable de structure théâtrale s'est développé, caractéristique de toute l'époque de l'Antiquité. Le théâtre comprenait trois parties principales : l'orchestre, le theatron (sièges pour les spectateurs, du verbe teaomai - « je regarde ») et skene (skene - « tente », plus tard une structure en bois ou en pierre).
La taille du théâtre était déterminée par le diamètre de l'orchestre (de 11 à 30 m) et le skene était situé tangentiellement à la circonférence de l'orchestre. Le mur avant du skene-proskenium, qui avait généralement l'apparence d'une colonnade, représentait la façade d'un temple ou d'un palais. Attenant au skene se trouvaient deux bâtiments latéraux appelés paraskenia. Paraskenia servait de lieu de stockage de décors et d'autres biens théâtraux. Entre le skene et les sièges des spectateurs, qui occupaient un peu plus de la moitié du cercle, se trouvaient des passages par lesquels les spectateurs entraient dans le théâtre avant le début de la représentation, puis le chœur et les acteurs entraient dans l'orchestre. Dans le théâtre de l'époque classique, l'attention du public était portée sur le déroulement de l'action, sur le sort des héros, et non sur les effets extérieurs. La disposition du théâtre grec garantissait une bonne audibilité. De plus, dans certains théâtres, des vaisseaux résonants étaient placés parmi les sièges du public pour amplifier le son. Il n'y avait pas de rideau dans le théâtre grec antique, bien qu'il soit possible que dans certaines pièces, certaines parties du proskenium aient été temporairement fermées au public.
Théâtre romain
Origines du théâtre romain.
Les origines du théâtre et du drame romain remontent, comme en Grèce, à des jeux rituels riches en éléments carnavalesques. Telle est, par exemple, la fête des Saturnales - en l'honneur de la divinité italienne Saturne. La particularité de cette fête était le « renversement » des relations sociales habituelles : les maîtres devenaient temporairement « esclaves », et les esclaves devenaient « maîtres ».
L’une des origines du théâtre et du drame romains était les fêtes des récoltes rurales. Même dans les temps lointains, lorsque Rome était une petite communauté du Latium, les villages célébraient des fêtes liées à la fin des récoltes. Lors de ces vacances, des chansons-fescennins joyeuses et rudes étaient chantées. Comme en Grèce, deux semi-chœurs jouaient généralement et échangeaient des plaisanteries, parfois caustiques.
Originaires du système clanique, les Fescennines ont existé au cours des siècles suivants et, selon Horace, se reflétaient la lutte sociale entre les plébéiens et les patriciens. C'est ainsi qu'est née la satura (traduite par « mélange »). Les saturas étaient des scènes dramatiques de nature quotidienne et comique, comprenant des dialogues, des chants, de la musique et de la danse.
Un autre type de représentation dramatique de nature comique étaient les atellans, empruntés à d'autres tribus habitant la péninsule des Apennins, avec lesquelles Rome menait des guerres continues. Les jeunes se sont intéressés à ces jeux et ont commencé à les organiser pendant les vacances. L'atellan présentait quatre personnages de bande dessinée permanents : Makk, Bukkon, Papp et Dossin. Les Atellans n'avaient pas de texte dur, donc lors de leur interprétation, il y avait une large marge d'improvisation. Le mime renvoie également au drame populaire. Comme en Grèce, le mime reproduisait des scènes de la vie populaire, et parfois parodiait des mythes, représentant les dieux et les héros sous les traits d'un bouffon. Ainsi, à Rome, il y avait à peu près les mêmes jeux rituels que dans la Grèce antique. Mais le développement du théâtre populaire n’a pas dépassé les faibles débuts du théâtre. Cela s'explique par le mode de vie conservateur des Romains et par la forte résistance des prêtres. Par conséquent, à Rome, il n'existait pas de mythologie indépendante qui, en Grèce, servait de « sol et d'arsenal » à l'art, y compris le théâtre.
Théâtre romain de l'époque républicaine.
Les Romains ont pris le drame littéraire sous sa forme finale des Grecs et l'ont traduit en latin, en l'adaptant à leurs concepts et à leurs goûts. Après la fin victorieuse de la première guerre punique, lors des jeux festifs de 240 avant JC, il fut décidé d'organiser une représentation dramatique. La production fut confiée au Grec Livius Andronicus, asservi par un sénateur romain, qui lui donna Nom latin Tite-Live. Après sa libération, il resta à Rome et commença à enseigner le grec et langue latine fils de la noblesse romaine. Ce professeur a mis en scène lors des jeux une tragédie et probablement aussi une comédie, qu'il a révisées sur le modèle grec ou peut-être simplement traduites du grec en latin. Cette production donna la première impulsion au développement du théâtre romain.
À partir de 235 avant JC Le dramaturge Gnaeus Nevius commence à mettre en scène ses pièces. Titus Maccius Plautus, le jeune contemporain de Naevius. Son œuvre remonte à l'époque où Rome, d'une communauté agricole, se transformait en un État puissant - d'abord de la péninsule des Apennins, puis de l'ensemble du bassin méditerranéen. Publius Terence Afr, qui, comme Plaute, travaillait dans le genre de la palliata, appartenait à la prochaine génération d'auteurs dramatiques. Terence peut être considéré comme le précurseur du nouveau drame européen. Le théâtre européen s'est tourné à plusieurs reprises vers son œuvre. L'influence de ses comédies "Formion" et "Frères" se fait sentir dans l'œuvre de Molière.
Théâtre romain de l'époque impériale.
Au 1er siècle avant JC, la république de Rome tomba. Après l'assassinat de César et la victoire sur Antoine en 31 av. Octave devint empereur à Rome et reçut par la suite le surnom honorifique d'Auguste (« Sacré »). Auguste a bien compris l'importance sociale du théâtre et a contribué de toutes les manières possibles à son développement. Tout d'abord, Auguste voulait faire revivre la tragédie de type grec sur la scène romaine, y voyant un moyen d'améliorer et d'éduquer les mœurs de ses citoyens. Ces aspirations d’Auguste étaient soutenues par l’un des poètes romains les plus remarquables, Horace, et se reflétaient dans sa « Science de la poésie ». Cependant, tous les efforts d'Auguste pour faire revivre le genre sérieux sur la scène romaine ont échoué.
De la tragédie de l'époque impériale, rien ne nous est parvenu sauf les tragédies du philosophe Sénèque. Lucius Annaeus Seneca était le tuteur de l'empereur Néron, il occupa autrefois les postes les plus élevés de l'État sous ses ordres, mais il fut ensuite accusé de complot contre l'empereur et, sur ordre de Néron, se suicida en se coupant les veines. Sénèque a commencé à écrire des tragédies au cours des dernières années de sa vie, lorsque l'attitude de Néron à son égard a changé et qu'il a été contraint d'exprimer plus soigneusement son point de vue sur l'ordre existant.
Organisation de représentations théâtrales.
Des représentations ont eu lieu à Rome pendant divers jours fériés. Les pièces ont été jouées lors de la fête des patriciens - les Jeux Romains, organisés en septembre en l'honneur de Jupiter, Junon et Minerve ; aux Jeux Apollo - en juillet. Il n'y avait pas de bâtiment de théâtre permanent à Rome jusqu'au milieu du Ier siècle. AVANT JC.; le Sénat conservateur s'est opposé à sa construction. Pour les représentations, une plate-forme en bois d'une demi-hauteur d'homme était généralement érigée sur le forum. Un escalier étroit de 4 à 5 marches menait à la scène, le long duquel les acteurs montaient sur scène.
Dans la tragédie, l'action s'est déroulée devant le palais. Dans les comédies, le décor représentait presque toujours une rue de la ville avec les façades de deux ou trois maisons en face, et l'action se déroulait devant la maison. Le public était assis sur des bancs devant la scène. Mais parfois, le Sénat interdisait l'aménagement des sièges dans ces théâtres temporaires : assister aux représentations, de l'avis du Sénat, était un signe d'effémination. Toutes les structures construites pour les jeux théâtraux se sont effondrées immédiatement après leur achèvement.
Un événement pour Rome fut l'apparition du premier théâtre permanent construit en pierre. Ce théâtre a été construit en 55 avant JC. Gnaeus Pompée le Grand et pouvait accueillir jusqu'à 40 000 personnes. A la fin du Ier siècle. AVANT JC. Deux autres théâtres en pierre ont été construits à Rome : le Théâtre de Balbus et le Théâtre de Marcellus. De ce dernier, les restes du mur extérieur, divisé en trois étages, qui correspondent aux trois niveaux intérieurs, ont survécu jusqu'à nos jours.
Théâtre du Moyen Âge
Drame liturgique et semi-liturgique.
L'une des formes de l'art théâtral du début du Moyen Âge était le drame religieux. En luttant contre les vestiges du théâtre antique, contre les jeux ruraux, l'Église cherchait à utiliser l'efficacité de la propagande théâtrale à ses propres fins.
Déjà au IXe siècle, la messe était dramatisée et un rituel de lecture d'épisodes de légendes sur la vie du Christ, son enterrement et sa résurrection était développé. De ces dialogues naît le premier drame liturgique. Il y a eu deux cycles de ce drame : celui de Noël, racontant la naissance du Christ, et celui de Pâques, racontant l'histoire de sa résurrection. Dans le drame liturgique de Noël, une croix était placée au milieu du temple, puis elle était enveloppée d'un tissu noir, ce qui signifiait l'enterrement du corps du Seigneur.
Au fil du temps, le drame liturgique se complexifie, les costumes des « acteurs » se diversifient et des « instructions du metteur en scène » sont créées avec des instructions précises pour l'épreuve et les mouvements. Les prêtres eux-mêmes faisaient tout cela. Les organisateurs des représentations liturgiques ont accumulé une expérience de mise en scène et ont commencé à montrer habilement au peuple l'ascension du Christ et d'autres miracles évangéliques. Abordant la vie et utilisant les effets de production, le drame liturgique n'attirait plus, mais distrayait les paroissiens du service. Le développement du genre cache son autodestruction. Ne voulant pas renoncer aux services du théâtre et ne pouvant y faire face, les autorités ecclésiales déplacent le drame liturgique sous les arcades des églises vers le porche. Un drame semi-liturgique est né. Et ici, le théâtre de l'église, étant formellement au pouvoir du clergé, tomba sous l'influence de la foule de la ville. Maintenant, elle lui dicte déjà ses goûts, l'obligeant à donner des spectacles dans des foires, et non lors des jours fériés, et à passer complètement à sa langue maternelle, compréhensible pour la foule. Soucieux de réussir, les ecclésiastiques ont commencé à sélectionner des sujets plus quotidiens, et les sujets bibliques sujets à une interprétation quotidienne sont devenus le matériau d'un drame semi-liturgique. Les légendes bibliques font l’objet d’un traitement poétique au fil du temps. Des innovations techniques sont également introduites : le principe du décor simultané est enfin établi, lorsque plusieurs scènes d'action sont montrées simultanément ; le nombre de tours augmente. Cependant, malgré tout cela, le drame ecclésial a continué à entretenir un lien étroit avec l’Église. Le drame a été mis en scène sur le porche, avec les fonds de l'église, son répertoire a été compilé par le clergé (bien que les participants aux représentations, ainsi que les prêtres et les laïcs). Ainsi, combinant de manière complexe des éléments mutuellement exclusifs, le drame religieux a existé pendant longtemps.
Drame profane.
Le début du mouvement réaliste
Les premiers germes d'un nouveau mouvement réaliste sont associés au nom du trouvère (troubadour) Adam de La Halle (vers 1238-1287) de ville française Arras. De La Al était passionné de poésie, de musique et de théâtre. Il vécut à Paris et en Italie (à la cour de Charles d'Anjou) et devint largement connu comme poète, musicien et dramaturge.
Au XIIIe siècle, le courant de la comédie était déjà noyé par le théâtre du miracle, qui avait également pour thème les événements de la vie, mais se tournait vers la religion.
Miracle.
Le nom « miracle » vient du mot latin « miracle ». Et en effet, tous les conflits, reflétant parfois de manière très aiguë les contradictions de la vie, dans ce genre ont été résolus grâce à l'intervention des forces divines - Saint Nicolas, la Vierge Marie, etc. Le temps lui-même - le XIVe siècle, plein de guerres, de troubles populaires et de massacres inhumains - explique le développement d'un genre aussi controversé que le miracle. Ce n'est pas un hasard si un miracle, qui commençait habituellement par une image compromettante de la réalité, se terminait toujours par un compromis, un acte de repentir et de pardon, qui signifiait pratiquement une réconciliation avec les atrocités seulement montrées, car il présupposait un possible juste dans chaque méchant. Cela convenait à la fois à la conscience bourgeoise et à l’Église.
Mystère.
L'apogée du théâtre mystérieux se situe aux XVe-XVIe siècles, époque de croissance rapide des villes et d'aggravation des contradictions sociales. La ville a déjà largement surmonté la dépendance féodale, mais n’est pas encore tombée sous le règne d’un monarque absolu. Le mystère était l'expression de l'épanouissement de la cité médiévale et de sa culture. Il est né des soi-disant « mystères du mime » - des processions urbaines en l'honneur de fêtes religieuses, en l'honneur des départs cérémoniaux des rois. De ces festivités naît peu à peu un carré de mystère, exploitant les premières expériences du théâtre médiéval. Des spectacles mystérieux n'étaient pas organisés par l'église, mais par les ateliers de la ville et les municipalités. Les auteurs étaient des personnalités d'un type nouveau : théologiens, avocats, médecins. Malgré le fait que les représentations étaient dirigées par la haute bourgeoisie de la ville, les pièces de mystère étaient un art amateur public de masse. Des centaines de personnes ont participé aux représentations.
Le mystère montrait la création du monde, la rébellion de Lucifer contre Dieu et les miracles bibliques. Le mystère a élargi la gamme thématique du théâtre médiéval et accumulé une vaste expérience scénique, qui a été utilisée par les genres ultérieurs du Moyen Âge. Les interprètes du mystère étaient les citadins. Épisodes individuels de l'énorme performance théatrale réalisé par des représentants de divers ateliers de la ville. En même temps, le mystère donne à chaque métier l'occasion de s'exprimer le plus pleinement possible. Les mystères développèrent la technique théâtrale, établirent le goût du peuple pour le théâtre et préparèrent certains aspects du théâtre de la Renaissance. Mais dès 1548, il est interdit aux sociétés de mystère, particulièrement répandues en France, de montrer des pièces de mystère : la ligne comique critique du théâtre de mystère est devenue trop visible. La raison de sa mort est également qu’elle n’a pas reçu le soutien des nouvelles forces progressistes de la société.
Caractère anti-féodal
La Réforme s'est déroulée en Europe au XVIe siècle. Elle était de nature anti-féodale et prenait la forme d'une lutte contre le soutien idéologique du féodalisme - l'Église catholique.
Le mouvement de Réforme affirme le principe de « communication personnelle avec Dieu », le principe de vertu personnelle. Aux mains des riches bourgeois, la moralité devient une arme de lutte à la fois contre les seigneurs féodaux et contre les masses urbaines pauvres. Le désir de conférer une sainteté à la vision bourgeoise du monde donne naissance au théâtre moral.
Moralité.
La moralité a libéré la moralisation des sujets religieux et des distractions quotidiennes et, devenue isolée, a acquis une unité stylistique et une plus grande orientation didactique.
Farce.
La farce carrée est devenue un genre théâtral indépendant depuis la seconde moitié du XVe siècle. Cependant, il avait déjà parcouru un long chemin de développement caché. Le nom lui-même vient du latin farta (« remplissage »). Et en effet, les organisateurs des mystères écrivaient souvent : « Insérez ici une farce. » Joyeux spectacles de Maslenitsa et spectacles folkloriques donner naissance à des « sociétés stupides » - une association de petits fonctionnaires judiciaires, de bohèmes urbaines diverses, d'écoliers et de séminaristes. Au XVe siècle, les sociétés clownesques se répandent dans toute l'Europe. Il y avait quatre grandes organisations à Paris et des défilés réguliers de leurs spectacles farfelus étaient organisés. Dans ces défilés, les discours des évêques, les débats des juges et l'entrée des rois dans la ville étaient ridiculisés. En réponse à cela, les autorités laïques et spirituelles ont persécuté les Farsers, les ont expulsés de la ville et les ont jetés en prison. La farce est orientée avec tout son contenu et sa structure artistique vers la réalité. Il ridiculise les soldats en maraude, les moines vendant des indulgences, les nobles arrogants et les marchands avares. Les traits de caractère nettement remarqués et soulignés portent un matériau de vie satiriquement aiguisé. Les grands principes du jeu des farceurs étaient la caractérisation, poussée jusqu'à la caricature parodique, et le dynamisme, exprimant l'activité et la gaieté des interprètes eux-mêmes. Les autorités monarchiques et ecclésiales s'en prennent de plus en plus à la libre pensée urbaine et à l'une de ses formes : le théâtre farfelu.
Farce rendue grande influence sur la poursuite du développement théâtre d'Europe occidentale. En Italie, la commedia dell'arte est née de la farce ; en Espagne - l'œuvre du « père du théâtre espagnol » Lope de Rueda ; et en Angleterre, John Heywood écrivait ses intermèdes comme une farce, en Allemagne, Hans Sachs ; en France, les traditions farfelues ont nourri l'art du brillant Molière et du grand Shakespeare.
C'est la farce qui devient le lien entre l'ancien et le nouveau théâtre.
Nouveau théâtre
Théâtre (du grec theatre - lieu de spectacle, spectacle). Le concept générique de théâtre est divisé en types d'art théâtral : théâtre dramatique, opéra, ballet, théâtre de pantomime, etc. L'origine du terme est associée au théâtre grec antique, où c'était le nom donné aux sièges de l'auditorium. Cependant, aujourd'hui, la signification de ce terme est extrêmement diversifiée.
Au siècle des Lumières, le passage à culture moderne. Un nouveau mode de vie et de pensée prenait forme, ce qui signifie que la conscience artistique d'un nouveau type de culture changeait également. Le nom « Lumières » caractérise bien l’esprit général de ce mouvement dans le domaine de la vie culturelle et spirituelle, qui se donne pour objectif de remplacer les conceptions fondées sur des autorités religieuses ou politiques par celles résultant des exigences de l’esprit humain.
XVIIIe siècle a donné à la culture mondiale des artistes et théoriciens de l'art théâtral aussi remarquables que Sheridan en Angleterre, Voltaire, Diderot, Beaumarchais en France, Lessing, Goethe, Schiller en Allemagne, Goldoni en Italie. La domination de la raison a conduit au fait que l'art des Lumières souffrait de rationalité : une analyse rationnelle de la vie exigeait des formes ordonnées.
Cependant, les éclaireurs qui ont vu l'idéal de l'homme dans personnalité harmonieuse, ne pouvait négliger les exigences du sentiment en matière d'art. Le théâtre des Lumières exprimait remarquablement, tant dans son contenu que dans sa méthode, une nouvelle vision du monde adaptée à l’époque.
Le théâtre au siècle des Lumières en Angleterre.
Le public du théâtre du XVIIIe siècle se démocratise beaucoup. De simples bancs ont été installés dans les étals pour les citadins. Les étagères étaient remplies de domestiques, d'étudiants et de petits artisans. Pendant les représentations, le public s'est comporté très activement, réagissant avec animation à ce qui était montré sur scène.
Ainsi, en Angleterre, le théâtre des Lumières critiquait les vices du système bourgeois naissant. Une nouvelle doctrine idéologique du théâtre émerge : le public et éducation morale téléspectateur. Cette doctrine s'intègre parfaitement dans les traditions puritaines de l'Angleterre - plus tard, les puritains ont assoupli leur position par rapport à l'art théâtral, et n'ont plus lutté contre le théâtre en tant que tel, mais pour sa réforme : l'éradication de l'immoralité et la transformation du théâtre en un institution socialement utile.
Document de programme La réforme du théâtre était le traité du théologien puritain Jeremy Collier contre le théâtre aristocratique Bref aperçu immoralité et méchanceté de la scène anglaise (1698). Ce traité a déterminé la moralisation et le didactisme emphatiques du théâtre anglais tout au long du XVIIIe siècle. Le travail d'auteurs dramatiques tels que Joseph Addison (Cato, The Drummer), Richard Steele (The Liar Lover, or Women's Friendship; The Carefree Husband), Samuel Johnson (Irene), Colley Cibber (The Carefree Husband; The Wife's Last Bid; The Mari irrité) a évolué dans ce sens. ).
En 1731, dans la préface de sa pièce Le Marchand de Londres ou l'Histoire de George Barnwell, le dramaturge George Lillo publia un manifeste d'une nouvelle programme esthétique- théorie réaliste du drame bourgeois. Il s'oppose aux restrictions de classe de la tragédie, qui n'a fait apparaître comme héros que des individus de haut rang. Sans cacher son hostilité envers l'aristocratie, il exige que la tragédie devienne conductrice des idées morales de la bourgeoisie. Dix ans plus tôt, en 1721, parut en Angleterre la pièce anonyme «Fatal Madness», écrite sur l'un des thèmes favoris du drame bourgeois: les conséquences désastreuses de la passion du jeu. Ensuite, la pièce est passée pratiquement inaperçue : l’heure d’un nouveau genre n’était pas encore venue. Mais maintenant, les questions bourgeoises sont devenues très demandées par les téléspectateurs.
Les tendances satiriques dans le théâtre ont été développées avec succès par Henry Fielding (« Don Quichotte en Angleterre » ; « L'Opéra de Grabstreet ou Sous la chaussure de la femme » ; « Calendrier historique pour 1736 »). La sévérité de la dénonciation satirique conduisit en 1737 à la publication d'une loi gouvernementale sur la censure théâtrale, qui mit fin à la satire politique. L'attention des dramaturges et des éducateurs s'est concentrée sur la comédie des mœurs, qui offrait au moins l'occasion d'une satire sociale. Les œuvres de comédie de mœurs les plus intéressantes de cette période appartiennent à la plume d'Oliver Goldsmith (Good ; Night of Errors) et Richard Sheridan (The Rivals ; The School for Scandal).
Le meilleur représentant de l’art artistique anglais fut le célèbre David Garrick (1717-1779), humaniste et pédagogue de scène. Il a promu avec succès la dramaturgie de Shakespeare, jouant les rôles de Hamlet, Lear et d'autres.
Fin du XVIIIe siècle marqué en Angleterre par l'émergence d'un nouveau genre - la tragédie des « cauchemars et horreurs », qui fut le prédécesseur d'un nouveau mouvement esthétique : le romantisme. Le créateur de ce genre était Horace Walpole. Bien qu’il n’ait écrit qu’une seule pièce, « La Mère mystérieuse » (1768), racontant l’histoire d’une passion incestueuse, l’écrivain a eu une grande influence sur le drame préromantique et romantique.
Théâtre français du XVIIIe siècle.
Le processus de démocratisation de la société au siècle des Lumières a donné naissance à une nouvelle genre dramatique- le drame bourgeois dont les créateurs en France étaient D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mersier.
Les défauts du drame bourgeois et de la « comédie larmoyante » furent surmontés dans les comédies de P. O. Beaumarchais « Le Barbier de Séville » (1775) et « Les Noces de Figaro » (1784), dans lesquelles les traditions de Molière furent ravivées avec une vigueur renouvelée et les meilleures caractéristiques de l’esthétique éducative étaient incarnées.
Aspirations héroïques et civiques du théâtre éducatif avec plus grande force est apparue lors de la révolution bourgeoise française de la fin du XVIIIe siècle. Les tragédies de M. J. Chénier, empreintes d'un pathos anti-féodal (Charles IX, 1789, Henri VIII, 1791, Jean Calas, 1791, Caius Gracchus, 1792), sont des exemples de la dramaturgie du classicisme révolutionnaire.
En France, le philosophe des Lumières Voltaire, abordant dans son drame les problèmes sociaux urgents et dénonçant le despotisme, a continué à développer le genre de la tragédie.
Parallèlement, la tradition comique-satirique se maintient sur la scène française. Ainsi, Lesage (1668-1747) dans la comédie « Turcaré » critiquait non seulement la noblesse décadente, mais aussi la bourgeoisie usurière. Il cherchait à créer des comédies pour le théâtre populaire de masse.
Un autre éducateur et dramaturge, Denis Diderot (1713-1784), défendait sur scène la vérité et le naturel. Outre de nombreuses pièces de théâtre (« Mauvais fils », « Père de famille », etc.), Diderot écrit un traité « Le paradoxe de l'acteur », dans lequel il développe la théorie du jeu d'acteur.
Dans les productions des tragédies éducatives de Voltaire, un nouveau type d'acteurs est apparu, capable d'exprimer le pathétique civique des thèmes héroïques et accusateurs.
Les théâtres de foire et de boulevard ont occupé une grande place dans le développement du théâtre au siècle des Lumières en France. Le genre du théâtre équitable était celui des pantomimes, des farces, des pièces de moralité et des fastachtspiels, dont les représentations étaient basées sur l'art de l'improvisation. Il s'agissait de spectacles souvent satiriques, avec des éléments de grotesque et de bouffonnerie, remplis d'humour grossier. Des danseurs de corde, des jongleurs et des animaux dressés – des prototypes d'acteurs de cirque – se produisaient également lors des foires. Ils ont largement eu recours à la parodie et à la satire. Le caractère démocratique de cet art lui a valu des attaques de la part de théâtres privilégiés.
Formation du théâtre allemand.
Le véritable créateur du théâtre national allemand fut le plus éminent écrivain allemand des Lumières Gotthold-Ephraim Lessing (1729 -1781). Il a créé la première comédie nationale allemande « Minna von Barnholm », la tragédie anti-féodale « Emilia Galotti » et plusieurs autres œuvres dramatiques. Dans la tragédie éducative « Nathan le Sage », l’auteur s’est prononcé contre le fanatisme religieux.
Dans le célèbre livre « Hamburg Drama », Lessing expose ses opinions sur l’esthétique et la théorie du drame. G. E. Lessing est le créateur du drame social, de la comédie nationale et de la tragédie éducative, théoricien du théâtre et fondateur du mouvement réaliste du théâtre allemand du XVIIIe siècle.
Les idées des Lumières ont eu une grande influence sur le théâtre allemand, le rapprochant du réalisme. L'acteur le plus important en Allemagne de ces années-là était Friedrich Ludwig Schröder (1744-1816), associé aux idées de « stum et stress ». Dans les années 70 XVIIIe siècle Un nouveau mouvement appelé « Storm and Drang » est apparu dans l'art allemand.
Il reflétait le mouvement des cercles les plus avancés et révolutionnaires de la bourgeoisie, qui luttaient contre la féodalité et l'absolutisme. Les plus grands poètes et dramaturges allemands, Goethe et Schiller, participèrent à ce mouvement. En 1777, fut inauguré le Théâtre national de Mannheim, qui devint l'un des plus grands théâtres allemands des années 80-90. Au XVIIIe siècle, l'activité de l'acteur, metteur en scène et dramaturge A.V. Iffland s'y développe. Il a implanté sur la scène de Mannheim une dramaturgie bourgeoise-philistine (ses propres pièces, ainsi que celles de A. Kotzebue), qui ont déterminé le visage créatif du théâtre.
Fin du XVIIIe siècle. Le développement du théâtre allemand est associé aux activités des grands dramaturges allemands J. W. Goethe et F. Schiller au théâtre de Weimar. Ici, pour la première fois en Allemagne, les plus grandes œuvres du drame classique mondial (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire et autres) furent mises en scène, les bases de l'art de la mise en scène furent posées et le principe d'un ensemble d'acteurs subordonné à un un seul concept artistique a été mis en œuvre.
Goethe dans son programme théorique et pratique artistique affirmait les principes de la création d'un théâtre monumental répondant aux normes strictes de l'art ancien. L’école de théâtre de Weimar était à l’opposé de l’école de Mannheim et était plus proche de l’école classique.
Théâtre italien.
Malgré son retard économique et politique, l'Italie se distingue par la richesse et la diversité de sa vie théâtrale. Au XVIIIe siècle L'Italie possédait le meilleur théâtre musical au monde, dans lequel on distinguait deux types : l'opéra sérieux et l'opéra-comique (opera buffa). Il y avait un théâtre de marionnettes et des spectacles de commedia dell'arte étaient donnés partout.
Cependant, la réforme théâtre dramatique se prépare depuis longtemps. Au siècle des Lumières, la comédie improvisée ne répond plus aux exigences de l’époque. Il fallait un nouveau théâtre littéraire sérieux. La Comédie des Masques ne pouvait pas exister sous sa forme précédente, mais ses réalisations devaient être préservées et soigneusement transférées au nouveau théâtre.
La pénétration des idées des Lumières dans le théâtre italien s'est accompagnée d'une longue lutte contre le formalisme et le manque d'idées dans le théâtre italien. scène de théâtre. En Italie, le remarquable dramaturge Carlo Goldoni (1707 -1793) fut un innovateur. Il a créé nouvelle comédie personnages. Au lieu d’improvisation, le spectacle était basé sur un texte littéraire.
La seconde moitié du XVIIIe siècle est restée dans l’histoire italienne comme une période de guerres théâtrales. L'abbé Chiari, dramaturge médiocre et donc inoffensif, s'oppose à lui, mais son principal adversaire, égal à lui en termes de talent, est Carlo Gozzi. Gozzi a défendu le théâtre des masques, se donnant pour mission de faire revivre la tradition de la comédie improvisée. Et à un moment donné, il semblait qu'il avait réussi. Et bien que Goldoni ait laissé une place à l'improvisation dans ses comédies et que Gozzi lui-même ait finalement écrit presque toutes ses œuvres dramatiques, leur dispute était cruelle et sans compromis. Car le nerf principal de l'affrontement entre les deux grands Vénitiens est l'incompatibilité de leurs positions sociales, de leurs visions différentes du monde et de l'homme.
Carlo Gozzi (1720-1806) était un dramaturge talentueux. Dans un effort pour contraster les comédies de Goldoni avec son propre répertoire, Gozzi a développé le genre conte de fée théâtral. Ce sont ses pièces « L'amour des trois oranges », « Le roi des cerfs », la célèbre « Princesse Turandot », « La femme serpent » et d'autres. Grâce à leur riche ironie et leur riche humour, les talentueux contes de fées de Gozzi pour la scène sont toujours populaires aujourd’hui.
Le plus grand auteur de tragédies était Vittorio Alfieri. La naissance de la tragédie du répertoire italien est associée à son nom. Il a créé une tragédie civile presque à lui seul. Patriote passionné qui rêvait de libérer sa patrie, Alfieri s’opposait à la tyrannie. Toutes ses tragédies sont empreintes du pathétique héroïque de la lutte pour la liberté.
Alfieri a soutenu que le peuple devrait recevoir la liberté des mains de l'aristocratie ; il a affirmé la liberté de la personne humaine, dont la volonté n'est soumise qu'à la raison et au sens du devoir. Dans son traité « Du prince et de la littérature » (1778-86), Alfieri définit la tâche de la poésie dramatique comme l'éveil des sentiments de vertu et de l'amour de la liberté. Les tragédies d'Alfieri Saül, Philippe, Virginie, Brutus I et Brutus II ont contribué au développement du théâtre italien.
Théâtre danois des Lumières.
Le théâtre professionnel au Danemark est né au XVIIIe siècle, sa création a été motivée par des raisons économiques et développement culturel des pays. Le 23 septembre 1722, le théâtre danois a ouvert ses portes à Copenhague avec la pièce « L'Avare », et bientôt a eu lieu la première de la première comédie de L. Holberg « L'homme politique de fer-blanc ».
En 1728, les représentants des milieux judiciaires obtinrent la fermeture de la scène danoise. Le théâtre ne reprit ses activités qu'en 1748 (dans les locaux de la Place Royale). En 1770, elle reçut le nom de Royal et passa sous la juridiction du Ministère de la Cour. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Le théâtre mettait en scène des singspiels, des comédies de J. Ewald, des tragédies de Voltaire et de ses épigones danois, mais la base du répertoire du théâtre restait la dramaturgie de Holberg.
Un rôle important dans la promotion des idées des Lumières au Danemark a été joué par le travail de I. H. Wessel, l'auteur de la tragédie parodique « L'amour sans bas » (1772), qui a perpétué les traditions de Holberg.
Le théâtre des Lumières est l’un des phénomènes les plus marquants et les plus significatifs de l’histoire de la culture mondiale ; c'est une source puissante d'art théâtral européen - pour tous les temps. Le nouveau théâtre est né de la nécessité de mettre la jeune énergie en action. Et si vous vous posez la question dans quelle sphère artistique cette action, cette mer de plaisir aurait dû aboutir, alors la réponse est claire : bien sûr, dans la sphère du théâtre.
Au XVIIIe siècle, le théâtre européen connut une grande et vie compliquée. Les normes esthétiques, considérées comme absolues, ont perdu leur sens d’antan à cette époque. Au cours d'un siècle, les opinions et les goûts furent en conflit constant, et les auditoriums se transformèrent plus d'une fois en une arène d'affrontements publics. Les auteurs étaient des opposants politiques qui, pour la première fois, ont compris qu'il pouvait aussi y avoir une lutte acharnée dans leur art.
Le théâtre en tant que forme d'art n'est pas préservé dans des monuments matériels tels que la peinture et la sculpture, ainsi que dans les œuvres littéraires et musicales. Mais l’histoire du théâtre raconte les grands acteurs du passé, la manière dont ils jouaient, les aspirations de leurs contemporains qu’ils incarnaient dans leur jeu, les exigences de l’époque auxquelles ils répondaient.
La vie au théâtre Russie du 19ème siècle.
Au début du XIXe siècle, un réseau de théâtres impériaux russes se constitue, gérés
"le ministère de la Cour de Sa Majesté Impériale". Subordonnés à la cour, il y avait trois théâtres à Saint-Pétersbourg - Alexandrie, Mariinsky et Mikhaïlovski - et deux à Moscou - les théâtres Bolchoï et Maly.
Avec l'avènement des pièces d'A.N. Ostrovsky, I.S. Tourgueniev, prose de F.M. Dostoïevski, la poésie de Nekrassov et le réalisme sont entrés dans la culture russe.
L’art du jeu d’acteur a changé avec la dramaturgie, brisant les vieilles idées sur ce qu’est la vérité sur scène. Le 16 novembre 1859 fut le jour de la première de la pièce « L'Orage » d'Ostrovsky au Théâtre Maly. Une tempête a éclaté autour du spectacle. La première interprète du rôle de Katerina était la merveilleuse actrice L.P. Nikouline - Kositskaïa. Avec les pièces d'Ostrovsky, les éléments de la vie russe, un langage nouveau, riche et moderne, font irruption sur scène. Les acteurs de Maly ont brillé dans les pièces d'Ostrovsky au cours des décennies suivantes. G.N. Fedotova, M.N. Ermolova est une merveilleuse actrice du Théâtre Maly.
Artistes russes de la première moitié du XIXe siècle M.S. Chtchepkine, P.S. Mochalov, V.A. Karatygin est resté dans la mémoire des descendants comme des personnages de légende. Chtchepkine a joué près de 600 rôles dans des pièces de Shakespeare, Molière, Gogol, Ostrovsky et Tourgueniev. Il fut l'un des premiers à affirmer le réalisme sur le théâtre russe ; il créa la vérité sur la scène russe.
Mochalov est l'opposé direct de Shchepkin. Il a joué des rôles principaux dans des pièces de théâtre russes et occidentales - Hamlet de Shakespeare, Karl Moor dans le drame de Schiller Les Voleurs, Chatsky dans Malheur de l'esprit.
Dans les productions de pièces de théâtre, les acteurs russes ont créé des images qui sont entrées dans l'histoire de l'art théâtral. Le public admirait Ekaterina Semionova et Alexei Yakovlev. Ces acteurs se sont complètement transformés en la personne qu'ils représentaient. Peu à peu, le Théâtre Maly a commencé à se spécialiser dans les productions dramatiques et le Bolchoï dans l'opéra et le ballet.
Théâtre Bolchoï Petrovsky 1825-1853
L'ouverture du Théâtre Bolchoï Petrovsky le 6 janvier 1825 fut très solennelle. Les spectateurs qui ont visité le nouveau théâtre ce soir-là ont été choqués par la noblesse de la conception architecturale et de sa mise en œuvre, l'ampleur sans précédent du bâtiment et la beauté de la décoration de sa salle.
L'écrivain Sergueï Aksakov a rappelé : « Le Théâtre Bolchoï Petrovsky, qui a émergé de vieilles ruines calcinées... m'a émerveillé et enchanté... L'immense bâtiment magnifique, exclusivement dédié à mon art préféré, rien que par son apparence m'a plongé dans une joyeuse excitation. .. »
Avant le début de la représentation, le public a appelé sur scène le constructeur de théâtre Ossip Bové et l'a applaudi.
Par un matin nuageux et glacial du 11 mars 1853, pour une raison inconnue, un incendie se déclara dans le théâtre. Les flammes ont instantanément englouti tout le bâtiment, mais le feu a fait rage avec la plus grande force sur la scène et dans la salle. "C'était effrayant de regarder ce géant englouti dans le feu", a décrit un témoin oculaire. "Quand il brûlait, il nous semblait qu'une personne qui nous était chère, qui nous avait doté des plus belles pensées et sentiments, était en train de mourir. sous nos yeux… »
Pendant deux jours, les Moscovites ont combattu les flammes et le troisième jour, le bâtiment du théâtre ressemblait aux ruines du Colisée romain. Les restes du bâtiment ont brûlé pendant environ une semaine. Des costumes de théâtre rassemblés depuis la fin du XVIIIe siècle, d'excellents décors pour les représentations, les archives de la troupe, une partie de la bibliothèque musicale et des instruments de musique rares ont été irrémédiablement perdus dans l'incendie.
Le projet du nouveau bâtiment du théâtre, élaboré par le professeur A. Mikhailov, fut approuvé par l'empereur Alexandre Ier en 1821 et sa construction fut confiée à l'architecte Osip Bova.
L'un des plus grands théâtres d'Europe, il a été construit sur le site d'un bâtiment de théâtre incendié, mais la façade faisait face à la place Teatralnaya...
Grand Théâtre(1856-1917)
Le 20 août 1856, le Théâtre Bolchoï restauré est inauguré en présence de famille royale et des représentants de tous les États avec l’opéra « Les Puritains » de V. Bellini interprété par une troupe italienne. Le ballet moscovite de cette époque doit ses succès au talent du Français Marius Petipa, installé à Saint-Pétersbourg. Le chorégraphe est venu à plusieurs reprises à Moscou pour mettre en scène des spectacles. La plus importante de ses œuvres moscovites était « Don Quichotte » de L. Minkus, présentée pour la première fois en 1869. Petipa a ensuite transféré l'édition moscovite de ce ballet sur la scène de Saint-Pétersbourg.
Le travail de P. Tchaïkovski a été d'une grande importance pour le développement de la culture du spectacle. Les débuts du compositeur dans la musique d'opéra - "La Voevoda" (1869) et la musique de ballet - "Le Lac des Cygnes" (1877) ont eu lieu sur la scène du Théâtre Bolchoï. C'est ici que l'opéra « Eugène Onéguine » (1881) a vu le jour, sa première tentative sur la grande scène après la production du Conservatoire de 1879 ; L'opéra « Mazeppa » (1884), l'un des sommets de la créativité lyrique du compositeur, est sorti pour la première fois ; la version finale de l'opéra « Forgeron Vakula », qui a reçu le nouveau nom « Cherevichki » lors de la représentation de 1887.
Une représentation mémorable dans les annales du théâtre fut la première représentation, le 16 décembre 1888, du drame populaire de I. Moussorgski « Boris Godounov ». Le premier opéra de N. Rimski-Korsakov à voir le jour sur la scène du Théâtre Bolchoï fut « La Fille des neiges » (1893), puis « La nuit avant Noël » (1898). Dans le même 1898, le théâtre a montré pour la première fois au public l'opéra "Prince Igor" d'A. Borodine, et deux ans plus tard, les fans art chorégraphique a fait la connaissance du ballet « Raymonda » d'A. Glazunov.
Troupe d'opéra du théâtre fin XIX- le début du XXe siècle compte de nombreux chanteurs marquants. Parmi les noms glorieux des années passées figurent Eulalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov, etc. Des chanteurs sont apparus sur la scène du théâtre au cours de ces années, dont les noms sont rapidement devenus largement connus non seulement dans La Russie, mais aussi à l'étranger - Leonid Sobinov, Fiodor Chaliapine, Antonina Nezhdanova.
L'activité au théâtre de Sergueï Rachmaninov, qui s'est également déclaré un brillant musicien à la tribune du chef d'orchestre, a été fructueuse. Rachmaninov a amélioré la qualité sonore des classiques de l'opéra russe au théâtre. D'ailleurs, le nom de Rachmaninov est associé au transfert de la console du chef d'orchestre à l'endroit où elle se trouve actuellement : auparavant, le chef d'orchestre se tenait derrière l'orchestre, face à la scène.
En 1899, La Belle au bois dormant est représentée pour la première fois au Théâtre Bolchoï. La production de ce ballet, qui a établi le partenariat de la musique et de la danse dans le théâtre de ballet russe, a marqué le début d'un long et heureux travail à Moscou pour le chorégraphe, librettiste et professeur Alexandre Gorski. J'ai travaillé avec lui grand groupe artistes talentueux - Ekaterina Geltser, Vera Caralli, Sofya Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, le chef d'orchestre et compositeur Andrei Arende, etc. Pour concevoir une nouvelle production du ballet «Don Quichotte» (1900), Gorsky pour la première fois ont invité les jeunes artistes Konstantin Korovin et Alexander Golovin, futurs grands maîtres de la peinture théâtrale.
1911 Le projet présenté par Albert Kavos a remporté le concours pour la restauration du bâtiment du théâtre.
Kavos, tout en conservant l'agencement et le volume du bâtiment de Beauvais, augmente la hauteur, change les proportions et redessine le décor architectural. En particulier, de fines galeries en fonte avec des lampes ont été construites sur les côtés du bâtiment. Les contemporains ont noté l'aspect de cette colonnade, particulièrement belle le soir, quand on la regarde de loin, et une rangée de lampes allumées ressemble à un fil de diamant courant le long du théâtre.
Le groupe d'Apollon en albâtre qui décorait le Théâtre de Beauvais a été détruit dans un incendie. Pour en créer un nouveau, Kavos a invité le célèbre sculpteur russe Piotr Klodt (1805-1867), auteur des célèbres quatre groupes équestres du pont Anitchkov sur la rivière Fontanka à Saint-Pétersbourg.
Klodt a créé avec Apollo le groupe sculptural désormais mondialement connu. Il a été coulé dans les usines du duc de Lichtenberg à partir d'un alliage métallique plaqué de cuivre rouge.
Lors de la reconstruction de l'auditorium, Kavos a modifié la forme de la salle, en la rétrécissant vers la scène, et a approfondi la fosse d'orchestre. Derrière les stalles, là où se trouvait autrefois une galerie, il construisit un amphithéâtre. Les dimensions de l'auditorium sont devenues : profondeur et largeur presque égales - environ 30 mètres, hauteur - environ 20 mètres. L'auditorium a commencé à accueillir plus de 2 000 spectateurs.
Sous cette forme, le Théâtre Bolchoï a survécu jusqu'à nos jours, à l'exception de petites reconstructions internes et externes.
Le théâtre est un miracle du monde humain.
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